Tercera entrega de la colección ‘VideoClub79’ ¡Más terror y Exploitation!
Tres nuevos títulos para añadir a la colección más salvaje de cine de género de culto. En edición limitada en DVD de 300 copias en venta exclusiva en la tienda el 79 y en su web. A la venta el 28 de marzo
SKINNED DEEP (Gabriel Bartalos, 2004) – DVD
USA. Guion: Peter Strietmann Música: David Davidson, Captain Sensible. VO Inglés 5.1 con subtítulos en castellano y catalán.
¡¡Y de regalo 4 cortometrajes de pura diversión en VHSvisión!! Pulso de Javier Perea, Calçot attack!» de Jacint Espuny, Calçot attack: Barcelona de Carles Hortolà y La pizza asesina de J.C. Gallardo.
THE SUBLET(John Ainslie, 2015) – DVD
USA. Guion: Greg Biskup Música: Jeff Morrow VO Inglés 5.1 con subtítulos en castellano y catalán.
Reparto: Tianna Nori, Mark Matechuk, Krista Madison, Rachel Sellan, Porter Randell, James Murray, Liv Collins, Mark Ettlinger, Jeff Sinasac, Cameron Nash.
¡¡Y de regalo 4 cortometrajes de pura diversión en VHSvisión!! La familia infernalde Callahan Ruiz, Elixirde Javier Lozano, Cuando la niebla acecha de Jordi Romero y La mañana maldita de David Muñoz.
ESCORIA (Alan Clarke, 1979) – DVD
UK. Guion:Phil Meheux Audio: Inglés 5.1/castellano/catalán Subtítulos: castellano y catalán.
Reparto: Ray Winstone, Mick Forth, Julian Firth, John Blundell, Phil Daniels.
Y de regalo una “Maratón de trailers” con algunos de los próximos lanzamientos de Videoclub 79
Supersonic Man vuelve con… ‘Simon Says’
Supersonic Man vuelve a las páginas del cómic con una nueva entrega con guion y dibujos de Héctor Caño titulada Simon Says, en una edición muy limitada de 100 ejemplares firmados y numerados que no hay que perderse. Cine de culto y cómic de culto.
Los cómics que realiza Héctor Caño sobre Supersonic Man, como ya hemos dicho con anterioridad, son un acto de amor. Amor al cómic de superhéroes, pero también al cine. Ese cine fantástico y de terror humilde en medios, pero rico en imaginación, que se realizó en España durante los años setenta y ochenta. Y Juan Piquer Simón fue un director de esos. Un hombre orquesta y un visionario capaz de imaginar una infraestructura en Levante con la 
cual realizar cine de aventuras, fantasía y terror, “a la americana”. Un cine que pudiera exportarse sin sonrojo. Y todo eso lo hizo en un momento en el cual el cine fantástico y de género se había extinguido y tan solo unos pocos francotiradores se jugaban su patrimonio personal para continuar haciendo lo que les gustaba. Así, Piquer Simón creó a Supersonic Man, el primer superhéroe cinematográfico autóctono, que cobró vida en el film homónimo de 1979, pero también dirigió cintas de terror como Mil gritos tiene la noche (1982) o Slugs, muerte viscosa (1988); de ciencia ficción como La grieta (1990) y Los nuevos extraterrestres (1983); y diversas adaptaciones del universo de Julio Verne, como Viaje al centro de la tierra (1977) o Los diablos del mar (1982).
Pues bien, Héctor Caño ha mezclado el universo de J.P. Simón y el suyo propio, añadiendo diversos homenajes al cómic español y ha lanzado, junto a José María Gil Gil, el entrañable Txemita, responsable del fanzine Neutrón, un nuevo cómic centrado en el superhéroe español. Un cómic del que tan solo saldrá un centenar de copias a la venta. 100 ejemplares para 100 seguidores de este personaje que podrán escoger entre ¡15 variantes de portada! Varias de ellas ilustradas por Héctor Caño, pero otras por Cels Piñol, Paco Alcázar o Sanchís, dibujante de la primera colección que se editó sobre el personaje.
De sus páginas destaca la evolución en el dibujo de Caño, así como la elegante distribución de las viñetas y las espectaculares splash pages, todo ello realizado del mismo modo que el precedente Un hombre solo contra España (2019): a lápiz y entintando, tan solo, las “masas de negro”, tal y como especifica su autor aunque, repetimos, el resultado es significativamente mejor
El cuaderno, que continúa el anterior mencionado, consta, al igual que aquel, de dos historietas: Simon Says, protagonizada por Supersonic Man y otra que transcurre en el Siglo XXXV a más de 30.000 millones de años luz de distancia y que está protagonizada por Silencio (otra encarnación de Supersonic Man) y Fantastika, Supersonic Girl, un personaje creado por Juan Piquer Simón con la colaboración del histórico ilustrador Jano, que realizó el dibujo con el objetivo de promocionar un proyecto que, por desgracia, no llegó a materializarse. Esta segunda historieta está realizada por Grego Pulp utilizando técnicas y herramientas digitales
En la primera aventura se presenta al lector un nuevo personaje, antagonista para Supersonic Man, que está extraído también del imaginario del cineasta valenciano, Pieces, referencia directa al nombre que recibió en Estados Unidos la película Mil gritos tiene la noche, un salvaje slasher repleto de sangre y artesanales, pero efectivos, trucos. Rodada en plena fiebre por el subgénero, la película se encuentra entre las favoritas de directores especializados en el género como Eli Roth. Pero la referencia al universo Piquer Simón no se queda en el nombre del personaje, también el aspecto está basado en uno de los carteles promocionales del film, el que mostraba a un personaje similar al clásico La Sombra, tan similar que el dibujo se corresponde a una ilustración de Mike Kaluta, Master of Men (1976). La diferencia es que el personaje de Piquer Simón blandía una motosierra, una herramienta que tiene gran protagonismo en Mil gritos tiene la noche, y no precisamente para podar árboles. Aunque en el caso del cómic 
de Héctor Caño servirá para arrancar las malas hierbas, pues Pieces, armado con su motosierra, despedaza a varios críticos, productores, profesionales del cómic y todo aquel que habló mal del cine de Juan Piquer Simón, así que el Comisario Dan le encargará a Supersonic Man que investigue quién puede ser el asesino. Este Comisario Dan es un claro referente al Inspector Dan, personaje que comenzó su andadura en los años cuarenta dibujado por Eugenio Giner con guiones de Rafael González Martínez y otros autores, guiño-homenaje de Caño a los personajes del cómic clásico español, una práctica habitual en sus cómics. Con todo, Héctor Caño ha hecho suyo el personaje, pero sin dejar de respetar su esencia. Ha creado alrededor suyo un universo propio que ha mezclado con el del film de Piquer Simón ofreciendo al lector un Supersonic Man más poderoso que nunca y que, aún así, estará en serios aprietos cuando deba enfrentarse a su propia némesis.
Y no queremos desvelar más. Tan sólo añadir que la edición en preventa ya está agotada.
Nosotros, por supuesto, ya tenemos reservado el nuestro.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 15 de marzo de 2024 *
EL CLAN DE HIERRO (The Iron Claw, Sean Durkin, 2023)
UK/USA. Duración: 130 min. Guion: Sean Durkin Música: Richard Reed Parry Fotografía: Mátyás Erdély Compañías: BBC Film, Access Entertainment, House Productions, A24. Distribuidora: A24 Género: Drama
Reparto: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Maura Tierney, Stanley Simons, Holt McCallany, Lily James, Cazzey Louis Cereghino, Jim Gleason, Jullian Dulce Vida, Kevin Anton, Michael Harney, Aaron Dean Eisenberg
Sinopsis: Basada en la increíble historia de los hermanos Von Erich, que se convirtieron en mitos de la lucha libre a principios de la década de los 80. Bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, Kevin (Zac Efron), Kerry (Jeremy Allen White), David (Harris Dickinson) y Mike (Stanley Simons) alcanzarán la gloria y serán golpeados por la tragedia, pero su amor fraternal estará siempre por encima de todo.
Pudiera parecer que algo tan, en principio, poco atrayente como la historia de una saga familiar de practicantes de lucha libre, poseedores de unos, cuanto menos, singulares tocados capilares y ambientada en Texas durante los años menos glamourosos del siglo XX, no pudiera resultar interesante, pero nada más lejos de la realidad, pues, El clan de hierro, absurdo título que adapta el original La garra de hierro (The Iron Claw) en referencia a la técnica favorita del patriarca de la familia, Fritz Von Erich, es un drama sobre la frustración de un padre, luchador, cuyos objetivos de triunfo nunca se cumplieron y que buscará hacerlo por medio de sus cuatro hijos. Cuatro jóvenes muy unidos, que lucharán por ser el favorito de su benefactor y conseguir lo que con tanto ahínco quiere poseer el pater familias: el cinturón de campeón mundial de pesos pesados. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de ese dominante padre, que además es su férreo entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.
En manos de otro autor, sus hazañas en la lona quizás hubieran sido material para la exaltación de los valores del esfuerzo deportivo, vinculándolos, a la menor oportunidad, con los ideales de la nación americana, habrían compuesto un biopic deportivo a mayor gloria de los Von Erich, pero Sean Durkin, nuevamente, no desperdicia la ocasión para bucear en los aspectos más oscuros de la naturaleza humana. En el extremo opuesto del cantar de gestas, El clan de hierro es una crónica anti-épica que nos conduce por los rincones del éxito mostrando los puntos más enajenados, los vericuetos de la obsesión por una victoria vicaria, la de los hijos, que haga justicia a los méritos propios, los del padre. Un padre que actúa en la vida como en el ring, sometiendo sin piedad, contagiando el virus del orgullo, como un sargento de hierro que arenga a la tropa para henchir sus ánimos y arrojarlos a la batalla, a la muerte. En la cara visible de esa luna se proyecta la luz de la fortaleza, porque son fuertes los respetarán, pero en su cara oculta se esconde su reverso desapiadado, la oscuridad de la implacabilidad que menosprecia cualquier resquicio de humanismo.
