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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 6 de marzo de 2026 *
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EL ÚLTIMO VIKINGO (Den Sidste Viking, Anders Thomas Jensen, 2025)
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Dinamarca/Suecia. Duración: 116 min. Guion: Anders Thomas Jensen Música: Jeppe Kaas Fotografía: Sebastian Blenkov Compañías: Zentropa Productions, Film i Väst, Film Fyn, TV2, The Danish Film Institute Archive, Zentropa Sweden Género: Comedia
Sinopsis: Anker sale de prisión tras cumplir una condena de quince años por robo. El dinero del atraco fue enterrado por su hermano Manfred. Solo él sabe dónde está. Por desgracia, desde entonces Manfred ha desarrollado un trastorno mental que le ha hecho olvidarlo todo. Juntos, los hermanos emprenden un viaje inesperado para encontrar el dinero y descubrir quiénes son en realidad.
«No juzguen, y no serán juzgados» esta enseñanza bíblica de Jesús (Mateo 7:1-5, Lucas 6:37) que exhorta a la misericordia y a evitar la condena hipócrita de los demás parece planear sobre el último
film Anders Thomas Jensen. Pero no esperen una obra pía, ni menos una cinta reverente, porque con el danés siempre vamos a movernos en las antípodas de la corrección y la moralina, lo suyo es más bien un iluminar la empatía desde el absurdo. Jensen es, posiblemente, el director que mejor entiende la «fraternidad de los dañados. Su cine casi siempre gira en torno a hombres rotos, violentos o inadaptados que se ven obligados a convivir, encontrando una extraña redención a través de la aceptación de sus taras. Es así desde su debut, Luces parpadeantes (2000), tiene una cima en Las manzanas de Adam (2005), su obra maestra sobre la fe y el trauma en la que la anagnórisis es constante y el humor es tan negro como el de una fábula de los hermanos Grimm, y sigue manteniendo brillo en sus cintas de 2015 y 2020, Men & Chicken y Jinetes de la justicia, respectivamente. Y en El último Vikingo se reafirma en su tesis y en su estilo, una especie de cruce entre los Coen y Roy Andersson.El último vikingo no es solo una comedia de humor negro; es un tratado visual sobre la autoaceptación y la redención de nuestras sombras. La película nos sumerge en una «banda de tarados» donde las excentricidades no son defectos de fábrica, sino cicatrices de una infancia negada.
El corazón del film late con fuerza en su momento de anagnórisis: cuando el hermano supuestamente «sano» reconoce su papel en la desaparición del padre. En ese instante, la jerarquía moral se desploma. Al descubrir que su sombra es tan oscura como la de aquellos a quienes cuida, la superioridad da paso a una empatía radical. Ya no se trata de tolerar al otro desde la condescendencia, sino de reconocerse en su fractura. Solo cuando aceptamos nuestra propia capacidad para el horror, estamos listos para comprender el dolor ajeno.
El golpe maestro de Jensen reside en el simbolismo del nuevo dueño de la casa familiar de los protagonistas, Werner (Søren Malling). Lo que parecía un personaje secundario se revela en los créditos finales como el arquitecto del relato. Al ser él quien dibuja esa fábula infantil, su rol transmuta de simple observador a narrador fundamental. Sus dibujos no solo dialogan con el inicio y el cuerpo del film, sino que otorgan una dignidad artística al trauma; Werner logra construir el relato que el mundo le negaba, transformando el horror en un mito compartido.
Este viaje emocional se sostiene gracias a un elenco prodigioso, donde destaca especialmente la interpretación de Mads Mikkelsen como Manfred, aquejado de trastorno de identidad disociativa. Su trabajo actoral dota de una humanidad desgarradora a la patología, recordándonos que detrás de cada tic o comportamiento errático hay un niño buscando refugio.
Al final, la película nos enseña que la verdadera comprensión que rige el mundo no nace de la normalidad, sino de la mirada del «otro» que, desde su aparente silencio, es capaz de dar sentido a nuestro caos.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de febrero de 2026 *

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La ResidencIA (Dalloway, Yann Gozlan, 2025)
- Francia/Bélgica. Duración: 110 min. Guion: Yann Gozlan, Nicolas Bouvet, Thomas Kruithof. Novela: Tatiana de Rosnay Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Compañías: Mandarin & Compagnie, Gaumont Télévision, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Anya Productions Género: Thriller
- Reparto: Cécile De France, Lars Mikkelsen, Anna Mouglalis, Frédéric Pierrot, Freya Mavor .
- Sinopsis: Clarissa, una escritora falta de inspiración, ingresa en una prestigiosa residencia de artistas en la vanguardia de la tecnología. Allí encuentra apoyo -e incluso un confidente- en Dalloway, su asistente virtual, que la ayuda a escribir. Pero Clarissa empieza a sentirse incómoda con la presencia cada vez más intrusiva de la IA, un malestar amplificado por las advertencias conspirativas de otro residente. Al sentirse observada, Clarissa se embarca en secreto en una investigación para descubrir las verdaderas intenciones de sus anfitriones. ¿Una amenaza real o un delirio paranoico?
En un futuro cercano donde la tecnología no solo asiste, sino que moldea nuestra realidad, Yann Gozlan nos entrega en La residencIA un thriller paranoico que resuena con los ecos de una sociedad todavía marcada por el aislamiento y el control de la era pandémica. La película nos introduce en una prestigiosa fundación artística donde la búsqueda de la inspiración humana se ha delegado a algoritmos avanzados, planteando una inquietante pregunta: ¿qué queda del autor cuando la obra es dirigida por una inteligencia artificial?.
Idilia (Javier Canales Sepúlveda y José Taltavull Sepúlveda, 2025)
- España. Duración: 73 min. Guion: Javier Canales Sepúlveda Música: Elías Fabre. Canción: El Niño de Elche Fotografía: Beñat Belaza Compañías: Viejo Lobo Films Género: Thriller.
La ciencia ficción de bajo presupuesto suele ser el refugio del ingenio, pero en Idilia, la ópera prima de los hermanos Sepúlveda, el ingenio brilla por su ausencia. Los cineastas mallorquines se suben al carro de la distopía tecnológica con una propuesta que, bajo la apariencia de reflexión profunda sobre la Inteligencia Artificial, acaba resultando en un ejercicio de exposición narrativa agotador y plano.
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ORWELL 2+2=5 (Raoul Peck, 2025)
- Francia/USA. Duración:119 min. Música: Alexei Aigui Fotografía: Ben Bloodwell, Stuart Luck, Julian Schwanitz Compañías: Velvet Films, Anonymous Content, Closer Media, Neon, Jigsaw Productions. Distribuidora: Neon Género: Documental
Sinopsis: 1949. George Orwell termina la que será su última pero más importante novela, 1984. Los últimos meses de Orwell y sus obras visionarias muestran las raíces de los conceptos vitales e inquietantes que reveló al mundo en su obra maestra distópica: doblepensar, crimen de pensamiento, neolengua, el espectro omnipresente del Gran Hermano…, verdades sociopolíticas inquietantes que resuenan cada vez con más fuerza hoy en día.
Orwell 2+2=5 es un muy lúcido ensayo en forma de documental que nos explica el pensamiento del escritor inglés mediante extractos de su diario y correspondencia. Vemos como mucho de lo que explicaba en su obra premonitoria 1984 se ha ido cumpliendo como si se tratara de profecias.
Hijo del colonialismo y del clasismo, que vivió en primera persona desde su infancia al haber nacido en la India, George Orwell explica en primera persona su pensamiento, que le llevó a formar parte de las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil Española y más tarde, durante la II Guerra Mundial, a formar parte de la BBC, que abandonó al sentirse manipulado por el sistema que buscaba combatir. Todo ello Orwell 2+2=5 lo muestra de manera amena mediante imágenes del escritor, de conflictos pasados y contemporáneos y de películas, entre ellas, naturalmente las tres versiones de 1984 que han sido llevadas al cine y la televisión.
