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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de febrero de 2020 *
DOMINO (Brian de Palma, 2019)
Dinamarca/Francia/España/Bélgica Duración: 89 min. Guion: Petter Skavlan Música: Pino Donaggio Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Backup Films / Zilvermeer Productions / Mollywood / N279 Entertainment / Recalcati Multimedia / Schønne Film Género: Thriller
Reparto: Nikolaj Coster-Waldau,Carice van Houten, Guy Pearce, Younes Bachir, Mohammed Azaay, Eriq Ebouaney, Thomas W. Gabrielsson.
Sinopsis: Christian es un policía danés que se asocia con una oficial para localizar al asesino de su compañero. Lo que la pareja no sabe es que el individuo que persiguen trabaja en una operación especial de la CIA y sigue el rastro de una célula terrorista del ISIS en Europa.
Domino posee un prometedor comienzo repleto de acción calculada al milímetro, que se desarrolla a varios niveles y que deja lugar a varios reconocibles gadgest de su director. La intriga mezcla terrorismo islámico y CIA, pero la auténtica razón del ser de la historia es la venganza. Persecuciones por los tejados de Dinamarca y viajes por Bélgica, Holanda y España. Una pintoresca España, todo hay que decirlo. Y todo con el acompañamiento de un Pino Donaggio más Herrmann que nunca. Pero todo es un espejismo que acaba cayendo casi en la parodia, que pierde la credibilidad. Sí tiene guiños a su propio estilo narrativo, pantalla partida incluida, pero la profundidad de los personajes es nula, y algunos elementos de suspense están excesivamente subrayados, como si De Palma no confiara en la inteligencia del espectador, que en algunos momentos de la narración tiene que suspender su incredulidad , todo lo cual no evita que llegue a provocar su hilaridad.
La película está protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau (Mamá), junto a Carice van Houten (El libro negro) y Guy Pearce (Memento).
Francamente, esperamos y deseamos que Domino no sea el testamento cinematográfico de Brian De Palma.
EL PLAN (Polo Menárguez, 2019)
España. Duración: 79 min. Guion: Polo Menárguez (Obra: Ignasi Vidal) Música: Pablo Martín Caminero Fotografía: Alejandro Espadero Productora: Capitán Araña Género: Drama
Reparto: Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Chema del Barco
Sinopsis: Son las nueve de la mañana de un caluroso día de verano en el barrio madrileño de Usera. Paco, Ramón y Andrade, tres amigos que llevan en paro desde que cerró la empresa en la que trabajaban, han quedado para ejecutar un plan. Cuando por fin se reúnen, un contratiempo les impide salir de casa: el coche que necesitaban para trasladarse está averiado. Mientras buscan otra manera de llegar a su destino, se ven envueltos en una serie de incómodas discusiones que poco a poco derribarán sus muros y arrancarán sus máscaras.
Comedia de pequeño formato, muy deudora de su origen teatral, que se desarrolla en un único escenario contando con tan solo tres personajes, lo cual ofrece la oportunidad a los actores de lucirse, algo que bien aprovechan. Si de Antonio de la Torre y Raúl Arévalo ya podíamos esperarlo, destaca especialmente el personaje interpretado por Chema Del Barco, que es el responsable y motor del cambio de registro de esta comedia hacia el drama, que terminará dejando en el espectador un regusto amargo.
Polo Menárguez en su segundo largo (el primero con recursos profesionales tras su debut en el Low Cost) nos narra la historia de tres perdedores, que con la excusa de poner en práctica un plan, se reúnen en casa de uno de ellos. A partir de ahí, y dada la torpeza de sus integrantes, todo llevará al espectador a tener la total seguridad de que el plan difícilmente arribará a buen puerto. Los imprevistos y giros que van surgiendo irán destapando las máscaras que cada uno lleva puesta, y el espectador asistirá a la crisis de un modelo de masculinidad que, lamentablemente, está resistiéndose a desaparecer.
Buen ritmo y una curva de interés que va in crescendo, hacen de El plan una película ágil, que nos atrapa en su red para llevarnos de la risa al escalofrío sin perder comba.
LAS GOLONDRINAS DE KABUL (Les hirondelles de Kaboul, Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec, 2019)
Francia. Duración: 80 min. Guion: Zabou Breitman, Patricia Mortagne, Sébastien Tavel (Libro: Yasmina Khadra) Música: Alexis Rault Productora: arte France Cinéma / Les Armateurs Género: Drama
Sinopsis: Verano de 1998. Kabul es una ciudad en ruinas ocupada por los Talibanes. Mohsen y Zunaira son dos adolescentes que se han enamorado pese a vivir en un entorno repleto de violencia y miseria. Aunque van sobreviviendo día a día, un acto irresponsable de Mohsen cambiará sus vidas para siempre.
Las Golondrinas de Kabul es una cinta de animación para adultos en la linea de Persépolis o Vals con Bashir. Animada en rotoscopia pero dotando a su imagen de una rica apariencia de acuarela, su historia es un alegato contra el radicalismo islámico y todo un homenaje al papel desempeñado por la mujer, verdadera víctima potencial de un radicalismo religioso que la obliga a ocultarse, a desaparecer bajo un tupido burka. Cubierta con ellos, las mujeres de Kabul deambulan por las ruinas de la ciudad como fantasmas, añorando cines, librerías y escuelas y secundados por los espectros de unos hombres que una vez fueron libres.
La acción se desarrolla en un Afganistán en ruinas por su situación de guerra perpetua. En Kabul la guardia talibán vigila que todos guarden el orden y las maneras y no se pierdan el rezo, pero en el interior de la casa de los protagonistas, una pareja de jóvenes profesores, se mantendrá un oasis de libertad en el que Zunaira brillará especialmente. Pronto se desatará una tragedia que demostrará hasta donde serán capaces de sacrificarse por amor.
Basada en el best seller de Yasmina Khadra (más de 600.000 ejemplares vendidos en Francia), Las golondrinas de Kabul tuvo su premiere mundial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2019 y fue seleccionada en el festival de Sitges, siendo nominada recientemente a los Premios César de la academia de cine francés. También es la primera cinta que llega a las salas españolas de la nueva distribuidora Night Drive.
MONOS (Alejandro Landes, 2019)
Colombia-Argentina-Uruguay-Países Bajos (Holanda)-Alemania-Suecia. Duración: 102 min. Guion: Alexis Dos Santos, Alejandro Landes (Historia: Alejandro Landes) Música: Mica Levi Fotografía: Jasper Wolf Productora: Franja Nomo / Campo Cine / Film I Väst / Le Pacte / Lemming Film / Mutante Cine / Pandora Film / Snowglobe Films Género: Drama
Reparto: Julianne Nicholson, Moises Arias, Jorge Román, Sofia Buenaventura, Laura Castrillón, Sneider Castro
Sinopsis: En la cima de una imponente montaña, donde lo que a primera vista parece un campamento de verano, ocho niños guerrilleros apodados “Los Monos» conviven bajo la atenta mirada de un sargento paramilitar. Su única misión es clara: cuidar a la doctora (Julianne Nicholson), una mujer americana a la que han tomado como rehén. Cuando esta misión empieza a peligrar, la confianza entre ellos empezará a ponerse en duda.
Niños con pistolas.
Niños con pistolas comandados por un enano en una sima situada en el confín del mundo ¡Cuánta energía desaprovechada! ¡Cuánto absurdo! Un microcosmos anómalo, casi sectario, habitado por monos con pistolas. Soldados sin ideal y con dos sencillas misiones: cuidar de una rehén y de la vaca Shakira, que les ha dejado el comandante antes de marchar para que tengan leche.
No harán nada bien, claro.
Sin nadie que les comande, que les controle, reinará el caos ante el más perfecto absurdo. Roces, suicidios y el despertar de los instintos más primitivos. Lucha por el caudillaje ante la pérdida de todo objetivo, de todo sentido. Monos con pistolas enfrentados entre sí.
Ecos de aquella historia que también hablaba de niños soldado manipulados, aquel El puente (Die Brücke, Bernhard Wicki, 1959) en donde también se manejaba a niños a los que antes se ha ‘educado’ en ideales, todo durante los últimos días del asedio a Berlín por los aliados. Monos manipulados. Niños con pistolas jugando a la guerra ¡Cuánta energía desaprovechada¡ ¡Cuánto absurdo!
Toda la programación de OHLALÀ! Festival de cine francófono de Barcelona
Hoy se ha presentado en rueda de prensa la tercera edición de Ohlalà! Festival de cine francófono de Barcelona que se celebra del 12 al 21 de marzo.
La presentación, en el Institut français, ha corrido a cargo de sus fundadoras, Mélody Brechet – Gleizes y Ana Belén Fernández. Junto a ellas ha estado el director del Institut français, Max Vasseur.
La programación de esta nueva edición contiene un total de 23 títulos. De ellos, 11 configuran la sección oficial a competición. Fuera de la sección oficial se podrán ver las películas de inauguración y clausura, un documental, dos películas musicales, dos largometrajes de animación y una retrospectiva de 5 títulos dedicada a la actriz francesa Nathalie Baye, madrina de esta edición, quien además ofrecerá una clase magistral.
El Festival ofrece una programación más extensa que en las primeras ediciones, con más de la mitad de películas de jóvenes directoras y varias óperas primas de gran calidad. Asimismo toda la programación es una cuidada selección de títulos, algunos de los cuales han recibido numerosas nominaciones en la próxima edición de los Premios César (se entregan el 28 de febrero) o se han podido ver en alguno de los principales festivales del mundo. La mayoría de títulos son inéditos en Cataluña y provienen de diversos países de habla francesa: Francia, Bélgica, Suiza, Canadá, Argelia, Marruecos o Túnez, entre otros.
INVITADOS
Además de Nathalie Baye, también nos visitarán las directoras Mounia Meddour (Papicha), Romane Bohringer (Un acuerdo original- L’Amour Flou); Sarah Suco (Les Éblouis), y los directores, Philippe Rebot (Un acuerdo original- L’Amour Flou) y Antoine Russbach (Ceux qui travaillent).
La mayoría de las películas se podrán ver en el Institut français, sede principal del festival. Como novedad este año, la inauguración se celebrará el jueves, 12 de marzo a las 20h en la Sala Phenomena Experience (c/ Sant Antoni Maria Claret, 168).
Otra de las novedades nos lleva a la Filmoteca de Cataluña, donde se proyectará Una relación privada (Une liaison pornographique), uno de los títulos que se incluye dentro de la Retrospectiva dedicada a Nathalie Baye. Más de 20 años después de haber interpretado una de las parejas con más química de la historia del cine francés, Nathalie Baye y Sergi López volverán a presentar la película.
Todas las películas estarán subtituladas en castellano o catalán.
En cuanto a los premios, en esta edición se entregarán tres galardones:
– Premio del Jurado, compuesto por los siguientes profesionales de diferentes ámbitos del sector cinematográfico: la directora Lucía Alemany (La inocencia); el guionista Marçal Cebrian (La hija de un ladrón); la directora de fotografía Maite Astiz (Blue Rai); el periodista Salvador Llopart, y la productora Serrana Torres (documental “Oleg y las raras artes”).
-Premio del Jurado Joven, configurado, con la ayuda de Escena 25, por jóvenes de Barcelona entre los 18 y los 25 años
-Premio del Público, para el que votan todos los asistentes.
PROGRAMACIÓN
Estos son los 23 títulos que componen la programación de la 3ª edición del festival (puedes encontrar toda la información sobre cada uno de ellos a través de este enlace)
SESIÓN INAUGURAL (fuera de competición)
–LA BELLE ÉPOQUE, de Nicolas Bedos (Francia).
Una comedia brillante que nos ofrece un viaje en el tiempo en busca del amor perdido.
La película, presentada fuera de competición en el Festival de Cannes y estrenada en Francia el pasado mes de noviembre, ha sido una de las películas más taquilleras del año, llegando a más de 1 millón de espectadores. Las 11 nominaciones a los Premios César la confirman como uno de los estrenos del año.
En España se estrena en cines el próximo 24 de abril de la mano de Diamond Films.
SESIÓN DE CLAUSURA (fuera de competición)
–UN ACUERDO ORIGINAL (L’AMOUR FLOU), de Romane Bohringer y Philippe Rebbot. Entre fantasía pura y relato autobiográfico. Una feel good movie vibrante, divertida y tierna.
En España llegará a los cines el próximo 27 de marzo de la mano de Vercine.
Con la presencia de los directores Romane Bohringer y Philippe Rebbot
SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
–PAPICHA, de Mounia Meddour (Argelia, Francia, Bélgica, Qatar).
Un retrato feminista que seduce por su energía, su frescura y el carisma de su protagonista.
En España llegará a nuestras pantallas el próximo 22 de marzo de la mano de BTeam Pictures.
Con la presencia de Mounia Meddour
–ADAM, de Maryam Touzani ( Marruecos, Francia, Bélgica)
Una ópera prima sutil y conmovedora sobre la necesidad de apoyarse entre las mujeres en una sociedad que no mira hacia ellas.
