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Diario de Serendipia en Sitges 2023: Segunda cápsula
Miyazaki es mucho Miyazaki, no cabe duda, pero El chico y la garza es una de las más ricas y fantásticas películas que ha realizado el venerable responsable de Ghibli. Club Zero (Jessica Hausner), a pesar de las reticencias que tuvimos a la hora de reservarla, terminaría siendo, de largo, la gran favorita de Serendipia de la sección Oficial Fantàstic Competició. Finalmente, Wake Up, sin ser nada del otro mundo, no dejó de ser una entretenida cinta dirigida a seis manos por los responsables de Turbo Kid. Este fue el menú gourmet que deleitó las retinas de Serendipia en su segunda jornada de madrugón y fiambrera.
No amanece más temprano, pero, a quien madruga, Miyazaki le regala un magnífico universo de fantasía pintado con todos los colores de los estados anímicos. Algunas películas nacen con vocación de testamento, aunque sus autores no se la hayan planteado así conscientemente. Ocurría con la Fedora de Billy Wilder, el Eyes wide shut de Stanley Kubrick o, la más reciente, Cerrar los ojos de Víctor Érice; también El chico y la garza juega en esta liga. Obras creadas en verdadero estado de gracia a través de las cuales fluye lo mejor de la savia de sus autores. Películas obsequio llamadas a perdurar como broches de oro de toda una producción. Capturan los rasgos estilísticos, las obsesiones temáticas y los modos narrativos que han hecho grandes a sus creadores, y están tocadas, además, con el halo de la melancolía de quien sabe que su labor está culminándose sin que haya alcanzado todas las respuestas. Tal vez ninguna está llamada a ser la mejor del conjunto de una obra, pero todas comparten una aureola de acendrada espiritualidad que las hace inasibles. Eternas.
Hayao Miyazaki a sus 82 años levanta una cinta que es un verdadero derroche de imaginación a través del que circulan todas sus convicciones y todos sus anhelos. Una pieza vibrante que, de pura madurez, transmite lozanía y en la que el fundador de Studio Ghibli crea un trabajo intransferible aunque esta vez haya partido de una novela ajena. ¿Cómo vives? (En japonés: Kimitachi wa Dō Ikiru ka, 君たちはどう生きるか) de Genzaburo Yoshino es la novela que Mahito, el niño de 12 años protagonista, lee en un momento crucial de la trama, auténtico ejercicio de meta-referencia pues es la misma pieza que inspira el guion de la película. Nos gusta observar que el japonés ha venido a construir su propia historia interminable, en la que al pequeño héroe le cabe la responsabilidad de mantener en pie un mundo de fantasía en el que la realidad encuentra su sentido. Miyazaki sigue siendo un mago desdoblando mundos como medio para trazar un coming of age que apunta más allá del propio individuo que crece, lo hizo en El viaje de Chihiro y lo ha vuelto a hacer magistralmente en El chico y la garza. Porque esta última sirve a modo de relato que habla de cómo superar los duelos, pero también informa de qué supone Japón como cultura y como forma de estar y de ser en el mundo. La madre del protagonista muere en un incendio en plena Segunda Guerra Mundial, una pérdida que ve engrosado su dolor por el hecho de que el padre haya contraído segundas nupcias con su propia cuñada, Mahito no se sobrepondrá hasta que entre en una especie mundo subterráneo en el que los vivos y los muertos conviven, guiado por una misteriosa Garza que cumple la misma función que el conejo de Alicia en su caída en el país de las maravillas. Una trama que el japonés añade de su propio magín al material literario original que le inspira y con la que aborda sus grandes obsesiones temáticas, que van desde la superación de las pérdidas y ausencias, hasta el repaso del legado cultural japonés y sus grandes hitos históricos (siempre la Meiji y la II Guerra mundial como raíces del Japón moderno), pasando por la condición mística de la naturaleza que carga de sentido universal y trascendente lo que, de otro modo, sería simple circunstancia individual.
Con El chico y la garza (君たちはどう生きるか), Miyazaki añade un nuevo eslabón a su universo de fantasía, aportando a su ya rica mitología personal nuevos personajes y seres maravillosos. En esta ocasión la galeria se llena con una pléyade de animales antropomórficos que van desde la garza del título español a unos aviesos y glotones periquitos que van siempre pertrechados con sus servilletas y sus cuchillos. Mención especial merecen los Warawara, pequeños seres de luz que se hinchan y flotan cuando un infante está próximo a su nacimiento y que nos hizo pensar en el Mito de Er que cierra La república de Platón en el que se da cuenta de cómo las almas eligen su propio fardo de hados cuando están prestas a reencarnar. Un plantel de criaturas que hará las delicias de quienes los adquieran una vez se hayan convertido en merchandising. Esta muestra de puro cine repleta de humanismo tiene múltiples lecturas y está salpicada de detalles, tanto que puede parecer críptica en muchos momentos cuando nos acrecamos a ella en un primer visionado. Desbordante, casi apabullante, siempre fascinante, El chico y la garza es una de esas películas que llega al corazón y nos hace (aunque sea por un breve lapso de tiempo), mejores personas. Habríamos apostado por ella como caballo ganador de no haberse presentado fuera de competición.