Fritz Von Erich inocula en sus vástagos el germen del culto a la fuerza, sólo lo inquebrantable es admirable, el único sentimiento que ha de adornar a un hombre es el de la competitividad, el de la aspiración al máximo, un máximo que él no alcanzó, pero que a ellos no se les resistirá. Pero como si ese sueño incumplido fuera una maldición, poco a poco la desgracia se ceba en los hermanos, la muerte los irá visitando de a uno en uno. Para el patriarca de los Von Erich, ni siquiera eso es obstáculo, dónde no haya llegado uno de ellos, otro lo hará, actúa como si sus hijos fueran peones a sacrificar con tal de recuperar la dama. La madre, porque también hay una madre, apenas hace contrapeso, aunque mujer de carácter, no se interpone, se limita a inculcar 
los valores de la fe. Poca ayuda puede brindar cuando ella misma ha pospuesto sus sueños y anhelos frente a los del esposo. La muerte de los hijos para ella tiene el valor del martirio. Hasta que la cuerda se tense en exceso.
Todo lo vemos a través de los ojos de Kevin Von Erich, el mayor de la saga. Ser el primogénito no le da privilegios sobre el favor del padre, en realidad, será el último en aspirar al preciado cinturón de campeón. Ser el primogénito redobla la presión. Ser el primogénito le pone en una posición de cuidado hacia sus hermanos. Ser el primogénito le hace consciente hasta la duda. Es el primogénito y será el superviviente. Ser el superviviente le da la responsabilidad de Matar al Padre, psicoanalíticamente hablando. Y no le dará muerte con el puño, eso sería darle la razón, le matará con la ternura. Dejará en herencia a los suyos las lágrimas que habrán de deshacer la maldición de los Von Erich.
El clan de hierro cuenta con las magníficas interpretaciones de Zac Efron (High School Musical, El gran showman), Jeremy Allen White (The Bear, Shameless), Harris Dickinson (El triángulo de la tristeza) y Stanley Simons (Little America), además de Lily James (Baby Driver), Maura Tierney (The Affair) o Holt McCallany (Mindhunter). El clan de hierro, dirigida por Sean Durkin, ha sido uno de los estrenos más taquilleros de 2023 en Estados Unidos, alcanzando casi 40 millones de dólares, y es el estreno de A24 mejor valorado de su historia según la empresa de estudios de mercado CinemaScore.
HOW TO HAVE SEX (Molly Manning Walker, 2023)
UK. Duración: 91 min. Guion: Molly Manning Walker Música: James Jacob Fotografía: Nicolas Canniccioni Compañías: British Film Institute, Film4 Productions, Wild Swim Films. Distribuidora: Film4 Productions Género: Drama
Reparto: Mia McKenna-Bruce, Samuel Bottomley, Lara Peake, Enva Lewis, Daisy Jelley, Eilidh Loan, Shaun Thomas
Sinopsis: Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas.
En 1907, la joven británica Lucy Honeychurch y su carabina, su prima solterona Charlotte Bartlett, pasan unas vacaciones en Florencia. En la pensión en la que se hospedan durante el viaje conocerán al señor Emerson y a su hijo George, que muy amablemente les cederán sus habitaciones para que disfruten de las vistas de la ciudad. La suya es la historia de una joven que despierta al mundo y que termina por asumir sus propios anhelos más íntimos, tras engañarse tanto a sí misma como a la sociedad que la rodea. El viaje al sur como proceso iniciático de descubrimiento y liberación. Más de cien años después, en 2023, la británica Tara también viaja al calor, a Malia (Creta), con sus mejores amigas, en busca de culminar el fin de la adolescencia en un rito de paso tocado por el desfase etílico y la explosión erótica. La suya también es la historia de una joven que despierta al mundo, pero el suyo es un despertar brusco y amargo que termina por confundir y decepcionar. El viaje al sur sigue siendo un proceso de descubrimiento, pero ya no es liberador.
El siglo que separa a la protagonista de Una habitación con vistas de la de How to Have Sex ha supuesto un torrente de cambios vertiginosos que, derrocando corsés castradores en su haber positivo, también ha provocado desconcierto y pérdida de suelo. “Hay un enorme vacío en los jóvenes. No saben lo que es el placer, el consenso o las relaciones sexuales gratificantes”, reflexiona la debutante Molly Manning Walker, que parte de mimbres autobiográficos para tejer su ficción. La idea para la película se le ocurrió a Walker tras rememorar con algunos amigos el verano previo a la universidad en el que viajaron a España para salir de fiesta (un ritual, que ella misma comenta, es muy común entre los británicos). El ambiente sexualmente desinhibido marcó mucho su recuerdo y el de sus amigos, y se refleja en el filme: si la presión sobre la heroína de Forster/Ivory era reprimir los impulsos de su libido, Tara está en el extremo opuesto, su virginidad le quema, en gran medida porque todo en su entorno la apremia para desprenderse de ella. La liberación sexual femenina tiene un punto de nominal, porque “hay tanto tabú alrededor del placer femenino, sobre el buen sexo para las mujeres. La tendencia es ‘hazlo y listo, no hablemos de ello’. Pero deberíamos hablar de ello, sobre cómo nos sentimos, cómo debería suceder”, en palabras de la directora. Sólo el diálogo, el hacer pedagogía si es necesario, permitirá encauzar a la adolescencia actual, llenar ese vacío en los jóvenes que, paradójicamente, aumenta en este mundo contemporáneo hiperconectado y, sobre todo, acelerado. How to Have Sex, en realidad, habla de cómo no debiéramos tener sexo, la directora lanza una mirada ingeniosa, matizada y, en última instancia, devastadora, sobre los entresijos de la amistad femenina y la sexualidad adolescente, una mirada que concluye que 
hemos de reorientar las prioridades y devolver las relaciones sexuales al caudal de “pasar un buen momento con el otro, involucrarse verdaderamente, relacionarse de una manera más profunda”. Y añadimos a las palabras de la autora, de nuestro propio cuño, que el sentimiento debe volver a sobreponerse al mero instinto.
Con un trabajo de cámara basado en no mirar nunca desde arriba a los personajes, en mantenerse siempre a la altura de su mirada, para que el espectador se sienta uno más del grupo y nunca se atreva a juzgarles de ninguna manera, comprendemos que How to Have Sex no pretende ser un ajuste de cuentas con ningún colectivo. Aunque puede decirse que hay una víctima, no hay plenos culpables, lo que impera es una dinámica voraz que arrastra a todos, incluso a los más negativos, a amoldarse a los roles que más reconocimiento creen que pueden darles. “Era muy importante para mí hacer una película que no dejara a los hombres fuera de la conversación, por eso queríamos mostrar que la presión social viene desde diferentes ángulos. También desde las mujeres”. Las leyes no escritas del comportamiento sólo pueden ser frenadas con el diálogo, y el debut de Walker busca hacernos conscientes de que hace falta encontrar las palabras que eviten el pacto de silencio sobre las malas experiencias, tanto entre ellos, como entre ellas. Solo sí es sí, reza el epítome de la ley, pero el consentimiento es algo mucho más lábil que una mera declaración binaria, al menos en las prácticas más comunes en las que no concurre una violencia expresa, menos extrema, sino el desentendimiento y falta de empatía absolutos sobre quien se ve forzada por la situación, coyuntural y estructural. Si sólo concurre el disfrute propio sin atender al goce del otro, menospreciando su deseo o ausencia de él, estamos adoptando un rol agresivo, aunque hayamos recibido un asentimiento verbal. El sexo es un juego a dos y la baraja ha de ser la misma. Más importante que el verbal, es el asentimiento gestual, porque podemos mentir con palabras, pero no con las respuestas del cuerpo. No hacen falta contratos, hace falta respeto. Tal vez estemos en el ocaso de la monogamia, tal vez eso sea bueno, pero, quizás por eso mismo, sea el mejor momento para volver a interrelacionar lo sexual y lo afectivo, sobre todo en los primeros contactos, para que no lleguen a ser traumáticos. Para que en el día después no haya turbación. Esa que siente Tara tras la noche del desenfreno, cuando la luz del sol barre la de los neones y de la fiesta sólo quedan las lágrimas.
Una inconmensurable Mia McKenna-Bruce encarna a Tara. La joven actriz logra capturar la esencia de una adolescente atrapada entre las expectativas sociales y sus propios anhelos, deseosa de encajar pero sin comprender completamente las implicaciones de sus acciones. Tara, con su gargantilla en la que leemos Angel, signo que da razón de su bendita inocencia, de su andar todavía de puntillas por el sendero de la vida, que resume los motivos que la hacen debatirse entre hablar o callar, entre repudiar o celebrar el sexo. Al final, el viaje a Malia sí será el viaje de su vida, porque cerrará una etapa, el grupo de amistades se dividirá, cambiará, habrán caído las máscaras, la mejor amiga será la peor compañía… El último verano. Ahora toca empezar lo nuevo con los pies totalmente en el suelo. En casa.
Los hondos méritos de esta opera prima han sido reconocidos con el Premio a la Mejor Película en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde sorprendió al público y prensa especializada y tres premios British Independent Awards (Mejor Interpretación Protagonista para Mia McKenna-Bruce, Mejor Interpretación de Reparto para Samuel Bottomley y Mejor Casting).
IMAGINARY (Jeff Wadlow, 2024)
USA. Duración: 104 min. Guion: Greg Erb, Bryce McGuire, Jason Oremland, Jeff Wadlow Música: Bear McCreary Fotografía: James McMillan Compañías: Blumhouse Productions, Lions Gate Films, Tower of Babble Entertainment. Distribuidora: Lionsgate Género: Terror
Reparto: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón, Betty Buckley, Matthew Sato, Suzette Lange, Dane DiLiegro, Brooklyn Majors
Sinopsis: Cuando Jessica vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice, su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano. En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, irán volviéndose más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se va volviendo más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.
