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39 Escalones edita ‘La huella del crimen’ en DVD
39 Escalones nos ofrece el pack de estas Navidades. La serie con la que bajar las copiosas comilonas y las intoxicaciones etílicas. Las historias con las cuales volver a la vida tras noches de vino y rosas, villancicos y cuñados, gambas y turrones. 39 Escalones vuelve a recuperar historia viva de nuestra televisión con este pack que recopila la serie ‘La huella del crimen‘ completa, porque «La historia de un país es también la historia de sus crímenes»… y en estas fiestas, más de uno cometería alguno.
Aunque realizó sus primeros pinitos en el cine en los años sesenta, el recientemente fallecido Pedro Costa inició su andadura como periodista en el semanario El Caso, publicación cuya longevidad es prueba palpable del interés del español medio por la crónica negra. Esta labor periodística influirá en Pedro Costa de tal modo que su posterior trabajo en cine y televisión, que más tarde producirá con compañía propia, versará en su mayor parte sobre los más curiosos y, tristemente famosos, asesinatos cometidos en España. Ejercerá como guionista, productor y director, abordando en 1983 El Caso Almería reincidiendo poco después con Redondela (1983) -que versa sobre el caso Reace-, en la crónica negra, que no abandonará en toda su carrera y que prologaría a la 
televisión, para la que creó la serie La huella del crimen.
La serie, que recrea los crímenes más famosos producidos en España, se emitió en Televisión Española en tres tandas de episodios: seis en 1985 y cinco en 1991, que se prolongaron con tres más repartidos entre 2009 y 2010, lo que sumaron un total de 14 capítulos que recorren crímenes como los de Jarabo, el misterioso asesinato de Carmen Broto, o más recientes como el secuestro de Anabel Segura o el crimen de los marqueses de Urquijo, sucesos todos ellos que conmocionaron a la sociedad española.
Pedro Costa produjo la serie, además de realizar el guión y dirigir algunos episodios, contando para el resto con una inmejorable plantilla de directores, de los más renombrados del cine español, como Juan Antonio Bardem, Pedro Olea, Vicente Aranda o Ricardo Franco, así como las más famosas estrellas, entre las que destacan Carmen Maura, Fernando Guillén-Cuervo, Terele Pávez, Victoria Abril, Silvia Tortosa o Sancho Gracia. Magníficamente ambientada, la serie conseguía, no tan solo narrar detalladamente los crímenes, también reflejaba la situación que vivía el país en el momento en que se produjeron.
La primera temporada constó de seis episodios, no así la segunda, que se quedó en cinco al convertirse el sexto en el multipremiado largometraje Amantes, que dirigió Vicente Aranda y produjo Costa en 1991.
Esta es la lista completa de episodios de La huella del crimen:
Primera temporada (Episodios emitidos entre abril y mayo de 1985)
- El caso de las envenenadas de Valencia (Pedro Olea)
- El crimen del capitán Sánchez (Vicente Aranda)
- El caso del Procurador enamorado (Pedro Costa)
- Jarabo (Juan Antonio Bardem)
- El crimen de la calle Fuencarral (Angelino Fons)
- El caso del cadáver descuartizado (Ricardo Franco)
Segunda temporada (Episodios emitidos entre febrero y marzo de 1991)
- El crimen de las estanqueras de Sevilla (Ricardo Franco)
- El crimen de Perpignan (Rafael Moleón)
- El crimen del Expreso de Andalucía (Imanol Uribe)
- El crimen de don Benito (Antonio Drove)
- El crimen de Carmen Broto (Pedro Costa)
Tercera temporada (2009-2010)
- El crimen de los marqueses de Urquijo (2009, F. Cámara y P. Costa)
- El secuestro de Anabel (2010, Luis Oliveros y Pedro Costa)
- El asesino dentro del círculo (2009, F. Cámara y P. Costa)
Intrigas de señoritos, estafas y robos que se complican y crímenes brutales, algunos sin resolver, se dieron cita en esta serie que tuvo un gran éxito de público y crítica, ofreciendo memorables capítulos, como Jarabo, que mostró una imagen de Sancho Gracia muy distinta a la que nos tenía acostumbrado el protagonista de la serie Curro Jimenez. O momentos impresionantes como cuando la supuesta envenenadora de Valencia, Pilar Prades, interpretada magistralmente por Terele Pávez, se encamina hacia el cadalso haciendo historia, sin saberlo, como la última mujer ejecutada por la justicia franquista.
39 Escalones ha editado todos los episodios en un magnífico pack con seis dvd y un libreto a cargo de Carlos Díaz Maroto y con un atractivo diseño gráfico de Applehead Team, en el cual el escritor analiza todos los capítulos y aporta unas lineas sobre el artífice de la serie, Pedro Costa. También incluye un apéndice realizado por Fernando Cámara, colaborador de Costa en la última etapa de la serie. Tras cada episodio se incluye un pequeño pero valioso extra, en el cual el productor, actores y directores comentar el capítulo, así como el caso real.
Como las dos primeras temporadas ya habían sido editadas en DVD con anterioridad, 39 Escalones ha tenido la deferencia de lanzar, además de la serie completa en un pack, los tres capítulos inéditos en otro pack de dos discos para que los coleccionistas que ya tengan la anterior edición puedan completar así la serie.
Hay sin duda que agradecer y valorar el esfuerzo que 39 Escalones ha puesto en recuperar, de forma completa y cuidada, esta y otras importantes series televisivas como Historias para no dormir y El quinto jinete, de innegable valor artístico e histórico.
RedRum edita en DVD ‘Vampyres’ de Víctor Matellano
Vampyres está protagonizada por Caroline Munro (“Maniac”, “La Espía que me amó”), Marta Flich (“Omnívoros”), Almudena León (“Wax”) y Christian Stamm (“El hombre de las mil caras”). El reparto también cuenta con Anthony Rotsa, Veronica Bacorn, Alina Nastase, Víctor Vidal y Luis Hacha, así como la participación especial de Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans, Conrado San Martín y Fele Martínez.CONTENIDOS ADICIONALES EDICIÓN DVD:– Tráiler.– Teaser.
– Making of, narrado por el actor Jack Taylor.
– Entrevista con Caroline Munro.
– Galería fotográfica.
SINOPSIS: Un grupo de jóvenes artistas acampan en un bosque junto a un lago. Hasta la zona llega también un hombre joven con un oscuro pasado. Es una zona en la que está desapareciendo gente. La clave estará en un misterioso caserón cercano, en el que habitan dos extrañas mujeres…
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de diciembre de 2016 *
EL FARO DE LAS ORCAS (Gerardo Olivares, 2016)
España/Argentina. Duración: 109 min. Guión: Gerardo Olivares, Lucia Puenzo y Sallue Sehk (Novela: Roberto Bubas) Música: Pascal Gaigne Productora: Historias Cinematograficas Cinemania / Wanda Visión S.A. Género: Drama
Reparto: Maribel Verdú, Joaquín Furriel, Joaquín Rapalini Olivella, Ana Celentano, Osvaldo Santoro, Federico Barga, Ciro Miro, Alan Juan Pablo Moya, Zoe Hochbaum, Juan Antonio Sánchez
Sinopsis: Lola (Maribel Verdú) viaja con su hijo autista, Tristán (Quinchu Rapalini), para encontrarse con Beto (Joaquín Furriel), un guardafauna que tiene una relación muy especial con las orcas salvajes en la Patagonia Argentina. La determinación de Lola de luchar por su hijo, la peculiar personalidad de Tristán y su relación con la naturaleza harán que la vida de todos ellos cambie para siempre.