Sí pertenecía a la Sección Oficial Fantático Competición la siguiente parada fílmica: la última obra de la austríaca Jessica Hausner, Club Zero (2023). Parte de la cosecha recolectada por los organizadotres en el Marché du Film por excelencia, el Festival de Cannes.
La sinopsis argumental de Club Zero no nos terminaba de llamar, pero, casi por meras razones de cuadrar otros títulos que sí nos interesaban a priori, acabó incluida en nuestra selección. Cosas del bendito azar. Quizás por eso la sorpresa al verla, de quien escribe esto, fue máxima. Cuando no esperas nada y te plantas delante de un trabajo saldado con la excelencia con la que Hausner borda su último largo, no puedes por más que caer rendido de admiración. No haberla descartado, acabó revelándose como una sabia decisión.
Esa sinopsis rezaba: «Mia Wasikowska interpreta a Miss Novak, una maestra nutricionista en una escuela de élite, la cual establece un vínculo muy estrecho con cinco de sus alumnos, que comienzan a referirse a sí mismos como el Club Zero. Pronto, la verdadera naturaleza del grupo se revela y las alarmas saltan entre el resto del profesorado». Poco (o nada) hacía sospechar que el filme iba mucho más allá de abordar los excesos que pueden provocar los nuevos hábitos alimenticios en un grupo de jóvenes. Lo que se presentaban como thriller psicológico se desplegó como amarga y aterradora reflexión sobre el hoy que nos toca vivir. La austriaca nos enfrenta a nuestro mundo devorado por fanatismos de nuevo cuño que enarbolan las banderas del mesianismo, en este caso, centrados en los discursos sobre la alimentación responsable y sostenible. Y la cinta es eficaz porque todo es abordado desde una pátina de aparente asepsia formal, con una frialdad que ya es marca de la casa, recuérdese Little Joe (2019) -con la que comparte también el uso del color con valor narrativo-, una desafección aparente por lo mostrado que nos hace sentir que, las consecuencias nefastas de los actos de los personajes, caen inapelables sobre ellos (y nosotros) a modo de sentencias derivadas de la propia coherencia de la acción. Una acción que nos resulta próxima, pues la percibimos en el entorno que nos envuelve, cuando no hemos comulgado directamente con alguno de sus principios sin casi quererlo. Al fin y al cabo, la directora nos habla de la necesidad perentoria de creer en algo, aunque se intuya a leguas que 
hay un timo detrás, como hacía en Lourdes (2009). Ahora, con un humor nada blanco, nos mueve a sonreír durante buena parte de la proyección, con esos adolescentes negándose a comer como vía para la ascesis, con esas madres a dieta perpetua, o con esos padres que, o bien repiten el modelo masculino de ordeno y mando, o bien son progres necios que contratan a gurús de moda para quitarse la culpa de no saber cómo educar a sus hijos. Pero poco a poco, conforme avanza el metraje, la sonrisa se nos va congelando y convirtiéndose en mueca. Nos adentramos en la senda de la captación sectaria por parte de iluminados que se valen de nuestras debilidades en horas críticas (y la adolescencia es pura crisis) para onnubilarnos y anularnos, conduciéndonos a un punto sin retorno racional posible. Club Zero es un auténtico ejemplo de cómo el verdadero terror de nuestros días no cae del lado de zombies, poseídos, infectados, y otras figuras de la retórica del género (las cuales, muchas veces, lo que logran es evadirnos de la realidad), sino que pasa por la disección irónica, casi cínica, del presente y sus premisas ideológicas. Porque lo que puede darnos miedo real es ver cómo las derivaciones de nuestros pequeños actos adscritos a las últimas tendencias, por moda, en muchos casos, por fanatismo, en otros tantos, se cernirán sobre nosotros arrollando las bases de la convivencia. Sumiendo a la humanidad en el mar del desastre colectivo. Así, inapelablemente y sin ornamento ficcional, bajo su ropaje de triller psicológico late un corazón que es puro terror, aunque no sea terror puro.