Tres puntos centran la narración y sostienen el documental: La ignorancia es la fuerza; La libertad es la esclavitud y La guerra es la paz. Tres contradictorias ideas que se consiguen demostrar sobradamente durante el metraje del film.
El resultado es un muy lúcido y rebelador documental que debería mostrarse en escuelas e institutos para despertar conciencias, y más en estos tiempos en los cuales los fascismos están volviendo, en parte, por el dictado de los oligarcas tecnológicos. Una guerra cultural que ya estamos sufriendo y en la que, tarde o temprano deberemos situarnos.
El director, Raoul Peck, es un documentalista haitiano reconocido por sus obras de corte sociopolítico que le han convertido en una voz de denuncia ante las injusticias sociales tanto de etnia como de clase. Raoul Peck fue Ministro de Cultura en Haití en 1997. Su película documental I’m Not Your Negro , sobre el racismo en EEUU, fue nominada en los Premios Óscar de 2017 . Esta impactante y provocadora película documental tuvo su estreno mundial en Cannes Première y compitió en Perlak del Festival Internacional de cine de San Sebastián.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 20 de febrero de 2026 *
GREENLAND 2 (Greenland 2: Migration, Ric Roman, 2026)
- USA/UK. Duración: 98 min. Guion: Chris Sparling, Mitchell LaFortune, Música: David Buckley Fotografía: Martin Ahlgren Compañías: ACE, G-BASE, Thunder Road Pictures, CineMachine Media Works, STX Entertainment. Distribuidora: Lionsgate Género: Thriller
- Reparto: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis, Amber Rose Revah
Sinopsis: Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff Garrity (Gerard Butler), junto con su mujer Allison (Morena Baccarin) y su hijo Nathan (Roman Griffin Davis), son obligados a abandonar el búnker que les ha mantenido a salvo durante cinco años para buscar una zona en Europa que pueda ser habitable. Así, el último refugio es el principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el mundo en un auténtico infierno.
A veces, cuando una película de catástrofes como Greenland (2020) consigue una secuela, la expectativa es que corrijan los errores de la primera o eleven la apuesta, pero parece que Greenland 2 se queda en «más de lo mismo». Veamos.
Han pasado cinco años desde que el cometa Clarke asoló la Tierra y el mundo tal y como lo conocíamos cambió para siempre. Los supervivientes del búnker de Groenlandia se enfrentan a la dura realidad de una vida bajo tierra y entre ellos se encuentra la familia Garrity. Mientras los recursos y la moral se agotan, surgen los rumores sobre un nuevo refugio en Francia, una especie de oasis creado en el lugar donde impactó el meteorito Clarke. Aunque explorar la superficie podría poner en riesgo todo lo que han logrado conservar, de pronto este mundo que han conseguido construir se desmorona cuando el búnker en el que se escondían es destruido por varios terremotos. Ahora, deberán afrontar la dura verdad de que ningún lugar es seguro para siempre e intentar llegar hasta el único lugar que parece en calma en la faz de la Tierra, aunque el camino no será fácil. Ni para ellos ni para el espectador.
Si bien la premisa de Greenland siempre fue atractiva: un enfoque más íntimo y «realista» sobre el fin del mundo, alejándose de los espectáculos de Roland Emmerich, la ejecución ha terminado confirmando que estamos ante una saga irregular y, por momentos, frustrante. Si la primera entrega ya nos obligaba a suspender la incredulidad más de la cuenta, la secuela parece no aprender la lección y los agujeros de guion son el verdadero meteorito que golpea la trama.
LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS (Shelby Oaks, Chris Stuckmann, 2024)
- USA/Bélgica. Duración: 99 min. Guion: Chris Stuckmann. Historia: Sam Liz, Chris Stuckmann Música: Aaron J. Morton Fotografía: Andrew Scott Baird Compañías: Paper Street Pictures, Intrepid Pictures, Title Media. Productor: Mike Flanagan Género: Terror.
- Reparto: Camille Sullivan · Brenna Sherman · Brendan Sexton III · Michael Beach · Sarah Durn · Sloane Burkett.
Sinopsis: Cuando un documentalista descubre una nueva pista perturbadora, la búsqueda desesperada de una mujer por su hermana perdida hace mucho tiempo se convierte en obsesión al darse cuenta de que el demonio imaginario de su infancia puede haber sido real y no fruto de su imaginación.
Bajo el sello de Mike Flanagan (Misa de medianoche, La maldición de Hill House, La vida de Chuck) como productor ejecutivo, La maldición de Shelby Oaks, que se presentó en el Festival Fantasía y el Fantastic Fest e inauguró la sección Panorama de la última edición del Sitges – Festival Internacional de cinema fantàstic de Catalunya es el debut en el largometraje de Chris Stuckmann, se presenta como una propuesta híbrida que, si bien arranca bajo la sobriedad del documental, acierta al expandir su lenguaje visual conforme avanza el metraje. La película logra una atmósfera inquietante gracias al uso inteligente de diversas texturas —combinando vídeo analógico y digital—, una decisión estética que conecta con la sensibilidad visual de las generaciones más jóvenes habituadas al consumo fragmentado de imágenes. Lo más sugerente de la cinta reside en sus pinceladas de Folk Horror, aportando una capa de misterio ancestral que eleva la trama por encima del simple suspense. Sin embargo, este interés se ve empañado por ciertas incongruencias de guion que rompen la verosimilitud; resulta difícil ignorar decisiones inexplicables de la protagonista, (¿por qué no se limpia la sangre que le ha salpicado del sujeto que se acaba de suicidar en su presencia?) que sacan al espectador de la trama. En todo caso una opera prima de un director con buenas ideas y al que habrá que seguirle la pista.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 13 de febrero de 2026 *

EL VESTIDO (Jacob Santana y Frank Ariza, 2026)
España. Guion: Frank Ariza, Diego Ayala, Marco Lagarde Música: Maria Vertiz Fotografía: Christos Voudouris Compañías: AF Films, Forgotten 2 Entertainment, E-Media Canary Project, Match Point. Productor: Frank Ariza Género: Terror
Reparto: Belén Rueda, Vera Centenera, Elena Irureta, Belén Écija
Sinopsis: Alicia (Belén Rueda) y su hija Carla (Vera Centenera) se mudan a una vieja casa en busca de un nuevo comienzo tras un divorcio difícil. Sin embargo, pronto descubren que la casa guarda una historia oscura, una cadena de tragedias que parecen repetirse generación tras generación. Carla, que lucha por encontrar su lugar en el mundo, comienza a notar que algo en la casa no está bien. Su madre, cada vez más paranoica, empieza a temer que su hija sea la causante de los eventos extraños que suceden a su alrededor. Pero la verdad es aún más aterradora: Alicia es la que está perdiendo el control… o peor aún, nunca lo tuvo.
El Vestido es un compendio del buen cine de fantasmas y casas encantadas, con todos los elementos, guiños y puntos en común, incluido el objeto maldito que es el que da título al film de estos dos directores, Jacob Santana y Frank Ariza, con el que debutan en el cine de terror. Jóvenes y sobradamente preparados, tal y como muestran sus filmografías, El vestido se detiene en infinidad de elementos demasiado familiares para el aficionado serio al género, pero ofrece un imaginativo twist final que consigue su cometido de sorprender al espectador.
Sin querer ser irrespetuoso, Belén Rueda, agradecido nombre adscrito al género terrorífico y comprometido con el mismo, quizás está un tanto mayor como para ejercer de madre de la niña, pero construye un personaje a su medida y consigue darle credibilidad. La joven Vera Centenera resulta terrorífica como pre-adolescente y siniestra en su papel de poseída.
A las dos protagonistas les acompañan en el reparto Elena Irureta (¿Quién es quién?, Ocho apellidos marroquís, Patria – serie tv-) y Belén Écija (La agencia -serie tv-, Caída libre) y es una producción de AF Films junto con Forgotten 2 Entertainment SL en asociación con E-Media Canary Project y Match Point, cuyas ventas internacionales están a cargo de Film Factory.