Gerardo Olivares vuelve a abordar una película en la que ficción y naturaleza se unen para contarnos esta emotiva historia basada en hechos reales que, según su director «tiene por eje la búsqueda de los valores esenciales de la vida y su encuentro con los valores de la naturaleza. La imponente belleza de las orcas, la fuerza de la naturaleza, lo inhóspito del paisaje, la soledad, la simpleza, crean la atmósfera propicia para el inicio de una maravillosa historia de amor».
Pero ni la belleza de los paisajes ni la voluntad puesta por sus actores realizan el milagro de hacer una película interesante. El resultado es una sucesión de postales con una historia alargada hasta el infinito plagada de clichés y diálogos redundantes.
INFILTRADO (The Infiltrator, Brad Furman, 2016)
USA/UK Duración: 127 min. Guión: Ellen Brown Furman (Novela: Robert Mazur) Música: Chris Hajian Fotografía: Joshua Reis Productora: Broad Green Pictures / Good Films Género: Thriller
Reparto: Bryan Cranston, John Leguizamo, Diane Kruger, Amy Ryan, Joseph Gilgun,Benjamin Bratt, Juliet Aubrey, Rubén Ochandiano, Simón Andreu, Saïd Taghmaoui,Elena Anaya, Jason Isaacs, Olympia Dukakis, Niall Hayes, Yul Vazquez
Sinopsis: Basada en una historia real ocurrida en los años 80, narra cómo un policía estadounidense se infiltra en una banda de narcos colombianos. Para lograr ese objetivo, Robert Mazur (Bryan Cranston) se infiltrará junto Kathy Ertz (Diane Kruger), quien fingirá ser su futura esposa y Emir Abreu (John Leguizamo), un policía con métodos poco tradicionales para codearse con la cúpula de la organización criminal y ser parte de la mayor operación encubierta antidroga de la historia.
Podría esperarse más de esta historia que sin lugar a dudas da para una interesante película, pero nada acaba de cuajar. Tenemos a Bryan Cranston de nuevo envuelto en una trama en la que la droga tiene el protagonismo, aunque esta vez ejerce del lado de la ley, como el infiltrado del título, con Miami como principal coladero de la cocaína hacia el norte. Tenemos también a John Leguizamo que quizás sea el que destaca más por su convincente interpretación. Por tener, tenemos hasta la intervención por sorpresa de gran Simón Andreu y de otros actores españoles como Rubén Ochandiano e incluso a Elena Anaya. Pero nada. La trama resulta enrevesada y liosa en algunos momentos y, cuando por fin se coge el hilo, el interés ha decaído fatalmente.
ÉTERNITÉ (Tran Anh Hung, 2016)
Francia. Duración: 115 min. Guión: Tran Anh Hung (Novela: Alice Ferney) Fotografía: Ping Bin Lee Productora: Artémis / Nord-Ouest Productions / Samsa Film Género: Drama romántico
Reparto: Mélanie Laurent, Audrey Tautou, Bérénice Bejo, Jérémie Renier, Pierre Deladonchamps, Félix Bossuet, Quentin Demon, Travis Kerschen, Dorian Salkin,Romàn Malempré, Maxime Rennaux
Sinopsis: Cuando Valentine (Audrey Tautou) se casa a los 20 años con Jules (Arieh Worthalter) estamos a finales del siglo XIX. A finales del siglo siguiente, una joven parisina, la bisnieta de Valentine corre en un puente y acaba en brazos del hombre que ama. Entre estas dos épocas, hombres y mujeres se encuentran, se aman, se abrazan, mostrando así los destinos románticos de más de una generación.
Una oda a la maternidad, protagonista e hilo conductor entre las diferentes historias que nos cuenta Tran Anh Hulng. Pero oda también a la muerte, sino como telón, si como punto y aparte de todas ellas. Pocas preocupaciones más reflejan las vidas de los protagonistas, seres hedonistas cuyas indolentes vidas están repletas de belleza. Emparejamientos, embarazos, muertes… por los siglos de los siglos. Cumplir la labor reproductiva se muestra como el objetivo más importante en la vida de estos acomodados seres, de tal modo que incluso el hijo hace saber a su madre su intención de casarse formulándole una pregunta: «¿Te apetece ser abuela?.» Y todo narrado, textualmente contado, pues escucharemos durante casi la totalidad de la cinta una voz en off que nos guiará y pondrá al corriente de los pensamientos de los protagonistas. Delicada, sensible, detallista en su diseño de producción, visualmente cuidada hasta el mimo, sus exquisitas imágenes están continuamente regadas con una selección de piezas clásicas.
Interpretada por unos actores y actrices bellas, todo es bello en esta blanca narración que también tiene parte terrible pues nos recuerda que, a fin de cuentas, somos bestias y nuestra labor y función en esta vida es (o debería ser) reproducirnos y dejar lugar a las nuevas generaciones, eternizar la especie y morirnos, en un ciclo eterno.
OPERACIÓN ANTHROPOID (Anthropoid, Sean Ellis, 2016)
R. Checa/UK/Francia Duración: 120 min. Guión: Sean Ellis, Anthony Frewin Música: Robin Foster Fotografía: Sean Ellis Productora: LD Entertainment / 22h22 / Lucky Man Films Género Bélico.
Reparto: Jamie Dornan, Cillian Murphy, Charlotte Le Bon, Toby Jones, Harry Lloyd, Bill Milner, Sam Keeley, Mish Boyko, Sean Mahon, Anna Geislerová, Martin Hofmann,Jan Budar, Alena Mihulová, Václav Neuzil, Ondrej Malý
Sinopsis: Thriller político que narra el atentado contra el líder nazi Reinhart Heidrich, General de las SS. Basada en la historia de la Operación Antropoide, la misión de la Segunda Guerra Mundial para asesinar a Heydrich, tercero en la línea de mando y artífice intelectual de la Solución Final.
Sean Ellis, que nos ofreció en 2006 la muy interesante Cashback, incurre con esta producción bélica en el exceso de metraje, en una fotografía fea, oscura y con más grano que el rostro de un adolescente; y una cámara inquieta, casi nerviosa, para rodar esta historia basada en hechos reales que, si bien tiene cierto interés, por lo poco tratado que ha sido el tema, cae por la forma en la cual ha sido llevado al cine. Entre otras cosas por no respetar el juego de los idiomas cuando se trata de una cinta tan detallista. Ni la bien recreada Checoslovaquia ocupada por los alemanes ni la intervención de actores como el ascendente Cillian Murphy o la encarnación en la pantalla del mismísimo Christian Grey (Jamie Dornan), salvan esta aburrida y previsible producción.
LA COMUNA (Kollektivet, Thomas Vinterberg, 2016)
DINAMARCA/SUECIA/HOLANDA Duración: 107 min. Guión: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg Música: Fons Merkies Fotografía: Jesper Tøffner Productora: Zentropa Entertainments Género: Drama
Reparto: Ulrich Thomsen, Trine Dyrholm, Martha Sofie Wallstrøm Hansen, Helene Reingaard Neumann, Lars Ranthe, Fares Fares, Julie Agnete Vang, Lise Koefoed,Adam Fischer, Magnus Millang, Oliver Methling Søndergaard, Rasmus Lind Rubin,Sebastian Grønnegaard Milbrat
- Sinopsis: Dinamarca, años 70. Un matrimonio decide convertir su casa en una comuna. La pareja descubrirá así las peculiaridades de la vida colectiva.
- Premios: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor actriz (Trine Dyrholm)
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Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes a concurso
¡Bruja, más que bruja!: zarzuela, humor y esperpento
Celebrando su 40º aniversario de estreno, A Contracorriente edita, en versión remasterizada, una de las obras menos vistas de Fernando Fernán-Gómez, «¡Bruja, más que bruja!», una sorprendente comedia musical de carácter costumbrista totalmente adelantada a su época y que contó con un pase especial en la última edición del Festival de Cine de Málaga y una corta carrera en salas cinematográficas.
