Archivo
La semana internacional de cine fantástico de la Costa del Sol llega a su XII edición
El próximo 19 de septiembre comenzará en Estepona la XII edición de la Semana Internacional de la Costa del Sol, gran cita esperada por el fandom español. En este blog le tenemos especial querencia por haber sido Paul Naschy uno de sus impulsores, su personaje más querido, Waldemar Daninsky, da nombre al galardón honorífico que este año recaerá merecidamente en Jesús Franco. Se entregará, además, el Unicornio de Honor al actor Kevin Sorbo, popular por su participación en la serie televisiva Hercules: The Legendary Journeys (111 episodios, 1995-1999). Este actor, además, será protagonista de la Legendary Fan Convention.
La presencia de esta estrella televisiva había generado muchas expectativas entre la afición, lamentablemente se ha provocado también una triste polémica en torno a la convención. Polémica creada por la desinformación de algunos medios de la prensa y el revuelo que en torno a ese error ha protagonizado el PSOE local. Un ejemplo de lo que decimos:
Veinte euros por autógrafo
El PSOE denuncia que el equipo de gobierno quiere que se pague por las firmas de los actores, fotos y comidas en la Semana de Cine Fantástico de la Costa del Sol
http://www.malagahoy.es/article/provincia/1049514/veinte/euros/por/autografo.html
El gobierno municipal rápidamente desmintió esa noticia. El festival es completamente gratis y la Legendary Fan Convention. Quizás en este país de envidiosos que es España, en ocasiones, desconozca que el cobro de fotografías y autógrafos por parte de los propios actores es una práctica extendida en EE.UU (Naschy no se sumó a esa tendencia en su estancia en América). El dinero que se recaude irá a parar a las manos de Kevin Sorbo exclusivamente, por tanto el festival sigue siendo totalmente gratuito como lo ha sido desde su inicio.
En vistas de que los rumores no cesaban (presentes incluso en la página de Facebook de la Semana) la organización del festival ha redactado una extensa nota aclaratoria. Para que cese este malentendido reproducimos completa dicha nota:
La Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona se posiciona ante los comentarios infundados surgidos raíz de la LEGENDARY FAN CONVENTION organizada como acto paralelo de la XII edición del festival.
La visita de Kevin Sorbo a la Semana Internacional de Cine Fantástico está generando mucha más expectación de la inicialmente prevista. Lo que en principio era una mera invitación al artista para recoger el Premio Unicornio de Honor, galardón que en ediciones anteriores han recogido en Estepona artistas de la talla de Christopher Lee, Dario Argento, Dolph Lungren o Narciso Ibañez Serrador, ha generado que una entusiasta avalancha de fans, acérrimos y devotos hayan solicitado a la organización del festival la preparación de un calendario de actividades paralelo a la programación del Festival.
El Hotel Fuerte Estepona Suites Spa se convierte de esta manera en sede de todas las actividades para fans relacionada con la figura de Kevin Sorbo, principal homenajeado de esta XII junto a otros artistas del Séptimo Arte que visitarán la costera localidad malagueña, como el consagrado ganador de un Goya Honorífico, Jesús Franco (Premio Waldemar Daninsky), el emergente cineasta Miguel Ángel Vivas (Premio Especial del Jurado) o la popular actriz andaluza Ana Fernández (Premio ASFAAN).
Las actividades organizadas alrededor de la visita de Kevin Sorbo en deferencia a sus seguidores han sido producto de la cordial negociación mantenida con artista y representantes de sus clubes de fans. La Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol Estepona ejerce exclusivas labores de anfitrión, sin recibir ningún tipo de beneficio adicional de índole económica por dicha gestión. Más aún, el consentimiento de los organizadores a albergar esta convención paralela dentro de las actividades del festival obedece a un interés meramente promocional para el evento que, ulteriormente, beneficie al comercio local en el municipio gracias a esta nueva racha turística en lo que los establecimientos hoteleros consideran Temporada Baja.
Que un evento como la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol Estepona, aún bajo el paraguas de la crisis, haya conseguido captar el interés de artistas de la repercusión mediática de Kevin Sorbo, prolongando así su continuidad, debería ser enfocado como algo positivo en un momento en el que la actividad cultural se ve seriamente afectada por los comprensibles recortes presupuestarios derivados de la actual coyuntura económica, más aún en el contexto de un evento que jamás ha obtenido lucro alguno por las actividades que organiza, ya sean proyecciones, conferencias o publicaciones.
Por ello, que artistas que en definitiva viven de su imagen hagan de ella un modelo de negocio no debería ser un argumento con el que emponzoñar la imagen de un evento ni de la corporación que lo apoya. Si se acepta (y no se critica) el hecho sacarse fotos junto a un hombre disfrazado de Mickey Mouse en EuroDisney o de Bob Esponja a la entrada del musical que lleva su nombre pagando similares cantidades, hacer crítica gratuíta de que un artista con todas las de la Ley que honra al municipio de Estepona con su visita rentabilice su imagen sólo debería tener repercusión en el bolsillo del aficionado. Para mayor satisfacción del fan acérrimo, hacer ese desembolso, en el caso concreto de Kevin Sorbo repercutirá en los fondos de la Fundación ‘A World Fit For Kids’ de la cual el actor invitado es Embajador.
La práctica del «congreso para fans» goza ya cierto recorrido en nuestro país, donde el cobro por autógrafos o fotos en eventos está a la orden del día. Eventos como Basauricon (celebrado en Febrero en la bilbaina localidad de Basauri), CiFi Mad (a celebrar el próximo mes de Noviembre en Madrid) o el Congreso de Música de Cine Ciudad de Úbeda (recientemente celebrado en la localidad jienense) sirven de marco para este modelo de celebración de eventos en los que los asistentes, previo desembolso de una cantidad en concepto de inscripción, adquieren el derecho a retratarse o recibir autógrafos de sus artistas favoritos.
Conviene destacar que la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona ya acogió en ediciones previas este tipo de iniciativas por parte de artistas homenajeados, como ha sido el caso de la veterana Carolin Munro, quien en la edición inaugural de este evento ya organizó alrededor de su visita la firma de autógrafos y fotos previo abono de módicas cantidades sin que el festival recibiese crítica alguna por ello.
Con esta nota se quiere poner punto final a esta estéril polémica, nada beneficiosa para quienes, desde el sector cultural, realizan notables esfuerzos por mantener dentro de unas más que aceptables cotas de calidad la celebración de esta clase de iniciativas.
XII Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona.
19 al 24 de Septiembre de 2011
Esperamos que nuestra pequeña contribución sirva de ayuda.
Inauguración de la calle Paul Naschy en Estepona
Destino Final 5 o el espíritu del cartoon llevado al horror
Cuando en el año 2000 aparecía la primera entrega de esta saga suponía una innovación: como en cualquier slasher todos van muriendo, salvo que no en manos de un psicópata sino perseguidos por la propia muerte, que les avisa mediante su enigmático emisario: el forense Mr Bludworth. Lo que fue innovación se convirtió en esquema de una serie que acaba de estrenar su quinta secuela la cual ofrece lo que de ella se espera. No pasamos miedo, al contrario, estamos pendientes de cómo van a ser esas muertes que ya sabemos se van a dar con una actitud de animus jocandi.
Aunque parta de la idea de fatalismo, sus trágicas muertes están carentes de tragedia, más bien las adorna un humor negrísimo cual si nos encontráramos ante un episodio del Correcaminos o de tantos otros cartoons. Tanto es así que casi estamos esperando que de un momento a otro aparezca en cualquier objeto la famosa marca Acme. Vean este vídeo con diez de las mejores muertes como ejemplo de lo que estamos diciendo:
Desde la primera secuela se juega a darle pistas al espectador y guiños que hacen referencia a episodios anteriores, así todos estamos esperando que salga en algún momento el número 180 que corresponde al del vuelo que se estrella en el inicio de la primera parte. El mayor problema al que se enfrenta esta franquicia es el reto de conseguir muertes cada más espectaculares y grotescas para mantener la atención del público que acude a cada entrega igual como quien lo hiciera a algún episodio de Jackass, pero mucho más radical aunque ficticio. Es difícil de conseguir y así Destino final 4 (Final Destination 4: Death Trip 3D, 2009, David R. Ellis ) resultó la más floja de las rodadas hasta entonces a pesar de la utilización del 3D. Por otro lado, su mejor baza es crear suspense ante cada nuevo accidente porque la película juega con nosotros al despiste y asistimos a la escena elucubrando cómo va a encontrar la muerte cada personaje según se nos van mostrando planos de detalles que pueden provocar la desgracia.
Este próximo viernes día 26 llega a las pantallas españolas Destino final 5 (Final destinarion 5, 2011, Steven Quale) también en 3D, contar algo de su argumento, pese a que el punto de partida sea el mismo (premonición-evasión del primer acidente-progresiva muerte de los supervivientes), supondría ya un spoiler que eliminaría ese factor sorpresa que sigue conservando. Por otra, parte quien esto escribe no puede compararla a las anteriores por no haber seguido la franquicia, de modo que no sabría decirles si efectivamente es más profunda que las anteriores, lo que sí puedo decir es que el dibujo de los personajes no pasa de cuatro líneas que apenas los bosquejan; sin embargo, ello no es un inconveniente en el film que busca más la espectacularidad que la empatía.
Y la espectacularidad está lograda desde los títulos de crédito (auténticas pistas de lo que nos espera). Igualmente el accidente evitado ofrece alguno de los momentos más atractivos del film. Puedo asegurarles, eso sí, que, a menos que sean ustedes muy aprensivos, les esperan una buena dosis de carcajadas. Ninguno puede salir del cine pensando que acaba de ver una obra maestra, pero cumple suficientemente bien su cometido: es una cinta de verano fresca que nos procura casi dos horas de evasión de nuestra realidad veraniega, tan sofocante ella fuera del cine. La película carece de grandes expectativas (ni siquiera pretende del 3D otra cosa que efectos circenses) y eso juega a su favor, abandonamos la sala con menor decepción de la que nos dejan algunas películas más ambiciosas en sus planteamientos. En definitiva, no apta para ser vista sin palomitas (y casi estoy por decir que sin estar rodeado de adolescentes con las hormonas revoloteadas).
Si están atentos a la aparición del célebre 180 descubrirán que, siendo la última hasta ahora, funciona como precuela cerrando aparentemente el círculo. ¿Significa eso que ya no habrá más partes? Pues según su director, Steven Quale , eso va a depender del éxito en taquilla que tenga ésta en sus exhibiciones. Así que ya saben, depende de ustedes que continúe o no, si lo han pasado bien con las anteriores no duden en ir a verla y si no, pues ya saben, pueden hacer que acabe aquí. Esta vez no les recomiendo ni lo uno ni lo otro, sino que se lo dejo totalmente a su elección.
Destino Final 5
Cuando en el año 2000 aparecía la primera entrega de esta saga suponía una innovación: como en cualquier slasher todos van muriendo, salvo que no en manos de un psicópata sino perseguidos por la propia muerte, que les avisa mediante su enigmático emisario: el forense Mr Bludworth. Lo que fue innovación se convirtió en esquema de una serie que acaba de estrenar su quinta secuela la cual ofrece lo que de ella se espera. No pasamos miedo, al contrario, estamos pendientes de cómo van a ser esas muertes que ya sabemos se van a dar con una actitud de animus jocandi.
Aunque parta de la idea de fatalismo, sus trágicas muertes están carentes de tragedia, más bien las adorna un humor negrísimo cual si nos encontráramos ante un episodio del Correcaminos o de tantos otros cartoons. Tanto es así que casi estamos esperando que de un momento a otro aparezca en cualquier objeto la famosa marca Acme. Vean este vídeo con diez de las mejores muertes como ejemplo de lo que estamos diciendo:
Desde la primera secuela se juega a darle pistas al espectador y guiños que hacen referencia a episodios anteriores, así todos estamos esperando que salga en algún momento el número 180 que corresponde al del vuelo que se estrella en el inicio de la primera parte. El mayor problema al que se enfrenta esta franquicia es el reto de conseguir muertes cada más espectaculares y grotescas para mantener la atención del público que acude a cada entrega igual como quien lo hiciera a algún episodio de Jackass, pero mucho más radical aunque ficticio. Es difícil de conseguir y así Destino final 4 (Final Destination 4: Death Trip 3D, 2009,David R. Ellis ) resultó la más floja de las rodadas hasta entonces a pesar de la utilización del 3D. Por otro lado, su mejor baza es crear suspense ante cada nuevo accidente porque la película juega con nosotros al despiste y asistimos a la escena elucubrando cómo va a encontrar la muerte cada personaje según se nos van mostrando planos de detalles que pueden provocar la desgracia.
Este próximo viernes día 26 llega a las pantallas españolas Destino final 5 (Final destinarion 5, 2011, Steven Quale) también en 3D, contar algo de su argumento, pese a que el punto de partida sea el mismo (premonición-evasión del primer acidente-progresiva muerte de los supervivientes), supondría ya un spoiler que eliminaría ese factor sorpresa que sigue conservando. Por otra, parte quien esto escribe no puede compararla a las anteriores por no haber seguido la franquicia, de modo que no sabría decirles si efectivamente es más profunda que las anteriores, lo que sí puedo decir es que el dibujo de los personajes no pasa de cuatro líneas que apenas los bosquejan; sin embargo, ello no es un inconveniente en el film que busca más la espectacularidad que la empatía.
Y la espectacularidad está lograda desde los títulos de crédito (auténticas pistas de lo que nos espera). Igualmente el accidente evitado ofrece alguno de los momentos más atractivos del film. Puedo asegurarles, eso sí, que, a menos que sean ustedes muy aprensivos, les esperan una buena dosis de carcajadas. Ninguno puede salir del cine pensando que acaba de ver una obra maestra, pero cumple suficientemente bien su cometido: es una cinta de verano fresca que nos procura casi dos horas de evasión de nuestra realidad veraniega, tan sofocante ella fuera del cine. La película carece de grandes expectativas (ni siquiera pretende del 3D otra cosa que efectos circenses) y eso juega a su favor, abandonamos la sala con menor decepción de la que nos dejan algunas películas más ambiciosas en sus planteamientos. En definitiva, no apta para ser vista sin palomitas (y casi estoy por decir que sin estar rodeado de adolescentes con las hormonas revoloteadas).
Si están atentos a la aparición del célebre 180 descubrirán que, siendo la última hasta ahora, funciona como precuela cerrando aparentemente el círculo. ¿Significa eso que ya no habrá más partes? Pues según su director, Steven Quale , eso va a depender del éxito en taquilla que tenga ésta en sus exhibiciones. Así que ya saben, depende de ustedes que continúe o no, si lo han pasado bien con las anteriores no duden en ir a verla y si no, pues ya saben, pueden hacer que acabe aquí. Esta vez no les recomiendo ni lo uno ni lo otro, sino que se lo dejo totalmente a su elección.
Avances de Sitges 2011: Noves Visions
Siguiendo su consolidación e influencia dentro del line-up del Festival, la sección Noves Visions se presenta este año como un espacio dedicado a las propuestas más innovadoras y transgresoras. En esta edición apuesta por la presencia de grandes autores ya consagrados así como por nuevos valores, siendo destacable la presencia de trabajos realizados por mujeres. La selección de títulos se reparte en cuatro divisiones, de las que ofrecemos un avance a continuación:
FICCIÓ
|
Una selección que combina grandes nombres del cine contemporáneo y autores jóvenes con trayectoria en el circuito de festivales.
–The Day He Arrives (Sang-soo Hong): Un juego de metalenguaje en la película más accesible del maestro coreano.
– Vampire (Shunji Iwai): El director de All About Lily Chou-Chou viaja a Norteamérica para explorar la angustia juvenil en clave genérica y homenajeando al Martin de George A. Romero.
– 22 mei (Koen Mortier): El realizador de Ex Drummer vuelve para explorar la paranoia actual post 11-S.
– 4:44: The Last Day on Earth (Abel Ferrara): Un ejercicio reflexivo e íntimo del realizador de The Addiction en torno al miedo al fin del mundo.
– Kotoko (Shinya Tsukamoto): El retorno del director de Tetsuo al cine de horror más reflexivo y transgresor.
– Hanezu no tsuki (Naomi Kawase): Una meditación en clave mitológica de la pérdida de valores trascendentes en la sociedad actual.
– La belle endormie (Catherine Breillat): Una versión muy personal y atípica del cuento de Perrault.
– The Tempest (Julie Taymor): Adaptación espectacular y fantástica de una de las más extrañas obras de Shakesperare por la realizadora de Titus y Frida.
– Le petit poucet (Marina de Van): Otra versión femenina y atípica de un famoso cuento infantil por parte de la directora de Don’t Look Back.
– Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos): Inquietante ejercicio de ciencia-ficción que hunde sus raíces en la tradición del género en los años 70 y que fue una de las sensaciones del festival de Tribeca de este año.
NO FICCIÓ
|
Confirmación del auge del documental de creación que viene proyectándose en las pasadas ediciones del festival.
– Arirang (Kim Ki-duk): Ejercicio autoreflexivo del director de La isla, ganador de la sección Un Certain Regard en Cannes 2011.
– Magic Trip: Ken Kelsey’s Search for a Kool Place (Alison Ellwood y Alex Gibney): Reconstrucción del viaje psicodélico de Ken Kelsey y un apasionante estudio de la cultura del LSD.
– Project Nim (James Marsh): El oscarizado director de Man on Wire se sumerge en un fascinante experimento sobre la inteligencia animal.
– The Bengali Detective (Philip Cox): Una mezcla de documental social y comedia que explora de manera sorprendente la compleja sociedad de la India actual.
– Knuckle (Ian Palmer): Impresionante documental sobre boxeo callejero.
– Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles (Jon Foy): Ganador en Sundance como mejor director de documental y un auténtico experimento de ciencia-ficción con dosis de paranoia milenarista.
DISCOVERY
|
Una selección de títulos realizados desde postulados independientes, experimentales e indagando nuevas posibilidades del lenguaje cinematográfico y el género fantástico.
– Vlogger (Ricard Gras): Experimento audiovisual de producción catalana que traduce en trama de ficción la mezcla de material de la red y ficción genérica. Tendrá su estreno mundial en Sitges.
– Hellacious Acres: The Case of John Glass (Pat Tremblay): El apocalipsis como temática, esta vez jugando con texturas e imágenes y prescindiendo del diálogo.
– Invasion of the Alien Bikini (Young-doo Oh): Película de superhéroes, con grandes dosis de cultura pop y comedia enloquecida. Una sorpresa que va más allá de su título.
DARK FICCIÓ
 |
 |
Una selección de propuestas de autor con vocación de culto:
– Onna no kappa (Underwater Love) (Shinji Imaoka): Indescriptible mezcla de pink eiga y musical protagonizado por una criatura mítica nipona. Con fotografía de Christopher Doyle.
– Meat (Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth): Las fantasías eróticas de un carnicero en un filme que experimenta texturas que recuerdan a Lynch o Greenaway.
– Kaidan Horror Classics (Shinya Tsukamoto, Msayuki Ochiai, Sang il-lee, Hirokazu Koreeda): Un filme ómnibus entorno a leyendas tradicionales de terror dirigidas por maestros como Tsukamoto o Koreeda.
Sitges 2011 va calentando motores y… ¡Ganas que tenemos de disfrutarlo!
Elle Fanning: Se confirma como estrella en Super-8
Con tan solo 13 años, Elle Fanning tiene una filmografía que para sí quisieran muchas de las denominadas estrellas, ya que su carrera se inicia desde los dos años, en varios papeles en los que interpretaba los personajes de su hermana Dakota, también actriz, cuando debía mostrar menor edad.
Hija de padres deportistas y con ascendencia irlandesa y alemana en sus genes, esta actriz, que nos ha sorprendido en el film que, sin duda la elevará al estrellato, Super-8, ha actuado en diversas series televisivas como C.S.I (Miami y New York), House o Mentes criminales, así como puesto voz a personajes en películas de animación (My Neighbor Totoro de Miyazaki o Astro Boy de David Bowers). Pero es en el cine en el que ha destacado, primero en pequeños papeles y más tarde con actuaciones de más peso en Un cruce en el destino (Reservation Road, 2007 Terry George), El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008 David Fincher), Babel (2006, Alejandro González Iñárritu), Phoebe in Wonderland (2008, Daniel Barnz), Somewhere (2010, Sofía Coppola), Whe Bought a Zoo (2011, Cameron Crowe) y Twixt Now and Sunrise (2011) de Francis Ford Coppola, un film basado en un sueño del director que tenemos muchas ganas de ver, en el que Elle interpreta a una fantasma llamada V y que cuenta entre sus personajes con Edgar Allan Poe, interpretado por Ben Chaplin.