Lucidez, inteligencia y sobriedad son las constantes que definen el cine de esta directora austríaca, una autora que domina el arte de la puesta en escena y la dirección de actores a partes iguales. Si se acerca a lo fantástico siempre es con la mirilla puesta en los códigos que nos atosigan como sociedad, por eso el terror que nos lega está ligado a nuestra psique. Club Zero es quizás su ejemplo más maduro hasta la fecha. Cuando su luz en la pantalla incidió sobre las retinas de Serendipia, lo primero que impresionó fue su punto de vista. Una planificación que golpea por su pura precisión, una precisión que hace a las imágenes autosuficientes (los diálogos son continuación de lo visto, nunca sustitución) y que es la que traba la fatalidad que espera a los personajes. Su ritmo no tiene tacha, sincopado y lacerante, completado en una banda sonora percutante que mereció el galardón del jurado. Su cinismo formal nos cautiva. Su belleza nos acompañaría hasta el final del certamen en un puesto de honor en nuestras preferencias.
Serendipia finalizaba, después, la jornada con otro de los títulos de la sección Oficial Fantàstic Competició, Wake Up, película dirigida por RKSS (Roadkill Superstars) o lo que es lo mismo, el trío de zumbados canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell, responsables de los largometrajes Turbo Kid (2015) y Verano del 84 (2018), ambos títulos deudores del cine de los ochenta. En esta ocasión llevarán al espectador a una enorme tienda de muebles y complementos del hogar llamada -ejem- HOMEIDEA, que un grupo de activistas medioambientales asaltará de noche como protesta política. No obstante, lo que no esperan es que allí dentro se encuentra un sanguinario guardia de seguridad con severos problemas de control de la ira, un sosias de Bud Spencer que intentará cazarlos uno a uno antes de que la noche termine. Esta sí una propuesta de género desacomplejada, que respeta la fórmula sin, por ello, dejar de aportar elementos personales a la misma.
Así, la habitual cinta de adolescentes que mueren sucesivamente uno tras otro en manos del psicópata de turno, aquí se materializa como una refrescante versión del cine de cazadores de hombres. Es como si fuera algo así como una adaptación para la Generación Z de clásicos como el influyente cuento de 1924 escrito por Richard Connell, The Most Dangerous Game (el cual, desde 1932, con una pieza que se conoció en España como El malvado Zaroff, se ha ido versionando para el séptimo arte con distinta calidad en sus resultados). Prima su aire cartoonesco, pero asentado sobre un fondo oscuro; después de todo la cinta nos dejará sin catarsis, con un plano casi final que tiene mucho de desolador (máxime cuando a continuación vemos que el mundo sigue sin haberse inmutado). El filme es una golosina para los amantes de las muertes vistosas y rezuma humor, un humor negrísimo, pero dejándonos clara conciencia de que lo que les sucede a los anarquistas pro animales y anticorporativos es inmerecido y demasiado violento. Wake Up da la impresión de ser una barra de chocolate con una hoja de afeitar en el centro. Una salvajada divertida, pero con suficiente personalidad como para deslindarse de la media.
Con guion de Alberto Marini (Mientras duermes, El desconocido, Summer Camp), fue para Serendipia una entretenida locura. Perfecta para culminar una poderosa jornada.
Mientras tanto, comenzaba a calentar motores (y vísceras) la Zombie Walk 2023, que se celebraría al día siguiente, con pregón de Mary Lambert y donde los incansables RKSS presentarían, dentro de los maratones nocturnos Midnight X-Treme, otra película más, We Are Zombies (2023), muy indicada para esa noche…
Diario de Serendipia en Sitges 2023: Primera cápsula
Una nueva edición del Festival de Sitges, la número 56, y llega con el público volcado en ella. Hay ganas de Sitges y se nota en el ambiente ya desde el primer día. Algunos problemas informáticos a la hora de reservar entradas agriaron el festival a más de uno, pero una vez en las colas para acceder a las salas, ese y todos los problemas tienden a olvidarse. Y de eso se trata, de compartir en compañía la fantasía, el caos y el terror que nos ofrecen las pantallas del festival con la esperanza de evadirnos de los horrores cotidianos
JUEVES 5 DE OCTUBRE
Serendipia inicia su itinerario harto pronto y en la sala Tramontana, donde más estará durante esta edición por diversos motivos: es la más accesible a la hora de hacer las reservas de prensa y, personalmente, es la única sala en la cual Serendipia puede sentarse en las primeras filas, algo vetado para prensa en el resto de cines del festival. Pero de las diferentes salas ya iremos hablando cuando toque. En Tramontana prácticamente ya formamos parte del mobiliario. El festival lo iniciamos, como ya va siendo tradición, con un film perteneciente a la sección Noves Visions, In my Mother’s Skin, película producida en régimen de coproducción entre Filipinas, 
Singapur y Taiwán, bajo el manto de Amazon, que traslada al espectador al archipiélago filipino durante la II Guerra Mundial. El país insular sufrió los horrores de una cruel ocupación japonesa, primero, y de una liberación a base de bombardeos norteamericanos, después. Su rica historia y cultura quedó reducida a cenizas. Sangrada además por la infinidad de matanzas que cometieron los nipones durante su retirada con política de tierra quemada. El horror permea siempre todas las capas de la sociedad, ansiosos muchos de sacar la mejor tajada de la situación, todo lo corrompe la guerra haciendo aún más intenso el imperio de la crueldad.
