Serendipia’s Sitges Film Festival 2019: Octava cápsula
JUEVES 10 DE OCTUBRE (Fotos: Serendipia)
Para este día habíamos escogido tres cintas de Oficial Fantàstic Competició (Pelikan Blood, Le Daim y Swallow) y una de la sección Noves Visions (We Are Little Zombies) pero… dado que se habían terminado los pases de prensa de Swallow (Carlo Mirabella-Davis, 2019) a los cinco minutos de ponerse a disposición de los medios (¡Cuanta prensa acreditada, pensarán ustedes! Pues no, se trata de otra cosa. Si les decimos que son pases de prensa -en teoría- pero abiertos al público -igual ya lo van entendiendo, ¿no?, pues eso). Así que nos tuvimos que conformar con Depraved, una cinta perteneciente a Panorama, una de las secciones, según nuestra experiencia, menos recomendables del festival.
Pelikan Blood (Katrin Gebbe, 2019) narra el horror que sufre una madre soltera amaestradora de caballos problemáticos cuando, al adoptar a su segunda hija, Raya (Katerina Kipovska), descubra que no ha llevado a su casa precisamente un ángel pues la niña, haciendo honor a su nombre, irá rayando a todo el que se cruce en su camino convirtiendo progresivamente un hogar y una vida feliz en un infierno. Un horror doméstico que demuestra que la maternidad no siempre es la situación ideal. Con un magnífico elenco de actores, de entre los que destaca Nina Hoss, que interpreta a la sufridísima madre, y naturalmente la pequeña Katerina, que conseguirá que la lleguemos a odiar profundamente.
Por su parte Le Daim (Deerskin) fue una de las películas que más expectativas levantó entre el nutrido grupo de seguidores que Quentin Dupieux tiene en Sitges. Capaz de dividir al público de manera radical entre los que encuentran su gracia a los chascarrillos del cineasta y los que no, el filme goza de la presencia de Jean Dujardin y Adèle Haenel, dos populares rostros del cine francés que nos sumergen en el humor absurdo de Dupieux, que aprovecha esta historia para reírse de él mismo y de su público, de su supuesta autoría y de los concienzudos análisis a los que pueden haber dado pié sus cintas. Una agradable sandez.
Por su parte, Wî â Ritoru Zonbîzu (We Are Little Zombies, 2019), primer largo de Makoto Nagahisa cubrió nuestra saludable tasa oriental del día. Y es que a Serendipia, desde hace un tiempo, es el cine asiático el que más alegrías le está ofreciendo y el que más sorpresas y propuestas originales le ha deparado. Y Wî â Ritoru Zonbîzu, desde luego, no fue una excepción. Relato de crecimiento en el que la muerte hermanará a los jóvenes protagonistas y servirá para tratar otros temas como la sensación de no ser querido; la dificultad de expresar y mostrar sentimientos y emociones; o la rabiosa competitividad presente en la sociedad nipona. Sin olvidar otras problemáticas actuales derivadas de los fenómenos virales. Y Nagahisa, creativo de publicidad y realizador de videoclips, hará todo esto y mucho más experimentando con la imagen, jugando con multitud de recursos, la mayor parte de ellos provenientes de la estética de los videojuegos, pero también cromáticos como la utilización del blanco y negro y la saturación de color. En su contra tendrá la extensa duración del filme. O puede que acusáramos agotamiento.
Y nos tenemos que desdecir en parte, pues a pesar de pertenecer a la sección Panorama, la película que nos llevaría por única vez en esta edición al Retiro -que necesita un cambio de butacas urgente-, no estuvo nada mal. Tanto que quizás hubiera merecido una oportunidad en Sección Oficial. Depraved (Larry Fessenden, 2019), es una enésima vuelta de tuerca al tema del moderno Prometeo, en esta ocasión con la participación del Dr. West (vía cuento original de H. P. Lovecraft). Con un argumento que nos recuerda la memorable El cerebro de Frankenstein (Frankenstein Must Be Destroyed, Terence Fisher, 1969), en Depraved, Adam, la ‘criatura’, tiene flashes de su vida anterior, que intentará recuperar a pesar de contar con un cuerpo que no reconoce, con resultados trágicos, como no podría ser de otra manera. Con esta cinta, este hombre orquesta del cine que es Larry Fessender vuelve a un tema que no le es ajeno y que ya ha tratado en cortos y largometrajes, y lo hace abordando la novela de Mary Shelley y bautizando algunos de sus personajes como Henry, Polidori o, directamente, Shelley. La virtud de la cinta es que, dándole un nuevo formato, acercando la temática a nuestro presente, logra insertar los momentos claves de la novela y, más aún, los que el cine le ha ido adhiriendo desde la mítica adaptación de Whale. La película funciona de manera notable mientras la acción se mantiene dentro del loft donde criatura y creador desarrollan sus lazos, el crecimiento de Adam y la satisfacción de Henry ante su obra y su logro de derrotar a la muerte, pero cuando salimos de ese ámbito se altera el ritmo, se pierde ponderación y acaba haciendo aguas en un final excesivamente operístico. ¡Ah!, por cierto, también en su cartel hace un homenaje, en este sentido a Karloff y a uno de los pósteres originales del clásico de James Whale.
Lanzamiento CAMEO: Diciembre y enero
EL ABUELO VÍCTOR (Emilio J. Ruiz) DVD
Precio: 11,95 €
DOCUMENTAL
Audio: V.O. Castellano 2.0
Imagen : 1.85:1 – 16/9
Duración: 90 min aprox.
2019 / España / ATP / PAL. Todas las zonas
Muchos hemos crecido, aprendido, enamorado y luchado con las canciones de Víctor Manuel. Otros, más jóvenes, las han descubierto recientemente, pero Víctor Manuel está presente en las vidas de jóvenes y mayores aquí y al otro lado del Atlántico.
Este documental nos enseña al Víctor Manuel creador, compositor, escritor y cineasta. Nos mostrará su proceso creativo, su forma de vivir la vida, amar la
creación y verla como una forma de libertad. También descubriremos al Víctor
Manuel hombre, esposo, padre y abuelo, pero a través de unas pinceladas que
nos permitan reconocer a la persona más que abordar una biografía al uso.
El documental “EL ABUELO VÍCTOR” dirigido por Emilio J. Ruiz estará disponible a partir del 18 de Diciembre en DVD
LOS AÑOS MÁS BELLOS DE UNA VIDA (Les plus belles années d’une vie, Claude Lelouch) DVD
Precio: 11,95 €
DRAMA
Audio: V.O. Francés e italiano 5.1, castellano 5.1
Subtítulos: Castellano
Imagen : 2.35:1 – 16/9
Duración: 90 min aprox.
Extras: Tráiler y teaser
2019 / Francia / ATP / PAL. Zona2
50 años después del estreno de Un hombre y una mujer (Oscar Mejor Película Extranjera), viviremos el reencuentro de sus dos protagonistas.
Un hombre y una mujer, hace años, vivieron una historia de amor fulgurante,
inesperada, atrapada en un paréntesis convertido en un mito que revolucionó
nuestra historia de ver el amor.
En la actualidad, él, antiguo piloto de carreras, se pierde un poco por los
caminos de su memoria. Su hijo entonces intenta ayudarle a encontrar a la mujer que su padre no supo guardar junto a él, pero a quien rememora continuamente. ¿Qué pasaría si estos dos mundos se unieran?
A la venta el 15 de enero
Más información: cameo.es/
Cutrecom 9 trae por primera vez a España a Greg Sestero, actor de la infame ‘The Room’
Greg Sestero, actor de The Room (2003), considerada una de los peores películas de todos los tiempos y bautizada como “la Ciudadano Kane de
las malas películas”, será uno de los invitados de la novena entrega de CutreCon, Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. El intérprete presentará, a partir de las 19:00 horas del viernes 31 de enero en el Palacio de la Prensa de Madrid (Plaza de Callao, 4), los tres largometrajes más importantes de su carrera: Best F(r)iends Volúmenes 1 y 2 y The Room, un fenómeno mundial que sigue generando adeptos allí por donde se proyecta debido a sus elevadas pretensiones y a su desastroso resultado.
Sestero estará presente en la proyección de las tres películas, donde atenderá al público respondiendo a las muchas preguntas que puedan surgir en torno a The Room, y más concretamente hacia su autor, Tommy Wiseau, figura que marcó para siempre la vida de Greg Sestero tanto en lo personal como en lo profesional.
Ambos protagonizan Best F(r)iends Volumen 1 (2017) que abrirá la jornada del viernes de CutreCon 9 en el Palacio de la Prensa a las 19:00 horas. La película, 
dirigida por Justin MacGregor, está escrita y producida por el propio Greg Sestero y cuenta una historia de amistad entre un vagabundo y un sepulturero. A continuación a las 21:30 horas, se podrá ver, por primera vez en España, Best F(r)iends Volumen 2 (2018), la conclusión de esta extraña road movie llena de variopintos y excéntricos personajes.