Así que, si hace bien poco aplaudimos la aparición de Chloe Moretz en Let Me In (2010, Matt Reeves) y Kick Ass (2010, Matthew Vaughn), con Elle Fanning tenemos a otra joven actriz que sin duda dará mucho que hablar.
… Y si, ya sé que hay muchas fotos pero es que Elle, además de buena actriz es realmente mona.
Súper 8: mucho más que otro blockbuster revival
El verano del 2011 podrá ser recordado como el verano en el que las películas aptas para todos los públicos (como se las llamaba antes) se tiñeron de nostalgia. Ya sea a modo de relectura de viejas ( y no tan viejas) sagas, como El Origen del planeta de los simios (Rise of the planet of the apes, 2011, Rupert Wyatt) o X men firts class (2011, Matthew Vaughn). Ya sea como recuperación de héroes de otras décadas como Conan el bárbaro (Conan The Barbarian 3D, 2011, Marcus Nispel). O ya sea como revisión de todo un género. Ese es el caso de Súper 8 (2011, J.J. Abrams): todo un homenaje a la Ciencia Ficción tal como la ha visto Spielberg desde Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977, Steven Spielberg)
También los carteles manifiestan el amor por lo retro
La gran baza que ha jugado J.J. Abrams para crear expectación es no filtrar apenas nada sobre la película, incluso se le hizo firmar a los actores una cláusula de confidencialidad según la cual no podían hablar de la película más que con los miembros del equipo. Y está justificado, porque su película es para disfrutarla con aquella inocencia de las tardes de domingo en los que la única referencia para decidir en qué cine entrar era «mirar los cuadros». De modo que quien se adentre en este comentario ya sabe a lo que se expone: perder ese factor sorpresa que es el valor añadido que aporta Súper 8.
Valor añadido, aquello que suma y hace especial a un producto, es lo que busca Charles (Riley Griffiths), el mejor amigo del protagonista para su película de súper 8. Lo encuentra en un tren que descarrila después de chocar con una furgoneta, mientras la pandilla andaba rodando en la estación. Este es el arranque argumental, pero antes Abrams nos había dado toda una lección de cine en los cinco minutos de prólogo. Ése prólogo es una excelente muestra de que, con las líneas de diálogo justo y un calculado manejo de la cámara, es posible contar mucho en muy poco tiempo. En apenas cinco minutos, se nos caracteriza ya a todos los personajes,los conflictos que hay entre ellos, los sentimientos que les unen y se siembra la incógnita por el qué va a pasar a partir de ahí con los personajes. Desde ese inicio hasta el descarrilamiento del tren hay más historia narrada que en otras películas que invierten más de dos horas de metraje para contar la visión que el «autor» tiene del mundo.
Como todo buen blockbuster, viene bien servida de acción y efectos especiales, tanto visuales como de sonido, que la hacen espectacular en su ritmo bien modulado (no hay caídas significativas, salvo cierta precipitación hacia el desenlace). Y el espectador la contempla con mirada ingenua a poco que se deje llevar, porque, sin necesidad de usar cámara subjetiva ,el film nos la muestra desde los ojos de los protagonistas. Abrams sabe sumergirnos en la trama como si nos pasara a nosotros mismos, porque nos identificamos con la sorpresa que vemos retratada en los ojos de los protagonistas, nos miran a nosotros y nosotros nos transponemos en su piel como si ellos fueran nuestra imagen en el espejo. Y es que todos hemos sido niños ávidos de protagonismo y aventura.
Los efectos no son todo, sin la gran actuación de los pequeños actores la película no funcionaría. Cada cual interpreta a la perfección su rol en la pandilla: Riley Griffiths (Charles) es el gordito listo con gran inventiva hijo de una familia numerosa (que propicia los momentos más cómicos de la cinta) con madera de líder que consigue enrolar a todos sus amigos en el film que quiere rodar (sabe que será de zombies pero no su argumento, ¿les recuerda algo?); Ryan Lee (Cary) es el clásico aficionado a actividades extrañas (lo que se considera un friqui para algunos), en su caso los petardos y explosivos; Gabriel Basso (Martin) es el más aprensivo del grupo; Joel Courtney es el chico tímido con mucho mundo interior que se evade con sus amigos de problemas recientes; y Elle Fanning (Alice Dainard) es la chica en toda la polisemia del término. Entre ellos destacan el debutante Joel Courtney y la veterana Elle (¡hay que ver cómo está creciendo esta jovencita!), especialmente la niña, que apunta ya maneras de estrella. A Elle Fanning le debemos algunos de los momentos más emotivos de la película, aquellos en los que interpreta dentro de la interpretación y que la revelan como una actriz con talento y sensibilidad. Juntos forman la pandilla ideal, aquella que leíamos en las novelas juveniles, la misma que veíamos en las películas, y a la que tanto se parecían las nuestras aunque no fuéramos conscientes.
Ambientada en los albores de los 80’s, el tratamiento de la imagen y la iluminación juegan a emular las texturas de los films de esa década. Con esa fotografía granulosa y esos destellos de luz azul filtrada en los encuadres. La banda sonora de Michael Giacchino, que algunos verán como emulación de su propia composición para Lost, evoca las composiciones del Williams que formó tandem con Spielberg en esa década.
En esa década abundaron las películas de género fantástico con protagonistas infantiles, films como Los Goonies (1985, Richard Donner), Una pandilla alucinante (The Monster Squad, 1987 Fred Dekker), Cuenta conmigo (Stand By Me, 1986 Rob Reiner), basada en The Body de Stephen King (cuya sombra se proyecta alargada sobre el film) o, por supuesto, E.T, el extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial, 1982 Steven Spielberg) . Pero aunque esa sea la época recreada, al verla no podemos dejar de pensar en épocas anteriores, la de los 50’s y 60’s con su entrañable serie B poblada de monstruos y extraterrestres los cuáles (por falta de presupuesto en muchas ocasiones) apenas se mostraban, cosa que no siempre iba en detrimento del miedo que pretendían provocar sino que, al contrario, lo estimulaban aún más. También aquí el monstruo es entrevisto más que mostrado (hasta el momento preciso en que ha de hacer aparición) y nos recuerda a films como La noche del demonio (Night of the Demon, 1952 Jacques Tourneur) que aunque mostró un bicharraco por exigencias de los productores, habría funcionado igual de bien sin que se hubiera visto o el mismo Alien (1979, Ridley Scott), donde se enseñó lo justo. E.T y Alien son seguramente los dos referentes que más han inspirado a Abrams en la creación de su propia criatura y, si permanecen atentos en sus pantallas, hasta igual les parece que se funden en un plano.
Y es que Súper 8 es, ante todo, un homenaje a la infancia en general, pero en particular lo es de la de los monsters kids entre los que se cuenta el propio Spielberg, entre otros como John Landis, Joe Dante o el propio Stephen King. A finales de los años cincuenta y especialmente durante los sesenta, creció en Estados Unidos toda una generación alrededor de la publicación Famous Monsters of Filmland, del entrañable Forrest J. Ackerman, donde aprendieron a adorar a los viejos monstruos de Universal y, sobre todo a los maquilladores, auténticos hacedores de monstruos, cuyos nombres y trabajos conocían los niños, como Jack Pierce o Dick Smith (nombre que se escucha en el film). También coleccionaban y montaban maquetas de la marca Aurora, que representaba a los adorados monstruos (puede verse al Quasimodo de Aurora en la película). Devoraban películas en televisión en programas presentados por anfitriones del calibre de Vampira, Zacherley o Svengoolie, que entre chistes chuscos y telarañas quitaban el susto del cuerpo de los pequeños aprendices de monstruo. Aprendices que también hacían sus pinitos con el súper-8 (y antes con 8 mms.) imitando los films que veían, con especial predilección por Ray Harryhausen, al que emulaban poniendo en movimiento sus muñecos o fabricando sus propios dinosaurios, que cobraban vida en la pantalla rodados frame to frame. Esos pequeños aprendices se veían seguramente a sí mismos como protagonistas de historias que narraban invasiones alienígenas; o como luchadores contra el mal; o como monstruos. Todo ello con un lenguaje y en un mundo que parece que ellos solos entendían, ante el rechazo de unos padres que no podían comprender lo que ellos calificaban de morboso.
El corto que ruedan los muchachos del film bien podría haber sido una monster kid home movie como las que pueden verse en el vídeo que hemos incrustado (no hay que perderse los créditos finales de Súper 8, porque guardan una sorpresa). Eso es lo que está en el sustrato de Súper 8, por eso atrajo la atención del Rey Midas de Hollywood. Todas las claves del Spielberg de los ochenta (cuando vio cumplido el sueño de hacer monster movies con presupuesto) están en el film: sus pueblecitos de casas con garaje, sus niños en bici, su sheriff honrado, sus vecinos que se conocen, su refinería donde trabajan todos (aquí planta química), su reunión vecinal para tratar los problemas … Y el final, que parece el negativo del de Encuentros en la tercera fase, pero para llegar a la misma conclusión: nos está diciendo que la comprensión del alien es la única manera de llegar a saber de civilizaciones extraplanetarias. Pero eso no es otra cosa que una metáfora de cómo pueden superarse los conflictos humanos y las relaciones entre nosotros. Alien es cada otro y sólo la empatía puede subsanar los defectos de la comunicación. Eso es lo que descubren los personajes en ese paso a la madurez, un paso que no sólo dan los niños protagonistas sino también los adultos que les rodean.
Todo mueve a un ejercicio de nostalgia entrañable en Súper 8. Hasta el viejo logotipo de Amblin ha sido utilizado, parece ser que por capricho del mismo Abrams. Eso puede abrirnos preguntas: ¿Qué pasa? ¿Todo lo que se hace nos tiene que llevar a tiempos pretéritos? ¿por qué no un buen film que no sea remake o rememore a otros.? Que los guiños hacen gracia y eso, pero… para variar ¿Qué tal algo totalmente original? .E igual que preguntas genera también sus réplicas: se podrá decir que no aporta nada argumentalmente, que resulta previsible, pero es que de eso se trataba de homenajear el género tal como lo entendió Spielberg, por tanto no pretende ser original sino partir de los tópicos ya usados. La Vanguardia impuso una exigencia de continua ruptura que se acabó manifestando como excesiva además de baldía, porque no condujo más que al silencio. El arte siempre ha sido una continua reformulación de sí mismo, los topós se heredan de generación en generación y lo que distingue a las diferentes obras es la nueva manera de plantear el sentir de su época respecto a los problemas que han rodeado al hombre desde su inicio. Crear es recrear y J.J. Abrams lo borda.
Macarena y el terror: «Te vas a enterar de lo que es el miedo»
Foto: Fotogramas
Pocas actrices saben ser tan polivalentes y hacer todo tan endiabladamente bien como Macarena Gómez. Ideal sufriendo, gritando, insultando (con qué contundecia dice aquello de «eres un hijo de…») y asesinando pero, también ideal en registros dramáticos y por supuesto en comedia, donde goza de gran popularidad por La que se avencina, serie que Tele 5 está retrasmitiendo continuamente en sus canales alternativos como si de Los Simpson se tratara.
Pero Macarena es mucho más que todo eso: es una actriz sobradamente preparada que tiene muy claros sus objetivos y que (casi) siempre dice sí a lo que le ofrecen mientras le aporte algo, por diminuto que parezca. Trabaja en lo que quiere y disfruta haciendolo, pero siempre con los pies en el suelo (excepto quizás menos cuando contesta esta entrevista, como ella misma nos cuenta al final de la misma).
Para mí ha sido un placer preparar esta entrevista, repasarme su filmografía y tener la suerte de haber contado con su colaboración de una forma tan rápida.
Con ustedes… Macarena Gómez:
– Estudias ballet clásico, pero a los 14 años decides cambiar el rumbo y hacerte actriz. ¿Como decidiste esto?
Yo de pequeñita era ya muy teatrera. Organizaba todo tipo de espectáculos en casa, en la playa, en el colegio… ¿por qué? no sé. Creo que viene de mi padre al cuál, aunque es médico, le hubiera encantado ser actor. Igualmente la danza es una forma de expresión. Cuando bailaba actuaba, tenía que sentir la música, meterme en el papel del personaje que estaba bailando. Era muy diferente bailar un Paquita que un Lago de los Cisnes. Fue entonces cuando descubrí que me apasionaba interpretar.
– ¿Hay antecedentes familiares en el cine?
En mi familia no existen antecedentes. El único artista que había era Antonio Pereira, mi tío escritor.
– ¿Porqué escogiste estudiar interpretación en Londres?
Siempre me han gustado mucho los idiomas y especialmente viajar y conocer otras culturas. Así que cuando ya supe que querría estudiar arte dramático me informé sobre las mejores escuelas en países anglosajones. Decidí que Londres era lo más apropiado. Pero previamente me fui un año a EE.UU. a aprender bien el inglés. Fue la mejor decisión: aprender interpretación y perfeccionar mi inglés al mismo tiempo.
– Por cierto, hablas inglés perfectamente ¿Como es que no has aprovechado para rodar más en el extranjero? Y hablando de esto ¿Por qué en tus films rodados en inglés como Dagon o Romasanta te ha doblado otra persona?
¡Lo mismo me pregunto yo! No he sabido explotar bien el hecho de que hablo inglés. Bueno, aunque mi primera película, Dagon, como bien has dicho la rodé en inglés… ¡Pero ahí no estoy doblada! En Romasanta creo que sí me doblaron. Aunque no haya rodado mas pelis en inglés, saber el idioma me ha beneficiado mucho….Cuando viajo a EE.UU. o a otros festivales de cine internacionales he podido conocer a mucha gente de la industria y relacionarme con ellos gracias al idioma. Normalmente cuando hay que promocionar una peli en el extranjero me llevan a mí de entre los actores del elenco porque saben que sé defenderme en inglés.
– Tras un episodio en la serie Canguros en 1994, marchas a Londres, ¿no? Ya que no vuelves a rodar TV ni cine en 6 años y en 1999 vuelves y te instalas en Madrid. Tu primer trabajo en el cine es en Dagon, la secta del mar (2001, Stuart Gordon) un film de terror y con un papel destacado, trabajando con el gran veterano Paco Rabal ¿Como fue el rodaje?
Yo nunca he hecho Canguros. Ya sé que aparece en todos mis curriculums (si tu sabes como borrar esa información te invito a que lo hagas) pero no es cierto.
Con Paco Rabal coincidí muy poco, apenas unas horas en la recepción del hotel. Yo no compartía ninguna escena con él. El rodaje para mí fue un sueño, ten en cuenta que era la primera película que rodaba en mi vida. Antes que eso lo único que había hecho era dos pequeñas apariciones en dos series de televisión.
¿Alguna anécdota del rodaje de Dagon?
¿Una anécdota? ¿Recuerdas la escena en la que estoy en la cama con tentáculos? Pues bien, esa escena se rodó durante 8 horas durante las cuales yo no me pude mover debido al mecanismo que se habían inventado para acoplarme los tentáculos…así que me tuvieron que hacer un agujero en el colchón y colocarme una palangana para poder orinar…
– ¿Qué tal con el equipo americano?
Todo el equipo (que yo recuerde) era catalán, excepto el director.
– ¿Conocías la literatura de Lovecraft, autor en el que se basa el film?
Nunca había leído nada de Lovecraft.
– Poco después impresionas a todos con tu inolvidable interpretación de la drogadicta Susi en Padre Coraje (2002, Benito Zambrano). Es magistralmente creíble ¿Como lo preparaste?
Es curioso…a las 2 semanas de empezar dagón comencé el rodaje de Padre Coraje. Imagínate, durante más de un mes estuve cogiendo aviones de Sevilla a Barcelona para poder compaginar ambos rodajes. Yo estuve muy nerviosa durante este rodaje pues me imponía mucho trabajar a las órdenes de Benito y especialmente con el gran Juan Diego…Para interpretar a La Susi tuve que documentarme muy bien. Leía libros de medicina sobre los efectos de las drogas, fui a conocer gente a centros de desintoxicación, pasé horas y horas observando a putas y drogadictos en la calle montera…La calle montera es el lugar perfecto para inspirarse a la hora de crear personajes. De allí también salió La Canija de Carne de neón.
También he de decirte que muchos de los figurantes de Padre Coraje eran yonkies de verdad, y con ellos hablé mucho y me explicaron muchas cosas.
– Con tu segundo corto, Nieves (2003, Alberto Palma) obtienes dos premios de interpretación en Badajoz y Málaga. Haz intervenido en muchos cortos ¿Que opinas de actuar en cortometrajes, una labor que, en casi todos los casos no es retribuida?
Me apasiona hacer cortos. Gracias a ellos he interpretado a personajes muy complicados que han supuesto retos para mí. Yo me dedico a esta profesión porque me encanta, aunque no me paguen en un corto estoy haciendo algo que me gusta, que me hace enormemente feliz. Los cortos me han permitido conocer a directores que luego me han llamado para su primer largo: Paco cabezas (Carne de neón) y Eduardo Chapero-Jackson (Verbo). Por otro lado, muchos directores me han conocido y luego me han llamado para trabajar gracias a que han sido jurados en festivales en los que participaban mis cortos, como por ejemplo Chus Gutiérrez (El Calentito).
– Precisamente uno de tus últimos trabajos, Carne de neón (2010, Paco Cabezas) está basado en un corto del mismo director. ¿Que tal fue este trabajo?
Maravilloso, Paco y yo somos muy buenos amigos, nos conocemos muy bien y él sabe todo lo que puede sacar de mí como actriz. Los rodajes con directores amigos siempre se hacen más llevaderos porque existe complicidad.
– Con Platillos volantes (2003, Óscar Aibar) demuestras que estas dotadísima también para la comedia, que ahora te está haciendo tan popular gracias a la televisión. ¿Nos cuentas algo sobre esta peli basada en hechos reales? Por cierto, estupendo el look 60’s /retro
La verdad es que Platillos Volates me dio la oportunidad de hacer comedia por primera vez. Yo desconocía que tuviese ese don para la comedia. Lo mejor de rodar esa peli fue conocer a Jordi Vilches, grandísima persona y el actor con quién mejor me siento trabajando. Con una mirada nos lo decimos todo. También coincidí con él en El Calentito, pero estoy deseando volver a trabajar con él.
– En Romasanta (2004, Paco Plaza) haces un papel sin acreditar como una víctima del hombre lobo ¿Como diablos te metiste en ese proyecto?
Yo era amiga de Paco, no había ningún papel para mí, así que me ofreció hacer este cameo como algo anecdótico. Me encanta que los directores cuenten conmigo, aunque sea para hacer una figuración. Me divierte.
– En 2006 ruedas con Jaume Balagueró Para entrar a vivir, una magnífica película de televisión que tuvo mala suerte y en donde haces un soberbio trabajo con una actuación muy física y un rodaje que aparenta haber sido muy duro ¿Nos cuentas algo sobre el trabajo con Balagueró?
Macarena Gómez, Jaume Balagueró y Nuria González.
Te diría que es una de las películas más redondas que he hecho. Disfruto mucho haciendo películas de acción, donde lo físico tenga un peso importante. Yo soy una actriz muy física gracias a mi base de bailarina. Yo quería hacerlo todo, incluso me daba rabia que me pusieran una doble. Al final conseguí que la doble solo hiciera la caída por la tubería de un piso al otro. El resto de los golpes, caídas por las escaleras, etc…lo hice yo. Sí, más de una vez tuvo que venir la fisio a mi hotel.
– ¿Alguna anécdota? ¿Daba tanto miedo en verdad Nuria González como en la película?
¿Algo anecdótico? Bien, muchos de los sustos eran reales. El ayudante de dirección se escondía y me asustaba cuando yo menos lo esperaba. Por cierto, Nuria no tiene nada que ver con su personaje en la peli. La verdad es que hizo un trabajo extraordinario
Aunque la peli no tuvo el lanzamiento en televisión que se esperaba, si que es cierto que se alquila mucho en los video clubs. Creo que de hecho es la más alquilada de todas mis películas.
-Has vuelto a rodar con Balagueró los cortos Miedo (2010) y Sr. Rosso (2007) (realizada con dos móviles) ¿Para cuando un trabajo largo con él?
Si quieres te doy su teléfono y se lo preguntas a él…Algún día llegará….