De todo ello habla la segunda cinta de Kenneth Dagatan en clave de cuento de hadas sombrío. Es la historia de Tala (Felicity Kyle Napuli), la hija mayor de una rica familia filipina que está varada en una mansión con su madre, su hermano y su ama de llaves (Angeli Bayani) mientras su padre se va a luchar en el conflicto. Cuando su madre (Beauty González) sufre una misteriosa enfermedad, Tala confía ciegamente en una cautivadora hada del bosque (Jasmine Curtis-Smith) que promete curarla. ¿Qué podría salir mal? El director se adentra en el drama sirviéndose de todos los mimbres de un folklore popular en el que convive la imagenería cristiana, llevada a su expresión más paroxística, y los relatos ancestrales de un pueblo que batalla con la fuerza insondable de sus parajes selváticos. Ambas tradiciones se imbrincan, además, componiendo un sistema de creencias que tiene mucho de realismo mágico y que, aquí, en In my Mother’s Skin, muestra su rostro más oscuro. Con un presupuesto modesto, la cinta nos ofrece imágenes impresionantes que irán volviéndose espeluznantes conforme el hada vaya manifestando su auténtica naturaleza. Destacable es el ropaje que luce ese ser primordial, ansioso de sangre, una vestimenta que parece el reverso de los hábitos de esa virgen que preside el altar de la entrada de la mansión sitiada. Pero es sobre todo el acertado uso del sonido el que convierte el visionado en una experiencia inmersiva, aspecto que Serendipia puedo apreciar con su máximo esplendor pues el volumen de esta primera proyección en su sala preferida estaba especialmente alto. Atronador.
El director de In my Mother’s Skin, es nieto de un guerrillero filipino que se enfrentó a los japoneses, y su abuela, tuvo que lidiar con su ausencia y ese enemigo que constantemente amenazaba su seguridad y la de sus hijos. Ellos, como todos los supervivientes, tuvieron que vivir con las secuelas del horror sufrido. Ese horror se aborda en su segunda película, con un tono sombrío, inequívocamente pesimista, que el autor define como «un cuento de hadas para nuestros abuelos, padres, niños, amigos y vecinos, que han estado experimentando esos aterradores cambios«.
Jasmine Curtis-Smith como El Hada, y Felicity Kyle Napuli como Tala (Copyright – Amazon Studios)
Y más iconografía religiosa nos esperaba en Hermana Muerte, la precuela de la magnífica Verónica (2017) con la que Paco Plaza profundiza en uno de los personajes de aquella: la aterradora monja ciega. Es más un spin-off que un mero relato que pone los antecedentes de su película precedente, algo que da entidad propia y personal a esta obra que se inicia con el tono del terror clásico para derivar, en su desenlace, hacia un giro narrado con el ritmo acelerado del terror actual. Cambio de registro que no fragmenta el relato, sin embargo, sino que está puesto
al servicio de darle al clímax un carácter espectacular que impacte, sorprenda y atrape al espectador. Un final que está haciendo las delicias del público, pero que a quien esto escribe le pareció excesivamente operístico.
La cinta arranca en clave de esos documentales en blanco y negro que después trufaron el No-Do. Las imágenes nos sitúan en la España de la Guerra Civil, vemos a una aglomeración de fieles adorando a una niña. Como los pastorcillos de Fátima, supuestamente la infante es sujeto de visiones marianas. Un milagro que habrá de marcar su destino. La llamarán «Niña Santa» y su fama la irá precediendo cuando decida tomar los votos. Y el color irrumpe en la pantalla cuando, diez años más tarde, llega a un convento, antes de clausura pero que se ha reconvertido en asilo para niñas sin recursos, como Hermana Narcisa (Aria Bedmar). Plaza sabe tomarle el pulso a esa España devota y oscura que constriñó los destinos desde la postguerra hasta bien entrado el desarrollismo. Una España de cirios y hábitos que imperó auspiciada por el Movimiento. Pero no se queda sólo en el costumbrismo (en el que tan bien se mueve), más allá, también se hace eco del problema de la autenticidad de la fe, expresada en las dudas íntimas de esa protagonista que no sabe hasta dónde fue cierto lo vivido en su infancia y que espera una señal que confirme o no su vocación. Hermana muerte es una cinta que pivota en torno a la noción de visión en toda su polisemia, desde su aproximación al campo semático de la alucinación, hasta su acepción de discernimiento claro, pasando por su condición de sacar a la luz lo oculto y su índole de profecía. Cegarse puede ser la única manera de ver más allá de las apariencias. Y todo ello lo logra sin abandonar la perspectiva del género.