En España se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de la mano de Karma Films.
–ADORATION, de Fabrice du Welz (Bélgica, Francia)
Un relato onírico sobre el final de la inocencia, el amor y la locura.
–ANTIGONE, de Sophie Deraspe (Canadá).
Una Antígona de los tiempos modernos: ¡Imprescindible!
–CEUX QUI TRAVAILLENT, de Antoine Russbach (Suiza, Bélgica, Francia)
Una reflexión impactante sobre la sociedad actual con una interpretación magistral de Olivier Gourmet.
Con la presencia de Antoine Russbach
–BIK ENEICH: UN FILS, de Mehdi Barsaoui (Túnez, Francia, Líbano, Qatar).
Un thriller intenso sobre un matrimonio y un país en crisis.
–KUESSIPAN, de Myriam Verreault (Canadá).
Un relato sensible sobre la amistad y la identidad del pueblo Innu en Québec.
–CAMILLE, de Boris Lojkine
(Francia).
Brillante y conmovedor relato de la historia de la joven fotógrafa francesa Camille Lepage.
–LES ÉBLOUIS, de Sarah Suco (Francia).
Una ópera prima de inspiración autobiográfica, profunda y luminosa.
Contaremos con la presencia de la directora Sarah Suco
–PERDRIX, de Erwan le Duc (Francia).
Una de las grandes óperas primas del cine francés de 2019.
–C’EST ÇA L’AMOUR, de Claire Burger (Francia).
Un relato conmovedor sobre la paternidad y los cambios de la adolescencia.
MUSICAL (fuera de competición)
–NOTRE DAME, de Valérie Donzelli (Francia).
Un cuento moderno lleno de fantasía homenaje a la Ciudad de la Luz y al cine de Jacques Demy.
–GUY, de Alex Lutz (Francia).
Un falso documental muy logrado, divertido a la vez que lleno de ternura y de nostalgia.
DOCUMENTAL (fuera de competición)
–DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSES, de Callisto McNulty (Francia, Suiza)
Un documental sobre el encuentro entre la mítica actriz Delphine Seyrig y la videoartista Carole Roussopoulos que nos traslada al corazón del feminismo de los años 70.
ANIMACIÓN (fuera de competición)
–ADAMA, de Simon Rouby (Francia)
Una película de animación potente y conmovedora premiada en el Festival de animación de Annecy.
–GUS, PETIT OISEAU GRAND VOYAGE, de Christian De Vitta (
Francia)
Una perla de animación que mezcla relato de iniciación, ternura y sentido del humor para toda la familia
RETROSPECTIVA
Nathalie Baye es una de las grandes actrices del cine francés. Su carrera abarca más de 100 títulos en 47 años de profesión. Posee una carrera ecléctica donde se incluye cine de autor como cine más popular. Ha trabajado con autores como François Truffaut, Maurice Pialat, Claude Sautet, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Steven Spielberg o Xavier Dolan.
En su palmarés figuran 4 premios César, el galardón más importante de la Academia del Cine Francés: Le Petit Lieutenant, 2005; La Balance (El Membrillo), 1982; Une étrange affaire, 1981; Sauve qui peut (la vida) 1980. Ha sido candidata a este premio en seis ocasiones más.
Tiene también una Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia (Una relación privada,1999) y una Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián (Mon fils à moi- Mi hijo), 2006).
Durante el festival se podrá ver una retrospectiva que incluye los 5 títulos siguientes:
–UNA RELACIÓN PRIVADA (Une liaison pornographique), de Frédéric Fonteyne (Francia, 1999). Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia 1999
Con la presencia de Nathalie Baye y Sergi López
–LE PETIT LIEUTENANT de Xavier Beauvois (Francia, 2004). Ganadora de 4 premios César: Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actriz.
Con la presencia de Nathalie Baye
–LES SENTIMENTS de Noémi Lvovsky Francia, 2003)
–SOLO EL FIN DEL MUNDO (Juste la fin du monde) de Xavier Dolan ( Canada, Francia, 2017)
–LAS GUARDIANAS (Les gardiennes) de Xavier Beauvois
(Francia, 2016)
Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona es el primer festival de Barcelona dedicado al cine francófono y toma su nombre de la característica locución francesa que se utiliza para expresar sorpresa, nostalgia o alegría y alude a la magia del cine y a la variedad de emociones que este es capaz de evocar en el espectador.
En la primera edición del festival, apadrinada por el cineasta Cédric Klapisch (Una casa de locos), acudieron 2.500 espectadores en 15 sesiones. En la pasada edición del festival, apadrinada por la actriz, guionista y directora francesa Agnès Jaoui (Para todos los gustos), acudieron 3.100 espectadores, en 15 sesiones.
Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona cuenta con el apoyo de Institut français de Barcelona, Consulado General de Francia en Barcelona, Wallonie Bruxelles international, Oficina de Québec en Barcelona, Consulado general de Suiza en Barcelona, Unifrance, Ayuntamiento de Barcelona, Generalitat de Catalunya, Acción Cultural Española (AC/E), Eau thermale Avène, M&B Abogados, Pierre&Vacances, NuvoBarcelona, Hotel Majestic, Renfe-Sncf, Bande à part Escuela de cine , Veo Productions, Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals, Time Out, Equinoxe Radio,.
Para consultar toda la programación y horarios: http://www.ohlalafilmfestival.com
#ohlalafilmfestival @ohlalafilmfest
Mike Wallace is in Filmin
El documental Mike Wallas is here, que recientemente se ha estrenado en la plataforma Filmin, ofrece al espectador pura historia de la televisión norteamericana y nos explica como un actor radiofónico acomplejado con sus marcas de viruela llegó, en el mismo momento en el que la televisión se convertía en un influyente medio de comunicación, a convertirse en «el reportero más temido de Norteamérica».Mike Wallace, creador de la entrevista directa, sin pactos con el entrevistado, es todo un modelo de una profesión que debería ser libre y no dedicarse a apoyar al gobierno de turno.
El film, brillantemente documentado con numerosas tomas de archivo, es un portento de montaje, pues nos lleva desde los inicios de Wallace en la radio como actor de seriales (Green Hornet), hasta su entrada en televisión en 1956, desde donde partió su carrera, también como actor de series y comerciales para poco después protagonizar sus primeras polémicas al entrevistar en sus programas Night Beat y The Mike Wallace Interview a todo un abanico de personajes que oscila desde un líder del Ku-Klux-Klan a políticos, actores, gagsters y colegas de profesión. Diversas demandas terminaron con su programa, pero en 1962 volvió a la carga como corresponsal de CBS News, viviendo aquellos convulsos tiempos durante los cuales realizó sobrecogedoras entrevistas a líderes de la talla de Martin Luther King y Malcolm X o marchando a Vietnam, desde donde retransmitió la verdad, por dura que fuera.
En 1968 volvió al formato de programa de entrevistas y con el estallido del escándalo Watergate, puro entrevistar a todos los relacionados con el caso. Experimentará nuevos formatos y formas de obtener testimonios, ya sea con cámara oculta como con cebos, investigando temas polémicos a pie de calle como la prostitución infantil.
Historia del periodismo, Mike Wallace es respetado por sus colegas y veremos ampliamente su actividad profesional, pero también su trayectoria personal, marcada por el suicidio de su hijo y una larga depresión motivada por una millonaria denuncia interpuesta por un general retirado en al que se le acusaba de difamación. Una denuncia que, a pesar de que fue finalmente retirada, causó un efecto paralizador en la profesión que se trasmitió a los responsables de las cadenas.
Mike Wallace is Here es todo un monumento al buen periodismo durante el cual podremos ver infinidad de rostros conocidos como el de Bette Davis, Dalí, Oriana Fallaci, Emile Zola, Jomeini, Kirk Douglas o Donald Trump, entre muchos otros, puestos contra las cuerdas unos y sorprendiendo con sus respuestas, otros, en un ejercicio de libertad y verdad muy necesario en estos tiempos.
Novedades Diábolo febrero y marzo: monos, dinosaurios, recortables, Star Wars y… ¡Herbert West!
Diábolo nos presenta sus novedades para febrero/marzo de 2020. Y como es habitual, entre ellas hay buen cómic, cine y cultura popular, puntos fuertes de la editorial. Entraremos en el mundo de Lovecraft con la adaptación al noveno arte de su relato más sangriento y, gracias al cine, popular: Herbert West: Reanimador dibujado por el argentino Edu Molina. El cine llega de la mano de un viejo conocido de Proyecto Naschy, Octavio López Sanjuán, del que hace bien poco comentábamos su incursión en el universo Halloween y que ahora vuelve a los dinosaurios con Hace un millón de años. El cine de dinosaurios (1914-1987). Sergio Reyes nos lleva de Viaje al mundo Digimon, mientras que José Gracia, gran especialista en la materia, nos pasea de nuevo por el universo Star Wars con La Guerra de las Galaxia Made in Spain Vol.1. ¡Quita tus patas de encima, mono asqueroso! es, por su parte, un completo repaso realizado por Jorge San Román del cine protagonizado por chimpacés, gorilas y orangutanes y, finalmente, y dentro del mundo de la nostalgia y la cultura popular, los especialistas Guillem Medina y Núria Simón nos descubrirán todo un mundo de muñecas recortables con Vestidas de papel De todo y para todos, ¿Qué más puede pedirse?
El festival ‘Americana’ presenta su séptima edición
Esta semana en La Casa del Cine se presentó la séptima edición del Festival Americana, con toda la programación y todas las novedades de este año. Los directores del fetival, Xavier Lezcano y Josep Maria Machado, explicaron un año más al público asistente las intenciones y líneas maestras de un festival totalmente consolidado en nuestra ciudad.
La edición de este año se celebrará entre los días 3 y 8 de marzo. La inauguración será el martes 3 en la sala Phenomena y el resto de las sesiones se proyectarán en las tres salas de los Cinemes Girona y en el Zumzeig. Además entre los días 3 y 6 de marzo, la Filmoteca de Catalunya hará cuatro sesiones de una retrospectiva del documentalista Steve James.
Como es sabido, el festival se divide, básicamente, en tres grandes secciones: TOPS, NEXT y DOCS, la sección LOST SESIONS y los cortometrajes, además de la RETROSPECTIVA que se harán junto con la Filmoteca de Catalunya. Como novedad más destacable, en esta edición abren la selección de películas a todo el territorio norteamericano, más allá de los EE. UU., como se deduce por la imagen de este año, creación de Glòria Bonet, en que conviven los tres idiomas que podremos escuchar durante el Americana 2020. Pero dejemos que los propios responsables nos presenten las películas seleccionadas en las diferentes secciones:
Empezamos desvelando la programación por la sección TOPS, con los nombres más consolidados y las películas que acumulan más premios este año: Matthias te Maxime, del gran director del Quebec Xavier Dolan, una historia de amor entre dos amigos que nos volverá a mostrar el gusto estético, musical y lleno de excesos de un director que nunca deja indiferente; Jay and Silent Bob Reboot, de uno de los directores indies americanos más importantes de los 90, Kevin Smith, que vuelve con dos de sus personajes más icónicos, rodeado de amigos y humor grosero; siguiendo con el cine del Quebec, podremos ver también Repertoire des villes disparues o Ghost Town Anthology del particular cineasta Denis Côté, una película presente en Berlin que mezcla el tono desencantado y extraño de su director con el fantástico poético; y desde México nos llega Chicuarotes, dirigida por Gael Garcia Bernal, una historia de supervivencia y delincuencia de jóvenes en barrios humildes que estuvo presente en Cannes y San Sebastián; en Honey Boy otro actor, Shia LaBeouf, participa en la película detrás de las cámaras (también la interpreta) escribiendo un guion de ficción sobre su vida, problemas y sueños en una cinta que acumula 32 nominaciones y 8 galardones con premio gordo en Sundance y nominaciones varías en los Independent Spirit Awards, dirigida por el Alma Har’lo, que ya estuvo presente en Americana hace unas ediciones con LoveTrue; la americana Saint Frances, ganadora del premio del público y del premio especial del jurado en SXSW, será la inauguración de este año (recordad, exclusivamente con invitaciones, que repartiremos por nuestras redes sociales), una comedia fresca, emotiva y políticamente incorrecta, sobre nuevas familias y nuevas maneras de ver la maternidad; y de la inauguración a la clausura con Seberg, una película inspirada en hechos reales de la vida del icono de la Nouvelle Vague francesa, Jean Seberg interpretada por Kristen Stewart, que se pone en la piel de otra actriz que luchó por la igualdad racial y la militancia feminista; también tendremos la alocada comedia Sorry to Bother You, una distopía con empresas y empleados de lo más delirantes que ha arrasado en premios los últimos meses, como por ejemplo el de mejor primera película en los Independent Spirit Awards, después de su paso por Sundance o Austin (donde ganó mejor guion) , entre otros muchos festivales y premios; Jim Cummings es uno de los directores por el que el festival ya lleva apostando los últimos años en nuestras sesiones de cortos, Thunder Road es su primero largo, a partir del corto que pudimos ver en el festival hace algunas ediciones y que consiguió estar presente en Cannes y hacerse con el Grand Prix del Jurado en SXSW; finalmente, otro director que no deja a nadie indiferente es Harmony Korine, que después de sorprender con la ya cinta de culto Spring Breakers, vuelve con otra historia de estética alucinada titulada The Beach Bum, con una interpretación memorable y pasadísima de vueltas del gran Matthew McConaughey.