Para cerrar “el día de Greg Sestero”, CutreCon 9 proyectará, a las 23:59 horas, también en el Palacio de la Prensa, The Room (2003). Será una sesión muy especial, pues es la primera vez que el público español puede ver esta película junto a uno de los actores de la misma. Un evento en el que los espectadores participarán activamente lanzando objetos a la pantalla o entre el patio de butacas, gritando a la pantalla y, en definitiva, siguiendo el “protocolo” de lo que supone ver The Room en una sala de cine.
ENTRADAS Y ABONOS YA A LA VENTA
Las entradas de Best F(r)iends Volúmenes 1 y 2 y The Room se encuentran disponibles en la web de https://palaciodelaprensa.com/categoria/festival-cutrecon al precio de seis euros. Asimismo, CutreCon pone a la venta dos tipos de abonos que cubren todas las sesiones de pago del festival y que pueden adquirirse también en Palacio de la Prensa:
Bono VIP (60 euros): Acceso a las sesiones de pago (un total de 12 películas), asiento preferente en todas las sesiones gratuitas, pack de merchandising de CutreCon 9, cena pagada con los invitados del festival tras la jornada de clausura, ofertas exclusivas y descuentos con algunos de los patrocinadores y colaboradores.
Bono general (45 euros): Incluye todas las sesiones de pago (12 películas).Toda la información y novedades del festival estará detallada y actualizada en la web oficial de CutreCon.
La CutreCon está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, el Distrito de Arganzuela de Madrid, el Palacio de la Prensa, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.
Serendipia’s Sitges Film Festival 2019: Séptima cápsula
MIÉRCOLES 9 DE OCTUBRE (Fotos: Serendipia)
Un nuevo y luminoso día y una propuesta similar a la del día anterior: dos películas Oficial Fantàstic Competició (Yves y J’ai perdu mon corps); dos Noves Visions (Punto muerto y O Beautiful Night); y una Anima’t: Ningen Shikaku. Aunque esta última fue la alternativa a la que realmente deseábamos ver, Come to Daddy, uno de esos títulos en pase de prensa en los que se agotaron las plazas para prensa a los 10 minutos de ponerse a disposición de los acreditados (si, nosotros tampoco lo entendemos, como ya les explicamos en la segunda cápsula, pero es así).
Como sesión despertador nos inyectamos en vena el descabellado segundo largo de Benoît Forgeard un filme de atractivo argumento, juzguen si no. Jérem Roudet (William Lebghil), un rapero de escaso renombre, participa como usuario en un proyecto de introducción en el mercado de electrodomésticos inteligentes, concretamente se pondrá a su servicio un frigorífico llamado Yves. La función principal de esa inteligencia artificial había de ser el control y gestión de existencias, pero ese refrigerador cuyo diseño nos recuerda a Hal 9000, hará mucho más. Primero reconducirá su dieta, después reconducirá su vida entera. Yves rectificará sus horarios poniendo orden en su caótica vida. Yves reflotará sus hábitos sociales. Yves, al fin, se convertirá en crítico particular de su producción musical sugiriendo acertados cambios que convertirán a Jérem en cantante de éxito. Todo perfecto hasta ahí, pero la relación entre el joven y el electrodoméstico tomará un rumbo inesperado cuando ambos se enamoren de la misma mujer y esta prefiera al inteligente frigorífico. Yves es una comedia amablemente alocada desde la que Forgeard, mediante la hipérbole, pretende movernos a una reflexión crítica sobre nuestra progresiva dependencia de la tecnología. Y es eficaz, pero se deja llevar demasiado y el trazo de su humor acaba siendo más grueso de lo necesario, a la par que profundiza poco en el fondo que quiere señalar. Un filme simpático, pero irregular.
De la liviandad bizarra de Yves viajamos a la oscura y sesuda propuesta de Fuminori Kizaki, Human Lost, un anime que adapta la novela Ningen Shikkaku original de Osamu Dazai. Estamos ante un complejo relato distópico que juega con la crítica social en clave de parábola cyberpunk y los futuros alternativos. Una más que correcta animación 3D reproduce el Tokio de 2036 en el que la medicina ha conquistado la muerte, pero el mundo lejos de ser idílico se debate entre la restauración de la civilización o su destrucción. Casi dos horas de complicadas tramas y subtramas que exigen toda nuestra concentración (para acabar sintiendo que se te está escapando algo) es lo que supuso este plato más apto para paladares habituados que para curiosos que se acerquen por primera vez. Interesante pero críptica.
Todo lo que sabemos del director argentino Daniel de la Vega es gracias a nuestro amigo Ramiro García Bogliano, que nos recomendó su película Ataúd Blanco: El juego diabólico (2016), con argumento de Ramiro y Adrián García Bogliano y una magnífica cinta que hizo que se despertara nuestro interés por el argentino. Y más viendo algunos tráilers de sus otras obras, como Hermanos de sangre (2012), Necrofobia (2014) y este Punto muerto, que tuvimos ocasión de ver en el festival y que fue presentada por Magalí Nieva, una de las productoras de un film que también ha contado con la participación de los hermanos Onetti. Y es que ¿cómo no nos iba a interesar una historia en la que uno de sus protagonistas, escritor, responde al nombre de Luis Peñafiel? Pues más allá de este guiño a Narciso Ibáñez Serrador, Punto muerto es una competente intriga policial con amplias dosis de fantástico narrada en clave retro y en un delicioso blanco y negro que indaga sobre lo que ya hiciera Poe en su Doble asesinato de la Calle Morgue, no en vano otro de los personajes se llama Dupuin: hallar la manera de huir de una habitación cerrada tras cometer un crimen ¿El resultado?: deberán ver Punto muerto y averiguarlo.
Magalí Nieva, productora de Punto muerto durante la presentación en Sitges
Noves visions es la sección en la que nos encontramos con O Beautiful Night (Xavier Böhm, 2019), no sabemos hasta qué punto esta producción alemana 
supone un planteamiento narrativo novedoso, pero lo que sí es claro es que estamos ante una película pequeña muy bien planteada y mejor resuelta, lo cual la convierte ya en una cinta para tener en cuenta cuando se repase las perlas de este año para el balance de lo mejor que ha dado el cine este 2019. Noche iniciática la que vivirá Juri (Noah Saavedra), un joven tanatofóbico que sufre frecuentes ataques de pánico, especialmente nocturnos, al recordarse mortal. En uno de sus arrebatos una oscura figura se presenta ante él: dice ser la encarnación de la Muerte (Marko Mandic). Ahí empezará un viaje faústico-mefistofélico por la noche berlinesa en la que conocerá a Nina (Vanessa Loibl), de la que se enamorará; pero, con el amanecer, uno de los dos debe morir. Una noche de neón y colores saturados en la que los tres personajes se perderán en una fuga continúa por las emociones más fuertes que puede dar la ciudad (incluyendo la ruleta rusa). Al amanecer llega la última hora, la hora de la verdad, en la que solo besando a la propia Muerte el amor podrá alzarse victorioso, romántico final para ese paseo por lo sórdido que nos hizo evocar aquel otro desaforado de La muerte en vacaciones de Mitchell Leisen. Muy buen sabor de boca.
La jornada no podía tener mejor broche que regalarnos una nueva sesión de animación, esta vez de Sección Oficial y mucho más acorde con nuestro gusto y 
sensibilidad. J’ai perdu mon corps, debut en el largo de Jérémy Clapin, es una poética reflexión sobre el dolor por la pérdida, de unos seres queridos, del propio bienestar de la infancia, del futuro que parecía tenderse, a la que se une una mirada sobre el problema de la inmigración contada en primera persona, certera y sin acritud, y todo ello en lo que no deja de ser una preciosa historia de amor y superación. Lo que hace especial a esta opera prima, sin embargo, más allá del alcance de su subtexto, es el modo de abordarlo, desde la clave argumental, una mano se escapa en busca del cuerpo al que estaba unida, hasta las decisiones visuales con las que irá trazando este viaje en pos de la propia memoria, de la reconstrucción del yo. El miembro errático vivirá numerosas aventuras por los azares de París (especial mención merece el episodio de las ratas) y en cada una de ellas habrá la excusa para desbrozar un recuerdo, sin que los flashbacks sean sucesivos (distingue en blanco y negro los más remotos), relevante en la vida en común con el cuerpo que busca. Es digno de destacar cómo (de bien) consigue Clapin mantener la intriga a través de estas dos acciones paralelas al no revelar anticipadamente ningún detalle sobre el momento en que la mano se vio separada de su dueño, no hasta que llega el instante preciso. Una cinta preciosa y preciosista con un guion impecable, firmado por el propio director y el autor de la novela que adapta, Guillaume Laurant (que será recordado sobre todo por el guion de Amelie), y un score delicioso compuesto por Dan Levy que hizo las delicias del público (y, sobre todo, del jurado). Una delicia producida por Netflix (y van…) que hubiera encantado a los surrealistas que adoraron a aquella Bestia de cinco dedos (The Beast with five fingers) que dirigiera Robert Florey en 1946.
Auténtico debut de lujo que se ha visto reconocido con el Gran Premio de la Semana de la crítica en el Festival de Cannes, además de los Premios Cristal a mejor película y el Premio del público en el Festival de Annecy.