¡Bruja, más que bruja! (Fernando Fernán-Gómez, 1977)
A Contracorriente (DVD/Blu-ray)
España. Duración: 92 min. Guión: Fernando Fernán-Gómez y Pedro Beltrán Música: Carmelo Bernaola Fotografía: Polo Villaseñor Productora: Laro Films Género: Comedia.
Reparto: Francisco Algora, Emma Cohen, Mary Santpere, Fernando Fernán Gómez, Estela Delgado, Fernando Sánchez Polack, José Luis Barceló, Manuel Ayuso
Sinopsis: Al volver del servicio militar, Juan (Paco Algora), se encuentra que su tío Justino (Fernando Fernán-Gómez), cacique del pueblo, se ha casado con la novia de éste, Mariana (Emma Cohen). Juan acudirá a la bruja del pueblo (Mary Santpere) para que le ayude a vengarse de su tío y así heredar y liberar a su amada.
«Hice ‘Bruja, más que bruja’ cuando la gente veía la zarzuela como algo muy respetable. Yo quería que fuera una película muy fea y muy mal hecha, pero que hubiera divertido mucho al espectador. Y esto, no lo conseguí. Hay, me parece, 7 u 8 personas no más a los que les parece una película magnífica y curiosísima, pero como te digo, son 7 u 8, y entre ellas, 2 son franceses.»
Fernando Fernán-Gómez es, para el grueso del público más joven y el españolito educado por bellacos programas televisivos e internet, ese señor mayor que 
tenía tan mal genio y tanta mala gaita. Para las generaciones anteriores es, afortunadamente, uno de grandes del cine español. Fantástico actor y director. Un hombre libre y de gran personalidad que hizo de su vida un sayo hasta el final. Nacido en Perú, por ser sus padres cómicos y estar de gira por entonces por Sudamérica, estudió Filosofía y letras pero la sangre es la sangre y su vida se dirigió hacia los escenarios y más tarde al cine. Además de actuar y dirigir fue un prolífico escritor: desde novela a ensayo y de literatura infantil a poesía. Tras casarse con María Dolores Pradera, con quien tuvo dos hijos, fue pareja de la joven Emma Cohen desde que se conocieron en 1973 hasta el fallecimiento de Fernán-Gómez en 2000.
Más de 200 películas como actor, 30 como director, en la mayoría de ellas también autor del guión, avalan parte del genio de este iconoclasta creador, de entre cuyas obras, Bruja, más que bruja es otro perfecto ejemplo de esa genial forma de ver la vida y el cine que ya despuntó desde bien temprano, con su primera obra, Manicomio (1954), que dirigió conjuntamente con Luis María Delgado, uno de los grandes olvidados del cine español.
Zarzuela, humor y esperpento: «¡Bruja, más que bruja!»
El propio director dejaba bien clara su intención sobre como quería hacer la película en su ‘Nota para el posible productor’ que la copia en DVD y Blu-ray de A Contracorriente incluye como obsequio, «Esta película no quedará muy bien hecha; no resaltará por su perfección formal, por sus valores plásticos. (…) Los comparsas, los coros, los bailarines (?) no serán muy expertos ni manifestarán nunca un gran entusiasmo por su oficio.» Esa y no otra era la intención del director. La exageración, el feismo premeditado como espita para provocar el humor. Algo que, visto ahora y tras otros experimentos posteriores de corte similar como los realizados por José Luis Cuerda, parece más que evidente, pero que en la época no lo supo entender o valorar toda la crítica. Y esto lo hemos descubierto tras bucear en hemeroteca. El motivo de haberlo hecho es haber visto un viejo recorte de la época publicado en la prensa durante la tercera semana de su estreno en el Alexandra de Barcelona que contenía una frase que nos llamó la atención: ‘Público y crítica divididos.’
El, no demasiado atractivo pero sin duda colorido, cartel original.
Y así, esto es lo que leímos en la crítica de su estreno en Barcelona, realizada por A. Martínez Tomas y publicada en La Vanguardia: «La película es mala de remate. Un bodrio extravagante, realizado -no llegamos a ver claro con cuáles intenciones.» Martínez demuestra estar totalmente desorientado o no tener ningún tipo de sentido del humor. Tras calificar de gratuitos los desnudos de Emma Cohen, con los que, para el crítico, la actriz «se coloca a la altura, en este terreno, de Ágata Lys» concluye: «A veces la intención humorística o irónica excusa y hasta puede justificar los mayores errores, pero todo tiene, en verdad, un límite. Si no hay ingenio, o éste se sustituye, sólo con mala intención, los resultados suelen ser diferentes. Como ocurre exactamente en este filme.» Desde luego Fernando Fernán-Gómez sabía a lo que se exponía, no en vano describió su película como «un experimento muy arriesgado (…) mezcla de sátira, de ironía y de parodia de la zarzuela y del musical.» Rodado con la única intención de divertir al espectador.
Muy diferente fue recibida la cinta por Donald, crítico del ABC, que supo entender la intención del cineasta: «La intención de la película se cumple: alcanza la cota cómica deseada y en todo momento evidencia su sentido crítico y, sobre todo, se aparta de esos moldes convencionales del género«. Aunque naturalmente puede llegar a comprende que algún espectador quede sorprendido ante lo que sucede en la pantalla: «Es muy posible que su originalidad, por apartarse de esos moldes, choque o desconcierte a más de un espectador, que, de todas maneras, se entregará a la diversión, a la fuerza hilarante.”
Como vemos, la cara y la cruz para una película a la que el tiempo ha tratado divinamente. Vista ahora, ‘¡Bruja, más que bruja!’ mantiene la frescura y la originalidad que tuvo en su momento y que ciertos críticos no supieron ver. Su humor y su estilo se adelantaba unos años al de la trilogía de culto de José Luis Cuerda compuesta por Total (1983), Amanece que no es poco (1989) y Así en el cielo como en la tierra (1995). Y es posible que como reconocimiento y agradecimiento a la deuda que estos títulos y su director mantienen con ¡Bruja, más que bruja! sea por lo que Fernando Fernán-Gómez aparece en el tercero de ellos interpretando el papel más importante de la historia, el de Dios Padre, como no podría ser de otra manera.
HEMEROTECA
Donald, «Bruja, más que bruja de Fernán-Gómez en Proyecciones» en Blanco y negro (18 de mayo de 1977, pág. 60)
Martínez Tomas, A. «¡Bruja, más que bruja!» en La Vanguardia (Miércoles, 30 de marzo de 1977, pag. 52)
M. M., A. «Fernando Fernán Gómez: al humor por el aspecto físico» en La Vanguardia (Sábado 16 de abril de 1977, pág 47)
El cine en zapatillas: sesión indie con ‘Amor tóxico’ y ‘Anabel’
Porque apetece ver cosas diferentes existen realizadores españoles que no existen y que hacen películas que nadie conoce para un público muy concreto al que también nos gusta ver otro tipo de cine. Independientes de verdad. Que ruedan al margen de la industria. Norberto Ramos del Val tiene una buena filmografía en sus (amplias) espaldas y cuenta con su propio star system. También es un generoso colaborador que no ha dudado en echar un cable a otros compañeros, entre ellos a nuestro amigo César del Álamo o a Antonio Trashorras, el otro director del que vamos a hablar. Escritor y comentarista de cine, Trashorras vivió su gran momento cuando su apellido se vio envuelto con el de Guillermo del Toro al ser uno de los firmantes del guión de El espinazo del diablo. Pero cansado de una vida de cocaína, scorts y coches de alta gama, prefirió apostar por el cine de guerrilla y dirigir una cinta low cost como es Anabel. Norberto Ramos del Val y Antonio Trashorras. Amor tóxico y Anabel, dos nuevos lanzamientos de Regia Films.