Hermana muerte avanza ligera como una película de misterio que no es simple. En ella se dan la mano los fenómenos paranormales y la depravación de quienes ocultan un secreto criminal. Un laberinto que se recorre con el ovillo de la inocencia, la de quienes pagan las atrocidades de unos y otros en un mundo en guerra, y aquella otra que reviste a los libres de culpa, que son los únicos capaces de alumbrar la justicia. Sin abusar de los sustos fáciles. Con la dosis justa de suspense. Un terror de efecto que sabe arrancar de lo cotidiano su raíz. Como en aquella otra cinta de la que ésta se quiere preludio.
Hermana Muerte se estrenó directamente en plataforma, concretamente el 27 de octubre en Netflix, así que el haberla podido disfrutar previamente en pantalla grande ha sido todo un privilegio.
Y Serendipia vuelve a Filipinas para concluir su primera jornada en el Festival de Sitges, pues allí (y en Corea del Sur), se desarrolla el hiper-violento thriller The Childe (귀공자) de Park Hoon-jung, responsable de la modélica New World (신세계, 2013). The Childe llegará a las salas comerciales de la mano de A contracorriente y cuenta la historia de Marco (Kang Tae-Ju), un kopino, que es como de forma despectiva se llama a los hijos de padre coreano y madre filipina. Un joven que pelea en estadios de boxeo ilegales en Filipinas y busca a su padre coreano para conseguir dinero para la operación de su madre enferma. Un día, recibe un mensaje de alguien que dice ser su progenitor, y vuela a Corea del Sur para encontrarse con él. Al llegar será perseguido por distintos bandos sin saber la razón de su persecución. Un desconocimiento que comparte con el espectador. Esta es la trama con la que el director jugará ofreciendo giros y equívocos, mezclando las imágenes violentas con las situaciones cómicas. Un trabajo de enredo que consigue difuminar quien juega en el bando del bien y quien es el malvado. Acción, mucha acción y humor, en su mayor parte protagonizado por el dandi, y brutal asesino, encarnado por Kim Seon-Ho. Una manera buena y adrenalítica de cerrar la jornada con una sonrisa en los labios.
Finalizamos esta primera entrega de nuestro diario con el primer y espectacular, como siempre, Making Of del festival, reflejo de ese Sitges glamouroso, oficial, que no tiene nada que ver con el nuestro de guerrilla: colas, madrugones, calor y fiambrera.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 1 de noviembre de 2023 *
VIDAS PASADAS (Past Lives, Celine Song, 2023)
USA/Corea del Sur. Duración: 106 min. Guion: Celine Song Música: Christopher Bear, Daniel Rossen Fotografía: Shabier Kirchner Productoras: 2AM, A24, CJ Entertainment, Killer Films. Distribuidora: A24 Género: Drama romántico
Reparto: Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro, Jonica T. Gibbs, Isaac Cole Powell, Jane Yubin Kim, Kristen Sieh, Nathan Clarkson, Keelia, Federico Rodriguez, Moon Seung-ah, Nadia Ramdass, Emily Cass McDonnell, Skyler Wenger, John-Deric Mitchell, Bob Leszczak
Sinopsis: Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia con una fuerte conexión, se separan cuando la familia de Nora emigra desde Corea del Sur. Dos décadas más tarde, se reencontrarán en Nueva York durante una semana que les enfrentará al amor, el destino y las elecciones que componen una vida.
¿Es la lengua en la que hablamos en sueños la que expresa nuestro yo más íntimo? Nora (o Na-Young como se la conocía en Corea) lo hace en coreano, a pesar de que su lengua de uso habitual en los últimos 24 años ha sido y es el inglés. Su marido, Arthur, se lo hace saber mientras le confiesa que para él ese misterio da miedo. Se lo da a él porque no se siente merecedor de su amor, ella que es ese ser tan especial, Nora le tranquiliza aclarándole que su vida actual está con él en Nueva York y no en Corea. Pero la imagen de ellos dos hablando en la cama da paso a otra del carrusel bajo el puente al que han solido acudir en sus momentos especiales, todo está iluminado con una luz dorada, hasta que el carrusel se apaga y queda en sombras. Vidas pasadas es una película que mima los detalles hasta el punto de que nada es meramente estético en sus encuadres, es ese buen hacer con lo sutil lo que permite que sea mucho más que una película bonita. El debut de Celine Song es un bella reflexión sobre las relaciones sentimentales en nuestro presente, un análisis que, además, trasciende la coyuntura y se eleva hasta lo que el amor tiene de universal. Nos sitúa ante un triángulo equilátero en el que todos sus integrantes nos dan motivos para ponernos en su piel, así, la cinta nos mantiene sumidos en un estado de emoción intensa en el que nuestro corazón se parte de igual modo que el de los protagonistas. Song se adentra en la senda del melodrama con pulso firme y no cae nunca en los sentimentalismos. Su premisa nos cala como una fina lluvia, una llovizna que nos habla de cómo la afinidad y la fatalidad nos une a, o nos separa de, nuestro sujeto amoroso como si hubiera una fuerza superior que determinase nuestros destinos.
