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Ya falta menos para Klowns Horror Cinema Vol. 3: Necrofilia / Fascinación por los muertos
Vuelve KLOWNS HORROR CINEMA con más fuerza que nunca. En ésta ocasión con un programa temático dedicado a aquellas películas que de una manera u otra han tocado el polémico y depravado tema de la necrofilia. Cadáveres en diverso estado de putrefacción, salas de autopsia, cementerios, sexo y mucha sangre, con dos grandes largometrajes un corto y uno de los mediometrajes más impactantes que se han rodado jamás. También tendrá lugar la presentación del tercer número del Klowns Horror Fanzine, revista temática monográfica en el que las dos cabezas de Serendipia han contribuido.
La sesión dará comienzo a las 18 horas y contará con la presencia del realizador catalán Nacho Cerdà, con quien tendremos la oportunidad de volver a ver su trabajo más polémico y enfermizo, el mediometraje Aftermath (1994). Obra de culto entre los seguidores del cine más bizarre, formó parte de su particular trilogía sobre la muerte. Al finalizar la proyección tendremos la ocasión de charlar con el director sobre el rodaje, la repercusión y el impacto que causó la cinta en su momento.
A las 19:30h le tocará el turno a la pieza más clásica de este indigesto género, Demencia (Buio Omega, Joe D’Amato, 1979). Una cinta oscura, repleta de impactantes imágenes que muestran el lado más macabro responsable de Terror en el mar Egeo (Antropophagus, 1980). La película, que podremos disfrutar en versión original con subtítulos en castellano, en un montaje especial para la ocasión, será seguida por I am Monster de Shannon Lark y Lori Bowen, un brutal corto realizado este mismo año. Todavía calentito, como ven.
Y para terminar la velada, a las 21:30h Kissed (1996) de la directora canadiense Lynne Stopkewich, que aborda el tema de la necrofilia desde un prisma menos macabro pero igualmente perturbador, enfocando ese deseo y fascinación por los muertos como algo puro y místico, en un viaje hipnótico y espiritual. La cinta se proyectará en versión original con subtítulos en castellano.
Como ya se ha indicado más arriba, también se presentará el tercer número de Klowns Horror Fanzine, un voluminoso monográfico sobre la necrofilia y la fascinación por los muertos que revisa un buen número de cintas que abordan el tema desde diferentes puntos de vista: desde Vertigo de Hitchcock a Macabre de Lamberto Bava pasando por Buio Omega de D’Amato sin olvidar al amigo Lucker: The Necrophagous de Vandewoestijne. Un total de 25 películas analizadas a través de críticas, artículos y entrevistas, una de ellas a Nacho Cerdá sobre Aftermath. Sus 76 páginas incluyen un extenso dossier especial realizado por el que esto les cuenta dedicado a Jörg Buttgereit y la saga Nekromantik, con una extensa entrevista en exclusiva donde también nos habla de su retorno al cine con German Angst. Para terminar de redondear el trabajo, se incluyen también otros artículos sobre el tema y los dos relatos ganadores del concurso de cuentos cortos. Una nueva sección que se repetirá en futuras ediciones con relatos siempre condicionados con la temática de la publicación.
KLOWNS HORROR CINEMA VOL.3 Fascinación por los muertos tendrá lugar el próximo 17 de mayo de 18h a 23h en el lugar habitual, la S.C. L’Espiga de Les Corts, C/ Joan Gamper, 30. Les Corts (Barcelona) ENTRADA AL EVENTO GRATUITA.
Si la proyección les abre el apetito, el local dispone de servicio de bar: palomitas, cerveza, refrescos, tapas, sándwich…
MÁS INFORMACIÓN EN: http://www.klownsasesinos.com
El cómic autobiográfico también protagonizará el 32 Salón del Cómic de Barcelona
El cómic autobiográfico nacional tendrá este año un protagonismo especial en el 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. La exposición Viñetas Autobiográficas reunirá material original de más de una veintena de artistas con el fin de poner de manifiesto una realidad: que la historieta autobiográfica es ya hoy en día algo más que una tendencia en el mundo del cómic.
La muestra incluye una selección de originales que revisa las viñetas autobiográficas de los autores autóctonos desde sus inicios hasta el momento actual. De alguna manera, son historietas que reflejan momento vitales de sus creadores pero también de sus respectivas generaciones, tanto a nivel social como cultural e histórico.
En concreto, Viñetas autobiográficas recoge algunas páginas de los primeros autores españoles que utilizaron su propia vida como reflexión de su entorno, en la década de los 70, como es el caso de Enric Sió, Luis García y Carlos 
Giménez. Pero también incluye originales de quienes cultivaron el cómic autobiográfico en los 80 y los 90, entre ellos Joan Mundet y Ramón Boldú.
Por último, la exposición muestra material de aquellos que se dedican hoy, en plena siglo XXI, a contar su día a día con viñetas, como es el caso de Rubén del Rincón, Sandra Uve, Moderna de Pueblo, Óscar Sarramia, Isabel Franc y Susanna Martín o Ramón Rodríguez y Cristina Bueno, además de Miguel Gallardo, Ángel de la Calle, Antonio Altarriba y Kim, Nacho Casanova, Cristina Durán y Miguel Ángel Giner, Bié, Gabi Beltrán y Tomeu Seguí o Miguel Fuster.
Sesión bélica de Phenomena con motivo del Salón del Cómic
Las películas de guerra son un género que han filmado grandes directores desde ópticas muy personales, reflejando tanto su brutalidad descarnada como su épica. Con motivo del 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que tiene en la presencia de la guerra en el cómic uno de sus ejes, Phenomena – The ultimate cinematic experience ha programado para el viernes 9 de mayo, en el cine Comedia de Barcelona, un programa doble espectacular: La Chaqueta Metálica, de Stanley Kubrick (20.00 horas) y Evasión o Victoria, de John Huston (22.00 horas), dos clásicos del cine bélico dirigidos por dos directores clave que ofrecen una visión descarnada de lo que esconde cualquier conflicto armado.
El precio de la entrada única para ver las dos películas es de 9 euros y las cintas se exhiben en versión original subtitulada en castellano. Una vez más, Phenomena – The ultimate cinematic experience, da la oportunidad de disfrutar de dos grandes clásicos, en este caso, del cine bélico, a un precio único. Las entradas pueden adquirirse a través de www.atrapalo.com o en las mismas taquillas del cine Comedia. Los espectadores que conserven el resguardo de la entrada de esta doble sesión de Phenomena podrán utilizarla para obtener un 2×1 al comprar en las taquillas del Salón una entrada de 7 euros. Esta promoción no es acumulable a otros descuentos y promociones de las entradas del Salón del Cómic.
LOS FILMS:
La Chaqueta Metálica (1987). Un grupo de reclutas se prepara en Parish Island, centro de entrenamiento de la marina norteamericana. Allí está el sargento Hartmann, duro e implacable, cuya única misión en la vida es endurecer el cuerpo y el alma de los novatos, para que puedan defenderse del enemigo. Pero no todos los jóvenes están preparados para soportar sus métodos.
Evasión o Victoria (1981). Segunda Guerra Mundial, año 1943. El comandante del campo de concentración de Gensdorff, que antes de la guerra había formado parte de la selección alemana de futbol, se interesa por un grupo de prisioneros que practican este deporte. Se le ocurre entonces la idea de organizar un partido en el que se enfrenten una selección alemana y una selección formada por prisioneros.
El viento se levanta, il faut tenter de vivre
Siempre tiene un punto de tristeza ver una película sabiendo que es la última de su director. En algunos ocasiones porque el artista ha seguido batallando con las imágenes hasta el final y dejan tras de sí una obra póstuma que constituye todo un legado; ocurría así con Dublineses (The dead) de John Huston que nos dejaba un fundido en negro profundo como el bajar de párpados final que era. En otras ocasiones porque el realizador decide retirarse cuando aún le asiste la lucidez y puede cerrar su obra con dignidad, fue así con Kieslowski que se puso tras las cámaras por última vez con el rojo de su trilogía de los colores (Tres colores: azul; Tres colores: blanco; Tres colores: rojo). Y ahora el que nos deja es Hayao Miyazaki a quien le debemos tantas obras maestras de la animación. Miyazaki se despide con El viento se levanta (Kaze Tachinu), nos regala un biopic impregnado por la melancolía de El cementerio marino de Paul Valery del que toma prestado un verso para el título de este su último trabajo. Los tres filmes postreros que mencionamos tienen en común la suave melancolía de quien está degustando la finitud del tiempo y desde esa conciencia, sin darnos falsas esperanzas, nos alienta a aprovechar y gozar la vida, un trágico canto a la «joie de vivre» contenido e intenso a partes iguales.
El viento se levanta es un repaso sútil como la brisa a la vida de Jirō Horikoshi el hombre que diseño los tristemente célebres cazas Zero (sí, los que usaban los kamikazes para sus ataques suicidas). De la mano de Miyazaki acompañamos a Jiro desde su niñez soñadora hasta su madurez, deteniéndonos en los momentos álgidos que atravesó como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Criticada en su país de origen tanto por los conservadores como por los izquierdistas lo que nos ofrece la película es una visión extendida de cómo la pasión de Horikoshi por volar fue atrapada por los avatares de la guerra y el militarismo. «No construimos armas, mejoramos aviones» dice un personaje en el filme, ese es el punto de vista desde el que se aborda este biopic, vemos a un hombre perseguir su sueño por encima de las circunstancias que le han tocado vivir. Y amar, porque esta es también una gran historia de amor. Es un gran canto a las aspiraciones de superación y a la necesidad de vivir aunque nos veamos rodeados por lo más adverso.
Auténtico poema visual, es posiblemente la menos fantástica de las obras de Miyazaki, pero está llena de magia y de lirismo en el detallado trabajo de sus imágenes. De la mano de Miyazaki hasta las tragedias están armadas de un poderío visual que las vuelve poéticas: así ocurre con el terremoto de Kanto, por lo que se refiere a los dramas colectivos, o el vómito hemoptísico de Nahoko (la amada de Jiro) en lo más íntimo, en el que las gotas de sangre tiñen de rojo las flores componiendo una sinfonía de color delicuescente. El trabajo de los fondos está perfilado con una minuciosidad extrema y la animación dibuja con realismo todos los movimientos. Y aunque el tono general de la cinta sea el realismo no faltan los momentos oníricos que nos hacen elevarnos a otra dimensión. En ellos los sueños de Jiro entran en contacto con los de su ídolo Caproni (ingeniero aeronáutico italiano que le sirvió de inspiración) tejiendo un espacio en el que la conciencia se funde con lo idealizado y en el que el protagonista halla los motivos para seguir viviendo.
El viento se levanta y Miyazaki enfila el camino del adiós, pero nos deja una carrera brillante con la que podremos gozar una y otra vez. Y nos anima a perseguir los sueños en nuestra fugaz existencia, una existencia abocada a desaparecer pero en la que vale la pena tratar de vivir.
The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro y otras batallas
Desde que el ente conocido como Serendipia creó este blog, hace casi 5 años y 825 artículos, muchos de ellos referentes al mundo del cómic y dentro de ese campo al protagonizado por súper-héroes, no había encontrado una excusa para hablar de uno de sus personajes favoritos, presente durante toda su vida y parte imborrable de su memoria sentimental. Así que, a propósito del estreno de Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, se ha complacido en realizar su primer artículo sobre el lanzarredes, así que sean indulgentes con él y permitan que se extienda un poco, deteniéndose en las diferentes encarnaciones del trepamuros: desde el cómic, al merchandising de su infancia. Repasando la filmografía que ha generado y rememorando, por el camino, alguna batallita personal de dudoso interés.
Avisados quedan…
TENGO 47 AÑOS Y SIGO LEYENDO SPIDERMAN
He de confesarlo. Creo que deben saberlo antes de continuar. Desde que cayó en mis manos un desmoronado ejemplar del antiguo volumen uno de editorial Vértice, concretamente el 19, me sentí picado por esa araña radioactiva que también infectó a Peter Parker, aunque si a él le convirtió en el súper-héroe más importante del firmamento, a mí me transformó en un humilde lector de sus aventuras. Durante esa etapa infantil no paré hasta completar esa primera colección del trepamuros revolviendo en librerías de segunda mano y traperías acompañado de Enrique, compañero de aficiones (aunque a él le gustaban más los mutantes). La colección, a todo blanco y negro y en formato librito, constaba de 59 números que desprendían un característico olor que todavía identifico con el de mi infancia, repleta de tebeos de terror y aventuras. Sí, cierto es que a la edición española de Spiderman (escrito todo junto) le llegó su decadencia cuando pasó a ser editada por Bruguera. Y cierto es que mi interés sobre el personaje decayó cuando el vello invadió ciertas zonas de mi anatomía y recibí la llamada de la música, el alcohol y las chicas pero… como cantaban Small Faces, “yesterday is dead but not my memory”, y un día al 
adquirir mi Spirit mensual -nunca abandoné la lectura de comics- el viejo lanzarredes me saludó desde la portada de un cuadernillo, ahora editado por editorial Forum y dibujado por un tal Todd McFarlane. La verdad es que el dibujo me llamó la atención, así que decidí llevármelo conmigo reencontrándome de nuevo en esas páginas con Peter Parker. Aquel número 228 fue seguido de muchos otros, hasta conseguir reunir todas sus aventuras (y eso incluye varias cabeceras más y muchos, muchos extras, incluidos algunos inéditos en España). Y es que sí, Peter había vuelto para quedarse en mi vida. Y no como objeto intocable de culto, sino como algo vivo. No en balde y tras muchos años me encuentro disfrutando actualmente de la relectura cronológica de la colección.
Pero ¿Qué tiene este personaje para haberse convertido en uno de los iconos del siglo XX y parte del XXI? ¿Qué le hace incombustible? Por mi experiencia sólo puedo contarles lo que vio aquel niño en Spiderman: aventura, cercanía y cierta ¿verosimilitud? Pues si, ya que frente a otros niños que admiraban las aventuras imposibles de bárbaros, dioses y semidioses con Thor, Conan o el mismísimo Superman en cabeza, lo que me cautivó del personaje arácnido fue, más que las propias aventuras del enmascarado, de 
indudable atractivo y sólida construcción, la personalidad y el carisma de Peter Parker y su reparto de secundarios: Flash, el matón del colegio (ahora se le llamaría acosador); la tía May, madre protectora pero también castradora que no parece ver que su niño está creciendo; Harry, el amigo con problemas de adicción; J. J. Jameson, el jefe hijoputa pero necesario para conseguir dinero. Y las chicas, claro. Desde Betty, la primera novieta, a Gwen Stacy, el gran amor de la vida de Peter Parker cuya pérdida, en el número 121 USA de The Amazing Spider-Man (en España el 54 -Vol. 1- Vértice) recuerdo todavía con perplejidad y tristeza. Y Mary Jane Watson, esa mujer independiente y liberada que aparece y desaparece de la colección y de la vida del trepamuros. El caso es que a día de hoy, con 47 años que se me han pasado volando, sigo comprando y leyendo mes a mes las aventuras de Spiderman, superando temporadas anodinas que han puesto mi fidelidad al personaje al límite. Y es que, algo tendrá el mequetrefe de Parker.
AHORA A LOS MUÑECOS Y CROMOS SE LES LLAMA MERCHANDISING
Esto de los personajes populares es lo que tienen: que cuando tienen éxito rápidamente se diversifica su figura en otros campos. Y los súper-héroes no iban a ser menos. Incluso en aquella España del DDT algo parecido al merchandising se generó, y los niños más inquietos lo encontramos. Como esa colección de cromos de Cropán dibujados por el portadista de Vértice, López Espí; el muñeco Mego de Spiderman, uno de los pocos de la casa americana que se importaron en el país de los Madelman; los magníficos pósters que editaba Vértice, también ilustrados por López Espí y… la película de Spiderman. Porque sí señores, hubo una película de Spiderman en los años setenta que, naturalmente, tanto servidor como su amigo de aficiones Enrique procuraron no perderse. De hecho se trataba de una serie de televisión de finales de los setenta que constó de 15 episodios y que en 
este sacrosanto país se montó en forma de largometraje mediante la unión de varios de estos capítulos. Pero aquello, que vimos en el cine, no nos convenció para nada. Y es que la tecnología de efectos especiales todavía se encontraba a años luz de poder afrontar el reto que representaba dotar de credibilidad al arácnido. En todo caso uno se consoló viendo esa aventura –hubo dos más, El hombre araña en acción y El desafío del Dragón, pero no nos atrevimos a verlas- y completando la colección de cromos que se lanzó en su momento. Poco después, la llegada del Superman de Richard Donnen a la pantalla grande abrió brecha para que los comics de súper-héroes fueran adaptados con dignidad al cine. Pero todavía deberían de pasar unos cuantos años para que, tanto Spiderman como el resto de los personajes Marvel, fueran llevados al cine con ciertas garantías de no hacer el ridículo.
EN EL PRINCIPIO FUE EL CÓMIC
El Spiderman de Ditko, menos musculoso y base de la versión Ultimate, modelo de la última encarnación cinematográfica
Retrocedamos a un pasado aún más remoto que la niñez de Serendipia. Estamos en 1962 y los súper-héroes andan de capa caída (nunca mejor dicho). Stan Lee, guionista de Marvel Comics, tiene en mente un nuevo concepto de héroe muy diferente a los tan manidos súper hombres. Un nuevo personaje que, a diferencia del resto, es un adolescente normal con el que los lectores en potencia pueden identificarse. Un joven acosado por los problemas habituales del cambio hormonal, pero multiplicados por mil al ser picado por una araña radioactiva que le da poderes. Así que para crear este nuevo concepto, Stan Lee cede la creación visual del personaje a Steve Ditko, en detrimento de Jack Kirby, creador gráfico de la mayor parte de los personajes de la “casa de las ideas”, entre ellos Thor, Capitán América, Los 4 Fantásticos, Los Vengadores y un larguísimo etcétera. Y es que para Spiderman, Stan Lee tenía pensada una apariencia totalmente diferente a la de los hipermusculados modelos de Kirby. Así que con una primera historia que ya presentaba el origen de sus poderes, la muerte de tío Ben y el sacrosanto lema: “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, se le dio la alternativa al personaje en una colección, Amazing Fantasy, que estaba condenada a desaparecer. Pero contra todo pronóstico dieron en el blanco, ya que las ventas de ese Amazing Fantasy 15 fueron lo suficientemente aceptables como para que la editorial decidiera, meses más tarde, iniciar la colección Amazing Spider-Man, cabecera que continúa publicándose en la actualidad.
El dúo formado por Stan Lee / Steve Ditko creó gran parte de los personajes y antagonistas de la serie hasta la marcha del dibujante en el número 38, momento en el que otro ilustrador, John Romita, se incorporaría a la colección, terminando de perfilar los personajes y creando otros nuevos, tanto para incorporarlos en la vida de Peter Parker como para relacionarlos con su personalidad enmascarada. Tras Romita ha habido un abultado ramillete de guionistas y dibujantes que han llevado al personaje por etapas más o menos brillantes, pero manteniendo el suficiente interés como para que haya llegado con tan buena salud a la actualidad, 52 años después de su creación.
SPIDERMAN EN LA PANTALLA
Nuestro lanzaredes se ha resistido a ser trasladado al cine. Y es que traducir súper-héroes a imágenes en movimiento siempre ha estado peligrosamente cerca del ridículo. Tras los baratos pero eficaces seriales de los años cuarenta que mostraron las aventuras del Capitán Marvel, el Capitán América, Superman o un rechoncho Batman, hubo que esperar a la Batmanía, provocada por la serie televisiva de los años sesenta para que un personaje de cómic se convirtiera en todo un icono pop, repleto de humor e ironía desmitificadora. Un tono en el que tuvo mucho que ver, según su recientemente fallecido guionista, Lorenzo Semple Jr., la sangría, ya que recibió el encargo y comenzó a escribir sus guiones mientras residía en España, concretamente en Torremolinos.
En los setenta y tras alguna olvidable serie televisiva, por fin el cine demostró que un hombre podía volar y se estrenó la mítica Superman (Richard Donner, 1978) una súper producción que fue degenerando en secuelas cada vez menos interesantes. Diez años después vino Batman (Tim Burton, 1989), que también dio la campanada pero, el cine continuaba sin ofrecernos esa películas que Marvel comics y sus seguidores se merecían. Tras la recordada serie televisiva dedicada a La Masa (The Hulk, si prefieren); la fracasada serie del trepamuros que ya les hemos comentado más arriba; una fallida intentona de adaptar Los 4 fantásticos con Roger Corman de por medio que no se llegó a exhibir (por algo sería…); y algunas anodinas tv movies realizadas a finales de los setenta con el Capitán América, llegaría el primer intento [1] de llevar a un personaje Marvel a la pantalla con todo lujo. ¿Y quienes fueron los artífices? Pues inicialmente la productora Cannon, de ahí pasó el proyecto a manos de James Cameron, que escribió un guión que comenzó a circular por productoras hasta llegar a Carolco, y llegándose a formar un reparto -o una idea del mismo- que incluyó durante una época a Leonardo DiCaprio como Peter/Spidey y Nikki Cox como Mary Jane pero… la cosa finalmente no llegó a buen puerto y ya pueden imaginarse que buque puso en marcha Cameron con DiCaprio como polizón.
Afortunadamente en el año 2000 el joven Bryan Singer demostró con X-Men que podía llevarse a la pantalla el universo Marvel de manera digna, dejando el terreno allanado para que Sam Raimi, fan confeso del lanzaredes, llevara el proyecto adelante. Spider-Man (2002) convenció al público en general y al fan del trepamuros en particular, a pesar de ciertas polémicas con los lanzarredes orgánicos y otras licencias respecto al cómic. El casting era bastante convincente, con Tobey Maguire como Peter/Spidey y la bella Kirsten Dunst como Mary Jane (ignorando a Gwen Stacy). Esta primera entrega, además de mostrarnos el origen del personaje, lo enfrentaba al maligno Duende Verde, encarnado por el siempre eficaz Willem Dafoe.
Tan buenos resultados se obtuvieron con el film, que dos años después el mismo equipo creativo y artístico encaró una segunda parte en la que Spiderman medía fuerzas con el Dr. Octopus (Alfred Molina). Pero el bache de la serie llegó con la tercera entrega en 2007, que convenció a unos y enfureció a otros. Quizás tuvo la culpa la saturación de enemigos (Veneno, El hombre de arena, Duende Verde) o algunas imágenes poco afortunadas del ‘reverso tenebroso de Peter Parker’. En todo caso, mientras las sagas mutantes se superaban y nuevos personajes se sumaban a la serie de films con personajes Marvel (Iron Man, Hulk, Daredevil, Elektra, Capitán América, Thor o Los 4 Fantásticos), se decidió retroceder lo andado y ofrecer un nuevo comienzo para Spiderman, tomando como modelo la exitosa revisión (y actualización) del personaje que la editorial ofrecía en la serie Ultimate Spider-Man, y que tan buenos resultados estaba dando en la adaptación de Los Vengadores. Así que en 2012 llega a la pantalla The Amazing Spider-Man, dirigida por Marc Webb, que tan solo tenía un largometraje en su haber, además de varios documentales y video-clips, y producida de Avi Arad, responsable de la práctica totalidad de películas con personajes Marvel. Andrew Gardfield, encarna a un Peter más joven y enclenque que Tobey Maguire, mientras que en esta ocasión el interés sentimental del protagonista recae en Gwen Stacy, interpretada por la bella Emma Stone, que ya había demostrado su poderío en Zombieland (Ruben Fleischer, 2009). El guión se toma bastantes licencias con respecto al cómic, desde el propio origen de Spiderman a la ausencia de varios personajes carismáticos como J. J. Jameson, pero resulta muy eficaz y ofrece una buena y necesaria renovación del personaje, acusando influencias de la muy interesante Kick Ass (Matthew Vaughn, 2010). El enemigo a combatir es El lagarto y el seguidor del personaje se encuentra con figuras familiares como el Capitán Stacy, Flash Thompson y una tía May de lo más atípica encarnada por Sally Field.
Y como la cosa funcionó recaudando más de 750 millones de dólares en taquilla, poco después nos llega:
AMAZING SPIDER-MAN 2: EL PODER DE ELECTRO
Ante todo no esperen que les desvele las numerosas sorpresas que nos depara esta película. Si buscan seguro que encontrarán información, por supuesto, pero les recomiendo, como fan de la serie, que se dejen sorprender por la acción y los personajes que van apareciendo en pantalla, así como sobre los seguros participantes de la tercera entrega. Dicho esto, vamos por ella.
Puede entenderse que en la película se hayan alejado del diseño original del Electro de Ditko. Definitivamente eran otros tiempos.
Sinopsis: A pesar de que antes de morir el capitán Stacy (Denis Leary) hizo prometer a Peter (Andrew Garfield) que se alejaría de su hija Gwen (Emma Stone) para que no peligrara por su doble identidad, Peter se resiste a abandonar a su novia. También quiere averiguar más sobre sus desaparecidos padres. Pero vive su personalidad heroica plenamente. Es estupendo ser Spider-Man. Para Peter Parker no hay una sensación más increíble que la de deslizarse entre los rascacielos, aceptar el hecho de que se ha convertido en un héroe y pasar tiempo con Gwen. Pero ser Spider-Man tiene un precio: Spider-Man es el único capaz de proteger a sus conciudadanos neoyorquinos de los temibles villanos que acechan la ciudad. Con la aparición de Electro (Jamie Foxx), Peter tendrá que enfrentarse a un enemigo más poderoso que él. Y cuando su viejo amigo, Harry Osborn (Dane DeHaan) vuelve, Peter se da cuenta de que todos sus enemigos tienen una cosa en común: OsCorp.
Repitiendo el equipo técnico y artístico de Amazing Spider-Man nos llega su secuela, que profundiza en los personajes y nos presenta nuevos que sin duda tendrán relevancia en el futuro (léase nuevas entregas) de la franquicia arácnida. Conoceremos más intimamente a Peter y su sentido de la responsabilidad, sus problemas personales y su maduración como individuo, que le llevará a tomar decisiones que tendrán gran peso en el futuro, tal y como cuenta Jeff Pinkner, uno de los guionistas, “La película refleja cómo va madurando Peter. No solo en su relación con Gwen, sino también en lo que supone pasar de chico joven a joven adulto. Entre otras cosas Peter tendrá que hacer frente al hecho de que la vida es corta y siempre cambia, las relaciones vienen y van, y lo mejor que puedes hacer es disfrutar el viaje y aprovechar al máximo el tiempo disponible.”
También seremos testigos de la vitalidad que le aporta la máscara, tras la que se siente tan seguro de sí mismo que no deja de bromear, casi fanfarronear, al enfrentarse con sus enemigos, conseguida referencia a una de las características que distingue al personaje desde su creación en 1962. “Queríamos aportarle a esta nueva entrega un punto más juguetón, más divertido,” dice Marc Webb, nuevamente en la silla de director, “Cuando lees los comics salta a la vista sus golpes de humor y sus respuestas, su gracia, su amenidad. Todo ello explica parte de su atractivo y son motivos por los que tantos aman a Spider-Man. Y sin duda es algo que a mí también me encanta.”
Y si ciertamente es inevitable un gran derroche de efectos especiales en las batallas contra poderosos enemigos, no piensen que estas ocupan la mayor parte del metraje, muy al contrario, se ha conseguido equilibrar la acción con las escenas que muestran la relación que une a los diferentes personajes. En definitiva, lo que hace que nos interesemos por ellos y por la suerte que puedan correr. Aunque no es exagerado decir que posiblemente estamos ante las mejores escenas de acción y las más verosímiles que se han mostrado de Spider-Man en movimiento. “Procuramos que fueran (…) reales, recurriendo a ordenadores sólo cuando fuera imposible hacerlas mejor en la vida real,” dice el coordinador de especialistas Andy Armstrong. Y sin duda se capta la esencia del cómic, del que también ofrece el film algunos guiños para los seguidores, aunque sin ceñirse fielmente a lo que en ellos se narra. Asegura Webb que “Nos hemos tomado alguna libertad creativa pero los comics son nuestra fuente de inspiración. Amazing Spider-Man #121 es uno de los fascículos más profundos del canon – profundo por el impacto que tiene en Peter Parker. El destino de Gwen está directamente relacionado con las decisiones del héroe. Gracias a esa historia los cómics pudieron darle un giro más complejo y, a partir de ahí, le dimos un tono más Shakesperiano y operístico al filme.”
Andrew Garfield como Peter / Spiderman profundiza en la complejidad del personaje; Emma Stone como Gwen Stacy demuestra que es más que unos enormes y bellos ojos y nos ofrece un personaje dulce y a la vez fuerte, que en algunos momentos va por delante de Peter en cuanto a tomar decisiones sobre su futuro y el de la pareja:“Peter juró alejarse de Gwen – y ella lo sabe – pero ella está mucho más abierta a estar con él,” explica Stone. “No sólo porque están enamorados. Su padre ha muerto y eso le hace comprender la urgencia del tiempo – que todo es pasajero. Para Peter no es tan fácil, y eso crea mucha tensión entre ellos durante toda la película.”
Electro, interpretado por Jamie Foxx (protagonista, entre otros muchos films, de Django desencadenado de Quentin Tarantino), resultará ser la cara opuesta del arácnido y, por esas paradojas que unen esa frontera tan liviana que lleva del amor al odio resultará ser, inicialmente, uno de los mayores admiradores de Spider-Man: su ídolo. “Spider-Man fue el único que aparentemente se fijó en Max y lo llamó por su nombre,” señala Foxx. “Max siente que en realidad Spider-Man era su amigo y por eso se obsesiona – cuelga fotos en la pared, y cosas por el estilo. Se lo toma muy en serio. Pero luego, cuando Max recibe sus poderes y acude a Times Square, Spider-Man intenta evitar que Max se haga daño y que a su vez haga daño a los demás. Max se siente traicionado por su héroe. Trágicamente malinterpreta lo que Spider-Man intenta hacer.” El aspecto de Electro, muy diferente al original de los comics -que naturalmente ha evolucionado mucho desde su creación- es obra de los míticos Greg Nicotero y Howard Berger, de KNB EFX .
Pero hay otro villano más importante que Electro en la función y de más peso en la historia del lanzaredes, tanto que estuvo presente en la trilogía de Sam Raimi : Harry Osborn, El Duende Verde. O mejor dicho, el segundo Duende Verde, ya que tanto en la historia original como en la primera adaptación cinematográfica, el villano original es el padre del personaje, Norman Osborn. Para encarnar a este importante antagonista se ha contado con Dane DeHaan, que ya con anterioridad se había acercado al universo de los súper-héroes en la muy recomendable Chronicle (Josh Trank, 2012). Con cierto parecido físico con un joven Leonardo DiCaprio, DeHaan se desenvuelve con soltura con este complejo personaje “Harry Osborn representa el singular y clásico conflicto entre Peter Parker y Spider-Man,” dice Arad. “Harry era su mejor amigo y después, por circunstancias de la vida, Harry se torna en un enemigo dispuesto a destruir a Spider-Man. Y para colmo, lo más duro para Spider-Man es sentir la necesidad de ayudar a su amigo y evitar que éste se convierta en un villano autodestructivo.”
Repiten papel en esta segunda entrega de Spider-Man: Sally Field (tía May), Cambell Scott (Richard Parker) y Embeth Davidtz (Mary Parker), entre otros.
Finalmente destacar que The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro nos traslada al ambiente del cómic al ser la primera de la franquicia rodada íntegramente en New York, escenario original de la serie. “Spider-Man es de Nueva York y su historia es una historia de la ciudad,” dice Webb. “Por lo que rodar en nuestra localización real, en lugar de duplicar un estudio de rodaje, fue realmente fascinante.”
[1] Tras la olvidable The Punisher: el vengador (The Punisher, 1989, Mark Goldblatt).
Exposición de Popeye en el Salón del Cómic de Barcelona
Popeye el marino es un icono de la cultura pop, famoso gracias a las series de dibujos animados. Pero este legendario personaje tuvo su origen y desarrollo en el cómic. El 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona quiere rendirle un cariñoso homenaje, con una exposición donde se podrán ver tiras de cómic de diferentes épocas, así como merchandising de época y actual.
El personaje fue creado por Elzie Crisler Segar, apareciendo en la tira Timble Theatre, producida por King Features Syndicate, el 17 de enero de 1929. Inicialmente fue un personaje secundario de la tira que protagonizaban los hermanos Castor y Olivia Oyl. Este marinero fortachón, siempre dispuesto a repartir mamporros, se fue haciendo con el protagonismo de la serie hasta darle nombre a la tira. Tras la muerte de Segar en 1938, diversos autores la continuaron, aunque destaca la aportación de Bud Sagendorf, que se hizo cargo de la tira a los largo de 28 años (1958-1986). Entre los personajes secundarios que han acompañado a Popeye a lo largo de sus 75 años de aventuras destacan, además de su eterna novia Olivia, el malhumorado Bluto (también conocido como Brutus), el glotón Pilón, el bebé Cocoliso o el extraño animal Eugenio el Genio (Eugene the Jeep).
En 1933 se empezaron a realizar los primeros cortos de animación y a partir de los años 50 se produjeron dibujos animados para televisión. En 1980 el director Robert Altman dirigió la comedia musical Popeye, film protagonizado por Robin Williams.
Popeye ha traspasado el mundo del cómic y la animación para ser imagen de diversas campañas publicitarias y también de merchandising. Uno de los elementos más asociados a Popeye son las espinacas, cuyo consumo le proporciona una fuerza sobrehumana.
Una realista (y algo terrorífica) interpretación del personaje realizada por el genial Rick Baker.
A tumba abierta. El cine Kamikaze. Nuevo libro de Macnulti Editores
Macnulti Editores, que se estrenaron recientemente con un libro coral dedicado a la vida y obra del cineasta John Carpenter, vuelve a la carga con un nuevo título que inaugura la colección Hamsterdam, A tumba abierta. El cine kamikaze, anunciando también nuevos proyectos dedicados a Adam Sandler, Nicolas Winding Refn y David Fincher
Macnulti Editores continúa su apuesta por los libros de cine con una nueva publicación, A tumba abierta. El cine kamikaze, que ha coordinado José Francisco Montero, y que, además, sirve como título inaugural para la segunda colección de la editorial, Hamsterdam.
La obra perfila un recorrido a través de ese concepto del cine arriesgado, suicida, a través del análisis de algunas de las películas que mejor han representado este posicionamiento. En sus páginas se habla de cineastas como Tod Browning, Luis Buñuel, Serguéi Paradjánov, John Cassavetes, Abel Ferrara, Jean-Pierre Melville, Jafar Panahi, Béla Tarr o Iván Zulueta, artistas muy dispares entre sí pero que tienen en común que se dejaron la vida, la salud, el prestigio o la honra en hacer de su obra algo auténtico e inimitable. De ellos escriben Ricardo Adalia, Nicole Brenez, Óscar Brox, Nacho Cagiga, Gonzalo de Lucas, Manuel Ortega, Ignacio P. Rico y Diego Salgado. El libro cuenta con prólogo de Isaki Lacuesta e ilustraciones de Lorenzo Roldán.
El volumen puede adquirirse a través de la web de Macnulti Editores (www.macnulti.es), reservándolo antes de su salida, el 5 de mayo, con un 10% de descuento sobre el precio de venta al público. A partir de esa fecha, tendrá distribución en librerías especializadas de toda España, donde también será presentado.
La colección Hamsterdam, representa un barrio peligroso dentro de Macnulti en el que está permitido traficar, consumir, compartir ideas y pensamientos sin adulterar sobre el hecho cinematográfico y sus aledaños. Tendrá continuidad con un libro sobre Nicolas Winding Refn, firmado por Óscar Brox, que se lanzará en junio. De la misma manera, para la colección mayor de Macnulti Editores se están preparando sendos volúmenes sobre Adam Sandler y David Fincher, coordinados, respectivamente, por Roberto Alcover Oti y Pablo Vázquez y por Raúl Álvarez y Javier Pulido.
Constituida en septiembre de 2013, Macnulti Editores surgió del deseo de los miembros de la revista on-line Miradas de Cine de trasladar su filosofía de trabajo colectivo y el talento de sus colaboradores a las publicaciones de papel. Tras la positiva experiencia de la publicación del volumen Cien miradas de cine, destinado a celebrar los 100 primeros números de la publicación, el equipo decidió apostar por el lanzamiento de una línea de libros de cine especializados. Su primer lanzamiento fue John Carpenter. Ultimátum a la Tierra.
Batman cumple 75 años y tanto DC Cómics como Warner Bros. preparan interesantes eventos
Para conmemorar una fecha tan importante como el 75 aniversario de la creación de Batman, personaje de DC Comics, Warner Bros. Entertainment y DC Entertainment acaban de anunciar sus planes para honrar adecuadamente durante todo un año al superhéroe más famoso del mundo entero. Entre los puntos fuertes del programa de celebraciones, se encuentra el nuevo logo de Batman conmemorativo de su 75 aniversario y una exposición de arte exclusiva de “Capas/Capuchas” totalmente nuevas creadas por 20 artistas actuales y que supondrán su interpretación personal de la emblemática vestimenta de Batman para el próximo videojuego Batman: Arkham Knight. También habrá actividades relacionadas con el 75 aniversario durante todo el año en Warner Bros. Entertainment.
Batman, cuya primera aparición tuvo lugar en el nº 27 de Detective Comics, publicado el 30 de marzo de 1939, y que contaba con diseño de Bob Kane y guion de Bill Finger, surge de la nada para convertirse en el superhéroe más popular y hacerse con los medios de comunicación. El superhéroe más humano de todos ha luchado contra los villanos de ficción más malvados en películas, series de televisión, radio, videojuegos, publicaciones y merchandising, empleando su inteligencia, astucia y todo un arsenal de gadgets en su búsqueda de justicia. Lamentablemente no todas son buenas bat-noticias, y el aniversario se ve ensombrecido por el fallecimiento a los 91 años de Lorenzo Semple Jr., creador de la descacharrante serie televisiva de los años sesenta que recibió el encargo mientras vivía en España y que llegó a admitir que en el tono de comedia tuvo mucho que ver el consumo de sangría.
Para Kevin Tsujihara, Chief Executive Officer, Warner Bros. Entertainment: “Batman es un activo increíblemente importante para el Estudio, porque resulta muy atractivo para cualquier generación, y estamos muy orgullosos de poder celebrar un aniversario tan importante. El caballero oscuro aún sigue siendo recordado por público de todo el mundo, desde el de las taquilleras películas que han recaudado miles de millones de dólares en taquilla, hasta el de televisión, videojuegos y productos de consumo, y creo que sin duda se merece un lugar como icono cultural mundial durante años”.
Batman es la saga cinematográfica de superhéroes de mayor éxito y se han estrenado más películas sobre él que sobre cualquier otro personaje de cómic. En el ámbito de los videojuegos, la saga Batman Arkham es también la de mayor éxito que existe. Batman sigue rompiendo récords con cada encarnación de su personaje y continúa siendo el baremo de éxito con el que se miden las ventas del resto de cómics.
Para Diane Nelson, President of DC Entertainment and President & Chief Content Officer, Warner Bros. Interactive Entertainment: “Batman es uno de los personajes más fabulosos que se ha creado nunca, en cómics o en cualquier otra parte, e incluso tras 75 años aún sigue asombrando a sus fans. Forma parte intrínseca de la cultura pop y ha captado con enorme éxito la imaginación del mundo entero. Su origen, Bruce Wayne y los famosos ciudadanos de Gotham City son súper conocidos y muy probablemente formen parte de una historia que todos nos sabemos a la perfección, incluso a pesar de que no hayas cogido un cómic en tu vida, lo que habla por sí solo de la enorme popularidad del personaje y de la creación de la mitología original”.
La primera historia de Bat-Man (como se le conocía entonces) se publicó en mayo de 1939 en el nº 27 de Detective Comics, ideado y dibujado por Kane, que tan solo tenía 22 años por aquel entonces, y Bill Finger, colaborador habitual suyo, a cargo del guion. El personaje tuvo tanto éxito que tan solo un año más tarde se publicó el primer cómic dedicado exclusivamente a las aventuras del activista de la capa: Batman #1. En ese mismo número se enfrentó Batman por primera vez tanto a Joker como a Catwoman.
Ahora, DC Entertainment y las distintas divisiones del Estudio (Pictures, Television, Interactive Entertainment, Home Entertainment y Consumer Products) conmemorarán el extraordinario 75 aniversario con una serie de esperados eventos y productos.
El nuevo logo conmemorativo, desvelado también a través de redes sociales y páginas web, toma como inspiración el conocido símbolo de Batman e incluye un cartel con una tipografía estilo bloque que reza “75 años”. Este logo será el empleado en promociones, productos e iniciativas relacionadas con Batman.
Entre las actividades más importantes previstas para los festejos de conmemoración del 75 aniversario de Batman están:
· DC Entertainment: DC Entertainment se ha asegurado de que este año esté repleto de títulos nuevos, ediciones especiales, entre las que figura la edición especial del nº 27 de Detective Comics, que conmemora la primera aparición en 1939 de Batman en la serie y la nueva publicación semanal Batman Eternal, que verá la luz en noviembre.
- El Día Batman: DC Entertainment, en conmemoración del 75 aniversario celebrará un “Día Batman” a lo largo del año.
- Interactive Entertainment: Warner Bros. Interactive Entertainment ha invitado al conocido diseñador de moda Asher Levine a que cree una capa y una capucha inspiradas en el Bat-traje del recientemente anunciado videojuego Batman: Arkham Knight, desarrollado por Rocksteady Studios. Los mejores artistas contemporáneos tendrán la oportunidad de usar las réplicas como lienzo en blanco para diseñar sus propias interpretaciones originales de la emblemática vestimenta de Batman, para crear una exposición de “Capas/Capuchas” totalmente nuevas que se exhibirán en julio en el Comic-Con International de San Diego.
- Home Entertainment: Warner Bros. Home Entertainment ofrecerá a los fans de Batman una selección de nuevos títulos durante todo el año entre los que se encuentra Las Aventuras de Batman, la serie de animación El Hijo de Batman (13 de mayo) y Assault on Arkham (verano de 2014). Además, a finales de año se estrenará la Edición 25 aniversario del Batman de Tim Burton.
- Television: Warner Bros. Television se encuentra en pleno proceso de producción del episodio piloto de Gotham, la esperada nueva serie con capítulos de una hora de duración para FOX que indaga en los orígenes del Jefe de policía James Gordon y los villanos que han dado fama a Gotham City. En esta serie, el detective Gordon (Ben McKenzie, Southland) se encontrará con un conocido reparto de personajes, entre los que se incluye un joven Bruce Wayne, en su trabajo para defender la ley en la ciudad de Gotham. Bruce Heller, productor ejecutivo (El Mentalista, Roma), ha escrito el guion del episodio piloto, cuya dirección está llevando Danny Cannon, también productor ejecutivo de series como CSI, Nikita.
- Pictures: Al conmemorarse el 75 aniversario de Batman en 2014, Warner Bros. Pictures pondrá en marcha la producción de la película de Zack Snyder sobre Batman y Superman, aún sin título, que protagonizarán Henry Cavill, que repite el papel de Superman/Clark Kent, y Ben Affleck como Batman/Bruce Wayne. La película, cuyo estreno se prevé para el verano de 2016, juntará en la gran pantalla a los dos superhéroes más emblemáticos de la historia.
- Consumer Products: La división Consumer Products, de Warner Bros., en colaboración con una selección de titulares de licencias, conmemorará el 75 aniversario de Batman mediante la venta de ediciones especiales y productos de edición limitada. Desde las series de televisión clásicas de los 60 a los cómics actuales, la presencia de Batman será mayor que nunca en conmemoración de su legado mediante multitud de artículos que van de los juguetes a las camisetas.
Tres novedades de Tyrannosaurus Books para esta primavera
Ha llegado la primavera y se acerca el buen tiempo, así que para celebrarlo Tyrannosaurus nos presenta tres novedades de lo más refrescantes:
En primer lugar, la segunda novela de Elio Quiroga, director de cine y escritor que nos dejó patidifusos en 1996 con la inclasificable Fotos y que sigue al pié del cañón con films como Nodo (2009). Los códices del Apocalipsis es un thriller con toques fantásticos que combina la novela negra,la fantasía histórica, la conspiranoia, el thriller y el Apocalipsis al estilo de Tim Powers, Michael Crichton o Dan Brown. Promete ser trepidante de principio a fin.
En segundo lugar, Las legiones de Satán. Asesinos en serie en tierras del Islam, del criminólogo David Garriga. Un ensayo combinado con relatos que ficcionan los casos que se tratan desde el punto de vista de un criminólogo, que analiza 5 casos de asesinos en serie fuera de los tópicos del serial killer made in USA. Un libro que pone los pelos de punta y que conjuga de manera inteligente el libro riguroso de criminología (con todo lujo de detalles), con un estilo 
divulgativo con afán de llegar a todos los lectores.
Y por último Cara de Muerto de Luis Guallar, tercer volumen de la colección Monsters unleashed que en esta ocasión nos presenta al monstruos de Frankenstein en el Far West. Una novela con regusto pulp rabiosamente entretenida repleta de acción y cadáveres a mansalva.
Y además Tyrannosaurus publica la segunda edición del ensayo cinematográfico Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español. 1897-2010 de Diego López y David Pizarro. Una versión ampliada con una bibliografía completa, un índice onomástico de películas y nuevas fotos. Indispensable en la biblioteca de cualquier cinéfilo.
Ramón K. Pérez asistirá al Salón del Cómic de Barcelona
El 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona contará con la presencia de Ramón K. Pérez. Nacido en Ontario (Canadá) en 1973 y de ascendencia española, ha recibido a lo largo de su trayectoria numerosos galardones. Su novela gráfica Cuento de arena, adaptación gráfica de un guión cinematográfico del mítico Jim Henson y Jerry Juhl, ha sido premiada con tres premios Eisner en 2012 a la Mejor Obra, Mejor Artista y Mejor Diseño. La obra está nominada a la Mejor obra de autor extranjero publicada en España en 2013 en el 32 Salón del Cómic. Este autor, en cuya cabeza se entremezclan distintos géneros como la space opera, el western o la novela negra, ha publicado obras en las más importantes editoriales, como Marvel, DC, Dark Horse y Archaia, entre muchas otras, y aparte de Cuento de arena, entre sus obras recientes se encuentran Captain America and the First Thirteen, Deadpool Team-Up 883, Dazzler Resistance, además de varias cubiertas para Star Wars: Las guerras clon e ilustraciones para juegos de rol, libros infantiles, revistas y campañas publicitarias.Para descubrir más de sus trabajos puede visitarse su página web oficial www.ramonperez.com.
Ya puedes reservar el nuevo número de Monsterworld
Los proyectos nunca realizados, escritos por el puño y letra de Jacinto Molina / Paul Naschy. Guiones que se quedaron durmiendo en un cajón esperando ser algún día descubiertos. Hoy desvelamos algunos de los mas impresionantes!
Descúbrelo todo sobre , posiblemente, el titulo mas maldito de la filmografía de nuestro Monster Man nacional de la mano de Sergio Molina y dos de los operadores del film, Antonio Garzinuño y Fernando Martin Heras. Con impresionantes fotos nunca antes publicadas
Caníbales, bárbaros, extraterrestres, apocalipsis nuclear, tiburones, pirañas y otras faunas feroces…nada, absolutamente nada se libra de las garras de los productores Italianos sin escrúpulos a la hora de explotar un filón de éxito. Fueron unos auténticos especialistas y crearon su propia factoría de films con sabor exploit. Hoy recordaremos algunos de los mas recordados.
Con las siguientes películas comentadas:
El karate, el colt y el impostor (1974) Por Ignacio Huidobro
El ciudadano se rebela (1974) Por Ignacio Huidobro
El anticristo (1974) Por Juan Gabriel García
Roma violenta (1975) Por Ricardo Feliu
Star crash, choque de galaxias (1978) Por Javier G. Romero
La isla de los hombres peces (1978) Por Pablo Fernández
Voracidad (1979) Por Diego Morán
El humanoide (1979) Por Miguel Ángel Plana
Nueva york bajo el terror de los zombi (1979) Por José Manuel Serrano Cueto
La invasión de los zombies atómicos (1980) Por Ricardo Feliu
Contaminacion: alien invade la tierra (1980) Por Diego Morán
Alien 2 (1980) Por Juan Gabriel García
El ultimo cazador (1980) Por Pablo Fernández
1990: los guerreros del bronx (1982) Por José Manuel Serrano Cueto
La espada salvaje de Krotar (1982) Por José Luis Salvador Estébenez
La guerra del hierro (1983) Por Juan Gabriel García
Roma ano 2072 d.c.: los gladiadores (1983) Por Javier G. Romero
El devorador del oceano (1984) Miguel Ángel Plana
Entrevista a Marian Salgado, La endemoniada de Amando de Ossorio y una de las dulces niñas de ¿Quien puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador nos cuenta sus comienzos en el mundo del cine. Por David García
Descubre los secretos tras la nueva película de Víctor Matellano con entrevistas exclusivas al propio director, Jack Taylor y Lone Fleming. Por David García
Y para terminar el numero un exhaustivo recorrido por la filmografía de Paul Naschy para televisión de la mano de Jesús Bernal.
Tamaño 15 x 21 cm.
112 paginas / interior estucado brillo 115 gramos calidad fotografico. / Portadas plastificado brillo en papel estucado brillo 270 gramos.
Encuadernación rustica cosido a hilo con lomos. Peso 213 gramos.
Edición limitada de 150 ejemplares
Fecha de salida 25 de Marzo
¡¡¡No te quedes sin el tuyo!!!
Resérvalo en el email: fanzinemonsterworld@hotmail.com
Double Feature: La residencia / ¿Quién puede matar a un niño?
Si hace unos días publicamos un artículo en el que Toni Bascoy nos hablaba de su libro Double Feature: Dark Star / El regreso de los muertos vivientes, en esta ocasión le toca el turno a los responsables de otro libro de la colección de Tyrannosaurus Books, Carlos Benítez (el que esto les cuenta) y Montse Rovira, que han escrito el dedicado a las dos películas de Narciso Ibáñez Serrador: La residencia / ¿Quién puede matar a un niño?
En 2013 los responsables de este (su) blog recibimos un encargo que nos hizo mucha ilusión: escribir un libro y sobre lo que más nos gusta: el cine. La propuesta vino de la mano de nuestros amigos de Tyrannosaurus Books. Se trataba de escoger dos películas y realizar con ambas un estudio histórico y crítico. Nos lo pusieron más que fácil cuando vimos que la lista de propuestas que nos sugerían incluía el díptico formado por los dos largometrajes de Narciso Ibáñez Serrador, La residencia y ¿Quién puede matar a un niño?, algo que parecía hecho a nuestra medida, por lo que nos decidimos inmediatamente.
A partir de ahí vino el trabajo bibliográfico (para realizar biografías, entrevistas y entorno socio cultural de ambos filmes), así como el visionar ambas películas infinidad de veces para extraer una sinopsis efectiva, así como un análisis pormenorizado de las escenas más significativas. 
Pudimos localizar los orígenes literarios de ambos guiones y observar como superaron su traslado al celuloide. También nos enfrascamos con la búsqueda de algún participante en los rodajes con el objetivo de que aportara sus vivencias. Una labor bastante difícil, pero también satisfactoria. Difícil porque costó localizar a algunas personas y no todas estuvieron dispuestas a colaborar. Naturalmente eran libres de no hacerlo. Intentamos contactar con el propio Ibáñez Serrador. Pero no hubo respuesta. También localizamos al escritor del cuento que dio origen a La residencia, Juan Tebar, pero no se mostró interesado en hablar sobre el tema. Más dispuesta se encontraba a compartir recuerdos la escritora, actriz y viuda del músico Waldo de los Ríos (compositor de las dos bandas sonoras), Isabel Pisano, pero a la hora de la verdad no pudo ser. Cuando todo parecía perdido, buscando y rebuscando entre el muy amplio reparto de internas de La residencia, pudimos contactar con Maria Gustafsson, actualmente escritora en su país, Suecia, y que accedió amablemente a compartir sus vivencias durante el rodaje con Ibáñez Serrador. La casualidad quiso que más tarde tuviésemos ocasión de hablar con Loreta Tovar, otra de las jóvenes residentes. Más complicado fue localizar a alguien relacionado con la segunda película de Chicho, pero de nuevo el azar quiso que entráramos en contacto con Marián Salgado, una de las niñas de ¿Quién puede matar a un niño? y gracias a la amabilidad de las tres pudimos publicar algunos detalles y anécdotas que sin duda enriquecieron el texto.
Una vez finalizada, tuvimos ocasión de presentar la obra y la colección a la que pertenece, Double Feature, en diversos eventos, desgraciadamente en la extensa mayoría de ellos sin contar con el libro físicamente al no estar editado. En todos estos lugares hicimos un cursillo acelerado de como no hablar en público. Estuvimos presentes en el Festival de Sitges, en Cardoterror, en el Fnac y FantastiCS de Castellón, donde tuvimos la mala fortuna de que grabaran mis muletillas al hablar y mis diversos tartamudeos, así como el saber estar de mi compañera de fatigas, libro y blog, Montse.
Esta fotografía poco vista del rodaje de La residencia fue adquirida con el objetivo de que figurara en el libro pero, por diversos avatares, quedó fuera. Sale aquí por primera vez desde nuestro archivo. (Foto Antonio Luego- Archivo Serendipia)
Disfrutamos en todos esos lugares como también hemos disfrutado, y mucho, escribiendo este libro. Investigando datos e intentando incluir lo máximo posible sobre ambos filmes. Ambos autores hemos puesto, en resumen, todo nuestro amor en ello, quedando satisfechos con el resultado. Ignoramos que tal habrán ido las ventas o si alguno de ustedes tiene el libro y les ha gustado. Nos alegrará mucho que así sea, como nos ha gustado que nuestra humilde obra haya sido utilizada por Maica Rivera para escribir el panegírico que sobre el recientemente desaparecido Juan José Plans, escritor de la historia y la novela que dio pié a ¿Quién puede matar a un niño?, publicó en Leer
Para curiosidad, befa y mofa les dejo aquí el video que los amigos de FantastiCS registraron de la presentación del libro en Castellón , en el que además de presentar a dos voces nuestro libro común dedicado a Chicho, presento en solitario otro centrado en la propaganda de cine fantástico y de terror que también apareció en 2013. Gracias a todos los que han comprado estos libros. También a los que no lo han hecho pero nos han apoyado. Y naturalmente a nuestros editores por la confianza demostrada.
Han cumplido un par de bonitos sueños…
Pdt: Termino de escribir este artículo y me entero de algo que debo agradecerles: nuestro libro se encuentra actualmente agotado en la editorial. Son ustedes estupendos.
Primeras imágenes de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo
Habrá que esperar a Diciembre para poder ver una nueva aventura en pantalla grande de Mortadelo y Filemón, que ha sido rodada por Javier Fesser. Pero ya podemos al menos disfrutar con sus primeras imágenes que llegan tras cuatro años de estricto secreto.
Del laborioso proceso de producción en el que aún se encuentran inmersos más de 150 artistas y técnicos bajo la dirección de Javier Fesser, nos llega ahora una primera imagen del film que no es más que un mínimo adelanto de lo que nos espera…
En palabras del propio director: “Se trata de una historia urbana, doméstica, con claras referencias a la actualidad, cien por cien Mortadelo y Filemón, cien por cien fiel a la obra de Francisco Ibáñez. Es una comedia de acción que hace uso de un ritmo endiablado para imitar al maestro dibujante, quien decidió hace más de cincuenta años no dar tregua a sus lectores acribillándoles con abrumadores y surrealistas gags visuales, a cada cual más bestia, a cada cual más ocurrente. Una película-espectáculo, familiar donde las haya, pensada para reírse”.
En esta absolutamente renovada entrega de los personajes más populares del dibujante Francisco Ibáñez, Mortadelo y Filemón, editados por Ediciones B, cobran vida a través de la animación por ordenador y en versión estereoscópica 3D.
Para el director de esta producción, “se trata de aprovechar las últimas tecnologías CGI de animación, modelado, efectos digitales e iluminación para reproducir la desbordante capacidad expresiva de los personajes y el universo de colores vibrantes creado por Ibáñez, tal y como él lo concibió. Tal y como está ya instalado en el subconsciente colectivo. Con ese sabor tan maravillosamente atemporal y tan universalmente español que destilan sus historietas”.
Con guión del propio Javier Fesser, Claro García y Cristóbal Ruiz, es una producción de Zeta Cinema y Películas Pendelton, que se está llevando a cabo en los Estudios Ilion de Madrid y que cuenta con la colaboración de TVE, TV3, Canal+ y ONO.
Warner Bros. Pictures Intl. España será la responsable de la distribución de la película en España, que tiene previsto su estreno el próximo 28 de noviembre de 2014.
Y para ir haciendo boca, aquí os dejamos la sinopsis argumental: los agentes Mortadelo y Filemón se ven obligados a hacer uso de toda su inoperancia para seguir sin resolver nada y sembrar el caos allá donde van. En esta ocasión, su inexistente capacidad será puesta a prueba sin éxito ninguno para dar con el paradero de Jimmy el Cachondo, un acomplejado maleante que tampoco despunta por su elevado coeficiente intelectual, pero que tiene su gracia. Su gracia es que lleva colgando en su helicóptero una bombita de neutrones picantes que pueden hacer ¡PUM! en cualquier 
momento. Y todo esto mientras Mortadelo y Filemón esconden en su propia casa a un testigo protegido peligrosísimo del que ellos mismos se tendrán que proteger si no quieren que la película se acorte drásticamente y termine antes de que acabe la película.
Se trata de una desquiciada aventura que refleja de manera fidedigna el universo hilarante creado por el genial Francisco Ibáñez. A todo color y en noventa estereoscópicos minutos de “no parar”
Serendipia
Proyecto Naschy 
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