Amor tóxico (Norberto Ramos del Val, 2015) (DVD)
España Duración: 112 min. Guión: Toni Junyent, Pablo Vázquez Música:José Sánchez-Sanz Fotografía:César Pujol Productora: Norberfilms Género: Comedia romántica Formato Pantalla: 2,35:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano 5.1 – Subtítulos: inglés Extras: Videoclip «Starless» de Caballero Reynaldo, Trailer
Reparto: Eduardo Ferrés, Ann Perelló, Mariu Bárcena, Álvaro Lafora, Daniel Castro y Diana Gómez
Sinopsis: Toni (Edu Ferrés) es un chico de unos veintipocos años que no comprende a las mujeres. Queda con Irene (Ann Perelló), una chica chispeante y encantadora o una desquiciada que le va a hacer sudar sangre, que va a desmontar todos sus prejuicios e ideas preconcebidas sobre las mujeres.
Todo ello en la que va a ser la peor cita de su vida entre las angostas paredes de un bar semidesierto, con las nada agradables interferencias de un camarero turbio (Daniel Castro), una ex violenta y el novio de ésta.
Norberto Ramos del Val es un director de cine independiente de verdad. Indie, que le dicen ahora, y que trabaja totalmente al margen de la industria, casi de espaldas a la misma. Cocina sus películas otorgándoles un sello muy personal y reconocible: verborréicas, complejas a momentos, protagonizadas por chicas jóvenes, guapas, desprejuiciadas y que lucen sus encantos, pero por cuyas bocas hablan, en muchos casos, varones. Y también en muchos casos, inseguros. Son producciones low cost, realizadas en poco tiempo, con pocos protagonistas y pocas localizaciones. De hecho, Amor tóxico sucede en una tarde-noche y en su mayor parte en un bar musical, donde sobre todo veremos una lucha de sexos, un tira y afloja muy bien llevado por los meritorios actores, gracias a cuyos diálogos se consigue que el espectador no aparte la vista de la pantalla, interesado en averiguar en qué diablos terminará todo. Norberto rueda muy bien. Y también tiene muy buen gusto a la hora de seleccionar a sus actores. Sobre todo a sus actrices. Sí, Amor tóxico verborreica es un rato, pero también nos hace reflexionar y, si bien no parece llevarnos a ninguna conclusión clara, tampoco hace falta. No da tiempo. Está amaneciendo, la noche ha terminado y la pareja …
Eduardo Ferrés y Daniel Castro ya habían participado en la anterior película de del Val, Faraday (2013, editada también por Regia Films), mientras que Ann Perelló debuta con nota en la factoría del director con este tour de force interpretativo. También han participado otras actrices familiares en los repartos del director realizando pequeños papeles y cameos, como Diana Gómez (Faraday), Ana Rujas (Faraday, Summertime) y Ángela Boj (Hienas, Summertime). Así como Álvaro Lafora y Mariu Bárcena, que protagonizan la inminente última película del director, El cielo en el infierno. Por cierto, junto a Ana Rujas distinguimos a Antonio Trashorras que, por cierto dirige la siguiente película de la que vamos a hablarles.
Anabel (Antonio Trashorras, 2015) DVD
España Duración: 75 min. Guión: Antonio Trashorras Música: Miquel Coll Fotografía: Roland de Middel (B&W) Productora: Norberfilms / Roxbury Género: Terror Formato Pantalla: 1,85:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano 2.0 – Subtítulos: Inglés Extras: Entrevista a Antonio Trashorras, Trailer
Reparto: Ana de Armas, Rocío León, Enrique Villén
Sinopsis: Tras la marcha, en circunstancias algo turbias, de Anabel, sus dos compañeras de piso, Cris (Ana de Armas) y Sandra (Rocío León) deben buscar alguien más con quien compartir el alquiler. El elegido es un señor mayor, Lucio (Enrique Villén), que logra ganarse su confianza, pero que pronto se descubrirá como una presencia extraña e inquietante.
Anabel podría ser una película de terror con toques satánicos. Pero también podría no serlo. Pudiera ser que Antonio Trashorras nos hiciera trampa y nos hiciera creer lo que no es. Sí, de acuerdo, en los títulos de crédito se incluye un pentagrama, lo cual hace que nos venga olor de azufre por todos lados. Pero también podría tratarse simplemente de la venganza del padre de Anabel sobre sus dos compañeras de piso. Sin nada sobrenatural. Que a fin de cuentas nada hay que pueda inducirnos a pensar en una intervención de esa índole. Lo que si que no ofrece Antonio Trashorras es un ejercicio en total libertad. En linea con Amor tóxico, verborréica también, y muy diferente a la primera película del director, El callejón (2011), cinta, esta sí, de terror puro y duro. Aunque bien pensado, tampoco se distancian mucho ambas: pocos personajes, localización casi única, trama misteriosa en la que nada es lo que parece…
Anabel cuenta con dos actrices jóvenes para interpretar a los dos personajes femeninos, tan antagónicos como complementarios. Rocío León compagina sus trabajos más o menos mainstream en series, con los dedicados a todos esos directores que ejercen fuera del sistema o a orillas del mismo y que no dudan en contar con ella, como Jordi Costa, Carlos Vermut, Manuel Bartual o Pablo Maqueda, para quien protagonizó ese tour de force que es Manic Pixie Dream Girl (2013). Mucho más conocida por su trabajo en televisión, y ahora lo será también por su presencia en producciones americanas, es Ana de Armas, que ya participó en El callejón y que de nuevo se ha puesto a las órdenes de Trashorras con excelentes resultados. El tercero en discordia es Enrique Villén, actor que por el nombre igual no les suena, pero presencia inconfundible que demuestra que, además de para la comedia, resulta muy inquietante en papeles dramáticos.
Trashorras se toma la película como algo con lo que pasarlo bien. Realizado en libertad y que sirva como muestra de las posibilidades que podría tener su trabajo de contar con presupuesto. Rodada en su propia casa, «en blanco y negro como de autor» y para disimular que no dispone de un gran escenario, admite la influencia de Polansky y del cine italiano, que adora, y se permite premeditadamente dejar en su película varias preguntas sin responder, además de un final abierto. Desconcertante.
Serendipia vuelve a Molins: Una crónica de su 35 edición y mucho más
Si, reconozco que he llegado a ponerme pesado cada vez que me cruzaba con alguno de los responsables de TerrorMolins. Siempre me sentía en la obligación de disculparme por la vergüenza que sentía por no haber podido acudir al festival desde el ya lejano 2009. Ese año inaugurábamos Proyecto Naschy y allí estuvimos. De hecho nos habríamos apuntado a un bombardeo si hubiere sido preciso. Pero a partir de entonces, ya fuera por razones monetarias (y no me refiero a que cobráramos por ir), o por andar liadísimos, o por coincidir con otro certamen con el que colaboramos durante los últimos años, Fantasti’CS de Castellón, se hizo imposible que Serendipia volviera a asomar su bicéfala cabeza por el Teatre de la Peni. Afortunadamente este año hemos vuelto al Festival de Cine de Terror de Molins de Rei. Y hemos vuelto para quedarnos.
PERO ¿COMO COMENZÓ TODO ESTO?
