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El libro ‘Vampyres’ galardonado en los premios Escriduende de Madrid
El volumen bilingüe incluye el guión original de «Las hijas de Drácula» de José Ramón Larraz.
En un acto en el que también han sido premiados el poeta y cantautor Luis Eduardo Aute y el prestigioso académico José Alcalá-Zamora, el volumen Vampyres ha sido galardonado con el premio «mejor libro de cine» de los galardones EscriDuende 2015 de la Feria del Libro de Madrid. El libro, de carácter bilingüe, incluye el guión original de Las hijas de Drácula (1974) de José Ramón Larraz.
Víctor Matellano, director de Vampyres y coordinador del libro, recibió el premio de manos del prestigioso dibujante Alfonso Azpiri. Da la circunstancia de que Larraz, además de cineasta, fue un gran dibujante de cómics, por ello la presencia de Azpiri. Entre el numeroso público que abarrotaba el salón de actos de la antigua Casa de Fieras del madrileño Retiro, se encontraban personalidades como los académicos Luis Alberto de Cuenca y Luis Miguel Enciso, así como el productor ejecutivo de Vampyres, el cineasta Angel Mora.
En 1974 se estrenaba Vampyres (Las hijas de Drácula), una innovadora película de terror de producción inglesa, escrita y dirigida por un español emigrado, José Ramón Larraz. La película narra la historia de dos insaciables mujeres que captan viajeros para orgías de sangre y sexo, donde acaban desangrando a los recién llegados. Las hijas de Drácula cosechó un importante éxito, y hoy es un film de culto. Cuarenta años después, José Ramón Larraz participa como promotor y guionista en un nuevo acercamiento a esa historia, Vampyres, dirigido en esta ocasión por Víctor Matellano. Este libro repasa la gestación de ese cuento de brujas para adultos, cargado de violencia, sangre y sexo.
Ángel Mora, Víctor Matellano y Alfonso Azpiri
El volumen está editado por Pigmalión con la colaboración de Artistic Films y el Nocturna Film Festival, certamen donde fue presentado al público. Cuenta con prólogo de Caroline Munro, mítica intérprete de Maniac o La espía que me amó, y una de las protagonistas del film de Matellano. También cuenta con textos del escritor Carlos Díaz Maroto, del guionista y realizador Ángel Agudo, de la icónica actriz Lone Fleming y del mago de los efectos especiales Colin Arthur, junto a otros artículos escritos por el propio Larraz, Angel Mora y Matellano, así como numeroso material gráfico y una gran portada de Daniel Fumero (LimboKids).
Ya en distribución online, en librerías y en grandes superficies, el libro es un complemento perfecto a la película Vampyres que previsiblemente se estrenará en España este próximo otoño.
El Buque Maldito y Phenomena presentan: No profanar el sueño de los muertos
Sábado 6 de junio 2015 – 16:30h
Tras debutar en el largometraje en 1962 con Noche de verano, y proseguir con títulos como El espontáneo (1964) o Una historia de amor (1966), el realizador catalán Jordi Grau se introducía en el cine de terror en 1972 gracias a Ceremonia sangrienta.
Dos años después, y en los cauces del género fantástico, llegaría su obra más emblemática: No profanar el sueño de los muertos. Film adherido al género de zombies y que nacía a la estela del clásico de George A. Romero La noche de los muertos vivientes (1968).
Grau, con una magistral precisión detrás de la cámara, lograba ir un paso más allá, confeccionando un magnífico título de principio a fin, técnicamente impecable, apoyado en unos extraordinarios maquillajes gracias a la labor de Giannetto de Rossi, y donde incluso tenía espacio el mensaje ecológico. A subrayar el destacado reparto, compuesto entre otros por los actores Cristina Galbó, Arthur Kennedy, Ray Lovelock, Jeannine Mestre, José Lifante o Fernando Hilbeck. En la actualidad, cinta de culto venerada a nivel mundial y sin duda uno de los mejores films de terror de todos los tiempos.
Entradas anticipadas ya disponibles:
http://phenomena.admit-one.eu/?p=details&eventCode=18920
Y en las taquillas del cine:
Phenomena C/. Sant Antoni Maria Claret, nº168, Barcelona
<M> L5 (Sant Pau) / L2 (Sagrada Familia) / L4 (Alfons X/Joanic)
La nueva versión de ‘Vampyres’ y el libro conmemorativo se presentarán en Nocturna
Vampyres, tendrá su premiere mundial en Madrid, dentro de Nocturna, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid el viernes 29 de mayo a las 21.45h en la sala 1 de Palafox.
Se trata de una nueva aproximación al universo de Vampyres (José Ramón Larraz, 1974) con dirección de Víctor Matellano. La nueva historia es también de Larraz, y el guión es autoría de este junto a Matellano. Toma elementos de la primigenia historia pero la trama se desarrolla de diferente forma. Victor Matellano nos cuenta:
“Nuestro Vampyres es una mezcla de horror y sensualidad. La película maneja la intriga y el suspense y el desarrollo dramático de personajes, no siendo únicamente una película de sustos y sangre. La atmósfera enrarecida es uno de los elementos fundamentales. Un cuento de brujas para adultos”.
En este, su blog amigo, publicamos una entrevista con Víctor Matellano y los tres protagonistas principales del filme, Christian Stamm, Marta Flich y Almudena León.
El mismo día 29 de mayo a las 12.00h en el fórum de Fnac Callao, presentaremos en rueda de prensa la película junto con el libro que Editado por Pigmalión (colección Lumiere) y contando con la colaboración de Artistic Films y Nocturna Film Festival se editará durante el mes de mayo.
En 1974 se estrena Vampyres, una innovadora película de terror de producción inglesa, escrita y dirigida por un español emigrado, José Ramón Larraz. La película narra la historia de dos insaciables mujeres que captan viajeros para orgías de sangre y sexo, donde acaban desangrando a los recién llegados. Vampyres cosechó un importante éxito, y hoy es un film de culto. Cuarenta años después, José Ramón Larraz participa como promotor y coguionista en un nuevo acercamiento a esa historia, dirigido en esta ocasión por Víctor Matellano. Este libro repasa la gestación de ese cuento de brujas para adultos, cargado de violencia, sangre y sexo.
Incluye el guión original de Vampyres/Las hijas de Drácula (1974) de José Ramón Larraz.
Textos de Carlos Díaz Maroto, Angel Mora, Lone Fleming, Angel Agudo y Colin Arthur. Prólogo de Caroline Munro.
Más información sobre “Vampyres” en www.facebook.com/VampyresMovie y https://twitter.com/VAMPYRES_movie
Home… ¿Sweet Home?
SINOPSIS:
Simon (Bruno Sevilla) y Alicia (Ingrid García Jonsson) deciden pasar una noche romántica en un edificio semiabandonado. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… Ahora ellos se convertirán en su nuevo objetivo.
El viejo caserón victoriano ha dejado de estar embrujado. El terror moderno se materializa en los baldíos polígonos industriales o en destartalados bloques de extrarradio, donde más que el acecho de espectros y fantasmas, podemos sufrir el acoso de vecinos 
desagradables, caseros dementes (Para entrar a vivir) o porteros desquiciados (Mientras duermes), auténticas pesadillas a las que se les suman terroríficos especuladores del suelo, que no dudan en utilizar cualquier sistema para desalojar a inquilinos con contratos de renta antigua. Ese es el ingenioso punto de partida de Sweet Home, debut en el largometraje de Rafa Martínez, director de los exitosos cortos Zombies & Cigarettes (2009) y Halloween Before Christmas (2010).
Si bien no puede decirse que su argumento sea innovador (basta recordar la olvidada parodia El cuchitril de Joe [Joe’s Apartmen, John Payson, 1996]), si que representa una base social de actualidad en la que situar la acción:
Para hacer Sweet Home aún más realista, nos planteamos una temática de actualidad, el mobbing inmobiliario. Ésta realidad es tan frecuente en nuestro país, que resulta realmente aterradora. Así que nos pareció perfecto como tema detonador de una historia de género. No hay nada más terrorífico que el que no puedas estar seguro ni en tu propia casa. (Rafa Martínez)
En Sweet Home, la mano ejecutora encargada de los desahucios pasa a ser mucho más despiadada, sobre todo cuando del trabajo se encarga ‘el liquidador’ (Oriol Tarrida ‘Tarro’) un brutal y eficiente empleado encargado de limpiar los errores cometidos por otros empleados de la inmobiliaria, bastante menos eficaces en su labor.
Es remarcable, asimismo, la importancia en la historia del destartalado bloque de pisos: un lugar claustrofóbico repleto de oscuridad y rincones en los que esconderse, que resulta ser también una ratonera de la que casi es imposible escapar al tener sus ventanas tapiadas y sus puertas cerradas. Desarrollándose así un juego del gato y el ratón en el que los protagonistas deberán recurrir al ingenio para sobrevivir:
Cuando los tres guionistas nos planteamos escribir Sweet Home lo que más nos apetecía era situar la acción en un entorno cotidiano, muy cercano al espectador. Queríamos hacer una película realista y claustrofóbica, sin perder de vista la parte lúdica del terror que más nos interesa. Queríamos llevar el miedo a un lugar terrorífico, pero muy reconocido por todos; un portal, una escalera, un ascensor, en definitiva, nuestra casa… y convertir un edificio del centro de una gran ciudad, en un tren de la bruja lleno de sustos, aventuras y sorpresas (Rafa Martínez)
Filmax (en esta ocasión en coproducción con la compañía polaca Film Produkcja SP. ZO.O.) vuelve a apostar por el fantástico con un lote compuesto por Summer Camp (Alberto Marini), todavía a la espera de estreno y Sweet Home. En su guión, escrito por el propio director junto a Teresa de Rosendo y Ángel Agudo, biógrafo de Paul Naschy, no han querido dejar cabos sueltos, mimando las pistas de lo que acontecerá sin caer en inútiles subrayados. La historia, ambientada en Barcelona parte, como ya hemos señalado, de una problemática social muy real, la de la especulación, los desahucios y la precariedad laboral, no para hacer una crónica sobre ello, sino como marco que desatará la acción. Una acción que en sus poco más de 80 minutos no dará respiro al espectador, pero que sabrá detenerse lo suficiente como para presentarnos a los personajes principales dotándoles de perfil psicológico, remarcando asimismo los momentos más dramáticos. Un filme emocionante rodado con buen pulso, con buenos efectos de maquillaje de David Ambit, actuaciones competentes, un eficaz uso de los medios con los que ha contado y una historia si no innovadora, si eficazmente narrada.