– Sexykiller, morirás por ella (2008, Miguel Martí) es todo un homenaje para tus fans, una película en la que eres la protagonista absoluta y donde además de killer, estás tremendamente sexy. Gracias a la película obtuviste el premio de interpretación en Fantasporto 2009. ¿Nos lo parece o realmente da la sensación de que lo pasaste de miedo haciendo esta película?
La más divertida sin duda alguna. Me permitió hacer el gamberro. Al ser protagonista el personaje tiene más recorrido por lo que pude jugar todo lo que quise con él. Y especialmente me gané la gran amistad de su director y de la persona que luchó por levantar el proyecto.
"La Canija" en aprietos en Carne de neón.
– ¿Te gusta el Festival de Sitges? El año pasado estuviste muy presente con dos cortos (Merry Little Christmas y Quédate conmigo) y un largo (Carne de neón). ¿Cuantas veces has acudido? ¿Qué te parece?
Creo que llevo 9 años seguidos yendo. De los festivales españoles es mi favorito. En ese festival todos somos iguales, seas quien seas, e independientemente del peso de tu película. Empecé yendo con Dagon, Para entrar a vivir, Sexykiller, Carne de neón…este año iré con Verbo…y entre medias he ido con muchos cortos, o si no de espectadora
-¿Te gusta el cine de terror? ¿Con que película recuerdas haberlo pasado más mal /bien? ¿Algún título favorito?
Me encanta el cine de terror, y mira que luego lo paso mal en casa… ¡Soy incapaz de pasear por un pasillo a oscuras! Mi peli favorita es Rosemary´s Baby. Y la peli que más miedo me ha dado en mi vida fue E.T. , claro que la vi con 4 años…fue algo traumático…desde entonces no la he vuelto a ver.
– No podemos cerrar esta entrevista sobre tu carrera en conexión con el cine de terror sin hablar del estupendo corto Quédate conmigo (2010) de Zoe Berriatúa que vimos recientemente y que nos encantó ¿Nos cuentas algo de este corto?
Zoe es un gran amigo que cuenta conmigo en todos sus proyectos y yo creo ciegamente en él. Así que cada vez que me llama para hacer algo digo que sí con los ojos cerrados, incluso sin haber leído el guión. Para Quédate conmigo me llamó un viernes a las 12 de la noche diciendo que al día siguiente a las 8 a.m. quería rodar conmigo porque Madrid estaba nevada. Yo puse el despertador sin saber qué iba a hacer….pues bien, este corto fue el resultado.
De izquierda a derecha, Zoe Berriatúa director de Quédate conmigo junto a sus protagonistas, Pablo Turégano y Macarena Gómez en una encantadora foto familiar.
– ¿Algún proyecto futuro relacionado con el terror?
Siento decepcionarte, pero por ahora no
– Ya solo queda darte las gracias por el tiempo que nos has dedicado y por tu trabajo, del que somos perdidos admiradores. Añade lo que quieras.
Ha sido todo un placer. Me ha llevado tiempo pues soy muy lenta dándole al teclado, pero la he hecho entre mis pausas mientras me tiro en paracaídas… ¡Evidentemente no he respondido en caída libre! Interesantes preguntas que nunca antes me habían hecho.
- Y como podemos ver en esta imagen publicada en su página oficial, lo de saltar en paracaidas no iba de broma…
Macarena es mucha Macarena y por fin he podido cumplir mi deseo de publicar esta deliciosa entrevista, que está repleta de interesantes contestaciones y que además respondió en tiempo record. No podemos más que darle mil veces las gracias por su amabilidad y… naturalmente esperamos no perdernos Verbo este año en Sitges.
El origen del Planeta de los Simios: ¡¡Así, si!!
…VALE, PERO AL PRINCIPIO FUE EL HOMBRE DEL TRAJE DE MONO
Ya se sabe que cada generación tiene su saga cinematográfica: unos pueden ser de La Guerra de las Galaxias; otros de El señor de los anillos e incluso hay los que son forofos y tendrán en el recuerdo la saga de Harry Potter, en fin, lo que les digo, hay gente para todo. Pero puedo asegurarles que mi saga, y pienso que la de mi «quinta» es la de El planeta de los simios. Tuve el privilegio de verla completa en cines, ya que antes la vida de las películas se prolongaba durante años exhibiéndose en cines de barrio, no como ahora, que rapidamente pasan al consumo doméstico.
¿Pero, porqué el cine tiene tanta obsesión por los monos y no, por ejemplo, con los Ñu? Supongo que por la proximidad (de algunos más que de otros) con nuestro vecino de enfrente en la evolución. Pero desde luego es un hecho, lean, lean…
Ya desde el cine fantástico mudo se puede ver a hombres con maquillaje de mono o con disfraces de gorila en films como Habla el mono (The Monkey Talks, 1927 Raoul Walsh); El gorila (The Gorilla, 1927 Alfred Santell) e incluso en La obsesión de un sabio (A Blind Bargain, 1922 Wallace Worsley), donde el genial Lon Chaney nos ofrecía una sencilla pero más que verosímil mutación hombre / mono. Eso por nombrar unos pocos… ¿Y qué decirles de Tarzán, en cuyos primeros films se mezclaban hombres con traje de gorila y chimpancés reales? … Y por si no tuvieran bastante, recuerden a los gorilas gigantes con King Kong (1933, Cooper & Schoedsack) a la cabeza. Y eso solo fue el principio, porque durante los años 30 y 40, los tipos con traje de gorila parecían ser la compañía obligada de los sabios locos que interpretaron Bela Lugosi en films como El doble asesinato de la calle Morgue (Murders in the Rue Morgue, 1932 Robert Florey), The Ape Man (1943, William Beaudine), Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla (1952, William Beaudine), o Boris Karloff en El gorila (The Ape, 1940). Tanta era la querencia con los simios peludos que incluso Lugosi acudía a algunos estrenos cinematográficos haciendo el numerito acompañado de un tipo con traje de mono.
Pero visto esto… ¿Que es lo que nos falta?
… ¿QUE TAL TODO UN PLANETA DE SIMIOS?
Pues primero fue la obra, escrita por el francés Pierre Boulle, escritor que había conocido un gran éxito con El puente sobre el río Kwai , novela que fue adaptada al cine convirtiéndose en uno de los grandes clásicos de todos los tiempos, así que cuando escribió en 1963 La Planète des Singes, el mundo del cine no se lo pensó dos veces y rápidamente pusieron a trabajar en el guión a uno de los grandes de la ciencia- ficción: Rod Serling, que tras mil vicisitudes entra en contacto con Arthur P. Jacobs de 20th Century Fox, que también está interesado en llevar la historia de esta sociedad compuesta por simios al cine. La producción se pone en marcha en 1967 con los resultados que ustedes ya saben: un sólido film repleto de estrellas: Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter y Maurice Evans, que sustituye en el papel de Dr. Zaius al popular Edward G. Robinson. Destacando la increíble e innovadora labor de maquillaje de John Chambers, que por entonces experimentaba con un novedoso material, el látex.
Aquí comenzó una saga que se prolongó durante 6 años y cinco films que encajan como la
Una indignada Zira
maquinaria de un reloj suizo y que están repletos de entretenimiento, acción, ternura y sobre todo inteligencia. Lamentablemente el último título (que afortunadamente no se estrenó aquí) ya era del todo innecesario, así como una floja serie de televisión que intentó, inutilmente prolongar la saga del planeta de los simios que tan bien se había cerrado con La rebelión de los simios (Conquest of the planet of the apes, 1972 J. Lee Thompson).
En todo caso, la serie propició la edición de una colección de cómics editados por Marvel que, tras iniciarse adaptando a ese medio las historias de las películas originales, iniciaba aventuras inéditas en una colección que lo mejor que tenía era, sin duda, sus portadas, ya que el contenido estaba creado para explotar el filón mientras durase. Quizás lo mejor que legó aquella época fueron los excelentes muñecos y complementos que fabricó Mego.
El primer origen de El Planeta de los simios se narra en La rebelión de los simios.
En 2001 Tim Burton realiza un remake del primer título de la serie que decepcionó a todos: fans de la serie original y fans de Burton. Aunque quizás habría que revisarla y darle otra oportunidad, quien sabe. Al menos queda un momento delicioso: la intervención de Charlton Heston (sin acreditar) aquí como simio interpretando a Zaius y la de Linda Harrison, la Nova original.
Pero vayamos con la nueva, hablemos de…
EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
Naturalmente uno tenía sus reticencias pero, nos ha sorprendido y mucho esta nueva e ingeniosa incursión en la serie simiesca, que no es un remake, sino una nueva visión de la misma historia que narraba la cuarta película de la serie: La rebelión de los simios.
Al igual que X-Men: Primera generación (X-Men: First Class, 2011 Matthew Vaughn), El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt), no es una precuela, sino una relectura de la saga anterior, que, afortunadamente, obvia el fallido intento de Tim Burton. Relectura y no precuela, porque si bien enuncia los nexos, como lo es que la rebelión comience cuando César dice «¡No!», supone una puesta al día de la trama de fondo. Toda obra de Ciencia Ficción explora los miedos y peligros del presente trasladándolos a un futuro donde tienen cumplimiento; esto es así en la saga original y en la nueva película, pero si en aquella respondía al temor de que la Guerra Fría acabara en una confrontación armada queconduciría al desastre nuclear y la extinción del planeta (de ahí antológicas escenas como la de Charlton Heston ante la Estatua de la Libertad al final del primer título de la saga o los adoradores de la bomba en el segundo, Regreso al planeta de los simios), en El origen del planeta de los simios responde a una de nuestras más grandes incógnitas: qué ocurrirá si siguen adelante las investigaciones en el campo de la ingeniería genética. La ingeniería genética es uno de los campos de investigación que más avances está procurando (el otro sería la inteligencia artificial que protagonizará el festival de Sitges 2011), pero ningún avance está exento de riesgos, pues nadie puede preveer todas las consecuencia de la manipulación genética. Ahí están, por ejemplo, las voces de los ecologistas avisando de los posibles efectos adversos de los transgénicos para la salud de los humanos. También la discusión bioética alza la voz, centrándose tanto en problemas filosóficos como qué es la vida y la licitud del hombre para recrearla (que en la película vemos reflejado en la figura de un espléndido James Franco, como un nuevo sosias de Frankenstein) como en la licitud de los propios experimentos con animales. El origen del planeta de los simios nos mueve a reflexionar sobre todo ello cuando vemos el trato que se da a los animales en el film, y también en sus títulos de crédito finales, donde expone nuestro temor a una pandemia mundial.
Un cartel con inequívoco y exquisito regusto retro.
Por otra parte se esboza una posible continuación al ver la rivalidad entre César y otro chimpancé, Koba, pues en los momentos finales se nos presenta a César como un buen lider que sólo busca la liberación de los suyos (incluso rechazando matar a los humanos), mientras que su antagonista quiere declarar la guerra a los humanos.
Tenemos en James Franco un mad doctor en toda regla que no duda en experimentar con su propio padre, enfermo de Alzheimer, el medicamento que finalmente acabará, no sólo con él, sino con toda la civilización humana, a la vez que propiciará el dominio de los simios al crear el suero que les dota de inteligencia. Como vemos todo un «logro» que ya quisiera para sí el mismísimo Duendecillo Verde, sin olvidar que el personaje del científico Will Rodman, que encarna Franco es, paradójicamente el «héroe» de la función. Pero descuiden, si olvidan estos pequeños detalles les caerá muy bien el personaje interpretado por Franco, que solo busca lo mejor para el prójimo (menos mal…)
Últimamente me sorprende favorablemente, y mucho, John Lithgow. Este veterano actor ya demostró que era excelente en el campo de la comedia con la serie Cosas de marcianos (3rd Rock from the Sun), pero recientemente me tiene cautivado con el papel de psicópata que encarna en la estupenda serie Dexter, así que verlo aquí con un papel repleto de sensibilidad como padre del científico, no hace más que confirmar que este actor, que me parecía del todo anodino, tiene algo especial: talento.
Mención aparte merece el apartado de efectos especiales. Sencillamente se ha conseguido algo cercano a la perfección con la creación del chimpancé César, que muestra unas expresiones que llegan al espectador transmitiendo sentimientos. Vamos, que interpreta, que se trata de un actor más y, …no precisamente malo (¡¡Algunos que hay por aquí pueden empezar a temblar!!). Algo que da que pensar que, ahora sí, en cualquier momento pueda estrenarse una película nueva de, por ejemplo, Bruce Lee o James Dean o…
También tenemos, por supuesto,varios guiños a la saga original: una simia llamada Cornelia; una imagen de Charlton Heston en un televisor; César con una estatua de la libertad en sus manos; la denominación «ojos claros» para los monos inteligentes, que rememora a el «ojos azules» que llamaban a Taylor (Charlton Heston), único humano inteligente en el primer film. Y una de las frases más famosas de la película original (y de la historia del cine): antes de que hable por primera vez César, un humano le dice aquello de: «Quítame tus apestosas zarpas de encima, sucio simio», la misma frase que Taylor espeta a los simios cuando habla por primera vez en el primer film. También en la música de Doyle, se homenajea la banda sonora original de Goldsmith, una de las más importantes de la historia del cine.
Pero a pesar de los homenajes y guiños, sin duda El origen del planeta de los simios es una propuesta seria que nos ha sorprendido y que, en ningún modo, puede ofender a los admiradores de la saga original ni en general a los amantes del buen cine de entretenimiento (vamos, lo que viene siendo el cine desde siempre y que algunos no acaban de entender).
Ya está aquí el primer Vengador: Capitán América
AL PRINCIPIO FUE EL COMIC
Jack Kirby y Joe Simon formaban un equipo que ya había publicado diversas series desde que unieron sus destinos en 1939, cuando Simon quedo impresionado por Kirby y le propuso que colaboraran: Kirby a los lápices y Simon dando ideas, entintando, realizando bocetos y, lo que era casi más importante, moviéndose a la búsqueda de trabajo y contactos por las editoriales, lo que pronto supone un torrente de trabajo para ambos, que publican en diversas editoriales, entre ellas Timely, editorial que tiempo después cambiaría de nombre pasando a llamarse Marvel, lo que seguro que les suena mucho más.
En 1940, con los quioscos invadidos por los super-heroes a imagen y semejanza del exitoso Superman, Kirby y Simon deciden dar vida a un luchador mucho más humano para enfrentarse a un peligro muy real que más que latente: la ascendencia de los fascismos, creando un super soldado que plante cara al super hombre ario: El Capitán América, y todo eso antes de que Estados Unidos entre en la 2ª Guerra Mundial.
Martin Goodman, propietario de Timely da el visto bueno al personaje, contratando diez números a sus creadores. El primer número salío el 20 de diciembre de 1940, obteniendo todo un éxito pero no consiguiendo retener al equipo creador, que tras estos números abandona la editorial buscando trabajo en otras más importantes. Durante esta corta estancia en Timely Kirby conoció a Stanley Lieber, sobrino de Goodman y poco más que chico de los recados (Simon asegura que les traía el café) un inquieto joven que más tarde se convertiría en el más importante colaborador de Kirby bajo el nombre de Stan Lee.
Lo que narraba el comic es harto conocido, pero no está de menos recordarlo: Steve Rogers es un tipo delgado y enclenque que quiere ayudar a su pais en la lucha contra el enemigo, así que se presenta voluntario para un experimento que pretende crear super-soldados. El experimento es un éxito, pero el científico sufre un atentando llevándose a la tumba la fórmula, así que Steve, como Capitán América quedará como único super-soldado para combatir a sus más acerrimos enemigos nazis como Cráneo Rojo o el propio Hitler, eso sí, contando con la ayuda de su escudo y de Bucky, un adolescente bastante similar al Robin que acompañaba a Batman, aunque con un traje bastante menos ridículo.
El éxito de Capitán América, hace que se siga publicando con otros equipos creativos, entre ellos con el joven Stan Lee de guionista, hasta 1954. Por su parte, el prestigio obtenido por el personaje le proporciona suculentos contratos a sus creadores originales, especialmente con National, la casa del propio hombre de acero, de Batman, Flash… pero con la entrada de Estados Unidos en la guerra, ambos se alistan, lo que ralentiza un poco la actividad del equipo hasta el fin de la contienda. En 1946 vuelven a la actividad con National, pero los super-heroes habian comenzado su decandencia y tuvieron que adaptarse al mercado realizando comics de amor, infantiles (funny animals), policíacos… publicando en 1949 el último trabajo en la casa de Superman. Pero eso no significa que se quedaran sin trabajo, al contrario, tenían más que nunca y lo realizaron para diversas editoriales.
En 1950 se suben al carro del comic de terror, visto el éxito de la legendaria editorial EC y poco después crean Fighting American, heroe basado en el Capitán América pero creado para enfrentarse a los nuevos enemigos de América: los comunistas. Afortunadamente, pronto el comic se convierte en una parodia, ya que los autores vieron que todo aquello del McCarthysmo era una fiebre malsana.
Merchandising setentero: El Capitán América de Mego.
En 1954 crean su propia editorial, Mainline, con tan mala fortuna que ese mismo año se publica el libro de Fredric Wertham, Seduction of the innocent, que supone un golpe en el estómago de la industria del comic book, ya que en el libro se acusa a los comics de pervertir la mente de los niños. La industria languidece y también la asociación entre Kirby y Simon, que finaliza tras 16 años interrumpidos únicamente por la guerra.
A finales de los años cincuenta Kirby, casado y con tres hijas, decide picar a la puerta de Martin Goodman y su editorial, que ahora se llamaba Atlas, siendo bien recibido y realizando diversos trabajos, sobre todo de ciencia-ficción con guiones de Stan Lee. Trabajo que compagina con otras editoriales como National, ahora DC cómics. Pero pronto todo evolucionaría de forma vertiginosa: cuando el 2 de agosto de 1961 sale a la venta el primer número de Los 4 Fantásticos (The Fantastic Four), dibujado por Jack Kirby y guionizado por Stan Lee, que mezclaba el concepto de super-heroe con el de los monstruos gigantes que estaba en boga, todo ello en una editorial que ya se llamaba Marvel Comics. Era un principio y no dejaría de evolucionar, ya que ambos crearian a La Masa ( Hulk), Patrulla-X (X-Men), Sargento Furia (Sargeant Fury), Hombre hormiga (Ant-Man), Antorcha humana (Human Torch) y Vengadores (Avengers), donde resucitarían al viejo super-soldado, Capitán América. ¡Y todo esto sucedió de 1961 a 1969!
Pero centrémonos en Los Vengadores: En su número 4 (diciembre de 1963), el grupo, formado por Thor , El hombre gigante, la avispa y el hombre de hierro, recupera un bloque de hielo que contiene al legendario luchador, que se había quedado congelado tras intentar detener un misil creado por un enemigo suyo, el Barón Zemo. Bucky no tuvo tanta suerte y falleció. El Capitán se une a los Vengadores y en 1965 asume el papel de líder del grupo. Al año siguiente Capitán América tendrá su propia colección, primero en Tales of Suspense, a partir de 58 y más tarde con título propio, al llegar al centenar. En la colección volverá a luchar contra algunos nazis sobrevivientes (su archienemigo Craneo Rojo) y a los comunistas de turno, mientras intenta adaptarse a la nueva época que le ha tocado vivir, con historias en las que también habrá espionaje e importantes conexiones con otro personaje, Nick Furia y la agencia Shield.
Kirby dibujó todas esas historias hasta el número 109, a partir de ahí se encargaron dibujantes de la talla de Gene Colan, John Romita, Sal Buscema o John Byrne, guionizados por Stan Lee, Gerry Conway, Steve Englehart o Roger Stern. Pero hay una pequeña saga que merece destacarse, la que cubre los números 110,111 y 113, realizada por Jim Steranko en 1968. En esta historia, el Capitán América decide dejar de serlo, fingiendo su propia muerte. Quien leyó este comic no lo olvidó nunca, ni por la historia ni por la maligna (y atractiva) Madame Hidra ni por el innovador trabajo de Steranko, que introdujo los estilos pop-art y op-art en el comic, pero que se retiró casi por completo al año siguiente de publicar esta saga, siendo este su último trabajo largo para Marvel. Posteriormente volvería esporádicamente al cómic en los ochenta.
El Capitán América ha seguido adelante, a pesar de que tiene retractores por el tufillo patriotero que desprende, pero ha tenido todo tipo de épocas y aventuras: lo han substituido, le pusieron un compañero afroamericano (El Halcón) e incluso recientemente lo asesinaron (otra vez), naturalmente para volverlo a resucitar un tiempo después (¿que se creían?).