‘Atrapando a un monstruo’, protagonizada por Mads Mikkelsen, Sigourney Weaver y Sophie Sloan, llega el 10 de abril a nuestros cines
Después de su estreno en el Festival Internacional de Toronto, la película dirigida por Bryan Fuller (Hannibal, American Gods) llega a nuestros cines el 10 de abril. Con una mezcla de terror, humor y fantasía, Atrapando a un monstruo cuenta la historia de Aurora (Sophie Sloan), una niña de 10 años convencida de que el monstruo que vive debajo de su cama ha matado a sus padres. Por ello, decide contratar a su misterioso vecino (Mads Mikkelsen), un sicario profesional que se ha cruzado con muchos monstruos en la vida real.
Premios Saturn
La película de Bryan Fuller ha recibido cinco nominaciones de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror de Estados Unidos. Antes de llegar a nuestros cines, Atrapando a un monstruo ya se ha hecho un hueco entre las películas independientes más destacadas de ciencia ficción. Así, en la 53ª edición de los Premios Saturn, la película recibió nominaciones en varias categorías clave:
Mejor Película Independiente
Mejor Actor de Reparto: Mads Mikkelsen
Mejor Actriz de Reparto: Sigourney Weaver
Mejor Intérprete Joven: Sophie Sloan
Mejor guion cinematográfico: Bryan Fuller
Atrapando a un monstruo se estrenará el próximo 10 de abril solo en cines.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de enero de 2026 *
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LA CHICA ZURDA (Left-Handed Girl, Shih-Ching Tsou, 2025)
- Taiwan/Francia. Duración: 108 min. Guion: Sean Baker, Shih-Ching Tsou Fotografía: Ko-Chin Chen, Tzu-Hao Kao Compañías: Through the Lens Entertainment, Cinema Inutile, Good Chaos, Le Pacte, Left-Handed Girl Film Productions Género: Drama
Reparto: Janel Tsai. Nina Ye. Shi-Yuan Ma · Blaire Chang · Huang Teng-Hui. Akio Chen. Xin-Yan Chao
- Sinopsis: Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipei tras varios años viviendo en el campo para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrán que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad familiar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse después de que su abuelo tradicional le diga a la hija menor, que es zurda, que nunca use su «mano del diablo».
La chica zurda se inicia y se cierra con una caleidoscopio, sutil metáfora de lo que el espectador va a ver. Idas y venidas, historias cotidianas de una familia representada por una madre joven, su moribundo padre, su estúpida hija adolescente y su cándida, inocente hija menor. La niña zurda, lo cual para el abuelo es señal de estar marcada con la mano del diablo, la que está maldita y solo sabe hacer el mal.
La película, dirigida por la taiwanesa Shih-Ching Tsou que tuvo su estreno mundial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y su estreno nacional en la Sección Oficial de la Seminci, consigue hacer cercano algo tan lejano como son las vicisitudes, las gracias y desgracias de una familia Taiwanesa, algo tremendamente difícil. Y todo en una de esas películas que les resumirán, aquellos que no saben ver cine, como un film en el que no pasa nada. Que va de nada.
Pero no es así, por supuesto. En La chica zurda se barajan infinidad de temas: relaciones, diferencias entre clases sociales, patriarcado, dificultades laborales, marginación, sexo, suricatos y, sobre todo, familia. Un caleidoscopio en el que sobresale la mirada inocente de la más pequeña, la zurda, que encontrará la manera de colaborar en el hogar poniendo en marcha su mano diabólica y que culminará en una gran fiesta, la del cumpleaños de la abuela, donde se enjuagarán los delitos y faltas y se exorcizarán los demonios expulsándose de vuelta a su lugar.
El oscarizado Sean Baker (Anora) ha coescrito, editado y coproducido la película, que tiene mucho en común con su Florida Project (2017) y que además es finalista a la Mejor película internacional (representando a Taiwán) en los próximos Premios Óscar de la Academia de Hollywood, mientras que su habitual colaboradora, Tsou, la ha dirigido. Juntos dirigieron Take Out (2004) y ella ha producido buena parte de su filmografía posterior, como Starlet, Tangerine, The Florida Project y Red Rocket. La chica zurda supone la primera vez que Baker edita una película dirigida por otra persona. Tsou explica: “Es una historia muy personal. Un día le conté a Sean que mi abuelo siempre decía que la mano izquierda era la mano del diablo”, a lo que Baker añade: “Como en todas las demás películas en las que he trabajado, partíamos del deseo de contar una historia que tuviera un dimensión muy humana. En mis películas, efectivamente, me gusta extraer la autenticidad de cada detalle; y aquí ocurrió lo mismo, solo que nos basamos en las vivencias de Shih-Ching para construir la historia y para dramatizarla”.
A nivel estético, la película también guarda continuidad con el cine de Baker: el uso de localizaciones reales y el trabajo con luz natural y colores del entorno definen la puesta en escena. Además, La chica zurda fue rodada íntegramente con iPhone, igual que Baker hizo con Tangerine en 2015. La elección del mercado nocturno de Taipéi refuerza esta cercanía visual y atmosférica. Como explica Baker: “Sabíamos que la energía y la vida que emana de este lugar lo haría particularmente cinematográfico: tiene una animación permanente, tiene luces propias, tiene la comida que se hace al momento y, más aún, tiene todos esos colores”.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 23 de enero de 2026 *
ARCO (Ugo Bienvenu, 2025)
- Francia. Duración: 82 min. Guion: Ugo Bienvenu, Félix De Givry Música: Arnaud Toulon Compañías: Remembers, MountainA, France 3 Cinéma, CNC, Fit Via Vi Film Productions. Productor: Natalie Portman. Distribuidora: Diaphana Distribution Género: Fantástico
- Sinopsis: En el año 2075, Iris, una niña de 10 años, ve caer del cielo a un misterioso niño con un traje de arcoíris. Es Arco. Iris lo acogerá y lo ayudará por todos los medios posibles a volver a su hogar.

Bajo la apariencia de una Bildung Roman, Arco de Ugo Bienvenu nos habla de la finitud humana y la importancia del legado. La narrativa rompe con el tropo tradicional del héroe que debe sobrevivir o ganar para centrarse en la transmisión de valores y esperanza a través del tiempo. Desde la contraposición de dos tiempos futuros (2075 versus 2984) nos propone un viaje desde lo distópico a la utopía, la obra de Bienvenu utiliza el marco de la ciencia ficción para advertir sobre un futuro deshumanizado (distopía), pero se desvía de la norma al construir un camino hacia la esperanza y el reencuentro con lo esencialmente humano (utopía). Al cinismo oscuro de nuestro tiempo, contesta con un optimismo estético no exento de una cierta pátina de agridulce melancolía.
Iris tiene diez años en 2075, la tierra es un mundo dominado por la tecnología, los trabajos más pesados los realizan ciborgs de aspecto humanoide, algunos de ellos, los más evolucionados, se ocupan también de los servicios y cuidados, los humanos pueden concentrarse en las labores cualificadas y prosperar sin las distracciones que suponen las preocupaciones cotidianas. Podría decirse que el progreso ha avanzado. Pero el planeta se está agotando, asolado por terribles incendios que amenazan con devastar nuestra civilización. Para escudarse de las inclemencias de unos fenómenos meteorológicos cada vez más extremos, frutos del calentamiento, y protegerse de los fuegos cada vez más virulentos, los hogares disponen de unas cúpulas transparentes que aíslan las casas del entorno. Si es que se progresa, se hace a costa de perder el contacto con el medio, se hace a cambio de deshabitar el espacio de comunión con la biósfera. El mundo se ha deshumanizado.
Arco tiene 10 años en 2984, la tierra ya no es habitable, pero la humanidad ha subsistido gracias al ingenio de crear un sistema de plataformas que se ramifican fuera de la atmósfera, mundos diversos en los que se va desplegando el tiempo y la historia. El de Arco es un auténtico Edén, un locus amoenus, en el que se ha retornado a la convivencia con la naturaleza, con su familia se dedica a cultivar, y repoblar de especies que el caos climático prácticamente extinguió, su pequeño entorno. Un invernadero que hace eterna la primavera. No todo se encuentra en su territorio, por eso sus padres y su hermana mayor viajan a otros espacios y otros tiempos para recuperar las semillas y brotes del pasado y darles nueva vida en su ingrávido hábitat. Es un mundo de reconciliación entre lo humano y lo biológico.