En 1973 un grupo de inquietos jóvenes que se autodenominaba Cineclub Juventud, decide montar las primeras 16 horas de Cinema de Terror en el cine Juventud Católica de Molins de Rei (actual La Peni). En julio del siguiente año se repite la experiencia recurriendo, al igual que en la edición anterior, a títulos ya conocidos como La máscara del demonio, Pánico en el Transiberiano o Psicosis. La entrada, que costaba 200 pesetas, daba derecho a dos cafés y un bocadillo, y la sesión se iniciaba a las 21 horas y finalizaba sobre las 12 del mediodía del siguiente día. Poco a poco la cita se fue popularizando y nuevas actividades se van sumando al evento. Como las performances entre películas, de las que se recuerdan algunas realmente descabelladas. Como la magnífica idea de liberar 100 palomas en la sala donde se proyectaba Los pájaros (The Birds, Alfred Hitchcock, 1963); o la inesperada aparición de dos encapuchados con motosierras tras la proyección de La matanza de Texas (The Texas Chainshaw Massacre, Tobe Hooper, 1974). En futuras ediciones el maratón pasará a ser de 12 horas y la programación añadirá, junto a los clásicos, los últimos estrenos de la cartelera española. Pero por diferentes motivos las 12 horas de Cinema de Terror de Molins dejan de hacerse en 1991.
En 1993 nueva sangre retoma la iniciativa ofreciendo unos títulos más que interesantes, diversificando su programación hacia el fantástico y ofreciendo el maratón en dos salas diferentes. Pero el ambicioso plan no funciona como la organización espera, lo que supone un nuevo y largo parón que se alarga hasta el nuevo milenio. Es en 2001 cuando una nueva organización se hace cargo del evento cambiando su fecha habitual de junio a octubre, tras el festival de Sitges, lo que les da oportunidad de ofrecer títulos allí estrenados. Al año siguiente se proyectan, además de las 12 horas, cortometrajes, pasando a ser 
festival de cortos de terror con jurado. También se potencia la presencia de invitados y en 2004 se homenajea a Jesús Franco, que acude emocionado a Molins. Por entonces el ya festival TerrorMolins consta de dos días, el primero para proyectar los cortometrajes finalistas y el segundo para la maratón.
En 2009 acude el primer invitado extranjero, Ari (First Jason) Lehman, que ofrece un concierto con su banda. Ese es el año en el cual Serendipia se deja caer por Molins, descubriendo porqué los espectadores de la maratón se llevaban mullidos almohadones a La Peni. A partir de ahí, exposiciones (como una magnífica dedicada a los FX de DDT), concursos de micro-relatos, más invitados (Deborah Kara Hunger en 2010), y el paso que confirma a TerrorMolins como Festival asentado y mayor de edad: el concurso de largometrajes.
Larga historia la de este festival. Repleta de anécdotas (que pueden ustedes revisar en el magnífico documental que les enlazamos aquí) y que tanto antes como ahora mantiene un denominador común: una gran pasión por el cine.
EDICIÓN Nº35: ¿DONDE ESTÁ LA MOJCA, AQUÍ O ALLÍ?
Aunque durante el fin de semana anterior ya hubo algunas actividades, como la sesión inaugural con La madriguera, de Kurro González, en absoluta primicia europea; una sesión de cortos al siguiente día y dos películas más el domingo, una de ellas la magnífica Action Jackson (Prabhudheva, 2014) película india que cerró las Nits de Cinema Oriental de Vic de 2015, el festival en sí se inició el lunes 14 de noviembre y se extendió durante toda esa semana, ofreciendo novedades y premieres, reservando algunas de las mejores películas proyectadas durante el reciente Festival de Sitges para la maratón que se celebra el último día. Entre ellas la magnífica cinta coreana The Wailing (Na Hong-Jin); la gran revelación de Nicolas Winding Refn, The Neon Demon, con aforo completo en La Peni; la muy disfrutable epopeya zombi Train to Busan (Yeon Sang-ho); o la muy inquietante La autopsia de Jane Doe (The Autopsy of Jane Doe), fantástica película de André Øvredal, director al que quizás recuerden por haber ganado la edición del Festival de Sitges de 2011 con Troll Hunter. 
Se tuvo la oportunidad de recuperar películas que no pudimos ver o que pasaron casi desapercibidas entre la extensa programación ofrecida en Sitges y que en festivales como el de Molins pueden apreciarse en su justa medida. Este es el caso de, por ejemplo, The Eyes of my Mother (Nicolas Pesce), una tan sórdida como memorable película. Pero también hubo espacio para los estrenos con las interesantes cintas We go On (Jesse Holland y Andy Mitton), Cruel Summer (Phillip Escott, Craig Newman), la muy interesante y abierta a múltiples lecturas K-Shop (Dan Pringle) o Kristen (Mark Weistra) que tuvo en TerrorMolins su premiere
Todos pudimos mutar en la cápsula que había en La Peni
mundial. Magníficas películas que demuestran que siempre hay algo a descubrir más allá de Sitges.
También hubo lugar para una de las cosas que más agradan a Serendipia, las sesiones retrospectivas. En esta ocasión, con las mutaciones como leitmotiv y el acento puesto en la mosca cronenbergiana, no podía faltar esta cinta a la cita. Un soberbio remake del clásico de Kurt Newman del 58 pero, tan sumamente mutado (ya que estamos en ello), que no aceptan comparaciones. También pudo disfrutarse de El hombre con rayos X en los ojos (X, the man with X-ray eyes, 1963) una de las más interesantes películas del prolífico Roger Corman en la que nos propone una inquietante paradoja. Un clásico que Serendipia, al igual que muchos de su generación, descubrió en televisión en esa edad en la que las cosas que nos impresionan se quedan para siempre en nuestra mente para no volver a salir.
Actividades, mesas redondas y el que quizás fue el evento especial, la presentación y puesta de largo del primer libro editado por el festival, completaron la lista de actos del festival.
PUEDE SER CONTAGIOSO. LAS MUTACIONES EN EL CINE DE GÉNERO Editorial Hermenaute
Coordinado por Albert Galera y con prólogo de Jesús Palacios nos llega el primer libro editado por TerrorMolins, que fue presentado por el coordinador junto a varios de los colaboradores del mismo en el Restaurant La Peni, donde se respiraba un ambiente de satisfacción ante el recién nacido, aunque el neonato les haya salido mutante. 250 páginas con imágenes en blanco y negro y nueve apartados en los cuales veremos distintos tipos de tratar las mutaciones en el cine de la mano de 12 especialistas y/o colaboradores de Terrormolins, entre ellos el propio Galera que nos acerca a Cronenberg y la Nueva Carne; Gerard Fossas y Javier Rueda que aportan una original visión de las mutaciones atómicas; Manel Calpe y Sergi Sanmartí que escriben sobre mascotas asesinas; Jaume Claver y David Izquierdo que se introducen el la serie B, los zombis y otras mutaciones. Todos ellos, junto al editor del libro, Lluis Rueda, responsable de Editorial Hermenaute, estuvieron presentes en el acto. Pero la obra también cuenta con colaboraciones de Jordi Puigdomènech, Rafael Dalmau, Israel Paredes, Quim Crusellas y Fausto Fernández. Una obra imprescindible en cualquier biblioteca de cine fantástico.