En 1991 se edita un serie en cuatro tomos prestigio, Adventures of Captain America, que representa una vuelta al pasado del personaje. Repasando el origen y enfrentándolo a Craneo Rojo, ambientando todo ello en los años cuarenta. Una deliciosa obra de Fabian Nicieza y Kevin Maguire. Pero si el personaje ha vuelto a los origenes también ha pasado por renovaciones. Allá vamos, porque el Capitán América tiene una importancia capital en The Ultimates, comic que actualiza Los Vengadores y al que debe mucho la película recién estrenada.
Tras los mil experimentos y actualizaciones de los personajes a las que Marvel nos tiene regularmente acostumbrados, la editorial lanza una nueva línea denominada Ultimate. El primer personaje abordado es, claro, el buque insignia de la editorial: Spiderman, siendo seguido por X-Men. El éxito anima a seguir, en este caso, con una serie limitada que sí que representa una renovación o mejor dicho, una nueva interpretación de Los Vengadores, The Ultimates con guión de Mark Millar y lápices de Bryan Hitch. Una innovadora serie realizada de forma cinematográfica, tanto que incluso la encarnación de los personajes está inspirada en actores: Iron Man:Johnny Depp; Nick Furia: Samuel L. Jackson; Capitán América: Brad Pitt; Hombre Gigante: Matthew McConnaghy; Avispa: Zihi Zhang (de La Casade las Dagas Voladoras); Bruja Escarlata: Angelina Jolie; Ojo de Halcón: Bruce Willis y Bruce Banner (alter ego de Hulk): Steve Buscemi.
La serie no evita conflictos realistas como la violencia doméstica o las conspiraciones gubernamentales, además de temas escabrosos como el canibalismo o la relación abiertamente incestuosa de dos personajes.
Mark Millar, claramente inspirado por el trabajo de Alan Moore con los superhéroes, declaró que “La noción de como serian los superhéroes en el mundo real siempre me había hecho gracia y ésta era mi oportunidad de desarrollar el concepto”.
Los 26 episodios realizados por Millar y Hitch forman parte de la historia del comic. Una obra colosal realizada en cinco años y tres meses. Se editó en dos volúmenes: el primer número vio la luz en febrero de 2002 y el último de esa temporada llegó en diciembre de 2004. El segundo ciclo comenzó en diciembre de 2004 y finalizó en mayo de 2007. Sus autores se tomaron todo con calma y el resultado no podría ser más redondo.
PRIMERAS ADAPTACIONES EN LA PANTALLA
La primera adaptación en la pantalla grande de un heroe Marvel es precisamente la del Capitán América y fue en una forma muy popular en la época en que se realizó: el serial por episodios. Sucedió en 1944 y fue de la mano de los estudios Republic, especializados en este formato y en películas de bajo presupuesto, especialmente western. Pero como Hollywood tiene que cambiarlo todo, introdujo muchos cambios: Grant Gardner (no Steve Rogers) , interpretado por Dick Purcell ya no era soldado, sino fiscal del distrito; no llevaba escudo, pero sí pistola y Bucky había sido sustituido por una ayudante femenina (Lorna Gray). También de paso había perdido las alitas de su máscara. Ante tan poco ilustre reparto destaca el gran Lionel Atwill, naturalmente como villano interpretando a The Scarab (El escarabajo), que poseía un arma mortífera, el (¡ejem!) Vibrador Dinámico. El actor había caido en desgracia el año antes al saberse que en su casa se organizaban orgías y tras ser condenado a 5 años de libertad condicional, su carrera cayó en picado, acelerando posiblemente su fallecimiento dos años después de interpretar este serial.
El serial fue dirigido por John English y Elmer Clifton, y elconstaba de 15 episodios de 20 minutos de duración, excepto el primero que duraba media hora.
En 1979 se realizan dos episodios piloto para una posible serie televisiva. En el primero, Captain America, dirigido por Rod Holcomb, el Capitán América (Red Brown) salva Phoenix de una bomba de neutrones, mientras que en la segunda, Captain America II:Death Too Soon, dirigida por Ivan Nagy, el mismo actor que interpretó al Capitán en la primera está inmerso en
Después de ver estas imagenes, no entendemos como fracasó este (¡¡¡ejem!!!) Capitán América televisivo.
una trama que incluye un Christopher Lee revolucionario (General Miguel ¡…!) que tiene secuestrado a un científico capaz de acelerar el envejecimiento. Como es natural Christopher Lee se enfrentará cara a cara con el Capitán América y podrá probar la medicina con la que quería dominar el mundo, envejeciendo en menos de un minuto.En algunos paises europeos se proyectó en cines.
En el film también salian Len Birman, Lana Wood y Connie Selleca y como puede apreciarse por las fotografias el aspecto del, ¡ejem! Capitán América (por llamarlo de alguna forma) es más que ridículo, haciendo pensar que el del serial era más que digno en comparación.
Habría que esperar hasta 1990 para poder volver a ver al capitán en la pantalla, con un uniforme fiel al personaje de Marvel, aunque con una pobre adaptación. Captain America fuedirigida por Albert Pyun e interpretada por un hijo del escritor J. D. Salinger, Matt Salinger en el papel del Capitán América, que se enfrenta a su enemigo Craneo Rojo. El film se estrenó coincidiendo con el 50 aniversario de la creación del personaje pero… en vista del pobre resultado se decidió estrenar directamente en televisión por cable y en video, aunque otra vez se repitió la historia y en algunos paises se estrenó en salas cinematográficas.
El hijo de Salinger tampoco pudo salvar la película, aunque su uniforme estaba más que logrado.
EL CAPITÁN AMERICA: EL PRIMER VENGADOR
Cada vez que escucho a Wagner me entran ganas de invadir Polonia dice Woody Allen, y es el preludio al tercer acto de La Walkiria lo que suena cuando Johhan Schmit-Red Skull, primer mando de Hydra, la unidad científica del partido nazi, introduce el Cubo Cósmico de Odín en su artilugio destinado a aniquilar el mundo. La Walkiria, Odín, la Hydra de Lerna, en un sólo plano Joe Johnston recoge, con su esmeradísima puesta en escena, las tres tradiciones mitológicas, escandinava, germánica, griega, de Europa. Y es que el cómic de superhéroes es el heredero directo de nuestros ancestrales mitos (déjense de Tölkien).
Capitán América (Captein America, 2011, Joe Johnston) se le antoja a quien esto escribe como la más sólida de todas las adaptaciones que está llevando a cabo Marvel de cara la esperadísima Los Vengadores (que está anunciada por fin para mayo del próximo año). Hacía tiempo que no me pasaba que, únicamente viendo un cuarto de hora, tuviera la certeza de que estaba ante un film de calidad que ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos respetando la herencia de los cómics. Ello pese a las reticencias que tenía al respecto por las suspicacias que entre el público (y en mí mismo) pudieran despertar el carácter patriotero, americanista y militarista que arrastra el personaje. Pero la película supera ese inconveniente de forma excelente, por el aire paródico de algunos episodios y por haber sabido darle un carácter universal a su lucha.
En este último sentido, los más puristas echarán de menos las esvásticas que perlaban al cómic. Pero para mí, precisamente, esa es una gracia del film: es una película bélica en la que se ha injertado perfectamente una película de superhéroes. Y es la sustitución de la esvástica por la hydra el detalle que la convierte en película de fantasía superheroica. Suprimir los símbolos permite darle universalidad al mal (perfecto villano Red Skull) y el combate contra él, así, aunque esté perfectamente ambientada en un periodo real cobra la dimensión de atemporalidad que tienen los mitos y por ende los cómics.
Con todo, esa cuidadosísima ambientación nos remite a un periodo concreto y a sus valores,el director de producción Rick Heinrichs fue minucioso a la hora de representar lugares y momentos históricos, adaptando los exteriores británicos a los entornos americanos con alteraciones y adiciones tanto prácticas como informáticas. Anna Sheppard, quien vistió a unos 300 extras a diario en algunas de las escenas, se basó en materiales de la época y piezas auténticas para aportar mayor autenticidad. El asesor militar Billy Budd, con más de 15 años en la Marina Real Británica ayudó a los actores, explicándoles cómo manipular equipos y armas militares; los productores también incluyeron a militares reales en las escenas de más acción. 
De modo que sin necesidad de esváticas sabemos que se nos está hablando del nazismo, sus obsesiones y sus peligros. El nazismo buscaba hundir sus raíces en los mitos germánicos, especialmente en la recomposición de ellos que realizó Wagner y, aprovechando también la obra póstuma de Nietsche (La voluntad de poder) brutalmente manipulada por su hermana Elisabet, deseaba alcanzar el Superhombre la gran Bestia Rubia y así dominar el mundo extendiendo su imperio sobre él. Y eso es lo que nos viene simbolizado en la organización Hydra tanto en el cómic como en esta adaptación cinematográfica, reflejando, de paso, la pasión por lo esotérico que alcanzaba hasta la mismísima cúpula del partido (¿Sabían ustedes que el propio Himmler nos visitó en busca del Grial que creían perdido en Montserrat?). Frente a Hydra y la megalomanía de Johhan Schmid-Red Skull, el Capitán América representa al hombre que alcanza poderes por su propia virtud, por su voluntad de alcanzar la paz y no por ánimo de hacer la guerra. Paradójicamente, pues es él el auténtico Übermensch de Nietszche: no el súperhombre sino el hombre que se supera constantemente a sí mismo. La película muestra esta autosuperación del personaje en su propia metamorfósis, ayudada por el suero del dóctor (símbolo de la otra Alemania, la que combatió con todos sus medios la locura que se había adueñado de su país), son su bondad y su sagacidad las que le hacen merecedor de ser convertido en el súpersoldado.
Respecto a la transformación hay que elogiar el trabajo de el supervisor de efectos visuales Christopher Townsend quien recibió el encargo de crear el look de Steve Rogers antes de ser Capitán América. Habiendo trabajado anteriormente en géneros de fantasía, acción y aventura, Townsend llegó preparado para enfrentar el reto. Para convertir a Evans en el muchacho Steve Rogers de 53 kilos de peso, Townsend empleó una colección de técnicas de efectos visuales, entre ellas sustitución de cabeza, lo cual se realizó con mayor credibilidad al ‘adelgazar’ tanto la cabeza como el rostro de Evans. Un doble corporal más delgado observaba la actuación de Chris Evans en una escena y luego la imitaba lo más fielmente posible. A continuación, unían cuerpo y cabeza con el último toque mágico de Townsend. Incluso midiendo 5’7”, el doble no siempre era lo suficientemente ineficaz así que usaron un software para deteriorarle un poco el cuerpo. “Chris Evans está en plena forma física, casi me pareció un crimen hacerle eso,” explica el productor ejecutivo Louis D’Esposito, “Pero el resultado te sorprenderá y comprobarás lo bien que complementan los efectos visuales su actuación.”
Que nadie se espante con mis menciones a Wagner y a Nietsche, Capitán América no es una película en la que el superhéroe tenga un tratamiento reflexivo como puede ser el planteado por Nolan para Batman.
Al contrario, es una película de hazañas bélicas esquemática y precisa en la que el héroe participa de los arquetipos del género: desafío a la autoridad una vez se decide a entrar en acción, reclutamiento de los compañeros menos disciplinados pero más aguerridos, asaltos a trenes y fortalezas para liberar a los prisioneros de bando amigo y/o para desbaratar los planes del enemigo, etc. Auténtico cine de aventuras al estilo de El desafío de las águilas (Where Eagles Dare, 1968 Brian G. Hutton) con la que comparte paisajes helados, e incluso con cierto aire a Los violentos de Kelly (Kelly’s Heroes, 1970 Brian G. Hutton) o Malditos bastardos (Inglorious Basterds, 2009 Quentin Tarantino), por el carácter de los personajes del comando. Y todo ello siendo a la vez, en perfecta simbiosis, una película de súperheroes fiel al espíritu del universo Marvel. La propia banda sonora de Alan Silvestri muestra este carácter híbrido con temas en los que reconocemos los elementos básicos de las películas de guerra (fanfarrias, uso de la percusión) y otros de aire más fantasioso en el que incluso cambia la instrumentación. Ésta película es la historia del universo Marvel. La historia que todos aprendimos en el colegio va por otro lado, esta es una visión de la historia desde la ciencia ficción. Abundan las películas de guerra, y se han hecho muchas películas en torno a la Segunda Guerra Mundial, pero nunca nadie ha hecho una como ésta.
Conforme iba moldeándose el guión, los guionistas Markus y McFeely se esforzaron continuamente para asegurar que la historia del Capitán América encajara perfectamente con los personajes y argumentos existentes del Universo Marvel. Asegura Markus: Consultábamos con los demás proyectos o nos consultaban ellos para asegurarnos que no faltara el tejido conectivo. Por ejemplo, Howard Stark interpreta a un personaje bastante importante en la película, y su hijo es Tony Stark, Iron Man. Las vínculos han estado presentes desde el principio. Y hay más paralelismos. También contamos con Nick Furia, que está llamado a reunir y dirigir Los Vengadores, y que ya apareció en la segunda parte de Iron Man y en la escena post-créditos de Thor. Pero el auténtico trabajo de adaptación y utilización del universo Marvel para enriquecer, aunque sea variando la historia de los cómics, está en el equipo que acompaña al Capitán América en sus acciones bélicas. Se trata de los Comandos Aulladores, en verdad compañeros del Sargento Furia en la colección Sgt. Fury and his Howling Commandos. Los personajes han sido utilizados de forma magistral, siendo reconocibles el irlandés Dum Dum Dugan y el inglés Pinky. También hay un personaje francés y un negro, Gabe Jones. Respecto a este personaje hay que añadir que, era tan inusual que en un comic hubiera un personaje negro, que tal y como se puede leer en el libro Cinco Fabulosas Décadas de Cómics Marvel (Les Daniels, 1996, Planeta De Agostini), Stan Lee se vio obligado a enviar una nota detallada a la compañía que se encargaba de hacer las separaciones de color para dejar absolutamente claro que era negro. A este equipo se suma un personaje oriental, dando como resultado un equipo del todo mundialista en lucha común contra el totalitarismo que representan los nazis primero y después Red Skull y su organización Hydra.
Los personajes encajan perfectamente en la época que se quiere mostrar, ya que tanto las aventuras del Sgto. Furia como las del Capitán América originales se desarrollaban durante la Segunda Guerra Mundial, así que no es tan descabellada la reunión de ambos personajes en una misma historia. De hecho, el número 13 de la serie del Sgto. Furia contaba con El Capitán América y Bucky de invitados, así que ningún purista puede tirarse de los pelos. Por cierto, hablando de Bucky: si bien no se ha ignorado, se ha evitado mostrarlo como un adolescente en uniforme superheroico, así que, muy inteligentemente se ha incluido como un amigo de toda la vida de Steve Rogers que no duda en luchar a su lado.
En definitiva, Capitán América es una de las mejores y más inteligentes adaptaciones de un cómic al cine. Respetuosa con el esquematismo de sus personajes y el carácter simbólico de sus reflexiones más profundas sobre el bien, el mal y los valores de quienes llegan a héroes. Joe Jonhston , además sabe hacer que la acción trepidante no carezca a la vez de corazón. Y no sólo porque contenga esa sobria historia de amor de Steve Rogers con Peggy Carter, esa mujer rabiosamente hawksiana, sino porque hacemos nuestros los sentimientos que mueven a los personajes a la acción. En él, Marvel encontró al mejor artífice para llevar esta historia al cine. Igual de acertado es todo el reparto, desde los protagonistas a los personajes más secundarios y Johnston ha sabido ser también un gran director de actores.
El casting de Steve Rogers/Capitán América fue un proceso largo y arduo, según cuentan los responsables del estudio. Y es que en el guión su personaje va de un extremo a otro, desde un chico rechazado del cual se aprovechan los demás, un looser, a un líder dinámico y admirado. ¿Dónde encuentras a alguien que al principio aparente ser un tímido y escuálido adulto pero que sea capaz de ganarse la simpatía y el respeto de los espectadores, y se transforme en un líder duro y creíble, capaz de desafiar legítimamente a una fuerza de élite formada por soldados sin escrúpulos de Hitler? A quien escribe le parece todo un acierto que haya recaído en Chris Evans y no sólo porque ya tuviera experiencia con el cine de cómic adaptado, ya que fue la Antorcha Humana en Los cuatro fantásticos , si no porque a lo largo de las dos horas de duración del metraje hace gala de su versatilidad y sabe comunicar la fuerza de su natural canijo y la ternura de su yo heroico y superdotado. 
Junto a él, Hayley Atwell (Peggy Carter) compone una heroína en la que la belleza no es impedimento para la fortaleza, comenta al respecto la nominada al Globo de Oro: Lo que más me atrajo al leer el guión es que me podía identificar con esta mujer que vive en un entorno dominado por los hombres. Es luchadora, cualidad que siempre es atractiva en cualquier personaje, y además, es misteriosa. La relación que mantiene con Steve Rogers no es la típica historia de amor. Es una mujer de carrera, tiene dignidad personal y está harta de que los hombres del Ejército no la tomen en serio. Creo que todo esto hace que sea bastante formidable, especialmente para Steve. También resulta acertada la elección de Sebastian Stan como Bucky Barnes, el amigo más cercano de Steve, su gran camarada. No digamos ya la del siempre notable Tommy Lee Jones que inunda la escena con su sola presencia, prácticamente ha patentado el personaje del ‘Americano al mando’ – un hombre de pocas palabras capaz de liderar un ejército, una investigación o una agencia por la mera fuerza de su presencia. También ha sido bendecido con un malvado sentido del humor y el cerebro de un erudito, es decir, que parece haber nacido para interpretar al Coronel Phillips.
Y no destacarían tanto las fuerzas del bien si frente a ellas no existiera un villano potente y bien construido. Red Skull lo es. Johann Schmidt fue inoculado con el mismo suero que Steve Rogers, bonita forma de señalar que la raíz del mal y del bien coinciden y que florecerá el uno o el otro según se desarrolle en cada cual. En el caso de Rogers, su corazón valiente y naturaleza valerosa dieron lugar al Capitán América, pero la crueldad de Schmidt y sus ansias de poder lo convirtieron en un monstruo espantoso deseoso de dominar el mundo. El australiano Hugo Weaving parece nacido para el papel capaz como es de brillar a través del maquillaje protético de Red Skull, capaz de transmitir aún detrás de una máscara. Weaving había demostrado sin lugar a dudas esta capacidad en V de vendetta, en el que proporcionó una interpretación redonda detrás de una máscara completamente estática y aquí vuelve a ratificarse. Él sólo ya resume la esencia del género, sus habitáculos y las invenciones del Dr. Armin Zola (Toby Jones), su particular mad doctor, hacen el resto. Las escenas que protagoniza son las más fastuosas, con ese ambiente casi diabólico y ese ejército de cientos de extras enmascarados
dispuestos a todo por seguirle. Sin la presencia de Red Skull, el Capitán América no sería nadie ni podría sacrificarse por nada. ¿Será que la maldad es el acicate de la heroicidad tal como intuía Borges en su repetido tópico del traidor/héroe?
Con esta pregunta al aire terminamos nuestro análisis concluyendo, como en tantas ocasiones antes, que en el entretenimiento puro y duro, manejando con inteligencia los lugares comunes de un género, se puede también reflexionar sobre cuestiones más profundas. Las buenas películas son como las cebollas, están hechas de capas superpuestas, cada espectador elige con cuál se queda; así, aunque muchas veces las aventuras de superhéroes son calificadas de diversión infantil, son las que dan un trato más adulto al público sin querer dirigirle y dejándole que haga la lectura que más le interese y divierta.
Desde este humilde púlpito recomendamos que este viernes vayáis al cine, cargados de palomitas, a disfrutar de este primer vengador. Ah, y no olvidéis quedaros hasta el final de todos los créditos porque os llevaréis una agradable sorpresa.
Preestreno de la esperada Super 8
 |
||||||||
|
Ya hay novedades de la XII Semana Int. de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona
Comienzan a desvelarse algunas noticias de la XII Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol a celebrarse en Estepona del 19 al 24 de septiembre. Por lo pronto algunos títulos participantes en la sección oficial:
CARNE CRUDA (España) Director: Tirso Calero. Con (¡¡¡Atención al reparto!!! :Canco Rodríguez, Alejandro Tous, Susana Estrada, Diego Arjona, Máximo Valverde, Nacho Vigalondo, Rebeca Valls, Ana Asensio.