Arco e Iris existen en paralelo, hasta que la desobediencia les hace confluir. El niño quebranta la norma de no salir a navegar hasta cumplir los 12, movido por su afán de ver dinosaurios con sus propios ojos. La impericia le hace perder el control de su rumbo y caer estrellado contra el suelo de una tierra no prevista. La niña se aburre en la escuela cuyas lecciones no sacian su curiosidad, con una falsa excusa abandona el aula y se adentra en el bosque infringiendo la prohibición expresa tanto de sus padres, como de las reglas del colegio. En un claro, Iris descubrirá a Arco tendido en el suelo inconsciente, ahí empieza su aventura en común. Iris había pedido un deseo el día de su cumpleaños, que las cosas cambien, la irrupción de Arco en su mundo viene a ser el prodigio que espera. Iris se erige en protectora de Arco y está dispuesta a hacer lo posible por lograr que regrese a su casa, en la peripecia de ambos no estará en juego sólo su destino individual sino que de su resolución se desprenderá el futuro colectivo. Relato de crecimiento, el fin de la niñez de Arco e Iris será el detonante que permitirá la supervivencia de la especie. “Nadie puede conocer su futuro”, se dice en la cinta, pero del encuentro de dos tiempos surgirá la posibilidad de la continuidad.
Con una cuidada animación 2D, que toma elementos de la línea clara para fundirlos con otros procedentes del manga japonés, y una paleta que sabe elegir el cromatismo idóneo para cada secuencia, Arco nos regala una brillante reflexión visual sobre la identidad y la tecnología. Bienvenu domina las técnicas de la narración visual, tanto del cine como, especialmente, del cómic, y nos ofrece una obra a contracorriente que apuesta por centrarse en la importancia de la transmisión de valores y esperanza a través del tiempo. La cinta nos dice que la importancia no está en la permanencia, sino en el legado que iluminará a otros para que florezcan. Nada está a salvo de la obsolescencia, pero el impacto humano llega a parecer permanente, puesto que, siendo finitos, la herencia que dejemos influirá en el bienestar de quienes vendrán después. Arco es un canto a la memoria y al sacrificio.
Un magistral secundario es el encargado de entonar esa melodía, Mikki, el androide nana de Iris. Mikki protagonizará la escena más nuclear de la historia, una secuencia que se ha convertido instantáneamente en el
“momento Bambi”, pero con una vuelta de tuerca existencial y tecnológica. El androide sirve a la acción para introducir el tema del libre albedrío, puesto que su afecto por la protagonista no depende del programa que le rige, al menos no deterministamente, su capacidad de toma de decisión se manifiesta cuando las circunstancias le ponen en la tesitura de renunciar a ser guardián de la niña para convertirse en su aliado. Y toma esa determinación aún a costa de ponerse en riesgo, su ética de utilidad le conduce al sacrificio por un bien más alto que su propia permanencia. A través de este episodio, Bienvenu concluye que no importa que cada uno de nosotros no sea el fin de la existencia, porque nuestra auténtica relevancia estriba en ser el combustible para que el futuro exista.
Arco es una odisea en la que no hay villano a combatir, hasta los antagonistas acaban colaborando para lograr el éxito de Arco, lo que se enfrenta es nuestra continuidad como civilización, más aún, como especie, y pudiendo quedarse en la desolación entona un himno a la esperanza. De nuestro presente distópico aún puede germinar un futuro propicio, dependerá de la luz de arcoíris que dejemos tras de nosotros como estela para guiar a las generaciones que habrán de venir. De que nos coloquemos cdel lado del conocimiento y la empatía y no nos aliemos con el cinismo oscuro que impera en las ideologías pujantes. La película de Bienvenu es una fábula utopista que viene a morder las raíces de la política de muros y segregación. Porque la realidad ha tropezado con Trump, máscara del líder anexionista y déspota en nuestros días (como antes lo fueron otros engendros autoritarios), pero la imaginación todavía es libre. Y si la propuesta de Arco es inalcanzable, si no queda esperanza, habrá que inventarla de nuevo.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de enero de 2026 *
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TURNO DE GUARDIA (Heldinaka, Petra Biondina Volpe, 2025)
- Suiza/Alemania. Duración: 92 min. Guion: Petra Biondina Volpe Música: Emilie Levienaise-Farrouch Fotografía: Judith Kaufmann Compañías: Zodiac Pictures, MMC Zodiac, Schweizer Radio und Fernsehen, SRG SSR Idée Suisse Género: Drama.
- Reparto: Leonie Benesch · Sonja Riesen · Urs Bihlerr · Margherita Schoch · Jürg Plüss · Alireza Bayram · Jasmin Mattei · Ridvan Murati.
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Sinopsis: Floria (Leonie Benesch) es una enfermera que trabaja con gran dedicación y profesionalidad en el ala quirúrgica de un hospital suizo. Nunca comete un error, siempre escucha a sus pacientes incluso en las situaciones más estresantes y siempre está disponible de inmediato en caso de emergencia. Pero en la dura, y muchas veces impredecible, realidad diaria del hospital las cosas pueden ser diferentes. Un día, Floria llega para trabajar en el turno de noche, la sala de urgencias está completamente llena y hay falta de personal. A pesar del ritmo frenético, Floria trabaja incansable para atender a todos los pacientes pero comete un desastroso error y el turno amenaza con desbaratarse por completo. Comienza una angustiosa carrera contrarreloj.
Turno de guardia es el último trabajo de la aclamada directora y guionista Petra Volpe (Dreamland, El orden divino) que tuvo su premiere mundial en la 75ª edición del Festival de cine de Berlín. Un film protagonizado por Leonie Benesch, actriz que ha demostrado que es capaz de hacer frente a toda profesión de riesgo que se le ofrezca, pues no en vano hace un par de años muchos la descubrimos en Sala de profesores encarnando a una maestra que se enfrenta a una delicada situación.
Ahora, en Turno de guardia, deberá hacer frente a la falta de personal generalizada en la sanidad pública que obliga, por supuesto, a que la película esté realizada con tono de thriller, en algunos momentos cercano al terror, que es el próximo escalafón al que llegará de proseguir así la situación.
Leonie Benesch consigue con su personaje de enfermera de la planta de oncología que el espectador se contagie de una actividad incesante que se inicia ya desde el vestuario y que irá in crescendo hasta culminar en el autobús que la llevará a casa tras una jornada de infarto, pues no es más que otro día de trabajo en la planta del hospital. Entenderemos que la labor que ejerce el personaje que encarna Benesch debe de ser un trabajo vocacional, cargado de dificultades e incomprensión por parte de algunos pacientes, incapaces de ponerse en la piel de la trabajadora.
Viviremos con Floria momentos de tremendo estrés, pero también de paz, microsegundos que confirman la sensibilidad especial que es necesaria para realizar esa delicada labor. Y todo ello sin caer en el escasamente creíble tono de series norteamericanas muy recordadas y habitadas por súper médicos que parecen estar en medio de una película de acción.
Leonie Benesch realiza con su personaje una extraordinaria interpretación con la que ha conseguido su segunda nominación a los premios EFA de la Academia de Cine Europeo como Mejor Actriz del año. Asimismo, Turno de guardia ha sido seleccionada en la shortlist de los Oscar como Mejor Película Internacional y es candidata a los Goya como Mejor Película Europea.
VAMOS DE ESTRENO * 5 de diciembre de 2025 *

ETERNITY (David Freyne, 2025)
USA. Duración: 112 min. Guion: Patrick Cunnane, David Freyne Música: Dave Fleming Fotografía: Ruairi O’Brien Compañías: A24, Star Thrower Entertainment Género: Fantástico
Sinopsis: En un más allá donde las almas tienen una semana para decidir dónde pasarán la eternidad, Joan (Elizabeth Olsen) se enfrenta a la diabólica disyuntiva de elegir entre el hombre con el que ha compartido su vida (Miles Teller) y su primer amor (Callum Turner), que murió joven y ha estado décadas esperando a que ella llegara.