Los autores presentes y el editor orgullosos con su vástago tras la presentación (foto: Serendipia)
SERENDIPIA VUELVE A LA PENI
Entre las películas que Serendipia pudo disfrutar durante su estancia en Molins destacaron Darling (Mickey Keating, 2015) una inquietante cinta low cost rodada en blanco y negro y protagonizada por Lauren Ashley Carter, actriz que puede resultarles familiar por su intervención en The Woman (2011) de Lucky McKee
La animada carpa-bar del festival
o Jug Face (2013) de Chad Crawford Kinkle, que se marca en la cinta de Keating un magnífico solo interpretativo. Exhibida por primera vez en Catalunya esta cinta, ambientada entre finales de los 50 y primeros 60, posee una fotografía brillante, escasos diálogos y una esmerada utilización del sonido que sirve de perfecto apoyo a sus imágenes subliminales. Con cierto aire arty y un guión predecible, esta historia con casa maldita resultó ser una propuesta muy interesante, pero menor en comparación con otras que se ofrecieron durante el certamen. Pensamos, por ejemplo y excluyendo las ya vistas en Sitges, en la fascinante The Eyes of my Mother (Nicolas Pesce, 2016), una perversa fábula sobre la soledad rodada también en blanco y negro que tiene entre sus grandes bazas la magnifica actuación de su protagonista, Kika Magalhaes. Nicolas Pesce ha realizado una bella y oscura ópera prima.Una historia macabra, enfermiza, en la que la protagonista combate su soledad rodeándose de muertos. Áspera e incómoda, nos hace depositar grandes esperanzas en su joven director. Como también habrá que seguir de cerca a Dan Pringle, otro joven realizador británico que debuta con K-Shop, una crítica al racismo si queremos quedarnos en la superficie, pero toda una bomba de profundidad que narra los avatares de Salah (Ziad Abaza), que ha tenido que dejar sus estudios para ayudar a su padre, temporalmente de baja, al frente de su tienda de kebabs, establecimiento ante el que desfilará, cada fin de semana, la flor y nata de la peor basura blanca atiborrada de alcohol y drogas. Pero la crisis y falta de liquidez llevará a la falta de suministro de carne con la que hacer sus kebabs así que, ¿Qué mejor suministro de carne que la de todos 
esos inútiles xenófobos que cada fin de semana acuden a la costa en busca de sexo, drogas y mucho alcohol? K-Shop extrae lo peor de nosotros mismos, pues uno no puede más que ser cómplice de Salah, jaleándole incluso a hacer justicia cocinando algo útil con toda esa basura. Una intensa ópera prima que quizás peca de exceso de metraje, pero es que su director abre muchas puertas, deja muchas cuestiones sobre el tapete. Quiere que, al igual que hace Salah, cuestionemos sus acciones.
Finalmente, también vimos, en premiere mundial, Kristen, una muy inteligente cinta holandesa dirigida por Mark Weistra, que estuvo presente durante el pase y que contó la epopeya de rodar esta película con tan solo 8000 euros, una única localización y la participación desinteresada de todo el equipo. Ofreciendo como resultado una obra de magnífico acabado con una protagonista, Terence Schreurs, que realiza un poderoso solo interpretativo merecedor del reconocimiento del jurado del festival. Todo ello con una historia que, partiendo de una situación de acoso telefónico, se transformará en una intriga metafísica que sabrán entender mejor los protestantes, pues en su cultura nadie tiene garantizado el paraíso: son como arcilla en manos de Dios con la que moldeará, a su antojo, vasos de oprobio o vasos de honor. No hay recompensa para el arrepentimiento, su Dios es un déspota que les condena a su silencio.
PALMARÉS Y CONCLUSIONES
El jurado, compuesto por Matthew A. Brown, Howard Gorman, Ashley-C-Williams, Paco Rodríguez Prieto (Paco Fox) y Lluis Rueda, concedió los siguiente premios:
Como podemos ver, la gran ganadora fue I Am Not a Serial Killer, de Billy O’Brien, cinta que se pasó en Sitges con más pena que gloria y que el jurado de Molins quiso destacar por encima de otras que, a bote pronto, partían como favoritas. Aunque hay que destacar la excelente calidad de todos los títulos seleccionados, entre los que se ha querido contar con algunos de los mejores presentados en Sitges junto a algunas perlas que el festival ha sabido seleccionar y presentar. Entre los invitados que visitaron el festival y que pudieron ser entrevistados por los medios presentes se contó con parte de los equipos de las películas The Unseen, Cruel Summer, Tear Me Apart, K-Shop y Kristen. La organización del festival estuvo muy atenta en todo momento de los asistentes y La Peni continuó siendo un lugar ideal y confortable para ofrecer los diferentes pases de películas. No tanto el anfiteatro, donde las butacas continúan siendo de plástico duro anti-maratón. La oferta gastronómica es magnífica y el tiempo se apiadó de los asistentes. Serendipia se lo pasó muy bien en TerrorMolins y pudo comprobar que la organización no le guarda rencor por su larga ausencia, muy al contrario, fuimos tratados como reyes, al igual que el resto del público asistente a este festival, sin duda uno de los más importantes a nivel estatal y europeo en cine fantástico y de terror.
¡¡¡NOS VEMOS EN TERRORMOLINS 2017!!!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de diciembre de 2016 *
PATERSON (Jim Jarmush, 2016)
Francia/Alemania/USA Duración: 113 min. Guión: Jim Jarmusch Fotografía: Frederick Elmes Productora: Amazon Studios / Animal Kingdom / K5 Film Género: Drama
Reparto: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr.,Frank Harts, William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase, Owen Asztalos, Jaden Michael, Chasten Harmon, Brian McCarthy
Sinopsis: Una semana en la vida de un conductor de autobús y poeta aficionado llamado Paterson (Adam Driver), que vive en Paterson, New Jersey.
Como me dijo un taxista, llegamos a este mundo con la película ya empezada y nos vamos de él antes de que ésta termine. Así son nuestras vidas, un fluir de días finito en el que, si seleccionamos sólo un segmento, se diluyen el principio y el final. Así es Paterson, un relato episódico que compone una serie entendida en su acepción musical: una sucesión de sonidos (en este caso imágenes) establecida de antemano y constante. Porque Paterson es eso, un recorte de siete jornadas en el vivir cada día de su personaje central, con sus repeticiones rutinarias, en el que estamos tentados de decir que no pasa apenas nada. Pero sí pasa, y mucho. Pasa la vida tal como la experimentamos (en nuestro Occidente) la mayoría, sin estridencias, sin grandes infortunios ni grandes venturas, un simple acontecer monótono. Confortablemente monótono. Luego están las menudencias que salpican aquí y allá poniéndole la sal a los aconteceres, detalles muchas veces fortuitos que sientan las diferencias haciendo a cada día singular aunque casi no reparemos en ellos si nuestra mirada no es atenta. Y todo, todo, está en Paterson, un canto a lo intrascendente lleno de lirismo.
Paterson, el personaje (Adam Driver), es un humilde conductor de autobús, un autobús de línea regular en la pequeña Paterson, la ciudad. Un perfecto Juan Nadie que aprovecha todas las ocasiones posibles para escribir en su cuaderno secreto, poemas de verso libre (compuestos en verdad por el poeta Ron Padgett) que nadie, ni su esposa, Laura (como la amada de Petrarca), ha leído nunca. Laura (Golshifteh Farahani), fanática absoluta del negro, del blanco y de sus múltiples combinaciones, es un auténtico torrente creativo, siempre cambiando la decoración, siempre haciendo experimentos culinarios, siempre renovando sus sueños y sus aspiraciones. Con ellos, que aún no han tenido hijos, vive Marvin, un bulldog inglés que jugará un rol fundamental en la trama y que contribuye a pautar la rutina de la pareja. Paterson, la película, es una cinta de personajes, descritos sin subrayados de guion, interpretados sin histrionismo, dirigidos modélicamente. Paterson, la película, es también un filme de detalles, de sentimientos plasmados en imágenes, para lo cual se ha de dar la complicidad entre actores y director. Verdaderas definiciones del amor que pueden expresarse con un simple plano detalle de un cupcake montado antes del primer plano de una mirada que traduce la sonriente paciencia con la que se acepta el juego a dos. Un cupcake que no será ingerido.
Paterson, el poemario, formalmente consiste en un montaje de escenas y de imágenes, con pocos verbos que las vinculen explícitamente. Paterson, el personaje, se confiesa admirador de William Carlos Williams, el poeta cronista de Paterson, la ciudad. Paterson, la película, funciona a su vez como los poemas del modernista, los que va escribiendo el protagonista, que se insertan en la pantalla, los que son compuestos antes por las imágenes que inspirarán las palabras. Todo el filme es una oda a la cotidianeidad. Jarmush nos concita a aceptarnos y gozarnos en nuestro fluir, tan mágico como anodino. Y si los contratiempos nos alcanzan, bastará con volver de nuevo al primer verso. Y empezar que es seguir. Y seguir que es siempre empezar.