38 TerrorMolins: La mirada surrealista
Se celebró una nueva y exitosa edición de este festival, que quiso posar 
su mirada sobre las películas más extrañas y surrealistas, surgidas de lo más profundo de la mente de los directores David Lynch, Luis Buñuel, Peter Strickland, Guy Maddin y Alejandro Jorodowsky. Para ello ambas salas, la Peni, soberbia e histórica y La Gótica, un espacio más reducido pero no por ello menos interesante, acogieron entre sus añejas paredes horas y horas de buen cine fantástico y de terror. Ofreciendo dos magníficas ciclos retrospectivos con películas de estos y otros directores, novedades ya vistas en Sitges, y también apuestas arriesgadas, valientes, que pensamos que son las que distinguen este festival de otros.
Demos un repaso somero a lo que Serendipia pudo vivir durante estos días de Terror en Molins Fotos: Serendipia
SALA GÓTICA
El nuevo espacio del festival va consolidándose edición tras edición, y ganando asimismo en cuanto a presencia de público. Sus actividades, bien diferenciadas de las que se desarrollan en La Peni, lo están convirtiendo en un lugar a tener en cuenta pues ¿Dónde si no podría hacerse una sesión especial de cortometrajes de Juan Carlos Gallardo comentados por él mismo? Pues en La Gótica, donde también ha habido pases de peliculas realizados en colaboración con la Cutrecon de Madrid, las Nits de Cinema Oriental de Vic, la Semana de Terror de Donosti o Brigadoon de Sitges, entre otros. Pero la niña bonita de La Gotica ha sido el Ciclo Rarezas, en cuya presentación tuvimos el honor de participar y que contó con cinco perlas del cine marciano de la talla de Dementia/Daughter of Horror (John Parker, 1955), Martin (George A. Romero, 1975), Willard (Daniel Mann, 1971), The Baby (Ted Post, 1973) y The Wicker Man (Robin Hardy, 1973), cinco rosas bizarras que todavía hoy causan extrañeza, sorpresa y confusión. Finalmente, La Gótica también ofreció Latidos de pánico (Jacinto Molina, 1983), en sesión especial de homenaje a Paul Naschy que contó con la presencia de uno de sus hijos, Bruno Molina que más tarde recogió, durante la gala de clausura en La Peni, un premio honorífico dedicado a su padre.
RETROSPECTIVA
El festival ha seleccionado cinco obras de cinco directores representativos de
Peter Strickland respondiendo las preguntas de los espectadores
esa mirada surrealista que ha sido leitmotiv de esta edición de TerrorMolins. Una mirada que se ha prolongado en el libro que, editado por Hermenaute, ha contado con la participación de Javier Espada, Pattie Clapés-Saganyoles, Lluís Rueda, Tonio L. Alarcón y Albert Galera, que también lo ha coordinado. Una obra centrada en esos genios de la mirada y el inconsciente de los que pudimos disfrutar cinco piezas capitales: Un chien andalou (Luis Buñuel, 1929), que se ofreció durante la gala de inauguración con música en directo a cargo de Adrià Bofarull; Terciopelo azul (Blue Velvet, David Lynch, 1986), Santa Sangre (Alejandro Jodorowsky, 1989) que fue presentada por uno de los hijos de director y protagonista de la cinta, Axel Jordorowsky; Dracula: Pages from a Virgin’s Diary (Guy Maddin, 2002) y Berberian Sound Studio (Peter Strickland, 2012) , que contó con una sesión posterior de Q&A a cargo del propio Strickland, que se mostró muy cercano y amable.
SECCIÓN OFICIAL
Bruno Molina recoge el Premio Honorífico del festival dedicado a su padre, Paul Naschy, junto a Diego López (Brigadoon Sitges), Albert Galera (director del festival) y Xavi Paz (Alcalde de Molins)
La sección oficial, que comprendió once películas recuperaba, como es inevitable, algunas cintas ya exhibidas en el reciente Festival de Sitges, unas en Sección Oficial y otras de tapadillo en secciones menores. También, como es natural se presentaron cintas que, por diferentes motivos, el Festival de Sitges no ha podido o querido seleccionar, como es el caso de la excelente película que clausuró TerrorMolins. Pero tanto unas como otras conformaron una cuidada selección, que este año ha estado compuesta por Bliss (Joe Begos, 2019), In the Trap (Alessio Liguori, 2019), Dogs Don’t Wear Pants (J-P Valkeapää, 2019), The Divine Fury (Kim Joo-hwan, 2019), Come to Daddy (Ant Timpson, 2019), Tone-Deaf (Richard Bates, Jr., 2019), Gwen (William McGregor, 2018), Amigo (Óscar Martín, 2019), Sator (Jordan Graham, 2019), The Antenna (Orçun Behram, 2019) y Koko-Di-Koko-Da (Johannes Nyholm, 2018) que hemos escogido para comentar detenidamente:
Son pocas las ocasiones en las que podemos disfrutar de la cinematografía sueca, el común de los mortales solo la asociamos al capital Ingmar Bergman y al siempre interesante Lasse Hallström, pero hay mucho mundo más allá de ellos como pudimos comprobar con Fuerza mayor en 2014 de la mano de Ruben Östlund, unas vacaciones en la nieve en las que una situación límite saca a la luz los débiles lazos de una familia, de clase media y que ahora Johannes Nyholm nos la hace recordar al ponernos ante otra familia al borde de la descomposición por un episodio dramático. Porque Koko-di Koko-da habla de la difícil elaboración del duelo más hiriente, la muerte de un hijo, y lo hace en clave de género fantástico. El segundo largo de Nyholm nos confirma su habilidad de narrar el drama desde los mimbres de lo extraño, ahora de forma mucho más sólida, sin los problemas de ritmo que parte de la crítica le achacó en su debut. Koko-di Koko-da es un cuento de hadas distorsionado, perverso en ocasiones, que encierra a los protagonistas en un día de la marmota pesadillesco. Con saltos en el tiempo, acompañamos a Elin (Ylva Gallon) y Tobias (Leif Edlund) en sus vacaciones, primero en compañía de su hija, maquillados de conejitos para celebrar el cumpleaños de la niña, esta morirá con ocho años justo el día de su aniversario, tres años después el matrimonio volverá a veranear en un intento de revitalizar su relación sacudida por el duelo, y ahí es donde empieza su pesadilla. La pareja acampa en plena noche en el claro de un bosque, ese lugar que juega tantas veces el papel de espacio de terror en los relatos tradicionales, allí quedan atrapados en el tiempo y despertarán una y otra vez para ser asesinados por un extraño cortejo de psicópatas y su perro. Los tres asesinos parecen salidos de las páginas de algún cuento infantil, el ogro, la bruja y un extraño maestro de ceremonias que asemeja la versión terrorífica de un jefe de pista de circo. Como si fuera las variaciones de un tema en una composición musical, el episodio se repite con las modificaciones que introduce Tobias en lo que vive como sueño premonitorio, pero haga lo que haga la muerte les alcanza inevitablemente. Nyholm nos introduce en un universo surreal que podría haber salido de la mente de David Lynch, un terror de ensueño desplegado circularmente y del que sólo podrá salirse
asumiendo responsablemente el dolor, dándole vía libre y compartiéndolo el uno con la otra. El consuelo pasa por darse apoyo entre ambos y así mirar cara a cara al monstruo de la muerte más dolorosa. Y con ellos nosotros también afrontamos nuestros propios duelos. El desconsolado llanto que les reúne en su abrazo final resulta catártico para todos y salimos de la sala más livianos de lo que entramos. Ese es el poder sanador de lo grotesco que, a veces, es más efectivo que el más fiel realismo para afrontar las situaciones más duras.
Y más películas. Cinco en la sección Being Different (A Good Woman is Hard to Find, Girl on the Third Floor, Scare Package, The Wretched y We Summond the Darkness); seis más en la maratón de 12 horas (Vivarium, Little Monsters y cuatro ya ofrecidas durante el festival) y tres fuera de competición, como las dos que conformaron la Sesión Movistar (The Dark y Extra Ordinary) y la película de clausura, que como nos impactó especialmente pensamos que merece la pena detenernos para hablar de ella:
Der goldene Handschuh (El monstruo de St. Pauli, Fatih Akin, 2019)
En lo sórdido, en su en sí, no hay ni épica ni lirismo y, sin embargo, el artista es capaz de moldearlo para engendrar belleza incluso si lo plasma con crudeza, sin adorno, sin disimularlo. El arte nos permite mirar los rostros más duros de lo real porque al recrearlos los somete a la apariencia, los vuelve manejables permitiendo que exorcicemos los miedos. Podemos sentir fruición ante lo más terrible cuando nos es servido con la máscara de lo sublime, esa desmesura mesurada, sin sentir remordimiento por ello, sin asemejarnos al monstruo, porque lo que despierta nuestro placer es, precisamente, el verlo doblegado por la mirada del artista que lo captura. Y esto es algo que se cumple con creces en el último trabajo de Fatih Akin, no es el crimen lo que nos fascina, sino el brillante ejercicio cinematográfico que ha compuesto a partir de él.