Eternity es una divertida comedia fantástica distribuida por A24 protagonizada por Miles Teller (‘Whiplash’, ‘Top Gun’), Elisabeth Olsen (»Bruja Escarlata y visión’) y Callum Turner (Animales fantásticos), dirigida por David Freyne y coescrita por Freyne junto a Pat Cunnane que está realizada a imagen y semejanza de viejas fantasías de los años cuarenta como El difunto protesta (Here Comes Mr. Jordan, Alexander Hall, 1941), Un espíritu burlón (Blithe Spirit, David Lean, 1945), ¡Qué bello es vivir! (It’s a Wonderful Life, Frank Capra, 1946), ya que estamos en estas fechas, o incluso la española La vida en un hilo, escrita, producida y dirigida por Edgar Neville en 1945. Fantasías sobrenaturales con enfrentamientos entre sus protagonistas, de entre los cuales alguno -o todos ellos- tienen un pié en el otro barrio. Ingeniosas tramas que antaño uno se imaginaba protagonizadas por actores como Cary Grant, James Stewart y Katherine Hepburn, tipos que hubieran encajado perfectamente en el lugar de los tres protagonistas de esta amable comedia que responde a unas preguntas más grandes, o tanto, como la vida misma: ¿Qué nos espera después de la muerte? Y como la única forma válida de responder a esa cuestión se nos antoja que debe de ser en tono de comedia, por aquello de quitar seriedad y trascendencia al asunto, Eternity cumple a la perfección con la tarea gracias a su ingenioso argumento y a las interpretaciones de sus protagonistas, correctos y nada histriónicos, en la que es, sin duda, una fantasía recomendada para estas fiestas que se nos vienen encima.
GOLPES (Rafael Cobos, 2025)
España/Francia. Duración: 102 min. Guion: Rafael Cobos, Fernando Navarro Compañías: Vaca Films, Grupo Tranquilo PC, RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur Género: Thriller
Reparto: Cristina Alcázar, Carlos Bernardino, Luis Tosar, Jesús Carroza.
Sinopsis: Migueli (Jesús Carroza), es un delincuente que sale de prisión en la cambiante España de inicios de los 80. Quiere mirar al futuro, pero, antes, tendrá que sellar heridas del pasado. Para ello necesita mucho dinero y lo necesita rápido. En cuanto llega a Sevilla reúne a su antigua banda, y dan varios palos seguidos: sucursales bancarias, joyerías… e incluso el primer casino de la zona. No van a tenerlo fácil: la policía ha encargado el caso a su propio hermano, Sabino (Luis Tosar), que conoce muy bien cómo piensan. Pero Migueli no se detendrá. Está dispuesto a llegar hasta el final.
Golpes, dirigida por Rafael Cobos, es un thriller español ambientado en los primeros años ochenta que mezcla cine de denuncia social con memoria histórica, todo lo cual a pesar de estar un poco cogido con pinzas funciona gracias a las actuaciones de sus protagonistas y hermanos en la ficción, un siempre eficaz Luis Tosar y, sobre todo, Jesús Carroza, que ejerce de antihéroe en esta cinta en la que cada uno de ellos está a un lado de la ley y que recuerda un tanto aquellos heroic bloodshed hongkoneses a los que tan aficionado era y tanta fama le dieron a John Woo a finales de ochenta.
Golpes es el primer largometraje dirigido por Rafael Cobos, que debutó en la dirección con la serie El hijo zurdo (premiada en Canneseries), y que tiene una larga y sólida trayectoria como guionista estrechamente vinculada al director Alberto Rodríguez. Juntos han creado historias que combinan profundidad narrativa con un agudo sentido de la realidad social y cultural de nuestro país, como Grupo 7, La isla mínima, El hombre de las mil caras, Modelo 77 y Los Tigres, recién estrenada en el Festival de San Sebastián.
En Golpes se ha querido ver un acercamiento al cine quinqui de los setenta, aunque como explica el director: «Si el cine quinqui es frontal, explícito y habla de las cosas de un modo evidente y descarnado, Golpes es una fábula sutil que pretende hablar de un país en plena transición, contradictorio, desorientado e incapaz de ajustar cuentas con su pasado; un thriller de robos sobre los lazos de sangre y la memoria».
Directa, emotiva y muy bien ambientada, para reflejar aquella sucia realidad de los ochenta, Golpes es otra muestra de la buena salud que goza el policiaco español más comprometido.
VAMOS DE ESTRENO * 28 de noviembre de 2025 *
LA VOZ DE HIND (Sawt al-Hind Rajab, Kaouther Ben Hania)
- Túnez/Francia. Duración: 89 min. Guion: Kaouther Ben Hania Música: Amin Bouhafa Fotografía: Juan Sarmiento G. Compañías: Tanit Films, Mime Films, JW Films, RaeFilm Studios Género: Drama
Ficha Artística: Saja Kilani, Motaz Malhees, Clara Khoury, Amer Hlehel
Sinopsis: 29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de 6 años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab.
Cuando empiezo a escribir esta reseña es jueves 27 de noviembre de 2025, son las 16 horas y 32 minutos en Barcelona, una hora menos en Canarias y una hora más en Gaza, porque, como dice el Gran Wyoming, sea la hora que sea hay que acordarse de Gaza. Sin duda el conflicto en la Franja no es el único activo a esta hora de este día, como no ha sido el único en los últimos dos años, ni es menos grave el bombardeo de un hospital en Sudán del Sur, ni son menos humanos los apátridas rohingyas expulsados de Myanmar hace ya ocho años sin posibilidad de retorno, pero sobre Gaza se cierne un cúmulo de ironías que la hacen especialmente relevante. Porque es una ironía que el pueblo para el que se acuñó el término genocidio sea ahora el genocida. Y lo es también que la masacre haya sido retransmitida casi en directo y se hayan tomado tan pocas medidas, hemos vivido dos años instalados en esa zona de interés que tan bien describió Jonathan Glazer en su película de 2023. Mientras crecen los síntomas de autoritarismo en todo el horizonte de las democracias occidentales, vivimos encerrados dentro de nuestros límites de confort como si la historia no fuera con nosotros, que nuestra capacidad de acción sea reducida no es justificación suficiente de este nuestro alzarnos de hombros. Hay actos pequeños que aún están a nuestro alcance y que quizás no sean meros gestos estéticos si el efecto mariposa sigue siendo formulable, uno de ellos es ir al cine a ver La voz de Hind. Kaouther Ben Hania, su directora, estaba inmersa en la campaña de los Oscars por su anterior film, Las cuatro hijas, cuando la muerte de Hind Rajab se sustantivó dentro de la matanza diaria de Gaza, era el 29 de enero de 2024, “sentí de inmediato una mezcla de impotencia y una tristeza abrumadora. Una reacción física, como si el suelo se moviera bajo mis pies. No podía seguir adelante con mis planes. Contacté a la Medialuna Roja y les pedí que me permitieran escuchar la grabación completa. Duraba unos 70 minutos, y era desgarradora. Después de escucharla, supe sin ninguna duda que tenía que dejarlo todo. Tenía que hacer esta película.” Una película construida sobre los audios reales, a medio camino entre el documental dramatizado y el suspense, en una sola localización, que da visibilidad a lo invisible. Nos incomoda y nos cautiva.