Quico y Andrés son vendedores de pisos. Un fin de semana en el campo les lleva a caer en las redes de una secta de caníbales liderada por Maruja, una antigua hippie especialista en la preparación de brochetas humanas…. ¿Matar o Morir? Esa es la cuestión… y es que cuando la vida se pone dura, no hay nada mejor que la carne cruda.
AMANIA (España) Director: Óscar Martínez. Con: Irene Álvarez, José Luis de Madariaga, José Antonio López, Enrique Fajardo, Javier Martos.
La historia se localiza en la antigua Palestina.Justo en el momento en que Jesús resucita comienza a desarrollarse una trama de fantasía con una joven llamada Amania como protagonista.Una joven que busca respuestas a su atormentada vida y a los ataques de lo sobrenatural. La respuesta la hallará en manos del Divino Maestro.
E
L ÚLTIMO FIN DE SEMANA (España) Director Norberto Ramos del Val. Con Marián Aguilera, Nacho Rubio, Alba Messa, Jorge Anegón, Irene Rubio, Silma López.
De esta película ya les hablamos laaaaaargo y tendido en un (este) artículo. Veamos de que iba la cosa: Diana quiere celebrar su próximo ascenso y dejar atrás un terrible accidente. Así que invita a la casa de su abuela a Lisi, Leo y Roque; sus compañeros de trabajo. El pueblo parece abandonado y, aunque los jóvenes lo ignoren, esconde un gran secreto.
Ellos se dedican a pasar tres días de fiesta, sol, playa y alcohol. El ambiente perfecto para que afloren todo tipo de sentimientos, rencores, atracciones y tensiones… Pero no están tan solos como creen y puede que, para más de uno, éste sea su último fin de semana…
MALDITOS SEAN (Argentina). Director: Demian Rugna y Fabian Forte. Con Carlos Larrañaga, Demian Salomón, Carlos Segane, Gabriela Mocca, Natalia Señorales, Silvia Trawier, Paula Bouquet, Hugo Halbrich, Pedro di Salvia, Victor Cura, Lizzy Pane, Pablo Palavecino, Victoria Almeida, Chucho Fernandez, Julio Luparello, Simon Ratziel, Ariel Chavarria.
Un siniestro curandero será quien maldiga a varias personas llevándolos a vivir experiencias espeluznantes a lo largo de sus propias historias.
Entrada libre a las proyecciones hasta completar aforo.
Y también hay ya escogida la persona que será galardonada con el premio Waldemar Daninsky. Este premio, diseñado por el mismo Paul Naschy y esculpido en bronce por Joaquín Aguilera se otorga a personalidades de las artes que por su apoyo al género fantaterrorifico, en sus muy variadas vertientes (cine, literatura, cómic, música…), han contribuido decisivamente en su difusión entre el gran público.
Este premio, que se comenzó a otorgar en 2003, era entregado en persona por el propio Naschy hasta su fallecimiento y hasta ahora han sido galardonados: Luis Alberto de Cuenca, Brian Yuzna, Álex de la Iglesia, Alejandro Jodorowsky, Stuart Gordon, El hijo del Santo, Lamberto Bava y Alaska. En esta ocasión Jesús Franco será merecidamente premiado.
Nace… La Fábrica del Terror
Pues sí, nos congratulamos del nacimiento de una nueva página web dedicada a este género que nos gusta, y sobre todo lo celebramos especialmente porque detrás de ella está, nada más y nada menos que Josep Anton Pérez Giner, uno de los creadores de la legendaria Profilmes, productora que durante los años setenta lanzó un buen puñado de films de terror, muchos de ellos interpretados por Paul Naschy, además de otras películas de culto, como La noche de las gaviotas, perteneciente a la saga de los templarios de Amando de Ossorio, por decir algo, ya que no se puede resumir su abundante trabajo en dos lineas, así que si quieren saber más, les recomiendo ojear la entrevista que le hicimos y, sobre todo, leer el libro que le dedicó Piti Español y que publicó la Filmoteca Española. Pérez Giner, siempre al pié del cañón demuestra que todavía tiene mucho que decir: Ofrece su web, que cuenta con la colaboración de, entre otros, la revista Scifiworld y el propio Festival de Sitges, como lugar en el que dar a conocer obras relacionadas con el género de terror, pero dejemos que la propia página web nos muestre sus pretensiones y objetivos:
«Nuestro principal objetivo es dar a conocer el talento español de un género de gran reconocimiento internacional, creando sinergias entre las nuevas promesas y los autores consagrados.
Como plataforma transmedia estamos abiertos a todo tipo de formatos: cine, vídeo, literatura, cómic, ilustración, teatro, música, artes plásticas, videojuegos… Desde escritores y guionistas a directores, desde maquilladores a diseñadores gráficos, desde el público a la industria. Queremos descubriros, o que os descubráis.
No tenemos preconcebido hacia dónde vamos a evolucionar. Somos un punto de partida, heterogéneos y abiertos a todo y a todos. Un nuevo mundo mágico y mutante que irá creciendo, una horda surgida del apocalipsis abriéndose paso a través del infierno, el punto de colisión entre el pasado y el futuro».
«Buscamos colaboradores para nuestra plataforma: autores que quieran darse a conocer, aficionados que nos envíen comentarios sobre algún producto que hayan visto o del que hayan oído hablar, profesionales que quieran compartir sus conocimientos con nosotros o empresarios que quieran apostar por el género.
Ojo, no ofrecemos trabajo, somos una plataforma que busca descubrir talento, pero no podemos comprar proyectos ni financiar actos terroristas. Si nos mandas una idea para un libro, un guión para una película o un proyecto de videojuego, podemos estudiarlo y ayudarte a madurarlo, ponerte en contacto con gente que te pueda complementar y promocionarlo en nuestra página.
Y si ya tienes algo hecho, como un cuento de terror, un cortometraje, una ilustración o una fotografía terrorífica, y quieres darle visibilidad, estaremos encantados de servirte como plataforma de lanzamiento y darlo a conocer a nuestro público».
Como vemos los objetivos estan claros y lo demuestran con dos proyectos en forma de largometraje: Ghost in the Machine , un thriller de ciencia ficción, y la comedia terrorífica Hungry, dos films cuyo rodaje está previsto para el próximo año y que están escritas por Álvaro Prieto y dirigidas por Gonzalo Escuder.
Queda desear toda la suerte y ofrecer la colaboración que deseen para La Fábrica del Terror, un proyecto que sin duda dará que hablar y al que vamos a seguir muy de cerca.
http://lafabricadelterror.com/
http://www.facebook.com/lafabricadelterror?sk=wall
DVD / Blu-ray: Julio y Agosto
CONFESSIONS (Warner Home Video)DVD
La historia comienza en un instituto, donde en el último día de clase, una profesora se despide de los alumnos con el anuncio de que deja la escuela, pero añadiendo una confesión: que su hija de cuatro años, fallecida recientemente, ahogada en la piscina de la escuela, fue en realidad asesinada por dos de los estudiantes de esa misma clase, y añade que ya ha puesto en marcha su venganza contra ellos. Con Confessions continúa la edición de films proyectados en el Festival de Sitges 2010.
|
Características del DVD:
|
|
Más sobre el DVD de Confessions
|
Adaptación del anime homónimo creado en los años 70 por el maestro Leiji Matsumoto (Capitán Harlock), Space Battleship Yamato nos sitúa en el año 2199, cinco años después que apareciesen unos misteriosos alienígenas llamados Gamilas y empezasen a atacar a la Tierra con meteoritos gigantes y dejar su superficie totalmente inhabitable por culpa de la radiación post-bélica. A la raza humana apenas le queda un año de vida cuando se recibe un enigmático mensaje proveniente del lejano planeta Iscandar, asegurando que poseen un artilugio capaz de eliminar la radiación de la Tierra y ofreciendo su ayuda a los humanos. Decididos a salvar el planeta, las Fuerzas de Defensa reconstruyen el acorazado espacial Yamato para poder realizar el increíble viaje que les llevará a más de 150.000 años luz de distancia en busca de un desconocido planeta que puede ser la última esperanza para la raza humana y para la Tierra.
|
Características del DVD:
|
|
Más sobre el DVD de Space Battleship Yamato
|
EL ENGENDRO DEL DIABLO (Llamentol) DVD- Director: Michele Soavi.
- Actores: Hugh Quarshie, Tomas Arana, Feodor Chaliapin Jr., Barbara Cupisti, Antonella Vitale, Giovanni Lombardo Radice.
- Música: Keith Emerson, Philip Glass, Goblin, Fabio Pignatelli.
- Italia, 1989, 98 min.
- Imagen: Color – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9.
- Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 2.0), Italiano (Dolby Digital 2.0).
- Subtitulos: Español.
- Discos: 1
- Lanzamiento: 05/07/2011.
- Por fin sale este pequeño clásico de la gran promesa truncada del cine de terror italiano, Michele Soavi, el hombre que nos maravilló en 1994 con la estupenda Dellamorte Dellamore, horriblemente titulada aquí Mi novia es un zombie
- Sinopsis:
En plena Edad Media, los Caballeros Teutónicos «frailes guerreros de crueldad legendaria», exterminaron un poblado de brujas, enterrándolas en una fosa común sobre la cual se erigirá una catedral, como barrera frente a las fuerzas del Maligno. Ya en nuestros días, algo sucede que tiene relación con dicho suceso Caballeros Teutónicos, apariciones monstruosas y diabólicoas, alquimistas acusados de brujería, pero qué sucede en esta Catedral gótica? Y qué sucedió hace 850 años? La peste y las matanzas, las torturas de la Edad Media, estaban juntas, sepultadas bajo una cruz inmensa. Pero hoy la catedral vuelve a vivir. Ritos horribles se expanden fuera de sus puertas, por toda la ciudad. Es la nueva Edad Media.
LOS RITOS SATÁNICOS DE DRÁCULA (Sony Pictures) DVD - Director: Alan Gibson.
- Actores: Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Coles, William Franklyn, Freddie Jones, Joanna Lumley.
- Música: John Cacavas.
- Reino Unido, 1973, 83 min.
- Imagen: Color – PAL – Fullscreen 1.77:1 – 4:3.
- Audio: Español (Dolby Digital Mono), Inglés (Dolby Digital Mono).
- Subtitulos: Español.
- Lanzamiento: 12/07/2011.
Sinopsis:
Londres, 1974. El profesor Van Helsing (Peter Cushing) es llamado para ayudar al servicio de Intelygenz Británico para controlar a cinco importantes funcionarios que están bajo vigilancia en Pelham House. Mientras observa una foto. Van Helsing reconoce a un viejo amigo que finalmente le confiesa su participación en el desarrollo de una nueva cepa de peste negra, financiada por el misterioso D.D. Denham (Christopher Lee), un solitario multimillonario que nunca se deja ver a la luz del día.
Vale que es flojita, posiblemente la más floja de toda la saga del Drácula de Hammer pero, ¿Qué quieren que les diga? No he podido evitar hacerme con ella al ser la única no editada en nuestro país de todas ellas y por ver en acción a esos dos grandes colosos que son Christopher Lee y Peter Cushing. Una delicia.
Además, el argumento no es desechable. En esta ocasión el mal es algo menos palpable, menos localizable… vamos, igual, igual que en la vida misma.
LA TRAMPA DEL MAL (Universal) DVD / Blu-ray|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el DVD de La Trampa del Mal
|
EL RITO (Warner Home Video) DVD / Blur-rayEl Rito es un thriller sobrenatural que revela la llegada del demonio incluso a uno de los lugares más sagrados de la Tierra. Basada en hechos reales, la película sigue al seminarista Michael Kovak (Colin O’Donoghue), al que envían a estudiar exorcismo al Vaticano a pesar de sus dudas sobre esta polémica práctica e incluso sobre su propia fe. Con su profundo escepticismo como armadura, Michael desafía a sus superiores a buscar el problema en la psiquiatría en vez de en demonios a la hora de tratar con personas poseídas. Hasta que no lo envían como aprendiz del poco ortodoxo Padre Lucas (Antony Hopkins), un legendario sacerdote con miles de exorcismos en su haber, la armadura de Michael no empieza a caer.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el DVD de El Rito
|
LA SOMBRA PROHIBIDA (Sony Pictures) DVD /Blu-rayLuisa Llorente (Silvia Abascal), una tasadora de fincas de la compañía Inmoverance, que tuvo el temible encargo de ir a evaluar la casa de Lázaro Valdemar (Daniele Liotti), ha desaparecido sin dejar rastro. Dos expediciones salen en su búsqueda: por un lado, Nicolás Trámel (Óscar Jaenada), detective contratado por Maximilian Colvin (Eusebio Poncela), jefe de la compañía; por otro, Ana (Norma Ruiz) y Eduardo (Rodolfo Sancho), compañeros de Luisa, que viajan en coche con la idea de poder unir sus fuerzas con el detective, pero algo pasa…
El contenido extra aún no lo tenemos confirmado, en principio se creé que incluirá el documental sobre Paul Naschy, El hombre que vio llorar a Frankenstein de Ángel Agudo, pero… en todo caso también está disponible en pack conjuntamente con la primera parte de la saga: La Herencia Valdemar. A mi me gustaría volver a probar, esta vez en casa y con las dos películas seguidas, a ver si así gana…
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el DVD de La Sombra Prohibida (La Herencia Valdemar II)
|
TORRENTE 4 / PACK SAGA COMPLETA () DVD / Blu-ray 
amante del humor zafio y de Sr. Segura, no puedo evitar celebrar (con altos y bajos) cualquier título de la saga más psicotrónica (y rentable) del cine español. La película la vi como hay que verla: el día del estreno y en una multisala del extraradio, con el suelo pegajoso y con continuos comentarios de los abundantes y multitatuados Jonatans y Jessicas. Toda una gozada masoquista. Ahora, con mi copia en casa puedo verla y apreciar lo que los comentarios del público, y ¿Por qué no? mis propias carcajadas no me dejaron oir. Más de lo mismo pero mejor, ya que supera a la floja tercera parte, aunque quizás peca de exceso de cameos. En cuanto al DVD, se echa en falta que haya algún extra. Pero por otra parte, por un más que módico precio pueden adquirir la saga completa en pack, una vez agotada la antología de lujo que arrasó las Navidades pasadas.En cuanto al argumento… Torrente se ve atenazado por la crisis que asola al país. Viviendo en condiciones miserables, se ve obligado a aceptar un “encargo” poco recomendable. Se trata de asesinar a alguien. Torrente recluta algunos colaboradores para que le ayuden con su peculiar misión. Finalmente, Torrente es utilizado como chivo expiatorio y, antes de que pueda cumplir el trabajo encomendado, “alguien” se le adelanta. Le cargan con el mochuelo y es encarcelado por un crimen que no ha cometido. En prisión, toda su obsesión será escaparse para limpiar su nombre.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el DVD de Torrente 4
|
HELLRAISER: BLOODLINE (Divisa) DVD- Director: Alan Smithee.
- Actores: Bruce Ramsay, Valentina Vargas, Doug Bradley, charlotte chatton, Adam Scott, Kim Myers.
- Música: Daniel Licht.
- USA, 1996, 81 min.
- Imagen: Color – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9.
- Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 2.0 Stereo).
- Subtitulos: Español, Inglés.
- Discos: 1
- Distribuidora: Divisa
- Lanzamiento: 20/07/2011.
Año 2127. El doctor Merchant, a bordo de una estación espacial, se prepara para cumplir una misión decisiva: acabar con los cenovitas, cerrando para siempre las puertas del infierno impidiendo el paso a los cenobitas y a su lider, Pinhead, que cuenta, además, ocn la ayuda de Angelique y un largo cortejo de seres, literalmente, infernales.
TARZAN Y EL SAFARI PERDIDO (Suevia Films) DVD- Actores: Gordon Scott, Robert Beatty, Yolande Donlan, Betta St. John, Wilfrid Hyde-White, George Coulouris.
- Música: Clifton Parker.
- USA, 1957, 75 min.
- Imagen: Color – PAL – Fullscreen.
- Audio: Español (Dolby Digital Stereo), Inglés (Dolby Digital Stereo)Subtitulos: Español.
- Discos: 1
- Lanzamiento: 21/07/2011.
- Si hace bien poco hablábamos del pack editado por Atelier 13 centrado en el Tarzán de Lex Barker. En este caso Suevia nos ofrece varios títulos posteriores protagonizados por Gordon Scott, precisamente el sustituto de Lex en el papel de Tarzán, personaje que interpretó en cinco ocasiones, tras las cuales también compagínó actuaciones en films de gladiadores.
- Argumento: A raíz de una colisión con una bandada de flamencos rosas, un avión cae a la selva, y Tarzán, que ha acudido rápidamente al lugar, consigue rescatar a todos sus tripulantes. Poco después, el grupo es atacado por los nativos de Opar, unos salvajes sanguinarios, que arrojan a Tarzán al río y raptan a una de las mujeres de la expedición con intención de sacrificarla a sus dioses.
TARZÁN Y LA SELVA ESMERALDA
- (Suevia Films) DVD
Tarzan Hidden’s Jungle
- Director: Harold D. Schuster.
- Actores: Gordon Scott, Vera Miles, Peter Van Eyck, Jack Elam, Charles E. Fredericks, Richard Reeves.
- Música: Paul Sawtell.
- USA, 1955, 73 min.
- Imagen: Color – PAL – Fullscreen.Audio: Español (Dolby Digital Stereo), Inglés (Dolby Digital Stereo).Subtitulos: Español
- Lanzamiento: 21/07/2011.
- Sinopsis:
- Haciéndose pasar por un equipo de cineastas, un grupo de cazadores furtivos entra en el santuario animal de la tribu Sukulu. Su plan: sacar a los elefantes, rinocerontes y leones fuera de la tierra sagrada y matarlos para arrancarles la piel.
TARZAN Y SUS COMPAÑEROS (Suevia Films) DVD
- Tarzan Fights for Life
- Director: H. Bruce Humberstone.
- Actores: Gordon Scott, Eve Brent, Rickie Sorensen, Jil Jarmyn, James Edwards, Carl Benton Reid.
- Música: Ernest Gold.
- USA, 1958, 70 min.
- Imagen: Color – PAL – Fullscreen.
- Audio: Español (Dolby Digital Stereo), Inglés (Dolby Digital Stereo).
- Subtitulos: Español.
- Lanzamiento: 21/07/2011.
- Sinopsis:
Bajo la identidad de un explorador occidental, el cazador Schroeder se dedica a capturar animales de forma furtiva para un zoológico, engañando al propio Tarzán (Gordon Scott) y su familia para lograr su colaboración. Pero Sikes, hermano del cazador, aspira a conseguir una presa mayor: el propio Tarzán.
SCREAMPLAY + TROMA IS SPANISH FOR TROMA(Distribuye Tema) DVD - Director: Rufus Butler Seder, Marc Gras.
- Actores: Rufus Butler Seder, Eugene Seder, Cheryl Hirshman, James McCann, Clif Sears, Johanna Wagner, Nacho Cerda, Naxo Fiol, Josmar Gerona, Mike Hostench, Lloyd Kaufman, Hernán Migoya.
- Música: Basil J. Bova, George Cordeiro
- USA, España, 1985, 2010, 138 min.
- Audio: Español (Dolby Digital), Inglés (Dolby Digital).
- Discos: 1
- Lanzamiento: 25/07/2011.
Sinopsis:
– Screamplay: Esta es la historia del aspirante a guionista Edgar Allen (Rufus Seder) y de cómo llega a Hollywood llevando consigo sus pasiones más preciadas: una maleta y una máquina de escibir. El mayor atributo de Edgar Allen es su salvaje imaginación. E imagina escenas tan vívidas para el relato de misterio y asesinato que está escribiendo que éstas parecen cobrar vida Y lo hacen! Mientras los misteriosos crímenes se suceden, Edgar Allen deberá enfrentarse a actrices fracasadas, iluminados, decadentes estrellas del rock, agentes sin trabajo y a la policía en el entorno sombrío de los sueños rotos de Hollywood.