Nombrado en coreano, esa fuerza es el in yeon, una suerte de providencia que nos marca el camino y funde nuestros karmas si se han tejido 8000 capas a través de nuestras vidas pasadas. Un concepto religioso que añade una dimensión casi trágica a la relación de Nora con Hae-Sung, su amigo de la infancia y tercer vértice de ese triángulo que se mueve entre dos ciudades y dos mundos. Dos sensibilidades. La vida les ha puesto en contacto y les ha distanciado, los ha unido y los ha separado a lo largo de los meandros del tiempo. Vidas paralelas, sus caminos se aproximan en tres momentos separados por doce años cada uno: se conocen de niños, son los mejores de su clase y, él uno por la otra, sienten esa atracción intensa que sólo puede experimentarse la primera vez que se ama y que se vuelve aún más intensa cuando Na-Young emigra de Corea con sus padres; doce años después Na-Young ya es Nora, una joven escritora que se abre camino en Nueva York y, porque Hae-Sung la busca y porque el azar es rey, contactan de nuevo en las redes sociales, pero una relación a distancia que no llega a nombrarse como unión en pareja es difícil de mantener, el hilo vuelve a quebrarse; aún doce años más tarde, Hae-Sung vuelve a luchar por su primer amor y recorre kilómetros de tiempo para visitarla en su ciudad de acogida, que ya es su ciudad de vida. Vidas pasadas no es, sin embargo, un mero Waht if…?, porque de lo que nos habla es de lo ineluctable, de la irreversibilidad de los ríos en los que los amores y las renuncias navegan. La vida que es y la que pudo ser comparten el mismo canal con todo lo que ello supone. Celine Song nos mantiene con el corazón en un puño incluso después de finalizar la proyección.
Vidas pasadas es uno de los debuts más vibrantes del año. La novel directora se muestra experta en el manejo de los tiempos, en el dibujo de los personajes a través de la imagen, planos y encuadres plenamente significativos que vienen perlados con unos diálogos que no los empañan sino que los realzan. Pocas veces una opera prima resulta tan madura. La crítica ha sido unánime y no ha vacilado en poner a Song a la altura de artistas consagrados como Woody Allen, Noah Baumbach o Richard Linklater. Recién llegada al cine, su voz es firme y se nos presenta como una autora que maneja a la perfección el arte de capturar el fondo de las relaciones humanas. Que es lo que más nos mueve. Que es lo que más nos emociona.
Esta producción de A24 habría merecido mayor confianza por parte de los exhibidores españoles, pero así es el mercado. Así que felicitamos a los pocos que puedan verla y puedan sentir que este presente que nos sume es, quizás, sólo una vida pasada que trae la promesa de reunirnos de nuevo con nuestros mayores sueños.
SABEN AQUELL (David Trueba, 2023)
España. Guion: David Trueba, Albert Espinosa Música: Andrea Motis Compañías: Ikiru Films, Atresmedia Cine, La Terraza Films, Movistar Plus+, TV3. Distribuidora: Warner Bros. España Género: Biopic
Reparto: David Verdaguer, Carolina Yuste, Pedro Casablanc, Marina Salas, Ramón Fontserè, Boris Ruiz, Matt Lo Cascio, Matilde Muñiz
Sinopsis: Barcelona, finales de los 60. Eugenio Jofra, un joven joyero, conoce a Conchita en un autobús de línea. El flechazo es instantáneo y los dos comienzan la historia de amor de sus vidas. Eugenio aprende a tocar la guitarra para acompañar a Conchita, para lo que tendrá que luchar contra el miedo escénico. Empieza así la carrera musical de ‘Els dos’. Cuando Conchita se tiene que ausentar durante dos semanas de Barcelona, convence a Eugenio de que lleve las actuaciones a cabo él solo. Cuando vuelve, Eugenio se ha convertido en un fenómeno del humor underground de la ciudad. Poco a poco, entre los dos irán construyendo al personaje: las gafas, la camisa negra, el taburete, los cigarrillos y el vaso de tubo, que se convertirá en un éxito inesperado en una España deprimida que busca desesperadamente reírse con ese singular cómico que empieza todos sus chistes con ‘Saben aquell…‘.
En Saben aquell, la película de David Trueba que cuenta los primeros años de carrera artística de Eugenio Jofra, Eugenio, se cumple la máxima del payaso trágico de la ópera de Ruggero Leoncavallo, que hace reír al público mientras porta una tristeza eterna en su interior. El film, que cuenta con un guion escrito por su director y Albert Espinosa, está basado en las memorias y libros de Gerard Jofra, hijo mayor del artista y albacea de la obra de su padre, y se inicia justo cuando, en la Barcelona de los sesenta Eugenio trabaja en un taller de joyería y está a punto de contraer matrimonio con su primera novia. Es entonces cuando conoce a la cantante Conchita Alcaide, con la que su vida dará un giro de 360 grados, y con la que formará el dúo artístico Els Dos (Los Dos, cuando graban en castellano).