El aspecto lúdico de Sweet Home está muy estudiado para que el ritmo no decaiga en ningún momento. Una vez que la película se pone en marcha ya no hay manera de pararla. En este sentido Sweet Home busca seguir los pasos de películas como The descent (2005), The Crazies (2009), [REC]2, Wolf Creek (2005) o Las colinas tienen ojos (2006) (Rafa Martínez)
El papel protagonista, al igual que pasara en la inaugural [Rec], recae en una mujer, Alicia, decidida y valiente, pero más frágil que la Ángela Vidal de Manuela Velasco, con la que comparte coincidencias en su vestuario. Ingrid García Jonsson, una jovencísima actriz que despuntó en Hermosa Juventud (2014) de Jaime Rosales, papel que le mereció su nominación al Goya, cambia totalmente de
Rafa Martínez dirigiendo a Ingrid García Johsson.
registro para meterse de cabeza en el cine de género aprobando con nota. Su compañero de fatigas, Simón, está interpretado por Bruno Sevilla, actor que dentro del género fantástico interpretó un pequeño papel en la interesante Mindscape (Jorge Dorado, 2013) y al que podremos ver próximamente en el filme de ciencia ficción Project Lazarus, de Mateo Gil. Completan el reparto Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón y Luka Peros, como los malvados matones de la inmobiliaria, además de los veteranos José María Blanco y Mariona Perrier, como sufridos inquilinos. Precisamente esta última nos comentó que su papel fue más desagradable de rodar de lo que podría pensarse por el resultado en pantalla, ya que tuvo que hacerlo rodeada de cucarachas, llegando a aplastar una con el trasero…
Sweet Home hará pasar un buen rato a base de adrenalina al límite, sustos (algunos previsibles y otros no tanto) y un villano despiadado a añadir al pequeño altar de psycho killers cañís: El liquidador.
PRESENTACIÓN EN BARCELONA DE SWEET HOME (30/04/2015) (Fotos: Serendipia)
Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson y Rafa Martínez
Oriol Tarrida, Miguel Ángel Alarcón, Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson, Mariona Perrier, Rafa Martínez y Eduardo Lloveras
Ingrid García Jonsson
Jacinto Molina y su primera pasión: la halterofilia
Interesado de siempre por el deporte, que había practicado desde sus tiempos en el colegio Alemán, Jacinto Molina comenzó a frecuentar el gimnasio, aunque todavía sin una disciplina específica que practicar. El primer local que frecuentó fue el Gimnasio Parra, un local lujoso que no terminó de convencerle. A continuación, gracias a un amigo, descubrió el Moscardó, un local muy avanzado para la época donde descubrió el levantamiento de pesas, ya que allí se entrenaban algunos campeones: «aquellos atletas levantaban barras cargadas de kilos que a mí me parecían descomunales«. La halterofilia comenzó a llamarle seriamente la atención, pasando a entrenarse en el
Primer número de la revista ‘Desarrollo y vigor’ (1961) con Jacinto Molina en portada.
gimnasio Juventud, de la calle Fuencarral, donde según Jacinto Molina reinaba un ambiente un tanto golfo. El por entonces autodidacta Jacinto Molina, optó por investigar con la poca bibliografía que había sobre el tema, «Yo tenía como fuente de inspiración el famoso libro sobre culturismo de Marcel Rouet (1), que era todo lo que sobre este tema se había publicado entonces».
Indeciso todavía, se decantó por el boxeo durante una temporada, pero tras sufrir una lesión de tobillo jugando a fútbol, decidió levantar pesas para fortalecer la musculatura atrofiada por tres meses de escayola, siendo este el inicio de la carrera de Jacinto Molina en la halterofilia.
En 1958 subió por primera vez al podio en Valencia, proclamándose campeón de España de pesos ligeros (67’5 Kgs.), batiendo posteriormente 28 récords absolutos y llegando a ser internacional. Se cambió al gimnasio Guzmán el Bueno y fichó por el Real Madrid, ganando con el equipo el campeonato de España seis veces seguidas .
Waldemar Baszanowski
Compitiendo y viajando fue cuando conoció a algunos levantadores que le dejaron honda huella: «El mejor de todos fue el campeón de mi categoría, Waldemar Baszanowski, un polaco centelleante. Waldemar y polaco. ¿Les suena de algo? Un húngaro llamado Naschy ganó la categoría de los 60 kg. Y me hice muy amigo de él. ¿Ese apellido no les dice nada?»
En 1961 nace Desarrollo y Vigor, la primera publicación española sobre halterofilia, que dedicó muchas hojas a Jacinto Molina. Ya en el primer número se publica su biografía y copa la portada, además de ser nombrado en diferentes artículos.
Sube de categoría, pasando a peso medio. En 1961, además, fue seleccionado para representar a España en los Campeonatos del Mundo y de Europa que se celebrarían en Viena, quedando sexto de Europa y noveno del mundo. También fue seleccionado para tres olimpiadas: Roma, Tokio y México. Pero por distintos avatares no pudo competir, y esto marco su retirada, que pasó a ser definitiva en 1971, cuando ya estaba sumergido en el mundo del cine.
Jacinto Molina resumía así su paso por la competición deportiva: «Esos quince años seguidos en el mundo de los hierros me trajeron sinsabores, pero también grandes satisfacciones, los premios, los viajes, los trofeos (más de seiscientos entre copas, medallas y placas)… y las mujeres: parece mentira pero ese deporte gustaba a las chicas y los levantadores más» 86
(1) Marcel Rouet (1909-1982) inventó en 1945 el termino culturismo, que significaba: “El arte de practicar la cultura física en todas sus formas para alcanzar la salud y mantenerla por el equilibrio físico”. Persona culta, escribió varios libros sobre deporte, salud, alimentación e incluso educación sexual. También estaba interesado en el hipnotismo, la sugestión y el ocultismo.
Luis Esquinas nos habla de ‘Simon’s Jigsaw’ su documental sobre Juan Piquer Simón
Durante el pasado Festival Fantasti’CS de Castellón, Serendipia tuvo el placer de ser entrevistado para el documental dedicado al director Juan Piquer Simón, ‘Simon’s Jigsaw’, que está ultimando su director Luis Esquinas, junto a otros de los escritores que participaron en el libro que Fantcast editó en 2011 sobre el cineasta, Juan Piquer Simón, Mago de la Serie B. Así que ahora le toca a él responder a nuestras preguntas en esta entrevista, con la que podemos hacer boca hasta que podamos disfrutar del magnífico homenaje en forma de documental, realizado por Luis Esquinas desde la admiración y la pasión.
JUAN PIQUER Y EL PORQUÉ DE ESTE DOCUMENTAL
¿Por qué Piquer Simón? ¿Qué es lo que te atrae principalmente de este cineasta?
Llevo años, muchos años, enseñando a mis alumnos cine, así que un buen día decidí abordar la realización de un documental sobre un director de cine español, para quitarme un poco las
Luis Esquinas junto a Colin Arthur en su taller (Archivo L. Esquinas)
telarañas del aula. La verdad es que mi pasión por el cine viene desde niño. En mi casa, siempre se ha visto mucho cine porque mi padre trabajaba como carpintero de rodaje y decorador. Era habitual, que se encontrara trabajando en el poblado del Oeste de Almería o en alguna superproducción en estudios de cine en Madrid. Todavía me acuerdo de como me contaba como se habían rodado algunas secuencias de las películas de Simbad o de Doctor Zhivago. En aquella época Almería era centro neurálgico, por lo que tuvimos que trasladarnos largas temporadas a la capital andaluza. Aún me acuerdo cuando era niño pasearme por aquellos decorados.
Pero ¿Por qué Juan Piquer?, pues porque para mí representa la figura del cineasta del fantástico a la española. Él intentó ,sin duda, siempre hacer un cine con proyección internacional, para lo que construyó un lenguaje de cine fantástico a la americana, pero traducido al español. Aún recuerdo ver con la ilusión de un niño su película Viaje al Centro de la Tierra y pensar ‘¡No, no puede ser española!’, la firmaba un tal J.P.SIMON. Pero sí, ¡era español y muy español!, ¡Valenciano para más señas! y había podido hacer un película al estilo fantástico más clásico, pero con técnicos de efectos especiales españoles. La huella palpable de un mítico Emilio Ruiz, o de un genio de la cámara como Juan Mariné, quedaba clara. Y fui descubriendo con los años que además nos había dejado joyas de la talla de Mil Gritos tiene la noche o Slugs, que aún valoro como joyas del cine de terror al más puro estilo americano. Y no es que no me guste el Fantaterror español, del cual soy un auténtico fan. Qué decir de nuestros Amando de Ossorio, Paul Naschy, Jesús Franco, Jordi Grau, León Klimovsky, etc. Sin duda un cine de fantástica factura, porque lo sabemos hacer
El director Juan Piquer Simón.
muy bien, aunque haya sido siempre incomprendido desde la crítica que una y otra vez se ha cebado con este tipo de obras, algunas de la cuales ya han pasado a ser consideradas de culto. Pero es que Juan Piquer se atrevió incluso con un Superman a la española, o con una película de aventuras subacuáticas como La Grieta.
Se trata de un cine que posee ese “ojo americano”, cinemascope, poco habitual en nuestro cine. Además siempre tuvo claro que tenía que rodar en inglés. Pero además:
- Es muy buen realizador, es decir, la factura de sus películas es impecable, seguramente fruto de su experiencia en el mundo publicitario. En todo momento controla el ritmo de las secuencias. Hay un detalle que deja palpable eso, y es que Juan Piquer rodaba sin combo. Sabía exactamente lo que iba a obtener en la pantalla.
- Sabe sacar petróleo de unos presupuestos ajustados, obteniendo, a base de dedicación y trabajo, aparte de talento, unos resultados nunca vistos hasta entonces en en el Fantástico español.