En NEXT, un año más, apostaremos por cintas no tan conocidas de diferentes géneros, procedencias e intenciones. Las 10 seleccionadas de esta edición son: Mickey and the Bear, un coming of age protagonizado por Camila Morrone, que ha resultado ser una de las óperas primas revelación del año y que ha estado presente en festivales como Cannes o SXSW; Swallow, sobre una mujer rica y atormentada con una extraña adicción presente en el pasado festival de Sitges y que acumula más de 15 premios entre los que destaca el de mejor actriz en Tribeca por el espectacular papel de Haley Bennett; Greener Grass, la locura de este año en la Ia línea de Lemon o An Evening with Beverly Luff Linn, donde tiene un papel Janicza Bravo, directora de Lemon, como pista de por dónde irá la película; The Art of Self-Defense es otra comedia delirante pero punzante protagonizada por Jesse Eisenberg, Alessandro Nivola y David Zellner, que fue uno de los invitados estrella de la última edición del festival; The Death of Dick Long vuelve a ser una comedia, salvaje y surrealista, en este caso dirigida por Daniel Scheinert, la mitad de los Daniels de Swiss Army Man y protagonizada por André Hyland, director de The 4th, que estuvo presente en Americana; la última comedia, con toques surrealistas pero ahora con trasfondo social será Give me Liberty, presente en Cannes, Sundance y con 4 nominaciones a los Independent Spirit Awards; y siguiendo en la línea social tendremos también la mexicana Mando de obra, ópera prima que escribe, produce y dirige David Zonana, una cinta muy pequeña que fue una de las sorpresas de la última edición del Festival de San Sebastián y que sorprendentemente tiene ciertas similitudes con una de las cintas del año, la coreana Parásitos; otra ópera prima es Burning Cane, del joven Phillip Youmans, que con tan solo 19 años se ha situado entre los directores más prometedores gracias a las dos nominaciones a los Independent Spirit Awards o a los 3 premios conseguidos en Tribeca, en una película cargada de dolor y buen cine con influencias de Terrence Malick que no parece estar dirigida por alguien tan joven; y seguimos con cine de autor para paladares exquisitos con The Sound of Silence, de Michael Tyburski interpretada por Peter Sarsgaard y la Rashida Jones en una extraña historia de medicina alternativa, estrés y soledad que estuvo presente en el último festival de Sundance; cierra la sección The Vast of Night, ganadora del premio del público en Slamdance y con una nominación a mejor primer guion en los Independent Spirit Awards, una joya del sci-fi retro inspirado en series como La dimensión desconocida y que encantará a los amantes del género.
Finalmente la tercera sección grande del festival, DOCS, presentará 7 espléndidas películas de género documental y que nos descubrirán historias reales pero también cargadas de talento cinematográfico: America to Me es una serie documental de diez horas (repartidas en cuatro sesiones en el cine Zumzeig) que nos explica lo que ocurre durante todo un año académico en una escuela pública de Chicago y que nos presentará Steve James, uno de los grandes invitados de esta edición, documentalista reputado, director entre otras de Life Itself o Hoop Dreams, nominado en dos ocasiones a los Oscar y que se acompaña de directores de alto nivel para ayudarlo en la dirección del documental como por ejemplo Bing Liu, director de Minding the Gap, proyectada en la última edición de Americana; en 17 Blocks veremos como el documentalista Davy Rothbart captura durante 20 años el día a día de los Sanford, una familia afroamericana que sobrevive a 17 calles de la Casa Blanca, en un documental lleno de peligros, sueños y esperanzas condensados en hora y media de metraje; en el emotivo 5B, Paul Haggis, director de Crash, nos acerca a la creación del pabellón 5B del Hospital General de San Francisco, en plena epidemia del SIDA a principios de los 80, cuando abre como medida extraordinaria para combatir un virus desconocido y donde veremos a gente anónima que se presenta voluntaria para ayudar a los primeros pacientes de la enfermedad; y de nuevo desde México nos llega Midnight Family, un documental que nos enseña que la carencia de ambulancias en Ciudad de México hace que proliferen algunas de privadas, que harán lo posible para llegar antes que nadie al lugar de los accidentes para atender a los heridos, pero también para sacar rendimiento a su negocio, en un documental de factura impecable y muy sobrecogedor; The Projeccionist es la última película de Abel Ferrara, uno de los cineastas más importantes y personales de los últimos años, donde el director se deja llevar por Nueva York por Nicolas Nicolaou, un propietario de cines que nos explica cómo han cambiado las cosas en la metrópoli desde los años 70, en una sesión muy especial y cinéfila que se completará con el corto Last Interview Film of Jonas Mekas-version 1 de Chihiro Ito con la última entrevista filmada a Jonas Mekas; Martha: A Picture Story, es la biografía de la fotógrafa Martha Cooper, que en el Nueva York de los 70 capturó algunas de las primeras imágenes de grafitis justo en un momento en que la ciudad les había declarado la guerra y que décadas más tarde se ha convertido en la madrina espiritual del movimiento internacional del Street Art; finalmente veremos I Want my MTV, retrato imprescindible de la cadena nacida en 1981 y que se convierte en un símbolo de la cultura pop, haciendo un repaso al nacimiento, éxito y decadencia de la MTV narrado por las estrellas que hicieron posible su existencia.
Como decíamos antes, el festival se completará con dos películas más que formarán parte de The Lost Sesions, sección que empezamos la última edición y que pretende recuperar cintas poco conocidas u olvidadas por el espectador. En este caso veremos dos largos y dos cortos que dirigió uno de los pioneros del cine indie americano, el afroamericano Charles Burnett, que hizo sus mejores producciones entre finales de los 60 y principios de los 80, reivindicado con posterioridad, puesto que su cine realista de comunidades negras poco privilegiadas, no era a buen seguro ni un cine de masas, ni un cine cómodo para las clases acomodadas. Las cintas proyectadas serán Killer of Sheep y My Brother’s Wedding, acompañadas de los cortos Several Friends y The Horse.
Y hablando de cortos ya sabéis que en Americana nos encantan. Este año volveremos a tener tres sesiones como en la última edición. Repetiremos el Sundance Short Film Tour, que nos traerá los mejores cortos del prestigioso festival en una sesión en que se proyectará el corto nominado al Oscar Brotherhood y las dos habituales sesiones con nuestra selección de lo mejor del año donde podremos ver desde el nuevo trabajo de Richard Raymond, A Million Eyes, después de ganar el año pasado Americana con Souls of Totality a la nueva gamberrada de Bill Plympton, Trump Bites. Films que han pasado por festivales como Cannes, SXSW o Sundance compartiendo sesión con los nuevos talentos emergentes. Y finalmente podremos ver también en la Filmoteca de Catalunya, cuatro películas que formarán parte de una retrospectiva del director Steve James. Se proyectarán Hope Dreams, Life Itself, Abacus: Small Enough to Jail y The Interrupters.
Un Steve James que será uno de nuestros invitados de esta edición, acompañado de Denis Côté (director de Repertoire des villes disparues), Jocelyn DeBoer y Dawn Luebbe (directoras, guionistas, productoras y actrices de Grener Grass), además nos visitarán Ben Epstein y Seth Epstein que vendrán junto con la directora de arte Kelly Phelps a presentar su corto Something like loneliness y Brenden Hubbard que vendrá a presentar su corto The helping hand.
Finalmente durante el festival tendremos nuestras habituales sesiones para los más jóvenes en Young Americans con la proyección del film Human Nature; dos sesiones profesionales, una sobre educación y cine con Steve James y otra para analizar el caso del éxito de las creadoras de Las del Hockey, que han pasado de trabajar en el bar de la Uni a hacerlo con Netflix y la Route 66 que llevará Americana a los cines de Manresa, Malgrat de Mar, Vic, San Sebastián, Gijón, Madrid o Sevilla, entre otros.
Como cada año el festival dispondrá del jurado joven Next, formado por alumnos de La casa del cine, y siguiendo con la colaboración del año pasado, el jurado de la crítica ACCEC que decidirá la mejor película de la sección Tops. Premios que se añadirán al habitual premio del público de largos y cortos.
El precio de las entradas será de 7 euros, con abonos compartibles de 6 entradas por 35 euros. Las sesiones de cortos tendrán un coste de 4 euros. Como ya hicimos el año pasado, la gestión de los abonos será completamente online, desde la propia web de Americana y sin ninguna comisión. La venta de entradas empezará mañana día 13 de febrero, al tiempo que se hará pública la parrilla. El periodo de acreditaciones de prensa ya está activo desde ahora mismo y hasta el 21 de febrero.
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¡Caramba! recopila en tomo ‘Eva hace lo que puede’ de Bea Tormo
Eva hace lo que puede
Bea Tormo
Cartoné. Color
120 páginas. 24 x 17 cm.
15 euros
A la venta el 5 de marzo
La supervivencia cotidiana de una treintañera mientras lidia con el trabajo, el sexo, la familia y su compañera de piso
Eva hace lo que puede nació en la revista digital Orgullo y Satisfacción
Eva vive en un piso de mierda, solo encuentra curros de mierda y sus relaciones son todas una mierda. Lo que viene siendo una vida de mierda. Por suerte, Eva tiene también mala leche suficiente como para sobrellevar todas las situaciones a las que ha de hacer frente, poniendo de paso un poco de orden en el mundo. En el suyo, al menos. O en todo caso, eso es lo que intenta. Eva no hace lo mejor que podría hacer: Eva hace lo que puede.
Eva hace lo que puede incluye material inédito de esta serie e historietas publicadas por Bea Tormo entre 2015 y 2017 en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Muchas de ellas han sido redibujadas para la ocasión.
Bea Tormo
Es ilustradora, dibujante de cómics y otras cosas que no recuerda. Nació en La Rioja y se fue a vivir a Barcelona para ganarse el pan a base de dibujar lo que le mandan y (a veces) lo que le da la gana. Ha trabajado para editoriales infantiles como Anaya y SM, ha dibujado en webcómics, ha hecho páginas para un montón de publicaciones colaborativas, se ha editado fanzines, ha formado parte de revistas como El Jueves y Orgullo y Satisfacción, y hoy en día sigue dibujando todo lo que le sea posible. Invierte un tiempo absurdo en barrer los pelos del perro/gato que tiene en casa. Y odia peinarse.
La Aventura/Cameo trae ‘Parásitos’ hoy a nuestros hogares
Parásitos es una buena película y nos parece muy bien que se le reconozca. No entramos en si provocará interés real hacia el cine oriental, tan maltratado en nuestras pantallas, o si no pasará de moda efímera. Hoy mismo, que sale a la venta en formato doméstico de la mano del pequeño sello barcelonés La Aventura Audiovisual, vuelve Parásitos también a los cines, en los que su presencia era poco menos que testimonial, mientras el público acudía en masa a verla al día siguiente de haber obtenido las merecidas estatuillas.
PARÁSITOS (Gisaengchung, Bong Joon-ho, 2019) DVD/Blu-ray Editado por La Aventura Audiovisual/Cameo
- Corea del Sur. Duración: 132 min. Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han Música: Jaeil Jung Fotografía: Kyung-Pyo Hong Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
- Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Características técnicas. Imagen: 2.35:1 1080p Audio: Coreano – DTS-HD Master Audio 5.1/Castellano – DTS-HD Master Audio 5.1 Coreano – DTS-HD Master Audio 2.0/Castellano – DTS-HD Master Audio 2.0 Subtítulos: Castellano
Extras: Featurette (5 min.)/Tráiler/Caja negra, libreto y carátula reversible
Sinopsis: Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne.
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Premios:
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2019: 4 Premios Oscar: Mejor película, director, película internacional y guion original2019: Festival de Cannes: Palma de Oro al Mejor largometraje2019: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa. 3 nominaciones2019: Premios BAFTA: Mejor película extranjera y guion original. 4 nominaciones2019: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera2019: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa2019: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película, director y actor sec.2019: Festival de Toronto: 2ª finalista mejor película2019: Critics Choice Awards: Mejor director (ex aequo) y película extranjera. 7 nomin.2019: American Film Institute (AFI): Premio Especial AFI2019: Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera2019: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2019: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original2019: Sindicato de Actores (SAG): Mejor reparto2019: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor película internacional2019: Asociación de Críticos de Chicago: 4 premios, inc. Mejor película. 7 nom.2019: Círculo de Críticos de San Francisco: 3 premios, incl. mejor director. 7 nom.2019: Satellite Awards: Nominada a Mejor director, guion y película internacional2019: Premios César: Nominada a mejor película extranjera2019: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera
Existen las buenas películas, obras redondas que lo son por el perfecto engranaje de sus partes, guion, dirección, interpretación… Luego están las que directamente juegan en otra liga, elevadas por encima de la media porque han alcanzado el estatus de universales, de clásicos, desde el mismo momento de ser concebidas. Existen las mejores películas del año y luego está Parásitos. A primera vista nos enamora, las siguientes veces que vuelves sobre ella descubres que nunca se acaba, que cada visionado te permite descubrir otro matiz que la hace excepcional. Y eso solo pasa con las obras maestras.