La ganadora del Pulitzer en 1923, Willa Cather, afirmaba que “solo existen dos o tres historias humanas, pero se repiten con tanta insistencia que parece que nunca antes hubieran ocurrido”. Tal vez sea acientífico el concepto de Inconsciente Colectivo (en alemán kollektives Unbewusstes), pero es altamente eficaz para analizar el arte del narrar porque, como si efectivamente existieran un conjunto de estructuras compartidas entre los miembros de nuestra especie bajo la forma de instintos y arquetipos, es fácil demostrar que, a la hora de expresar nuestras fantasías, recurrimos a patrones, elementos y personajes que se repiten una y otra vez en la tradición, con sus múltiples variantes. Christopher Vogler en El viaje del escritor (1992 primera edición) explica que ningún autor está libre de la forma; incluso aquellos que basan su arte en el rechazo a cualquier tipo de principio, tradición o modelo son esclavos de ese mismo sistema del que pretenden liberarse, pues ellos también conocen y se miran en ese espejo, aunque sea para seguir otro camino. El arte de crear, aunque pueda ser una aventura solitaria, acaba siempre remitiendo al magma de lo colectivo, así, la originalidad, en buena medida, no es otra cosa que adoptar lo formalmente ya dado para adaptarlo a nuestra personalidad e interés, imprimir la huella propia en la arcilla de la tradición y obtener una obra nueva con el mismo molde intemporal. Crear no es repetir mecánicamente los esquemas, no es convertir lo formal en formulario, pero tampoco incurrir en la obsesiva búsqueda de la ruptura por la ruptura, de hecho, esa obsesión ni siquiera sería novedosa, por ese camino circularon y se agotaron las Vanguardias del siglo pasado; de otro modo, romper por romper ya forma parte de la tradición. Crear es saber de las estructuras y construir algo que siendo lo de siempre, es totalmente otro. Como quien hace castillos con piezas de Lego. Y toda esta larga perorata que acabamos de exponer no es otra cosa que el contrargumento con el que falsar el juicio (casi unánime) de la crítica respecto a la última película del artesano Jeff Wadlow, a la que tildan de amasijo de tópicos y clichés, como si eso fuera un delito nefando y bastara ya para enviarla de un plumazo al limbo de lo mediocre sin que hubiera que añadir nada más. Diciéndolo con una metáfora, es cierto que Imaginary no inventa el reactor de fusión nuclear comercial (ese Santo Grial moderno), sin embargo, quizás sí es lo suficientemente astuta como para reinventar la sopa de ajo, plato culinario modesto pero de alto valor para regular los niveles de colesterol, beneficiar la salud cardiovascular, proteger al sistema respiratorio, equilibrar los niveles de presión arterial y combatir todo tipo de infecciones. Y más aún, la sopa de ajo es una sopa de abuela fácil, estupenda y cremosa. Así, Imaginary es un manjar grueso que no aspira a estrellas Michelin, pero que sacia el hambre de relatos de miedo más efectivos que efectistas, aplicando bien, aderezados y sin estridencias, los lugares comunes del género. No es poco.
El primer lugar común al que se rinde la última producción Blumhouse es al eterno binomio niños-terror. El Séptimo Arte se ha recreado, desde antes del sonoro, en la infancia, sus pequeñas ilusiones, sus miedos, sus mentiras… Y el género de terror, ya desde las vueltas de tuerca de la literatura, es el que más partido ha sacado de todo tipo de infantes. Quizás porque no hay nada más sobrecogedor en imagen que un niño mirando a la cámara fijamente, perdido, sin palabras ¿Es malo? ¿Es bueno? ¿Es una víctima o un actor del mal? En Imaginary lo infantil concurre por partida doble: tenemos, de una parte, a Jessica (DeWanda Wise sosteniendo la mayor parte de la función), autora de relatos ilustrados para niños, que padece terrores nocturnos, pesadillas recurrentes que asocia a la separación brusca del momento feliz de sus cinco años; y, por otra, a Alice (Pyper Braun confirmando sus dotes en este su segundo largo), la menor de sus hijastras, una niña sensible que ha perdido la sonrisa tras la enfermedad de la madre. Ambas protagonistas verán paliadas sus angustias cuando se instalen en la casa donde Jessica vivió su niñez, la adulta porque sentirá que ha restablecido su pérdida, Alice porque proyectará su afecto sobre Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano de su nueva residencia. La infancia se nos aparece como el momento en el que nacen nuestros miedos, pero también la etapa en la que el desarrollo de la imaginación permite elaborar los duelos. El retorno a la Arcadia feliz en la que aún no había terrores (Jessica) y la transferencia de los sentimientos sobre el amigo imaginario (Alice) resultan
curativos. Al menos hasta que los juegos de la niña empiecen a tomar una deriva siniestra y se desencadene el giro de guion que revelará los secretos que encierra la casa y supondrá la irrupción de la hipótesis sobrenatural por encima de los desarrollos psicológicos. Un cambio de enfoque que no ha satisfecho a algunos críticos porque, ¡hay que ver! una película de terror que apuesta sin ambigüedades por la explicación fantástica, qué será lo próximo. Somos de la opinión de que la irrupción de lo preternatural en el último tercio no malbarata el dibujo emocional de los personajes y sus circunstancias, no hay antítesis entre lo uno y lo otro, ambas cosas estaban imbricadas en la voluntad de su autor, de hecho. Wadlow ha buscado transformar algunos de sus tropos de terror favoritos (una familia con problemas que se muda a una casa nueva/vieja, sótanos oscuros repletos de objetos olvidados que son poseídos por elementos siniestros) en una exploración evocadora, fantasmal y aterradora de las oscuras energías del trauma reprimido, la percepción y la realidad. Lo que introduce la variable fabulosa es la idea arquetípica del descenso al mundo especial como única vía posible para derrotar a los antagonistas, en un movimiento que supone una muerte simbólica del protagonista, paso necesario para que se produzca la transformación que habrá de permitir el regreso al entorno inicial, pero ya pacificado y libre de peligros.
Película de terror para toda la familia, Imaginary no acude a los tan manidos jump scares que pueblan las producciones actuales, al contrario, mima los efectos de sonido y el score como se hacía en los clásicos. Como Viaje del Héroe de manual que es, no innova, pero cumple con rigor el esquema de los cuentos maravillosos, esos que nos han enseñado a apreciar la fantasía como mejor vehículo para la resolución de los conflictos. Esos que tanto nos han gustado siempre.
Novedades Diábolo Ediciones marzo 2024
Tras un breve lapso de tiempo después del bombardeo de novedades de las últimas fiestas, Diábolo Ediciones retorna con renovadas fuerzas y nuevos lanzamientos enmarcados en el cine y la cultura popular: pulp a la española con ‘Pioneros en el espacio exterior‘; los Madelman vuelven en su última -hasta ahora- reencarnación con ‘El último Madelman. Popular de Juguetes, su historia‘; el séptimo arte y la literatura se dan la mano en ‘Diez Negritos y todo el cine de Agatha Christie‘; y por supuesto, Anime, con la tercera edición de ‘El castillo ambulante. Un corazón es una pesada carga‘. Y muy pronto…¡Vuelve el terror de EC Comics a Diábolo!
MÁS DETALLES E INFORMACIÓN EN: Diábolo Ediciones
Nuevas imágenes de ‘Civil War’ de Alex Garland
Nuevas imágenes de Civil War, la esperada película de acción dirigida por Alex Garland que llegará a los cines el próximo 19 de abril.
Sinopsis: En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos.
El visionario cineasta Alex Garland, artífice de películas convertidas en obras de culto como 28 días después (2002), Ex Machina (2014), Aniquilación (2018), y el nominado al Oscar® al mejor guion en 2016, promete deslumbrarnos con su nueva incursión cinematográfica.
Esta película de acción situada en una distopía cercana cuenta en su reparto con reputados actores de Hollywood como los nominados al Oscar® Kirsten Dunst (El poder de perro) y Jesse Plemons (Los asesinos de la luna), Wagner Moura (protagonista de la serie «Narcos»), Stephen McKinley Henderson (Dune) y la nueva musa de Sophia Coppola, Cailee Spaeny, ganadora de la Copa Volpi en el Festival de Venecia de 2023 por su papel en Priscilla. Por su parte, el nominado a un Globo de Oro Nick Offerman (Golpe a Wall Street) interpreta al Presidente de los Estados Unidos en este futuro dónde el país se encuentra profundamente fragmentado.
Producida por el oscarizado estudio A24 (Todo a la vez en todas partes, Vidas pasadas), CIVIL WAR se ha convertido en la primera gran película de acción de la compañía y en la producción con mayor presupuesto de toda su trayectoria.
El cineasta británico, Alex Garland, comenta la importancia de situar la historia en Norteamérica: «Estados Unidos es una potencia mundial y seguimos de cerca su política y sus elecciones porque sabemos que nos afectarán los resultados. Algunos países lo notarán en la economía, otros pueden verse inmersos en conflictos armados y otros correrán distinta suerte en función de todo tipo de factores basados en la política estadounidense».
«Es extremadamente difícil hacer una película de guerra que sea antibélica», apunta Garland, quién se ha esforzado por narrar la acción utilizando el lenguaje visual de las imágenes que estamos acostumbrados a ver en las noticias. «Ese lenguaje no es tan cinematográfico, sino más documental, por lo que nos ha permitido retratar la violencia de una forma más desgarradora. No hay encanto en una fosa común. No tiene nada de romántico».
El director: Alex Garland
La carrera de Alex Garland comenzó como novelista, con obras tan conocidas como La playa y Tesseract. Su primera incursión en el cine fue escribiendo el guion de 28 días después, dirigida por Danny Boyle (2002) y fue productor ejecutivo de su secuela, 28 semanas después (2007). Garland ha sido el responsable de los guiones de las películas Sunshine, Nunca me abandones y Dredd y del videojuego Enslaved: Odyssey to the West.
Debutó como director en 2015 con Ex Machina, por la que optó a un Oscar® a mejor guion original, además de obtener nominaciones a los premios BAFTA a mejor película británica y mejor debut de un director británico. En 2018 estrenó su segunda película como director y guionista, Aniquilación, basada en la novela de Jeff VanderMeer. En 2020 estrenó en FX la serie «Devs» y en 2022 llegó a las salas su tercer filme, el thriller de terror psicológico Men. Su nueva película, CIVIL WAR, la primera superproducción del estudio A24, llegará a los cines el próximo mes de abril.