Pronto tendrán descendencia, mientras actúan en diversos locales sin que Eugenio pueda permitirse dejar, del todo, su trabajo como joyero. Será en estas actuaciones cuando, entre canción y canción, Eugenio comenzará a contar acudits, de tal modo que, cuando Conchita se ausenta para cuidar a su moribunda madre, se negará a cantar solo y actuará, con todas las reticencias por parte de su empresario y de él mismo, contando chistes. Ahí comenzará la leyenda de un humorista cuyo genio ha sobrevivido a la muerte del artista en 2001. Un personaje enjuto, de gesto impasible, vestido de negro, siempre sentado en un taburete con un vodka con naranja y fumando sin pausa. Un personaje que, tal y como sugiere el film de Trueba, fue creado en su mayor parte por Conchita, el gran amor del humorista, que lo dejó viudo en 1980 y cuya ausencia el cómico nunca pudo superar.
La película de Trueba realiza un impecable recorrido por aquella Barcelona de los sesenta y setenta, que retrata cuidadosamente, con aquellos pequeños artistas ‘de la legua’, que se trasladaban con su propio vehículo y cuyas obras se vendían en cintas de casete en gasolineras y bares. En el caso de Eugenio, a millares. Pasa de refilón, pero elegantemente, por las infidelidades y adicciones del humorista y finaliza su itinerario en 1980, con el fallecimiento de Conchita.
Saben Aquell, a pesar del trasfondo trágico de su historia de amor, no puede dejar de verse con una sonrisa e incluso alguna carcajada causada, sobre todo, al escuchar nuevamente aquellos chistes y acudits, que, aunque conocidos, narrados por Eugenio se convertían en oro puro y que llegaron a nuestros hogares gracias al boca-oreja de amigos, vecinos y padres. La cinta cuenta con música original de Andrea Motis, que ha adaptado los temas que interpretan Carolina Yuste y David Verdaguer en el film y que realizan un gran trabajo encarnando al dúo artístico y que en el caso de David Verdaguer es fundamental para que no quede como una burda imitación. Completan el reparto Pedro Casablanc, Marina Salas y Ramon Fontserè junto a varios personajes que formaban parte del entorno profesional de Eugenio y que se interpretan a sí mismos.
Ya a la venta el documental «[REC] TERROR SIN PAUSA» junto a un pack con toda la serie
Ya está a la venta el documental [REC] TERROR SIN PAUSA, dirigido por Diego López- Fernández, un pack exclusivo en Blu-ray junto a las 4 películas de la saga, dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza. Además, esta edición especial de coleccionista incluye un libro escrito por el periodista cinematográfico Xavi Sánchez Pons.
El documental tuvo su estreno mundial en la 55ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña. Producido por Carlos Fernández y Laura Fernández Brites para Filmax y por Nadine Rothschild para Volta Producción, el filme retrata el nacimiento e impacto de la primera entrega de la mítica saga de terror y que derivó en todo un fenómeno cinematográfico internacional.
El documental hace un recorrido por los diferentes ámbitos de la producción, entrevistando a todos aquellos que formaron parte en la creación de [REC]: los impulsores del proyecto, el elenco principal, los responsables de áreas como la dirección de arte o fotografía. También se da voz a otras personalidades destacadas que sin formar parte del equipo de producción sí que dieron impulso y visibilidad al proyecto. Julio Fernández, Jaume Balagueró, Paco Plaza, Alberto Marini, Pablo Rosso, Teresa Gefaell, Oriol Maymó, David Ambit, Manuela Velasco, Javier Botet, Carlos Lasarte, Ferran Terraza, Ángel Sala, Nacho Vigalondo, Javier Ruiz Cladera o Koldo Serra son algunas de las voces que se dan cita en el documental. [REC], de Jaume Balagueró y Paco Plaza, se estrenó el 23 de noviembre de 2007 y supuso un antes y un después en la cinematografía española. La nueva apuesta del productor de Filmax, Julio Fernández, redefinió el género del terror en España con una propuesta innovadora que se convirtió en una de las películas más apreciadas por los amantes del género y en todo un hito para el cine de terror patrio. Los fundamentos del éxito de [REC] surgieron con la apuesta del productor Julio Fernández por el género de terror a través del sello Fantastic Factory. Tras su estreno en cines, [REC] se convirtió en un éxito inmediato de público y crítica, recibió numerosos premios y posibilitó el nacimiento de una franquicia inédita en España hasta el momento y que contó con tres secuelas y un remake estadounidense.La saga de terror [REC] marcó un punto de inflexión en la trayectoria de Filmax como productora de cine español con ventana al mercado internacional.