Todo empieza con el suseok. Piedras que toman forma a partir de elementos naturales, como el viento y el agua, las más deseables son las piezas con forma de oleaje como la que recibe la familia Kim en la película. Se dice de ellas que atraen la fortuna, son un amuleto al que se le atribuye la capacidad de subir de estatus a quien la posea y de alcanzar el aire de sofisticación propio de las clases altas. Todo empieza a venirles de cara a los protagonistas cuando llega a sus manos, marca el pistoletazo de salida de su ascenso hacia la abundancia, pero termina siendo la herramienta que apresura el camino de violencia con la que culmina la cinta. Porque eso es Parásitos, un relato de ascenso y caída con el que Bong Joon-ho pinta un fresco despiadado sobre la sociedad coreana. Y más allá, aunque no le faltan pinceladas de color local, su pintura es extensible a toda sociedad capitalista, es por eso por lo que nos vemos representados en su excusa argumental.
Los Kim son una familia de baja condición, pero astutos e ingeniosos como los protagonistas de las novelas picarescas. Sus avatares despiertan nuestras simpatías, porque su pillería los hace entrañables y nos reímos con sus tretas para prosperar. Son como esos timadores que nos caen en gracia porque con sus artimañas no dejan de estar haciendo justicia poética, la catadura moral del timado tiene más miseria que la del embaucador. Frente a nuestros antihéroes está la familia Park, los adinerados que ejercen su dominación con la misma naturalidad con la que respiran. Y con la misma inconsciencia. Para ellos es tan sencillo aprovecharse de los demás que ni siquiera actúan con verdadera maldad. Simplemente están arriba sin preguntarse ni preocuparse por el efecto de sus demandas. Solo deambulan por su palacio de cristal ajenos a lo que ocurre más allá de sus dominios.
Si en grupo funcionan como concreción particular de un fenómeno global, tomados de uno a uno los personajes tienen la misma entidad. La pluma de Bong Joon-ho los dibuja con el detalle propio de las filigranas. Mientras Ki-woo (Woo-sik Choi) es ejemplo del entusiasmo del travieso, su hermana, Ki-jeong (So-dam Park), actúa con mayor perfidia, es más consciente de su indigencia y, en consecuencia, mueve sus fichas con la astucia del que sabe lo que se está jugando sobre el tablero. La madre, Chung-sook (Hye-jin Jang), es una mujer más cautelosa, con menos iniciativa, pero siempre dispuesta a secundar las decisiones del resto. Y sobre ellos Kim Ki-taek (Kang-ho Song), el patriarca que ha enseñado a los demás a moverse como peces en el agua en el mundo de la picaresca, aportando la seguridad de que todo está dominado y sujeto a un plan. Del lado de los Park nos encontramos con un plantel de caracteres que van desde el candor rayano a la bobería de la señora, Park Yeon-kyo (Yeo-jeong Jo), la altivez clasista del esposo, Park Dong-ik (Sun-kyun Lee), la hija, Da-hye (Ji-so Jung), se nos presenta como adolescente enamoradiza y, ocupando un papel destacado, está el hijo menor, Da-song (Hyun-jun Jung), un niño hipercativo y malcriado, que es el centro de toda la atención y acabará siendo determinante en el desenlace.
Parásitos parte de un guion consistente cuya solidez no recae exclusivamente en el esmerado diseño de personajes, sino también en el calibrado pormenor con el que se describen las situaciones. Ello hace que los giros entren con naturalidad sin poner en ningún momento en riesgo la verosimilitud del relato, permitiendo, así, que el filme vaya cambiando de género sin fragmentarse. Y también el ritmo está bien medido. La curva de interés no decae en todo el metraje, ni sufre altibajos. Su tempo es ágil sin ser precipitado, consiguiendo que la acción se module y desarrolle con la precisión de un ingenio de relojería. Una armazón de la que solo podría derivarse lo que la cinta es, un ejemplo de narración vigorosa, calculada y deslumbrante pues, paradójicamente si se quiere, su planteamiento matemático es el que deja espacio a la sorpresa. Un texto al que se rinde nuestra atención desde su primera frase hasta su último punto.
Ahora bien, lo que hace grande al filme es la perfecta traducción de la palabra al lenguaje audiovisual. Si como guionista es hábil, como director, Bong Joon-ho, es sencillamente magistral. Nada chirría en la puesta en escena, en ningún momento cae en la aparatosidad, de modo que a primera vista se diría que la cámara es invisible, es en el análisis cuando descubrimos la inteligencia con la que cada movimiento está pensado. El coreano juega con los planos con la destreza de un prestidigitador, esconde el truco en su propia materialización. La composición del encuadre, el trabajo de la profundidad de campo, la decisión del punto de vista, el escalado, el ángulo, la iluminación, en suma, todos los elementos de la imagen cinematográfica, están presentes con una sutileza tal que logran evadir nuestra vigilancia y así nos fluye la historia como si entre ella y nosotros no estuviera la mediación del autor. Resulta difícil elegir un ejemplo concreto sin destripar el argumento, tal es su grado de implicación, por eso nos limitaremos a exponer el uso significativo de los escenarios.
Igual que la familia Kim se contrapone a la familia Park, sus residencias lo hacen también, y de un modo en que ambas cobran simbolismo narrativo. El semisótano de los Kim, un habitáculo de pocos metros en los que se acumulan de forma abigarrada sus pertenencias, describe ya su lugar y su actitud en el mundo. Casi siempre los vemos reunidos en el comedor, la única pieza que tiene luz exterior gracias a la ventana a ras de calle que se abre a la altura de su techo, los Kim contemplan el exterior como el espectador de un cine, en desigualdad (inferioridad) de condiciones, pero con una actitud de buen ánimo y curiosidad. Como si todo se abriera ante ellos como promesa de mejoría. La vivienda de los Park, en cambio, es una mansión de amplias dimensiones, nada se amontona, al contrario, todo ocupa el lugar justo aumentando la sensación de espaciosidad. Es una casa diseñada para extraer las mejores condiciones de comodidad, un enorme ventanal abre el salón a la luz exterior, pero no mira hacia la calle, sino que se abre a su propio jardín. Los Park usan el mundo casi sin mezclarse con él, ya están en la cima, si su vida fuera un cine, ellos serían los que lucen en la pantalla, siempre por encima de quienes los contemplan.
Parásitos recorre el camino de los Kim hacia el asalto de los Park, por eso más de su primera mitad nos muestra a los personajes o bien subiendo o bien contemplando la pendiente hacia arriba. Ese ascenso es servido a modo de comedia jovial hasta que los Kim están todo lo arriba que pueden estar en la cumbre, ocupando la casa de sus patrones en su ausencia de fin de semana. Pero la casa de los Park esconde un secreto, está toda ella construida sobre un búnker; cuando en pleno asalto, en medio de la tormenta se presente Moon-gwang (Jeong-eun Lee), la antigua ama de llaves que ha sido despedida gracias a las artimañas de nuestros protagonistas, quedará al descubierto una realidad ignorada, la de los desposeídos que ni siquiera son contemplados por los poco favorecidos. La realidad de aquellos que están tan al margen que viven en el subsuelo. Y ahí irrumpe el horror. La jovialidad da paso a la amargura y la cinta se convierte en una sátira negrísima que culminará en un apoteosis de violencia a la par cartoonesca y dolorosa.
La caída de los Kim se escenifica en su descenso, bajo la lluvia, desde la mansión al cuchitril. Uno de esos momentos cinematográficos que pasarán a las antologías. La lluvia, que sólo es un contratiempo en la zona alta, hace estragos cuanto más bajamos. Para los ricos el efecto de esta es la llegada de un nuevo día soleado más limpio que el anterior por el efecto del agua. Para los pobres supone la pérdida de sus existencias. El genio de nuestro director consiste en narrar este drama si caer en los tintes de lo dramático, la comedia se mantiene, aunque cambie su tono, y la risa es el mejor aliado de la toma de conciencia y la denuncia. Sin hacernos sentir culpables, Parásitos pone frente a nosotros toda la crueldad de nuestro sistema, una economía que no planifica, que no controla más variables que las del lucro, la oferta y la demanda, y que, para funcionar, necesita que exista la indigencia como mal inevitable.
Parásitos es una poderosa fábula satírica sin héroes ni villanos puros. Su enseñanza es que la distribución de la riqueza en los entornos capitalistas corrompe el entramado social en todas sus capas. En la cima de la pirámide están los Park, todos los Park del mundo, aislados en su opulencia, acostumbrados a ser servidos como si ese fuese el orden natural de las cosas, explotadores que lo son de nacimiento sin cuestionarse ni por asomo si de sus actos se desprende un sistema que se sostiene en la desigualdad. Conforme avanzamos hacia la base nos encontramos a los infortunados, en una gradación que llega hasta los desposeídos, hasta el lumpen, que vive más de su ingenio que de sus recursos. Desunidos e insolidarios, los pobres no aspiran a un mundo mejor sino a tocar a más parte del pastel, a medrar. Sin conciencia de clase, son buscavidas con la mirada puesta en su propia conveniencia. De un modo u otro, todos viven a costa de los demás, son los parásitos a los que alude el título. Pero algo hace que la relación de fuerzas no sea par, el abuso de los de arriba se manifiesta a modo de desprecio y humillación, de marcar distancias y establecer fronteras que no deben ser cruzadas ni siquiera por circunstancias involuntarias. Incluso el olor es límite que revela la inferioridad que hay que mantener a raya.
Y es que la pobreza huele. Un olor que une en los momentos más desesperados y moviliza una rabia que brota incontenible y ciega como un ajuste de cuentas. No cambia nada, pero al menos atisba una rebeldía momentánea que por un instante es subversiva. Sin final feliz, pero sin desesperanza.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de febrero de 2020 *
EL AMOR ESTÁ EN EL AGUA (Kimi to, Nami ni Noretara, Masaaki Yuasa, 2019)
Japón. Duración: 94 min. Guion: Reiko Yoshida Música: Michiru Ohshima Productora: Science SARU / Fuji TV / KDDI Corporation / Lawson Entertainment / Shogakukan-Shueisha Productions / Toho. Distribuida por: Toho Género: Fantástico
- Sinopsis: Tras entrar en la universidad, la joven Hinako se muda a una ciudad costera. Le encanta surfear y cuando cabalga las olas no tiene miedo de nada, aunque aún se siente insegura acerca de su futuro. Un día, un incendio siembra el caos en la ciudad y la joven surfista conoce a un bombero llamado Minato. Conforme surfean y pasan tiempo juntos, Hinako se siente atraída por el joven, que vive entregado a ayudar a los demás. Por desgracia, una inesperada tragedia arrebata la vida a Minato dejando a la muchacha completamente devastada. Incapaz incluso de mirar a su querido mar, un día, Hinako canta la canción de ambos y Minato se le aparece en forma de agua. Hinako está feliz de volver a tenerlo a su lado, pero, ¿podrán permanecer así juntos para siempre?
- Premios:
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2019: Festival Internacional de Shanghai: Mejor película de animación2019: Sitges Film Festival: Mejor película de animación
No podría haberse escogido mejor fecha que San Valentín para estrenar esta película de Masaaki Yuasa, director de las premiadas Lu over the Wall (mejor película en el festival de Annecy) y Night is Short, Walk on Girl (Mejor película de animación en los Premios de la Academia Japonesa). El amor está en el agua, acertado nombre que ha otorgado la productora española al filme, es una historia de amor juvenil con toques de fantasía que obtuvo el premio al mejor largometraje de animación en la sección Anima’t del festival de Sitges.
Aunque en algunos momentos peligra nuestra integridad ante el riesgo de una subida de azúcar, esta historia de amor y pérdida tiene al agua como motor protagonista entre los dos jóvenes enamorados, destacando su presencia mediante lluvia, charcos, embotellada o en el mar, donde su protagonista vuela con ayuda de su tabla de surf. Cuando la tragedia llegue a su vida, ella creará una fantasía para superar la pérdida… ¿o no será fantasía? : deberán verla para averiguarlo.
SCIENCE SARU es un estudio de animación fundado en 2013 por Masaaki Yuasa y Eunyoung Choi cuyo objetivo no es sólo crear obras de gran calidad, sino también mejorar la productividad, y uno de sus métodos es la animación Flash, que ha supuesto un incremento productivo. Este hecho ha permitido al estudio crear un gran número de obras animadas en tan sólo seis años entre las que figuran películas, series y cortos. El amor está en el agua contiene una mezcla de animación 2D y 3D repleta de textura y magia.