FF&Films y PuntoyAparte producen el drama fantástico ‘Lamiak’
Las productoras FF&Films y PuntoyAparte rodarán en 2026, en el País Vasco, la película Lamiak, un drama fantástico con elementos de realismo mágico sobre la maternidad, el papel de la mujer en la sociedad actual y la defensa del planeta.
Sinopsis: Cuando Mar (39) pierde a su bebé en el parto, decide mudarse a un pequeño pueblo costero del País Vasco donde descubre la existencia de seres mitológicos llamados Lamias. Estas criaturas le proponen un trato: recuperar su bebé a cambio de una vida humana.
Con dirección de la cineasta Irati Santiago Mujika, el proyecto cuenta con un guion —escrito en castellano y euskera— firmado por la guionista de cine y tv y novelista Estefanía Salyers. Además, Susana García-Parra e Irati Santiago Mujika son las productoras, además de productoras ejecutivas. Lamiak, que tiene una ayuda a desarrollo del Gobierno Vasco, se filmará en localizaciones costeras de Bizkaia y Gipuzkoa tras pasar por el laboratorio APIKA Audiovisual Project Lab en Euskadi, y por los mercados de los festivales de San Sebastián, Sitges, Berlín y Cannes. La productora Susana García-Parra explica que «Lamiak aborda temas fundamentales para la generación joven adulta. La pérdida gradual del medio-ambiente, el duelo perinatal y los abortos, aún tabú en nuestra sociedad, la maternidad y los roles de género. Lamiak es una oportunidad para abrir conversaciones importantes, para cuestionar nuestras creencias y valores, y para inspirar cambios en nuestra sociedad». En palabras de la directora, Irati Santiago Mujika: «Las mujeres seguimos estando sujetas a la mirada de la sociedad y las críticas constantes sobre nuestro cuerpo y lo que hacemos con él. Esta historia quiere abrir conversación sobre el duelo perinatal entre mujeres y generalizar este hecho con la otra parte de la población. Lamiak es una historia llena de metáforas. La metáfora de las Lamiak no solo representa la pérdida de un recién nacido, sino también la pérdida gradual del planeta debido a la codicia y la crueldad humanas. Esta dualidad entre la maternidad y la naturaleza refleja la interconexión entre los seres humanos y el medio ambiente, resaltando la importancia de preservar nuestro hogar común. Asimismo, la película aborda la presión social que enfrentan las mujeres en edad reproductiva, así como la necesidad de replantear los roles de género en la sociedad contemporánea«.
Irati Santiago Mujika es una productora de cine y televisión establecida en Los Ángeles. Ha producido dos temporadas de Tech Toys (2011), serie de televisión para el canal Discovery Channel, así como múltiples videos musicales con artistas como Will.I.am o Paris Hilton. También ha producido dos películas independientes: Blush (2023, Em Johnson) e Inside the Circle (2021, Javier Colón Ríos), disponible en la plataforma Amazon Prime. Su cortometraje Aberne (2016) fue nominado a los premios BAFTA de estudiantes. Irati es la fundadora de FF&Films, productora de cine establecida en San Sebastián
La película Nueva tierra, protagonizada por Iván Sánchez y Andrea Duro, se estrenará en cines el próximo 6 de septiembre.
La película Nueva tierra, dirigida por Mario Pagano y protagonizada por Iván Sánchez, Andrea Duro, Juan José Ballesta y con la colaboración especial de Imanol Arias, se estrenará en cines el próximo 6 de septiembre.
El thriller fantástico fue rodado en Galicia y es la visión del director sobre el regreso del mundo a sus orígenes y del fin de la civilización tecnológica. Se trata de una producción de Good Friends Pictures con distribución y ventas internacionales de Begin Again Films.
Nueva tierra narra la historia de León, quien se refugia con su familia en las montañas después de que un virus acabe con la civilización. Una organización religiosa llamada La Legión, autora de los secuestros masivos de niñas adolescentes después de la pandemia, secuestra a su hija, dejando un rastro de muerte y dolor detrás. León se adentrará en las profundidades de la naturaleza, ahora poblada por tribus, y tendrá que luchar, con todas sus fuerzas, para rescatar a su hija y sobrevivir a los peligros de la Nueva Tierra.
Completan el reparto Vania Villalón, Candela Camacho, Raúl Olivo, Almar G. Sato, Armando Buika y Vicky Montezano. Nueva Tierra compitió en la Sección Panorama Galicia del Festival de Cine de Ourense.
«Nueva Tierra, para mí, es una historia de esperanza, de lucha y de supervivencia de nuestra propia especie en un mundo futuro inhóspito. Pero también, es una aventura llena de emociones con un final que nos devuelve el aliento y nos acerca a las raíces«, apunta su director, Mario Pagano.
El surrealismo de Man Ray llega a Filmin en el centenario de su primera película
Filmin estrena el próximo viernes 22 de marzo Man Ray. El regreso a la razón, una compilación de cuatro piezas audiovisuales del artista estadounidense Man Ray (1890-1976), considerado uno de los grandes impulsores del dadaísmo y el surrealismo a principios del siglo XX. Las cuatro obras han sido restauradas en 4K y pudieron verse por primera vez en la sección Cannes Classics del Festival de Cannes en 2023, coincidiendo con el centenario de la primera obra audiovisual del artista.
Las cuatro piezas que integran esta película son Le retour à la raison (1923), Emak Bakia (1926), L’étoile de mer (1928) y Les Mystères du château du Dé (1929). En ellas nos sumergimos en el mundo onírico y surrealista del polifacético Man Ray, cuya obra fotográfica es seguramente más conocida, pero que también exploró con la imagen cinematográfica en un momento en que los artistas, desilusionados con los modos tradicionales de creación artística y moldeados por el trauma de la Primera Guerra Mundial junto con el surgimiento de una cultura mediática moderna, recurrieron a la experimentación como respuesta.Man Ray. El regreso a la razón cuenta con una nueva banda sonora de la banda SQÜRL, integrada por el director de cine Jim Jarmusch y Carter Logan. SQÜRL nació en 2009 para componer la música original de la película Los límites del control, dirigida por el propio Jarmusch, y también ha creado las bandas sonoras de otros títulos del cineasta como Solo los amantes sobreviven (2013), Paterson (2016) y Los muertos no mueren (2019). El pasado mes de octubre lanzaron Silver Haze, su primer álbum de estudio. «Nos sentimos muy orgullosos de ser la banda sonora de Man Ray«, explica Jarmusch: «Creo que, en última instancia, lo que intentamos hacer, y lo que hizo Man Ray, fue crear una especie de estado de éxtasis. Un lugar que existe en un pequeño espacio entre la conciencia y la inconsciencia, entre el sueño y la vigilia, y entre la realidad y el mundo surrealista”.
Tráiler del film de terror ‘Immaculate’. Estreno 1 de mayo
Tráiler oficial de IMMACULATE, protagonizada por Álvaro Morte (La casa de papel, Durante la tormenta) y Sidney Sweeney (Anyone But You, Euphoria, The White Lotus), una película de terror con altas dosis de tensión y giros inesperados, que llega a nuestros cines el 1 de mayo.
Sweeney interpreta a Cecilia, una monja americana de fe devota, que se embarca en un viaje a un remoto convento de la pintoresca campiña italiana. La cálida bienvenida que recibe a su llegada se convierte rápidamente en una pesadilla cuando descubre que su nuevo hogar alberga un siniestro secreto y horrores indescriptibles.
Sinopsis: Cecilia (Sidney Sweeney), recién llegada de Estados Unidos, ingresa como novicia en un convento de la remota campiña italiana. Allí es recibida por el Padre Tedeschi (Álvaro Morte), quien la introduce en las rutinas religiosas. Un día descubre que está embarazada y lo que parecía un milagro, por conservar aún su virginidad, resulta ocultar un siniestro secreto que hará que busque salir de aquel lugar desesperadamente.
Festival Americana 2024: Palmarés y conclusiones de la onceava edición
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Novedades Astiberri · Abril de 2024
Las efímeras 1, Jeff Lemire
Color. Rústica con solapas176 páginas.17 x 26 cm19 eurosA la venta el 4 de abril
Jeff Lemire, autor de Essex County, nos traslada en esta nueva obra a un Belle River cubierto literalmente por unos insectos pequeños y alados a los que los vecinos llaman efímeras. Una extraña historia llena de elementos sobrenaturales que comienza con un crimen brutal y violento, que pone en juego la vida de un adolescente inocente, y que culmina con una inesperada amistad entre una niña solitaria y un fugitivo.
La pequeña genia y el monstruo del valle, Álvaro Ortiz
Color. Rústica con solapas184 páginas.17 x 21,5 cm.18 eurosA la venta el 11 de abril
Llega la esperada continuación de La pequeña genia y la partida de shatranj, un viaje hacia los orígenes que comienza con una forastera llegada del “Oriente más oriente”. He venido a por Ayu, el último miembro vivo de una familia autóctona que forjó hace generaciones una espada muy especial, una espada ancestral y mágica. La forastera quiere pedirle ayuda, ya que su valle se ve amenazado por la llegada de un monstruo y que Ayu, por su ascendencia, es su única posibilidad de salvación. La pequeña genia no duda mucho tiempo y se embarca intrigada en este viaje hacia sus orígenes. Disponible en castellano, catalán y euskera.
Ecotopías. Imaginar el futuro para cambiar el presente, vv.aa.
Color. Cartoné112 páginas.19 x 26 cm.17 eurosA la venta el 18 de abril
Astiberri y Greenpeace reúnen a Darío Adanti, Flavita Banana, Miguel Brieva, Harkaitz Cano e Iñaki Landa, Miguel Ángel Giner Bou y Cristina Durán, Núria Tamarit y Josune Urrutia con un objetivo común: imaginar el futuro para cambiar el presente. ¿Te imaginas que el planeta entero reverdece, que los ecosistemas se recuperan, que las ciudades se vuelven habitables y llenas de vida al apostar por el bienestar y el equilibrio en lugar de la competición y la velocidad? ¿Te imaginas trabajando pocas horas al día y en beneficio del bien común, en actividades que den verdaderamente sentido a nuestras vidas? Todo esto podría ser real si comenzamos a proyectar nuestro ánimo en esa dirección.
Las aventuras del Capitán Torrezno. Vol. III: Capital de provincias del dolor y Los años oscuros, Santiago Valenzuela
Blanco y negro y 8 páginas finales a color.Rústica con solapas288 páginas21 x 29,7 cm30 eurosA la venta el 25 de abril
Llega al fin el esperado desenlace del asedio de Deeneim para llevar la trama protagonizada por el Capitán Torrezno, un héroe a su pesar, por otros vibrantes derroteros del Micromundo. Las aventuras del Capitán Torrezno es una de las series fundamentales del cómic español del siglo XXI y esta tercera entrega recoge el quinto y sexto tomo de la saga de Santiago Valenzuela. Incluye una ilustración de cubierta realizada para la ocasión, un nuevo apéndice de diez páginas, ocho de ellas a color, con las portadas originales y diferente material gráfico de interés que Valenzuela ha rescatado de sus archivos.
El festival de cine SOMBRA MADRID confirma su programación final e invitados internacionales.
La XIII edición de Sombra. Festival de Cine Fantástico Europeo, que acoge por primera vez la ciudad de Madrid como sede, se celebrará del 13 al 17 de marzo con un total de 20 películas y 18 cortometrajes que se proyectarán en cuatro sedes repartidas en la capital española, como son mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125), la Sala Berlanga (C/ Andrés Mellado, 53), la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense (Avenida Complutense, 3) y el Teatro Sanpol (C/ San Pol de Mar, 1)
Asimismo, SOMBRA MADRID contará con la presencia de diversos invitados nacionales e internacionales, entre los que destacan el compositor italiano Claudio Simonetti (“Rojo Oscuro”), los directores Richard Stanley (“Hardware”, “Color Out Of Space”), Xavier Gens (“Frontière(s)”) y Jaume Balagueró (“REC”, “Los Sin Nombre”) o el guionista de cómic Peter Milligan (conocido por su trabajo en las editoriales 2000 AD, Marvel y DC), entre otros.Uno de los platos fuertes de la programación será la proyección de “Rojo Oscuro” (1975), el clásico giallo de Dario Argento, que cobrará una nueva dimensión el viernes 15 de marzo a las 21:30 horas en el Teatro Sanpol (C/ San Pol de Mar, 1). Será gracias a un concierto en formato “live to picture”, donde el compositor Claudio Simonetti y su banda, Simonetti´s Goblin, interpretarán íntegramente la banda sonora del filme, sincronizando la partitura con las imágenes.Como apuntan desde la organización, será “una oportunidad única, ya que Simonetti, autor de la música original de la película y colaborador habitual de Argento, no acostumbra a tocar una banda sonora íntegra en directo, sino que en sus 
actuaciones suele ofrecer un mix con sus grandes éxitos”.Otra actividad destacada será el evento conocido como Pre-Sombra, que se celebrará el fin de semana previo al festival, concretamente el 10 de marzo en mk2 Cine Paz, y donde se proyectarán dos títulos de culto del cine de género. Son “Tiburón” (1975) de Steven Spielberg, que será presentada por el experto en maquillaje y efectos especiales Pepe Mora (“The Mandalorian”) y “Darkman” (1990), que contará con una charla posterior moderada por el especialista en cómic Daniel Brun y en la que participarán Kiko Sáez de Adana (Cátedra de Cómic Universidad Alcalá de Henares), el autor Diego Salgado y la periodista Elisa McCausland.La Sección Oficial de Largometrajes a Concurso de SOMBRA MADRID contará con cuatro títulos en su haber, entre los que se hallan dos filmes españoles como “La Mesita del Comedor” (2023, jueves 14 de marzo a las 11:30 horas en Facultad de Ciencias de la 
Información de la Universidad Complutense) y “Os Reviento” (2023, domingo 17 de marzo a las 22:15 horas en mk2 Cine Paz), película que se alzó con el Premio del Público en la última edición del prestigioso Festival de Austin (Texas). Ambos largometrajes competirán con la comedia negra de origen serbio “The Uncle” (2022, jueves 14 de marzo a las 20:00 horas en mk2 Cine Paz) y con la propuesta sueca de ciencia ficción “Ufo Sweden” (2022, sábado 16 de marzo a las 11:00 horas en mk2 Cine Paz).Por su parte, el número total de cortometrajes a concurso asciende a 15, y todos podrán verse el miércoles 13 de marzo en dos sesiones de libre acceso a las 11:00 y a las 12:30 horas respectivamente, en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid.SOMBRA MADRID también rendirá tributo a Nocturna, el desaparecido festival madrileño del que toma el testigo. En este sentido, el 16 de marzo a las 18:00 horas en la Sala Berlanga, coincidiendo con la proyección de “El Retorno del Hombre Lobo” (1980) de Paul Naschy, se entregará el Premio Nocturna a Sergio Molina -hijo de Paul Naschy- y al director José Luis Alemán (“La Herencia Valdemar”), antiguos responsables del citado festival, por “su esfuerzo a la hora de configurar un espacio cultural de desarrollo del cine fantástico en Madrid”.Fuera de 
competición, uno de los títulos más importantes será “Club Zero” (2023), película austríaca que se encargará de inaugurar el festival el miércoles 13 de marzo a las 22:30 horas en mk2 Cine Paz. Se trata de un intenso thriller psicológico protagonizado por Mia Wasikowska (“Alicia en el País de las Maravillas”) y que participó en la última edición del Festival de Cannes. Igualmente, otros filmes que podrán verse fuera de concurso son la comedia canadiense de terror “We Are Zombies” (2023, jueves 14 de marzo a las 20:30 horas en Sala Berlanga), la película coreana de misterio y horror “Sleep” (2023, jueves 14 de marzo a las 22:30 horas en mk2 Cine Paz), la cinta española “La Sombra del Tiburón” (2023, sábado 16 de marzo a las 13:00 horas en mk2 Cine Paz), el largometraje francés de animación “Mars Express” (2023, domingo 17 de marzo a las 11:00 horas en mk2 Cine Paz) y el drama de ciencia ficción marroquí “Animalia” (2023, domingo 17 de marzo a las 13:00 horas en mk2 Cine Paz), que se alzó con el Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Sundance.En cuanto a sesiones retrospectivas, SOMBRA MADRID llevará a cabo un total de siete. Además de la ya citada “El Retorno del Hombre Lobo”, se proyectarán obras de culto como “Tenebre” (1982, martes 14 de marzo a las 18:00 horas en Sala Berlanga), “Color Out Of 
Space” (2019, viernes 15 de marzo a las 20:30 en Sala Berlanga, con la presencia del director Richard Stanley posterior charla de los VFX y Color con el equipo de User T38 Raúl Monge, Mikel Hernando Otero y Adriana Solé), “Frontière(s)” (2007, sábado 16 de marzo a las 22:00h en mk2 Cine Paz, con la presencia del director Xavier Gens), “Hardware” (1990, domingo 17 de marzo a las 20:00h en mk2 Cine Paz, con la presencia del director Richard Stanley), “Los Sin Nombre” (1999, viernes 15 de marzo a las 17:30 en la Sala Berlanga, con la presencia del director Jaume Balagueró) y “No Profanar El Sueño De Los Muertos” (1974, sábado 16 de marzo a las 21:00 horas en Sala Berlanga, con la presencia de Carlos Grau, hijo del director Jorge Grau).
INVITADOS INTERNACIONALESRichard StanleyA principios de los 90, Stanley dirigió dos películas que, con el tiempo, se han convertido en auténtico cine de culto como “Hardware, programado para matar” (1990) y “El demonio del desierto” (1992). También ha tenido una importante implicación en el mundo musical, trabajando con grupos como Fields of the Nephilim, Public Image Limited o Marillion; de hecho, en su película “Hardware”, podemos encontrar cameos de artistas de la talla de Iggy Pop, Carl McCoy o Lemmy.Tras más de 20 años alejado de la dirección, Richard Stanley volvió a la palestra en 2019 nada más y nada menos que con una adaptación del genio Lovecraft: “Color out of space”. La película, protagonizada por Nicolas Cage, supuso la vuelta de Stanley como director de largometrajes tras su salida de “La isla del doctor Moreau” (1996). Claudio SimonettiClaudio Simonetti nació en Sao Paulo (Brasil) en 1952. Aunque su familia era de origen italiano, vivió su infancia en Brasil. Su carrera musical comienza como teclista en el grupo de rock progresivo Cherry Five, que posteriormente cambió su nombre a Goblin.Además de colaborar con Argento en multitud de proyectos, Simonetti también ha trabajado con otros importantes directores italianos como Ruggero Deodato, Umberto Lenzi, Lucio Fulci, Enzo G. Castellari, Lamberto Bava o Sergio Martino. Sus bandas sonoras son reconocidas por su sonido característico, con influencias electrónicas y de rock progresivo.Jaume BalagueróNacido en Lérida en noviembre de 1968, Jaume Balagueró supo desde joven que sus intereses se orientaban hacia el séptimo arte, estudios que compaginó con un grado en Ciencias de la Comunicación. Su primer largometraje como director fue “Los sin nombre”, película premiada con el Méliès de Oro a Mejor Filme Fantástico Europeo. La película le ayudó a proyectarse internacionalmente, pero sobre todo a definirse como uno de los precursores del nuevo cine de terror español. Suyas son “Frágiles”, con Elena Anaya, “Mientras Duermes”, o la popular saga de “Rec”, todas ellas producidas por Filmax.Xavier GensEl realizador francés Xavier Gens es conocido internacionalmente por haber rodado una de las películas más brutales y sangrientas del fantástico europeo reciente, “Frontière(s)” (2007), filme que cuenta con legiones de fanáticos. Asimismo, ha dirigido otros conocidos largometrajes como “Hitman” (2007) o “La Piel Fría” (2017).Peter MilliganPeter Milligan es uno de los guionistas más reconocidos de las editoriales Marvel y DC, gracias a sus trabajos en sagas como X-Men o Hellblazer. El autor participará el 16 de marzo en un encuentro con los fans y sesión de firmas en la tienda Generación X Tirso de Molina (C/ Conde De Romanones, 3).
ACERCA DE SOMBRA MADRIDLa iniciativa de SOMBRA MADRID nace de Javier García, director de Sombra, Festival de Cine Fantástico de Murcia, certamen plenamente consolidado en la región: «a las puertas de nuestra decimotercera edición, creemos que es momento de tratar de recuperar un festival en Madrid». Y, para ello, ha encontrado la fórmula perfecta: simultanear ambas convocatorias. «Serán dos eventos independientes, pero interconectados compartiendo parte de la programación e invitados durante la segunda semana de marzo. Es una oportunidad perfecta para plantear un evento estable y perdurable en la capital, que tendrá su propia esencia y personalidad. Murcia y Madrid serán casas hermanas para los aficionados al género». La gestión de SOMBRA MADRID corre a cargo de los equipos de A.D.J. Proyectos Audiovisuales y la Asociación Pop Culture España, que centran su labor en la promoción de la cultura popular en la ciudad. «Más allá de ser un proyecto ilusionante, se trata de una necesidad cultural», en palabras de Juan Pérez y José Arce. «En Madrid existe una amplia comunidad de género, de la que nosotros mismos formamos parte, que demanda un espacio en el que disfrutar de su cine favorito y compartir experiencias». Esta primera convocatoria en la capital arrancará con la vista puesta en un crecimiento progresivo tanto en jornadas como en sedes, actividades y colaboraciones: «literalmente, la sombra se irá alargando progresivamente, siempre en compañía del público y los aficionados. Queremos crecer todos juntos».
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 8 de marzo de 2024 *
LOS PEQUEÑOS AMORES (Celia Rico, 2024)
España/Francia. Duración: 95 min. Guion: Celia Rico Fotografía: Santiago Racaj Compañías: Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films, Noodles Production, RTVE, TV3 Género: Drama
Reparto: María Vázquez, Adriana Ozores, Aimar Vega, Blanca Apiláne, Ferran Rañé, Camille Figuereo, Miguel Angel González, Marta Fons, Pep Muñoz, Carme Vilar, David Aguilar, Laura Gaja, Júlia Morella, Jordi Rodríguez, Jesús Prieto Ortiz
Sinopsis: Teresa (María Vázquez) cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre (Adriana Ozores), que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.
El verano como estación de mudanza es el presupuesto de toda novela de aprendizaje, esas crónicas del tránsito de un estado a otro en la vida de sus personajes. Así, Los pequeños amores es una novela de aprendizaje, pues da cuenta de la evolución de las emociones y de los modos de representación de la realidad en un verano decisivo. Sólo que desplaza el relato a la edad adulta, al fin y al cabo, la llamada crisis de los cuarenta es un periodo de cuestionamiento personal casi más radical que la adolescencia. Celia Rico regresa a la ficción real con otro retrato en femenino de un instante determinante, la asunción del fin de la juventud, visto desde una protagonista que podría ser la misma de Viaje al cuarto de una madre, sólo que veinte años más tarde.
En palabras de la directora: “he intentado navegar por la biografía emocional de una mujer en sus cuarenta y preguntarme sobre los modos posibles de sostener la vida y el amor a determinadas edades, cuando los padres se hacen mayores o ya no están, cuando los proyectos amorosos se desvanecen o no tienen como fin formar una familia”. Y de nuevo traza su pintura sobre el lienzo de las relaciones maternofiliales como contradictorio vínculo de admiración y reproche entre dos mujeres de generaciones muy distintas. Las madres como modelos y, a la vez, como frenos ante los que reivindicarse. A las madres, como seres paradójicos que simultáneamente retienen y dan alas, Rico las describe siempre desde el punto de vista de las hijas, porque no le interesa definir la maternidad sino su reverso, para el que llega a inventar un término, la “hijidad”. El telón de fondo de sus obras, de las que podemos afirmar ya que forman un díptico, es siempre la asunción del hecho de ser hijas de nuestras madres con todo lo que supone, conscientes de que ese habrá de ser el vínculo que defina y atraviese la agridulce experiencia del amor y la soledad, buscada o quizás involuntariamente hallada. Viaje al cuarto de una madre nos situaba en la casilla de inicio, en el preciso instante de la necesidad de alzar el vuelo, en la hora agridulce de la partida; Los pequeños amores, en cambio, nos coloca en un momento de retorno al nido que, aunque sea temporal, hace aflorar sentimientos no (auto)confesados en el día a día, pues, ahora que la juventud termina, asusta la idea de envejecer solas, sin nadie que nos asista si nos lesionamos una pierna o la casa arde en llamas. Un temor en el que todavía resuena un retintín de reprobación, que viene de una época pasada, pero que aún pesa sobre la mujer de hoy: si no tienes descendencia, ¿quién va a cuidar de ti cuando seas mayor? La nueva convivencia con la madre saca a la luz esa pregunta latente en la intimidad del yo femenino, pero, a la vez, de esa misma cohabitación renovada, aflora el aprendizaje que le da respuesta. Los años que han pasado desde la separación acaban permitiendo que hija y madre sean confidentes, que se traten de mujer a mujer, que el antiguo vínculo de autoridad ceda paso al de paridad, y se disuelva la impresión de desacierto. Ambas se ponen en valor y aprenden, juntas, que la soledad no es un menoscabo.
Celia Rico junto a sus dos protagonistas, Adriana Ozores y María Vázquez, durante el rodaje del film.
El reputado crítico de cine japonés, Shigehiko Hasumi, sostiene que el gesto, en lugar del tema o la imagen, es el gran cauce expresivo del séptimo arte. Celia Rico no podría estar más de acuerdo con el comentarista. Para Rico son los gestos los que contienen las emociones, captarlos es lo que debe hacer cualquier cineasta si quiere rebasar lo local, porque, siempre para ella, lo universal no son los temas, sino los ademanes. Quizás darles la centralidad a los ademanes sea la premisa que ha determinado que la joven directora haya elegido para expresarse los modos del cine clásico. En su puesta en escena elegante domina la sutilidad, la arquitectónica de los planos pasa desapercibida a los ojos del espectador absorto en la trama. Sin embargo, no da puntada sin hilo, todo está estudiado y calculado al milímetro, desde la composición de los encuadres hasta el uso del fuera de campo, del peso significativo de la selección musical, a la elección de la paleta cromática que define a cada personaje. Unos personajes a los que ella misma, como autora que es del guion, les ha dado una profundidad psicológica que explica su transformación a lo largo de la acción. Brilla también en la dirección de actrices, de las que obtiene una interpretación solvente, algo en lo que concurre también el trabajo de las dos protagonistas: una Adriana Ozores que convence como madre firme y poco dada a expresarle a su hija su satisfacción con ella; y una María Vázquez absolutamente creíble como hija independiente que, sin embargo, en sus cuarenta todavía es vulnerable al juicio ajeno.
“Los pequeños amores es una película sobre las cosas más cotidianas y mundanas que nos suceden cuando convivimos con nuestras madres, pero también sobre las más complejas, esas otras que a toda hija nos sobrevienen cuando nos vemos reflejadas en ellas y miramos nuestras vidas en el espejo de los años”, nos dice la autora sobre su segundo filme. Un segundo largo que confirma a Celia Rico como cronista de lo íntimo con voz de mujer. Pero el suyo no es un cine exclusivamente para mujeres, porque conecta con lo universal que subyace en cada ejemplo particular y por tanto es extensible a todos. La directora, más que hablar de cine hecho por mujeres, prefiere hacerlo de mujeres haciendo películas. El suyo es un cine capaz de interesar a todo espectador más allá de su condición de género. Como ha ocurrido siempre con los grandes.
VINCENT DEBE MORIR (Vincent doit mourir, Stéphan Castang, 2023)
Francia/Bélgica. Duración: 115 min. Guion: Mathieu Naert Fotografía: Manuel Dacosse Compañías: Capricci Films, Bobi Lux, arte France Cinéma, Ciné+, Gapbusters, Goodfellas Media, Canal+, RTBF (Télévision Belge), CNC, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel Género: comedia dramática
Reparto: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Karoline Rose, Emmanuel Vérité, Jean-Christophe Folly, Ulysse Genevrey, Anne-Gaëlle Jourdain
Sinopsis: Vincent empieza a ser atacado por la gente que lo rodea sin motivo aparente. Su anodina existencia se descontrola y, conforme la violencia crece, no tiene más remedio que huir. Pero ¿adónde?
Presentada en la Semana de la crítica del Festival de Cannes 2023, Vincent debe morir, ópera prima de Stéphen Castang, es un refrescante thriller apocalíptico cargado de humor negro que reflexiona sobre la condición humana y la violencia inherente en nuestra sociedad. Pero también es una película sobre el amor. El amor incondicional y la felicidad que dos personajes acaban encontrando cuando se encuentran sumidos en lo más hondo de la adversidad.
El protagonista, Vincent (Karim Leklou) es un tipo normal. Si acaso, es un poco más imbécil que la media de la Humanidad, pero no demasiado más. Y la rutinaria vida de Vincent cambiará cuando comience a ser agredido sin motivo ni previo aviso. Una situación anómala, dramática, pero a veces, también, inevitablemente cómica.
La historia, a cuyo pesimismo contribuye el paisaje industrial en el que se desarrolla en gran parte, baraja varios subtextos, como el miedo al otro, la soledad y, sobre todo, repetimos, la violencia presente en la sociedad, especialmente en una época de crispación y polarización política como es la actual.
Con ciertos momentos que nos trajeron a la memoria la obra maestra de Philip Kaufman, La invasión de los ultracuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1978), Vincent debe morir se alzó con los galardones de Mejor dirección novel y Mejor actor para Karim Leklou en el Festival de Sitges 2023. También fue nominada a Mejor ópera prima en los premios César franceses y en los European Film Awards (EFA).
LA BESTIA EN LA JUNGLA (La bête dans la jungle, Patric Chiha, 2023)
Francia/Bélgica/Austria. Duración: 103 min. Guion: Patric Chiha, Jihane Chouaib, Axelle Ropert. Novela: Henry James Música: Émilie Hanak, Dino Spiluttini Fotografía: Céline Bozon Compañías: Aurora Films, Frakas Productions, Wildart Film Género: Drama
Reparto: Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Mara Taquin, Martin Vischer, Juan Pedro Cabanas, Bachir Tlili, Joël Bunganga
Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín en la Sección Panorama, LA BESTIA EN LA JUNGLA plantea un viaje sensorial a través de un hombre y una mujer que tienen múltiples encuentros en un club sin nombre. La película tuvo su premiere nacional en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) y después se pudo ver en la Sección Oficial de esta edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla.
Basada en la icónica obra de Henry James, esta adaptación transporta a los espectadores a un vertiginoso viaje a lo largo de 25 años, desde 1979 hasta 2004, en un colosal club nocturno. Allí, un enigmático hombre y una enigmática mujer observan y aguardan un evento misterioso. A medida que la música evoluciona desde la disco hasta la tecno, se convierte en la banda sonora de esta cautivadora crónica sobre una obsesión que desafía el tiempo y el espacio.Patric Chiha traslada a la pareja de la historia corta de Henry James al club, y contrasta su espera fatal con la sensación última de estar en el momento presente y el deseo hedonista de los bailarines de disolver el tiempo en coreografías eternas.
LA EXTORSIÓN (Martino Zaidelis, 2023)
Argentina. Duración: 105 min. Guion: Emanuel Diez Música: Pablo Borghi Fotografía: Lucio Bonelli Compañías: 100 Bares, Cimarrón Cine, Infinity Hill, Particular Crowd Género: Thriller
Reparto: Guillermo Francella, Pablo Rago, Andrea Frigerio, Carlos Portaluppi, Alberto Ajaka, Romina Pinto, Mónica Villa, Guillermo Arengo, Juan Carlos Lo Sasso, Joselo Bella, Osvaldo Djeredjian
Sinopsis: Alejandro (Guillermo Francella), piloto de avión, esconde un secreto. Cuando los agentes del Servicio de Inteligencia lo descubren, le chantajean. Alejandro se verá sumergido en un universo de intriga y corrupción, que le pondrá a él y a sus seres queridos en peligro, mientras intenta escapar con vida, sin importar el precio.
La extorsión es una de esas películas que obligan al espectador a estar muy atento a la pantalla pues en, por ejemplo, lo que se puede tardar en hacer una rápida visita al lavabo, las tornas pueden cambiar y los antes amigos ahora son los enemigos. Y en medio de todo se encuentra Guillermo Francella, un actor harto conocido cuya simpatía contribuye a que espectador le acompañe y sufra con él este trance. Este quilombo repleto de peligros que tendrá que ir sorteando y en el que no habrá respiro.
Dirigida por el realizador argentino Martino Zaidelis (“Re Loca”, la serie “Los Enviados”), La extorsión se presentó en la Sección Òrbita en la pasada edición del Festival de Sitges, después de su exitoso estreno en Argentina, donde con más de 400 mil espectadores, se convirtió en la película más taquillera del año. Escrita por Emanuel Diez, además de Guillermo Francella (“El robo del siglo”, “El secreto de sus ojos”), el film cuenta con Pablo Rago (“El secreto de sus ojos”), Andrea Frigeiro (“El ciudadano Ilustre”, “Rojo”) y Carlos Portaluppi (“Argentina, 1985”, “Vidas Robadas”), junto a Guillermo Arengo, Alberto Ajaka y Mónica Villa.
Distribuida en Argentina por Warner Bros., la película es una producción de Particular Crowd, 100 Bares (productora de «El secreto de sus ojos») e Infinity Hill (productora de «Argentina, 1985») en asociación con Cimarrón.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 12 de abril de 2024*
MENUDAS PIEZAS (Nacho G. Velilla, 2024)
España Duración: 99 min. Guion: David S. Olivas, Marta Sánchez, Nacho G. Velilla Música: Juanjo Javierre Fotografía: Andreu Ortoll Compañías: Telecinco Cinema, Felicitas Media, Lightbox Animation Studios, Aragón TV, Ayuntamiento de Zaragoza Género: Comedia
Reparto: Alexandra Jiménez, María Adánez, Francesc Orella, Luis Callejo, Miguel Rellán, Rocío Velayos, Pablo Louazel, Verónica Senra, Kiko Bena, Tuoxin Qiu, Alain Hernández, José Manuel Poga, Saida Benzal
Sinopsis: Candela (Alexandra Jiménez) cometió el error de pensar que el ascensor social solo funciona en una dirección, la de subida. Y ahora, tras un traumático e inesperado divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Por eso Candela tiene que volver al barrio del que salió y pedir ayuda a su hermana (María Adánez) y su padre (Francesc Orella), esos a los que lleva años mirando por encima del hombro. Es hora de recolocar las piezas en el tablero, empezar de cero y buscar una segunda oportunidad. Pero la única que encuentra es dar clases en su antiguo instituto a estudiantes con problemas de integración. Pasa de la crème de la crème, a la crème de la mediocridad. Lo que Candela no se espera es que con ellos aprenderá que lo importante no es quién fuiste ayer, sino quién eres hoy; que un grupo de perdedores por los que nadie da un duro pueden acabar siendo campeones de España; y que, en el ajedrez, como en la vida, no importa si eres rey o peón, porque al final de la partida, ambos acaban en la misma caja.
Menudas Piezas no cuenta nada que no se haya visto antes. La memoria lleva al espectador, sin pensar demasiado, de la emocionante Rebelión en las aulas (To Sir, with Love, James Clavell, 1967) a la menos sugerente Campeones (2018) de Javier Fesser. Dirigida por el prolífico y especialista en el género Nacho G. Velilla, la historia que narra está repleta de puntos en común y caminos trillados, pero también de buenas intenciones, trasfondo social, algún buen gag y otros, sonrojantes. Continuamente se recuerda al espectador que la película está rodada en Zaragoza, lugar de origen del director, especialmente mediante recurrentes recorridos turísticos.
El problema que presenta su historia es que el cambio de actitud de los jóvenes no resulta creíble, y que su argumento es 100% predecible. Presentada en la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección oficial, fuera de concurso, Menudas piezas es una cinta familiar, con una historia de superación inspirada en un caso real con el ajedrez como telón de fondo. Lo mejor radica en los actores protagonistas, como Alexandra Jiménez y María Adánez, dos actrices inequívocamente dotadas para la comedia que encarnan, en un gran acierto de casting, a dos hermanas. Además de los siempre eficaces Francesc Orella, Miguel Rellán y otros como Luis Callejo y Jorge Asín, el mismísimo Aberroncho. Sin olvidar al grupo de jóvenes intérpretes: Rocío Velayos, Pablo Louazel, Verónica Senra, Kiko Bena y Tuoxin Qiu, que debutan con este largometraje
SANGRE EN LOS LABIOS (Love Lies Bleeding, Rose Glass, 2024)
USA/UK Duración: 104 min. Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska Música: Clint Mansell Fotografía: Ben Fordesman Compañías: Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24 Género: Thriller
Reparto: Kristen Stewart, Katy O’Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Jerry G. Angelo, David DeLao, Keith Jardine, Catherine Haun, Roger Ivens, Mikandrew, Eldon Jones, Orion Carrington,
Sinopsis: Jackie (Katy O’Brian) está decidida a triunfar como culturista y se dirige a Las Vegas para participar en una competición. En su camino, pasa por un pequeño pueblo de Nuevo México donde conoce a Lou (Kristen Stewart), la solitaria gerente del gimnasio local. El padre de Lou (Ed Harris) es traficante de armas y lleva las riendas de un sindicato del crimen. Jackie y Lou se enamoran. Pero su relación provoca violencia y ambas se ven inmersas en las maquinaciones de la familia de Lou.
Sangre en los labios, el nuevothriller de A24 protagonizado por Kristen Stewart y dirigido por Rose Glass (Saint Maud), retrata la electrizante historia de amor y crimen entre Lou (Kristen Stewart), una solitaria gerente de gimnasio, y Jackie (Katy O’Brian), una recién llegada a Las Vegas en busca de su sueño de triunfar en el culturismo. Como una frenética reacción en cadena, su pasión las empuja hacia la violenta red criminal de la familia de Lou. El estelar reparto lo completan Ed Harris, Dave Franco y Jena Malone. Además, la película tuvo su premiere mundial en Sundance y la internacional en el Festival de Berlín, donde recibió una cálida acogida por parte de los espectadores y de la crítica.
La película se erige como un thriller de venganza que explora la fuerza embriagadora de los excesos, la ambición y el amour fou a través de la combinación de comedia negra, crimen queer, pulp explosivo y dramas familiares. “Pocos directores están haciendo películas tan cinematográficas, vivas y estilizadas”, comenta Stewart. “Rose hace películas que no emulan a ninguna otra, aunque puedas percibir sus inspiraciones en ellas. Lo que hace surge desde un lugar tan auténtico que el contexto, la arquitectura y la voz de la película son distintivamente suyas. Creo que quiere asustar al público y a ella misma no con propósitos provocadores, si no para que la gente de media vuelta y se mire a sí misma”. A lo que Dave Franco añade: “Es una historia que no puedes predecir hacia dónde va. El ambiente es extraño y escalofriante a la vez que muy humano y lleno de dramas familiares de lo más locos. (…) Todo es posible en esta película, y eso te mantiene alerta todo el rato”.
En una entrevista reciente con la revista Variety, Kristen Stewart explicó que lo que más le interesó de la película fue lo radicalmente distinto que es su personaje Lou –masculina, luchadora, queer sin remordimientos– de todas las interpretaciones estereotípicamente femeninas que han definido su carrera: “Encuentro muy sexy que las cosas que me resultan atractivas se ensalcen. (…) Hay una escena de sexo en la que ni quiera se quitan la ropa, pero va a chocar a los espectadores”. Asimismo, tanto Stewart como Glass tenían claro que estas escenas eróticas debían contener mucha verdad: “Incluso el sexo hetero es siempre igual en las películas, (…) nadie se atreve a mostrarse a sí mismo”, comenta Stewart, y añade: “Glass supo cómo capturar la verdad, dirigió las escenas con máxima precisión”.
Se trata del segundo film de la cineasta británica Rose Glass, quien en 2019 sorprendió al público y a la crítica con su opera prima Saint Maud, un thriller también producido por A24 que tuvo una acogida excepcional hasta el punto de ser considerada actualmente una obra de culto moderna.
EL SALTO (Benito Zambrano, 2024)
España. Duración: 90 min. Guion: Flora González Villanueva Música: Pascal Gaigne Fotografía: Álex de Pablo Compañías: Cine365 Films, Castelao Productions, Noodles Production. Distribuidora: Filmax Género: Drama.
Reparto: Moussa Sylla, Edith Martínez Val, Nansi Nsue, Mariola Fuentes, Mari Paz Sayago, Vicenta N’Dongo, Vicky Peña, Norberto Trujillo, Benjamin Natchouang, Ali Useni, Marius Makon, Abdel Mouanji
Sinopsis: Ibrahim llegó a España desde Malí y ahora sus raíces están en Madrid, donde vive con Mariama y trabaja como albañil. Un día, la policía le detiene e Ibrahim, que carece de permiso de residencia, es deportado a su país. A partir de ese momento, su único objetivo será regresar a España para reunirse con Mariama y su hija a punto de nacer. Tras conseguir atravesar África, se instala con algunos compañeros en el Monte Gurugú, un campamento de inmigrantes que separa África de Europa. Allí conoce a Aminata, una chica empeñada en saltar la valla y llegar a España. Pero esa es una hazaña física que no está al alcance de cualquiera.
Benito Zambrano no falla nunca. Resulta imposible encontrar ni una sola de sus películas que no sea, al menos, entretenida. Ya sea con uno de sus documentales, como sus dramas, entre ellos el estupendo western rural, Intemperie (2019). El director andaluz dio la campanada con Solas (1999), su debut, y con la excelente serie televisiva Padre Coraje (2002), y a partir de ahí no ha cesado de experimentar, adentrando al espectador en diversos géneros e historias utilizando, además, el lenguaje cinematográfico para denunciar las injusticias que golpean a los más débiles. Este es el caso de El salto (2024), que analiza el drama humano que viven los migrantes subsaharianos para acceder a España y Europa. Su Ibrahim, su Aminata, su Mariama, su Ousman, son tan reales como su María (Solas) o su Antonio (Padre Coraje), ficciones que se dan la mano con la realidad. Con los protagonistas de El salto, tan diferentes como iguales, tan lejanos como cercanos, Benito Zambrano consigue volvernos a poner en la piel del otro, situando al espectador en medio de esta guerra sin armas por la supervivencia, pero con muchas víctimas y en la que la única sangre que se derrama es la de los débiles. La de los eternos perdedores que, una y otra vez, intentan volver a cruzar esas fronteras y saltar los muros que les separan, en muchos casos, de una familia y una vida digna. No piden más.
Pero a pesar de todo el dolor que viven los protagonistas, el mensaje que ofrece el director resulta esperanzador, pues sí, hay malas personas que se aprovechan de la desesperación de los hambrientos, pero también los hay que están para ayudar y consolar. Para tender la mano frente a la inhumana legislación. Y Zambrano prefiere detenerse en ellos.
Con guion de Flora González-Villanueva, el reparto de El salto incluye a Moussa Sylla, Edith Martínez-Val, Nansi Nsue, Mariola Fuentes, Paz Sayago, Vicenta Ndongo, Vicky Peña, Norberto Trujillo y Eric Nantchouang y se rodó entre la ciudad de Madrid, sus alrededores y Tenerife. Para el rodaje de la valla que separa España de Marruecos, se construyeron más de treinta metros de valla exactamente igual a la de Melilla.
En palabras de su director: » ‘El salto’, desgraciadamente, llega en un momento en el que los acontecimientos internacionales actuales nos ratifican una vez más, que vivimos en un mundo donde todo interactúa entre sí. Cada vez se globaliza más la pobreza que provocan las migraciones forzadas y las consecuencias de las guerras. El Salto nos muestra la tragedia de los que huyen convirtiéndose en refugiados con necesidad de ayuda y asilo».
El salto es una coproducción hispano-francesa producida por Jesús Ulled Nadal para Cine365 Films Canarias AIE, Cine365 Films Producciones Cinematográficas y Virtual Contenidos; y Carlos Fernández y Laura Fernández Brites, para Castelao Pictures (Filmax), con Jèrôme Vidal para Noodles Productions (Francia).
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 1 de marzo de 2024 *
TÓTEM (Lila Avilés, 2023)
México/Dinamarca/Francia. Duración: 95 min. Guion: Lila Avilés Música: Thomas Becka Fotografía: Diego Tenorio Compañías: Limerencia Films, Laterna, Paloma Productions, Alpha Violet Production Género: Drama
Reparto: Naíma Sentíes, Montserrat Marañon, Marisol Gasé, Teresa Sánchez, Iazua Larios, Mateo García, Saori Gurza, Juan Francisco Maldonado, Marisela Villarruel, Galia Mayer, Lukas Urquijo, Manuel Poncelis
Sinopsis: Sol se prepara para la fiesta de su padre. Sus tías están nerviosas, su prima quiere darle café al gato, hay caracoles sobre La gallina ciega de Goya, se han preparado brindis y canciones para hacerle un homenaje a papá. Y desde el cuarto del padre enfermo parece generarse una energía de amor y muerte que los influye a todos.
Objeto de la naturaleza, generalmente un animal, que en la mitología de algunas sociedades se toma como emblema protector de la tribu o del individuo, y a veces como ascendiente o progenitor. Así es definido tótem en el Diccionario de la Real Academia de la Lengua. En antropología, es una entidad natural o sobrenatural que tiene un significado simbólico y a la que uno se siente vinculado durante toda la vida. Para Freud, el totemismo social tiene el mismo origen edípico que la neurosis individual, una forma extendida y colectiva de culpa y ambivalencia para hacer frente a la muerte del padre primordial. El título del segundo largometraje de Lila Avilés anuncia que vamos a movernos en el ámbito de la representación simbólica y visual de las historias familiares, que vamos a ser introducidos en el espacio velado donde se guarda y se preserva la esencia de los lazos. El tótem como nudo que mantiene las costuras de un linaje hasta en momentos de quebranto.
Tótem quiere mirar el adentro de los vínculos. Esa voluntad guía las decisiones formales tomadas para lograr el naturalismo, para situarnos dentro de la escena y no en la comodidad de nuestra butaca de platea. Vamos a lo natural desde el vehículo del artificio de unos recursos fuertemente marcados. El formato (cuatro tercios), las tomas cerradas, el relato fragmentado en instantes decisivos, vistos desde el patio de butacas, provocan un sentimiento de incomodidad, casi de opresión. Y, sin embargo, dentro de ese cuadrilátero se despliega todo un coro de emociones dirigido por la ternura. Avilés nos encierra en el microcosmos de una familia instalada en el duelo que se anticipa dentro del que puede ser el último momento feliz, el último momento de estar todos juntos justo antes de que se produzca la ausencia. Nos colamos de rondón en el seno de su intimidad como voyeristas escondidos en la cavidad de una mirada, la de esa niña de siete años, la debutante Naíma Santíes, que deambula por la escena observando los detalles
desde un margen que es un centro en sí mismo. La cámara se sitúa a la altura de sus ojos, por eso podemos ver desde su perspectiva incluso los retazos de la acción en los que no está ella presente físicamente. Y, porque la narración pespuntea retales mínimos del acontecimiento, sin necesidad de analepsis que deconstruyan el orden cronológico, ya nos instalamos en el momento en que el recuerdo zurcirá los huecos entre los pormenores de ese decisivo día. El que discurre ante nosotros es un presente que ha de ser, que ya es, memoria. Tótem es un in memoriam cantado en vida.
Lila Avilés supera la prueba de fuego que son las segundas obras cuando han sido precedidas por un debut fulgurante. Lo logra, además, sin necesidad de renunciar al registro de proximidad que definía su opera prima. Se revalida como voz cimera del cine mexicano actual, confirmándose su habilidad de convertir lo más cotidiano en una pequeña gesta. Su esfuerzo ha sido premiado con la práctica unanimidad de la bendición de la crítica y con el reconocimiento internacional que suponen los galardones. Su paso por los Festivales ha sido estelar, compitiendo en Sección Oficial en la Berlinale, donde fue la ganadora del Premio del Jurado Ecuménico y teniendo una gran acogida por parte del público y la crítica especializada en el Festival de San Sebastián, donde participó en la sección Horizontes Latinos. Más allá de Berlín y San Sebastián, Tótem consiguió el Premio del Público en Cinélatino de Toulouse, el Gran Premio en Hong Kong, el Premio a Mejor Directora, a la Mejor Actriz de Reparto y a la Mejor Música en Pekín, el Premio del Jurado en Bucarest, el Premio a la Mejor Película en NDNF, el Premio al Mejor Director en Jerusalén, Durban, Lima, Seúl y una mención especial en Melbourne. Recientemente también se ha alzado con el Premio a Mejor Película, a Mejor Dirección Artística y Mejor Guion en el Festival de Cine de La Habana, el Premio a Mejor Película en lengua no inglesa por la Asociación de Críticos de los Ángeles y ha sido incluida entre las mejores 50 películas de 2023 en la prestigiosa Sight and Sound Magazine. Una abultada lista de éxitos para una directora todavía joven que puede seguir dándonos muchas satisfacciones a los amantes del séptimo arte.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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