- Tiene ese punto de Exploitation que a mí me gusta. Sabe utilizar elementos que tienen tirón en cada momento para atraer al público. Fue un maestro. Sabe crear productos derivados de sus películas, creando a su alrededor un merchandising, inédito en nuestro cine.
- La relación de su obra con la literatura fantástica y el cómic. Era un voraz lector y conocedor de este tipo de literatura.
- Pero quizás una de los aspectos más relevante del cine de Piquer, son los efectos especiales. Hasta la llegada de sus películas nadie había pensado en un cine fantástico y de terror a lo grande. Es decir con efectos especiales de extrema calidad en un mundo analógico, añorado por muchos de nosotros, sin duda un poco hartos de tanto efecto digital que inunda nuestras retinas pero sin contenido ni justificación. Todos los técnicos de efectos especiales que han trabajado con él insisten en varias cuestiones. La primera es que Juan, siempre sabía lo que quería y la segunda, es que rodaba para los efectos especiales, adecuando la realización a la obtención del mejor efecto posible. Y además era comprensivo, es decir, que sabía hasta donde se podía llegar con los medios de los que se disponía. Siempre intentaba sacar un poco más de todo el equipo, pero siempre desde la comprensión.
- Otro aspecto a destacar de su cine es que siempre intenta controlar la factura de sus películas de principio a fin. No por casualidad, crea unos Estudios propios en Pradillo y más tarde adquiere los estudios de Daganzo MADRID70. La única manera de controlar todo el proceso es hacerlo todo tú y tener a los mejores trabajando para tí (Colin Arthur, Paco Prósper, Basilio Cortijo, Carlo de Marchis, Emilio Ruiz, Juan Mariné, etc) y en su cine esto se nota.
¿De entre sus películas cual escogerías, y por qué?
Es una pregunta muy difícil de contestar, pero de entre aquellos que considero mis preferidos: Pieces, La Grieta, Slugs y Viaje al Centro de la Tierra, me quedo sin duda alguna con esta última, ya que representa desde mi punto de vista al Juan Piquer original, fascinado por el mundo del cine, embebido por la literatura fantástica y con la frescura de un niño.
Se nota en este filme la pasión de Juan por el Cine, a pesar de las dificultades que tuvo para poder realizarla. Pero al fin realizó su viaje y nos dejó esta joya del cine español.
De un tiempo a esta parte parece que se está reivindicando la figura de Piquer Simón, con dos libros dedicados a él ¿A que crees que es debido? ¿Crees que es importante que así sea?
Me parece genial que se esté reivindicando la figura de Juan. Sin duda se lo merece. Me imagino que al igual que yo he tenido mis razones para hacer este documental Jorge Adsuara y José Luis Alonso, han tenido las suyas para hacer sus libros, fantásticos por cierto. Yo soy de la creencia de que a lo largo de la historia, diferentes personas se ponen a trabajar en un determinado tema. Quizás sea casualidad, suerte o destino. Lo que si creo es que sean cuales sean la razones de este interés por el cine de Juan Piquer, es sin duda merecido. Yo creo que hacen falta iniciativas en nuestro país para reivindicar, no ya la figura de Juan, sino la de muchos otros realizadores y técnicos, que han sido ninguneados, no sé por que razón. Algunos parecen avergonzarse de este tipo de cine porque es poco intelectual o porque es de baja calidad. Cualquiera que se aventura en la
Colin Arthur ojeando el libro editado por Fantcast (Archivo Fantcast)
realización de una película sabe de las dificultades de llevar un proyecto a buen fin. Sólo la pasión por el CINE, puede ser la energía para que la cultura avance. Y no hablo de una cultura elitista, más propia de otros tiempos, hablo de una Cultura de todos, y si nos gusta este tipo de cine, hay que darle su sitio, porque sin duda lo tiene. Hace poco cayó en mis manos, regalo de mi amigo Manuel López Villegas, un especial de la revista Quatermass, “Antología del Cine Fantástico Español”. Me lancé a leer las críticas de las películas de Juan Piquer. Me quedé un poco perplejo, no las ponían muy bien, pero en este especial de otoño de 2002 (Nº 4-5), había unas páginas dedicadas a las cifras del cine español, clasificadas por años y en ellas podemos ver:
Año 1977 película más taquillera Viaje a centro de la Tierra, lo curioso es que la segunda es Escalofrío de Carlos Puerto, pero producida por Almena Films, productora de Juan Piquer.
Año 1979 película más taquillera Supersonic Man.
Año 1981 segunda película más taquillera Misterio en la Isla de los Monstruos.
Año 1982 película más taquillera Mil Gritos tiene la Noche.
Año 1988 segunda película más taquillera Slugs, muerte viscosa
Año 1989 película más taquillera La Grieta.
Yo creo que esto deja palpable que el gusto del espectador va por un camino, y el de los críticos por otro.
Por lo tanto creo que es muy importante todo aquello que se haga para recordar a directores como Juan, que tanto ha hecho por el cine fantástico y de terror español. Aprovecho esta entrevista para reivindicar este tipo de cine. Creo que se puede seguir haciendo en España, porque es un género que conocemos y que se nos da muy bien.
EL DOCUMENTAL
¿Cómo nace el proyecto del documental sobre Piquer Simón?
Como ya te contaba, fue un intento de poner en práctica una ilusión que me rondaba por la cabeza hace tiempo. Hacer mi propio documental. El cine documental es uno de mis preferidos y era el momento de emprender esta aventura.
¿Qué es lo que nos encontraremos en tu documental? Cuéntanos en qué consiste
El documental tiene un concepto de obra CORAL, es decir veremos y oiremos la opinión y las experiencias de gente relacionada con el cine de Juan Piquer:
Expertos en su obra, Actores, Productores, Técnicos, Colaboradores y amigos. Encontraremos una estructura en bloques temáticos que tocarán diversos aspectos de la obra de Juan Piquer, encadenados por una licencia dramática como hilo conductor, aunque prefiero mantener un poco la sorpresa.
Yo creo que se trata de un trabajo profundo sobre Juan Piquer como Director y como persona. Conoceremos su trabajo en primera persona a través de los protagonista que vivieron su cine junto a él.
¿Habías rodado antes más documentales? ¿Ha sido muy complicado?
Es mi primer documental como realizador. he participado en otros proyectos de documentales pero siempre como técnico, ya sea realizando las labores de operador de cámara o de montaje. De hecho en estos momentos puedes ver el último trabajo en el que he colaborado Diego Galán, un toledano en Estambul de los directores Manuel López Villegas y Esteban Estepanian Taracido. También hemos producido el concierto del 30 aniversario del mítico grupo TDK (https://www.youtube.com/watch?v=3p9gEJ5l-sw). Actualmente nos encontramos en la pre-producción de un cortometraje de terror basado en una idea original de Lone Fleming, y mayo produciremos el Making Off del cortometraje El Último Guión de David García. En fin, que no paramos.
Has podido entrevistar a todas las personas que deseabas? ¿Cuál se ha quedado en el tintero?
Luis Esquinas rodando junto a Lone Fleming (Archivo L. Esquinas)
He entrevistado a la mayoría de las personas en las que había pensado en principio, aunque siempre hay entrevistas que por diversas circunstancias no has podido hacer. Prefiero no decir nombres.
¿A que personas has entrevistado?
Es una larga lista de pero creo que conviene citarlos a todos:
Antonio Garcinuño, Antonio Mayans, Basilio Cortijo, Carlos Benítez, Carlos Puerto, Collin Arthur, David García, Domingo Lizcano, Emilio Linder, Gabi Cortijo, Hector Caño, Hilda Fucks, Jack Taylor, Jorge Adsuara, Jose L. Salvador, Juan Mariné, Lone Fleming, Manuel Puchades, Manuel Valencia, María Rubio, Marisa Pino, Miguel A. Plana, Pedro del Rey, Reyes Abades, Rosa Mateu, Sergio Blasco, Teresa Sancho y Victor Matellano.
¿Has podido acceder a los archivos de imágenes que querías? ¿Te lo han puesto muy difícil?
Todas las personas que disponían de imágenes de los rodajes las han puesto a mi disposición, y además he podido utilizar material de Filmoteca Española, que tenía la familia de Emilio Ruiz en depósito y que ha cedido amablemente. Quiero aprovechar esta ocasión para agradecerles a todos su ayuda desinteresada y el apoyo que me han prestado. Seguro que me dejo a alguien pero quiero agradecer a Elena Cervera (Filmoteca) su ayuda; a Juan Mariné y a Concha Figueras por las fotos y las imágenes en vídeo de su cámara personal; a Jorge Adsuara por el ingente volumen de material fotográfico cedido; a Sergio Blasco por prestarme imágenes y una entrevista en vídeo que realizó a Juan Piquer; a Gabriela Cortijo por sus fotos del rodaje; a Carlos Puerto por el materia de Escalofrío; a Andrés Santana por sus imágenes de la comida entre Emilio Ruiz, Juan Mariné y Juan Piquer, etc.
Realizando la entrevista a Miguel A. Plana (Archivo Fantcast)
¿Has podido tener acceso a material inédito o especialmente interesante?
Yo creo que las imágenes con mayor valor testimonial son las que muestran a Juan Piquer en plena salsa, dirigiendo escenas en Slugs o en La Grieta (cedidas por Juan Mariné). Alguna de las fotografías, tampoco han sido vistas nunca, por lo que cobran una especial relevancia. Podremos ver guiones manuscritos de Juan Piquer, Story Boards realizados por Emilio Ruiz. En fin, yo creo que a nivel de aportaciones inéditas, la experiencia promete.
En cuánto a material original de las películas, a fecha de hoy me ha sido imposible obtener los permisos para utilizar las imágenes. Mi producción tiene más voluntad que presupuesto, y el tema de derechos de autor pone este aspecto muy difícil, pero estoy seguro que aquellos que vean el documental no las echarán en falta.
Sandra Alberti en una imagen del documental (Archivo L. Esquinas)
¿Cuándo estará listo para verse?
Si todo marcha según lo previsto, podrá verse a finales de 2015 y en festivales el año próximo. Una vez se estrene, también habilitaré una página web con todas las entrevistas montadas para que se puedan ver íntegras. Y si obtengo permiso de sus propietarios, los materiales gráficos relacionados con el documental.