EL DEMONIO BAJO LA PIEL (Tripictures) DVD / Blu-rayBasada en la novela del legendario escritor Jim Thompson, la película El Demonio bajo la Piel de Michael Winterbottom narra la historia de Lou Ford, el Sheriff adjunto de una pequeña ciudad, un hombre guapo, encantador y sin pretensiones. Lou tiene un montón de problemas: problemas con las mujeres, problemas con la ley. Han aparecido un creciente número víctimas de asesinato en su jurisdicción del oeste de Texas. Y el hecho es que en realidad es un sádico, un psicópata, un asesino. Las sospechas comienzan a caer sobre Lou, y es sólo una cuestión de tiempo antes de que se quede sin coartadas. Pero en el universo salvaje, sombrío, oscuro y más que “noir” de Thompson, nada es nunca lo que parece, y resulta que los investigadores que lo persiguen podrían también tener sus propios secretos. A nosotros nos encantó y ya hablamos detenidamente de este film en este artículo.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el DVD de El Demonio bajo la Piel
|
Una aventura submarina que sigue a un grupo de expertos en expedición por la red de cuevas más extensa, hermosa e inaccesible del mundo. Cuando una tormenta tropical les obliga a internarse en las profundidades de las cuevas, deberán enfrentarse a embravecidas aguas, al mortífero terreno y al creciente pánico para tratar de encontrar una posible salida que les conduzca hasta el mar.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el DVD de El Santuario
|
STAR TREK: LA NUEVA GENERACIÓN (SERIE COMPLETA) DVD / Blu-ray|
Características del DVD:
Incluye:
|
INVASIÓN A LA TIERRA (Sony Pictures) DVD / Blu-ray.
Durante años ha habido casos documentados de avistamientos de OVNIS en todo el mundo. Pero en 2011, lo que hasta ese momento eran simples avistamientos se convierten en una terrible realidad cundo la Tierra es atacada por fuerza desconocidas. Mientras todos son testigos de cómo caen las grandes ciudades del mundo, Los Ángeles se convierte en el último bastión de la humanidad en una batalla que nadie esperaba. Un sargento de la Marina (Aaron Eckhart) y su nueva división son los que tendrán que definir los límites frente a un enemigo como jamás se habían encontrado.
También disponible en pack con la fantástica Distrito 9.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
DESTINO OCULTO (Universal) DVD / Blu-ray¿Controlamos nuestro destino, o hay fuerzas ocultas que lo manipulan? A punto de conseguir un lugar en el Senado de los Estados Unidos, el político David Norris (Damon) conoce a una hermosa bailarina de danza contemporánea (Emily Blunt), una mujer distinta a todas cuantas ha visto. Justo cuando advierte que se está enamorando, descubre que unos hombres misteriosos tratan de separarlos.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
CONAN EL BÁRBARO (20th Century Fox) Blu-rayConan el Bárbaro, la película sobre el legendario héroe y guerrero, supuso un impresionante éxito cinematográfico para Arnold Schwarzenegger. Desde que el despiadado cabecilla de una secta (James Earl Jones) y su banda de desalmados asesinos le dejan húerfano, Conan tiene que soportar una infancia de cruel esclavitud que le llevará a convertirse en gladiador para entretener a sus captores. Después de pasar un tiempo en el lejano Este mejorando sus destrezas para la lucha, Conan recibe la libertad y comienza una peligrosa y sangrienta búsqueda para vengar la muerte de sus padres. Ahora, el guerrero armado de espada debe aniquilar a sus sanguinarios enemigos en una desafiante aventura acerca del valor, la fuerza, el carácter y el triunfo del bien sobre el mal.
|
Características del Blu-ray:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el Blu-ray de Conan, El Bárbaro
|
CONAN EL DESTRUCTOR (20th Century Fox) Blu-rayLa poderosa Reina Taramis promete a Conan traer a su amada de regreso de la muerte. Como condición impone que, previamente, el héroe de la espada traiga ante Su Alteza un cuerno legendario, incrustado de joyas, y una bella y joven princesa. Pero lo que Conan no sabe es que la Reina planea utilizar el cuerno para despertar al dios durmiente Dagoth, y sacrificar ante él a la joven princesa. Encarado con enemigos mortales y sobrenaturales, Conan debe convocar a la fuerza para batallar a Taramis… e incluso al mismo demoníaco dios Dagoth.
|
Características del Blu-ray:
Contenido Extra:
|
|
Más sobre el Blu-ray de Conan, El Destructor
|
SECUESTRADOS (Vértice Cine) DVD /Blu-ray
La película nos habla de la pareja Jaime, Marta y de su hija Isa, que acaban de mudarse a su nueva casa en una acomodada urbanización de las afueras. Mientras se preparan para celebrar su primera noche en el nuevo hogar, tres encapuchados irrumpen violentamente con el objetivo de conseguir la mayor cantidad de dinero posible y sin importarles el horror que siembran a su paso.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
STAR TREK: ESPACIO PROFUNDO 9 SERIE COMPLETA (Paramount) DVD /Blu-ray Paramount ha comunicado el lanzamiento, para el próximo 24 de Agosto de 2011, de un pack con la serie completa de Star Trek: Espacio Profundo 9 en DVD. Una caja para coleccionistas con las 7 temporadas y un precio de 159,95 euros.
El año es el 2369. Después de una larga e ensangrentada lucha contra los Cardasianos, la resistencia Bajoriano y sus aliados de la Flota Estelar han ocupado Terok Nor, una antigua estación minera orbitando el planeta Bajor. Redesignado Espacio Profundo Nueve por la Federación, la estación es ahora supervisada por una tripulación de la Flota Estelar a cargo del Comandante Benjamín Sisko, un aguerrido oficial quien recientemente ha perdido a su esposa en una batalla contra los Borg. Junto con su equipo, Sisko debe presidir sobre habitantes amistosas y hostiles, honestas y deshonestas, humanas e alienígenas. Esta asamblea inverosímil de individuos le da a la estación su sociedad incomparable, la que aporta intrigas, crímenes y algunas amistades inverosímiles.
GIALLO (Emon Home Entertainment) DVD / Blu-ray
La modelo americana Celine es secuestrada en Milán durante la Semana de la Moda. Detrás está un asesino en serie que hace pasar a sus víctimas por un verdadero calvario. Linda, la hermana de Celine, debe confiar en el buen hacer del inspector Enzo Lavia, un tipo obsesionado con este tipo de casos por un trauma del pasado, y que deberá encontrar a la chica antes de que sufra el terrible desenlace de las víctimas anteriores.
Argento rinde pleitesía con el título de este film al género que le inmortalizó.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
SHAW VII (Emon Home Entertainment) DVD / Blu-ray
En Saw 7 un grupo de supervivientes de los juegos de Jigsaw se reunirán para buscar el apoyo del gurú de autoayuda y superviviente Bobby Dagen, un hombre que tiene un oscuro secreto en el que quiere desatar una nueva oleada de terror…
Menos mal que han dejado descansar ya esta saga. Por mi parte siempre pensaré que la primera parte era francamente ingeniosa. Pero bueno, aún así no deja de ser entretenida, aunque al no haber seguido todos los capítulos alguna cosa se escapa, claro, pero no lo principal, que son las mil y una formas de matar, cuanto más retorcidas mejor, por supuesto.
|
Características del DVD:
Contenido Extra:
|
Versus y el cine fantástico: Ediciones de lujo
En estos tiempos de Blu-ray, 3-D y público que paga para ver una película como Transformers es prácticamente un milagro que exista una productora, distribuidora y editora de películas como Versus, que lanza títulos arriesgados en óptimas condiciones. Tan bizarros (en el correcto significado del término) son que, además de infinidad de grandes clásicos, editan hasta qy imprescindibles películas mudas. Si señores, ¡mudas!
Versus Entertainment nace a finales de 2005 fundada por varios experimentados especialistas: El área de distribución está liderada por Alejandro Miranda, que destaca por su dilatada experiencia en compañías como Paramount Home Video, CIC o Universal Studios Networks, donde trabajaba como Product Manager del canal televisivo Calle13. Las adquisiciones estaban a cargo de Adrián Guerra, organizador de la Muestra de Cine Fantástico Calle13 y que compartía la tarea de director editorial y desarrollo con José Tito Martínez, conocido montador de cine. El equipo lo cerraba Miguel Anaya como Jefe de Producción y encargado de desarrollo de proyectos especiales. Pero actualmente el equipo de Versus se ha renovado casi en su totalidad: Alejandro Miranda continúa como gerente y supervisa directamente todas las ediciones, aunque más en el ámbito de las ventas y el marketing, pero tanto Adrián Guerra como José Tito hace tiempo que no participan directamente en la distribución ni en las ediciones y Miguel Anaya ya hace cuatro años que no es socio de Versus.
Juan Molero Serantes y Gonzalo del Pozo Vega son ahora los responsables últimos de todas las ediciones, tanto de los títulos (junto con otro socio de Alejandro, Ferrán Herranz que se centra en contenidos y marketing), de los contenidos, diseños, producción, marketing, ventas e incluso prensa.
Ya en su primer año distribuye 24 títulos, apoyando a emergentes cineastas de gran talento como Rodrigo García (Nueve Vidas), Eugenio Mira (The Birthday), Sebastián Cordero (Crónicas), Rian Johnson (Brick) o Marc Foster (Un grito en la noche) así como directores ya establecidos como Lars Von Trier (The Kingdom), Richard Linklater (Tape),Takashi Miike (Gozu, El camino a la locura) o Abel Ferrara (King of New York). También distribuyen y editan en una magnífica edición especial Los Cronocrímenes (2007) de Nacho Vigalondo y producen a Rodrigo Cortés la merecidamente multipremiada Buried (2009), éxito que ha animado a Versus a producir el siguiente film de Cortés, Red Lights, también rodado en Barcelona y que cuenta con Sigourney Weaver y Robert De Niro entre los protagonistas, así como Emergo de Carlos Torrens con guión y producción también de Cortés que se presentará en la edición de este año del festival de Sitges, como vemos cartas ganadoras que haran a Versus a continuar por este camino.
Por su parte, en la edición de clásicos en DVD, que es de lo que hablaré más detenidamente, el sello debuta con el lanzamiento de Tabú (Tabu: A Story of the South Seas, 1931) fastuoso film de F.W. Murnau y R. Flaherty. Edición que es seguida por maravillosos títulos entre los que destacan Vampir (Carl Th. Dreyer, 1932), que es reconocida por Cahiers du Cinema-España como la mejor edición en DVD de 2009, premio que también obtuvo Versus el año anterior por el pack dedicado al cineasta José Luis Guerin. Entre otros clásicos editados están: La ciudad desnuda (The Naked City, 1948 Jules Dassin), Robin Hood (1922, Allan Dwan), Compañeros mortales (The Deadly Companions, 1961 Sam Peckinpah), El enemigo público (The Public Enemy, 1931 William A. Wellman) y Chicago años 30 (Party Girl, 1958 Nicholas Ray).
En el apartado cine fantástico y de terror, Versus ha puesto en el mercado unos títulos del todo imprescindibles:
La ya mencionada Vampir (1932, Carl Th. Dreyer) está presentada en dos discos: El primero de ellos contiene la película, proveniente de un nuevo transfer digital de alta definición de la versión original en alemán realizada en el año 2009, a partir de la restauración de 1998. Mientras que el segundo disco incluye suculentos extras como los documentales Carl Theodor Dreyer (Eric Rohmer, 1965) de 62 minutos; Carl Theodor Dreyer (1966, Jörgen Roos) que en sus 28 minutos contiene testimonios de Henry Langlois, Jean-Luc Godard y François Truffaut, entre otros. Y por si no hubiera suficiente, tenemos lo que más nos gusta a los fetichistas: Secuencias eliminadas, nunca vistas recuperadas en la restauración, así como tomas dobles de los planos con distinta banda sonora. Para redondear el pack tenemos un libro de más de 100 páginas con textos inéditos de Gonzalo de Lucas, Jesús Palacios y David Bordwell, así como testimonios del mismo Dreyer y sus colaboradores, todo ello aderezado con numerosas imágenes.
Una maravilla que deja a la altura del betún otras ediciones como la americana de Image Entertainment, aunque también si prefieren está disponible la edición de un disco.
Versus también lanza Häxan (1922, Benjamin Christensen), y aunque la edición es bastante similar a la de la prestigiosa Criterion Collection, entre los extras se echan de menos las tomas falsas o la introducción al film que el mismo director hizo para una reposición en 1941. Pero por su parte, la edición de Versus está editada en dos discos (la Criterion en uno) y al igual que aquella contiene las dos versiones del film: la original de 1922 (104 minutos) y la americanizada (76 minutos) que se lanzó en 1968 narrada por William S. Burroughs, además de dos libretos sobre el film, uno de ellos escrito por el prestigioso Jesús Palacios.
No hay que perderse tampoco los más recientes lanzamientos, como El legado tenebroso (The Cat and the Canary, 1927) , fantástica película muda de casas encantadas dirigida por el genio alemán Paul Leni, artífice de la poco conocida joya expresionista, El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924), que le catapultó a Hollywood, donde inició su carrera precisamente con El legado tenebroso. Desafortunadamente dos años después de rodarla, Leni fallece, eso sí, dejándonos antes otra joya muda, El hombre que ríe (The Man Who Laughs, 1928) protagonizada por su paisano el gran Conrad Veidt y con un impactante maquillaje de Jack Pierce que serviría de inspiración para que Bob Kane creara al peor archienemigo del hombre murciélago, el Joker.
El legado tenebroso está basado en una obra teatral y se nota, pero también hay varias escenas inolvidables, como ese pasillo con ventanas abiertas desde las que entra el viento, moviendo unas fantasmales cortinas blancas o el simpático villano de grandes colmillos.
Ahora Versus edita una versión que deja en pañales a las publicadas en Estados Unidos por Alpha Video y sobre todo a la de Image, que si 
bien era la mejor hasta entonces, queda superada por esta, editada en doble disco con dos versiones del film: una tintada y otra remasterizada en sepia, además de el corto de Leni Rebus Nº1 (1925) y un siempre bienvenido libreto de 38 páginas con textos de Israel Paredes y Tonio L. Alarcón.
Solo me quedo con las ganas de que hubiera incluido la versión sonora que los mismos estudios Universal rodaron con actores hispanos para su distribución en España y Sudamérica bajo el título de La voluntad del muerto (Enrique Tovar y George Melford, 1930), pero… ¿Ha sobrevivido alguna copia? Yo diría que no ha tenido la suerte del Drácula hispano del mismo Melford, del que apareció una copia en Cuba que permitió su reconstrucción para goce de los amantes del terror más clásico.
Si no tienen bastante con esto, ¿Qué les parecería poder disfrutar de la versión de Jean Epstein y Luis Buñuel de La Caída de la Casa Usher (La Chute de la Maison Usher, 1928)?… pues lean, lean, que eso no es todo, ya que esta edición especial contiene además: El espejo de las tres caras (1927) y El domador de tempestades (1947) de Jean Epstein, así como dos adaptaciones de relatos de Poe: La Caída de la casa Usher (1926-28, J.S. Watson, Jr. & Melville Webber) y El corazón delator (1928, Charles Klein). ¿Todavía no es suficiente? Pues también incluye un ensayo visual del crítico Raúl Alda. Y… por supuesto el libreto con críticas de Jesús Palacios, Ángel Quintana y Daniel Pitarch, junto a tres textos teóricos del propio Epstein y la traducción al castellano de Julio Cortázar del cuento de Edgar Allan Poe, La caída de la casa Usher. Todo un lujo ¿o no?
Y ¿Qué decir de Los ojos sin rostro (Les yeux sans visage, 1960)) de Georges Franju? Pues que finalmente conoce una edición digna, inmejorable, de la mano de Versus. Una edición que dejará las anteriores a la altura de la cara de la hija del doctor Genessier, ya que tendrá el óptimo remasterizado de Gaumont, además de unos contenidos extras que hay que leer para creer: El documental de 20 minutos La sangre de las bestias (Georges Franju, 1949) sobre los mataderos de París; Las flores marchitas de Georges Franju (2009, Pierre-Henri Gibert) un documental de 46 minutos con testimonios de Edith Scob, Freddy Buache, Claude Chabrol, Jacques Champreux, Robert Hossein, Kate Ince, Jean-Pierre Mocky y Bernard Queysanne; Un capítulo de Cinéma Cinémas (1987) con 66 minutos dedicados a Los ojos sin rostro; El ensayo visual de 12 minutos Los ojos sin rostro (2011, Antonio Bermejo). Y finalmente ¿Quieren más? el libreto con textos de Tomás Fernández Valentí, Jesús Palacios, Carlos Muguiro, Gonzalo de Lucas y Miguel Marías.
¡¡¡¡Cuantas ganas de echarle el guante!!!!
No se puede escapar tampoco Un cubo de sangre (A Buket of Blood, 1959 Roger Corman). Rodada en tan solo cinco días y con un presupuesto irrisorio de 50.000 dólares, Un cubo de sangre es una de las películas más conocidas de la extensa filmografía de Roger Corman y supuso su primera colaboración con el guionista Charles B. Griffith a la que seguirían La pequeña tienda de los horrores y El monstruo del mar encantado.
Versus Entertainment ha preparado una edición que cuenta entre sus contenidos adicionales con una reciente entrevista concedida por el director a la productora italiana Pilgrim Films durante el homenaje que le rindieron a su carrera durante la Muestra “Science+Fiction 2009” de Trieste. Además la edición cuenta con un libreto en el que podemos encontrar textos exclusivos de Carlos Aguilar y Quim Casas.
Sin olvidar La trilogía de la muerte de Nacho Cerdá, que reunía tres cortometrajes del cineasta, entre ellos el controvertido Aftermath (1994) Tres obras que reinventaron el mundo del cortometraje español. Originales, macabros y terroríficos, los tres cortos son objeto de culto internacional: The Awakening (1990) , Aftermath (1994) y Génesis (1998) . Los extras son tantos que me abstengo de enumerarlos… Pero… seguro que ya tienes este pack.
También dentro del sello Versus hay una, bajo mi punto de vista, mal llamada colección Cinema Bis, y digo mal llamada en vista de los títulos que se están editando, como por ejemplo tres clásicos de Edgar G. Ulmer: Detour (1945), Barba Azul (Bluebeard, 1944) con el gran John Carradine en un papel principal hecho a medida y Extraña ilusión (Strange Illusion, 1945), pero lo de cinema bis también suena fatal cuando se habla de la extraña Carnival of Souls (1961, Herk Harvey) que Versus edita con una versión que, si bien no llega al nivel de la de Criterion, en cambio sí le da varias patadas a la edición en castellano que Llamentol editó dentro de su Cult Sci-fi Collection (aunque este film 
de scifi, nada de nada, pero bueno). Aún así la versión de Versus comparte algunos extras con la de Criterion, como los documentales Movie That Wouldn’t Die! The Story of Carnival of Souls y The Carnival of Souls Tour, además de un ensayo de Jesús Palacios. Lamentablemente, en el tintero queda un fascinante lote de 45 minutos de outtakes acompañados con la, también fascinante música de órgano de Gene Moore.
En fin, poco más que añadir. Las ediciones especiales que lanza Versus nunca te dejan con la sensación de haber sido estafado. Sólo basta ver la cuidada calidad del film, la deliciosa presentación y los extras, esos extras que hacen que… a pesar de que muchos de los títulos ya los tengamos en nuestra videoteca, no dudemos en volverlos a adquirir, a pesar de que ante estos grandiosos films de mucha rabia tener unos menguados ingresos y no poder hacerse con todo lo que uno quisiera pero… yo al menos procuraré no dejar escapar las que me faltan, y entre ellas estará una muy interesante novedad que para septiembre nos tienen preparada: la que posiblemente será la más cuidada y completa edición que han sacado hasta la fecha, un clásico del cine fantástico español de los años cuarenta, muy poco valorado durante muchos años y que actualmente, con la cuidada edición de Versus, sera puesta en su lugar. El 31 de agosto más pistas…
Cryptshow Festival 2011
Toda ciudad tiene su pasado en el que nacen las anécdotas que dan origen a sus curiosidades. Y Badalona lo tiene. Algo que llama la atención de los visitantes es que los chuchos de crema son conocidos como tornemis . Los lugareños más viejunos aún sabemos por qué.
Hace años, muchos, en la calle Sant Pere (centro), había una pastelería cuya especialidad eran estos bollitos de crema. Al decir de todos, eran tan buenos que daban ganas de volver a por uno más. Así fue como aquella pastelería, pasado el tiempo, fue conocida como Can Tornemi (de torne-m’hi, volver a repetir) y por extensión así fueron llamados los bollos en todas las pastelerías de la ciudad.
Las ciudades tienen también presente, un presente en el que nacen las tradiciones del futuro. Desde el pasado 6 de julio, Badalona tiene un nuevo tornemi, porque desde ese día se instaló allí el Cryptshow Festival y todos los asistentes nos hemos quedado con ganas de repetir. Todos acabamos diciendo: torne-m’hi!!!!