Los apenas noventa minutos del film fueron recibidos en Venecia con una ovación de veintitrés, una proporción nada desdeñable que nos habla de hasta que punto la forma de narrar de Ben Hania implica al espectador en la trama. Y es que estamos casi en la misma situación que los personajes, no vemos qué pasa al otro lado del terminal telefónico, los silencios hieren porque no vemos y la mente está obligada a reconstruir la escena que se escatima al haber elegido ese punto de vista narrativo, oír el trauma pero no verlo lo magnifica, y se moviliza la compasión, una compasión que alcanza a los personajes que sí vemos porque nuestra situación sólo es casi la misma que la suya, hay una gran diferencia, sabemos cuál va a ser el desenlace, porque es el que fue. Si ver la bomba bajo el asiento del personaje que éste ignora era la base del suspense según Hitchcock, aquí está servido, y el suspense es una vía directa a la empatía, si además la intriga se apoya sobre el drama descarnado, sin florituras innecesarias, com-padecemos. Ben Hania nos despoja de nuestra insensibilidad y despertamos del sueño de nuestra comodidad. La voz de Hind nos entrega el nudo de lágrimas en la garganta que no quisimos hacer nuestro con los noticiarios. La ficción no cambia la historia, pero quizás abre el camino de hacerle justicia. Hind Rajab murió como murió Ana Frank, tal vez su memoria perdure, tal vez esa memoria algún día… Que no hayan muerto en vano.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de noviembre de 2025 *

THE RUNNING MAN (Edgar Wright, 2025)
USA. Distribuidora: Paramount Pictures y Domain Entertainment Productora:Kinberg Genre / Complete Fiction Guion: Michael Bacall y Michael Bacall & Edgar Wright Novela: Stephen King Género: Fantástico
Reparto: Glen Powell, William H. Macy, Lee Pace, Michael Cera, Emilia Jones, Daniel Ezra, Jayme Lawson, Sean Hayes, Katy O’Brian con Colman Domingo y Josh Brolin
Sinopsis: En una sociedad de un futuro cercano, The Running Man es el programa de mayor audiencia de la televisión: una competición mortal en la que los concursantes, conocidos como runners, deben sobrevivir 30 días mientras son perseguidos por asesinos profesionales. Cada movimiento es retransmitido a un público sediento de sangre y cada día que sobreviven aumenta la recompensa económica. Desesperado por salvar a su hija enferma, Ben Richards (Glen Powell), un hombre de clase trabajadora es convencido por el encantador, pero despiadado productor del programa, Dan Killian (Josh Brolin), para participar en el juego como último recurso. Pero la rebeldía, el instinto y la determinación de Ben lo convierten en un inesperado favorito de los fans y en una amenaza para todo el sistema. A medida que se disparan los índices de audiencia, también lo hace el peligro, y Ben debe burlar no sólo a los runners, sino a una nación adicta a verle caer.
El fugitivo fue la tercera novela de Richard Bachman ¿Qué quién es Richard Bachman? pues es el seudónimo que escogió Stephen King porque en la época que se publicó, los años ochenta, concretamente 1982, estaba mal visto que los escritores publicaran más de una novela al año. Cuando se editó el libro original o incluso cuando se realizó la primera versión cinematográfica del mismo, Perseguido (The Running Man, Paul Michael Glaser) en 1987, el argumento ideado por King era algo paradójico, una fantasía sin más ubicada en el futuro y que tenía bastante en común con otra de las obras de Bachman publicada tres años antes y recientemente también adaptada al cinematógrafo, La larga marcha. Ambos relatos incidían en duros concursos televisivos con los cuales los participantes querían salir de la pobreza. Pero en estos tiempos de reality shows y de challengers absurdos en Tik Tok, con sus retos virales que han costado muchas vidas, lo cierto es que el concurso que se nos propone en The Running Man parece de lo más «normalito», pues la recompensa es, cuanto menos, motivada por una necesidad, mientras que en los concursos y las pruebas virales solo se busca una efímera y absurda fama, que dura lo que tarda en formalizarse un nuevo reto.
Edward Wright ha dirigido The Running Man manteniendo parte del humor heredado de su famosa Trilogía del Corneto, protagonizada por su actor de cabecera, Simon Pegg, pero la ha adaptado a los tiempos que vivimos, algo que, como hemos comentado, ha tenido fácil pues tan solo le ha hecho falta asomarse a cualquiera de las pantallas. Protagonizada por Glen Powell, su personaje, un rebelde idealista, deberá correr y esconderse durante 30 días en un estado policial, en el que cinco pistoleros le perseguirán y en los que ciudadanos modelo podrán obtener una jugosa recompensa si delatan su paradero. El programa de Librevisión no duda tampoco en manipular los mensajes que los participantes deben enviar a diario a la cadena televisiva, así que la inteligencia artificial y las fake news son habituales para calentar y expandir el odio de los espectadores hacia los participantes.
El resultado es de casi dos horas de emoción y el convencimiento de que, de una u otra forma, más sutil por el momento, el argumento de The Running Man ya es una realidad en colegios en los cuales se fuerza al suicidio de los elementos acosados, ya sea compartiendo imágenes, manipuladas o no, mediante IA; o desde televisión, denunciando a tal o cual famosillo localizado en intimidad por paparazzis. Siempre expuestos en pantallas. Siempre en el candelabro.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de noviembre de 2025 *

GAUA (Paul Urkijo Alijo, 2025)
Paul Urkijo es un viejo conocido de Proyecto Naschy. Ya con sus cortometrajes llamó la atención de Serendipia por su factura y por su rico imaginario. Ahora, la carrera del vasco ya es una realidad con tres largometrajes que han recibido excelentes comentarios de crítica y público. Todos ellos han profundizado en el folklore y la tradición vasca estando ubicados en el pasado, donde se ha nutrido el director de ese rico saber popular para fabular con sus historias en las que la brujería y el diablo siempre estan presentes. Pero se diría que ha sido con Gaua donde Urkijo se ha arremangado y ha penetrado hasta las orejas en la magia negra y el satanismo, montando un film que culmina con un akelarre, una misa negra, tal y como se ha representado en obras e ilustraciones de aquella época, pues en Gaua está la iluminación de interiores de los maestros holandeses y las pinturas negras de Goya. Todo con tal de trasmitir al espectador las sensaciones de estar presentando tableaux vivents de las ilustraciones de misas negras y reuniones de brujas tantas veces vistas en libros y tratados de magia.
DIE MY LOVE (Lynne Ramsay, 2025)
- USA. Duración: 118 min. Guion: Lynne Ramsay, Enda Walsh, Alice Birch. Libro: Ariana Harwicz Música: Raife Burchell, Lynne Ramsay, George Vjestica Fotografía: Seamus McGarvey Compañías: Black Label Media, Excellent Cadaver, Sikelia Productions. Distribuidora: MUBI Género: Drama
- Reparto: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Lakeith Stanfield, Sissy Spacek, Nick Nolte
- Sinopsis: Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad.
Ocho años han pasado ya desde el estreno de En realidad, nunca estuviste aquí, Lynne Ramsay se prodiga poco, pero nunca ha dado puntada sin hilo. Inició su carrera al final del siglo XX con Ratcatcher, una ópera prima que ya la revelaba como una directora con un universo propio. Cuando este siglo ha cumplido ya su primer cuarto, estamos en condiciones de decir que la escocesa es una de las cineastas más interesantes del siglo XXI. Su cine se aparta de los códigos establecidos por la narrativa clásica, no se apoya en los diálogos ni en la exposición explícita de la historia, trabaja lo sensorial trazando historias en las que lo que construye el relato son las imágenes, los detalles vívidos, la música y el diseño de sonido. Asidua del Festival de Cannes, siempre ha conquistado el corazón de la crítica profesional. Siempre hasta el estreno de Die my love, aquí la radicalidad de sus modos ha sentado el disenso, mientras algunos la consideran su obra más madura, otros han visto un absoluto dislate en el que ha sucumbido a la voluntad de su protagonista, Jennyfer Lawrence, a la sazón productora de la cinta. Y aunque no es una película fácil, no había razón en los aspavientos, al fin y al cabo esta historia de amor y desquiciamiento es coherente con los presupuestos de su directora.