Hamburgo, 1970, interior-noche, desde un comedor cochambroso vemos un cuerpo inerte sobre la cama de la habitación adyacente, la cámara no se mueve mientras un hombre entra en campo, se echa sobre el cuerpo como una alimaña, está envolviendo el cadáver; salimos a la escalera por corte, el hombre arrastra el pesado bulto y nos sobrecoge el sonido de la cabeza golpeando los peldaños, hay que deshacerse del fardo de otro modo. Regresamos al departamento, desnuda a la muerta, se le acerca con un serrucho, parece no atreverse, se aleja, vuelve a acercarse, pero la cámara cambia el punto de vista y se coloca estratégicamente de modo que el dintel sitúa fuera de campo la cabeza de la mujer, del descuartizamiento solo vemos los efectos en forma de sangre, los rostros se nos ocultan, así que, sin perder efectividad, se nos ahorran de forma imperceptible los detalles más dolorosos. Así, ante hechos consumados, sin preámbulo que exponga motivaciones, con minuciosidad, pero sin sensacionalismo, con crudeza, pero sin pornografía, empieza El monstruo de St. Pauli. Un prólogo que es toda una declaración de intenciones y una presentación de lo que vamos a encontrarnos en el resto del filme en lo que a estilo se refiere: rudeza que roza la brutalidad sin alcanzarla, porque el fuera de campo va a ser recurso frecuente, porque en ningún momento veremos los rostros de víctima y/o verdugo en los asesinatos, y porque la distancia irónica respecto a lo narrado introducirá un sesgo que permitirá convivir en un mismo plano, en una misma situación, lo terrible y lo hilarante. Ni thriller, ni drama, ni comedia, una obra de sí inclasificable, aunque contenga un poco de cada cosa.
Jonas Dassler, irreconocible bajo el maquillaje protésico, es Fritz “Fiete” Honka, el solitario de la cara deformada que deambulaba por el barrio rojo de Hamburgo y que en la década de los 70 dio muerte y descuartizó a cuatro mujeres, cuatro almas perdidas en el Distrito de St. Pauli. Su interpretación no tiene nada que envidiarle al alabado trabajo de Joachim Phoenix para Joker. No es solo el maquillaje, es todo su cuerpo el que adapta y adopta el lenguaje no verbal de Honka y nos trae un retrato con sabor a derrota y alcohol. Dassler logra transmitirnos la intimidad del monstruo sin necesidad de verbalizar sus impresiones, sus motivos, sus convicciones; al actuar no dice, sino que muestra. Por sus gestos, sus expresiones, sus hábitos externos, sabemos de su interior, nos pone ante un individuo que siquiera sabe amar cuando se enamora, que anega su impotencia en ríos de aguardiente, que mata como una bestia herida por la humillación. Pero aún más allá, el actor sabe hacer creíble que en la fealdad física y moral del personaje anide también el sueño, encarnado en la imagen de una joven adolescente que se cruzará casualmente en su camino, la mujer de verdad, la que huele bien, la que él quisiera merecer. Un carácter, el de la adolescente, que es toda una licencia poética para dibujar el viaje del (anti)héroe al centro del infierno de los fracasados con un trazo todavía más fino, porque introduce el reverso del antro, porque su frescura agudiza más la fealdad de la maloliente ciénaga donde se entrecruzan el resto de personajes.
Der goldene Handschuch es su título original, un título que alude al otro gran protagonista del filme, el garito en el que se dan cita los asiduos del barrio rojo hamburgués. La película de Akin deviene coral cuando entramos en él y sentimos que queremos saber más de la fauna que lo puebla, desde ese oficial de las SS hasta la última de las trabajadoras del sexo, pasando (y, casi, sobre todo) por el dueño que atesora miles de historias de feligreses habituales y aves de paso. Quisiéramos detenernos aún más en los detalles, como esa costumbre de salpicar a los borrachos que quedan dormidos sobre la barra porque una vez uno de ellos murió en esa pose y no se descubrió hasta dos días después, porque cada nimiedad contiene un relato, y todas juntas nos pintan el claroscuro de los bajos fondos. La película se vuelve crónica en esos pasajes y nos trae a la mente las imágenes del celebrado documental de Lionel Rogosin, On the Bowery (1956), en ambos casos estamos ante el despliegue de una sordidez a raudales sobre la que no se pretende emitir una valoración moral, ni un reproche puritano, sino dar retrato testimonial de ella, sin falsos lirismos, pero respetando la dignidad a la que todo humano tiene derecho. Siendo un cubículo, Der goldene Handschuch, es también, y por ello mismo, refugio. Guarida de los derrotados que acuden a por alcohol y calor humano con los que colmar su sed y su soledad. Contrapunto del monstruo que la puebla.
En plenas fiestas navideñas, por la valentía de Vértigo, Fritz “Fiete” Honka llegará a nuestras salas ¿Se les ocurre mejor manera de contrarrestar las empalagosas sesiones familiares que acudiendo a su cita de casi dos horas con él en los cines? Sin duda es el mejor regalo de Santa Claus.
Uno de los mejores momentos en un festival lleno de vida, cine y muchas actividades paralelas. Que ha contado con buena respuesta por parte del público, así como un buen número de invitados, que han dado color a la cita pero sin servir como distracción de lo principal: ver y disfrutar buen cine y en la mejor compañía, todo lo cual convierte este festival en cita obligada para todo aquel que, como nosotros, vivimos el cine.
¡Nos vemos en TerrorMolins 2020!
PALMARÉS
9º Concurso Oficial de Largometrajes
Mejor película: Dogs don’t wear pants
Mejor Director: Oscar Martin (Amigo)
Mejor Guión: Come to daddy
Mejor Actor: Javier Botet (Amigo)
Mejor Actriz: Krista Kosonen (Dogs don’t wear pants)
Mejores FXs i maquillage: The divine fury
Mejor BSO: Bliss
Premio del Público Sección Oficial: (pendiente)18º Concurso de Cortometrajes
Mejor cortometraje: The third hand
Mejores FX cortos: Five course meal
Mejor Guión cortos: Lay them straight
Premio Víctor Israel a la mejor interpretación en cortos: Ferine
Mención especial del jurado: Het Juk
Premio «Manel Gibert» del público al mejor corto: Wild love
Mèliès d’Argent: Wild loveSección «C Trencada» de cortometrajes:
Mejor cortometraje: Zombiosi, de Cris Gambin y Toni Pimel
Sección Being Different:
Premio del Público a la Mejor Película: (pendiente)
Premio Honorífico:
Premio Honorífico: Paul Naschy
Premios de la Crítica de Oro:
Premio de la Crítica de Oro al Mejor Largometraje en colaboración con Blogos de Oro: Sonrisas de Javier Chavanel por «su originalidad a la hora de retratar la falsedad de nuestra sociedad y las relaciones interpersonales, todo ello con un toque satírico»
Premio de la Crítica de Oro al Mejor Cortometraje en colaboración con Blogos de Oro: Bliss de Joe Begos por «ser una película que refleja el apoteosis del horror en estado puro. Un original descenso a los infiernos del arte»5º Concurso de vídeos de 20 Segundos de Terror #20SegundosMovistar
Ganador: Fished, de Dani Seguí
Finalista: Diógenes, de Antonio Panteras
Finalista: Comida para mascotas, de Mariano López Toribio13o Concurso de Microrelatos
Mejor Microrelato en lengua catalana: Substitució de Vicent G. Terol (Xàtiva, València)
Mejor Microrelato en lengua castellana: Fascinación, de Edweine Loureiro da Silva (Saitama, Japó)
Mención al Mejor Microrelato en lengua castellana: Visitante, de Melisa Ruth Pérez García (Almería)Muestra de Cortometrajes para Institutos:
Mejor Corto: Baghead, de Alberto Corredor
Terror Kids:
Premio KAKALABUTAKA al Mejor Cortometraje infantil de 6 a 9 años:
Pool shark
Premio KAKALABUTAKA al Mejor Cortometraje infantil de 10 a 12 años:Wild love
Novedades Trash-O-Rama: Noviembre 2019
La turronada y los mantecados aguardan a la vuelta de la esquina, pero antes de que lleguen Santa Claus, los pastorcillos y los tres monarcas del oriente, es momento de un nuevo lanzamiento, dos títulos de alto calibre para fans fatales del cine insólito oriental.
No puede ser más que una alegría total el lanzamiento de Historia de Ricky: las películas de animación, un DVD con las dos historias que se hicieron en anime del conocido manga y Demon Hunter Nezha (Cazador de Demonios), versión en imagen real de la taquillera cinta animada Nezha, que ha batido récords que tardarán en ser superados.
DEMON HUNTER NEZHA (Luo Le, 2019)
Después de su estreno español en el Festival Cryptshow, llega ahora la versión definitiva en imagen real de Nezha, el cazador de demonios, un homenaje a las películas de Jet Li de los años 90, protagonizado por su discípulo Tse Miu (La Leyenda del Dragón Rojo) junto a Chin Siu-Ho (Mr. Vampire).
Acción al estilo Hong Kong y salvajes efectos especiales que dan vida a dragones, demonios y otras criaturas, en una batalla a muerte para liberar la tierra del mal. Premiere mundial en DVD.
Con Tse Miu, Chin Siu-Ho.