¿Algún nuevo proyecto en cartera? ¿Relacionado con el fantástico?
Siempre hay proyectos en una cabeza como la mía. Me gustaría abordar una serie de documentales sobre otras figuras del fantaterror español.
Pues ya está, si quieres añadir algo más
Para terminar me gustaría decir a todos aquellos que me han ayudado, qué llegué sin nada más que ilusión en mis bolsillos y un sueño, y que gracias a ellos este sueño va a hacerse realidad. Pero no solo me han dado su ayuda, también me han dado su cariño y lo más importante, su AMISTAD. Este mundo está lleno de gente fantástica y yo he tenido la suerte de conocer a muchos de ellos. Seguro que seguiremos nuestra amistad en el futuro. Desde aquí gracias a todos y espero que el documental os guste, porque he puesto en él mi alma.
Y hasta aquí esta entrevista que agradecemos encarecidamente a Luis Esquinas, al que deseamos toda la suerte con su documental.
Víctor Olid y El descacharrante cine de Pajares y Esteso
Vial of Delicatessens, sello videográfico que inicialmente nació para dar alternativa a un tipo de cine y de obras que difícilmente podrían verse publicadas fuera de la autoedición, poco a poco ha ido incrementando su radio de acción y ahora se pasa a la edición de libros. Entre sus primeros y variopintos lanzamientos, la editorial adelanta títulos como La españolada en 100 películas (José Luis Salvador Estébanez y Víctor Olid), Cómo hacer un cortometraje (Naxo Fiol) y Michael Haneke: El cirujano fílmico de la realidad, de José Ángel de Dios. Pero la rama literaria del sello se ha estrenado con El descacharrante cine de Pajares y Esteso, un detallado y extenso repaso a la filmografía de este dúo de humoristas, tanto juntos como por separado. Un librazo de 384 páginas escrito por el ideólogo de Vial of Delicatessens, Víctor Olid.
No puedo ocultar que desde que supe de este proyecto, suspiré esperando tenerlo en mi poder, así que en cuanto se abrió la veda, me hice con él. Este libro está escrito por un fan total de estos actores y se nota. Al igual que otros intentan hacernos creer que descubrieron el cine con Mizoguchi o Bergman, Víctor confiesa y admite, sin ánimo de justificarse (ni falta que hace) que él lo hizo, como tantos, viendo las películas de estos dos populares cómicos. Disfrutándolas lejos de modas vintage, petardas o bizarras. Y esa admiración ha continuado e incluso incrementado, cuando Víctor ha sabido reconocer en las películas, principalmente bajo la batuta de Mariano Ozores, cine bien hecho, eficaz y competentemente interpretado por sus protagonistas y secundarios de lujo, ofreciendo con toda la información que ha podido hallar, un libro escrito desde la pasión y el cariño a ese cine que ya nunca volverá.
No busquen chismes de la vida privada de sus protagonistas, eso quedará para otro libro y otro escritor ya que Víctor prefiere ignorar e incluso despreciar a esa prensa rosa. Por mi parte no negaré que si sale, también lo compraré, pero con la total seguridad de que en cuanto al cine y las películas de Fernando Esteso y Andrés Pajares, ya tengo EL LIBRO.
Víctor Olid mantiene la libertad, la rebeldía, y parte del léxico combativo y de trinchera de los fanzines. Tono del que algunos parecen huir a la primera de cambio a base de diccionario de sinónimos. Lo importante es la actitud. Y Víctor deja claro lo que le gusta y lo que no en todo momento. Unas veces de forma más respetuosa y otras menos, desmenuza no tan solo las intervenciones de los protagonistas, sino también de todo el entorno casi familiar de Pajares y Esteso, compuesto por el director y guionista de la mayoría de sus films, Mariano Ozores, además de esos secundarios imprescindibles como son Antonio Ozores y Juanito Navarro, entre otros, y sin olvidar, naturalmente, a las damas que tanto nos inspiraron en nuestra niñez y adolescencia, como Adriana Vega, Loreta Tovar o Azucena Hernández y sus poblados sexos. Sin dejar de tener en cuenta a otras agradecidas figuras, muchas de ellas 
por desgracia no solo olvidadas, sino enterradas, como si no hubieran existido para el cine español. Y es que todo este magnífico personal, al que parece que hubiera que olvidar, ofreció muchas alegrías al público llano que llenaba las salas para simplemente reír y pasarlo bien con estas cintas. Y también dio muchos dividendos a la industria cinematográfica española. Así que, para que conste y para recordarlo, aquí está Víctor Olid para decir bien alto que, no solo existieron esas películas, que fueron un buen número, sino que, ¡Qué diablos!, que eran buenas películas. Que cumplían su cometido a la perfección y eran las más taquilleras de la época, gustando a un amplio espectro de público, entre los que había también numerosos niños que adoraban a esta pareja de cómicos desde que entraron a formar parte de su imaginario sentimental por medio de la televisión. Y es que, un programa de nochevieja no era un programa de Nochevieja si no contaba con Pajares y/o Esteso entre sus invitados.
Yo por mi parte hacía tiempo que no devoraba un libro en tan poco tiempo, ni lo pasaba tan bien recordando esas películas. Tanto que entran ganas de volverlas a revisar. Y es que, no lo duden, atesoro todas las películas que hicieron juntos estos dos en mi colección. Sin ningún complejo ni rubor.
Un libro para cinéfilos y cinéfagos desprejuiciados editado con una bonita portada (a tono con la cartelería de la época) e ilustraciones interiores en blanco y negro. Una nueva propuesta de Vial of Delicatessens que agradecemos y apoyamos desde este, nuestro humilde blog.
Eso sí Víctor, no estoy para nada de acuerdo con que Padre no hay más que dos sea una de las mejores películas de Esteso/Pajares … ¡No hijo, no!
Vial of Delicatessen lanza dos películas inéditas de Jesús Franco
Vial of Delicatessens lanza al mercado internacional el día 13 de Abril de 2015, dos de las referencias que Jess Franco dejó inéditas. Por primera vez las películas La Cripta de las Condenadas y La Cripta de las Condenadas II salen a la venta:
LA CRIPTA DE LAS CONDENADAS
Un grupo de mujeres, quizá fantasmas, quizá demonios, se encuentran encerradas en la cripta de un cementerio, condenadas por una vieja maldición. Esta especie de súcubos, lascivos y perversos, no parecen sin embargo lamentar demasiado la maldición y pasan los años entregándose a todo tipo de placeres sexuales.
Una de las películas más buscadas de Jess Franco, inédita comercialmente hasta ahora y vista sólo en festivales como Sitges, Pantalla Fantasma o el BUTT Film Fest de Núremberg, “La Cripta de las condenadas” fue definida por un crítico alemán como “la primera película rodada en coñorama”. Sexo lésbico, terror y videoarte se dan la mano en este experimento a la altura del genio de la vanguardia que fue Franco.
Formato 1.85:1 anamórfico. Idiomas: DD 2.0 en castellano. Subtítulos: inglés, francés, italiano, alemán.
La película se hace acompañar de los siguientes Extras:
– Entrevista con Jess Franco.
– Cortometraje “Los condenados de la cripta” de JJS.
LA CRIPTA DE LAS CONDENADAS II
Cien años más tarde, las condenadas siguen en su cripta entregadas a sus juegos y placeres. Ignoran la presencia de un ángel exterminador enviado por el Señor, que quiere acabar con tanta desvergüenza aplicándoles un castigo ejemplar: destruirlas para siempre.
Jess Franco cierra su díptico sobre los súcubos lésbicos con esta inigualable película, a medio camino entre el sexploitation y el cine de vanguardia, repleta de planos que exploran la sexualidad de la mujer hasta lo más profundo. ¡Ni el doctor Beltrán llegaba tan adentro con su cámara!
Formato 1.85:1 anamórfico. Idiomas: DD 2.0 en castellano. Subtítulos: inglés, francés, italiano, alemán.
La película se hace acompañar d elos siguientes Extras:
– Escenas eliminadas.
– Lina Romay tras la cámara.
– Cortometraje “The Phallus Killer” de Naxo Fiol.
El precio de cada película es de 5, 99 € mas gastos de envío.
Además de venderlas por separado, Vial of Delicatessens pone estas películas en OFERTA EXCLUSIVA Y POR TIEMPO LIMITADO junto con “Al Pereira Vs. Alligator Ladies” referenciadas como “Trilogía Jess Franco” al precio de 17,99 € GASTOS DE ENVÍO INCLUÍDOS.
Una oportunidad única de completar tu colección.
Los DVDs pueden adquirirse a través del site del sello http://vialofdelicatessens.blogspot.com y unos días después, también en tiendas especializadas.
Nota: La oferta “Trilogía Jess Franco” solo está disponible a través de de la web.
La semana del asesino: descubriendo la versión más completa
Hace unas semanas el escritor y especialista en cine extremo, Álex Mendíbil, dio la pista en facebook sobre la existencia de una nueva edición, en este caso alemana, de Cannibal Man, nombre con el que se conoce en el extranjero a La semana del asesino, gran película de merecido culto del director Eloy de la Iglesia (1944-2006). Esa pista nos llevó al blog inglés ‘Krimi in the pocket giallo on the brain’ [1] donde se nos pusieron los dientes largos con las capturas de algunas imágenes nunca vistas. Fue suficiente para que nos pusiéramos manos a la obra. Pero antes revisemos…
LA SEMANA DEL ASESINO
Art: Oscar Alarcón
El film narra como, de forma casi accidental, Marcos (Vicente Parra) mata a un taxista (Goyo Lebrero) mientras acompaña a su novia Paula (Emma Cohen) a casa. Cuando esta le amenaza con denunciar la muerte, Marcos la estrangula, ocultando su cuerpo en el dormitorio. A partir de ahí Marcos entrará en una espiral de asesinatos para evitar que se descubran sus cada vez más numerosos crímenes, llevándose parte de los cuerpos a la empresa cárnica donde trabaja para hacerlos desaparecer con la máquina trituradora. Paralelamente su vecino Néstor (Eusebio Poncela), que sabe sus secretos, le descubrirá un nuevo mundo.