EL HUEVO DEL DINOSAURIO (Öndög, Wang Quan’an, 2019)
- Mongolia. Duración: 100 min. Guion: Wang Quan’an Fotografía: Aymerick Pilarski Género: Drama
- Reparto: Dulamjav Enkhtaivan, Aorigeletu, Norovsambuu
- Sinopsis: Una mujer es hallada asesinada en la estepa de Mongolia. Durante una noche, un policía joven e inexperto tiene que custodiar la escena del crimen. Dado que desconoce los peligros del lugar, le envían a una pastora lugareña para protegerle a él y al cadáver. Se trata de una resuelta mujer, de unos treinta y tantos años, que sabe cómo manejar un rifle y ahuyentar a los lobos. Ella se encarga de encender una hoguera para combatir el frío. El alcohol también ayuda a este propósito, así como la cercanía de los cuerpos que la mujer propicia.
- Premios:
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2019: Festival de Berlín: Sección oficial2019: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de Oro mejor película, mejor fotografía
El huevo del dinosaurio (Öndög, Quan’an Wang, 2019) no es una película fácil, pero el director consigue levar al espectador donde quiere y como quiere. Aparece un cadáver y la víctima ha sido asesinada, pero no es un thriller. Hay un desierto, pero no hace calor. Hay una heroína, pero es totalmente atípica. Es una película extraña, pero también hipnótica. Es El huevo del dinosaurio y es totalmente inclasificable.
Rodada en la desolada estepa de Mongolia, el espectador será testigo de los hechos que se narran desde la distancia o a través de ventanas. Desde el otro lado. Una distancia que le permitirá admirar la inmensidad del paisaje, bello, marciano, pero también le ayudará a sentir la soledad de los personajes.
El cuerpo desnudo de la mujer en medio del campo es, sin duda, una anomalía en el paísaje, pero no desentona con la belleza general que desprende el plano. Casi llega a convertirse en un elemento natural más. En ese entorno vive la protagonista, apodada dinosaurio, posiblemente porque como aquellos, es una especie en peligro de extinción que se desenvuelve en un mundo raro, extraño, que está a punto de desaparecer algo que, como veremos, no será así pues la mujer, en íntimo contacto con la naturaleza y sus ciclos, tiene muy claro que entre ellos figura como uno de los principales el de perpetuar la especie.
Con esta séptima película, de las que tan solo había una estrenada en nuestras pantallas, La boda de Tuya (Tuya de hun shi, 2007), el director chino Wang Quan’an se posiciona como uno de los más interesantes e innovadores realizadores actuales.
SINÓNIMOS (Synonymes, Nadav Lapid, 2019)
Francia/Israel. Duración: 123 min. Guion: Nadav Lapid, Haim Lapid Fotografía: Shai Goldman Productora: SBS Films / arte France Cinéma / Pie Films Género: Drama
- Reparto: Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillotte, Uria Hayik, Olivier Loustau, Yehuda Almagor, Gaya Von Schwarze, Gal Amitai, Idan Ashkenazi, Dolev Ohana, Liron Baranes, Erwan Ribard, Yawen Ribard, Iman Amara-Korba, Sébastien Robinet, Damien Carlet, Ron Bitterman, Naor Nachmani, Yahalom David, Herut Cohen, Valentine Carette, Catherine Dénécy, Léa Drucker, Christophe Paou
- Sinopsis: En París, las cosas no comienzan bien para Yoav. Un joven israelí que llega a la capital francesa con grandes expectativas, decidido a deshacerse de su nacionalidad lo más rápido posible. Para él, ser israelí es como un tumor que debe ser extirpado. Convertirse en francés, por otra parte, simplemente significaría su salvación. Para borrar sus orígenes, Yoav primero decide no hablar una sola palabra de hebreo. El diccionario se convierte en su mejor compañero. Las visitas a la embajada israelí le molestan. Pero el proceso también tiene sus trampas. Y la joven pareja francesa de la que se hace amigo tiene algunas ideas bastante extrañas sobre cómo ayudarlo… Basándose en sus propias experiencias, el director Nadav Lapid explora los desafíos de tratar de empezar en un nuevo país.
- Premios
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2019: Festival de Berlín: Oso de Oro (mejor película) y Premio FIPRESCI2019: Festival de Sevilla: Mejor dirección
El principal defecto de la última obra de Nadav Lapid es su duración. Cinta episódica, con el inconveniente de que no todos los fragmentos lucen al mismo nivel, rompe con la línea dramática tradicional sin dejar de ser un relato que va de un inicio a un desenlace cronológico, su presentación es impecable, pero su desarrollo es digresivo y se enreda en la manifestación de conceptos que se repiten y se repiten hasta caer en el exceso. Pese a su buen arranque, su intensidad va decayendo hasta llegar con muy poco gas a su desenlace.
Y es que Lapid vuelve a armarse con los mimbres de su experiencia personal y ello da fuerza a su relato, pero su dilación a la hora de cerrarlo hace que pierda fuelle y el entramado se tambalee hasta casi desmoronarse. Si no lo hace totalmente es por la conjunción de dos elementos, su planteamiento y, sobre todo, su actor protagonista, un debutante Tom Mercier. Porque parte de la propia experiencia de Lapid, el director declaró “Me tomé un avión y aparecí en París, sin ningún plan ni amigos ni parientes ni nada. Lo único que sabía era que quería morir como israelí y renacer como francés. Y me puse a aprender el idioma, obsesivamente. Leía diccionarios, iba por la calle diciendo palabras en francés, buscándole sinónimos a las palabras”, justo la idea central de Sinónimos, con dos imágenes muy poderosas. De una parte, la de querer morir a la identidad de origen para renacer a una nueva forma de expresión, un renacimiento de uno mismo. Y así, su protagonista, Yoav se queda desnudo como un recién nacido a su llegada a París, todo un símbolo de su nueva encarnación. De otra, está ese bucear en el idioma, recorriéndolo a la vez que se recorre la ciudad que lo habla. Uno de los mayores aciertos de puesta en escena es esa cámara dinámica que nos trae el apresurado andar del personaje, casi subjetiva, con la “mirada” puesta en el suelo que se pisa, plasmando el afán por deshacerse de lo viejo para adherirse lo nuevo. Esas son las dos ideas fuerza que sostienen la acción, su doble punto de partida que se resume en la necesidad de readueñarse del mundo y de uno mismo bajo una piel distinta.
Imágenes intensas que son reforzadas por la intensidad de Mercier. El debutante demuestra ser capaz de pasar de cero a cien en décimas de segundo sin arrugarse. Una actuación a la altura de lo que exige un personaje tan extremo como traumatizado, como lo es el de Yoav, la versión amargada del director, un joven que tras cumplir el servicio militar abandona su país, en viaje a una nada a la que deberá llenar de contenido. Él es, con mucho, lo mejor de la función. Porque es cierto que Lapid sabe lo que quiere, pero le pierde su ambición, querrá decir tantas cosas en su filme que las palabras quedarán difusas, lamentablemente difusas.
Sinónimos, que mereció ser reconocida con el Oso de oro en la pasada Berlinale, no puede ser despachada con juicios precipitados, despectivos y categóricos. No se nos antoja una película redonda, como venimos argumentando, pero nos deja imágenes poderosas y algunas ideas dignas de ser enmarcadas. Siendo la historia de un joven israelita traumatizado por su paso por el ejército, es importante destacar cómo la cinta es crítica con el país de origen, pero también son denunciadas las carencias del país de acogida. La Francia real topa con la que había imaginado Yoav, pues no cumple los ideales que predica. Yoav es como un azote para ambas patrias, él plasma la denuncia del autor. Si este es su lado combatiente, a Sinónimos no le faltan reflexiones más poéticas sobre el cuerpo y la palabra. Un concepto guía es que todos tenemos un cuerpo que es a la vez erótico y tanático, responde al intento de Lapid de crear películas en las cuales la muerte esté tan presente como el sexo, a cada instante. Pero si algo singulariza a Sinónimos dentro de la producción del israelita es la defensa del carácter fílmico de la palabra. Las palabras tienen sentido y también tienen música, por eso considera el autor que ha de ser un elemento fundamental dentro del hecho cinematográfico, un recurso que nunca debe faltar.
Excesiva. Es la palabra que mejor define a Sinónimos, quiere decirnos tantas cosas que al final su discurso se vuelve confuso casi hasta el rechazo. Sin embargo, una cosa hay que reconocerle a Lapid, es un autor con voz propia y con una poderosa impronta que convierte a su cine en personal e intransferible.
Astiberri lanza su nueva colección de cómic infantil y juvenil
El próximo mes de marzo Astiberri publicará el primer título de su nueva colección de cómic infantil y juvenil. A lo largo del 2020 publicaremos media docena de obras de autores y autoras nacionales e internacionales pensadas especialmente para primeros lectores.
Durante casi 20 años, Astiberri ha sido una editorial orientada al público adulto, aunque en nuestro catálogo siempre han sido bienvenidas obras como Bone, de Jeff Smith, Luces nocturnas, de Lorena Alvarez, o Wáluk, de Ana Miralles y Emilio Ruiz. Con esta nueva colección queremos ampliar la familia y hacerle más hueco al público joven.
Igual que hemos hecho siempre, seguiremos apostando por obras de autores y autoras nacionales al mismo tiempo que importamos títulos internacionales.
Los primeros cuatro títulos de la colección se publicarán simultáneamente en castellano, euskera y catalán.
EL CÓMIC INFANTIL UNA TENDENCIA EN ALZA
“Tener una colección infantil era nuestra asignatura pendiente”, afirma Fernando Tarancón, editor y cofundador de Astiberri, “y, aunque siempre nos ha parecido muy importante, hasta ahora no le habíamos dedicado toda la atención que queríamos”.
Marion Duc, editora de la colección, explica que con esta línea “queremos transmitir las sensaciones que tuvimos cuando aprendimos a leer con cómics para niños. Por eso, casi sin darnos cuenta, nos hemos centrado en los primeros lectores en esta etapa inicial. Queremos que los lectores crezcan junto con la colección”.
El pasado mes de diciembre, el diario El País publicaba el reportaje La explosión del cómic infantil, donde se mencionaba que casi un tercio de las lecturas de los niños y niñas de primaria y primer ciclo de la ESO son novelas gráficas. “En estos últimos años en que las pantallas colonizan el ocio, los chicos han descubierto la ambición que puede esconder un cómic”, señalaba la periodista Tereixa Constenla en el texto. También Antònia Justicia apuntaba en La Vanguardia que «la novela gráfica infantil y juvenil está en plena fase de expansión».
La combinación de dibujos y texto que se encuentra en el cómic se percibe como algo más lúdico, facilita la comprensión y fomenta el hábito lector. También por esa misma razón, estimula la creatividad y anima a los niños y las niñas a escribir y dibujar sus propias historias. Por eso puede ser un aliado para acercar a los niños a los libros y educarlos en la afición de leer.
TODO COMIENZA CON ‘CLAUDIO Y MORINO 1. LA MALDICIÓN’
A finales de marzo de 2020 saldrá el primer título de la nueva colección infantil: Claudio y Morino 1. La maldición.
Este cómic, recomendado para lectores y lectoras a partir de los 6 años, cuenta la historia de un joven toro que quiere pasar unas vacaciones tranquilas, pero despierta sin querer a un esqueleto que no le deja en paz durante su viaje a la costa. Es un título sorprendente, divertido y tierno que continuará en un segundo tomo que saldrá a la venta en 2021.
Otros títulos
UXÍO (Abril 2020)
El autor y director de animación Martín Romero se llevó el primer Premio Castelao de cómic infantil con las historias de Uxío, un niño pelirrojo travieso y soñador. Con colores vivos pero dulces, con narraciones cortas y lúdicas Martín 
Romero nos transporta en el día a día del imaginativo niño.
TIGRESA CONTRA PESADILLA (Mayo 2020)
El monstruo de debajo de la cama de Tigresa es su mejor amigo. De hecho ella le lleva siempre parte de la cena cuando se va a jugar antes de dormir. Pero lo que mejor hace Monstruo es asustar, así que 
todas las noches se pone a trabajar: ¡Asustando las pesadillas de la cachorro!
AVNI 1 (Junio 2020)
Avni es un nuevo alumno de la escuela de Animalia. Y al llegar la primera mañana, sus compañeros no paran de preguntarse qué es… ¿Un ratón? ¿Un osito? ¡Ni siquiera se parece a sus padres! Pero, con sus poderes, ¡lo seguro es que Avni es un amigo estupendo!
Con ‘Esferas’ vuelve el mejor cómic de ciencia ficción
ESFERAS. CIENCIA FICCIÓN PARA VIAJEROS ESPACIALES.
NÚMERO UNO
Fanzine de ciencia ficción creado y editado por César Saga y Paco Limón.
Enero 2020, Cartoné, 30×21, blanco y negro. 40 págs.