Audio en mandarín con subtítulos en castellano, 16:9
Contenidos adicionales: Nezha (versión animada), tráilers, galería, info, cartel original, ficha técnica.
HISTORIA DE RICKY: LAS PELÍCULAS DE ANIMACIÓN (Satoshi Dezaki, 1989)
Ya conoces la versión de Hong Kong del manga, ahora puedes disfrutar de la versión animada ultragore, sin censura, en dos películas que adaptan la historia del antihéroe más violento de la historia.
Este dvd contiene las películas El Muro del Infierno (que adapta la primera parte del manga, al igual que la versión en imagen real) y El Niño de la Destrucción.
Audio en Japonés con subtítulos en castellano, 4:3 original
Contenidos adicionales: Tráilers, info, cartel original, ficha técnica.
Pedidos e información:
FantaElx presenta sus obras ganadoras
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTAELX ha hecho entrega de los galardones de su séptima edición en una gala presentada por el actor y compositor musical Nacho Marco Galán. El acto ha tenido lugar tras la última proyección de cortometrajes, el sábado 16 de noviembre, en el Centro de Congresos «Ciutat d’Elx», y ha contado con la asistencia de Marga Antón Bonete, concejala de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de Elche.
El cortometraje Tu último día en la Tierra, del cineasta de Marc Martínez Jordán, ha obtenido el premio al mejor cortometraje nacional, dándole acceso directo al Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires (Argentina). El cortometraje croata Slice of Life, de los directores Luka Hrgovic y Dino Julius, ha obtenido el premio al mejor cortometraje internacional, accediendo directamente al Festival Internacional de Cine de Terror de Valparaíso (Chile). Y por otro lado, el cortometraje Miss Mbulu, del realizador Ben Fernández, ha ganado el premio al mejor cortometraje alicantino, con acceso al festival Navidades Sangrientas – Weekend Horror Awards de Alicante. Asimismo, también se ha concedido una mención especial para el cortometraje Birds with no legs, de Pavlos Stamatis. El jurado de este año ha sido compuesto por Paco Soto, director y productor de cine; Mario-Paul Martínez, profesor del Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández y director del Grupo de investigación Massiva UMH; la actriz, directora y guionista Silvia Conesa (presentadora, además, de la Clausura); y Joan Martín Giménez, director de cine e ilustrador (y autor de los carteles de las últimas cuatro ediciones del festival).
La presente edición del evento, se han recibido un centenar de cortometrajes más respecto al año pasado, procedentes de 44 países en total. También se ha celebrado, dentro de éste, la segunda edición del Congreso Internacional de Género Fantástico, Audiovisuales y Nuevas Tecnologías. Esta actividad, dirigida por el anteriormente citado Mario-Paul Martínez y por Fran Mateu (director del festival), cuenta con la colaboración de la Universidad Miguel Hernández de Elche y del Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria, ofreciendo la difusión de estudios de investigación dentro de las diferentes líneas temáticas del Género Fantástico (cine, cómics, videojuegos, etc.), dando protagonismo este año a la Ciencia-Ficción en el contexto cosmológico, y contando con la asistencia de ponentes procedentes de distintas zonas del país, así como de universidades de países como Bélgica o Francia.
La séptima edición de FANTAELX ha sido organizada por la Asociación Unicornio Negro, el Departamento de Arte de la UMH y el Grupo de Investigación Massiva; y ha contado con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, junto a organismos como Visit Elche, la Universidad Miguel Hernández de Elche, el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria, el Centro Comercial l’Aljub, o Cinema Paradiso. Con la celebración de esta nueva edición, en la cual se ha homenajeado el cuadragésimo aniversario de Alien (proyectándose la película en los Cines Odeón, con una elevado afluencia de asistentes), la ciudad ha vuelto a convertirse, un año más, en un acogedor punto de encuentro para los amantes de la cultura y del género fantástico.
Más información acerca del festival en http://www.festivalcinefantaelx.com/
Más de 40 títulos conforman la programación del Festival Isla Calavera 2019
La Sección Oficial a Concurso de Largometrajes constará de trece producciones, cuatro de nacionalidad española. Además, se proyectarán siete películas fuera de concurso, 15 cortometrajes a competición, 6 cortos fuera de concurso y dos documentales.
Sección Oficial de Largometrajes a Concurso
El sábado 23 de noviembre se presentará, como filme inaugural, la adaptación del relato de H. P. Lovecraft ‘Color out of Space’, dirigida por Richard Stanley y protagonizada por Nicolas Cage, con la presencia del productor Daniel Noah, fundador junto a Elijah Wood y Josh C. Waller de la compañía especializada en terror SpectreVision. Tras su paso por el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, el Festival de Cine Fantástico de Canarias ofrece esta propuesta colorista y alucinógena que narra los acontecimientos que ocurren cuando un meteorito cae en la Tierra liberando un indescriptible organismo extraterrestre.
También forma parte del programa ‘Vivarium’, coproducción internacional de ciencia ficción escrita y dirigida por el irlandés Lorcan Finnegan que tuvo su première mundial el pasado Festival de Cannes. Protagonizada por Imogen Poots (Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el Festival de Sitges por su papel en ‘Vivarium’) y Jesse Eisenberg, quienes interpretan a una pareja de jóvenes recién casados que busca el hogar perfecto, quedando atrapada en un laberíntico y misterioso barrio de casas idénticas.
El Festival Isla Calavera incluye en su selección de largometrajes a concurso un título de aventuras para todos los públicos basado en una novela de Michael Ende, ‘Jim Button and Luke the engine driver’ (‘Jim Botón y Luke el maquinista’), cuando se cumplen 90 años del nacimiento del célebre escritor alemán de literatura infantil y fantástica. En la película, un niño huérfano que creció en la pequeña isla de Lummerland, de 4 habitantes, y un huraño pero entrañable conductor de tren se disponen a buscar un nuevo lugar para vivir. Pero antes, deciden salvar a una princesa secuestrada en Dragon City, un mundo de fantasía donde todo puede ocurrir. Además, el Festival Isla Calavera recupera para la gran pantalla, con motivo del aniversario de Michael Ende, la película ‘La historia interminable’, dirigida por Wolfgang Petersen en 1984.
El Festival Isla Calavera presenta también, justo después de su presentación mundial en Nocturna Madrid, la película antológica ‘A night of horror: Nightmare Radio’, una innovadora propuesta de los realizadores argentinos Nicolás y Luciano Onetti, que se presentó como proyecto en la sección “Upcoming Fantastic Films” del Festival de Cannes. Compilación de nueve historias de terror realizadas por diez directores de distintas nacionalidades, entre ellos los españoles Sergio Morcillo y Pablo Sánchez Pastor, cuyo hilo conductor es un programa de radio dedicado al terror al que llaman los oyentes contando sus propias historias.
Los muertos vivientes también formarán parte de la programación a través de la comedia gore ‘Little Monsters’, protagonizada por la ganadora del Premio Oscar Lupita Nyong’o. El guionista y director australiano Abe Forsythe firma, tras la sátira política ‘Down Under’, esta propuesta sobre una invasión zombi en la que la actriz de raíces kenianas se mete en la piel de una educadora infantil que hará lo imposible por salvar a sus alumnos del ataque de la horda.
El debut en la dirección de largometrajes del músico y cineasta A.T. White, miembro del grupo Ghostlight y conductor del canal de podcasts We Are Geeks, ‘Starfish’ ofrecerá un retrato íntimo de una joven, atrapada en el pueblo de un amigo recién fallecido, cuando una misteriosa señal anuncia el fin del mundo y aparentemente ella es la única superviviente. La actriz Virginia Gardner (‘La noche de Halloween’, 2018) toma las riendas del filme protagonizando casi todo el metraje.
La selección de largometrajes a concurso cuenta también este año con cuatro óperas primas de producción española, demostrando el pulso de la creación de género de nuestro país y confirmando la apuesta del Festival Isla Calavera por los nuevos autores. Se trata de ‘Amigo’, de Óscar Martín, ‘Cuerdas’ de José Luis Montesinos, ‘Urubú’ de Alejandro Ibáñez Nauta y ‘Fuel’ de Israel González.
‘Amigo’, el debut en el largometraje de Óscar Martín protagonizado por David Pareja y Javier Botet, lleva una carrera imparable desde que vio la luz en el pasado Festival de Sitges. Premiada en Nocturna Madrid con los galardones a la mejor película, al mejor director y al mejor actor (David Pareja), recientemente recogía en TerrorMolins los premios a mejor director y mejor actor (Javier Botet). Su proyección en el Festival Isla Calavera contará con un pase especial el domingo 24 de noviembre con la presencia de Óscar Martín, David Pareja y la productora Elena Muñoz, quienes ofrecerán una charla sobre la película al término de la proyección.
Tras su estreno en la Sección Oficial a competición del Festival de Sitges, se presenta en Isla Calavera el angustioso thriller sobre la supervivencia y superación ‘Cuerdas’, primer largometraje de José Luis Montesinos, uno de los cortometrajistas españoles más laureados de los últimos años y ganador del Premio Goya en 2016 con ‘El corredor’. Con una clara vocación autoral, sin dejar de lado las claves del género, cuenta la historia de Elena (Paula del Río), una joven tetrapléjica, que queda incomunicada en una masía en el campo, con la única ayuda de su perro Athos.