SOLO EL FIN DEL MUNDO (Juste la fin du monde, Xavier Dolan, 2016)
Francia/Canadá Duración: 95 min. Guión: Xavier Dolan (Obra: Jean-Luc Lagarce) Música: Gabriel Yared Fotografía: André Turpin Productora: Sons of Manual / MK2 / Telefilm Canada Género: Drama
Reparto: Léa Seydoux, Nathalie Baye, Gaspard Ulliel, Vincent Cassel, Marion Cotillard,Antoine Desrochers, Sasha Samar
Sinopsis: Tras doce años de ausencia, un joven escritor regresa a su pueblo natal para anunciar a su familia que pronto morirá. Vive entonces un reencuentro con su entorno familiar, una reunión en la que las muestras de cariño son sempiternas discusiones, y la manifestación de rencores que no queremos dejar salir, aunque delaten nuestros temores y nuestra soledad.
En estos momentos en que se avecinan reuniones familiares, Solo el fin del mundo parece una cinta más que indicada para animarnos a afrontarlas. Sean como sean nuestros compromisos no pensamos que lleguen a ser tan traumáticos como los que refleja Dolan en su película.
Si tuviéramos que definirla con una sola palabra, la calificaríamos, sin duda, de opresiva. Adaptación de la obra de teatro homónima de Jean-Luc Lagarce, nos trae un plantel de personajes atormentados como aquellos que pueblan los dramas de Tennessee Williams, miembros de una familia fracturada y embebidos de un rencor que parece tener su origen en la propia admiración hacía el hijo/hermano triunfador que ha roto los lazos con su huida del hogar, que les ha abandonado condenándolos a tener que construirse en torno a esa ausencia. Tan admirado como odiado, Louis (ese hijo pródigo) ejerce de observador. Vuelve para no volver. Y todos parecen saberlo. Todos se abrirán ante él. Como en una despedida. Recordando buenos y malos momentos. Unos dolorosos y otros agradables. Louis capturará las texturas, los sabores y los recuerdos del que sabe que no volverá. Un reencuentro/desencuentro que, más que a la catarsis, conduce a un desgarro paradójicamente liberador.
Dolan nos hace partícipes, casi víctimas, de ese agobio que planea sobre toda la situación con el uso extremo de los planos cortos. La cámara sólo abre en cuatro ocasiones a plano americano, menos escasos son los planos medios, pero incluso estos nos dejan sin aire pues casi siempre son tomados en escorzo, la cinta es, fundamentalmente, un inarmónico despliegue de primeros planos y planos detalle que nos impiden despegarnos de la acción. Estamos sumergidos en la trama, sin posibilidad alguna de distanciamiento, desorientados y apabullados por los tensos (e intensos) diálogos cruzados. Somos uno más de los miembros de esa familia disfuncional, sin poder simpatizar con ninguno, igual que ellos mismos entre sí. Estamos y nos sentimos incómodos, Dolan consigue que seamos uno más dentro de esa insufrible reunión. Las palabras con las que la crítica ha vapuleado esta película sólo nos confirman que el canadiense ha acertado con este recurso desmesurado. Todo lo que le achacan demuestra que la intención se ha saldado con éxito, porque ya se trataba de eso, de “actualizar el melodrama familiar, pero a costa de nuestros nervios” (Cinemanía), de salir “agotado, con la sensación de que llevo toda una vida acompañado de familia tan histérica. Me da igual su pasado, su presente y su futuro” (Carlos Boyero). Dolan nos lleva a la extenuación y así es como sentimos lo que sienten los personajes, no es que empaticemos, es que hemos vivido su misma experiencia.
Solo el fin del mundo es también una película cargada de buenas interpretaciones. Excesivas e histriónicas, a veces, pero ajustadas siempre a ese contexto doloroso en el que se desarrollan los personajes. Dolan vuelve a hablar de la familia. Y de esta hay bastante que decir: desde el cretino y violento hermano del protagonista, Antoine (interpretado por un fantástico Vincent Cassel que se diría que improvisa sus pérdidas de control); a su maltratada esposa Catherine (magnífica en su sensibilidad Marion Cotillard); pasando por Suzanne, la hermana pequeña (Léa Seydoux), muy recordada por La vida de Adèle); y terminando con la madre, que interpreta Nathalie Baye. Paradójicamente, el que menos sobresale es el protagonista, Louis (Gaspard Ulliel) y es que la única actitud posible para él es la de encerrarse en su propia coraza para morir en paz. No habrá más contacto, ya está todo dicho, el dolor ha tocado fondo sin que se pueda enjugar. Es el fin, el suyo propio, el de su familia, el del mundo.
‘Terra Formars’ de Takashi Miike se estrenará el 19 de enero en salas restringidas
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Tres días de tributo a Bigas Luna en el Cine Texas (Barcelona)
Los cines Texas, en colaboración con la Universidad de Durham (Reino Unido), una de las universidades más importantes y prestigiosas, con una gran reputación y resultados reconocidos internacionalmente en investigación y educación, celebrarán los días 12, 13 y 14 de diciembre la carrera del internacionalmente aclamado director de cine Bigas Luna. El homenaje incluirá la proyección de 4 de sus películas más conocidas, con presentaciones de académicos internacionales especialistas en su trabajo.
Este homenaje al famoso director catalán, fallecido en 2013, es parte de una serie de eventos organizados por la hija del director, Betty Bigas y el investigador y profesor de la Universidad de Durnham, Santiago Fouz Hernández, que comenzaron en San Francisco en marzo de 2015 y que continuaron en Newcastle. Barcelona es la tercera ciudad en este tributo internacional, que continuará en Los Ángeles en 2017.
Las proyecciones tendrán lugar en los Cines Texas (C / Bailén, 205) en la Sala 3, de nombre Bigas Luna, dedicada al famoso director y el precio de la entrada será de 3 €.
Lunes 12 de diciembre:
20:00 h.– Se proyectará Jamón, Jamón (1992), con presentación de Santiago Fouz Fernández, profesor titulado de la Universidad de Durnham en el Reino Unido y co-organizador del evento. Tras la proyección, el público asistente será invitado a vino, cava y cerveza por gentileza de Vallformosa y Moritz y también a degustación de jamón.
Martes 13 de diciembre:
20:00 h. Huevos de Oro (1993) y a las 22:30 h. La teta y la luna (1994), presentada por el catedrático Alfredo Martínez Expósito, de la Universidad de Melbourne en Australia, completando así la famosa trilogía de «Retratos Ibéricos» de Bigas Luna.
Miércoles día 14 de diciembre:
20:00 h.- Versión restaurada de Bilbao (1978), una película clave en la filmografía del director, protagonizada por Isabel Pisano y Ángel Jové. La película será presentada por la catedrática Carolina Sanabria, de la Universidad de Costa Rica, autora del libro Bigas Luna, el ojo voraz (2010).
Para más información: http://www.bigaslunatribute.wordpress.com
El Cine Callao de Madrid cumple 90 años
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ENTRE ESTA FOTO… Y ESTA OTRA…
HAN PASADO 90 AÑOS El Cine Callao de Madrid, cumple 90 años y eso es para rendirle un homenaje. Muchos, en algún momento, nos hemos sentado en sus butacas para disfrutar de la gran ceremonia del cine y para festejar este aniversario, el día 13 de Diciembre a las 19:30 h. se realizará un evento especial con la asistencia de personalidades del mundo del cine y la cultura.