La semana del asesino es una de las piezas más interesantes del cine español de los setenta realizada por Eloy de la Iglesia, un director que tuvo la osadía de vivir y rodar bajo una dictadura siendo comunista y homosexual, circunstancias personales que no dejó de reflejar en sus películas. Pienso que no exagero si lo veo como nuestro Pasolini particular, con un buen número de cintas a sus espaldas ciertamente incómodas, tanto en la época, como ahora. Películas valientes y descaradas como ya no se ruedan en las que el director abría en canal sus sentimientos, algo que no tenía reparo en admitir: “Mi vida y mis películas son las caras de una misma moneda.”
Rodada tras El techo de cristal (1971) esta, su quinta película, fue, según De la Iglesia, la cinta que más le desgastó psíquica y físicamente de su filmografía. La semana del asesino abordaba el cine de terror con mucho contenido social y gotas de homosexualidad. Un terror cotidiano enmarcado en el barrio, el bar de comidas caseras, la casucha donde malvive el protagonista, las botellas retornables apiladas encima de la nevera, el fútbol de los domingos incesante por radio y televisión, los descampados donde los chavales juegan, la fábrica, los bloques cercanos… toda una arquitectura de pesadilla que es la de nuestra infancia de los setenta, el reverso tenebroso de ‘Yo fui a EGB’. En resumen, el escenario de esa huida hacia delante que, paradójicamente, liberará a Marcos, el protagonista, de su represión sexual.
La semana del asesino representa también la primera aproximación del director al mundo de la homosexualidad. Un acercamiento que no se limitará a mostrar al típico mariquita gracioso tolerado en el cine español (en esta ocasión el dependiente de la droguería), sino de una forma
Fotocromo original
más real y cercana, que a pesar de las múltiples mutilaciones de censura, quedó bastante palpable. Algunas de las frases promocionales del filme sorprendentemente incidían en ello: “¿Qué clase de amistad une a Marcos y Néstor?”, “¿Por qué no denunció Néstor a Marcos siendo el único testigo de sus crímenes?” Y la más absurda: “¿Es Vicente Parra un paranoico o comprendió perfectamente al personaje de Marcos?” Pero si Néstor es para Marcos el descubrimiento de su propia sexualidad, este para Néstor representará la atracción por el abismo. Sabe que es un asesino, pues desde la ventana de su bloque le ha espiado con unos prismáticos y deja patente en varias ocasiones que ha sido testigo de los asesinatos que Marcos ha cometido. Pero desde su posición acomodada tiene una atracción homosexual por el lumpen, por el elemento suburbial, que compartía el propio De la Iglesia y que llevó al director al abismo de la droga. Como a Pasolini a la tumba. También la casa (y concretamente el dormitorio) de Marcos, puede ser visto como un armario repleto de esqueletos. Un lugar cada vez más claustrofóbico y que cada vez apesta más. Con esas moscas y ese olor que parece atravesar la pantalla. Peste fétida, fluidos y carne: la sangre salpica el piso de Marcos; la de las reses sacrificadas riega los suelos del matadero. El sudor impregna el cuerpo de Marcos. Y la carne. Carne femenina en el lecho de Marcos y en los pósters de sus paredes, con los que en una escena parece masturbarse, siendo observado desde arriba. Y carne también en el plato de comida que le sirve Rosa (Vicky Lagos), carne que, en un tétrico ciclo, proviene de la trituradora con la que Marcos trabaja en la fábrica.
Inicialmente Eloy de la Iglesia quería que el personaje de Marcos fuera interpretado por un joven de 18 años. Esa inexperiencia explicaría su torpeza, su huida hacia delante al no saber como salir del lío en el que se había metido. Tenía más sentido con un actor más joven. Y el personaje de Néstor se aproximaría también más al pervertidor que Simón Andreu interpretó en la posterior Los placeres ocultos (1977). Pero Vicente Parra estaba seriamente interesado en el papel, no dudando incluso en entrar en la producción del filme. En todo caso, el Marcos que interpreta Vicente Parra resulta igualmente efectivo. Un obrero sin salida en un Madrid desarrollista y condenado a una vida que le resulta inaceptable. Proletario hasta en la forma de matar, perpetrando sus asesinatos con lo que tiene más a mano: piedras, herramientas y cuchillos de cocina, cuando no con sus propias manos. Pero a pesar de sus crímenes, Marcos no puede ser visto con odio por el espectador. Ni siquiera cae mal. Es un pobre diablo condenado por la fatalidad y la mala suerte, una víctima más. Un asesino cañí que desmenuza cuerpos a ritmo de pasodoble, transportando esos trozos a su puesto de trabajo con una bolsa cada vez más fétida en la que reza el deportivo lema ‘Contamos contigo’.
Marcos tan solo vive momentos de paz cuando está con Néstor paseando, en su casa o en la piscina, instantes tras los cuales retorna a su apestosa realidad, una realidad con fondo de guitarra española y el lema ‘Dios guarde esta casa’ en la puerta. Una casa que es un prodigio de realidad fabricada, ya que se construyó ex profeso en un descampado de pesadilla que, al igual que toda la ambientación del filme, es obra de Santiago Ontañón[2]. Una pieza fundamental en la arquitectura de la cinta junto a la acertada música de Fernando García Morcillo.
Eloy de la Iglesia no evita incluir con todo este transfondo social, un mensaje político: “Es mi primera película explícitamente ideológica. En las otras podía haber una postura ética o moral, pero aquí hay ya una dimensión política, casi militante”[3]. Desde la ironía que encierra el discurso del Jefe de personal de la fábrica, hasta la escena en la que la policía, tras identificar a Marcos, deja a Néstor en paz por su diferente clase social (vive en los bloques nuevos). Desde el guiño en el nombre que tiene el boxer de Néstor, Trotsky, hasta esa hedionda casa llena de secretos que es toda una alegoría de la España de entonces.
Néstor, Marcos y Trotsky (fotocromo original)
La semana del asesino se estrenó antes en Estados Unidos y Alemania que en España, a cuyas pantallas llegó en 1974. Allí tuvo el equívoco título de Cannibal Man, aunque en Italia recibió el no menos absurdo de L’appartamento del 13º piano. Vicente Parra recibió el premio del Círculo de Escritores Cinematográficos por su trabajo, y la película fue presentada fuera de concurso en el Festival de Berlín, donde según su director “daban unas bolsitas para vomitar, como las de los aviones[4]”. La cinta fue incluida, junto a otras 72, en la lista de Video Nasties (películas prohibidas) que se promulgó durante la etapa Thatcher en Inglaterra. Cannibal Man es una cinta de culto en todo el mundo, que ha sido editada y reeditada lujosamente en todos los formatos domésticos.
LA SEMANA DEL ASESINO VS. CANNIBAL MAN
A pesar de que el director recuerda que Juegos de amor prohibidos fue mucho más cortada, La 
semana del asesino fue una de las cintas más masacradas por la censura española, entonces en manos del feroz censor Alfredo Sánchez Bella, un supernumerario del Opus Dei que en su incansable búsqueda de elementos subversivos, no dudó en cerrar el diario Madrid. Ya cuando el director presentó el guión, fue prohibido, y una vez rodado obtuvo el dudoso honor de sufrir 62 cortes y la obligación de rodar un nuevo final en el que la ley castigara al culpable: “El final de la película no es mío, es una imposición de la censura, e incluso lo rodamos meses después, cuando ya había copia standard[5]”. Un final con el que el 
director no estaba de acuerdo “Es estúpido que el personaje, así por las buenas, llame a la policía para entregarse”[6].
Es bien sabido que existen dos versiones diferentes de La semana del asesino. Por un lado la que se exhibió en las salas españolas, de la que sobre todo se pretendió suprimir (sin conseguirlo) todo el trasfondo homosexual suavizando, de paso, el gore y el sexo; y la versión internacional, Cannibal Man, que conservó planos reveladores de la mentada relación entre los dos vecinos sacrificando, entre otras, algunas escenas desarrolladas en la fábrica donde trabaja Marcos.
Comparando ambas versiones sin duda sale ganando, a pesar de sus importantes mutilaciones, la estrenada en España, que llamaremos a partir de ahora para diferenciarla de la versión para exportación, La semana del asesino. Esta contiene rótulos con los días de la 
semana, justificando así el título del filme y dándole más dramatismo, ya que Marcos realiza un crimen cada día, desde la noche del domingo que sale con su novia Paula y mata accidentalmente a un taxista, hasta la noche del siguiente sábado, día en el que ya al amanecer se entrega a la policía tras haber perpetrado cinco crímenes más y uno, el de Néstor, en tentativa. La semana del asesino también conserva las siguientes escenas, suprimidas en la versión para exportación que denominaremos Cannibal Man:
– El Jefe de personal del matadero (Ismael Merlo) comunica a Marcos su cambio de puesto de trabajo, poniéndolo a cargo de una nueva y moderna máquina picadora de carne, mientras Marcos está más pendiente de las piernas de la secretaria (Inés Morales). Una escena con la que Eloy de la Iglesia incide en la crítica social, constante en su obra y presente en gran parte de la película.
– Un compañero veterano (Valentín Tornos) es el encargado de enseñarle a Marcos el funcionamiento de la máquina, y mientras se dirigen hacia ella rememora el día en que la madre de Marcos sufrió el accidente que la mató. Una de las pocas notas de humor, eso sí, negrísimo, que contiene el filme.
– Dos encargados hablan sobre Marcos y su extraña costumbre de llevar a su puesto de trabajo una bolsa. Sospechan que roba herramientas y uno de ellos comprueba que esté vacía. Tras hacerlo y decir a Marcos que debe dejarla en la taquilla, vuelve a la oficina de control.
Cabe indicar que Eloy de la Iglesia rodó este filme directamente en inglés, algo que se nota al ver la versión internacional, y estas tres escenas son las únicas rodadas en castellano, así que es posible que por ello fueran excluidas de Cannibal Man.
La versión española se inicia directamente con los títulos de crédito, mientras que la versión para el extranjero utiliza como prólogo previo a los títulos imágenes de matanza de reses en el matadero donde trabaja Marcos, que contempla la cruda escena comiendo un bocadillo. Escenas que también están incluidas en la copia estrenada en España, pero montadas en su lugar correspondiente.
Las escenas de cama de Marcos, tanto con Paula (Emma Cohen) como con Rosa (Vicky Lagos) son más largas en Cannibal Man, mostrando los pechos la primera. Vicky Lagos, tal y como cuenta el director, no quería desnudarse, aunque se dejó convencer. También cuando Rosa mancha con leche (…) el pantalón de Marcos, esta lo limpia frotando el muslo y mirándolo lascivamente, una escena que con los ‘certeros’ cortes de censura queda mucho más inocente en la copia española.
Que las escenas de sexo hubieran sido escamoteadas por los censores para su exhibición en nuestras pantallas, entraba dentro de la normalidad de la época, pero mucho más extraño resultaba que la violencia fuera rebajada, como así fue. Si comparamos los crímenes de Marcos en ambas versiones, notaremos aligerado el número de planos de La semana del asesino en comparación con Cannibal Man. En ambos se muestran los mismos crímenes, pero en la versión española de manera más fugaz.
Al ser la casa de Marcos y su hermano Esteban (Charly Bravo) el hogar familiar, está repleto de iconografía religiosa perteneciente a la fallecida madre. Pues bien, hay un momento que supuestamente le resultó sacrílego al censor de turno, de tal modo que decidió cortarlo: cuando Marcos está intentando tapar el fétido olor de los cadáveres con spray ambientador, puede verse como la nebulización se va posando sobre diversos objetos: la
Eloy de la Iglesia entrevistado por Pierrot
tele, los pósters de la pared y, en la versión para el exterior, sobre una urna de cristal que cubre una imagen de la virgen.
Y llegamos a uno de los pasajes más mutilados del filme, naturalmente el momento en el que Marcos y Néstor van a la piscina nocturna. Unas escenas que aún así no han sido despojadas de su contenido filo gay, aunque muchísimo más palpable en Cannibal Man. También cuando posteriormente Marcos está en su casa tomando whisky en la mecedora, rememora la noche en la piscina con Néstor mediante fugaces flash-backs. En La semana del asesino tan solo toma whisky y no rememora nada de nada…
Otros planos son ligeramente más largos en una versión u otra, pero las enumeradas son las diferencias más significativas.
EL BLU RAY DE SUBKULTUR
Recientemente el sello alemán Subkultur Entertainment ha editado una impecable copia de Cannibal Man que, además de ser la mejor forma de ver esta película por la calidad de la misma, realmente maravillosa, lo es por los extras, entre ellos unos once minutos de descartes. Once minutos que al saber de su existencia nos hicieron soñar con una copia por fin completa del filme de De la Iglesia. Una reconstrucción que el propio director consideraba casi imposible, y más teniendo en cuenta que “fue cortada con especial saña por la censura y que los cortes, al contrario de lo que solía ocurrir, fueron incinerados”[7]. El propio director recuerda algunos detalles que posiblemente se han perdido para siempre: “Quitaron un momento en el que degüellan una vaca mientras Vicente Parra come un bocadillo, le cae una gota de sangre, se la limpia con el dedo y sigue comiendo. Las escenas del matadero no gustaron nada a los censores”[8]
Pero el sueño no lo ha sido del todo, ya que gran parte de estas imágenes, remasterizadas también pero sin sonido, ya eran conocidas por estar incluidas en La semana del asesino:
– Escena con el jefe de personal.
– Escena con el compañero que enseña el funcionamiento de la máquina a Marcos y le habla de la muerte de su madre.
– Escena en la que el operario de la fábrica controla que la bolsa de Marcos está vacía.
– Plano exterior del Bar Rosa.
– Escena de diálogo entre Marcos y el Sr. Ambrosio (Fernando Sánchez Polack) en la puerta de casa de Marcos en la que pregunta por su hija.
– Plano del periódico donde Marcos ve que el taxista ha muerto.
– Rótulos de los días de la semana.
– Rosa habla con Agustín (Rafael Hernández) en la puerta del bar Rosa y se aleja dejándole acabando el cartel de ‘Hoy paella’.
Como ya he indicado, todas estás imágenes están en La semana del asesino, pero… el disco de Subkultur cuenta con aproximadamente dos minutos muy esclarecedores y totalmente inéditos en ambas versiones, todos ellos ofrecidos también sin sonido:
– Escena en blanco y negro que muestra a Marcos esposado dentro de un coche patrulla que se aleja del suburbio donde vive. Una escena que posiblemente era el prólogo del filme y que puede reintegrarse con tan solo añadir el sonido de una sirena de coche patrulla.
– Escena más prolongada de sexo entre Rosa y Marcos, también con posibilidad de añadirse.
– Y finalmente la mejor y más reveladora: unos planos de Marcos y Néstor besándose apasionadamente (tanto en la piscina, como en casa de Néstor).
Lo que nos confirma que estamos ante la copia más completa del filme de Eloy de la Iglesia y ante la posibilidad de que juntando todos estos elementos de una y otra, más los aparecidos, pueda hacerse la copia definitiva del filme.
Tan solo por estos dos minutos y la calidad fantástica del Blu ray[9] ya valdría la pena adquirir la copia editada por Subkultur, pero tampoco conviene perderse el fantástico archivo fotográfico repleto de raras fotos de rodaje, algunas muy, muy reveladoras, que convierten este blu-ray / DVD en una pieza de colección en la que lamentablemente tan solo cabe echar en falta el haber añadido la versión española o, al menos, subtítulos en castellano.
Eloy De la Iglesia.
[1] http://krimi-giallo-casebook.blogspot.com.es/2015/02/review-cast-4-cannibal-man-aka-la.html?zx=f2ccb336ee63bd4b (Las capturas del blu-ray están tomadas de este blog)
[2] Ontañón estuvo mucho más acertado que en El Castillo de Fu-Manchu (Jesús Franco, 1969), en la que situó a Fu-Manchu (Christopher Lee) y su ejército en un muy reconocible Parque Güell y en La Ciutadella de Barcelona.
[3] Aguilar, C. y Llimás, F. “Visceralidad y autoría. Entrevista con Eloy de la Iglesia”. Conocer a Eloy de la Iglesia, Filmoteca Vasca y Festival Int. De cine de Donosti, Donosti, 1996. Pág. 110
[4] Ibidem. Pág. 115. Bolsita que puede verse en los extras del Blu-ray de Subkultur. Un recurso promocional que también se realizaría con otros filmes como Las torturas de la inquisición (Hexen bis aufs Blut gequält, Michael Armstrong y Adrian Hoven, 1970), La noche del terror ciego (Amando de Ossorio, 1972) e incluso Slugs, muerte viscosa (Juan Piquer Simón, 1988).
[5] Ibidem.
[6] Ibidem.
[7] Rubio, F. G.”La semana del asesino” Ven y mira. Semana de cine fantástico y de terror de San Sebastián , 2011. Pág. 295
[8] Aguilar, C. y Llimás, F. Opus cit.
[9] Pueden comparar capturas de esta edición con la anterior editada por Blue Underground en este enlace:
Miguel Ángel Plana: nostalgia y pasión
La primera vez que supimos de Miguel Ángel Plana fue hace bastantes años, en las hojas del magnífico Flash-Back 3. La publicación, editada por Antonio Busquets y dedicada enteramente al cine fantástico español, contó con dos colaboradores de lujo: Carlos Aguilar, que realizó una cronología comentada del género en España y nuestro protagonista, Miguel Ángel Plana, que nos inundó de sana envidia por haber entrevistado, él solito, a Paul Naschy, Narciso Ibáñez Menta, Juan Piquer Simón, Víctor Israel, Jack Taylor y, por supuesto, Carlos Aured. Unos contenidos que convirtieron ese ya lejano Flash-Back 3 en un referente sobre el cine fantástico español. Mucho más tarde tuvimos ocasión de conocer a los artífices del histórico pro-cine y compartir mesa, mantel y mucho más con Miguel Ángel Plana que, de vuelta al fandom verbigracia a las redes sociales, publica, tras algunas colaboraciones en libros colectivos, su primer libro en solitario, dedicado a uno de los cineastas más olvidados del cine español, Carlos Aured, ocasión que aprovechamos para someterlo a un esclarecedor tercer grado. Les dejamos pues con Miguel Ángel Plana.
En Fantasti’CS 2014 presentando el libro ‘Carlos Aured. Nostalgia y pasión’ (Foto: Serendipia)
¿QUIEN DIABLOS ES MIGUEL ÁNGEL PLANA?
Pues un tipo normal, con tendencia al freakismo, que de niño veía mucho la tele y leía muchos tebeos y se quedó un poco gilipollas. El caso es que años después quise estudiar algo relacionado con el cine, que se había convertido en mi pasión adolescente, pero terminé estudiando filosofía y sociología, por razones de apoyo familiar y falta de huevos para meterme en algo tan complejo. Al final me establecí como asalariado del gobierno con un puesto de empleado público
¿Cómo nace esa pasión por el cine y más concretamente por el fantástico?
¡¡¡Atacado por las babosas de Slugs!!!(Lo siento, ¡Tenía que ponerla!) (Foto: David García)
Ya en mi niñez con aquellas míticas series de los sesenta y, sobre todo, con los ciclos de la Universal que pasaban a veces por la 2 (entonces UHF). Lo que más leía eran tebeos de terror, luego Verne, Poe…lo típico. Y si encima, ya adolescente, te empiezas a comprar “Mundo Desconocido” y a creer en fantasmas, ovnis y todo eso, pues ya te digo. Menudo caldo de cultivo. Creo que por eso luego estudié algo como la filosofía, para no perder la cabeza, supongo.
Dentro de ese género ¿Cuáles dirías que son tu tipo de películas favoritas y porqué?
Dentro de este género, como dentro de cualquier otro, en el fondo lo que espero es que se me sorprenda. Algo que cada vez es más difícil. Me gusta contar historias, y que me cuenten historias. Creo que, antropológicamente, era la forma en que tenían los primitivos de organizar el caos. Cuando la historia es predecible, cuando la ves venir desde el primer momento, y no hay sorpresa, ya pierdo el interés.
Por cierto ¿Recuerdas la primera película de terror que viste?
Perfectamente. En la televisión la estupenda versión de Jack Clayton de “Otra vuelta de tuerca”: “Suspense”. Y en el cine de mi barrio una mejicana de Carlos Enrique Taboada, “Hasta el viento tiene miedo”.
INCURSIÓN EN EL FANDOM: FLASH-BACK
¿Como surgió lo de hacer las entrevistas que más tarde se publicaron en Flash-back? ¿Era este el destino inicial que tenías previsto para ellas?
La verdad es que lo de publicarlas no lo tenía claro hasta que conocí a Busquets y su “Flashback”, pero a finales de los ochenta me pareció una idea sumamente original y me puse manos a la obra. Creo que era necesario, y yo, como admirador de esa gente y de esas películas, quise hallarles una reivindicación, hasta entonces inexistente, o que yo al menos desconocía puesto que era ajeno al mundo del fandom y a todo tipo de publicaciones más allá del “Fotogramas” y alguna biografía clásica.
¿Cómo nació tu relación con Antonio Busquets?
Precisamente a partir de esa idea germinal de las entrevistas. Por azar encontré los primeros números de su revista y me gustaron. Y encima el tipo era de Valencia y vivía en mi misma ciudad. Desde entonces hemos hecho alguna que otra cosa juntos.
Tras bastante tiempo de no saber de ti vuelves a estar visible, ahora por redes sociales, y colaboras en el libro sobre Piquer Simón ¿Cómo es el fandom que te has encontrado? ¿Muy diferente del que había en los noventa?
Aunque quizá haya más cohesión y, evidentemente el mismo entusiasmo, creo que no se diferencia mucho del de antaño. Las mismas filias, las mismas fobias y las mismas rivalidades. Quizá sea más cercano y más fuerte el apoyo del fandom por parte del objeto de su idolatría. También se ha ido ampliando el espectro, pero en cuanto a los aspectos negativos del mismo, estos siguen estando ahí. Siempre habrá el que se crea mejor que el resto, el que espera reconocimiento por considerarse él mismo el mesías de la nueva doctrina. Nosotros lo único que debemos hacer es divulgar, enseñar y mantener la memoria. Sin esperar nada a cambio.
Durante la presentación del libro dedicado a Juan Piquer Simón (Noten las cervezas discretamente ocultas) (Foto: Archivo M. A. Plana)
¿Fuiste a festivales en los noventa? ¿Has notado muchos cambios con los actuales?
Pues igual que con el fandom: las mismas camarillas, los mismos intereses, los mismos cenáculos, si bien pienso que ahora hay más camaradería e interrelaciones y colaboraciones externas. Las redes sociales han contribuido mucho a ello. Incluso profesionalmente. Ahora voy poco, pero siempre me ha gustado Sitges. Y hacer tertulia con los amigos. E intercambiar opiniones. Pero, a veces, pasas tanto tiempo ocupado viendo películas, al incrementarse la oferta, que incluso esa bondad se va perdiendo.
Feliz estrangulando a Robert (Freddy) Englund (Foto: Archivo M. A. Plana)
¿Qué opinas de la nostalgia que hay por el VHS?
¿Nostalgia? Jajajaja, yo hace tan sólo tres o cuatro años que me desprendí de mis viejos videos y los doné a un hospital de enfermos mentales. Pues igual que en su momento la nostalgia por el Súper 8. Se pueden recuperar muchas cosas, pero prácticamente la tecnología informática nos lo pone todo al alcance y hoy por hoy casi todo está ahí, al otro lado del botón. Eso ahorra mucho tiempo. Antes era una locura. Está bien tener arqueología en casa, pero acumular mucho también es un gran problema. Ahora con el DVD tengo más películas que cuando manejaba el video, y me ocupan muchísimo menos espacio.
INCURSIÓN EN EL CINE: UNIDOS POR LA SANGRE
¿Nos explicas un poco como nació y murió tu proyecto Unidos por la sangre y en qué consistía?
Pues fue precisamente con el proyecto reivindicativo de las entrevistas, hablando con un amigo distribuidor de cine al que le gustaba el mismo tipo de películas y que teníamos gratos recuerdos de nuestros cines de barrio. Pensamos, ¿por qué no hacer una película con los presupuestos de ahora y una perspectiva más cercana a los años noventa, alejada de la precariedad de aquellos años, con más efectos especiales, una factura más internacional y con nuestro star system de aquellos años -actores y técnicos-?
Algunos diseños para ‘Unidos por la sangre’ (Archivo M. A. Plana)
Antes, para mí, ya había confeccionado algunas historias. Así conjugaba mis dos pasiones: la literatura y el cine. Sin ánimo de exhibirlas, para disfrute personal. Y así surgió “Unidos por la sangre” y los contactos. Todos estábamos entusiasmados. Pero creo que nos equivocamos de tiempo y de enfoque.
¿Hiciste más guiones?
Por supuesto que sí, sobre todo gracias a mi relación con Aured. Intentamos mover varias ideas. Siempre con el mismo resultado.
¿Quedaste desanimado por la falta de interés por parte de las productoras y por el mundo del cine en general?
La verdad es que sí, así que decidí volver a la crítica de cine.
¿Has pensado en volver a activar este u otro proyecto?
Nunca. De vez en cuando le echo una mirada a aquel primer ingenuo borrador de “Unidos por la sangre”, con sus diseños de personajes, su story board, los videos de casting que hicimos…. Son buenos recuerdos, una etapa mágica en mi vida, a pesar de los escollos, y de conocer gente maravillosa. Proyectos locos, ya no sólo dentro del fantástico hispano. Entré un poco en la rueda y montamos varias productoras con las que produjimos un corto, trabajé incluso de actor en spots publicitarios para la televisión, y, en un 
piloto de una serie que no llegó a ver la luz, compartí escena con Pepe Viyuela, colaboré con un gran amigo, y uno de los pilares del undeground y la contracultura valenciana de los setenta, Rafa Gassent, en un proyecto suyo sobre Blasco Ibáñez. Le hice de ayudante de dirección. También probamos fortuna, ambos, con un proyecto de serie para nuestra extinta televisión valenciana sobre la crónica negra local, tipo “La huella del crimen”…. En fin… Pero al final, me quedo con la radio y los artículos. Creo que debo ser de los pocos que ha llegado a hacer crítica de cine en un periódico tan poco sospechoso como “Superdeporte”. Jajajajaja. También estuve varios años en un magazine de otra cadena local hablando de los estrenos de la semana. Mi experiencia como actor me sirvió. Coño, y además pagaban bastante bien.
LIBROS, CARLOS AURED Y RETORNO AL FANDOM
¿Cómo se te ocurrió lo de hacer un libro sobre Carlos Aured? ¿Cómo lo enfocaste?
Miguel Ángel Plana recibiendo el premio Fantasti’CS 2014 de la mano de Jorge Juan Adsuara (Foto: Serendipia)
En realidad la idea no fue mía, si no del editor. Adsuara, conociendo mi relación con Carlos, me propuso hacer un apartado en una obra colectiva más extensa sobre diversos realizadores del fantástico patrio. Y la cosa se fue hinchando un poco. Al principio pensaba canibalizar lo que ya había hecho antes, como en el caso del libro de Piquer Simón, pero dado que sabía más cosas de las que surgieron en aquel mítico Flash-Back, procuré darle otra orientación. Siempre he pensado que, más allá de la cerrazón de ciertos sectores del fandom o de la rigurosidad racionalista de la crítica más sesuda, hay que hablar de ciertas cosas con el corazón, entre la nostalgia y la pasión, más que con el cerebro y la vista. Situarnos en el contexto y el momento y valorarlo en su justa medida con unos parámetros que no son los de ahora, retrotraernos a nuestra psique infantil, a nuestro primer visionado, a nuestro primer impacto. Con el caso de Carlos, y dado que ahora ando metido en un programa de radio que tiene que ver con esos temas, recordé mis conversaciones con él sobre los mismos y me sirvió para hablar de unas inquietudes en él que la gente desconoce. También es parte de mi vida, así que tiene una doble vertiente: la biográfica y la autobiográfica. Fue una etapa de mi vida bastante bonita, en lo personal y lo profesional, y cuando las cosas no fueron bien, Carlos me apoyó. Así que creo que también debería saldar esa deuda de gratitud.
¿Hay alguna entrevista para el libro que te hubiera gustado conseguir y no fue posible? ¿En general, te lo pusieron fácil?
Dos mentes atormentadas: con Miike en Sitges (Foto: Archivo M. A. Plana)
Las únicas entrevistas que no he podido conseguir fueron de las personas que ya no están entre nosotros. Todo el mundo fue muy atento y amable. Encuentro que la mayoría de los profesionales cinematográficos de nuestro país son muy cercanos. Y si encima todos tienen buenos recuerdos y hablan bien de tu objeto de estudio…
¿Estás satisfecho con el resultado?
Siempre hay cosas que se pueden mejorar. Pero la verdad es que la respuesta anímica del lector ha sido tan emotiva que me doy por recompensado. El otro día me llamó el hijo mayor de Paul Naschy, Sergio Molina, para felicitarme y darme las gracias por el libro y los recuerdos que se desgranan en él. Que se trataba de un texto emotivo, hecho con el corazón. Claro que también habrá al que no le guste, jajajaja. Pero con palabras como las de Sergio y otros ya es bastante premio.
Y no quiero terminar la entrevista, por supuesto, sin dar las gracias a dos compañeros tan grandes como Carlos Benítez y Ángel Gómez, sin cuya ayuda, este libro hubiera perdido parte del esplendor que tiene. O la excelente maquetación de nuestro común amigo Josemi, de Tyrannosaurus Books, o toda esa maravillosa gente que ha aportado material gráfico.
Ahora ya comienza a haber una generosa bibliografía sobre el cine fantástico español, ¿Qué obra crees que falta todavía?
La verdad es que sí, pero quizá faltaría que se rescatasen obras aisladas o la tarea de algún francotirador olvidado.
¿Estás preparando nuevos libros sobre fantástico? ¿Puedes adelantarnos algo?
Tengo varios proyectos, pero relacionado con nuestras aficiones uno muy avanzado y en negociaciones…y hasta aquí puedo leer…
Y sí, hasta aquí esta interesante charla con Miguel Ángel Plana, una de las mejores personas con las que nos hemos topado durante estos seis años de Proyecto Naschy. Un tipo de lo más amiguetil con el que hemos compartido muchas veladas cinéfilas y cinéfagas (amén de gastronómicas) y del que somos felices de considerarnos amigos.
‘CARLOS AURED. NOSTALGIA Y PASIÓN’ DE MIGUEL ÁNGEL PLANA
Como todo festival que se precie, Fantasti’CS de Castellón tiene la sana costumbre de editar un libro coincidiendo con cada nueva edición del certamen. Tras unos años que pueden considerarse de aprendizaje, el festival se ha tomado la tarea más en serio y en estos último años, bajo el sello editorial Museo Fantástico, ha editado unos memorables tomos: El primero de ellos dedicado a Juan Piquer Simón y el pasado año una obra monumental centrada en el mago de los efectos especiales Willis O’Brien. En esta ocasión el homenajeado ha sido el director de cine Carlos Aured, un francotirador que merecía este tributo en forma de libro y más si el responsable ha tenido la fortuna de tenerlo como amigo, tal y como es el caso del autor, Miguel Ángel Plana, que mezcla la vida y obra de Aured, con sus propias vivencias, tales como los escollos que tuvieron que atravesar cuando intentaron poner en marcha algún proyecto en común. 320 aprovechadas páginas repletas de cinefilia. Terror y erotismo. Ilusión y tragedia. Nostalgia y pasión. Profusamente ilustradas con imágenes en blanco y negro y color. El autor, además ha contado con dos pequeños artículos realizados por Ángel Gómez Ribero y el que esto les escribe. Todo ello en libro necesario y totalmente recomendable que pueden adquirir en tiendas especializadas como Argot (Castellón), El Coleccionista (Zaragoza), Freaks (Barcelona), De Pelis (Madrid) y Rosebud (Valencia). También en EBay y Todocolección o directamente poniéndose en contacto con la editorial mediante el siguiente mail: edicionesmuseofantastico@gmail.com
El Buque Maldito y Phenomena presentan: Los Abandonados de Nacho Cerdà
Proyección de la película Los abandonados con la presencia del realizador Nacho Cerdà. Sábado 11 de abril 2015 – 18:30h
El debut en el largometraje del director catalán Nacho Cerdà se aplazaba considerablemente tras el éxito obtenido con sus cortometrajes Aftermath (1994) y Génesis (1998), que, junto a The Awakening (1991), formaron la llamada Trilogía de la Muerte.
Film protagonizado por los actores Anastasia Hille y Karel Roden y donde Cerdà firmaba su guión junto a los también directores Karim Hussain y Richard Stanley; una historia que nos arrastraba hacia una especie de precipicio donde dos hermanos deben hacer frente al presente en una granja desamparada y situada en un pueblo de Rusia. Ambos deberán cerrar viejas heridas y, a su vez, realizar un ejercicio interior estremecedor, un viaje en el tiempo donde el terror, las visiones y la angustia darán paso a terribles consecuencias…
Entradas anticipadas ya disponibles:
http://phenomena.admit-one.eu/?p=details&eventCode=17961
Y en las taquillas del cine:
Phenomena
C/. Sant Antoni Maria Claret, nº168
Barcelona
<M> L5 (Sant Pau) / L2 (Sagrada Familia) / L4 (Alfons X/Joanic)
Soledad Miranda y Jesús Franco en ediciones de lujo
VAMPYROS LESBOS Limited Edition (7500)
SHE KILLED IN ECSTASY Limited Edition (4000)
El mejor Fantaterror español estará presente en el Festival Nocturna
PROYECCIÓN DE LA NOCHE DE WALPURGIS
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, continúa su labor reivindicativa del Fantaterror español con la proyección de La Noche de Walpurgis, el film dirigido por León Klimovsky en 1971 que protagonizaron Paul Naschy, Gaby Fuchs, Barbara Capell y Andrés Resino entre otros. Co-producido entre España y Alemania, la película nos traslada a una oscura sala de autopsias cuando unos forenses retiran una bala de plata de un cadáver, devolviendo a la vida al licántropo Waldemar Daninsky. Mientras tanto, dos universitarias que realizan un estudio sobre la superstición y la magia negra localizan la tumba de la Condesa Wandesa Dárvula de Nadasdy, una adoradora del diablo… El festival Nocturna anunciará durante los próximos días nuevos filmes de terror españoles.
PREMIO PARA JOSEP ANTÓN PÉREZ GINER
Josep Antón Pérez Giner, creador junto al ya fallecido Ricardo Muñoz Suay de la mítica productora Profilmes, que en los 70 fue el buque insignia del Fantaterror español recibirá un más que merecido galardón Scifiworld Hall of Fame. Natural de Valencia, Pérez Giner inició su relación con el cine a los 17 años en Madrid, donde ejerció como auxiliar de producción. Tras participar como técnico en más de cincuenta títulos se pasó a la producción anotando en su currículo más de sesenta películas, entre ellas La Noche de Walpurgis, además de varias telemovies y series de televisión.
MÁS LARGOMETRAJES A COMPETICIÓN
Dos nuevas películas de temática sobrenatural se incorporan a la parrilla de Nocturna 2015. La primera es The House of Pine Street, el debut en la dirección de Aaron y Austin Keeting, que participará en la sección Panorama y que presenta la historia de Jennifer (Emily Goss) y su marido, quienes se trasladan a su nuevo hogar en Kansas, donde pronto comenzarán a suceder extraños fenómenos paranormales que sólo ella puede ver.
La segunda película es Another (Jason Bognacki, 2014) un film protagonizado por Paulie Rojas que participará en la sección a competición Dark Visions. Un alucinógeno film en el que una bella mujer se introduce en el oscuro mundo de la posesión demoniaca cuando se entera de que podría tener una gemela diabólica.
CORTOMETRAJES
Nocturna participará en la Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid, que se celebrará entre el 13 y el 19 de abril, con una selección de cortos ya proyectados en anteriores ediciones. El sábado 18 de abril a las 22.00h en el Cine Estudio del Circulo de Bellas Artes podrá disfrutarse de los siguientes cortometrajes, que contarán con la presentación de sus directores: La cañada de los Ingleses de Victor Matellano, 24 Horas con Lucía de Marcos Cabotá, De Noche y de Pronto de Arantxa Echevarría y Hotel de José Luis Alemán.
Zarpazos! nominado a los Rondo Awards americanos
Zarpazos!, el documental sobre el fantaterror español está nominado a The Rondo Hatton Classic Horror Awards, galardones americanos popularizados como Rondo Awards, este año dedicados a Dick Smith y Leonard Nimoy .
El documental de Matellano repasa hitos del terror patrio como La residencia o La noche de Walpurgis, con la participación de Joe Dante (Aullidos), Caroline Munro (Maniac), Paco Plaza (REC), Colin Arthur (La grieta), Jose Ramón Larraz (Las hijas de Drácula), Jack Taylor (Wax), Eugenio Martín (Pánico en el Transiberiano) o Jorge Grau (No profanar el sueño de los muertos). Imágenes de archivo, recreaciones en 3D, y profusas entrevistas a Manuel M. Velasco, Angel Agudo o Carlos Aguilar, se mezclan en este documental que cuenta con producción asociada de José Frade y está distribuido en cine por Artistic Metropol y en dvd por Tema.
Este febrero podrás visitar el museo de cera: Wax y Zarpazos! en Madrid y Barcelona con la presencia de Víctor Matellano
Scifiworld continua celebrando sus diez años de vida con las Scifiworld Fright Nights. En este caso le toca el turno a uno de los últimos exponentes patrios del terror, Wax de Víctor Matellano.
Tras su estreno en USA y su paso por diferentes muestras internacionales, donde ha cosechado éxitos como las Menciones Especiales al trabajo de Jack Taylor y Geraldine Chaplin en el festival Buenos Aires Rojo Sangre, Wax desembarca en las Scifiworld Fright Nights con toda su macabra e inquietante tensión.
Wax ha sido destacada por la crítica estadounidense por su “acertada combinación de la atmósfera gótica tradicional con el contemporáneo found footage, ofreciendo mucha violencia espantosa y sangrienta, y más de un sorpresivo giro argumental. Una carta de amor al horror, diseñada para helar la sangre y dejarte sin dormir«.
El film transcurre en un museo de cera donde un periodista debe pasar la noche documentando unos supuestos fenómenos paranormales, prestando especial atención a la figura de un sádico cirujano caníbal llamado Dr. Knox. La película, como señala la página americana The DVD Wrapup, «da un paso más allá del concepto de alguien encerrado en un Museo de Cera«, ofreciendo una nueva y particular propuesta que parte de la estética tradicional de la Hammer, contado la historia con el formato found footage, y píldoras que nos remiten al torture porn.
La película está protagonizada por Jimmy Shaw, Geraldine Chaplin, Denis Rafter, Yolanda Font, Lone Fleming, y especialmente por Jack Taylor, quien ofrece una siniestra interpretación del personaje del Dr. Knox, un villano digno de la galería de los personajes de terror de todos los tiempos. Rodada en los Museos de Cera de Barcelona y Madrid, ha contado con la colaboración de nombre ilustres en su nómina técnica como Alfonso Azpiri, Colin Arthur o Yvonne Blake, así como con la voz de Paul Naschy dando vida a una figura animatrónica.
El paso de Wax por las Fright Nights será el pistoletazo de salida de la película en diferentes formatos. En el mes de marzo saldrá en alquiler en plataformas y unas semanas después en venta directa en dvd y blue ray, editado por Tema. Simultáneamente, en marzo podrá verse también en salas de cine.
La película llegará a las Fright Nights en programa doble con el reconocido y premiado documental Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror, también de Matellano, que versa sobre el cine de terror español de décadas pasadas. Y se completará con un coloquio con el propio director que estará presente en las proyecciones de Madrid y Barcelona.
Como siempre las proyecciones serán en versión original, subtitulada en castellano.
Recuerda:
SFW FRIGHT NIGHTS: WAX + ZARPAZOS
Madrid
27 de febrero. 21 h. Sala Artistic Metropol.
Barcelona
28 de febrero. 21 h. Cinemes Girona.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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