También forma parte de la selección a concurso la película ‘Urubú’, primer largometraje de Alejandro Ibáñez Nauta, realizado en homenaje a su padre, Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador, fallecido el pasado mes de junio. Protagonizada por Carlos Urrutia y la actriz brasileña Clarice Alves, narra la historia de Tomás, un fotógrafo y ornitólogo que trata de relanzar su carrera y arrastra a su familia a la Selva Amazónica en busca del urubú albino, un extraño pájaro del que no existe registro en libertad. Sin embargo, la desaparición de su hija convertirá el viaje en una terrible pesadilla.
De otro lado, el director Israel González presenta ‘Fuel’, escrita por Juan de Dios Garduño, un thriller de supervivencia rodado en el desierto de Almería y que cuenta en su reparto con el actor grancanario David M. Santana. En el filme, un crítico gastronómico despierta en el Mojave, atacado con una cadena a un viejo Plymouth Barracuda, sin posibilidad de escape y sin nadie que pueda ayudarle.
El programa dedicará un día al cine de animación de producción japonesa con la proyección, la tarde del jueves 28 de noviembre, de la comedia romántica fantástica ‘Ride your wave’ y el drama de acción futurista ‘Human Lost’.
Premio al mejor largometraje de animación en Sitges 2019, el director Maasaki Yuasa presenta en ‘Ride your wave’ la historia de Hinako, una joven que se siente totalmente realizada cuando practica surf. Cuando se produce un incendio que afecta al edificio donde vive, Hinako conoce a Minato, un joven bombero. Ambos comparten tiempo, aficiones e incluso algo sobrenatural. En ‘Human Lost’, ambientada en Tokyo, año 2036, la humanidad se enfrenta a la vida en un mundo que se debate entre la restauración de la civilización o su autodestrucción.
El jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso está compuesto por la profesora y vicedecana de la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad de La Laguna (ULL) Vanessa Rodríguez Breijo, el crítico de cine Fran Domínguez, el productor Luis Adern, el profesor de psicología de la ULL Esteban Torres y el profesor de Teoría e historia del Cine de la ULL Fernando de Iturrate Cárdenes, como presidente.
Dentro de su sección de muestra documental, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera ofrece ‘Memory: The Origins of Alien’, de Alexandre O. Phillipe. Esta proyección imprescindible en recuerdo del filme de Ridley Scott en su 40º aniversario tendrá lugar el sábado 23 de noviembre, a las 11.00 horas.
Y el sábado 30 de noviembre, a las 12.00 horas, podrá verse la película documental española ‘Los albores del Kaiju Eiga’, de Jonathan Bellés, acerca de los orígenes del icónico Godzilla y el género de monstruos de dimensiones extraordinarias.
Largometrajes fuera de concurso y sesiones especiales con invitados
Además de ‘La historia interminable’, también podrán ver en las pantallas de Multicines Tenerife los clásicos ‘The Relic’ (1997) y ‘Razas de noche’ (1990). Estas dos sesiones, que tendrán lugar el sábado 23 a las 22.30h y el sábado 30 de noviembre a las 23.00 horas, respectivamente, se ofertan de forma gratuita, previa retirada de invitación en la taquilla.
Por otra parte, en el marco de los homenajes a los artistas invitados, Premios Isla Calavera de Honor 2019, el festival ofrece disfrutar de ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (2007) el viernes 29 de noviembre, a las 19:00 horas, con la presencia del maestro del maquillaje y los efectos especiales Rick Baker y el actor protagonista, David Naughton. El sábado 30 de noviembre, a las 17:00 horas, tendrá lugar una proyección especial de ‘El Orfanato’, de J. A. Bayona, con una charla post screening de la actriz Belén Rueda.
Además, la mañana del domingo 24 de noviembre, el Festival recordará al actor, director y guionista del fantaterror español Paul Naschy, en el décimo aniversario de su fallecimiento, con la proyección de ‘El retorno del hombre lobo’ y la participación de su hijo Sergio Molina. Ese mismo día, por la tarde, tendrá lugar el visionado de ‘Love me not’, de Lluís Miñarro, con la asistencia del director y la actriz Lola Dueñas.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 15 de noviembre de 2019
MADRE (Rodrigo Sorogoyen, 2019)
España/Francia. Duración: 129 min. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña Música: Olivier Arson Fotografía: Álex de Pablo Productora: Amalur Pictures / Arcadia Motion Pictures / Caballo Films / Malvalanda / Noodles Production / Le Pacte / TVE / Movistar+ / Canal+ Género: Drama
Reparto: Marta Nieto, Àlex Brendemühl, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Jules Porier, Raúl Prieto, Álvaro Balas, Blanca Apilánez
NOTA: Hemos decidido no poner el argumento, pues hacerlo reduciría el impacto de la primera parte del largometraje y el factor sorpresa.
Rodrigo Sorogoyen opta por desarrollar el cortometraje por el que obtuvo el Goya en 2018, de hecho toda la primera parte del filme está compuesta por el propio corto, rodado en impecable plano-secuencia. Una historia en sí misma de tal dramatismo e intensidad que, al igual que sucediera en Scream (Wes Craven), termina jugando en contra del resto del filme al no poder mantenerse al mismo nivel.
La búsqueda del hijo perdido llevará a la protagonista a vivir una situación extraña, postiza. Desesperada. Y algo retorcida también, que se beneficiará de la contenida y sensible actuación de su protagonista, una soberbia Marta Nieto, que convertirá al resto de actores en simples comparsas.
Rodrigo Sorogoyen, que tanto nos maravillara con Que Dios nos perdone (2016) y El reino (2018), realiza un sano ejercicio cambiando de registro, pero por el momento no demuestra tener un pulso tan eficaz para el drama como el que ha demostrado con el thriller.
EL IRLANDÉS (The Irishman, Martin Scorsese, 2019)
USA. Duración: 210 min. Guion: Steven Zaillian (Libro: Charles Brandt) Música: Seann Sara Sella Fotografía: Rodrigo Prieto Productora: Netflix / Sikelia Productions / Tribeca Productions. Distribuida por: Netflix. Productor: Martin Scorsese Género: Thriller.
Reparto: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Jack Huston, Ray Romano, Kathrine Narducci, Jesse Plemons, Domenick Lombardozzi, Stephen Graham, Jeremy Luke, Gary Basaraba, Welker White, Action Bronson, Chelsea Sheets, Kate Arrington
Sinopsis: Saga épica sobre el crimen organizado en Estados Unidos durante la época de la post-guerra vista a través de los ojos del veterano de la Segunda Guerra Mundial, Frank Sheeran (Robert de Niro), un buscavidas y asesino a sueldo que trabajó junto a algunas de las figuras más notables del siglo XX. A través de varias décadas, la película relata uno de los grandes misterios sin resolver de la historia americana, la desaparición del legendario líder del sindicato, Jimmy Hoffa (Al Pacino), y ofrece un viaje a través de los entresijos del crimen organizado: su funcionamiento interno, rivalidades y conexiones con las principales corrientes políticas.
El irlandés es una de esas películas que se ven con atención. Con el respetuoso silencio del que escucha hablar a un sabio. Saboreando cada escena, cada actuación, cada giro. Disfrutando con la seguridad de ser un privilegiado y de estar viendo un milagro. Pero el espectador, además de disfrutar de toda una lección de cine y de interpretación, será testigo de algunos de los acontecimientos clave de la vida y la política norteamericana del siglo XX. La llegada de los Kennedy al poder, la invasión de Bahía Cochinos, la crisis de los misiles de Cuba y, sobre todo, el ascenso y caída del poderoso sindicalista Jimmy Hoffa. Corrupción, mafia, violencia y negocios. Sobre todo negocios. Y todo lo viviremos desde el punto de vista de Frank Sheeran, el personaje que interpreta Robert de Niro. Una pieza menor. Un peón -y matón- de los villanos, pues en este caso Scorsese no permitirá que se vea a los mafiosos como héroes románticos y es por ello que tanto el personaje como el espectador serán observados, muy de cerca, por los oscuros ojos de Peggy, una de las hijas de Sheeran y auténtica conciencia del matón. Y es que en El irlandés las miradas son tan importantes como las palabras.
Steven Zaillian adapta I Heard You Paint Houses, de Charles Brandt, y si hubiera que poner un pero a la película, sería el de su duración, excesiva para el cine, pero claro, El irlandés no es un producto pensado para salas, así que no cuenta, pues en lo referente al tiempo, está bien estructurado, y aunque se remonta a los inicios de la carrera del protagonista, todo estará articulado en torno al episodio central de la historia, la desaparición de Jymmy Hoffa.
La esperada nueva película de Martin Scorsese, que además de en Nueva York y Londres se ha presentado también con gran éxito en los festivales de Roma y Lyon, reúne en su reparto junto a Robert de Niro, a Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel y Anna Paquin, todo un festival de nombres al que además se suma un estupendo plantel de secundarios. Así que, ya sea en su plataforma o en su limitado pase por salas, háganse un regalo: véanla.
‘El día 3’ gana el Premio Nacional del Cómic 2019
La novela gráfica El día 3, de Cristina Durán, Miguel Á. Giner y Laura Ballester es la ganadora del Premio Nacional del Cómic 2019 que otorga el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Esta novela gráfica recoge la lucha de las familias de las víctimas del accidente de metro de Valencia del 3 de julio de 2006, que se vieron obligadas a movilizarse para que se investigase la verdad sobre esta tragedia.
El jurado de los premios ha escogido El día 3 por «saber realizar, desde el respeto, la crónica de un drama social con una narrativa en la que se equilibran la emoción, la excelencia gráfica y el uso de potentes metáforas visuales«.
El galardón, que se entrega desde el año 2007, está dotado con 20.000 euros y tiene como objeto distinguir la mejor obra de esta especialidad publicada en cualquiera de las lenguas del Estado durante el año 2018.
EL DÍA 3
El 3 de julio de 2006, a cinco días de la visita del papa Benedicto XVI, el subsuelo de Valencia vivía el peor accidente de metro de la historia de España. Las vías de la estación de Jesús se cobraron 43 vidas, hirieron de gravedad a 47 personas y dejaron rotas a centenares de familias. En la superficie, los representantes institucionales se daban prisa en pasar página ante la inminente llegada del sumo pontífice. La versión oficial de la fatalidad se imponía, el blindaje gubernamental obstaculizaba las investigaciones y una densa capa de olvido se extendía sobre la tragedia.
Sin embargo, ante el abandono por parte de las instituciones, las víctimas siempre mantuvieron la dignidad y la esperanza. Mes tras mes, durante casi diez años, se concentraron en la plaza de la Virgen en busca de justicia.
El día 3 es la historia de una lucha contra el silencio, el olvido y contra la mentira programada. El día 3 es la historia de la lucha de unas familias, como la tuya o la mía, que se vieron obligadas por las circunstancias a movilizarse en busca de respuestas. El día 3 es la historia de una gran ola de solidaridad, del despertar de una sociedad.
Para la realización de esta novela gráfica, los autores se han basado en las investigaciones de Laura Ballester, reflejadas en el libro Luchando contra el olvido, el largo camino de las víctimas del metro de Valencia (Sembra Llibres, 2015). También se apoyaron en el trabajo de la productora Barret Cooperativa Valenciana, recopilado en su web 0responsables, y en el documental La estrategia del silencio. Los autores han contado, además, con el apoyo y el asesoramiento de la AVM3J (Asociación de Víctimas del Metro 3 de Julio). Esta obra ganó el Premi Ciutat de Palma de Còmic de 2016.
Miguel Á. Giner Bou (Benetússer, València, 1969). Se dedica a contar historias desde que tiene memoria y, profesionalmente, desde 1993 en LaGRUAestudio, el estudio que comparte con Cristina Durán. Es licenciado por la Facultad de Bellas Artes de Valencia y fue becado en la asignatura de Sistemas de Representación Espacial. Inicialmente trabajó un tiempo en animación en el departamento de preproducción y ha ilustrado numerosos libros juveniles.
Cristina Durán (Valencia, 1970). Es licenciada por la Facultad de Bellas Artes de Valencia y fue becada Erasmus en la Middlesex University de Londres. Inicialmente trabajó un tiempo en animación, pero desde 1993 se dedica profesionalmente a la ilustración y el cómic en su estudio, LaGRUAestudio, que comparte con Miguel Á. Giner Bou. Ha ilustrado numerosos cuentos infantiles y como dibujante de cómics ha publicado (junto a Miguel Á. Giner Bou) Una posibilidad entre mil (Sins entido, 2009) y La máquina de Efrén (Sins entido, 2012), recopilados en un volumen integral bajo el título Una posibilidad (Astiberri, 2017), y Cuando no sabes qué decir (Salamandra Graphic, 2015).
Laura Ballester. Es periodista en Levante-EMV, el periódico de ámbito autonómico líder en la Comunitat Valenciana, donde se curtió en la información local y comarcal, la mejor escuela para un periodista. Desde 2006 hizo un seguimiento exhaustivo del accidente del metro de Valencia, un trabajo por el que ha recibido el Premi de l’Ateneu Cultural de Torrent en 2012, el premio de la Cartelera Turia a la mejor contribución periodística 2014, el Premio de la Crítica Valenciana 2016 en la modalidad de ensayo a la obra Luchando contra el olvido. El largo trayecto de las víctimas del metro de Valencia (Sembra Llibres, 2015) y el premio Libertad de Expresión 2016 de la Asociación de Vecinos de Patraix.
Todo listo para el VII FantaElx – Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche
En su séptima edición, el festival celebra el cuadragésimo aniversario de Alien, película dirigida por Ridley Scott, que se volverá a proyectar en la gran pantalla.
Entre su programación, también tendrá lugar la segunda edición del Congreso Internacional de Género Fantástico, Audiovisuales y Nuevas Tecnologías, con la participación de conferenciantes de carácter nacional e internacional, además de las proyecciones de cortometrajes, exhibiéndose reconocidos trabajos de fantasía, terror y ciencia-ficción.
Programa completo, ubicación y horarios en este enlace
La séptima edición del festival está organizada por la Asociación Unicornio Negro, el Departamento de Arte de la UMH, y el Grupo de Investigación Massiva, y cuenta con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, junto a organismos como Visit Elche, el Centro de Congresos «Ciutat d’Elx», la Universidad Miguel Hernández de Elche, el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria, los Cines Odeón, el Centro Comercial l’Aljub, o la tienda de merchandising cinematográfico Cinema Paradiso.
Primer tráiler y cartel de ‘Fantasy Island’ nueva producción Blumhouse,
Ya disponible el primer tráiler y cartel de Fantasy Island, la nueva producción de Blumhouse, la célebre productora de terror responsable de títulos como la nominada al Oscar® Déjame Salir y las escalofriantes sagasInsidious, Paranormal Activity y La Purga.
Dirigida por Jeff Wadlow (‘Kick Ass 2′), Fantasy Island está protagonizada por Michael Peña (Mula, Belleza Oculta), Maggie Q (Divergente), Portia Doubleday (Carrie, Her), Lucy Hale (Verdad o Reto), entre otros, y llegará a las salas de cine de toda España el próximo 20 de marzo de 2020.
SINOPSIS
En ‘FANTASY ISLAND’, el nuevo giro de la productora Blumhouse a ‘La Isla de la Fantasía’, el enigmático Sr. Roarke convierte en realidad los sueños secretos de sus afortunados invitados en un lujosa pero remota isla tropical. Pero cuando las fantasías se convierten en pesadillas, los invitados deberán resolver el misterio de la isla para poder escapar con vida.
Novedades Diábolo Ediciones: Noviembre 2019
Más novedades de Diábolo Ediciones para este mes de noviembre. Y claro, más cine, en esta ocasión protagonizado por el mejor Western y los omnipresentes zombies. Merchandising y coleccionismo con el tercer volumen dedicado a Star Wars ‘made in Spain’ y la llegada del primer tomo dedicado a los eternos Madelman. Y más cómic, por supuesto, con la tercera entrega de ‘La espada de San Eufrasio’. Pasen y vean:
El BCN Film Fest 2020 abre el periodo de inscripción de películas
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) ha abierto a través de su página web oficial (www.bcnfilmfest.com) el periodo de inscripción de películas para su cuarta edición, que se celebrará en los Cines Verdi del 17 al 24 de abril de 2020. La fecha límite para presentar películas mediante los formularios oficiales finalizará el próximo 1 de febrero. El comité de selección del BCN FILM FEST decidirá qué películas formarán parte de la programación definitiva del certamen.
EL BCN FILM FEST acepta inscripciones para la Sección Oficial, centrada en los vínculos entre Cine, Literatura e Historia, y las secciones paralelas Cinema amb Gràcia y Zona Oberta. Las películas seleccionadas en la Sección Oficial son adaptaciones de obras literarias, producciones relacionadas con algún hecho histórico o biopics sobre personalidades relevantes. Las películas de la Sección Oficial aspiran a: Premio a la Mejor Película, Premio de la Crítica (ACECC). Premio Educacine, Premio al Mejor Guión y Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música.
Por su parte, Cinema amb Gràcia reúne una selección de comedias de todo el mundo, preferentemente producciones de carácter popular que aspiran al Premio del Público a la Mejor Comedia. Finalmente, Zona Oberta es una sección fuera de competición que da cabida a películas de interés especial que por sus características enriquecen la programación del festival, aunque no cumplen las condiciones para ser incluidas en las secciones competitivas.
Las inscripciones al BCN FILM FEST también están abiertas para las producciones catalanas que aspiran al Premio del Público, con el apoyo de TV3, a la Mejor Película Catalana. El film que gane este premio tendrá garantizado un periodo mínimo de dos semanas de exhibición comercial en los Cines Verdi de Barcelona, con todas las sesiones diarias que la duración del filme permita.
CLICK AQUÍ PARA INSCRIBIR TU PELÍCULA PARA
EL BCN FILM FEST 2020
Ver las Bases 2020 // Vídeo Resumen 2019 // Memoria 2019.
La cuarta edición del BCN FILM FEST tendrá lugar del 17 al 24 de abril de 2020. Puedes seguir toda la actualidad del BCN FILM FEST a través de nuestro perfil en redes sociales:
Facebook: BCN Film Festival
Instagram y Twitter: @bcnfilmfestival #BCNFilmFest2020
Serendipia’s Sitges Film Festival 2019: Sexta cápsula
MARTES 8 DE OCTUBRE (Fotos: Serendipia)
Retomamos el festival donde lo dejamos con un nuevo día y cinco propuestas a estrenar: dos de Oficial Fantàstic Competició (Synchronic y The Antenna); dos Noves Visions (Harpoon y Patrick); y una Anima’t (sección que este año, por cierto, no tuvo su habitual postal promocional) con White Snake.
Synchronic es una ingeniosa historia dirigida por Juntin Benson y Aaron Moorhead, dos viejos conocidos del festival, pues dos de sus películas, Spring (2014) y El infinito (The Endless, 2017) fueron seleccionadas en su momento. 
La cinta narra como, mediante una droga de diseño, una ayahuasca sintética de venta legal, puede llegar a abrirse una puerta al pasado. Todo mediante teorías cuánticas que podría explicarles, pero que no entenderían con su limitado intelecto. El resultado es un tan competente como mainstream thriller de ciencia-ficción repleto de psicodélicos viajes en el tiempo. Una propuesta que funciona como excelente cinta de aventuras, cruzada con el policíaco, con personajes que mueven nuestra empatía, y un punto de partida suficientemente creíble como para que nos sea fácil suspender la incredulidad. Apta para todos los públicos, de tan entretenida se nos hace incluso extraño que no haya tenido un estreno ‘normal’ en nuestro país. Pero ¿qué es normal en nuestro país? ¿qué es normal en el mundo?
Báishé: Yuánqi (White Snake, Amp Wong y Ji Zhao, 2019), es otra de las 
películas de animación que pudieron verse en el Tramuntana, además de en su habitual ubicación del Retiro. Esa cercanía a l’Auditori facilitó que Serendipia pudiera tomar sus habituales dosis de animación, en este caso 3-D, de manera más cómoda. La cinta de Amp Wong y Ji Zhao es una propuesta muy imaginativa y con una estupenda animación al servicio del relato. Argumentalmente nos trae la historia de Blanca, una mujer que ha perdido la memoria y recibe la ayuda de Sean, un cazador de serpientes, junto al que intentará conocer su identidad. Por el camino, tendrán que superar diversos obstáculos, a la vez que el afecto va creciendo entre ellos. Justo cuando están a punto de descubrir quién es Blanca, se produce el desastre. Adaptación de la Leyenda de la serpiente blanca, mezcla la mitología local, la rica iconografía de la China milenaria, con una poderosa historia de amor dando lugar a un todo fabuloso de impecable factura técnica. Un dibujo por ordenador preciosista, con elaborados y coloridos fondos, es una cinta capaz de hacer las delicias de los aficionados al género tanto como al público general. Fantasía a raudales impregnando sus bellas imágenes en las que se equilibran perfectamente la acción vertiginosa y la apasionada historia de amor de sus protagonistas. Una delicia.
Los mejores platos del día vinieron de la mano de Noves Visions. En la producción canadiense Harpoon (Rob Grant, 2019) vemos como un idílico fin de semana en un yate entre dos amigos y la novia de uno de ellos se convertirá en un infierno cuando los celos hagan acto de presencia. Y los celos y los ataques de ira irreprimibles son una 
mala combinación, sobre todo si se tiene un arpón a mano. Una trama sencilla en la que se pone al límite a sus tres personajes bien caracterizados, con giros de guión bien introducidos y un perfecto desenlace, hacen de la cinta de Rob Grant una resultona comedia negra de fácil ingesta y ligera digestión.
Tras este ligero y satisfactorio entremés, le llegaba el turno a De Patrick (Tim Mielants, 2019) una de las cintas que más expectación había generado en los corrillos previos al festival. Y es que su bizarro argumento hacía despertar la curiosidad de muchos. ¿Qué cabía esperar de la historia de Patrick, su no tan joven protagonista que todavía vive con sus padres en el camping nudista que gestionan y que, cuando su padre muere, se encuentra de repente a cargo de él, aunque tenga otras cosas en su cabeza, como el haber perdido su martillo favorito? Serendipia no podía más que caer rendida y darle cabida en su selección ya que le encantan las películas marcianas y cuando detecta una, procura que no se le escape. No hubo decepción. Detengámonos un poco más.
La cinta del belga Tim Mielants venía avalada por su participación en la sección oficial del International Film Festival Karlovy Vary (uno de esos festivales que uno querría visitar antes de entrevistarse con la Parca) donde tuvo buena acogida, la suficiente como para hacerla apetitosa a los ojos de cualquier programador. Aunque sea el de un festival dedicado al fantástico. Y aunque tenga que plantearse después cómo justificar su inclusión en el 
género. Con De Patrick estamos, pues, de nuevo a vueltas con los límites del fantástico, porque de entrada no hay elemento mágico alguno (sobrenatural o no), no es un thriller, ni siquiera se puede englobar dentro de la comedia negra. Los más estrictos, ante esto, concluirán que no es género. Pero ¿qué pasa si ampliamos el espectro? De Patrick es comedia (aunque tenga pinceladas de drama), un tipo de comedia muy concreta, la que pivota sobre el humor de lo absurdo, se aleja del realismo, se acerca al dibujo surreal de personajes y situaciones, y ese dibujo sí es susceptible de ser visto como una connotación de lo fantástico ¿O acaso el esperpento no es un subgénero del fantástico? Dejamos la pregunta al aire, sugerimos el debate, sin mediar en el mismo, porque lo cierto es que, como sea, es una suerte que los festivales se hagan eco de este tipo de productos que tiene más difícil su llegada a los cines comerciales de no ser así. De Patrick fue una de las mejores cintas de esta edición, hubo bastante unanimidad sobre ello, porque bajo su estrafalario envoltorio se esconde una interesante reflexión sobre qué nos hace ser nosotros mismos, cómo afrontar las pérdidas, cómo alcanzar la madurez, cómo situarnos dentro de la comunidad y asumir nuestras responsabilidades. Una reflexión que viene facilitada por la caracterización de su personaje protagonista, al que podríamos aproximar al Míster Chance de Hal Ashby. Un tipo estrambótico, casi un pelín retrasado, pero cuya actitud es susceptible de ser tomada por los otros personajes como un envidiable sentido del verdadero valor de la existencia. Un personaje que es un auténtico caramelo para cualquier actor y que aquí encarna un inmenso Kevin Janssens, que hizo doblete como protagonista también de The Room, totalmente irreconocible. Una interpretación memorable para una película destinada a permanecer en nuestro recuerdo.
Si el debut en cine de Mielants (procedente de la televisión) fue celebrado con unanimidad, no corrió la misma suerte la ópera prima de Orçun Behram. Bina (The antenna, 2019) nos sitúa en un futuro distópico que recuerda mucho el paisaje de la Europa del Este antes de la caída del muro y que, a buen seguro, se pretende también como una crítica al régimen de Erdogan. Como si fuera la 13 rue del pércebe en tonos grises, Behram nos trae a través de la vida de un bloque de pisos la enésima revisión del Gran Hermano. El 
gobierno lo dispone todo para hacer llegar a la audiencia un nuevo canal de partes y noticias que prometen la mejora de la emisiones, para ello es necesario instalar nuevas antenas a fin de que se reciba la señal. Y ese es el punto de partida, la acción nos sitúa ante el día en que se instala la nueva antena en una comunidad vecinal. Todo empieza mal, pues el instalador perderá la vida al precipitarse al vacío. A partir de ahí iremos siguiendo la peripecia de un crisol de vecinos del bloque que hacen sus vidas ajenos a la extraña sustancia que se filtra desde la azotea a todas las tripas del edificio. Una presencia casi demoníaca que penetrará incluso el cuerpo de los personajes. El conserje será el protagonista a través del cual llegaremos a descubrir los efectos de esas nuevas emisiones que, obvio, lo que pretenden es adocenar a los espectadores haciendo domesticables las masas. La crítica social a la manipulación de los medios por los entes gubernamentales como un modo de controlar y someter a la población es evidente. Demasiado evidente. Algunos críticos nos hablan de guiños al surrealismo de David Lynch, de continuación de la nueva carne de David Cronemberg, incluso de inspiraciones en Dario Argento, y, sí, claro, esas son sus fuentes, otra cosa es que haya logrado ensamblarlas en un producto sólido con entidad propia. The antenna está plagada de imágenes sugerentes, especialmente aquella que reproduce su póster promocional, pero no pasan de la buena intención, porque la trama se entretiene en demasiados entresijos y las vidas de los personajes no se resuelven bien, el mensaje se vuelve demasiado obvio, y el desenlace excesivamente previsible. Dos horas de duración son demasiadas en manos del director novel que parece inconsciente de que, a veces, menos es más. La idea es buena, las imágenes inquietantes, pero no el ritmo ni el manejo de la curva de interés. Una auténtica lástima y una de las pocas decepciones de Serendipia en esta edición.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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