La maternidad tradicionalmente se ha visto como uno de los pilares más sólidos de la sociedad. El amor de una madrecita del alma querida siempre estuvo fuera de toda duda. Madre no hay más que una y se caracteriza por su entrega y su amor incondicional. Y, por supuesto, es el objetivo vital de todas las mujeres, excepto de las desnaturalizadas. Pero los mitos no son para siempre, desde que las mujeres han optado a roles de responsabilidad hasta en las artes creativas y han empezado a hacer oír su voz, la maternidad ha dejado de ser sacrosanta y han empezado a proliferar relatos que hablan de sus aspectos menos idílicos, por citar alguno, ahí está en clave de thriller psicológico la Salve María de Mar Coll, y también dentro de los
parámetros del género, pero con mucho humor, Amy Adams nos regalaba un retrato feroz en Canina. Grace, la protagonista del último film de Ramsay, está un punto más allá de la depresión postparto, su vida se ha desnortado, no tiene problemas con el bebé sino con todo lo demás, como le confiesa ella misma al psiquiatra. Su relación con Jackson (Robert Pattinson, genial en su réplica a Lawrence) siempre fue pasional, y los encuentros sexuales entre ambos eran constantes, el embarazo y la llegada del hijo (sin nombre, es un detalle) lo interrumpe todo, y se va sumiendo en la soledad. Así pues, la película trata sobre la manera en que una mujer se redefine a partir del nacimiento de un hijo y de la soledad que este proceso conlleva. El aislamiento maternal ya estaba en Tenemos que hablar de Kevin (2011), pero si el personaje interpretado por Tilda Swinton guardaba su tensión en su interior, Grace, al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. Sin duda el personaje se beneficia de la enérgica impetuosidad de Jennyfer Lawrence cuya interpretación merece un aparte propio.
Los ojos violetas de Liz Taylor fueron en 1958 los de Maggie Pollitt, una mujer joven y hermosa, frustrada por la falta de intimidad con su esposo, que lucha contra la mendacidad y la opresión social en el sur de Estados Unidos. «¿Sabes cómo me siento? ¡Me siento todo el tiempo como un gato en un tejado de zinc caliente!«. También vemos a Lawrence, con sus acuosos ojos claros, gatear entre las hierbas antes y después del nacimiento del bebé, primero atrayendo a Jackson hacia ella, para ser ignorada por él después del
natalicio. La insatisfacción personal hace reaccionar a ambos personajes femeninos, pero la deriva de Grace es más errática. Y más dramática. Lawrence, como la Taylor, se muestra como una actriz de personalidad arrolladora, capaz de abrirse en canal prestando su carnalidad al personaje. La deriva de Grace en manos de la ganadora del Óscar en 2012 (con sólo 22 años), tiene algo de hipnótico, nos fascina y nos abruma como esas escenas de accidentes mostradas en cámara lenta. Frente a una cámara exigente e invasiva, su interpretación es física y extrema, pero dista mucho de darnos un personaje plano por exceso, al contrario la actriz (junto con el trabajo de la directora) obra con esmero para extraer de Grace una inocencia infantil que nunca resulta condescendiente. Los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Lawrence se desnuda física y emocionalmente, entregándose por completo a Grace, y formando un excepcional tándem con Ramsay. Así, visceral, desgarradora y con un humor muy negro y muy ácido, Die my love impacta como un mazazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica. «¡Pues salta del tejado, salta! ¡Los gatos pueden saltar de los tejados y aterrizar sobre sus cuatro patas sin hacerse daño!«, sólo queda luchar por ser, aunque eso implique no permanecer más en el tejado. Grace definitivamente huye hacia adelante.
La forma en que Ramsay explora la maternidad va mucho más allá de lo superficial, adentrándose en los matices emocionales y físicos que acompañan este proceso. No idealiza ni demoniza, sino que muestra la ambivalencia de sentimientos. Y es que Die my love no pretende ser entendida, por eso no vacila a la hora de complicar la línea temporal del relato, llegando a tener por momentos un aire onírico de irrealidad, Die my love lo que busca es ser sentida emocionalmente en nuestro interior. Después de todo habla de amor, en palabras de la propia Ramsay: “en el corazón de esta historia está la complejidad del amor y cómo puede cambiar y transformarse con el tiempo. Mi objetivo era mantenerlo con los pies en la tierra, humano, espontáneo y divertido a veces, capturando los momentos que parecen pequeños pero que tienen mucho peso. Esta película es para cualquiera que haya estado en una relación: hay angustia y belleza en la vulnerabilidad”. Estamos ante una obra que desafía los convencionalismos, presentando un retrato valiente y sincero de la maternidad y la identidad femenina, dejando una huella imborrable en quien se atreve a mirar más allá de la superficie.
VAMOS DE ESTRENO – Viernes 7 de noviembre de 2025 –

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BUGONIA (Bugonia, Yorgos Lanthimos, 2025)
- Irlanda/UK/USA. Duración: 118 min. Guion: Will Tracy, Jang Joon-hwan Música: Jerskin Fendrix Fotografía: Robbie Ryan Compañías: Element Pictures, Fruit Tree, Square Peg, CJ Entertainment, Fremantle Media North America. Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures Género: Ciencia ficción.
- Reparto: Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias, Alicia Silverstone
- Sinopsis: Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra.
Bugonia la nueva película dirigida por Yorgos Lanthimos, quinta del director protagonizada por Emma Stone, es un remake del film surcoreano Salvar el planeta Tierra (Jigureul jikyeora!, 2003) de Jang Joon-hwan), pero lo cierto es que cuesta menos imaginarse a sus dos protagonistas si se sitúan en Estados Unidos, un país donde hasta el presidente no duda en soltar increíbles bulos sin despeinarse. Tan solo hace falta recordar aquel que decía que en Springfield los emigrantes se comían las mascotas de los ciudadanos. Así, es fácil imaginarse a los dos protagonistas de Bugonia, Teddy (Jesse Plemons) y Don (Aidan Delbis), auténticos ejemplos de white trash que como especialista y alumno, respectivamente, piensan que algunos de los mayores ejecutivos de las grandes empresas del país son alienígenas que han venido de la galaxia de Andrómeda para terminar con los humanos, comenzando con las abejas. Así que juntos idean un plan, aparentemente sin fisuras, que consistirá en secuestrar a una de estas ejecutivas, Michelle (Emma Stone) para obligar al emperador de Andrómeda a retirar sus tropas invasoras de la Tierra. Este delirio irá in crescendo, con todo un tour de force interpretativo por parte de Stone, que si en otras películas de Lanthimos ha tenido que forzar la máquina, aquí deberá raparse la cabeza y llenar su cuerpo de pringosas cremas.
El film de Lanthimos entra en la comedia, pero una comedia que también nos recuerda a nuestra Platillos Volantes de Óscar Aibar, por el tono y por esos dos pobres diablos que la protagonizan, pero también por el desenlace, que por supuesto, no pensamos desvelar. En Bugonia no tan solo es presa de las torturas del director Emma Stone, también se verá expuesto a los sádicos jueguecitos de Lanthimos el compositor, Jerskin Fendrix, que ya compuso las partituras de Pobres criaturas (2023) y Kinds of Kindness (2024) , leyendo los guiones sin haber visto ninguna escena de las películas. Para Bugonia, Lanthimos ideó algo más retorcido, no le proporcionó el guion, dándole a Fendrix solo cuatro palabras clave: «Abejas. Sótano. Nave espacial. Emily calva». El juego se extendió al público asistente a las proyecciones en Los Ángeles, pues todo calvo o todo aquel que se dejara afeitar la cabeza entraba gratis a ver la cinta. Una locura (o no), una comedia (o no), un divertido film (eso si), con buenas interpretaciones y una trama que no permite al espectador retirar sus ojos de la pantalla hasta el final de los títulos de crédito.