Desde los tiempos en que el hombre primitivo contemplaba el cosmos en la infancia de la humanidad, la visión de las estrellas ha estimulado la imaginación colectiva de la especie. Los Dioses y las leyendas surgieron de ellas. Se podría decir que fueron el detonante de todos nuestros mitos y de todas nuestras historias.
Esos pequeños puntos de luz en la oscuridad nos daban esperanza. No todo estaba perdido. La luz iba ganando la batalla a la noche y nos arropaban cuando estábamos rodeados por las tinieblas.
Hay quien no se siente arrebatado viendo un cielo nocturno y prefiere mirar el suelo y sus propios pies. Lo entendemos.
Pero este fanzine no es para ellos.
Con esta declaración de principios nacía la página de Facebook, Esferas 77, con la que los futuros editores de este cómic mostraban la filosofía y los avances que han llevado, finalmente, a esta primera entrega de Esferas, el cómic de ciencia ficción para viajeros espaciales.
Hacía tiempo que el cómic de ciencia ficción había abandonado a sus lectores tras estar, más o menos presente en los quioscos de manera continuada desde los años cincuenta. De Diego Valor a las aventuras y desventuras camp ilustradas por Boixcar en los años cincuenta; pasando por Dani Futuro de Carlos Giménez y Víctor Mora; hasta, hermanados con el terror, en las ediciones de españolas de Warren (Vampus, Rufus, Vampirella y Dossier Negro), la ciencia ficción gozó de buena salud y estuvo siempre presente en el mercado español, tanto como hemos visto, en forma de cómic, como en novela popular y publicaciones especializadas, caso de la mítica Nueva Dimensión. Pero volviendo al cómic de ciencia ficción, sus años dorados fueron los protagonizados por 1984, publicación que, editada por Toutain, llegó a los quioscos de 1978 a 1984, alcanzando los 64 números y que tuvo continuidad con Zona 84, que alcanzó los 96 números en 1992, año que marca su cierre y con él la decadencia y el fin del cómic de ciencia ficción en España.
Hasta ahora.
Y decimos hasta ahora porque ha llegado Esferas, una publicación abordada como fanzine pero con aspecto y contenido profesional. Cuatro historias componen el primer número, y todas ellas guardan cierto hilo en común, algo de lo que se han beneficiado al estar guionizadas por el mismo autor, Paco Limón, todo lo cual no significa que se trate de historias similares, muy al contrario, son historias con un tono bien diferenciado, ilustradas por distintos dibujantes pero conectadas entre sí mediante esferas: cada esfera es un mundo y cada mundo tiene su historia.
Visitaremos universos muy parecidos al nuestro, como el protagonizado por el relato apocalíptico Obituario, dibujado por la detallista ilustradora argentina Carina Altonaga; o el del atípico relato de fantasmas Estática, realizado por Pedro Villarejo, autor de Los fabulosos Teikerman (¡Caramba!, 2012); o en el que se sitúa Doctor Sydon, que cuenta con dibujos del almeriense Claudio Sánchez Viveros y que es el único que tendrá continuidad en un próximo número. Pero también tendremos mundos habitados por otras especies evolucionadas, como sucede en Errantes ilustrado por el cubano Ermitis Blanco, que además es director de cortos de animación.
Todo ello en una publicación editada a todo lujo, con una estupenda portada de María Ayuso Esteban y una calidad de papel y de impresión muy por encima de lo habitual y en la que destacan los guiones de Paco Limón, también cineasta, que recientemente ha presentado su excelente documental Sesión salvaje, dirigido junto a Julio César Sánchez y del que ya les hemos hablado aquí.
Tan solo queda desear larga vida a Esferas, de la que Serendipia se declara, desde ya, entusiasta seguidor.
Pedidos: Esfera 77
‘Bajocero’, de Lluís Quílez, llegará a los cine el 11 de septiembre de 2020
BAJOCERO, el thriller de acción dirigido por Lluís Quílez con guion de Fernando Navarro y protagonizado por Javier Gutiérrez se estrenará en cines el 11 de septiembre de 2020 de la mano de DeAPlaneta . Producido por Pedro Uriol para Morena Films, Josep Amorós para Amorós Producciones y Producciones Heladas A.I.E., la película cuenta con la participación de Netflix, Televisión Española, ICAA, ICEC y Film Factory.
Lluís Quílez cuenta con una extensa y prestigiosa carrera como cortometrajista con la que ha conseguido más de 170 premios entre los que destacan el Mèlies de Plata, nominaciones a los Gaudí y los Goya y una doble preselección a los Oscar (por los cortometrajes Avatar y Graffiti).
Sinopsis:
Invierno. Noche cerrada. Bajo cero. En una carretera despoblada, un furgón de traslado de presos es brutalmente asaltado. Martín (Javier Gutiérrez), el policía que lo conduce, consigue sobrevivir y atrincherarse dentro del cubículo. En el interior, los presos buscan la manera de acabar con él y escapar. En el exterior, alguien acecha. Quiere a uno de los reclusos y no parará hasta que se lo entreguen.
DeAPlaneta estrenará BAJOCERO el 11 de septiembre de 2020
La biblioteca del Festival de Sitges
Se han cumplido 52 ediciones del festival más importante de cine fantástico y de terror del mundo. Y no hay duda de que durante tantos años el festival ha generado mucho papel. Y más hablando de un evento que desde sus inicios ha basado su política en la información, tanto hacia la prensa, como hacia el público. También, como acontecimiento cultural de primer orden, el Festival de Sitges ha querido, al igual que otros certámenes, editar libros sobre géneros, sus protagonistas más destacados o ilustrar sus ciclos retrospectivos, y aunque no siempre se ha hecho con la regularidad o el cuidado deseable, hay que añadir que los años en los que no se editó ningún libro, fueron compensandos por otros en los cuales se llegaron a publicar hasta cuatro libros oficiales.
Realmente ha sido labor complicada el reunir todos estos tomos, pues el propio festival no ha realizado ningún inventario oficial hasta la fecha, aunque una gran parte de los libros oficiales, catálogos y otras publicaciones, se pudieron ver en la exposición «50 Aniversari. SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 1968-2017: Memòria del Fantàstic», centrada en el 50 Aniversario del SITGES en el año 2017. Asimismo es justo añadir que ha sido fundamental para completar esta lista el estudio Bibliografía del festival de Sitges publicado en 2014 en el blog Fantasía: Cine sin cortaprisas. También desde aquí queremos agradecer a Diego López sus aportaciones y sugerencias.
Sin más preámbulos vamos a ofrecer una amplia panorámica de las diferentes publicaciones que el Festival de Sitges ha editado durante estos más de cincuenta años, poniendo especial cuidado en los libros publicados para a venta durante y posteriormente al certamen. Unos tomos que, en muchos casos, forman parte de la bibliografía imprescindible de todo buen amante del cine.
CATÁLOGOS Y PUBLICACIONES GRATUÍTAS PARA PRENSA Y PÚBLICO
Ya desde aquella Primera Semana Internacional de Cine Fantástico de 1968, el futuro Sitges Film Festival editó un programa-catálogo con las películas y eventos que tendrían lugar. Con los años esta publicación se dividió en dos: uno en forma de catálogo de bolsillo destinado al público, que se encargó de editar principalmente la entidad bancaria en la que, antes de los tiempos de internet, podían adquirirse las entradas de manera anticipada; y un catálogo más voluminoso, vertical y tamaño folio destinado a la prensa. El formato destinado al público ha sido conservado y puede encontrarse en los puntos oficiales y salas cinematográficas del festival, pero el catálogo de prensa, ante el imparable crecimiento de las secciones del festival se tuvo que, primero, dividir con catálogos adicionales dedicados a la sección de animación (Anima’t) y de la crítica (Seven Chances) durante los años noventa; para finalmente y ya a inicios del nuevo milenio, juntar todas las secciones en un voluminoso y único catálogo apaisado. Ni que decir tiene que estas publicaciones son un impagable archivo histórico del Festival.
Por su parte el popular Brigadoon, nacido en 1986 cuando el certamen estaba bajo la dirección de Joan Lluís Goas, se ha convertido en todo un «festival dentro del festival» que ha ido adquiriendo mayor importancia año tras año y que recientemente ha celebrado su treinta aniversario con un acto oficial. En 2003, cuando esa sección estaba dirigida por Hernán Migoya, se editó un Brigadoon’zine y también se potenciaron los ciclos cinematográficos, como el dedicado a los Hermanos Calatrava y el cine de Manuel Esteba, entre otros. Aunque la publicación no tuvo más continuidad, en la actualidad Brigadoon es una sección totalmente consolidada que además de ofrecer títulos actuales, otorga una especial importancia a las retrospectivas y homenajes. También se celebra anualmente el premio Brigadoon Paul Naschy para el mejor cortometraje, así como el Premio Nosferatu como homenaje a diversas personalidades destacadas del cine fantástico.
También y conforme el catálogo de películas y actividades aumentaba, se optó por informar al público de manera más detallada, así que se comenzó a editar, como complemento al pequeño catálogo con la programación, un periódico que, además de horarios, contenía información adicional sobre las diferentes películas y actividades, así como entrevistas con los invitados. Si bien se tiene constancia de alguna iniciativa en forma de fanzine a finales de los setenta, el primer periódico diario del que tenemos noticia se publica en 1983, coincidiendo con el relevo en la cúpula del festival, que hasta entonces había estado en manos de su creador, el histórico Antonio 
Ráfales, y que pasaría a manos del mencionado Joan Lluís Goas, que también iniciaría de manera regular la edición de El Diari del Festival. Primero en blanco y negro y editado por el propio certamen para, posteriormente y ya con portada a todo color, pasar a ser editado por el Grupo Z (El Periódico), que se hará cargo de una cabecera que evolucionará con los años a publicación en color. Hasta 2009, en que tomará el relevo La Vanguardia manteniendo, eso si, el formato.
El número de ejemplares variará según los días de los que conste el festival. En la actualidad se editan un total de 12: Diez con la programación diaria; uno general sobre el festival; y uno fotográfico con el palmarés.
A todo esto hay que sumar diferentes catálogos que se han realizado sobre exposiciones, de los que también el festival ha realizado postales coleccionables, que junto a su rica cartelería y otros objetos como sellos, posavasos, postales o juegos, conforman un conjunto de material altamente atractivo para el aficionado y coleccionista.
CATÁLOGOS MONOGRÁFICOS
Editados por el propio festival, de tirada más limitada y menor número de páginas, estas publicaciones posiblemente estuvieron tan solo al alcance de la prensa o disponibles únicamente durante los días del certamen. Resultan más difíciles de localizar que los libros y los catálogos.
1968
– Índice analítico del cine fantástico
Autor: Antonio Cervera. Edita: Semana Internacional de Cine Fantástico de Sitges. Encuadernación en rústica, 48 págs. 23 x 15.5 cm
1994
– Jan – Eva Svankmajer: el lenguaje de la analogía
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 56 págs. Edición bilingüe: castellano-catalán
1995
– Segundo de Chomón
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges/Filmoteca de la Generalitat de Catalunya. Cartoné, 75 págs. Editado con motivo de la retrospectiva dedicada al cineasta aragonés.
1996
– The Spanish Fantasy Pictures Show
Autor: Marcos Ordóñez. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 95 págs. Edición trilingüe en castellano/catalán/inglés. Editado con motivo de la retrospectiva dedicada al cine fantástico español.
2000
– Ladislaw Starewicz
Autor: Fernando de Felipe. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 48 págs. Editado por la sección Anima’t.
2001
– Quay brothers
Autor: Jordi Costa. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 47 págs. Editado por la sección Anima’t.
2002
– Hayao Miyazaki
Autor: Antonio Trashorras. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 51 págs. Formato apaisado. Editado por la sección Anima’t.
2003
– Curtis Harrington. Danza Macabra
Autor: Jordi Sánchez-Navarro. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 38 págs.
– Alexandre Alexeieff: Poemas de Luz y Sombra
Autor: Giannalberto Bendazzi. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 37 págs. Editado por la sección Anima’t.
2010
– No por mucho madrugar amanece más temprano
Autor: Jack Torrance. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, 315 págs. Editado con motivo del 30 º aniversario de la película El Resplandor, se trata de un objeto destinado a invitados y prensa seleccionada.
NOTA: Al no haber podido revisar físicamente todas estas publicaciones, no podemos asegurar que estuvieran redactadas, tal como suponemos, en los tres idiomas oficiales del festival, catalán, castellano e inglés.
CATÁLOGOS EXPOSICIÓN
Desde el inicio del festival se organizaron todo tipo de exposiciones relacionadas con el fantástico. Las primeras fueron realizadas por el artista Pierrot, que tuvo problemas con la justicia por alguna de sus obras artísticas. Desde hace unos años la salida de l’Auditori del hotel Melià ha servido de espacio para exposiciones, las últimas comisariadas por Borja Crespo en las que diversos ilustradores han ofrecido su visión sobre el leitmotiv escogido anualmente por el festival. Estas ilustraciones se han reunido asimismo en catálogos gratuitos y también, y de forma individual, se han puesto a disposición del público postales coleccionables también gratuitas.