Fueron cinco intensos días en los que pudimos sentir todas las emociones del cine de terror en todos sus formatos. Allí estuvo Serendipia y así os lo quiere contar.
TERROR CLÁSICO
En todo buen festival nos encanta ver novedades, pero no es menos importante revisar viejas amigas que, aunque posiblemente ya formen parte de nuestra colección de DVD’s, nos gusta ojear en esa puesta de largo que supone verla en pantalla grande y con buen sonido. Y es que siempre hay tiempo para ver a un buen amigo y así en el Cryptshow seleccionaron tres films clásicos para disfrute de niños y grandes:
Programa/cartel español de El péndulo de la muerte.
El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961 Roger Corman) un merecido homenaje a Vincent Price (y a nosotros) en su centenario. El film fue la segunda adaptación que Roger Corman dirigió basada en relatos de Edgar Allan Poe tras La Caída de la casa Usher (House of Usher, 1960). La película, afortunadamente se estrenó en la época en España, por lo que los más viejunos, que no lo sean tanto como para haberla disfrutado en el cine, la recordarán por intempestivos (pero no tanto como ahora) pases televisivos. La cinta cuenta con el siempre inolvidable e histriónico Price, que enloquece impecablemente en pantalla dando su merecido a los auténticos villanos de la función (entre ellos la adorable Barbara Steele) y a cualquiera que se ponga por medio ¡¡Ya puestos lo mismo da 4 que 14!! Además, al abrir el Cryptshow Festival, pudimos vivir conjuntamente con el film la experiencia de visitar por primera vez los lavabos del local que… ¡¡¡Parecían formar parte de la sala de torturas de Nicholas Medina!!! … Repletos de extraños olores, insectos nefandos y pasillos abovedados e interminables… Circunstancia esta que, por otra parte, no era responsabilidad de los organizadores del festival y que contrastaba con la regia y preciosa sala de proyección y en general con el local que acogió al Cryptshow y que esperamos lo siga acogiendo.
Ese mismo día se proyectó otro gran clásico, Häxan, dirigida en 1922 por Benjamín Christensen. Un extraño film separado en diversos y pictóricos episodios que en verdad resulta ser un alegato en contra del papel de la Iglesia durante la época medieval, materializado por el brazo ejecutor que fue la Inquisición. Película maldita prohibida en muchos países que se ha ido revalorizando hasta alcanzar el estatus de absoluta obra de arte que actualmente tiene. Por cierto, en 1968 se recortó metraje (de 105 minutos se quedó en 75) y se lanzó con narración de otro alucinado, William Burroughs, gran admirador del film. La película se proyectó con acompañamiento musical en directo de Vicenç Vidal, como en los antiguos cinematógrafos.
El tercer y último clásico del Festival fue Terror en el espacio (Terrore nello spazio, 1965 Mario Bava) film que como ya saben anticipaba otro gran clásico, Alien, el octavo pasajero (Alien, 1979 Ridley Scott) y que tenía una innovadora puesta en escena y un magnífico tratamiento del color pero… ya sé que sonará sacrílego , me defraudó bastante. Era la primera vez que la veía y tenía muchas ganas, sin embargo… lo dicho, me pareció tediosa y lenta. Para gustos, colores. Eso sí hay que elogiar los efectos de sonido y la banda sonora de Alan Silvestri (tantas veces compositor de Zemeckis) que consiguen darle al film una atmósfera asfixiante.
TERROR DOCUMENTAL
Tuvimos tres documentales, tres y además de lo más variado. El primero en proyectarse fue Condenados a luchar de James J. Wilson, película que narra la dificultad de acceder a la industria del cine por parte de muchos directores independientes, principalmente de cortometrajes. Para ilustrarlo, Wilson se vale de diferentes entrevistas con los propios compañeros (entre ellos Dani Moreno, Rafa Dengrà, Chema Ponce, David Muñoz, Adrià Cardona, Naxo Fiol, Isaac Berrocal o Laura Ruiz en un larguísimo etcétera), así como de una ruta por distintos festivales y espacios especializados en dar cancha a estos creadores como Cotxeres de Sants, Festival de Molins, Filmets, Horrorvisión, Festerror, Centro Garcilaso y por supuesto Cryptshow, entre otros, aprovechando asimismo para recoger la opinión de los organizadores y del público. Toda una declaración de principios de un cineasta que, por cierto, se pasó todas las jornadas del festival rodando cerca de una hora de imágenes con las que realizará un pequeño spot de dos minutos para promoción del Cryptshow.
El director del certamen Toni Benages y Wilson presentando Condenados a luchar.
De Los perversos rostros de Víctor Israel (David Pizarro y Diego López) ya hablamos con anterioridad. Estrenado en Sitges 2010, se trata de un documental al gran actor secundario que 
nace de un pequeño corto realizado para completar el homenaje al actor que se celebró en el primer festival Horrovisión en 2010. Debido a las buenas críticas recibidas, Diego López (ya saben, responsable del fanzine El Buque Maldito y la sección Brigadoon del festival de Sitges) se alía a otro personaje, David Pizarro, y alumbran el correctísimo documental que analiza la figura del actor mediante 6 de sus muchos rostros: el familiar (biográfico); el negro (por el cine policíaco); el salvaje (por sus westerns y bélicos); el terrorífico (por tantos films de ese género que admiramos, especialmente Pánico en el Transiberiano de Eugenio Martín);el Dramático y finalmente el erótico (no se pierdan las imágenes de Morbus de Ignasi P. Ferrer, o mejor dicho, no se pierdan Morbus, que hay que verla para creerla). Si bien Víctor Israel no tenía tantos rostros como el mítico Lon Chaney, ciertamente se le acercaba y así nos lo cuenta este documental mediante amigos, familiares y colegas, entre los que se cuentan Eugenio Martín, José Ulloa, Javier Aguirre, Frank Braña, Miguel Iglesias Bonns, José Lifante, Carla Dey, Antonio Mayans y Esperanza Roy. Un buen trabajo que, al igual que el siguiente, aprovechamos para volver a visionar tras haberlo disfrutado en Sitges.
El tercer documental representa a ese Paul Naschy que esperamos que nunca falte. Si el año pasado en el Cryptshow se proyectó La maldición de la bestia (1977, Miguel Iglesias Bonns), este año pudimos disfrutar con El hombre que vio llorar a Frankenstein de Ángel Agudo, un film en la línea del dedicado a Víctor Israel y que también cuenta con testimonios de amigos, familia y compañeros de profesión como Antonio Mayans, Jack Taylor, Jordi Grau, Caroline Munro, Miguel Iglesias Bonns, Nacho Cerdá, José Luis Alemán, J. A. Pérez Giner, Joe Dante y John Landis, entre muchos otros.
Tres interesantes obras en las que se puede destacar, además del trabajo de sus directores, el montaje. El de Víctor Israel se estructura como si fuese un libro, la secuenciación la dan los distintos rostros que representan otras tantas etapas de su vida cinematográfica. Una línea similar sigue el dedicado a Naschy, salvo que aquí acompañamos al actor en su vida y su filmografía en orden cronológico y no temático con el interior. Probablemente sea el que mayor difusión fuera de España espera obtener puesto que es el que se ajusta más a los documentales clásicos americanos. El film de Wilson, en cambio, es muy distinto en su estrucura. Articulado en torno a tres ejes, directores, festivales, y público, estos no se suceden linealmente sino que se mezclan entre ellos dando respuestas a las preguntas que se formula el propio director, auténtico nexo de unión entre las partes. Hay que añadir que Wilson se filma a si mismo practicando su otra afición, el boxeo, muy acorde con el título y con el mensaje que nos quiere transmitir: quien está condenado a luchar y se esfuerza en ello no puede más que acabar saciando su búsqueda.
En El Circol consultando la cartelera.
TERROR LARGO
Durante el festival también pudimos disfrutar de una buena selección de largometrajes de reciente factura que vamos a repasar:
True Nature (USA, 2010 Patrick Steele) es una historia sobrenatural sobre la extraña reaparición de Marianne (Marianne Porter) en el jardín de su casa tras un año desaparecida. Ella no recuerda nada, y aunque lucha por recuperar la normalidad en su vida, las pesadillas la asaltan por la noche. El film, opera prima de su director Patrick Steele, ya se habia proyectado en el Fancine de Málaga en noviembre de 2010, contando con el mismo director como invitado.
Rage (USA, 2010, Cris Whiterspoon) se nombra heredera de lo que podríamos llamar un subgénero dentro del fantástico: el del terror que es inspirado al protagonista por un extraño conductor que le acosa con su vehículo. El máximo referente dentro de esta tendencia es El diablo sobre ruedas (Duel, 1971 , Steven Spielberg), tanto es así que el propio Whiterspoon le lanza un guiño intertextualizándola en una escena de su film. Pero Rage es menos metafísica que la película de Spielberg, el conductor asesino no es una fuerza de la naturaleza sino un psicópata y la película va adentrándose progresivamente en el terror de lo real, en la línea en que lo hiciera Secuestrados (20o9, Miguel Ángel Vivas). Rick Crawfort interpreta a un marido infiel, lleno de remordimientos, atenazado por la culpa quien, el día en que decide dejar a su amante empieza a ser perseguido y acosado por un extraño motorista. La persecución va creciendo en intensidad conforme se desarrolla la película, desde la simple rascadura en la pintura del coche en el inicio, hasta el brutal asalto en su propio domicilio que conduce a un desenlace perverso. Pese a que no siempre mantiene el ritmo trepidante que requiere una historia así, Ragees una película más que notable que no escatima hemoglobina en su retrato del sangriento peso del azar .
La chilena Baby Shower (2011, Pablo Illanés) fue, probablemente, la película más delirante del festival. El título da nombre al punto de partida: una baby shower, fiesta para celebrar el próximo nacimiento de un bebé en la que se reúnen las mujeres más próximas a la embarazada. En la película, la protagonista Ángela, que ha abandonado la ciudad para refugiarse en una hacienda rural, espera gemelos e invita a sus cuatro mejores amigas a pasar un fin de semana con ella. Pronto descubrimos que la reunión no va a ser tan pacífica como pensábamos: las cinco amigas guardan entre ellas secretos de humillaciones pasadas y más recientes. La trama se complica cuando entran en acción los esotéricos vecinos de Ángela que se revelan como unos auténticos tarados. La película se convierte entonces en un slasher gore en el que cada ultraje y cada muerte es más brutal que la anterior. Lo que hace peculiar a Baby Shower es que parte de los esquemas típicos de los culebrones latinos parecen evolucionar hacia el nuevo gore francés, tan querido por los jóvenes directores hispanos. Como sea, la película nos embriaga por su extraño ritmo y desarrollo. Quién sabe si no estaremos ante el nacimiento de un terror genuinamente latinoamericano que aprovecha aquello que captura sus audiencias televisivas y lo lleva a fundirse con lo más extremo del terror europeo.
The Dead(UK, 2010 Howard J. Ford y John Ford) es otra ópera prima y un auténtico
Uno de los directores de The Dead, Howard J. Ford pillado al despiste.
homenaje a las películas italianas de zombies que tanto adoramos como Nueva York bajo el terror de los zombi (Zombi 2, 1979 Lucio Fulci) o Zombi Holocausto (Zombi Holocaust, 1980 Marino Girolami), con repugnantes cadáveres purulentos de lento andar y rodaje en Africa, lo que representó toda una pesadilla para sus directores, tanto como lo fue su pase en el pasado Festival de Sitges, en una hora interspectiva y con un ramillete de hambrientos gorehounds dispuestos a liarla, lo que hizo que sus directores se pensasen muy mucho el repetir la experiencia por estos pagos. Pero afortunadamente el Cryptshow pudo contar con este film, que trajo Howard J. Ford, uno de sus directores, bajo el brazo aunque, ¡¡Maldición!!, por problemas con los subtítulos se tuvo que proyectar después de la hora programada, lo que seguro hizo que Ford pensara que sobre su película pesaba una maldición. Afortunadamente la cosa no pasó de ahí y se produjo una feliz proyección, tras la que se celebró una pequeña rueda de prensa que utilizo como marco el refugjo donde estaba la exposición Mad Doctors, durante la que, entre otras cosas, señaló que para él esta es la primera vez que se ha proyectado la película en España, tras el desastre en Sitges.
El mockumentary (falso documental) belga, Vampires (2010, Vincent Lanno), nos llegaba con muchas recomendaciones y ya se sabe que cuando te generan muchas expectativas es más fácil defraudarse. No fue así, Vampires es efectivamente una película que sabe combinar la comedia y el fantástico presentándonos una especie de Familia Adams que no es monstruosa por su aspecto sino por sus hábitos. Se trata de un supuesto documental sobre una familia de vampiros, estos mismos son los que contactan con el canal televisivo para enseñar su forma de vivir al mundo. Sin renunciar a algunos de los elementos icónicos característicos (los ataudes, los colmillos…) nos muestra una figura naturalizada en la que los vampiros viven como una selecta burguesía sobre la que pesa la tradición de su «hermandad» (presentada como una especie de mafia con su padrino incluido), pero cuyos problemas son los mismos que afectan a una familia humana. De hecho, a través de esta horror comedy, Lanoo denuncia algunos de los males de nuestra sociedad actual, el desequilibrio entre las clases, la inmigración y la escasa autoridad que ejercen los padres de hoy sobre sus hijos cada vez más desorientados. Por ponerle un reparo, el metraje resulta un poco largo, pero todo y con ello la cinta mantiene su interés todo el tiempo. Nos sumamos, pues, a las recomendaciones.
Stake Land (USA, 2010 Jim Mickle) nos muestra unos Estados Unidos (ya saben, el mundo es Estados Unidos) desbastado por un holocausto, donde los supervivientes, por si no tuvieran bastante con las penurias que ello pudiera provocar, encima se las tendran que ver con una plaga de vampiros y una secta ultracristiana, La Hermandad.
Y para «desengrasar» un poco… ¿Que tal un musical?, pero…¿Un musical con zombies?, pues sí, eso es lo nos ofrecieron los desquiciados responsables del Cryptshow como telón del festival y en riguroso estreno en España: The Dead Inside (USA, 2011, Travis Betz), una historia de amor y muerte repleta de canciones y carne podrida. Cuarta película y segundo musical de su atípico director.
TERROR EN EL FUTURO DEL CINE
Un momento de la mesa redonda con los ponentes y la moderadora Marta Torres (Judex). Foto: Klowns Asesinos.
Una de las actividades más interesantes de las que pudimos gozar en el festival fue la mesa redonda sobre el futuro del cine en la era de Internet, bajo el lema: Nuevas maneras de hacer y distribuir cine. Aunque se diría que los chicos de Judex, organizadores, no las tenían todas consigo puesto que dispusieron en la sala unas bonitas sillas de madera ¡¡¡en las que te quedabas pegado!!! ¿Para que no escapásemos? Si ese es el motivo, lo hicieron muy bien, porque el que no quedaba atrapado por la silla lo quedaba por el exquisito cava que recibía a los asistentes. En verdad, el debate fue de calidad y se bastó por si mismo para capturar la atención y la voluntad. Y la sala permaneció llena a abarrotar desde el principio hasta el final.
Los ponentes eran una muestra más que representativa de todas las posibilidades que abre la red: Robert Figueres, director de proyectos transmedia, nuevas vias de financiación, distribucion y promocion en cine como fundador de la productora Filmutea. Actualmente trabaja en la película transmedia Panzer Chocolate; Joan Carles Tous, fundador de la distribuidora de cine Cameo y uno de los creadores del portal Filmin, plataforma española de vídeo on demand; Joan Carles Martorell, co-fundador del colectivo EMBED, docente y realizador de cortometrajes y proyectos multimedia. Luis Román, director del BccN (Barcelona Creative Commons Film Festival) e Ignasi Lamarca, fundador de Friki Films.
Otro momento de la mesa redonda que el público, pegado a sus sillas, siguió atentamente. Foto: Klowns Asesinos.
La conclusión destacable es que, a raíz de la nuevas técnicas de la información y la comunicación (TICs), nos hallamos inmersos en un cambio de paradigma global que afecta especialmente al mundo audiovisual. Como señalaba Joan Carles Martorell, si la novela fue la educadora sentimental del S.XIX, el cine lo fue del XX, pero ahora, en el XXI ha perdido esa centralidad. Las nuevas generaciones, ya nativos digitales, tienen como referentes emocionales las series televisivas (sólo hace falta ver la sección de cine de cualquier centro comercial) y los videojuegos, cada vez más sofisticados y novelizados. Los juegos de ordenador construyen un público acostumbrado a interactuar y a participar de lo visto; a la par que las series son consumidas por una mayoría de jóvenes por temporadas y no por capítulos, consumo que los propios espectadores deciden cuándo, cómo y dónde quieren ejercerlo. El cine en este marco es visto por una gran parte del público como uno más de los lenguajes audiovisuales y desean poder gozar de él del mismo modo que lo hacen con los videojuegos y las series. La industria tiene que ajustarse a este nuevo mercado e idear formas de llegar al nuevo público, eso lo tuvo claro Joan Carles Tous cuando participó en la creación de Filmin. Tous afirma que con el mercado del cine acabará ocurriendo como con el de la música: acabará siendo distribuido vía Internet. Aunque para él el cine se disfruta en las salas y en Internet sólo se consume, es consciente de que el público tiene derecho a decidir y es la industria la que se ha de acercar a él con los productos que demanda. Así su plataforma ofrece la posibilidad no sólo de comprar los clásicos DVDs sino de pagar una tarifa para poder ver X horas de cine en un tiempo determinado sin necesidad siquiera de descargarlas. Su plataforma, además, ha apostado por esas producciones que apenas pueden ser vistas en las salas, bien porque se exhiban pocos días, bien porque siquiera lleguen a exhibirse; no es, pues, una competencia directa, al contrario puede servir de plataforma para que los cines distribuyan esas películas. Concretamente citaba el caso de la española Mami blue (2010) de Miguel Ángel Calvo Buttini película ganadora del Atlantida Film Fest, festival creado desde la misma plataforma Filmin. Fue ganar el festival lo que motivó que llegase a estrenarse en pantallas españolas. Así pues, Internet no sólo puede no restarle espectadores a las salas sino que incluso puede llevarles a ellas el público. Con todo, nadie en la sala ignoraba la crisis de ventas que se está sufriendo, ella es la que animó a Ignasi Lamarca a adentrarse por el camino del videoclub on line (tal como anunciamos en este blog en su día), camino del que aún no se pueden conocer sus frutos, a la vez que Tous reconocía que Filmin no está generando beneficios todavía. Son demasiadas las preguntas a las que dar respuesta como, por ejemplo: ¿cuándo podría estrenarse en la red, después de su estreno en salas y su edición en DVD, antes, o todo simultáneamente?
Mientras llegan las respuestas, navegamos un poco en tierra de nadie y algunos aún tenemos muy grabado el cine como hecho social que se desarrolla en la ceremonia de la sala oscura. Probablemente eso hizo que durante un momento el coloquio entre ponentes y espectadores entrara en un bucle nostálgico y no se avanzara más en las nuevas posibilidades artísticas que se están abriendo. Algo sobre ellas se expuso, sobre todo por parte de Luis Román y de Robert Figueres. Román informó sobre las nuevas licencias creative commons, nueva forma de gestionar los derechos de autor que permite decidir hasta dónde queremos que nuestros contenidos circulen gratis por la red y hasta dónde queremos beneficios. Este tipo de licencias se adecuan mucho mejor a la distribución por Internet y serán las que irán haciendo viable que la explotación de las obras pueda simultanear lo digital y lo analógico. Por su parte, Robert Figueres explicó el funcionamiento de su productora Filmutea, sus diferentes secciones e informó de su proyecto Panzer Chocolate obra transmedia que será película, videojuego, juego en realidad simulada, motion cómic e interacción en Internet de Realidad Aumentada.