La cinta, que formó parte de la Sección Oficial del Festival de Venecia, ha participado en la sección Perlak del Festival de Cine de San Sebastián y en la sección Sitges Collection del Festival de Sitges.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 31 de octubre de 2025 *

TOGETHER (Michael Shanks, 2025)
- Australia/USA. Duración: 102 min. Guion: Michael Shanks Música: Cornel Wilczek Fotografía: Germain McMicking Compañías: 30West, Picturestart, 1.21, Princess Pictures, Tango Entertainment. Distribuidora: Neon Género: Terror
- Reparto: Allison Brie, Dave Franco, Mike Cowap, Mia Morrisey
- Sinopsis: Una pareja con problemas en su relación se muda al campo, donde descubren una cueva con una fuerza sobrenatural. Al beber agua de la cueva, comienzan a experimentar transformaciones físicas y emocionales que reflejan su codependencia.
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Dicen los especialistas, algunos, que el género fantástico y de terror vive un momento fértil, con muchas voces nuevas repensando los tópicos y llevándolos a otros puertos. Puede que tengan razón, después de todo el terror siempre florece con más vigor en épocas de crisis y la nuestra lo es, momento convulso en el que se están trastornando las estructuras de todo lo que conocimos.
Perder pie siempre da miedo. Pero luego está el fandom, o una parte, dispuesto a amargar el dulce en nombre de no sé sabe bien qué esencialismos, henchidos de nostalgia, y paladines de algo que llaman terror puro y que vendría a caracterizarse por no avergonzarse del género y aplicarlo en sí y por sí, esto es, sin apuntar a universos externos al propio artilugio de lo terrorífico. Mientras me dispongo a escribir sobre Together (permítanme que obvie el subtítulo español), no soy capaz de anticiparme a los juicios de especialistas y fans, porque esta ópera prima llegada de las antípodas juega desacomplejadamente al body horror, pero no esconde ni por un momento que lo está utilizando como falsilla para entonar una reflexión sobre qué supone la institución de la pareja monógama y no abierta. Puede que les divida tanto como lo hizo Relic (2020, Natalie Erika James) o que los (más o menos) sume como fue el caso de Hereditary (2018, Ari Aster), por citar dos ejemplos de cintas de género que usan los lugares comunes del terror para reflexionar sobre las relaciones humanas. Así que trataré de prescindir de hipotéticos juicios ajenos y trataré de decir la mía,
¿Qué impresión me ha producido el primer largo de Michael Shanks? Un debut fresco, que no esconde sus referencias, pero con suficiente voz propia para resultar un trabajo personal. Autodidacta en muchas de las disciplinas que implica una producción cinematográfica, el australiano (no le confundan con su tocayo canadiense como cierta web-base de datos ha hecho) sabe aprovechar los medios para contarnos sus miedos y sus esperanzas, y hacerlo de tal modo que nos sintamos apelados en nuestras propias vivencias al respecto. Shanks combina recursos clásicos de la escritura de guion como el Arma de Chejov, ya saben si mostramos una (mini)motosierra en el primer acto es porque la vamos a usar antes de la conclusión, con ideas muy locas tanto visuales como conceptuales, todo en nombre de regalarse imágenes inéditas para él, que habrían de serlo también para el espectador. Con estructura de comedia romántica (casi lo de chico conoce chica y etc.), las desventuras de la pareja protagonista, encarnados por Allison Brie y Dave Franco, matrimonio en la vida real, son servidas con ritmo de thriller psicológico, y con efectos, tanto físicos como visuales, de buen nivel, para que sufran en carne la transformación que sigue la deriva de su propia relación. El debutante se las apaña para ir hablándonos del miedo al compromiso como lacra, del temor-horror ante la rutina de la convivencia, del peligro de la codependencia, del vértigo de la toxicidad en una relación; se las apaña para hacerlo mientras sumerge a los personajes en una auténtica pesadilla a lo Cronemberg, con evocaciones a La Cosa de Carpenter y a los escenarios de Giger para Alien. Curiosa mezcla que quizás tenga su mayor virtud en que en ningún momento se toma a sí misma con solemnidad. Sin duda, director y equipo lo han pasado bien, y transmiten el divertimento al público, porque tiene bastante de sátira, pero también maneja el uso del sobresalto con sentido de la oportunidad. Domina en el film el espíritu de la ligereza y eso está bien porque es acorde al momento vital del propio director, con lo cual su obra rezuma sinceridad. Y, sin embargo, no pude dejar de arquear la ceja, con un sentimiento de “Bien, pero…” Un pero que quizás es mío, personal e intransferible, podríamos decir, o quizás no, como sea voy a exponerlo. En el siguiente párrafo.
No seré yo quien diga que Shanks peca de exceso, pero sí que ha querido rizar mucho el rizo. No contento con emplear los modos de la Nueva Carne para diseccionar la anatomía de la pareja, enmarca el horror corporal dentro de una intriga en la que se dan la mano las sectas destructivas y la sabiduría griega recogida por Platón (sic). Y ahí es donde a mí se me atraganta un poco el festín. Mi dificultad para tragar la hipótesis esgrimida por el film no viene del uso inexacto de las palabras del filósofo ateniense, quizás un poco, porque, eso de que parte del público pueda marchar pensando que Platón fue el padre de la idea de media naranja, ofende a mi prurito profesional, pero soy capaz de deslindar mi deformación de oficio del juicio sobre un hecho cinematográfico. Lo que más provoca mi chirriar de dientes es que ese envoltorio y la mitología que parece llevar implícita no se desarrollan con suficiencia, con el problema de que quedan unos agujeros en la explicación que la trama no es capaz de rellenar. En suma, me parece una película notable con una resolución débil. Queda como resultado una metáfora juguetona que apenas esconde lo mucho que tiene de vivencia personal del autor todo lo narrado. Y lo personal es intransferible, con todo lo que implica de bueno. Y de malo.
Conclusión: denle una oportunidad a Together (y su innecesario subtítulo español), tengan una feliz noche de Halloween, y hagan juego. A pesar de mis reticencias. Que yo por mi parte me seguiré refugiando en los sonetos Del “Divino” Aldana:
«¿Cuál es la causa, mi Damón, que, estando
en la lucha de amor juntos, trabados
con lenguas, brazos, pies, y encadenados
cual vid que entre el jazmín se va enredando,
y que el vital aliento ambos tomando
en nuestros labios, de chupar cansados,
en medio a tanto bien, somos forzados
llorar y suspirar de cuando en cuando?»
«Amor, mi Filis bella, que allá dentro
nuestras almas juntó, quiere en su fragua
los cuerpos ajuntar también tan fuerte
que, no pudiendo, como esponja el agua,
pasar del alma al dulce amado centro,
llora el velo mortal su avara suerte.»
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 10 de octubre de 2025 *

VIEJA LOCA (Martín Maguregui, 2025)
España/Argentina. Guion: Martín Mauregui Música: Pedro Osuna Compañías: Películas La Trini, Primo Content, Bambú Producciones, Mr. Fields and Friends, La Unión de los Ríos. Productor: J.A. Bayona Género: Terror.
Reparto: Daniel Hendler · Carmen Maura · Olivia Nuss
Sinopsis: En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.
Vieja loca se inicia como drama, prosigue como comedia negrísima, pero comedia a fin de cuentas, con toques de terror. Es todo ello. Pero también es una profunda metáfora de la Argentina que ha olvidado. O dice haber olvidado aquella dictadura que tantas vidas costó y durante la cual tanta gente desapareció, se esfumó sin dejar huella. Una Argentina en la que los seguidores de los golpistas y de la dictadura conviven con los descendientes de los desaparecidos sin recordar, al parecer, los atroces crímenes del pasado.
Opera prima de Martín Maguregui, coproducida entre España, Argentina y Estados Unidos, Vieja loca es eminentemente Argentina, aunque cuente en el papel protagonista con nuestra Carmen Maura, brillante como siempre, ya sea en papeles más amables o en el de la demente que dice no recordar nada de su pasado.
Tras triunfar mundialmente con La sociedad de la nieve, J.Bayona y su socia Belén Atienza, apoyan el debut en la dirección de este cineasta argentino, que nos ofrece una fábula de terror y suspense que aborda cómo se transmite la violencia de una generación a otra. Vieja loca, que tuvo su premiere mundial en la 20 edición del Fantastic Fest de Austin, tuvo su presentación europea en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, tras cuyo estreno llega a nuestras pantallas.
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