2008
– King Kong Solidario
Autor: VV.AA. Edita: ScifiWorld. Tapa blanda, 160 págs.
2013
– Exposición de pósteres del Festival de Sitges en el Palau Maricel.
Pequeño catálogo folleto editado con motivo de la exposición. Tapa blanda, A5. Ejemplar gratuito.
2015
– Dossier Sinclair: L’Art de Vicente Ballester
Autor: Vicente Ballester. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, A5, 28 págs. Catálogo de la exposición que tuvo lugar durante el festival de Sitges en el Palau Maricel comisariada por Borja Crespo. Multilingüe catalán/castellano/inglés. Ejemplar gratuito.
2016
– The Vault of Rob Zombie – A Comic Tribute
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, A5, 20 págs. Catálogo de la exposición que tuvo lugar durante el festival de Sitges comisariada por Borja Crespo. Multilingüe catalán/castellano/inglés. Ejemplar gratuito.
2017
– Ink of Dracula – A Comic Tribute
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, A5, 20 págs. Catálogo de la exposición que tuvo lugar durante el festival de Sitges comisariada por Borja Crespo. Multilingüe catalán/castellano/inglés. Ejemplar gratuito.
2018
– Psycho Killers Superstars – A Bloody Comic Tribute
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, A5, 20 págs. Catálogo de la exposición que tuvo lugar durante el festival de Sitges comisariada por Borja Crespo. Multilingüe catalán/castellano/inglés. Ejemplar gratuito.
2019
– Mad Max World – An Apocalyptic Comic Tribute
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Cartoné, A5, 20 págs. Catálogo de la exposición que tuvo lugar durante el festival de Sitges comisariada por Borja Crespo. Multilingüe catalán/castellano/inglés. Ejemplar gratuito.
LIBRO JUEGO
– The Game – El joc de preguntes sobre Sitges i el cinema fantàstic
Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges/Patronat Municipal de Turisme de Sitges, 1994. Cartoné, A5. Edición Trilingüe: castellano/catalán/inglés.
LIBROS
Diversos han sido los sellos editoriales que han publicado bajo el auspicio del Festival de Sitges. Todos los libros que vamos a enumerar se pusieron tanto a la venta durante el festival como posteriormente en librerías, una costumbre que se inició en 1985 adquiriendo cierta continuidad hasta la actualidad.
1985
– Terrores Íntimos
Autor: VV.AA. Edita: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Impreso en Gráficas 82. Tapa blanda con solapas, A5, 185 págs.
Primero de una serie de tres libros en los que varios colaboradores del festival escogían y comentaban de manera informal sus películas favoritas. Se publicó este primer tomo centrado en el cine de terror y la intención era que fuera seguido al año siguiente por otro dedicado al fantástico y, ya en 1987, un último centrado en la Ciencia Ficción, aunque finalmente tan solo se llegó a editar este.
1992
– 25 anys. Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges
Autor: VV.AA Coordinado por Jordi Batlle Caminal. Edita: Patronat Municipal Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Tapa blanda con solapas, 24×22, 272 págs. Edición limitada de 1500 ejemplares para el certamen y 1000 más destinados a la distribución comercial. Edición bilingüe catalán/castellano.
1997
– David Lean & Karel Zeman
Autor: Sergi Sánchez y Artur Amorós. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 143 págs.
Con este libro se inicia una colaboración entre el festival y la editorial Paidós Ibérica, que se prolongará hasta 2003. Todos los libros de esta editorial se publicarán simultáneamente en castellano y catalán
1998
– Alain Resnais: viaje al centro de un demiurgo (Edición en castellano. Colección Paidós Comunicación 102 Cine)
– Alain Resnais: viatge al centre d’un demiürg (Edició en català)
Autor: VV.AA. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 23×15, 256 págs.
Publicado coincidiendo con la retrospectiva de Sitges 98-Festival Internacional de Cinema de Catalunya dedicada a la filmografía de Alain Resnais.
1999
– Profondo Argento. Retrato de un maestro del terror italiano (Edición en castellano. Colección Paidós Comunicación 108 Cine)
– Profondo Argento. Retrat d’un Mestre del terror italià (Edició en català)
Autor: VV.AA. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 23×15, 268 págs.
Publicado coincidiendo con la retrospectiva de Sitges 99-Festival Internacional de Cinema de Catalunya dedicada a la filmografía de Dario Argento.
2000
– El tiempo del héroe. Épica y masculinidad en el cine de Hollywood (Edición en castellano. Colección Paidós Comunicación 122 Cine)
– El temps de l’heroi. Èpica i masculinitat en el cinema de Hollywood (Edició en català. Colección Paidós Cine)
Autor: Núria Bou y Xavier Pérez. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 23×15, 234 págs.
2001
– Vida secreta de las sombras. Imágenes del fantástico en el cine francés (Edición en castellano. Colección Paidós Comunicación 131 Cine)
– Vida secreta de les ombres. Imatges del fantàstic en el cinema francés (Edició en català. Colección Paidós Cine)
Autor: Gonzalo de Lucas. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 23×15, 294 págs.
– Imágenes para la sospecha: falsos documentales y otras piruetas de la no-ficción
Autor: VV.AA Edición a cargo de Jordi Sánchez-Navarro y Andrés Hispano. Edita: Glénat. Rústica, 21×14, 174 págs.
– El Giallo italiano. La oscuridad y la sangre
Autor: VV.AA. Edición a cargo de Antonio José Navarro. Edita: Nuer Ediciones. Rústica, 20×13, 336 págs.
2002
– Fantipodas. Una Aproximación Al Cine Fantástico Australiano y Neozelandés (Edición en castellano. Colección Paidós Comunicación 140 Cine)
– Fantipodes. Una aproximació al cinema fantàstic australià i neozelandés (Edició en català. Colección Paidós Comunicación Cine)
Autor: VV.AA. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 23×15, 222 págs.
– La Nueva carne. Una estética perversa del cuerpo
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 006, 14×21, rústica con solapas, 400 págs.
Con este título, la emblemática editorial Valdemar entra en juego colaborando con algunos de los títulos más interesantes ofrecidos con relación al festival de Sitges.
– Nosferatu. Revista de cine 41-42 Euro-Western
Autor: VV.AA. Edita: Donostia Kultura con la participación del Festival de Cinema Fantàstic de Sitges. Editado con motivo de la retrospectiva dedicada a este género. Rústica, 21×30, 298 págs.
2003
– El principio del fin. Tendencias y efectivos del novísimo cine japonés (Edición en castellano. Colección Paidós Comunicación 150 Cine)
– El principi de la fi. Tendències i efectius del novíssim cinema japonés (Edició en català. Colección Paidós Comunicación Cine)
Autor: VV.AA. Edita: Paidós Ibérica. Rústica, 23×15, 280 págs.
– El día del niño
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Rubén Lardín. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 009. Rústica con solapas, 14×21, 352 págs.
– Mondo Macabro: El cine más alucinante y extraño del planeta
Autor: Pete Tombs. Edita: Círculo Latino. Rústica, 23×29, 240 págs. con numerosas ilustraciones a todo color. Todo un festín de cine fantástico y de terror extraño proveniente de lugares tan exóticos como Pakistán, Turquía, Indonesia y Filipinas, pero también Hong-Kong, Japón y Brasil, entre otros. Una lectura imprescindible para los más inquietos y desprejuiciados lectores y demás buscadores de gemas ocultas que adaptaba y ampliaba el tomo original publicado por Brainiac Books en 1997.
2004
– Sam Raimi. De la transgresión al neoclasicismo
Autor: VV.AA. Edita: Calamar Editores. Rústica con solapas, 19×13, 176 págs.
2005
– Tiburón ¡Vas a necesitar un barco más grande! El Filme que cambió Hollywood
Autor: Ángel Sala. Edita: Círculo Latino. Rústica, 23×29, 141 págs.
– Johnnie To. Redefiniendo el cine de autor
Autor: VV.AA. Edita: CineAsia. Rústica, 21,7×14,4, 212 págs.
– Diez Años de Terror Asiático: 1995-2005 (Hong Kong, Japón, Corea del Sur)
Autor: VV.AA. Edita: CineAsia. Rústica, 21,7×14,4, 254 págs.
– Freaks en acción, Álex de la Iglesia o el cine como fuga
Autor: Jordi Sánchez-Navarro. Edita: Calamar Ediciones. Rústica con solapas, 19×13, 192 págs.
2006
– Universo Lynch
Autor: VV.AA. Edita: Calamar Editores. Rústica, 19×13, 176 págs.
– Europa imaginaria. Cinco miradas sobre lo fantástico en el Viejo Continente
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro y Ángel Sala. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 016. Rústica con solapas, 14×21, 192 págs.
2007
– American Gothic. El cine de terror USA 1968-1980
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Donostia Cultura- Festival de Cinema Fantàstic de Sitges. Rústica con solapas, 17×24, 414 págs.
– El demonio en el cine. Máscara y espectáculo
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 018. Rústica con solapas, 14×21, 760 págs.
– Sitges 1968-2007. Viaje alucinante. Historia de un festival en 100 carteles
Coordinado por Antonio José Navarro. Edita: Notorious Ediciones. Rústica con solapas, 20,5×29,5, 223 págs. Edición trilingüe: catalán, castellano e inglés.
2008
– El cine de ciencia ficción. Explorando mundos
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 020. Rústica con solapas, 14×21, 752 págs. La presente edición es producto de una colaboración entre el Festival de Sitges y Fanzine (XVIII Festival de Cine Fantástico -Universidad de Málaga)
– King Kong, 75 años después
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 021. Rústica con solapas, 14×21, 176 págs.
2009
– Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 022. Rústica con solapas, 14×21, 272 págs.
2010
– Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror gótico
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Antonio José Navarro. Edita: Valdemar. Colección Intempestivas 023. Rústica con solapas, 14×21, 456 págs.
2011
– The Twilight Zone
Autor: VV.AA. Edita: ScifiWorld. Rústica con solapas, 24×17, 432 págs.
2012
– Neoculto. El libro definitivo sobre cine de culto
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Ángel Sala y Desirée de Fez. Edita: Calamar Ediciones. Rústica con solapas, 24×17, 224 págs.
2013
– Takashi Miike. La provocación que llegó de Oriente
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Ángel Sala y Desirée de Fez. Edita: Calamar Ediciones. Rústica con solapas, 24×17, 148 págs.
2014
– Pantalla Rasgada. Quince conversaciones con cineastas y escritores sobre sueños y cine
Autor: Desirée de Fez y Jordi Sánchez-Navarro Edita: Arkadin Ediciones. Rústica con solapas, 17×24, 272 págs.
2015
– Seven. Los pecados de David Fincher
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Desireé de Fez. Edita: Tyrannosaurus Books. Rústica con solapas, 15×21, 205 págs.
– Taboada
Autor: VV.AA. Edita: Tyrannosaurus Books. Rústica con solapas, 15×21, 162 págs. Este libro inauguraba una colección de libros editados por la sección Brigadoon del festival y contó con la colaboración del Mórbido Fest de México.
2016
– El imperio del miedo: el cine de horror norteamericano post 11-S
Autor: Antonio José Navarro. Publica: Valdemar. Colección Intempestivas 028. Rústica con solapas, 14×21, 528 págs.
– Donde nadie ha llegado antes
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro y Luís M. Rosales. Publica: Tyrannosaurus Books. Rústica con solapas, 15×21, 312 págs.
– Red Planet Marx: la conquista soviética del espacio
Autor: VV.AA. Edición coordinada por Ángel Sala, Desirée de Fez y Luís M. Rosales. Publica: Tyrannosaurus Books. Rústica con solapas, 15×21, 147 págs.
2017
– 50 Sitges. 50 festival internacional de Cinema Fantastic de Catalunya
Autor: VV.AA. Edita: Fundació Sitges. Tapa dura sin sobrecubierta, 241 págs.
2018
– Michele Soavi. Cineasta de lo macabro
Autor: VV.AA. Edita: Hermenaute. Colección Janus. Edición coordinada por Diego López. Rústica con solapas, 15×21, 174 págs.
2019
– Apocalypse Domani. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia ficción (1977-1990)
Autor: VV.AA. Edita: Hermenaute. Colección Janus. Edición coordinada por Ángel Sala. Rústica con solapas, 15×21, 260 págs.
CON EL FESTIVAL COMO ESCENARIO
Finalmente, y a modo de curiosidad, incluimos dos novelas escritas con el Festival de Sitges como telón de fondo.
– Festival de terror
Autor: Manuel Quinto. Publica: Timun Mas (1988). Rústica, 13×20, 300 págs. Publicado en edición catalana y castellana.
Sinopsis: El festival de Sitges ha comenzado. Stanley Hyde, actor de films de terror, no sabe que su vida ya ha sido puesta a precio.
– El Festival Maldito
Autor: Monica Parra Edita: Createspace Independent Publishing Platform, United States (2019) Rústica, 160 págs.