Nos quedamos con ganas de saber más sobre ella y sobre todas las posibilidades que la nueva tecnología puede aportar al audiovisual como arte, pero el tiempo es breve y la programación ajustada. Hay que felicitar a los chicos del Cryptshow por su encomiable puntualidad y su organización de los contenidos que permitió gozar de todo lo proyectado (sólo la Mesa se solapó con otras actividades), cosa realmente meritoria. Los chicos del Cryptshow lo habían previsto todo y no sólo se quedaron en la teoría. Coincidiendo con la entrega del Premio Sierra circular Honorífico a Joe Dante, incluyeron en su programa la webserie dirigida por él bajo producción de Roger Corman, Splatter. El argumento es sencillo: Splatter es un cantante de rock que se ha ganado diferentes enemistades a la vez que amasaba dinero; sabiendo que su vida corre peligro decide suicidarse ante una cámara antes de que lo maten sus enemigos. Tras ese preámbulo empieza la acción reuniendo en la casa de la estrella del rock a sus principàles amigo-enemigos, a partir de ahí todo funcionará como un cluedo sangriento (no en vano el nombre del protagonista es un guiño al gore extremo). La peculiaridad de esta pieza no es sólo que la duración de los episodios se ajusta incluso a su visionado en un móvil, lo cual por si sólo ya la convierte en ejemplo de nuevas fórmulas, sino que también introduce la interactividad: el público puede jugar con lo filmado y decidir los finales de cada capítulo. En la encantadora platea de El Circol no había ordenadores, está claro, así que la interacción se solucionó mediante una votación del público asistente. El último día del festival se proyectaron todos los episodios seguidos con los finales elegidos, y se pudo comprobar que el resultado es una película tal y como las hemos conocido siempre. Aunque ahora todo esté sometido a discusión, lo que queda claro es que los humanos seguirán teniendo necesidad de contarse historias con imágenes en movimiento tal como lo vienen haciendo desde los ancianísimos teatros de sombras.
TERROR IMPRESO
Un momento de la presentación con Joan Ignasi Alonso, portadista de Cryptonomicon 4, Neus Campán, ganadora del certamen en modalidad terror y Diego López, responsable de El Buque Maldito.
Ha habido tiempo para todo, también para la lectura, así que durante esta edición se aprovechó para presentar dos libros, un fanzine y un cómic. Vamos, que de todos los colores y para todos los gustos. La presentación se realizó en la Llibreria Saltamartí, bastante cerca de la sede del festival, aunque nos obligó a correr un poco con el objeto de ver la exposición de la que os hablaremos más tarde. Tan disparados salimos que nos quedamos sin saborear el cava con el que obsequiaron a los asistentes tras finalizar el acto. ¡¡Porco Mundo!! Veamos, veamos:
CRYPTONOMICON 4: ¿libro? ¿fanzine? antología de cuentos de terror, fantasía y ciencia ficción presentados al concurso que organiza el festival, un certamen que se viene celebrando desde el segundo Cryptshow y que admite narraciones en castellano, catalán y de autores sudamericanos. El libro reúne un total de 26 narraciones cortas en sus 88 apretadas páginas, incluyendo por supuesto las tres ganadoras: Más de Neus Campán (terror); Se me caen los botones de Daniel Pérez (fantasía) y Nunca es el final de Carlos Alberto Morales (ciencia ficción). Una bonita selección en un manejable volumen que al abrirlo huele a plastilina. Ideal para leer en la playa y amenizar su periodo estival ¿lo quieren? pues escriban a www.cryptshow.com , y de paso háganse con los de las anteriores ediciones. Pronto podrán leer algunos de estos cuentos en versión digital en nuestra sección Cuentos de Serendipia.
Más:ULLALLS (Editorial Galera), libro que en principio nació como cuento erótico y evolucionó (o degeneró) a novela terrorífica que mezcla incluso temática de western, según sus propios autores Sebastià Roig y Salvador Masip que se ocuparon de presentarlo y que no perdieron la ocasión con una auténtica catarsis verbal, que ellos mismos admitieron que fue desbordante. La novela está basada en el caso real que hace pocos años saltó a los medios sobre un campamento de verano suizo en el que los jóvenes eran esclavizados y encerrados en jaulas ¿Verdad que les suena? El seguimiento de esa noticia en el Diari de Girona llevó a los autores hasta una historia con niños que tendrán que enfrentarse a los terrores conocidos del reformatorio y a los desconocidos de un tétrico bosque. Todo ello en una novela con la que los autores han confesado haber pasado cuatro años «divirtiéndose haciendo el bestia» mientras la pergeñaban, citando la inspiración de los clásicos H. P. Lovecraft (sobre todo La Sombra sobre Innsmouth, 1931) y Stephen King, además de la de ciertos autores modernistas catalanes. La obra está editada también en castellano con el nombre de Colmillos y recibió el premio Joaquim Ruyra en 2010.
Todavía nos queda EL BUQUE MALDITO, del que ya les hemos hablado hace bien poquito y del que su editor, Diego López, nos explicó contenidos. Durante los últimos cuatro años, Diego ha presentado un número de su publicación en el Cryptshow, y este, su número 15 y primero en nuevo formato no iba a ser una excepción.
Y aunque estaba planeado presentarlo también, no llegó a tiempo el cómic TOTAL WARS, editado por Scifiworld y realizado por Alan Smithee (ya saben, el más prolífico realizador y escritor del mundo del cine) y Toni Benages, responsable del Festival Cryptshow. Afortunadamente llegó al día siguiente y pudo ponerse a disposición del respetable.
TERROR GRÁFICO
Logrando prácticamente abarcar todas las ramas de la cultura, el Cryptshow Festival también preparó una exposición gratuita que permaneció abierta todos los días de 7 a 9 de lhoras de la tarde y que se organizó en un lugar con auténticas connotaciones terroríficas: un refugio antiaéreo de la guerra civil. No se espanten, el lugar está totalmente reformado y acondicionado, siendo un marco ideal para la exposición Mad Doctors, que nos brindaba una variadísima muestra de la interpretación que sobre ese personaje tan querido por todos (¿Que sería del cine de terror sin ellos y sus torpes maniobras?) nos ofrecía un grupo de artistas, que en muchos casos ponían sus obras a la venta. Con trabajos de Toni Benages, Lorena Vilarte, Ruben Pellejero, Albert Monteys y Juan Rubí entre otros. La exposición también rindió un no declarado homenaje a Vincent Price por parte de varios artistas, entre ellos vean el magnífico cartel de una ficticia tercera parte de la saga del Dr. Phibes con el que nos obsequió Joan I. Alonso, que complementaron así la proyección de El pozo y el péndulo.
Mad Doctor de Juan Rubí.
TERROR CORTO
Al ser la actividad principal de este festival, tuvimos una estupenda y numerosa selección de cortometrajes (¡¡40!!) provenientes de todo el mundo: USA, Francia, Bélgica, Finlandia, Suiza, Brasil, Canadá, Irlanda, Argentina, UK/Turquía y, por supuesto España, que naturalmente contó con el mayor número: 14 variopintas propuestas (más uno fuera de competición). Y como en botica ha habido de todo, pero ninguno de relleno, al contrario, ha primado la calidad.
Repasemos unos cuantos:
Estando de moda como está, hemos tenido cubierta ampliamente la tasa zombie con varios títulos, destacando el americano Alice Jacobs is Dead, ganador al mejor corto de horror / suspense en la popular Comic Con de San Diego 2009, con sombría realización de Alex Howitz, que abrió la sección oficial de cortos y que contó con la actuación de la recordada Adrienne Barbeau, ex-esposa de John Carpenter para quién interpretó papeles en films como La niebla (The Fog, 1980) o 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York, 1981), pero también fue la novia de Swampy en La Cosa del Pantano (Swamp Thing, 1982 Wes Craven) y una odiosa esposa que termina devorada por la bestia-fósil de debajo de las escaleras en Creepshow (1982, George A. Romero), entre muchas otras cosas. En esta historia de amor fou demuestra su profesión, masticando dudosos menús crudos y obedeciendo a un Bela Lugosi que hace una aparición especial. Pero no crean que la presencia zombie terminó aquí, también tuvimos: Les pierres Jetés, del francés Benjamin Le Souéf, que mezcla leyendas urbanas y maldiciones gitanas con una inesperada aparición de muertos vivientes a lo Posesión Infernal, todo ello en un paisaje campestre idílico; la francesa Attack of the Giant Brain Sucker Monster from Outer Space que comienza como musical y se adentra en los terrenos de la serie B clásica, con un monstruo gigante en stop-motion que sorbe los cerebros de los pobres habitantes de un pueblecito zombificando a sus víctimas, todo ello con mucho humor.
Humor, por supuesto negro, que predominó también en cortos como Sabrina (Esp. Sergio Colmenar), un apestoso y aplaudido monólogo sobre la soledad espléndidamente interpretado. O la belga Bad Mistake (2009, Xavier Hibon) que me recuerda cierto chiste escatológico, sólo que aquí se torna sangriento; La presencia (Esp. Igor Marcus) destacable corto que os recomiendo ver y del que no os doy pistas. Divertido e ingenioso, tanto como el francés Faut qu’on parle! de Lewis Eizykman que de la lapidaria frase «tenemos que hablar» (¡Que levante la mano quien no se le haya helado la sangre al escucharla de boca de su pareja!) hace su director un increíble ejercicio de comedia con gotas de cartoon. O la suiza Lester, donde tenemos a un vampiro muy pulcro que mientras muerde a una joven en su alcoba, son sorprendidos por el marido de esta … ¿Qué pasará? También pudimos volver a disfrutar del ya conocido, pero no por ello menos bienvenido Brutal Relax, dirigido al alimón por el tripartito compuesto por Adrián Cardona, Rafa Dengrà y David Muñoz. Cuando preguntamos a David si pensaba que se llevaría algún premio nos dijo que no esperaba ninguno, ya que este certamen le parecía con diferencia el festival de cortos más competitivo por la calidad de la selección. Como veremos más adelante, David andaba más que equivocado en su predicción.
En el apartado de animación pudimos ver, entre otros títulos, el sórdido Les bessones del 
Carrer de Ponent (Marc Riba i Anna Solanas) que según contó Marc Riba está basada en el caso verídico de Enriqueta Martí, conocida como «La vampira de Barcelona», que a principios del siglo XX secuestraba niños para, en el mejor de los casos prostituirlos, pero también extraerles el tuétano, la sangre y la grasa para hacer pócimas que comercializaba y que sus clientes consideraban mágicas. Todo ello desde la barcelonesa calle Ponent. En blanco y negro, sin diálogos y algunos apuntes expresionistas. Se proyectaron otros films de animación como el extraño y apocalíptico Birdboy (Esp. Pedro Rivero y Alberto Vázquez); Akerbeltz, las brujas y el inquisidor (Esp. César Urbina) que más que un corto parece un video-clip; Vicenta de SAM o la francesa Fard de Alapont /Briceno. También se pudo ver El esurcista, divertido corto amateur realizado con plastilina y poca vergüenza por Isaac Duran, que presentó ante el público.
Otros títulos destacables fueron: Menos 1, (Esp. Jorge Alonso), corto que me retrotrae a historias surrealistas urbanas del tipo La cabina (1972, Antonio Mercero) o El televisor (1974) y El asfalto (1966) de Narciso Ibáñez Serrador, todo ello con sus lógicas (y abismales) distancias. Mucho más destacado y celebrado por el público fue Quédate conmigo de Zoe Berriatúa, que contaba con la inmensa Macarena Gómez, actriz ante la que estamos totalmente volcados porque… ¡Que bien se enfada Macarena! ¡Que bien insulta Macarena! ¡Que bien le sienta la sangre de pega y las lentillas blancas a Macarena!… Sí, confesamos que la queremos y que está genial en este corto tenebroso, triste y con acertados toques cómicos. También vimos la francesa 36eme-Sol (PH Debies), un viaje al infierno en ascensor bastante previsible, por otra parte. El apartado «marcianadas» quedó bastante representado con Erase Love de Javier Ideami, y también hubo sitio para la denuncia social con el corto brasileño Ninjas, de Dennison Ramalho, un duro alegato sobre los escuadrones de la muerte y el abuso de poder que nos dejó un regusto amargo. El corto más terrorífico y paradójicamente real de los que se proyectaron.
EL PALMARÉS
El jurado del Cryptshow 2011 y el maestro de ceremonias Brian Bombay .
Todo llega a su fin, y el Cryptshow no podía ser menos. Un final feliz en el que, aunque no hubiera (todavía) alfombra roja, sí hubieron premios. El sierra circular honorífico, el sierra circular al mejor corto (premio del jurado) y el premio del público. Fueron entregados en medio de una divertida ceremonia que contó con la animación del presentador del Cryptshow, Brian Bombay, quien se encargó además de las diferentes perfomances que fueron amenizando el festival a lo largo de los días.
El jurado estuvo compuesto por la siguiente plantilla:
ÁNGEL SALA : Escritor y director del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (el de Sitges, vamos). Libros: Profanando el sueño de los muertos, Godzilla y compañía, Profundo Argento…
EDUARD FERNÁNDEZ : Actor de cine y teatro. Films: Faust 5.o, Los lobos de Washington, Tres días…
LLUÍS RUEDA : Crítico cinematográfico y director de la web Judex. Ensayo: Monstruos eléctricos.
CÉSAR DEL ÁLAMO : Director de cine independiente. Film: Mi.
OLGA BEL : Cinéfila. Directora de la muestra de cortometrajes Dr. Mabuse desde 2002.
Y ahora sí…. LOS GÜINERS… SON:
Joe Dante y su flamante Sierra Circular Honorífica.
– Sierra circular Honorífica a JOE DANTE por toda su carrera.
– Mejor fotografía: NO FACE (Francia. Mathilde Arnaud y Jean-Yves Arnaud)
– Mejor bandasonora: THE LEGEND OF BEAVER DAM (Canada). Jerome Sable)
– Mejores efectos visuales: BRUTAL RELAX (España. Adrià Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz)
– Mejor guión: LES BESSONES DEL CARRER DE PONENT (España. Marc Riba y Anna Solanas)
-Mejor corto de animación: FARD (Francia, Alapont y Briceno) y VICENTA (España, SAM)
– Mejor actriz: EX-AEQUO: ADRIENNE BARBEAU por Alice Jacobs is Dead (USA, Alex Horwitz) y MACARENA GÓMEZ por Quédate conmigo (España, Zoe Berriatúa)
– Mejor actor: FLAVIO BAURAQUI por Ninjas (Brasil, Dennison Ramalho)
– Mejor director: JONATHAN CAOUETTE por All Flowers in time (Canada/USA)
– Mejor corto y premio sierra circular: NINJAS (Brasil, Dennison Ramalho)
– Premio del público: BRUTAL RELAX (España. Adrià Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz), (Con este van ya 26 premios para el divertido corto, ¡¡¡entre ellos el Méliès de Plata entregado en Neuchatel!!!)
David Muñoz nos enseña otra utilidad de su Sierra Circular, concedida por el público por Brutal Relax.
YA CASI TERMINAMOS, PERO ANTES… UNAS PALABRAS CON EL DIRECTOR DEL CRYPTSHOW TONI BENAGES
– ¿Como nace Cryptshow? ¿Por qué se escoge Sant Adrià si tu provenías del veterano festival Filmets de Badalona?
Justamente al estar en Filmets creímos, en aquel momento que era interesante empezar en S. Adrià y no en Badalona para diferenciar los festivales. Una vez consolidado el Cryptshow y ver que son festivales distintos que se pueden complementar y nutrirse juntos, hemos decidido hacer la quinta edición del festival en Badalona, donde tenemos más y mejores infraestructuras (la sala de exposiciones el Refugi y el teatro el Circol), una comunicación en transportes públicos inmejorable, etc…
– Filmets ha colaborado con vosotros ¿Qué tipo de apoyo os han prestado?
En Filmets, (en donde seguimos trabajando varios miembros de Cryptshow), tenemos un convenio de colaboración, sobretodo nos pasamos los subtítulos de los cortos y contactos para películas.
– ¿Habeis tenido apoyo y facilidades desde el ayuntamiento para organizar este Cryptshow?
El Ayuntamiento nos ha cedido la sala de exposiciones del Refugi i nos han proporcionado las copias de las fichas de las películas.
– ¿Veis Badalona como lugar ideal para ser la sede definitiva?
Si, como he dicho anteriormente, vemos Badalona como sede definitiva, pero… nunca se sabe ; )
– ¿Como habeis conseguido semejante selección internacional de cortos? ¿Qué criterio habeis seguido para escoger los seleccionados de entre todos los recibidos?
Afortunadamente tanto yo como parte de la organización de Cryptshow Festival también estamos presentes en la selección del Festival de Filmets de Badalona, lo cual nos permite viajar a algunos de los festivales europeos más importantes como los festivales de Brussel·les o Clermont-Ferrand donde se puede encontrar uno de los mejores mercados cinematográficos del mundo. Estos viajes nos permiten ponernos en contacto con directores, productores y distribuidores de cine fantástico y de terror y presentarles por tanto nuestra iniciativa. Luego el trabajo es de producción, de perseguir y perseguir a directores y productores para que nos envíen su material, y no olvidemos Sitges el gran festival de terror con el que tenemos muy buena relación y tienen también una muy buena programación de cortos.
– Por cierto, ¿Cuantos recibisteis?
Este años hemos recibido unos 120 cortos de 20 países diferentes.
– ¿Ha habido un aumento de participación respecto a años anteriores? ¿Qué tal el nivel medio de calidad?
Desde el tercer año el número de cortos inscritos es más o menos el mismo, lo que sí hemos notado es que cada vez tenemos una mayor representación de cortos internacionales. Países como Francia, Canadá, Bélgica e incluso algunos sudamericanos nos tienen muy presentes a la hora de distribuir sus cortometrajes. De hecho si miras nuestra programación de este 2011 y la comparas con festivales como Fant-Asia International Film Festival de Montreal o el Horrorfest de los Estados Unidos tenemos muchos cortos en común. Y como puedes imaginar la calidad es tremenda.
Una parte de las Cryptgirls en la taquilla.
– ¿Habéis tenido algún problema para proyectar los largometrajes?
Hemos sufrido con un par de películas por cuestiones del subtitulado que llegó muy justo pero todo acabó bien.
– ¿Alguno que os interesará especialmente se quedó en el tintero?
No, la verdad es que estamos muy satisfechos con la programación de esta quinta edición.
– ¿Como habéis gestionado las actividades paralelas y que colaboraciones habéis recibido?
Como he dicho la sala de exposiciones nos la ha cedido ayuntamiento, la presentación de libros la hicimos con colaboración de la librería Saltamartí y la mesa redonda la organizó la gente de Judex. Esta última ha sido una manera más que interesante de trabajar con otras iniciativas que, como nosotros, trabajan para la difusión del género.
– ¿Pensáis incluir nuevas actividades en futuros certámenes?
Seguro, pero dejadnos digerir esta edición.
– ¿Como valoras la edición del 2011?
Cansado pero muy, muy, muy contento, creo que ha sido un gran paso adelante y nos hemos consolidado definitivamente como un buen festival de terror y fantástico. ¡¡¡El año que viene más!!!
A MODO DE EPÍLOGO
…Vamos a lo cursi y lo pelota: Los ganadores somos todos los que hemos tenido la suerte de poder ir al festival (aplausos). Ha valido la pena y se nota que, si nada se tuerce, va a crecer más. La calidad en la selección de los títulos ha sido alta; el local ideal, con ese cine entrañable que huele a añejo; las cervezas frías que el dueño agotaba casi a diario; la proximidad de un frankfurt que preparaba los más sabrosos (y económicos) de Badalona y posiblemente… ¡¡Del mundo!! y la deliciosa organización, que ha tratado a todos con tal respeto y familiaridad que uno no podía menos que sentirse como en su habitación, frente a la pantalla de su televisor rodeado de amigos, unos amigos que, excepto una chica que no paraba quieta y que me tocó delante, vieron y dejaron ver las películas sin molestar ni hacerse el gracioso. Un lujo.
… y el Cryptshow 2011 da sus últimos coletazos entre vasos de tinto de verano. En la foto, entre otros: Lluis Rueda y Marta Torres (Judex), Diego López (El Buque Maldito) y Toni Benages.
Todas las ciudades tienen un futuro en el que pueden crecer o hundirse para siempre. Y Badalona lo tiene, si sabe aprovechar sus cartas será cada vez más grande (y no por extensión). El Señor Rafales, fundador del Festival de Sitges, supo ver claro que ese evento cinematográfico era una plataforma de lanzamiento de la ciudad que desde entonces es conocida en todo el mundo. Esperemos que así lo sepan ver los gestores de El Circol que le ha dado acogida este año y el ayuntamiento. Quién sabe si en un futuro decir Badalona Cryptshow suponga para el mundo del cine fantástico y de terror tanto como supone ahora decir Sitges.
Como sea, este no será nuestro último contacto con el festival y esperamos poder decir todos los años: torne-m’hi (volvamos), al Cryptshow!!!!!
Descuiden, volverá a abrirse en 2012.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios