Sitges 2012: Antiviral & Chained dos películas con apellidos ilustres
Fotos: Sitges Film Festival
Brandon Cronemberg respondía en la rueda de prensa en el Festival de Sitges que David Cronemberg no es su padre, ocurrencia que no fue bien recibida por todos. Lo cierto es que en su debut es inevitable encontrarle influencias de su progenitor puesto que Antiviral entronca con la nueva carne en la que tanto ahondó Cronemberg padre. La película nos sitúa en un futuro no muy lejano (e incluso bastante verosímil) en el que las industrias farmacéuticas comercian con virus incubados por los famosos para que sus fans puedan inoculárselos y padecer así los mismos dolores que sus ídolos. Syd Marc (un acertadísimo Caleb Landry Jones), trabaja para una de esas compañías y trafica con virus pirateados, poco a poco se irá complicando y descubrirá toda una red de corrupción.
Impecable en su puesta en escena, retrata espaciosas estancias dominadas por la asepsia del blanco para retratar una sociedad enferma, que se regodea en lo mórbido como negocio. Llama igualmente la atención que no haya escenas de sexo, en verdad el deseo de entrar en comunión con los idealizados famosos se viabiliza igualmente a través de la enfermedad, incubar sus virus es una manera de poseerlos, de hacerlos carne de la propia carne (y por si fuera poco también se comercializan filetes de carne elaborados con las células de los admirados).
Antiviral se alzó con el premio a mejor película concedido por el jurado joven en Sitges, prueba de que se supo reconocer sus méritos. Sin embargo, en la platea se oyeron algunos silbidos empañando los aplausos, se hace extraña esa reacción ante una película que de haber estado firmada por Cronemberg padre habría sido recibida como el gran regreso al fantástico. Parece que algunos no le perdonasen la filiación al body horror quizás precisamente porque lo hace con mucho talento propio y con un ojo crítico muy certero. Ya se sabe, hay tantas opiniones como opinantes y es difícil que haya unanimidad. En cualquier caso, desde esta tribuna animamos a estar pendientes de este director que muestra buenas trazas ya desde este distópico debut.
Tampoco hubo unanimidad en la acogida a Chained, última película de Jennifer Lynch que se hizo con la mención especial del jurado y el premio a la mejor interpretación masculina para Vincent D’onofrio.
Lynch sigue dándonos buenos momentos de cine de género con este relato de uno de esos secuestros prolongados durante años que tanto nos impresionan en las noticias. Por su tono frío y realista nos recordaba en ocasiones la atmósfera de Henry, retrato de un asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986, John McNaughton), aquí el asesino serial adopta al hijo de una de sus víctimas para entrenarlo como esclavo casero y, más tarde, como primogénito de su linaje de perversiones. Una tarde de sábado, Tim (Evan Bird) de ocho años, y su madre Sarah (Julia Ormond), serán escogidos por un demente taxista, Bob (Vincent D’onofrio) a la caza de su próxima víctima. Para su horror, Tim es testigo del asesinato de su madre. Pero no será el último. Bob mantiene a Tim como un esclavo, encerrándolo bajo llave y forzándolo a limpiar y enterrar los cuerpos de las jóvenes mujeres que lleva a casa. Ahora un adolescente, Tim (Eamon Farren) comprende que se le permitirá tener cierta libertad si él se convierte también en un asesino.
“Sentía una fascinación enorme por el personaje de un monstruo humano y de la infancia robada”, ha explicado Lynch. Así lo retrata, el personaje de D’Onofrio tiene mucho de esos ogros de los cuentos infantiles, se alimenta del niño (al que pasa a denominar rabbit) pero no literalmente como en las fábulas sino que se estimula más a sí mismo pervirtiendo a su rehén, eso es lo que hace diferente a Chained. Pueden ser brutales sus asesinatos (aunque Lynch no se regodea en los aspectos más gores) pero su malignidad se manifiesta en su máximo esplendor en su trabajo de anulación del pequeño al que condiciona en toda su voluntad. Y la cámara de Lynch se muestra precisa en su planificación, los detalles justos para hacer comprender al espectador la intensidad dramática de lo que nos plantea la película. Se le critica que haya sucumbido a la tentación de haberle buscado una explicación biográfica y psicológica al origen de la psicopatía de nuestro asesino, es cierto que le resta crudeza pero se entiende como intención de mostrar al monstruo humano en toda la polisemia del término. Igualmente se le critica el último giro que viene a explicar el secuestro, pero, sea más o menos forzado ese final, no empaña a un film crudo como pocos se tuvo ocasión de ver en Sitges.
Y no lo empaña porque el segmento central tiene la suficiente fuerza como para hacerse perdonar ese supuesto declive en el epílogo. Ahí es donde brilla, además, el buen hacer de D’onofrio, quien borda ese ser depredador por el que sentimos asco, miedo y pena. Muy merecido el premio a su actuación contenida a la par que espléndida. En suma, una pequeña gran obra la que nos ofrece Jennyfer Lynch, en ella brilla con luz propia lo que ya es un logro cuando el apellido pesa como un constante juego de comparaciones.
Segundo lanzamiento Grindhouse: Karloff, nudie y cárceles femeninas
Si hace bien poco recibimos la grata noticia del lanzamiento de unos interesantes packs por parte de T-sunami, denominados Grindhouse Collection, de cuyos primeros lanzamientos ya les hablamos aquí, tenemos el placer de ver que los dos nuevos packs son igual, o más interesantes que los anteriores. Lean sino:
PACK GRINDHOUSE VOL. 3: THE BORIS KARLOFF COLLECTION (2 DVD)
Los amantes del cine de terror más clásico satisfarán su afición con este pack, que en sus dos DVD reúne algunos filmes inéditos del mítico actor.
El Castillo de Frankenstein no es otra cosa que Frankenstein 1970 (1958, Howard W. Koch) un descerebrado film en el que Karloff pasa a ser doctor en vez de creación, con una de las peores encarnaciones de nuestro adorado monstruo que puedan verse. Un film altamente disfrutable que se complementa con dos producciones de bajo presupuesto de los años cuarenta en la que nuestro actor favorito hizo, al igual que en la anterior, el tan recurrente papel de científico loco (o no): El gorila (The Ape, 1940 William Nigh) y La venganza del ahorcado (The Man They Could No Hang, 1939 Nick Grinde ) estrenada en su momento como La horca fatal. Ambas en maravilloso blanco y negro, el pack se completa con Vudú mortal (Snake People, 1971 Juan Ibáñez y Jack Hill) una psicotrónica coproducción entre Estados Unidos y México que siempre nos hará pensar en porqué Boris Karloff no dejó el cine tras la fantástica El héroe anda suelto (Targets, Peter Bogdanovich) en 1968. Pero no, siguió rodando hasta la extenuación algunos churros, entre los que figura este Vudú Mortal que podremos disfrutar en este pack.
La calidad del producto es variable aunque en general satisfactoria. Impecable en El Castillo de Frankenstein y La venganza del ahorcado, con copias remasterizadas y ofrecidas en versión original con subtítulos en castellano. Mientras que las virtudes decaen en Vudú mortal y sobre todo en El gorila, que están en versión doblada al castellano o en inglés sin subtítulos.
PACK GRINDHOUSE VOL. 4: THE SEXPLOITATION COLLECTION (2 DVD)
Por fín se pueden ver editadas en nuestro país dos de las más alocadas comedias nudies americanas. Repletas de enormes pechos, monstruos y despiporre festivo. La Casa de los Monstruos Cachondos es la (casi) mítica The House on Bare Mountain (1962, Lee Frost), todo un despropósito al igual que La vida sexual de Frankenstein (Kiss Me Quick!, 1964 Peter Perry Jr.). Dos magníficos títulos que se complementan con dos sobresalientes muestras del más exploitation cine carcelario (ya saben, apetitosas e inocentes mujeres a merced de compañeras y funcionarias lesbianas en las más libertinas cárceles que se pueda pensar). La carcel caliente (Caged Heat, 1974), es uno de los títulos bandera del subgénero y está dirigida por Jonathan Demme bajo producción de Roger Corman ¿Les parece poco? Pues sepan que entre sus protagonistas figura una Barbara Steele en horas bajas cuya mirada seguro sembrará el terror entre las internas y entre ustedes, que seguro que también se han portado mal y merecen un severo castigo.
Finalmente para terminar de redondear el pack tenemos Violencencia en una cárcel de Mujeres (Caged Woman, 1982), una coproducción italo-francesa con dirección de Bruno Mattei, ese director que tantas alegrías nos dió durante los años ochenta, especialmente con Apocalipsis caníbal (1980). Una barrabasada que incluye en su reparto a nuestra querida Emanuelle, Laura Gemser.
En cuanto a la calidad, es bastante alta. Por un lado los dos nudies se ven como nunca antes los había visto. Magníficos colores y versión original con subtítulos, lo que hace que ya puedan tirar al barranco las viejas VHS de Something Weird video (que a pesar de su encomiable labor se veían fatal). En cuanto a los dos dramas carcelarios están remasterizados aunque, eso sí, doblados al castellano o, en el caso de la de Demme, con audio también en inglés pero sin subtítulos.
En general ambos productos están bastante cuidados así que ¿Que más puede pedirse? Pues un buen precio, y sepan que cada pack cuesta 16,95 euros solamente.
Así que corran a su proveedor habitual ya que están disponibles desde el día 15 de octubre.
Sitges 2012: la reina del palmarés, Holy Motors
Un año más el Festival de Sitges ha tocado a su fin. Atrás quedan las carreras para llegar a las colas en buen lugar, las risas, las cervezas, los comentarios y horas y horas de buen cine. Y como cada año la culminación ha venido con el anuncio del palmarés que este año ha tenido una novia indiscutible, la francesa Holy Motors que se alzaba con cuatro de los principales galardones: Méliès de Plata; Premio de la crítica; Mejor director para Leos Carax y mejor película. Amada y odiada por la crítica tras su paso por Cannes, en Sitges se convirtió en la película del festival, con permiso de The cabin in the wood (2012, Drew Goddard) que no concurría a la sección oficial. No es una película fácil, y aunque está llena de fantasía, no es una película de género, que haya resultado ser la ganadora indiscutible habla bien de la salud del fandom como colectivo que no se deja encasillar por sus gustos y que muestra ser apto para ejercicios de cinefilia de los que algunos le creen incapaz.
Jurado de la sección oficial en esta 45 edición (Foto: Serendipia)
Leos Carax no dirigía un largo desde 1999, llevaba trece años casi apartado del cine, y ya antes se había tomado una pausa considerable entre Les amants du Pont Neuf (1991) y Pola X (1999) (concretamente ocho años), sigue siendo a sus más de cincuenta años el mismo enfant terrible que fue en sus inicios. Carax ha despertado desde siempre amores y odios irreconciliables, en 1999 se decía: «A Carax no se le puede ne-gar -pese a su inclinación al manierismo y el jugueteo audiovisual- talento, pero tampoco hay que escatimarle la petulancia, con frecuencia algo idiota, de los que se sienten genios incomprendidos, con el añadido de que en el arte la verdadera genialidad tiende casi siempre a la humildad como sombra inseparable y perturbadora» (fuente El País), duras palabras, sin duda. Para otros en cambio el francés se convirtió en director de culto, por lo breve y extravagante de su carrera, y ese aura impregna su última película, todo un ejercicio descarnado de reflexión sobre la vida y el cine que transpira pesimismo y voluntad a partes iguales.
A Holy motors se la califica de película de culto inmediato, se la podría tildar igualmente de obra personalísima no apta para todos los públicos, pero a nosotros todos esos calificativos se nos antojan huecos. Esos epítetos suelen esconder el extravío del crítico ante una obra difícil de juzgar, ante una obra como esta que dinamita todas las estructuras clásicas de la narración; no hay inicio ni desenlace sino que la película se mantiene en un prolongado nudo que deja sin resolver el conflicto, porque el conflicto es la vida misma y nuestra posición en el mundo. Durante las casi dos horas de proyección acompañamos a Óscar (Denis Lavant) en su viaje en limusina, conducida por la fiel Celine (Edith Scob), durante el que cumplirá con varias citas en las que adoptará diferentes personalidades, desde magnate de la banca a barriobajero asesino, pasando por padre de clase media, citas pues que funcionan casi como episodios separados engarzados por la línea común de ese viaje por la representación. Al espectador virgen, aquel que llega sin referencias sobre el film, le causará extrañeza porque, aunque nunca nada es real en la ficción al contemplarla nos esforzamos por crear la línea de la verdad en el relato, línea que normalmente es ocupada por la trama principal, jugamos a trazarle un perfil único al protagonista, a buscarle una lógica al relato incluyendo, si es necesario, episodios ficticios que se discernirían de la trama «real». Pero en Holy Motors no se da esa realidad de la ficción, como en un texto de Pirandello, la única tierra firme es la representación dentro de la representación, y su sentido no tiene excusa argumental. Así el filme se convierte en metáfora de la propia vida en la que todos vivimos sin guión.
Desde un sentir nihilista, Carax nos enfrenta en su última obra a la vida como representación. «Unos mueren y otros siguen viviendo» se nos dice en un momento del film, verdad perogrullesca que, sin embargo, pocos serán quienes la perciban en toda su crudeza. Para captar la tragedia que esconde esa afirmación tan simple es necesario haber demolido todos los filtros con los que nos enfrentamos al día a día, vivir desnudos ante la conciencia cárnica de la muerte, hay que haber percibido la fuga constante del tiempo como un fluir continuo e inapelable hacia la agonía del individuo y la continuidad de la existencia que no se compromete con ningún sujeto. Estamos aquí como actores de un guión no escrito, nuestro actuar es un representar sin cámaras ni público. Lo humano viaja sin repetición, no hay retorno a ninguna Ítaca, igual que Óscar en su limusina se desplaza de una actuación a otra sin solución de continuidad. Y en medio de esta fuga, los hombres modernos ya no quieren ver la verdad, ya no se comprometen con la acción, banales como el signo de los tiempos prefieren desprenderse de su responsabilidad con los motores de la historia, así lo concluye Carax en el epílogo dejándonos con un regusto amargo cuando se encienden de nuevo las luces de la platea.
Y no puede haber reflexión sobre la vida sino la hay también sobre el arte. Holy Motors es también un ejercicio de metacine. Ahí están las citas a Franju y a Renè Clair, pero ahí está sobre todo la pregunta por el sentido de seguir haciendo cine. Carax, a través del actor como alter ego, se manifiesta cansado ante un arte que ha perdido su poética, arrastrado hacia lo digital que lo vuelve todo más simple y superficial. Pero, con todo, no quiere tirar la toalla porque sigue importando crear belleza. Ahora bien, la belleza de la obra se completa en el espectador que la contempla, ¿podrá mantenerse en una sociedad en la que la mirada cada vez está menos educada? Con su arrolladora fuerza visual Holy Motors nos deja con la pregunta como problema.
Holy Motors funciona pues a varios niveles, como canto, como reflexión, como interrogante, pero lo que nos acompañará siempre de ella es su poderío visual, porque no deja resolverse en el plano conceptual. Lo que más cuenta es el anonadamiento estético en el que nos sume y esa sensación de dulce tristeza que era comentario general a la salida del cine. Podrá decidirse que es un tipo de cine que no nos interesa, e incluso abandonar la proyección, pero nadie podrá negarle nunca su carácter de sinfonía de imágenes inquietantes. Difícil de catalogar, nos atrapará o nos provocará rechazo, pero a nadie le va a dejar indiferente este ejercicio cinético y el reto actoral que presupone. Para gozarla u odiarla, no admite término medio.
Dos nuevos clásicos editador por L’ Atelier: The Tingler y The Alligator People
Estamos de enhorabuena, ya que han sido editados dos nuevas entregas de la imprescindible colección L’Atelier, y constituyen todo un lujo por sus interesantes propuestas:
LA062 THE TINGLER (EL AGUIJÓN DE LA MUERTE)
Un patólogo, el Dr. Warren Chapin, descubre que el escalofrío que recorre la columna vertebral en estados de miedo extremo se debe al crecimiento de una horripilante criatura que todo ser humano aloja en su organismo. El anfitrión puede debilitar a ese ser, e incluso destruirlo, gritando con todas sus fuerza. Chapin tendrá la oportunidad de probar sus teorías cuando conoce a Martha Higgins, propietaria de una sala de cine. Martha es sordomuda, y si no es capaz de gritar, el miedo extremo debería provocar la aparición de la criatura…
Erigida hoy en pequeño clásico del cine de Serie B, The Tingler es una de las mejores películas de su director, William Castle. Igualmente, es una obra de “autor”, un film con plena conciencia de sus objetivos artísticos y económicos, de sus limitaciones y virtudes, cuyos artificios están absolutamente calculados y dosificados. De impacto la escena a «color» que contiene. Sin duda es un gran film, divertido, ingenioso, delirante, a ratos perturbador. The Tingler constituye la segunda colaboración entre William Castle y el actor Vincent Price, cuyas producciones con Castle, como esta y House on Haunted Hill (1958), contribuyeron a convertir al actor en una estrella del cine de terror.
¡Y además…! The Fingers of Fear (EE UU, 1961, 50 min.), un episodio de la mítica serie televisiva THRILLER, presentada por Boris Karloff y con Nehemiah Persoff. Un asesino de niños siembra el terror en una pequeña ciudad norteamericana. El teniente Wagner tiene poco tiempo para desenmascararlo…
Contenido:THE TINGLER (EE UU, 1959) 82 min. Trailer. Filmografías de WILLIAM CASTLE, VINCENT PRICE, JUDITH EVELYN, DARRYL HICKMAN. Libreto (Historia de la película ilustrada) Extra: THRILLER: THE FINGERS OF FEAR (EE UU, 1961) 50 min. Idiomas: Inglés – Español. Subtítulos: Español – Francés. Widescreen anamórfico (1.66:1) Blanco y Negro
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LA-063 LOS HOMBRES CAIMÁN (THE ALLIGATOR PEOPLE)
Jane Marvin se casa con un joven soldado cuyo rostro, a pesar de haber quedado gravemente desfigurado en combate, se ha recuperado extrañamente. Durante la luna de miel, tras recibir un misterioso telegrama, el marido desaparece. Jane emprende entonces una pesquisa que la lleva a los pantanos de Luisiana, donde el doctor Sinclair lleva a cabo extraños experimentos con proteínas extraídas de los caimanes…
Pónganse las botas y acompañen a Beverly Garland, Lon Chaney Jr. y Richard Crane por los peligrosos y misteriosos “bayous” de Luisiana en esta especie de versión sauria y gótica de La mosca. The Alligator People, película tardía y poco conocida del cine de monstruos atómicos contó, sin embargo, con un equipo artístico de excepción: Roy Del Ruth (The Terror) como director y Karl Struss (Ultimátum a la Tierra) como director de fotografía, además de un otoñal (bueno, casi invernal) Lon Chaney Jr. y la siempre agradecida presencia de Beverly Garland.
¡Y además…! Curse of the Swamp Creature (1966, 80 min.), una película destartalada de Larry Buchanan, autoproclamado rey del cine trash, en la que un científico loco experimenta con glándulas de caimanes para crear un ejército de hombres-saurios. Con un John Agar petrificado, la escultural Francine York y el monstruo más feo jamás visto en pantalla.
Contenido: THE ALLIGATOR PEOPLE (EE UU, 1959) 74 min. Trailer. Filmografías de ROY DEL RUTH, BEVERLY GARLAND, LON CHANEY JR. Libreto (Historia de la película ilustrada) Extra: CURSE OF THE SWAMP CREATURE (EE UU, 1966) 80 min. Idiomas: Inglés – Español (extra en inglés) Subtítulos: Español – Francés. Widescreen anamórfico (1.66:1) Blanco y Negro / Color (extra)
Sitges 2012: la odisea de la sección noves visions, una aproximación a Keyhole
«Creo que el cine no puede admitir más que un género concreto de filmes: únicamente aquel en que sean utilizados todos los medios de acción sensual del cine.
El cine implica una subversión total de los valores, un trastoque completo de la óptica. de la perspectiva, de la óptica. Es más excitante que el fósforo, más cautivante que el amor. No es posible ocuparse en destruir su poder de galvanización por el empleo de temas que neutralizan sus efectos y que pertenecen al teatro.» Antonin Artaud.
La cinematografía del canadiense Guy Maddin parece suscribir la afirmación de Artaud que citamos, especialmente en su destacado en negrita. Podría decirse que su revolución consiste en una regresión a los orígenes vanguardistas del cine, viendo Keyhole nos sentimos transportados a la perplejidad con la que los primeros espectadores se enfrentaron a los experimentos de Duchamp, de Man Ray, del primer Buñuel… Y una de dos, o nos dejamos seducir por su universo onírico o abandonamos la sala en busca de aire fresco y lógica cotidiana. Por ser un ente dual, Serendipia pudo encaminarse por ambos senderos de la bifurcación a la vez, aunque debo admitir que yo, que permanecí en el cine, lo hice más por obediencia a mis pretensiones de cinéfila que porque las imágenes causaran fascinación en mí.
Vayamos por partes. ¿Quién es Guy Maddin? Canadiense nacido en febrero de 1956 es conocido por su original recreación del cine mudo y del primer cine sonoro, recreación que en Keyhole le lleva a utilizar la lluvia para emular el ruido de imagen que aqueja a las copias que han llegado a nuestros días sin restaurar. Según confiesa él mismo: “Tengo una fantasía en la cual viajo atrás en el tiempo para robar las películas de otros directores, conformando así una gran filmografía propia. Resulta como una transfusión de sangre: no quieres tomar tanta como para matarlos o incluso debilitarlos, solo la cantidad justa para poder obtener beneficios, permitiendo que continúen viviendo repletos de sangre.” Algunos títulos destacados (que nosotros seleccionamos al azar) de su filmografía son Dracula: Pages From a Virgin’s Diary (2002) (mejor película en Sitges en 2002); Brand Upon the Brain!; Mándame a la silla eléctrica (Send Me to the ‘Lectric Chair) (C) (2008); Tales from the Gimli Hospital (1988) Ha trabajado distintos géneros a los que homenajea, en Keyhole, que es la que nos ocupa, ha escogido el cine negro para citar vagamente la Odisea de Homero.
¿Qué nos «cuenta» Keyhole? Ulises regresa a casa tras un tiempo ausente. Con él, llega una chica ahogada y un extraño hombre. La banda de Ulises ha estado sosteniendo el negocio. A su llegada, él deberá reencontrar a su esposa. Maddin evoca la Odisea de Homero, pero lo hace en clave rotundamente doméstica, con una estética al borde del sueño y con una Isabella Rossellini convertida definitivamente en musa del cineasta. Pero el argumento es apenas una excusa para desplegar un experimento formal en el que mezcla aportaciones del expresionismo alemán, el surrealismo francés y el constructivismo ruso. Y ello mezclando el fantástico europeo del primer cuarto del siglo XX (se citan referencias a el Vampyr de Dreyer, La caída de la casa Usher de Epstein, y La carreta fantasma de Sjöström) con el cine negro americano de los años 30. En Keyhole conviven el juego con planos de tiempo distintos que se interseccionan en un presente, apariciones fantasmales, y alusiones a la Odisea, bajo una estética del cine de gangsters, pero lo importante es siempre su juego formal y su ambientación onírica que suspende la lógica. El problema que le detectamos es que suspende hasta tal punto la lógica que la trama argumental que debiera articular el experimento se desdibuja hasta su desaparición. Hay que reconocerle que es una obra personalísima pero gustará sólo a aquellos que se dejen llevar por lo envolvente de sus imágenes, el resto asistiremos obedientes a un ejercicio de cinefilia de los duros, más por disciplina que por agrado.
Maddin es comparado con Lynch pero a quien esto escribe no le ha tocado la fibra igual que el americano. Ya se sabe la obra de arte se completa en el espectador que la contempla, pero creemos que al canadiense no le ilumina la misma gracia que a otros directores amantes de lo críptico, por mucho que su actitud de admiración-recreación del mudo pueda parecerle a algunos más sincera y atrevida que la planteada por la oscarizada The artist. En resumen, las alusiones a la Odisea que lleva a cabo Maddin son tangenciales, pero enfrentarse a la sección Noves Visions le resulta a Serendipia una auténtica odisea llena de penalidades.
Sitges 2012: cuando la realidad es lo terrorífico,The Tall Man y Compliance
En The Tall Man (2012, Pascal Laugier), el nuevo film del responsable de Martyrs (2008), se nos ofrece , esta vez en coproducción entre Francia y Canadá, un argumento con pueblos semidesiertos que se derrumban, niños que desaparecen y la encarnación del mal en un hombre del saco al que llaman The Tall Man. En el rol protagonista una eficaz Jessica Biel –a la que también podemos ver en el remake de Desafío Total (Total Recall, 2012 Len Wiseman) y en la (como mínimo curiosa) Hitchcock, donde recreará a Vera Miles– sabe pasar perfectamente del papel de víctima al de culpable con su actuación temperada, nada histriónica.
Efectivamente, en The Tall Man nada es lo que parece y el juego de espejos distorsionadores nos desliza hacia giros inesperados que obligan al espectador a reinterpretar las imágenes una y otra vez hasta conducirle a una encrucijada moral. Y ello sin que las vueltas de tuerca, tan de moda en el cine actual, chirríen un sólo momento. Esa efectividad se consigue con la puesta en escena y, sobre todo, con su meticuloso montaje: Laugier juega con los encuadres salpicándolos con detalles de fondo a los que habrá que estar muy atentos porque acabarán cobrando significación cuando cambie radicalmente el punto de vista de la narración, pequeños detalles como fotos en las paredes que interpretamos de un modo cuando los vemos por primera vez y de otro cuando vuelvan a aparecer gracias a como se han montado los hechos en la trama.
Otro elemento, pues, que juega a su favor es la desecuenciación del tiempo. La película empieza in media res: vemos a la policía cercando la salida de una mina (tras unos rótulos que hablan de la desaparición de niños en EE.UU) e inmediatamente pasamos a un primer plano del rostro de Jessica Biel lleno de heridas, sumando ambos detalles pensamos que la protagonista ha sido víctima de uno de esos secuestros. Y durante el primer tercio, el flashback, seguimos pensándolo. La primera hipótesis es que alguien está secuestrando a los niños del pueblo amparándose en la superstición del hombre del saco, pero conforme avanzamos en el flashback (ojito con el SPOILER) pasamos a pensar que son los mismos lugareños los que llevan a cabo los raptos, hasta descubrir que la culpable es la propia protagonista (fin del SPOILER). Si en su primer tercio la película avanza a modo de whoduit en el último acto ese interrogante es sustituido por el por qué lo ha hecho. Y cuando se revele (después de habernos hecho una hipótesis que el film vuelve a desmentir), nos encontraremos ante una encrucijada moral: ¿es lícito practicar el mal para conseguir un bien mayor?
El film de Laugier funciona, por tanto, como un juego de escaques en el que todos los movimientos están pensados para llevarnos desde la confusión a la luz y a la reflexión. Conducido todo ello por una voz en off que resulta ser la del único personaje silente, clara metáfora de que es posible devolver su relevancia a los que han sido silenciados por la injusticia social. Es posible que a los más fanáticos del género y, sobre todo, a los que estén esperando otro ejercicio como Martyrs, se vean decepcionados, sin embargo, nosotros pensamos que este es un film de brillante factura, aunque las dos partes de Serendipia no llegan a un acuerdo sobre el ritmo. Mientras una insiste en que es el que más favorece a la precisión de la trama, la otra indica que es excesivamente pausado, lento hasta la exasperación. Lo que está claro es que The Tall Man no es una cinta pensada para entretener, es una película que le habla a la inteligencia más que a la emoción, y eso no será de agrado para todos los públicos. En todo caso, no os la perdáis porque dará que hablar.
The Tall Man se estrenará en España con el dudosamente bien elegido título de El Hombre de las Sombras, esperamos que si la cinta de Craig Zobel (de la que vamos a hablar a continuación) se estrena en nuestra tierra no traduzcan su título, porque el campo semántico del ‘compliance’ inglés va desde el acatamiento hasta la complacencia, y la acción de la película no se explicaría si ese actuar desde la conformidad que obtiene placer en la observancia.
Compliance se vio envuelta de controversia en su paso por Sundance, no tanto por sus imágenes, como por su aparente falta de verosimilitud y, sin embargo, la cinta está basada en hechos reales (y los internautas han podido comprobar que lo narrado aconteció en un McDonalds de Kentucki). Se nos cuenta la historia de Becky (Dreama Walker) quien acude a otro anodino día de trabajo en el restaurante de fast food en el que trabaja. Todo es totalmente normal hasta que se recibe una llamada telefónica, supuestamente de la policía, en la que se la acusa de haber robado a una cliente, desatándose desde ese momento una pesadilla en la que el abuso de poder campa a sus anchas y en el que vemos que la pérdida de los derechos puede depender de, simplemente, una llamada de teléfono. Un hilo argumental que posiblemente hubiera agradado al Hitch de Falso culpable (The Wrong Man, 1956). La pérdida de la cotidianidad que corta el hilo del presente y amenaza el futuro de la protagonista. Y no sólo por el tema del falso culpable habría satisfecho a Sir Alfred, también le habría complacido el uso del suspense que no procede de elementos sobrenaturales sino de miedos muy ordinarios como el temor a perder el trabajo (en una situación como la actual puede ser una auténtica catástrofe) o la aprensión que nos produce todo lo que guarde relación con la policía. Compliance demuestra que para construir a un villano no se necesitan colmillos ni rasgos monstruosos, basta con un elemento tan habitual como un simple un teléfono móvil en manos de una mente perversa.
La cámara de Craig Zobel se entretiene en detalles mínimos en la obertura del film, es una mañana fría en algún lugar de Estados Unidos, nieve en la calzada, la trasera de un camión, objetos típicos de un fast food abandonados en el suelo… Compone así auténticas naturalezas muertas que tienen por objeto situarnos en un paisaje que nos resulta conocido por corriente. 
Sandra (una efectiva Ann Dowd), la directora del restaurante de la franquicia se dispone a encarar un día duro, un descuido con el congelador la ha dejado sin suficientes provisiones para servir sus especialidades justo en un día en que habrá supervisión. Todos van a tener una carga de trabajo extra para salir con éxito de la prueba, pero nada de eso mina la camaradería habitual. Con muy pocos elementos Zobel describe a sus principales personajes, Sandra es una mujer madura que sigue siendo bonachona e ingenua pese a su cargo y Becky es una joven adolescente algo frívola que no ha acabado de perder su inocencia. Estos rasgos de carácter ahondarán el drama cuando empiece a trastornarse todo.
A media jornada se recibe la llamada del agente Daniels (Pat Healy), que informa de que una de las trabajadoras ha sido acusada de robo y ordena a Sandra que sea su intermediaria en el interrogatorio e inspección de la sospechosa. En todo momento la cámara es cercana a los personajes, se diría que actúa como un narrador que, aún siendo omnisciente, está contaminado del punto de vista de los protagonistas de la acción; siempre firme en su trípode realiza sutilísimas correcciones de encuadre que nos imbuyen el nerviosismo que se vive en la escena. Como en los mejores filmes de suspense el espectador intuye que los personajes están siendo víctimas de un engaño, así descubre con satisfacción que el autor de la llamada no es más que un vulgar bromista que nada tiene que ver con la policía. Durante el primer tercio de la película no vemos al villano Daniels, de modo que cuando aparece en pantalla, nosotros como «detectives» aficionados, nos felicitamos por nuestra perspicacia.
La extorsión de Daniels se asienta sobre los mecanismos del timo, es decir, todos son sus víctimas, no sólo Becky, pero Sandra y quienes colaboran con ella, no dejan de obedecer al supuesto agente con complacencia incluso cuando les instiga a darle a la adolescente un trato vejatorio. Y como todo buen film de intriga hace al público cómplice del delito porque todos esperamos ver hasta dónde van a ser capaces de llegar y casi nos alarmamos tanto como el falso oficial Daniels cuando está a punto de perder la comunicación (igual como cuando deseamos que Norman Bates pueda ocultar el cadáver en Psicosis).
Lo dicho, Compliance, habría complacido al bueno de Hitchcock. Y el aficionado también saldrá satisfecho, porque, más allá de que esta hiperrealista cinta (Zobel se apoyo en grabaciones reales), pueda en ocasiones resultar paradójicamente inverosímil, hay que reconocerle su capacidad de mantenernos en tensión durante todo el metraje.
Sitges 2012: Fantástico con gotas de comedia
A veces el fantástico y la comedia se han unido en extraña alianza. Tan solo hay que ver Freaks (1932, Tod Browning), que revosa 
buen humor y chascarrillos mezclados con cirugias abominables y venganzas. O en plan despiporre, Braindead (1992, Peter Jackson), ya puro slapstick o Frakenhooker (1990, Frank Henenlotter). La lista es bastante abultada, no hay que olvidar las españolas Extraterrestre (Nacho Vigalondo, 2011) y Lobos de Arga(Juan Martínez Moreno, 2011) vistas en la pasada edición del Festival de Sitges. También, naturalmente, hay películas que consiguen provocar hilaridad sin proponérselo, de eso ciertamente también hay mucho en el fantástico.
Esta edición del festival nos ha ofrecido dos buenas y sanas muestras de terror/humor. Por un lado la irlandesa Grabbers (2012) es una monster movie de Jon Wright, director que ya nos había ofrecido otro cóctel de este tipo con Tormented (2009) su primer largometraje tras rodar algunos cortos. Si en La guerra de los mundos H.G. Wells nos narra que la invasión extraterrestre pudo ser frenada por los habitantes más diminutos de este planeta, las bacterias, en esta su segunda película, Wright muestra que la única manera de terminar con unos vampíricos calamares del espacio exterior que han invadido un pequeño pueblo marinero irlandés es «contaminando» la sangre de todos sus habitantes con alcohol; cosa que, por otro lado, no resulta nada difícil: basta con anunciar barra libre en el pub de la localidad.
El director, además de resolver este desquiciado y a la vez ingenioso argumento de una forma muy satisfactoria, consigue fotografiar los paisajes del pueblo marinero con gran belleza. Sabe mover la cámara y no vacila en usarla en mano cuando rueda las escenas de mayor enfrentamiento, cosa que en este film le resulta satisfactoria a Serendipia, prueba de que no nos negamos en banda al recurso cuando está justificado. En cuanto a la dirección de actores, resulta también convincente, gracias, en parte, a que en el guión los prototipos que son sus protagonistas están perfilados de forma modélica, de modo que se consigue incluso aquello, tan difícil a estas alturas, de que nos caigan bien.
Grabbers ha sido puesta en relación con Súper 8 de J.J. Abrahams pues sus chuhtluianos invasores recuerdan a los monstruitos de las películas de los 80s, concretamente a los Gremlins de Joe Dante, creemos, sin embargo, que la relación no es más que tangencial; más bien la pondríamos en relación con la serie B de los 50s y sus relatos de invasores del espacio. No se puede olvidar, además, que la película es una comedia que hace gala de una sanísima autoparodia (uno de los tópicos más extendidos sobre el pueblo irlandés es el de que se beben hasta el agua de los jarros, bueno, si está bautizada de alcohol) y del espíritu británico que despertaba nuestra hilaridad en las célebres comedias de la Ealing, alguna de las cuales también bromeaba con las inclinaciones etílicas de los británicos, como Whisky a Go Go (Whisky Galore, 1949, Alexander MacKendrick), aunque en esa ocasión fueran los escoceses. Monstermovie, comedia y, también, película de compañeros, pues la pareja protagonista serán la recién llegada guardia Lisa Nolan y el veterano sargento Ciarán O’Shean, entre los cuales el antagonismo irá cediendo hasta el sentimiento extremamente opuesto. Lo tiene todo para hacernos pasar un buen rato. Un film sin grandes pretensiones ni complicaciones realizado con la única finalidad de entretener ¿Les parece poco?
La segunda propuesta es una coproducción entre Finlandia, Alemania y Australia, pero no se espanten, el resultado es altamente 
satisfactorio, tanto en guión como en medios técnicos. Iron Sky de Timo Vuorensola es una ingeniosa parábola sobre qué sucedería si al llegar un cohete americano en 2018 a la luna se encontrara con una base nazi perfectamente organizada desde 1945 en la cara oculta del satélite. Con el añadido, además, de que el astronauta fuese afroamericano (negro, vamos). Con estos mimbres, el finlandés, construye una comedia de ciencia ficción con tintes de fábula política.
Timo Vuorensola debuta con esta película en la pantalla grande, después de haber conseguido darse a conocer con su fan film StarWreck en 2005 (sobre el que puede leerse una interesante crítica aquí). Iron Sky no resulta totalmente redonda, pero sí tiene buenas dosis de aciertos. Entronca de algún modo con la estética steampunk con su gran despliegue de tecnología retrofuturista, ese laboratorio en la luna con su mad doctor de cómic, esos platillos voladores (ahora ya saben de dónde venían) y, sobre todo, esas naves espaciales con forma de zepelines. Ayuda a darle ese aire añejo la fotografía con color degradado casi hasta el blanco y negro en todo lo que se relaciona con la vida de los nazis en la luna y, por supuesto, la labor vestuario, maquillaje y peinado. En este último apartado destaca el trabajo sobre la francesa Julia Dietze (una belleza aria que quita el hipo) que interpreta a la instructora Renate Richter, la hija del mad doctor, especialista en terraqueología que prepara a los niños para una futura toma de la tierra por parte de los nazis quienes, ella cree ingenuamente, llevan un mensaje de paz y armonía. En cuanto a los actores, destacan igualmente Christopher Kirby, que ha formado parte de distinguidos repartos, entre ellos Star Wars III: La venganza de los Sith (Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith, 2005 George Lucas) en el papel del astronauta Washintong, Gödz Otto como el villano Klaus Adler y sobre todo el siempre correcto y casi mítico Udo Kier en el papel de fürer sucesor de Hitler en la luna. Todos ellos nos brindan una interpretación correcta.
Comedia en tres actos, Iron Sky brilla sobre todo en su segundo tercio cuando Klaus Adler, acompañado por Renate Richter y el astronauta Washintong (que ha sido albinizado y adoctrinado en la luna) se desplazan a la tierra. Allí van a contactar con Vivian Wagner (Peta Sergeant) jefa de campaña para la reelección de la presidenta americana (Stephanie Paul), presidenta que nos recuerda a Sarah Palin pero aún más extrema. El eslogan bajo el que se presenta a las elecciones emula al Yes we can de Obama, pero no duda en adoptar para sus discursos las soflamas propagandísticas Nazis. Aquí, pues, es donde la sátira se hace más ácida: nuestros políticos actuales carecen de escrúpulos y en lo único que piensan es en arrancarnos el voto. Con humor Vuorensola denuncia algunos de los puntos más débiles de nuestras modernas democracias.
Es en el último tercio cuando desplegará lo aprendido en su fan film, Iron Sky se convierte en su último acto en una space opera que emula las batallas de Star Wars. Brillante en su ejecución y en sus efectos, adolece quizás de romper un tanto la línea satírica que la ha definido, aunque no la abandona pues en la batalla contra el invasor se descubrirá que todas las naciones desarrolladas han construido armas nucleares pese a haber firmado pactos renunciando. Con ironía el finlandés nos ofrece en esta ópera prima un film de género y denuncia, no se le puede pedir más a un debutante, y Vuorensola insistirá en esta línea en su próximo film, I Killed Adolf Hitler, película que adapta el cómic del noruego Jason ganador de un Eisner, un relato de viajes en el tiempo en el que Jason nos muestra un mundo extraño y violento en donde los asesinos a sueldo suelen ser contratados para eliminar gente como parientes, colegas abusones, vecinos o tan solo personas molestas en general. Sus servicios tienen una gran demanda. Un científico contrata a uno de estos asesinos para viajar al pasado y matar a Adolf Hitler en 1938, con la esperanza de que quizás así la humanidad cambie. Pero el asesino falla estrepitosamente y Hitler escapará al presente. Nos esperan sorpresas venidas de este director, estaremos pendientes.
Sitges 2012: Found footage project
Ya resulta cansino el tema de estos falsos documentales, found footage o películas con aspecto de estar hechas por aficionados, por aquello de dar cierto realismo y conectar con el sector más joven (y no tanto) del público, ya totalmente imbuido en el mundo digital de telefonitos (smatphones en su mayoría). Cuantas sesiones de bendito oscuro cine se ven enturbiadas por el resplandor de estos armatostes cuyos propietarios no pueden dejar de consultar ni un momento. Si el mundo se terminara no lo mirarían directamente, lo filmarian. Ahora, por decir algo que Serendipia ha vivido en su propia carne, como una boda, los novios ya no se limita a posar para el fotógrafo contratado de turno, no. Hay que posar para todos y cada uno de los móviles que los invitados llevan encima, que por otra parte no pueden dejar de consultar por si pasa algo más interesante que lo que estan viviendo en ese momento en directo o para informar en tiempo real de lo que están viviendo (como si fuera una noticia de interés general). Cualquier cena se convierte en un momento (que parece dado por una muda orden) en una orgía de cámaras teléfono que deben inmortalizar la pitanza y la cara de besugo de los invitados, que inmediatamente pasan a figurar en el perfil de facebook del que perpetra las imágenes (malditas etiquetas). La imagen de uno en el basurero y sin poder hacer nada para evitarlo.
Pues bien, de ese terror (no por cotidiano, menos punzante) va esto del found footage.
Si bien los primeros experimentos tienen cierta gracia, como la inaugural Holocausto Caníbal (Cannibal Holocaust, Ruggero Deodato) o la simpática The Blair Witch Projet (1999, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez). Pienso que se consiguió la cima con las autóctonas Rec (Jaume Balagueró y Paco Plaza) y con la, para el que esto escribe, magnífica Monstruoso (Cloverfield, 2008 Matt Reeves). Sin que ello vaya en detrimento de que todavía se puedan rodar películas en este estilo en las que el recurso esté totalmente justificado por el guión y resulten de impecable factura. Así nos sorprendió gratamente Chronicle (2012, Josh Trank) a la que le dedicamos un artículo en este mismo blog.
Pero parece que no hay suficiente y este, ya casi subgénero, sigue dando coletazos tras las soporífera Paranormal Activity (2007, Oren Peli) saga de la que únicamente fuimos capaces de ver la primera entrega, que terminamos por aquello de (¿Algo pasará, no? ). Ahora cuando sé que una película es de este estilo, sencillamente evito verla (o al menos lo intento). Incluso el subgénero (llamémosle así) está mutando, como demuestran películas como Atrapados en Chernóbil (Chernobyl Diaries, 2012 Bradley Parker) que aunque sólo utiliza en parte este tipo de rodaje, cuando lo abandona no deja de parecer estar todo rodado por un amateur con una única cámara (no olviden que detrás de esta cinta está Oren Peli autor de ese hype que fue la mencionada Paranormal Activity), film que quiere reproducir el punto de partida de Hostel, pero que no llega a ser más que una película nefasta y del montón (en su honor hay que reconocerle que no tiene mal ritmo y en algunos momentos resulta incluso entretenida).
El público se está hartando de tanto rodaje parkinsoniano (que digo yo que incluso con la cámara en mano la imagen puede no ser tan temblorosa). O no, ya que en el Festival de Sitges se ha dedicado a este tipo de rodaje una maratón ( bajo nuestro punto de vista de visita obligada sólo para masoquistas).
No se puede censurar del todo que Eduardo Sánchez, uno de los directores de The Blair Witch Project (1999), film que puso de moda la tardía y ya cansina moda de rodar cámara en mano con la intención de que una película tenga aspecto de documental amateur, vuelva al formato (aunque sólo en parte) con este su quinto largometraje, Lovely Molly. En la película, una pareja de recién casados se instala en el caserón en el que la novia se crío con sus ya fallecidos padres. La trama deja entrever abusos sexuales, drogadicción y más cosas que descubriremos al final, todo ello para intentar responder al interrogante de ¿Se trata de una posesión o de una bajada a los infiernos de la locura por parte de su protagonista? Todo ello quedará al final desvelado claramente -o no- tras cierto juego de engaño con el espectador que no deja de ser ingenioso. Uno de esos trucos que fuerzan al espectador a formularse hipótesis que habrán de corregir son los incisos de vídeo doméstico que se utilizan, aunque van fechados, es más que probable que los espectadores los interpreten como un recurso de flashback, es la fuerza de la costumbre que a veces nos pesa más que la experiencia directa. Cuesta de arrancar, pero una vez lo hace tiene cierta oscuridad que no puede dejar de agradecerse, amén que hay que agradecerle que logre hacernos dudar sobre si no serán verdaderas las apariciones que dice estar sufriendo la protagonista, porque en ningún momento se utiliza el susto fácil pero sí se incorporan detalles que nos hacen pensar que la protagonista está atada a algún tipo de adicción. Por su parte la Molly del título es una más que correcta Gretchen Lodge, que en esta su segunda película tiene a bien ser bastante desinhibida en algunas escenas de desnudo. El resto del reparto también cumple bien con sus papeles aunque ninguna de las actuaciones nos resulten especialmente memorables.
Found footage puro y duro, sin ningún tipo de hibridación, es el que nos ofrece Area 407 (Dale Fabrigar y Everette Wallin), de la que por cierto os aconsejamos que no os leáis la sinópsis que se ha incluido en la web del festival u os la van a destripar enterita. El argumento es simple, un par de adolescentes regresan a Los Ángeles en avión la noche de fin de año, la pequeña Trish (la adorable debutante Abigail Schrader) no deja de filmarlo todo hasta la nausea con su cámara (de modo que te entran ganas de que muera pronto). Todo va bien hasta que el avión sufre un accidente y cae en medio del desierto, a partir de ahí la película se convierte en un survival en toda regla (y en el que todos atufan a muerto desde el principio) y se va a complicar cuando sean atacados por un extraño animal que no reconoceremos plenamente hasta el fin de la cinta y que la asemeja a una versión low cost de Monstruoso. Area 407 es una película modesta, que parece de muy bajo presupuesto, que no tiene grandes expectativas, su metraje nos parece un tanto excesivo pues con una mayor concisión habría sido efectiva, no se inscribirá en la historia puesto que es totalmente olvidable, nada destaca en ella y parece apta para ser programada en horario de sobremesa, franja horaria en la que se agradece todo aquello que estimule el sestear.
De todas las películas incluidas en esta selección V/H/S es la que más expectativas ha generado en los foros y blogs de Internet. Se trata de una obra colectiva que concatena diferentes microrelatos de terror al estilo de, por ejemplo, Creepshow, constituyendo un auténtico juego metalinguístico de cine dentro del cine. Como todas las obras colectivas presenta el problema de que no todos los episodios logran el mismo interés, dándose además la circunstancia de que una de las peor resueltas es Tape 46 de Adam Wingard que es la que sirve como nexo de unión entre las historias que forman parte de esta antología. El relato de Wingard nos presenta a una panda de descerebrados que disfrutan filmando sus gamberradas. Son contratados para asaltar un domicilio en busca de una cinta de vídeo y allí se dirigen cámara en ristre. Se les dice que reconocerán fácilmente el vídeo en cuestión, pero a la hora de la verdad se encuentran con que la casa guarda una infinitud de ellos y tendrán que visionarlas junto a un anciano muerto que allí encuentran (y esa es la excusa para el juego metarefenrencial). El problema que presenta es que no genera intriga ni nos importa demasiado qué vaya a ser de esos cretinos que no se nos hacen simpáticos, de modo que casi se podía haber prescindido de ella.
Una de las mejores narraciones es Amateur Night de David Bruckner, en ella tres amigos se disponen a vivir una farra nocturna (qué molesto es que además de caracterizarse por ese tembleque de imagen los found footage incluyan como signo distintivo la oscuridad para mayor castigo de nuestros sufridos ojos) pertrechados con unas gafas espía que han regalado a uno de ellos, gafas que por cierto sabemos a ciencia cierta que existen y son efectivas, según nos comentó una persona perteneciente al Fandom que ustedes conocen y de quien no vamos a desvelar su nombre. No son como las de Rayos-X que anunciaban en el Teleprograma para ver a las vecinas cambiarse a traves del tabique del dormitorio y que, ya les digo que esas sí que no funcionan. El corto no habría pasado de asemejarse a esas grabaciones que algunos necios suben a Youtube si no fuera por la vuelta de guión que introduce el personaje interpretado por la exótica Hannah Fierman y sus sorprendentes ojos; una auténtica mujer vampiro que les va a causar serios disgustos a los protagonistas. Turbulento y sádico, es el episodio más destacado junto al último de ellos, 10/31/98 de Radio Silence, seudónimo de los cuatro directores que han trabajo conjuntamente en ella.
Second Honneymoon era el segmento más esperado por ser el dirigido por Ti West (The house of the devil, Cabin Fever 2, The Innkeepers), pero en la práctica ha generado algo de decepción. Una pareja convencional celebra, con un viaje por el mítico oeste, lo que se diría pretende ser su segunda luna de miel y, como no, tienen la intención de grabar todos los momentos memorables como testimonio que algún día les ayudará a guardar los mejores recuerdos. Pronto descubrirán que están siendo seguidos por una misteriosa mujer la cual va a ser relevante en el desenlace. A Ti West se le agradece el que casi todo lo grabado por los protagonistas transcurre a la luz diurna y, sobre todo, que sean unos aficionados al rodaje con un pulso suficientemente firme como para no provocarnos mareo.
No podía faltar un slasher en la selección, esa es la función que cumple el tercer relato Tuesday the 14h dirigido por Gleen McQuaid. Lo típico, un grupo de jóvenes va de excursión a un recóndito paraje en el que morirán uno tras otro con muertes violentas y descacharrantes; la única novedad es que el psychokiller parece ser un ente paranormal, por lo demás no aporta nada al género que estamos comentando.
Uno de los episodios más originales es The Sick Thing That Happened to Emily When She Was Younger de Joe Swanberd contado a través de las vídeo conferencias de los protagonistas. Cuando se inicia pensamos que va a ser una historia de apariciones, pero va a girar hacia uno de los miedos urbanos más extendidos (junto al de cocodrilos y alimañas similares viviendo en las cloacas) el temor a que nos arrebaten un órgano para traficar con él en el mercado negro. El problema de este segmento, que podría haber pertenecido a la mítica serie Twilight Zone, es que el giro sorpresa resulta precipitado, pero, insistimos, incluye la novedad de la webcam como aportación a los falsos documentales y eso la dignifica.
Y llegamos a 10/31/98 (firmada por Radio Silence) la única que no es visionada por los gamberros del nexo de unión, cosa que nos hace pensar que justo esa es la grabación que estaban buscando. Noche de Halloween, cuatro amigos se dirigen a una fiesta disfrazados, pero se perderán y acabarán casi atrapados en una especie de casa encantada en medio de un ritual satánico (eso sí, los tipos no sueltan la cámara ni cuando se defienden de los ataques, con lo incómodo que ha de ser pelearse con una sola mano) y el desenlace será de impacto.
Aquí los cuatro integrantes de Radio Silence
En definitiva, V/H/S es una película irregular pero no es el peor producto de la selección, eso sí, los amantes del cine clásico acabamos con el deseo de revisar Qué verde era mi valle o cualquiera de los films de la época dorada del cine para desintoxicarnos. Films que a pesar de haberlos revisado varias veces, uno no mira el reloj continuamente para ver cuando terminan. Puede ser, eso sí, recomendable para los fetichistas del formato vídeo.
Junto a Área 407 y V/H/S la maratón se completó con The Bay el debut en el género de terror del veterano Barry Levinson (el responsable de Good morning, Vietnam y Rain Man entre muchas). De las tres la de Levinson es la que, a juzgar por el trailer, hace gala del pulso más firme y no cae en la estética feísta tan típica en el falso documental. The Bay se inscribe en el que se ha dado en llamar eco-terror, películas en las que el miedo lo introduce algún virus provocado por los mismos humanos, o en los que la naturaleza se rebela de un modo u otro a los abusos ecológicos de la humanidad. Es un tipo de terror que puede asociarse a fenómenos que alarman actualmente como puede ser el cambio climático, una de las más emblemáticas es la no totalmente redonda El Incidente de M. Night Shyamalan. El film de Levinson nos cuenta la historia del pintoresco pueblecito costero de Claridge, en la Bahía de Chesapeake, que vive del mar, auténtico sustento de la comunidad. Cuando dos investigadores biológicos franceses descubren un nivel asombroso de toxicidad en el agua, intentan advertir al alcalde, pero este se niega a provocar el pánico en el tranquilo pueblo. 
Como consecuencia, se desata una letal plaga que infecta a los habitantes de Claridge con una variedad mutante de parásitos capaces de hacerse con el control de sus mentes y, en última instancia, de sus cuerpos. Poco más podemos decir de ella, porque aunque Serendipia sea un ente mitológico de vez en cuando debe conciliar el sueño. Si la visteis ya nos haréis llegar vuestros comentarios, por el momento os dejamos con su trailer.
Tres cintas de producción británica acaparan el palmarés de la XIII Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona.
Continuando con Festivales. Recien finalizado el de la Costa del Sol-Estepona, que ha tenido como unidad temática la inmortal obra de Robert Louis Stevenson, Dr. Jekyll & Mr. Hyde, lo que ha dado pié a revisar parte de las múltiples versiones que sobre el personaje se han hecho, además de otras actividades, como la proyección de la versión muda protagonizada por John Barrymores con música en directo (actividad esta que nos encanta y que parece que se va extendiendo). O la presentación del libro La marca del Dr. Jekyll & Mr. Hyde y también la inauguración de una estatua-homenaje a Paul Naschy, obra de Joaquín Aguilera patrocinada por La Cruzada Entertainment.
Las películas Dimensions (2011, Sloane U’Ren), Inbred (2011, Alex Chandon) y The Holding (2011, Susan Jacobson) han resultado las favoritas del jurado compuesto por Juan Manuel de Prada, Sergio Molina, José Luís Alemán y Antonio Reis.
En una animada Gala de Clausura conducida por los presentadores Jose Joaquín Sánchez y María Cárcaba, y amenizada por Coral Magnun Mysterium dirigida por Miguel Angel Garrido, la Semana Internacional de Cine Fantástico y de la Costa del Sol – Estepona, con destacada presencia en su Sección Oficial a concurso de producciones elegante factura, ha otorgado el Unicornio a la Mejor Película al film Dimensions. La opera prima del debutante Sloane U’Ren también se alzó con el galardón al mejor guión, escrito por Anthony Neely.
El premio en el apartado de mejor realización ha recaído en la cineasta inglesa Susan Jacobson, firmante del intenso psico-thriller The Holding. La película cosechó además el galardón a la Mejor Interpretación para su actor principal, Vincent Regan, y el Unicornio a la Mejor Fotografía, para Nic Lawson.
Las restantes categorías técnicas, concretamente la Mejor Banda Sonora y los Mejores Efectos Especiales fueron a parar a la otra producción británica, Inbred, del director del ya conocido Alex Chandon, sin duda uno de los filmes que mayor polémica han levantado en su paso por distintos festivales especializados debido a la crudeza de sus imágenes.
El premio a la Mejor Serie de Género Fantástico fue a parar a manos de Los Protegidos, emitida en España por Antena 3, cuyo galardón se entregó a su protagonista, la joven actriz Ana Fernández.
En el apartado de los Premios Homenaje, el legendario galardón Waldemar Daninsky recayó en el cineasta madrileño Paco Plaza, autor de género fantástico con títulos como El Segundo Nombre y Romasanta y creador junto a Jaime Balagueró de la exitosa saga Rec, dirigiendo en solitario su última entrega, Rec: Génesis
Macarena Gómez, la popular actriz a la que tuvimos el gusto de entrevistar, recibió el “Premio Especial del Jurado” en celebración de una carrera vinculada al fantaterrorífico español en películas como Dagon, Sexykiller, o Verbo.
Esperamos que este festival siga gozando de buena salud y que podamos, si las circunstancias lo permiten, pasearnos pronto por la calle Paul Naschy que allí también se inauguró hace unos años.
El nuevo busto de homenaje a Paul Naschy (Foto: Ángel Gómez Hernández)
Cardoterror 2012: Los mad doctors aterrizan en Cardedeu
Ya esta ultimada la programación de la séptima edición del Festival Cardoterror, una cita posterior al Festival de Sitges en la que podemos revisar nuestras grandes favoritas de todos los tiempos, además de ver algunas rarezas y acudir a las actividades que nos tienen preparadas sus organizadores. Una de estas es otorgar su trofeo Audrey, que reproduce la planta vampiro de La tienda de los horrores, una sugerencia de Paul Naschy con el que premian anualmente a un invitado especial. Precisamente Naschy lo obtuvo en su primera edición en 2007, siendo seguido posteriormente por DDT Fx; el entrañable director Miguel Iglesias Bonns; el dibujante de cómics Joan Boix, Jorge Grau, director de la imprescindible No profanar el sueño de los muertos y Claudio Simonetti (Goblin). En esta ocasión el premio será para Jaume Balagueró.
Durante las distintas ediciones, cuya programación se hace de forma temática, se ha podido disfrutar de diversos clásicos del cine fantástico. Por ejemplo, en la edición del año pasado, dedicada a los monstruos gigantes, se pudieron ver a lo largo de 5 días películas del calibre de King Kong (1933, Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack), proyectada en 35mm, La Niebla (The Mist, 2007 Frank Darabont), The Host (Gwoemul, 2009 Joon-ho Bong) El monstruo de los tiempos remotos (The Beast from 20,000 Fathoms, 1953 Eugène Lourié), Gamera 2: El ataque de Legión (Gamera 2: Region Shurai, 1996 Shûseke Kaneko) y como colofón Suspiria (1977, Dario Argento) también en 35 mm., que si bien se alejó de la temática del festival, se proyectó como homenaje al galardonado con el premio Audrey de ese año, el músico de Goblin Claudio Simonetti.
La edición de 2012 estará dedicada a los Mad Doctors, así que durante los cuatro días del Festival podremos ver la programación que se detalla a continuación con ese nexo en común en L’Esbarjo (C/ Lluis Llibre s/n). Echen un vistazo a lo que nos han preparado los amigos del Cardot y marquen en sus agendas esta cita con el mejor cine fantástico en el Festival Cardoterror de Cardedeu.
Jueves 18 de Octubre
22.00 h Presentación, en Bar Tarambana, de la séptima edición del Cardoterror
22.15 h Pase de cortos cedidos por el Cryptshow Festival
Jueves 25 de Octubre
21.00 h Presentación del Cardoterror 2012
21.30 h Proyección del corto The Mad Doctor (1933, Disney)
21:40 h La novia de Frankenstein (The Bride of Frankenstein, 1935 James Whale)
Viernes 26 de Octubre
19.30 h. Proyección del Cortometraje Búnquer Z y el documental L’últim refugi.
NIT MAKE VS REMAKE
21.00 h. La mosca (The Fly, 1958 Kurt Neumann)
22.45 h. La mosca (The Fly, 1986 David Cronenberg)
Sábado 27 de Octubre
10.00 h El gabinete del Dr. Caligari (Das Kabinet des Dr. Caligari, 1920 Robert Wiene)
11.20 h El hombre invisible (The Invisible man, 1933 James Whale)
12.30 h Presentación del libro Monstruos Eléctricos de Luis Rueda y Pau Roig en El Pla de la Calma.
16.00 h Darkman (1990, Sam Raimi)
18.00 h Coloquio y entrega del trofeo Audrey a Jaume Balagueró en reconocimiento a su trayectorio. El acto contará con la colaboración de Diego López, editor del fanzine El Buque Maldito.
19.00 h Els sense nom (1999, Jaume Balagueró)
21.00 h Re-Animator (1985, Stuart Gordon)
22.45 h The Human Centipede (First Sequence) (2009, Tom Six)
Domingo 28 de Octubre
17.00 h Frankenstein y el monstruo del infierno (Frankenstein and the Monster from Hell, 1973 Terence Fisher)
18.45 h Proyección del documental 30 anys de Festival de Molins de Rei
19.30 h Proyección de los cinco cortos finalistas y entrega del Tercer Premi TAC (Terror Arreu de Catalunya) al mejor corto de producción catalana.
También, durante los dias del festival se podrá acudir a la exposición Experiment Diabòlic, dedicada a los mad doctors que se inaugurará el dia 19 de septiembre en el Tarambana Café Cultural. La exposición contara con obras de Toni Benages i Gallard, Marta Anaïs Hermosilla, Juan Rubí, Sam Delgado, Rubén Pellejero, Joan Ignasi Alonso, José Miguel Alvárez y David Jordán.
Serendipia prepara el equipaje: este es nuestro programa en Sitges 2012
Esta semana que se nos viene encima estamos seguros que será de órdago: preparar maletas hasta en el último detalle y dejar todo listo para salir a nuestra aventura anual en el Festival de Sitges. Ya hemos hecho lista de víveres ya que el presupuesto de este año está parejo con la situación que todos estamos viviendo y, lo que es más importante, también hemos realizado nuestra selección de títulos.
Ya se sabe que las intenciones no siempre van de la mano de lo que uno al final acaba consiguiendo (antes por el tema de las colas para los tickets de prensa, ahora porque ya veremos que tal funciona con el nuevo sistema. O por los clásicos encuentros con amiguetes que se celebran mojando con fría cerveza o por…). Nosotros ya tenemos nuestras campeonas, aunque lamentablemente hemos tenido que sacrificar algunas citas a las que nos hubiera gustado acudir. Aunque repetimos, eso es algo que no siempre es previsible, así que dejamos abierto un plan B ante lo que pueda pasar.
OBJETIVO DE SERENDIPIA EN SITGES: 40 PELÍCULAS EN 10 DIAS
A algunos la cifra puede no parecerles alta. Conocemos a bestias pardas que practicamente no salen del cine aunque, ya saben, en algunas de las películas que van a ver realizan, algunos con discreción y otros con sonoros ronquidos, fundidos en negro y remontajes personales. Nuestra intención este año (siempre intención) es que nos quede algo de tiempo para vivir, respirar, saludar, dormir y comer a diario algo más que bocadillos precipitados. Con que cariño recuerdo aquel bocadillo de chorizo que comimos ante las quejas del respetable (que no respiraba extasiado ante lo que veía en pantalla) durante la proyección de Melancolia (2011, Lars Von Trier). O aquel bocado de otro sandwich que se me quedó en algún lugar entre la garganta y las tripas y no quería bajar. ¡Que momentos!
En nuestra lista de pelis hay un poco de todo: novedades españolas como El cuerpo (2012, Oriol Paulo) con Belén Rueda, que parece ha cogido cariño al género y cada año se va presentando una película protagonizada por ella en el Festival que ella protagoniza; Insensibles (2012, Juan Carlos Medina); Lo imposible, la nueva de Juan Antonio Bayona tras la exitosa El Orfanato (2007) que viene con muy buenas referencias tras su presentación en Toronto, donde fue todo un éxito; o El Bosc de Óscar Aibar, un director del que siempre nos resulta agradable ver sus películas, ya desde su lejano Atolladero (1995).
Naturalmente también hemos puesto esos títulos que todos (o gran parte de ustedes) quieren ver, como Maniac (2012, Franck Kharfound ), nueva versión del clásico del mal rollo de William Lustig de 1980 que tiene la difícil tarea de, al menos, no quedar mal en la comparación. De momento Frodo no es Joe Spinell pero… dejemos un margen de confianza. The Lords of Salem (2012) es la nueva propuesta de Rob Zombie, un tipo que de momento no nos ha defraudado con sus películas. Chained (2012) está dirigida por la demente hija de Lynch, casi tan desmesurada como su padre, ¿Quien no recuerda su sonado (y también algo incomprendido) debut con Boxing Helena? Y ¿Como no ver Dracula 3-D? (2012, Dario Argento), que a pesar de que se oigan voces negativas sobre ella, uno tiene ganas de verla aunque solo sea por disfrutar de la presencia de la hija del director, la divina Asia Argento. Seguro que valdrá la pena volver a revisar la clásica historia del vampiro de los Cárpatos. Además ¿Que se apuestan a que los Argento están este año por ahí en carne y hueso?. Cosmopolis y Antiviral suponen un curioso reto, ya que si la primera está dirigida por David Cronenberg, la segunda lo está por su hijo Brandon ¿Quien de ellos estará más enfermo? Y finalmente The A, B, C of Death (2012), una obra comunal que estamos seguros de que será todo menos aburrida. Con tantos directores (uno por letra), como peliculitas. Ya les contaremos, ya.
Pero hemos señalado más películas en nuestra lista personal. Como The Butterfly Room (2012, Jonathan 
Zarantonello) por tener un trailer de lo más raruno y por la presencia, si este año no se le muere ninguna mascota, de Barbara Steele, que estará secundada por otros nombres familiares como Heather Langenkamp o Camille Keaton; Excision (2012, Richard Bates Jr.), una película de lo más marciana basada en un premiado corto del mismo director que cuenta con la siemrpe agradable presencia de Traci Lords ¿Recuerdan los más mayores las primeras películas de la actriz en formato video? ¡Claro que las recuerdan! Don Coscarelli, que nos robó el corazón hace un millón de años con Phantasma (1979), que también se proyecta durante el festival, nos presenta su última película John Dies at the End (2012). De Iron Sky (2012, Timo Buorensola) solo podemos decir que tiene un argumento tan descacharrante como atractivo que ha causado en nosotros un auténtico flechazo con solo leerlo. Esperemos que nombre del director no forme parte de nuestra opinión sobre el film. O Apóstolo (2012, Fernando Cortizo) es nuestra cita Naschy del festival. Ya les hablamos de ella con calma en este artículo, una virguería en stop-motion que tenemos muchas ganas de ver. Ahí va el diablo (2012) del siempre interesante Adrían García Bogliano está, digamos, bastante pesimamente programada, aunque mejor que el año anterior en el que su Sudor Frío (2010) fue injustamente incluída en una maratón de madrugada; The Cabin in the Woods (2012, Drew Goddard) tampoco nos la queremos perder, además, cuenta con una sorprendente aparición especial de una querida actriz acostumbrada al peligro, así como The Tall Man (2012, Pascal Laugier), última propuesta del director de Martyrs (2008) que seguro dejará a más de uno fuera de sitio. Aftershock (2012) nos suena a burrada, está dirigida por el chileno Nicolás López y cuenta con Eli Roth como actor, guionista y productor. Nos cae simpático Roth, así que vamos a echarle un vistazo.
También hay tres trabajos que nos hacen mucha ilusión porque hemos estado involucrados en ellos: Un chico de portada (El arte de Macario Gómez) es un documental de David Muñoz dedicado al gran ilustrador de posters cinematográficos que firmaba su trabajo como Mac. Todos ustedes han visto sus posters y nosotros hemos colaborado cediendo imágenes de algunos de ellos. Lentejuelas de Sangre (2012) es otro documental, en esta ocasión centrado en la figura de Pierrot, artista multidisciplinar con gran vinculación con el Festival de Sitges desde sus inicios. La película se centra en su afición al terror y sus diferentes trabajos en cine, teatro, guiones, dibujos e incluso en las veneradas revistas Terror Fantastic y Vudú, esta última fundada por él mismo. Una labor de amor realizada por Eduardo Gión, que conoció personalmente al artista y que ha conseguido reunir imágenes y filmaciones (en muchos casos inéditas) de Pierrot. El documental también cuenta con interesantes entrevistas. Estamos más que orgullosos de que nuestra desinteresada colaboración nos haya hecho ganar el crédito de productores. Pero de todo esto ya les hablamos en su momento y si quieren más información pueden pinchar aquí.
No nos hace demasiada ilusión Juego de niños (2012, Makinov) remake -y por lo que se ve en el trailer, bastante fiel- de una de nuestras favoritas de siempre ¿Quien puede matar a un niño? de Ibañez Serrador. Esperemos que el director bielorruso pero afincado en México, que no muestra su nombre real ni su rostro, no lo haga para que no le cubran de brea y emplumen después de ver su película. De todas formas nos puede la curiosidad, como también nos puede con el nuevo montaje de Razas de noche (1990, Nightbreed) un, en su momento, maltratado film de Clive Barker que esperamos gane en esta nueva revisión.
De cine asiatico, una de las grandes presencias en el festival, hemos seleccioanado algunas, puede que las que parecen más 
malsanas de toda la programación (aunque si nada lo remedia nos vamos a perder las aportaciones de Miike), como Horror Stories (2012), un film dirigido por varios directores. Modus Anomali (2012, Joko Angwar) y The Weight (212, Jeon Kyu-Hwan) que tiene pinta de ser una de las más marcianas del festival (con perdón de la totalidad de la sección Noves Visions). Hablando de apuestas arriesgadas, también hemos hecho las nuestras (o por lo menos una parte de Serendipia me ha obligado a ello) como Pieta (2012, Kim Ki-Duk) que me hace incluir por aquello de que ya que me gustó La isla (2000)… Keyhole (2012, Guy Maddin), Barberian Sound Studio (2012, Peter Strickland), que se alzó con el Oso de Plata del Festival de Berlín o Holy Motors (2012, Léox Carax). Yo por mi parte tengo ganas de ver American Mary (2012, Jen y Sylvia Soska).
En cuanto a Animación, además de O Apóstolo y Frankenweenie (2012, Tim Burton), hemos puesto en nuestra lista Le Magazin des Suicides (2012, Patrice Leconte), Alois Nebel (2012, Tomás Lunák) y, ¡ejem!, Hotel Transilvania (2012, Genndy Tartakovsky), además de un documental sobre el sumo pontifice del stop-motion, Ray Harryhausen Special Effects Titan (2012, Gilles Penso).
Y ya finalizando añadimos uno pocos clásicos a los que nos apuntamos. Pocos, por falta de tiempo sobre todo, como Vida en sombras (1948, Lorenzo Llobet-Gràcia) un raro film que es definido como obra cumbre del cine español pero que se ha visto muy poco. Se ha montado con copias supervivientes en 16 mm. y cuenta como protagonistas con la pareja Fernando Fernán Gómez y María Dolores Pradera. Y Si sobrevivimos a esta sobredosis de cinefilia, el último día tenemos una cita con Santo contra el Dr. Muerte (1973, Rafael Romero Marchent) para ver si pone orden a todo esto, o por lo menos a nuestros castigados cerebros.
¿Muchas, no? Bueno, luego veremos en que queda todo esto. Lo que es seguro es que el reloj está en marcha atrás y todos tenemos un lugar de encuentro y desencuentro en el 45 Festival de Sitges. Buen festival y allí nos vemos.
Detalles y programación completa: http://sitgesfilmfestival.com/cat/programa/projeccions
Un Brigadoon de lujo en Sitges 2012
La sección Brigadoon del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya continúa apostando por las propuestas cinematográficas más diversas (en los formatos DVD y Blu-Ray) y, especialmente, por el cortometraje, que tiene un 
galardón propio, el Premio Brigadoon Paul Naschy, y por el documental, que en esta edición cuenta con una destacada presencia. Como complementos: charlas, presentaciones, el Premio Honorífico Nosferatu, los ciclos y retrospectivas más variados y la popular Zombie Walk, que tendrá lugar el viernes 12 de octubre. Una gran fiesta, de libre acceso, para los amantes del género.
Las proyeccciones de cortometrajes de competición que optan al Premio Brigadoon Paul Naschy y que se proyectarán el primer fin de semana del Festival, cuentan en esta edición con títulos como Curvas, de David Galán, Estigma, de Sara Ibáñez, Gire a la izquierda, de Paulo Morgue, Banana Motherfucker, de Fernando Alle y Pedro Florencio, Bariku Light, de 
Asier Abio, o Zona de caza, de Jordi O. Romero ,uno de los directores incluídos en el primer volumen de Avantgarde Spanish Cinema. Una selección que demuestra, un año más, la buena salud del plantel de nuevos cineastas que se inician en el género. También se pasarán otros cortos como Y la muerte les seguía de Ángel Gómez Hernández y Tus gritos me dan risa de Sergio Morcillo. The Fist of Jesus, la última y esperada producción de los multipremiados Adrián Cardona y David Muñoz (Brutal Relax) se proyectará durante la maratón zombie. Una tragicomedia gore cuyo teaser vivimos muy de cerca y de cuyo rodaje no nos escapamos sin que nos embadurnaran de sangre. Sin duda dará que hablar.
Al lado de estos nuevos talentos, Brigadoon dedica, a través del Premio Nosferatu, un espacio al reconocimiento a una carrera cinematográfica emblemática, la de la actriz catalana Teresa Gimpera (Igualada, 1936), que recibe este año el galardón honorífico. Gimpera es uno de los rostros más recordados del fantástico español de la década de los 70, con títulos como La casa de las muertas vivientes, de Alfonso Balcázar, o La tumba de la isla maldita, de Julio Salvador. Ambos títulos podrán verse en el marco del Brigadoon.
El cine de género hecho en España durante los años 70 será también el protagonista de los homenajes que Brigadoon realizará al desaparecido director Miguel Iglesias Bonns y a los actores Lina Romay y Frank Braña. Presagio, una de las primeras aportaciones del cine fantástico español al tema de la parapsicología, y Desnuda inquietud, dos de los títulos más significativos dirigidos por Bonns, se proyectarán en el Festival. Lina Romay, pareja y musa de Jesús Franco, será recordada a través de las películas Exorcismo y Lorna… The exorcist, dirigidas por Franco. El veterano director madrileño también presentará, en première mundial, sus dos últimas películas, La cripta de las condenadas(I y II), donde un grupo de mujeres viven encerradas en la cripta de un cementerio, condenadas por una antigua maldición. El tercero de los homenajes tiene como protagonista a Frank Braña, con la revisión del film Santo contra el Doctor Muerte, de Rafael Romero-Marchent. Otro realizador que estará de estreno es César del Álamo, con su giallo Buenas noches, dijo la señorita pájaro, una historia fabricada con la estructura de las muñecas rusas y a ritmo de montaña rusa.
Los estrenos internacionales constituyen uno de los platos fuertes de la sección Brigadoon, con cintas de terror independiente que no dejarán indiferente al espectador. En première mundial se presentarán Torture Chamber, de Dante Tomaselli, con un sacerdote católico que intenta curar a su hermano pequeño poseído, y Thanatomorphose de Eric Falardeau, la historia de una mujer joven y hermosa que se da cuenta que su piel se está pudriendo. Otras propuestas son Community, de Jason Ford, que sigue las investigaciones de dos estudiantes de cine que se adentran en un territorio alimentado por toda serie de leyendas urbanas; Cell Count, de Todd E. Freeman, alrededor de un tratamiento médico extremo en un entorno terrorífico y confuso, o Saturday Morning Massacre, de Spencer Parsons, film de fenómenos paranormales y brutales muertes en un colegio abandonado. En Brigadoon no faltarán zombies, con los estrenos de A little bit zombie, de Casey Walker, Osombie: The Axis of Evil Dead, de John Lyde, con un Osama Bin Laden resucitado con la intención de crear un ejército de zombies, y las japonesas Undertaker, de Naoyoshi Kawamatsu, y Zomvideo, de Kenji Murakami.
El documental tendrá en esta edición del Brigadoon una fuerte presencia, reuniendo un gran número de propuestas tanto estatales como internacionales. Los títulos que podrán verse son varios, y estamos muy contentos especialmente con dos en los que hemos colaborado, Un chico de portada (El arte de Macario Gómez), todo un homenaje a Mac, uno de los mejores dibujantes de carteles de cine de la mano de David Muñoz también presente en la primera recopilación Avantgarde y Lentejuelas de sangre de Eduardo Gión un emocionante recuerdo a una de las grandes figuras olvidadas del fantástico, el artista Pierrot: actor, dibujante, pintor, escultor… y mil disciplinas más. Una de las presencias pioneras en el Festival de Sitges que falleció recientemente. Pero hay mucho más: Contra el tiempo de José Manuel Serrano Cueto es una recopilación de entrevistas a actores de otras épocas. Carácterísticos y protagonistas de lujo del cine de género; DJ XL5’s Italian Zappin’Party de DJ XL5; Indie Game de James Swirsky y Lisanne Pajot; The Long Road Back from Hell: Reclaiming Cannibal Holocaust de Xavier Mendik; More Brains! A Return to the Living Dead de Bill Philputt; Nightmare Factory de Donna Davis; Ray Harryhausen Special Effects Titan de Gilles Penso que en el título ya lo dice todo y L’últim refugi de Marc Barceló y Josep Serra.
Brigadoon celebra los quince años de vida de la productora norteamericana The Asylum, especializada en producciones de terror de bajo presupuesto pero con resultados remarcables y colaboradora de canales de televisión como Syfy Networks, Lifetime Televisions o MTV. The Asylum es una referencia indispensable del fantástico contemporáneo, y en el marco del Festival se proyectarán 2-Headed Shark Attack, de Christopher Douglas-Olen Ray; Abraham Lincoln vs. Zombies, de Richard Schenkman; The Haunting of Whaley House, de José Prendes; Mega Shark vs. Crocosaurus, de Christopher Douglas-Olen Ray y Nazis at the Center of the Earth, de Joseph J. Lawson.
La tradicional Jack Daniel’s Sitges Zombie Walk se celebrará este año el viernes 12 de octubre. Aquí podéis ver el spot, realizado por Rafa Dengrá:
O Apóstolo se proyectará en el Festival de Sitges
Nos quedaba por ver una de las últimas intervenciones en el cine de Paul Naschy y pronto será posible ya que estará en todas las pantallas a partir del 31 de octubre, pero antes acudirá al Festival de Sitges, donde se proyectará el domingo 7 de octubre en el cine Retiro a las 14.45 horas.
O Apóstolo es una propuesta muy especial, ya que se trata de un film de animación stop-motion sobre figuras de plastilina y latex que incorporan a los actores protagonistas. Ha habido que esperar mucho para verla, ya que su estreno estaba previsto para julio de 2010, coincidiendo con la celebración del año Xacobeo.
El personaje interpretado por Paul Naschy es, claro, un villano: el arcipreste de Santiago. Un ser egoista que a lo único que aspira es a obtener, sea como sea la medalla de oro y diamantes de la Comisión de la Virgen de Lourdes.
Pero veamos más detalles sobre el film:
SINOPSIS
O APÓSTOLO narra una oscura historia de misterio ambientada en el Camino de Santiago en la que se mezcla el suspense, el humor y la fantasía a partes iguales. El protagonista, un preso recién fugado de la cárcel, se verá envuelto en extraños e inquietantes sucesos al intentar recuperar un botín que había sido escondido años atrás en una apartada aldea de esta ruta. Siniestros ancianos, extrañas desapariciones, un peculiar sacerdote, y hasta el mismísimo arcipreste de Santiago confluyen en una trama aderezada de misterio e intriga que llevará al protagonista a enfrentarse a una condena mayor aún de la que había conseguido escapar.
La historia consigue trasladar al público de cualquier parte del mundo a ‘lugares comunes’, ya que ahonda en las supersticiones y leyendas que pueblan el imaginario social de culturas muy dispares.
La universalidad de la trama se ve reflejada también en el escenario, el Camino de Santiago, la ruta internacional de peregrinación por excelencia que en los últimos años ha adquirido una gran notoriedad y ha batido todos los récords de peregrinos llegados a Compostela. El reconocimiento de los paisajes y la fiel representación de la arquitectura tradicional de los pueblos por los que transcurre, sirven para dotar de mayor realismo a la historia y para atraer al espectador a la magia que se esconde detrás de esta milenaria ruta.
Como dicen, una imagen vale más que mil palabras:
DESARROLLO DEL FILM
O APÓSTOLO es la primera película de animación stop-motion de Europa desarrollada mediante producción estereoscópica. Más de 200 profesionales han participado en este proyecto pionero de la productora Artefacto Producciones, entre los que destacan técnicos especialistas en la captura con esta modalidad de 3D, animadores y modelmakers llegados de todo el mundo, con experiencia en producciones como Los mundos de Coraline, La novia cadáver, Evasión en la granja o El señor de los Anillos. La banda sonora es obra del reconocido compositor norteamericano Philip Glass.
Dirigido por el compostelano Fernando Cortizo, el largometraje es además novedoso por su sistema de rodaje. Los actores protagonistas en la versión española: Jorge Sanz, Geraldine Chaplin, Paul Naschy, Carlos Blanco, Xosé Manuel Olveira Pico, Luís Tosar, Manuel Manquiña, Celso Bugallo, Isabel Blanco y Pedro Alonso no sólo han cedido su voz a los muñecos que dan vida a los personajes de la historia, sino que han interpretado previamente las escenas para inspirar con sus movimientos y expresiones reales a los animadores.
Animando al Arcipreste (Paul Naschy)
Esta técnica, que no se había aplicado antes en animación stop motion, permite que el espectador se olvide desde el inicio del film de que se trata de muñecos, haciendo más realista la historia, y permitiéndole centrarse exclusivamente en la trama y en la ambientación. Otra característica de este proyecto es su trasfondo artesanal, de factura muy lenta, como lo demuestra el hecho de que O APÓSTOLO sea el resultado de cinco años de trabajo, dos de ellos en la fase de desarrollo y uno de rodaje. Durante la grabación, el equipo trabajó en 19 sets de rodaje de forma simultánea, rodando una media de entre 2 y 3 segundos diarios y utilizando alrededor de 90 muñecos para dar vida a los 13 personajes de la película.
El presupuesto de las fases de desarrollo, producción, rodaje y postproducción de la película asciende a más de 5,2 millones de euros. Para financiarla, la productora contó con el respaldo de Rosp Corunna, la Fundación Paideia, TVE, TVG, el ICAA y la Axencia Galega do Audiovisual de la Xunta de Galicia.
DISTRIBUCIÓN
El estreno comercial de O APÓSTOLO en España será el 31 de Octubre, dada la relación existente entre la temática oscura de la película y la fecha de Difuntos. Antes de la premiere, O APÓSTOLO realizará un recorrido internacional por festivales que arranca en Moscú, tras el éxito de crítica y público alcanzado en Málaga. En este último certamen la animación española ha conseguido hacer historia al ser la primera vez en sus 15 años de vida que una película de su género competía por la Biznaga de Oro.
En estos momentos, la productora gallega ultimala versión estadounidense del film, para la que ya cuenta con la carta de intención de los actores Gary Oldman, Jeff Goldblum, John Goodman y Martin Landau como dobladores. El capítulo de colaboraciones estelares lo completa el cantante británico Roger Daltrey, líder y vocalista de la mítica banda de rock The Who, que se prevé que interprete la canción principal de la película que se distribuirá en Estados Unidos.
DIRECTOR
Fernando Cortizo (Santiago de Compostela, 1973), da sus primeros pasos en el sector audiovisual a mediados de los noventa con la realización del cortometraje en 8 mm El monstruo de la playa. Durante esa década, y alternando con sus estudios, realiza diversos cortos (Blackcat spantat, Solo, El ladrón de muñecas, Bucowski, o Promesa) interesándose y especializándose en la técnica de animación stop motion.
En el año 2007 decide crear su propia productora, Artefacto producciones, y realiza trabajos de animación (Leo, El cuidador de gatos y Noche de brujas) galardonados con importantes premios en festivales y concursos, tanto dentro como fuera de España, como el FiCIIQQ (Chile), la Semana internacional del cortometraje (Mexico), los Premios ACE,… Durante esta época, además de sus propios trabajos, ejerce de ayudante de dirección en las películas De bares y Relatos, ambas de Mario Iglesias, así como en el multipremiado cortometraje Madres del mismo director.
Un estudio de expresiones para los personajes
En 2009 comienza la producción del que será su primer largometraje, O APÓSTOLO, siendo la primera película europea en stop motion estereoscópico. Para el proyecto consigue involucrar a técnicos procedentes de las mayores producciones mundiales, así como al músico norteamericano Philip Glass.
Ese mismo año, la revista Variety le incluye en la lista de los 10 directores españoles capaces de “crear olas“ en el cine español.
Por el momento, O APÓSTOLO, que se estrenará en España el próximo 31 de Octubre, ya ha conseguido dos hitos importantes, al ser la primera cinta de animación seleccionada en la historia de los Festivales de Moscú y Málaga para competir en su Sección Oficial.
NOTAS DEL DIRECTOR
“La decisión de centrarme en el Stop- motion surge como una manera de resolver la necesidad personal de crear mundos propios que, debido a los bajos presupuestos del cine independiente, eran imposibles de conseguir.
El desarrollo de esta técnica me descubrió que permitía una gran libertad artística, así como la recreación de los ambientes claustrofóbicos, oscuros y expresionistas en los que me gusta situar mis historias.
Por otra parte, mi intención es que el espectador se olvide rápidamente de que se trata de muñecos, intento que se adentren en la película de una manera limpia, sin los prejuicios propios de la animación. La película debe ser una puerta que nos permita estar durante hora y media en un mundo desconocido, misterioso y fantástico.
Para ello, además de dar gran importancia al aspecto visual y artístico, considero importantísimo trabajar intensamente con los guiones y con los actores antes de comenzar la animación, utilizando sus voces y sus gestos como base de referencia para el trabajo de los animadores.
Creo que la animación stop-motion es una técnica perfecta para la realización de películas de misterio, el movimiento de seres inanimados ha fascinado desde siempre a los espectadores, y ha envuelto en un halo de magia a estos proyectos.
O APÓSTOLO intenta ser un mundo paralelo dentro del género fantástico. Como películas de referencia me gustaría destacar La novia cadáver o Sleepy Hollow de Tim Burton, El baile de los vampiros de Roman Polansky o el universo maravilloso de las películas de la Hammer.”
GANA UNA DE LAS FIGURAS DE O APÓSTOLO CON SCIFIWORLD
ScifiWorld y Artefacto Producciones sortean entre sus lectores y usuarios uno de los muñecos usados en la película. Primero hay que elegir uno, que se votará entre todos los participantes y que será el que se sorteará.
Los muñecos de O Apóstolo están valorados en 12.000 euros, llevan un esqueleto móvil diseñado por Aardman (Los creadores de Piratas o Wallace & Gromit) y han sido modelados por profesionales que han trabajado en películas como La novia cadáver o Frankenweenie.
Así que vota por tu favorito hasta el 1 de octubre. Una vez seleccionado el personaje arrancará el sorteo y podrás llevarte a casa
un recuerdo único de la película. Nosotros ya os imaginais que figura hemos votado para que decore nuestro hogar…
Para votar: http://www.scifiworld.es/encuesta_fotos.php?id_categoria=57
MAKING OF
CRÉDITOS
Guión y dirección: Fernando Cortizo .Producción ejecutiva: Isabel Rey y Jacqueline Scott .Dirección de Fotografía: David Nardi. Dirección de Arte: María Hernanz. Dirección de Animación: Peggy Arel. Dirección de creación de Personajes: John Craney .Diseño de Producción: Fred de Bradeny. Dirección de Producción: Marta García. Dirección de VFX: Colin Miller. Dirección de estereoscopía: Tim Taylor y Carlos Fernández. Música: Philips Glass, Xavier Font y Arturo Vaquero
REPARTO
Carlos Blanco (Ramón), Xosé M. Olveira «Pico» (Don Cesáreo), Paul Naschy (Arcipreste de Santiago), Jorge Sanz (Pablo), CelsBugallo (Celso), Manuel Manquiña (Salustiano), Luís Tosar (Xavier), Víctor Mosqueira (Tabernero), Atilano Franco (Primitivo), Jacobo Rey (Doctor), Pedro Alonso (Peregrino), Isabel Blanco (Peregrina) y con la colaboración especial de Geraldine Chaplin como Dorinda.
Animando a un Don Cesareo muy a lo Nosferatu
Si estás por Madrid no puedes faltar al CIFICOM
Este fín de semana se celebra el 2º Salón Internacional de Cine, Ficción y Coleccionismo de España Recinto Ferial Casa de Campo de Madrid Pabellón la Pipa 22 y 23 de Septiembre de 2012, CIFICOM, en el Recinto Ferial Casa de Campo de Madrid. Todo un acontecimiento repleto de actividades con la presencia de invitados imprescindibles para los amantes del cine. Un completo fin de semana para todos los amantes del Cine, la TV, la Ficción, el Merchandising y el Coleccionismo.Veamos que nos ofrece:
Especiales y Maquillaje Inside FX, por la que fueron nominados al Premio Goya 2008, y que nos ofrecerán una conferencia en torno a su trabajo que incluye también films como “Romasanta”, “Verbo” o “Torrente 3”.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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