LA HISTORIA Inaugurado el 11 de diciembre de 1926 con la proyección «Luis Candelas, el bandido de Madrid» , ostenta el honor de ser la primera sala madrileña en incorporar equipo de sonido y estrenar el 13 de junio de 1929 el largometraje sonoro, «El cantor de jazz», evento que nos recuerda esta crónica del ABC de la época: «De verdadero acontecimiento puede calificarse el estreno verificado ayer en el salón y terraza de este aristocrático cinema de la formidable película de vanguardia «El cantor de jazz», primera película parlante y sonora presentada en Madrid con el aparato Melodion, de producción nacional, que resuelve maravillosamente el problema de esta nueva modalidad de cinematógrafo (…). Fue visto con verdadero entusiasmo por el numeroso público que abarrotaba la sala». El cine, que también en 1935 estrenó la primera película en color proyectada en España, y en 1953, la primera película en 3D, cuenta, actualmente, con dos gigantescas pantallas en su fachada por donde se retrasmiten los grandes estrenos tanto nacionales como internacionales, y un patio de butacas totalmente desmontable para albergar diferentes eventos, tanto culturales como empresariales.
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El cine Méliès cumple 20 años de historia en Barcelona
El próximo 20 de diciembre se cumplen 20 años desde que en 1996 Cinemes Méliès abriera sus puertas por primera vez en Barcelona.
Del 19 al 25 de diciembre lo celebrará repartiendo 1.000 regalos entre los espectadores y con entrada reducida (3€) para todas las sesiones.
La historia de Cinemes Méliès de Barcelona, fundados por el cineasta Carles Balagué (La casita blanca, 2002; Arropiero, el vagabudo de la muerte, 2008; La bomba del Liceo, 2010), ha estado comprometida desde sus inicios con el cine clásico, el cine europeo, alternativo y de estreno, con más de 300 títulos clásicos estrenados hasta la fecha. Una labor que ha contribuido a popularizar las obras de los grandes maestros del celuloide como Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz, Alfred Hitchcock, François Truffaut, Éric Rohmer, Federico Fellini, Luchino Visconti, John Ford, Luis G. Berlanga, Fritz Lang, Vincente Minnelli, Sam Peckinpah, Josef Von Sternberg, Elia Kazan, Orson Welles, Ingmar Bergman, Luis Buñuel, Pier Paolo Pasolini, Jean-Luc Godard, R. W. Fassbinder y Charles Chaplin, entre muchos otros.
La trayectoria del cine Méliès ha sido reconocida en repetidas ocasiones por su contribución al patrimonio cultural de la ciudad, con varios galardones como el Premio Sant Jordi (1996), el Premio Ciudad de Barcelona (2003) o el Premio Carles Duran (V Premios Barcelona de Cine, 2006).
Desde 2005 los Méliès forman parte de la Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo (CICAE) y de la red de Europa Cinemas.
El 2 de junio de 2011 el cine sufrió un incendio que le obligó a cerrar temporalmente sus puertas, hasta la feliz reapertura, que fue posible el 5 de enero de 2012.
El domingo 18 de diciembre: Atom fast market 2 – mercadillo de ilustración, fanzines y pequeñas editoriales
Tras el éxito de la primera edición llega Atom Fast Market 2, será el próximo domingo 18 de diciembre en una nueva ubicación en el barrio de Gràcia (Barcelona) con más espacio y, por lo tanto, más artistas.
De entrada gratuita, este es un mercadillo para apoyar el trabajo creativo local desde ilustradores y fanzines a pequeñas editoriales y escritores. Una cita imprescindible si estas navidades quieres hacer los regalos más originales y únicos.
Día: Domingo 18 de diciembre de 2016
Horario: de 11 a 21 horas
Lugar: L’espai Milà (c/Josep Torres 28. Barcelona) En el barrio de Gràcia.
Entrada gratuita
Con la participación de:
Ana Oncina
Ediciones Astrálago (Bill Jiménez)
Branca Studio
Gats Lliures del Poble Nou
Glitter Zines
Guillermo Carandini
Editorial Hermenaute
La boutique de Juanjo Sáez
Libros de Autoengaño
Kewaiichi
Maldo Illustration
Mia Álvarez
Mikel Murillo
Morbix
Núria Farré
Núria Just
Orciny Press
Somos Panoli
Paranoidland
Editorial Sven Jorgensen
Underbrain Books
Primer tráiler en español de LA MOMIA (9 de Junio en Cines)
Sinopsis: A pesar de estar enterrada en una tumba en lo más profundo del desierto, una antigua princesa (Sofia Boutella, Kingsman: Servicio secreto y Star Trek Beyond) cuyo destino le fue arrebatado injustamente, se despierta en la época actual y demuestra una maldad que ha crecido hasta límites insospechados con el paso de miles de años. Desde las inmensas arenas de Oriente Medio hasta unos desconocidos laberintos bajo el Londres actual, LA MOMIA ofrece una nueva y sorprendente versión de un mundo de dioses y monstruos.
Para completar el reparto, se unen a Tom Cruise Sofia Boutella, Annabelle Wallis, Jake Johnson y Courtney B. Vance y el ganador de un Oscar Russell Crowe.
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Ninja vampires y Donnie Yen: esto es Trash-o-rama
Ninja Raiders Vampire Queen (Chow Chun-Kai, Donald Kong, 1989)
Con Agnes Chan, Deborah Grant. (Audio en castellano, inglés o subtitulada, 16:9)
Ninjas contra vampiros chinos en una de las producciones más histéricamente dementes de la productora Filmark, editada por primera vez en DVD íntegra y en widescreen 16:9. Secuencias de acción ninja, efectos especiales imposibles, diálogos marcianos, cabezas voladoras y risas descontroladas en esta obra maestra del cine absurdo. Nueva entrega de la colección VHZ, pura nostalgia de los tiempos del VHS, con un diseño retro y muchas sorpresas.
Contenidos adicionales: Ninja trailers, Artículo Mixed Up, Artículo Filmark, cartel original, ficha técnica, Promo VHZ.
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).
City of Darkness (Lam Man-Cheung, 1999)
Con Donnie Yen, Collin Chou (Audio en cantonés con subtítulos en castellano, 16:9)
Donnie Yen protagoniza esta película producida por la mafia taiwanesa y que tuvo que rodar para saldar una deuda. Acción sin tregua en un filme lleno de figuras del cine marcial, como Collin Chou, Billy Chow o Kim Penn. Por primera vez en 16:9 con subtítulos traducidos a partir de los diálogos originales.
Contenidos adicionales: Documental sobre Donnie Yen, Donnie Yen canta, Donnie Yen baila, trailer, ficha técnica, cartel original.
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).
Y COMO SIEMPRE… ¡¡¡EDICIÓN MUY LIMITADA!!!
¡YA A LA VENTA!
Y ADEMÁS:
A finales de diciembre, el mockbuster de Ataque a los Titanes: tetas, sangre, acción y cutrefectos especiales a la japonesa, en doble versión. Y más italo-trash para coleccionistas selectos.
Finalmente un pequeño avance de uno de los lanzamientos del 2017. Detalle de la ilustración original realizada por el gran Jordi Pascual para el demencial Kaiju Monstermash que aportará monstruosidad y mucha serie Z a nuestra colección favorita. Sí amigos, 2017 promete ser horrible, ¡¡¡Pero con Trash-o-rama lo será mucho más!!!
http://trashoramadvd.bigcartel.com/
Diábolo Ediciones cierra 2017 con cine de animación y cómic
Después del aluvión de novedades de las últimas semanas, algunas muy recientes, Diábolo despide el año con otro número especial temático de CTHULHU: 17 historietas de terror oriental, y el nuevo libro de Cruz Delgado Sánchez: ¡A ver quién se anima!, un libro único en el mundo dedicado a todos los actores que se han convertido en personajes de animación, a todas las series o películas de personas que han pasado a ser series de dibujos animados y varias combinaciones más.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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