Sinopsis: La celebración de la edición número cuarenta y dos del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges se ve alterada por las amenazas anónimas de un fanático obsesionado con el séptimo arte. Pronto la prensa se hace eco de la noticia y bautiza al desconocido autor de dichas intimidaciones como «el loco cinéfilo.»Al contrario de lo que opina Richard Sedano, director del festival, el retrato psicológico trazado por la policía caracteriza a la persona que se esconde detrás de los inquietantes mensajes como peligrosa y retorcida. Por ello, el inspector Ignacio Aguilera deberá descubrir y detener al culpable antes de que sea demasiado tarde. La clave para la resolución del caso, sorprendentemente, no procederá de su labor policial, sino de su propia hija, Cata, una gran aficionada al cine fantástico, al igual que sus amigos Eduard, Fer, Silvia y Nico.
Cartel y el tráiler en español de THE BOY. LA MALDICIÓN DE BRAHMS
Cartel y el tráiler en español de THE BOY. LA MALDICIÓN DE BRAHMS, que llegará a nuestras pantallas el próximo 9 de abril.
THE BOY. LA MALDICIÓN DE BRAHMS es la secuela de la película independiente estrenada en 2016. El director William Brent Bell (The boy, Devil Inside) y la guionista Stacey Menear vuelven a ponerse tras las cámaras y el guion en esta nueva entrega. Katie Holmes (‘Batman Begins’) será la encargada de enfrentarse al siniestro Brahms, junto con Ralph Ineson (Chernóbil), Owain Yeoman (Emergence, El Mentalista) y Christopher Convery (Millennium: lo que no te mata te hace más fuerte).
Guillermo del Toro comienza el rodaje de «Nightmare Alley» para Searchlight Pictures
Photo by NINA PROMMER/EPA-EFE/REX/
Searchlight Pictures ha anunciado el inicio del rodaje de NIGHTMARE ALLEY esta semana en Toronto, Canadá. La película está protagonizada por Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman y David Strathairn.
Guillermo del Toro dirige NIGHTMARE ALLEY cuyo guion ha coescrito con Kim Morganhis, una historia que ya fue adaptada en 1947 y estrenada en nuestras pantallas como El callejón de las almas perdidas (Edmund Goulding). El propio Guillermo Del Toro y J. Miles Dale producen la película. La cinta está basada en la novela de William Lindsay Gresham. La película será supervisada por los Presidentes de Producción de Cine y Televisión de Searchlight Pictures, David Greenbaum y Matthew Greenfield y por el Vicepresidente Senior DanTram Nguyen.
El director y guionista Guillermo del Toro ha declarado: «Estoy entusiasmado de poder contar con este extraordinario reparto. Kim Morgan y yo hemos trabajado con enorme pasión para llevar a la pantalla el mundo oscuro y siniestro de William Gresham y a partir de ahora estaremos acompañados por un excelente grupo de artistas y técnicos que ayudarán a darle vida”.
“Dada la profundidad de este maravilloso reparto, me siento un privilegiado por trabajar con todos ellos y contar además con el apoyo de nuestros magníficos socios de Searchlight. Será maravilloso ver a estos actores de primera fila y a Guillermo superar sus límites en esta nueva interpretación de la novela fundamental de Gresham”, declaró el productor Dale.
En NIGHTMARE ALLEY, un joven y ambicioso feriante (Bradley Cooper) con un innegable talento para manipular a la gente con unas pocas palabras bien elegidas, se compincha con una psicóloga (Cate Blanchett) que es aún más peligrosa que él.
El reparto incluye a la empleada de feria Molly (Rooney Mara), al charlatán de feria Clem (Willem Dafoe) y a Ron Perlman como Bruno el Forzudo. Richard Jenkins interpreta al rico industrial Ezra Grindle, miembro de la alta sociedad.
“Es un honor y un privilegio volver a colaborar con Guillermo. Ha reunido a un magnífico grupo de actores y talentos creativos para formar un auténtico dream team que le ayudarán a llevar a la gran pantalla su singular visión de “NIGHTMARE ALLEY”, en palabras de Greenbaum y Greenfield.
El equipo creativo de Del Toro está formado por sus colaboradores habituales como es el caso del diseñador de vestuario Luis Sequeira (LA FORMA DE AGUA, MAMÁ); el director de fotografía Dan Laustsen, ASC, DFF (LA FORMA DE AGUA, JOHN WICK: CAPÍTULO 3 – PARABELLUM); el supervisor de efectos visuales Dennis Berardi (LA FORMA DE AGUA, LA CUMBRE ESCARLATA); la diseñadora de producción Tamara Deverell (“Star Trek: Discovery”, “The Strain”); y el montador Cam McLauchlin (LA FORMA DEL AGUA, “The Strain”). Searchlight distribuirá la película en todo el mundo.
La tercera edición de Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona se celebrará del 12 al 21 de marzo
En total, 15 largometrajes componen la programación, la mayoría inéditos en Cataluña, de la tercera edición de Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona que se celebrará del 12 al 21 de marzo. Se trata de una cuidada selección proveniente de diversos países de habla 
francófona como son Francia, Bélgica, Suiza, Canadá, Argelia, Marruecos o Túnez. Además, la mitad de la programación seleccionada está dirigida por mujeres.
El festival acoge también una retrospectiva dedicada a la actriz francesa Nathalie Baye, madrina de esta tercera edición, quien además de ofrecer una Master Class estará presente en varios eventos del festival.
En esta tercera edición se entregarán tres premios: Premio del Jurado, compuesto por profesionales de diferentes ámbitos del sector cinematográfico, Premio del Jurado Joven, formado por jóvenes de Barcelona entre los 18 y los 25 años y Premio del Público.
La mayoría de las películas se podrán ver en el Instituto Francés, sede principal del festival. Como novedades este año, la inauguración se celebrará el jueves, 12 de marzo a las 20h en el cine Phenomena Experience (c/ Sant Antoni Maria Claret, 168) y una sesión de la Retrospectiva dedicada a Nathalie Baye se proyectará en la Filmoteca de Catalunya.
Todas las películas estarán subtituladas en castellano o catalán.
AVANCE DE LA PROGRAMACIÓN
Entre las películas seleccionadas se incluyen entre otros, los siguientes títulos:
–PAPICHA, de Mounia Meddour (Argelia). Opta a 2 premios César: Opera prima, Mejor Actriz Revelación (Lyna Khoudri).
Es un resplandeciente himno a la libertad.
Sinopsis: Argelia, 1997. Nedjma es una estudiante universitaria que intenta que los acontecimientos de la guerra civil que empiezan a ocurrir a su alrededor no le impidan vivir una vida normal: salir de noche con su mejor amiga Wassila y vender vestidos hechos por ella en los baños de las discotecas. Mientras la sociedad se vuelve más conservadora, ella decide luchar por su libertad e independencia organizando con sus amigas un desfile de moda en la Universidad que desafía todas las normas establecidas.
Festivales y Premios: Seleccionada en Un Certain Regard-Festival de Cannes 2019, Mejor Nuevo Director y Premio del Público en el Festival de Valladolid – Seminci 2019, Seleccionada por Argelia como Mejor Película de habla no inglesa para los Oscars
–ANTIGONE, de Sophie Deraspe (Canadá).
Una Antígona de los tiempos modernos: ¡imprescindible!
Sinopsis: A pesar del drama que rodea la inmigración de su familia, Antigone se ha adaptado bien a la vida norteamericana. Con su hermana Ismene, sus hermanos Eteocles y Polynices, y su abuela Menoeceus, la adolescente vive una vida modesta pero relativamente tranquila en un barrio obrero de Montreal. Pero la tragedia golpea de nuevo a la familia. Antigone decidirá ayudar a su hermano evadirse de la cárcel y enfrentarse al sistema judicial. A la ley de los hombres, ella prefiere su proprio sentido de la justicia, dictado por el amor y la solidaridad. Una adaptación imprescindible de la tragedia de Sófocles.
Festivales y Premios: Mejor película canadiense en el Festival de Toronto 2019, Seleccionada por Canadá como Mejor película de habla no inglesa para los Oscars
–ADORATION, de Fabrice du Welz (Bélgica, Francia)
Un relato onírico sobre el final de la inocencia, el amor y la locura
Sinopsis: Paul, un joven solitario, conoce a Gloria, la nueva paciente en la clínica psiquiátrica donde trabaja su madre. Enamorándose de esta adolescente problemática y soleada, Paul huirá con ella, lejos del mundo adulto…
Festivales: Festival de Locarno 2019, Premio Especial del Jurado y mejor fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges 2019
–ADAM, de Maryam Touzani (Francia, Bélgica)
Una ópera prima sutil y conmovedora sobre la necesidad de apoyarse entre las mujeres en una sociedad que no mira hacia ellas.
Sinopsis: Abla regenta una humilde pastelería en su propia vivienda de Casablanca, donde vive sola con Warda, su hija de 8 años. Su rutina, dictada por el trabajo y las labores domésticas, se ve un día interrumpida cuando alguien llama a su puerta. Se trata de Samia, una joven embarazada que busca empleo y techo. A la pequeña le atrae la recién llegada desde el primer momento, pero la madre se opone inicialmente a acoger a la extraña en su casa. Poco a poco, sin embargo, la determinación de Abla va cediendo y la llegada de Samia les abre a las tres la posibilidad de una nueva vida.
Festivales: Seleccionada en Un Certain Regard – Festival de Cannes 2019, Seleccionada por Marruecos como Mejor película de habla no inglesa para los Oscars
–CEUX QUI TRAVAILLENT, de Antoine Russbach (Suiza, Francia, Alemania, Bélgica)
Una reflexión impactante sobre la sociedad actual con una interpretación magistral de Olivier Gourmet
Sinopsis: Frank dedica su vida al trabajo. No importa el lugar o las circunstancias, va sea de día o de noche, siempre está al teléfono, administrando buques de carga para grandes empresas. Pero como sucede a menudo en la actualidad, Frank es despedido abruptamente y mientras descubre que ha sido traicionado por un sistema al que entregó su vida, trata de salvar el último vínculo que aún le importa, el de su hija Mathilde.
Festivales y Premios: Festival de Locarno 2018. Premio a Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Actriz de reparto en los Premios del Cine Suizo
–NOTRE DAME, de Valérie Donzelli (Francia, Túnez, Bélgica, Francia)
Un cuento moderno lleno de fantasía homenaje a la Ciudad de la Luz y al cine de Jacques Démy
Sinopsis: Maud Crayon es nacida en los Vosgos, pero reside en París. Es arquitecta, madre de dos hijos y, en un enorme malentendido, acaba de ganar un proyecto del ayuntamiento de París para reestructurar la explanada de la catedral de Notre-Dame… Entre este nuevo trabajo, un amor de juventud que aparece de pronto y el padre de sus hijos a quien no consigue dejar del todo, Maud Crayon vive momentos caóticos. Un caos al cual se enfrentará para afirmarse y liberarse.
Festivales: Festival de Locarno 2019.
RETROSPECTIVA NATHALIE BAYE
La actriz francesa Nathalie Baye será la madrina de la 3ª edición del festival y a ella se le dedicará una retrospectiva de varios títulos, entre ellos:
-Una relación privada, de Frédéric Fonteyne, que se proyectará en la Filmoteca de Cataluña (Plaça de Salvador Seguí, 1). Por su papel en esta película recibió la Copa Volpi a la Mejor Actriz en la Mostra de Venecia en 1999. La sesión será presentada por Nathalie Baye y Sergi López, protagonistas de la película.
-Le petit Lieutenant, de Xavier Beauvois, ganadora de 4 premios César en 2006 (Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actor). Se proyectará en el Instituto Francés (c/ Moià, 8) y será presentada por Nathalie Baye.
Nathalie Baye es una de las grandes actrices del cine francés. Su carrera abarca más de 100 títulos en 47 años de profesión. Posee una carrera ecléctica donde se incluye cine de autor como cine más popular. Ha trabajado con autores como François Truffaut, Maurice Pialat, Claude Sautet, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Steven Spielberg o Xavier Dolan.
En su palmarés figuran 4 premios César, el galardón más importante de la Academia del Cine Francés: Le Petit Lieutenant, 2005; La Balance- (El Membrillo), 1982; Une étrange affaire, 1981; Sauve qui peut (la vida)- (Salve quien pueda, la vida),1980. Ha sido candidata a este premio en seis ocasiones más.
Tiene también una Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia (Una relación privada, 1999) y una Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián (Mon fils à moi- Mi hijo), 2006).
Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona es el primer festival de Barcelona dedicado al cine francófono y toma su nombre de la característica locución francesa que se utiliza para expresar sorpresa, nostalgia o alegría y alude a la magia del cine y a la variedad de emociones que este es capaz de evocar en el espectador.
En la pasada edición del festival, apadrinada por la actriz, guionista y directora francesa Agnès Jaoui, acudieron 3.100 espectadores, un 24% más que en la edición anterior, con un mismo número de sesiones.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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