Sinopsis: [REC] es la película de terror que marcó un antes y un después en la cinematografía española con su estreno en 2007. La nueva apuesta del productor de Filmax, Julio Fernández, redefinió el género en nuestro país con una propuesta innovadora dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza. Ahora, 15 años después, los principales protagonistas analizan las claves de la película, su origen y gestación, el éxito de crítica y público, su paso por los grandes festivales y el impacto de un fenómeno cinematográfico que dio paso a una franquicia inédita hasta ese momento en el cine español con un total de cuatro entregas. Con el documental [REC] TERROR SIN PAUSA desclasificamos la historia, resucitamos el mito.
«[REC] TERROR SIN PAUSA» ya está disponible en Blu-ray
Presentación oficial 42 TerrorMolins: cifras e invitados
Fotos: Dan Costa
El Festival de Cine de Terror Molins de Rei ya está a punto para celebrar su aquelarre cinematográfico anual; diez días en los cuales se han programado un total de 126 películas —
entre cortos y largos— y una veintena de actividades que culminarán con la Maratón de 16 horas de Terror, el evento más emblemático del certamen que desde hace días ha agotado todas las entradas. En una rueda de prensa que ha tenido lugar en el ayuntamiento del municipio, encabezada por el alcalde Molins de Rei, Xavi Paz, y el director y la subdirectora del festival, Javier Rueda y Glòria Massana respectivamente, se han dado a conocer todos los detalles de una edición dedicada a las brujas que conmemora, también, los 50 años de la primera Maratón, germen de lo que es hoy el festival. La rueda, además, ha coincidido con la apertura de la versión online del TerrorMolins, que a través de Filmin, entre el 26 de octubre y el 12 de noviembre, ofrecerá 20 cortometrajes de la sección Globus y 20 largometrajes de la sección Retrospectiva.
Las cifras del TerrorMolins 2023
Del 3 al 12 de noviembre en La Peni —y del 26 de octubre al 12 de noviembre en sus secciones online a Filmin—, el TerrorMolins ha programado 56 largometrajes y 70 cortometrajes de hasta 37 nacionalidades. Durante estos días tendrán lugar también más de una veintena de actividades destinadas a todo tipo de públicos, desde las de industria, para profesionales del sector, hasta talleres para niños y jóvenes. En un año en que se ha vuelto a apostar con fuerza por los títulos inéditos en Catalunya, la programación incluye 43 premières, de entre las cuales destacan el estreno mundial de la película de clausura, la serbia Mudbrick, o los estrenos en el estado español de grandes títulos del cine de terror del año como New Life, It’s a Wonderful Knife, Good Boy o Hostile Dimensions. Además, la proyección de diversas de estas películas contará también con la presencia de sus equipos, presentes durante los días de festival.
Presencias destacadas y reconocimiento honorífico
Entre los invitados que recibirá el festival para presentar sus películas están Caye Casas y David Pareja, director y protagonista, respectivamente, del film inaugural La mesita del comedor. También asistirán al TerrorMolins el británico Graham Hugues, director de Hostile Dimensions que en 2021 ganó el principal premio de la sección Videodrome del festival con Death of a Vlogger; los noruegos Marie Andrea Waade Grønning y Viljar Bøe, productora y director de Good Boy; F. Javier Gutiérrez, director de La espera; así como el serbio Nikola Petrovic y los principales miembros del equipo técnico y artístico de Mudbrick. A todos ellos se suman los equipos de buena parte de los cortometrajes de Sección Oficial y Ç-Trencada y los miembros de los respectivos jurados, entre los cuales hay nombres destacados como los de Carlota Pereda, Nerea Torrijos, Paul Urkijo Alijo o Laia Aubia.
Además, el reconocimiento honorífico del TerrorMolins 2023 irá a parar a Mar Targarona. La directora y productora barcelonesa es uno de los nombres más relevantes del cine de género contemporáneo en nuestro país. A través de su productora, Rodar y Rodar, ha levantado títulos imprescindibles para entender el terror contemporáneo del país, como El habitante incierto, El orfanato, Los ojos de Julia o El cuerpo, de directores como Guillem Morales, J.A. Bayona y Oriol Paulo. También se ha prodigado como directora de thriller y terror; suyos son los films Secuestro, Dos o El cuco. Esta última obra, recientemente estrenada en cines, se proyectará en una sesión especial en el TerrorMolins, a guisa de homenaje, con presencia de la cineasta.
Más que brujas
Entre las propuestas que se han preparado alrededor de las Brujas, leitmotiv de esta edición, hay la sección Retrospectiva, que este año es más extensa que nunca y que incluye 24 films y títulos tan míticos como la sueca Häxan. La brujería a través de los tiempos (1922), La estación de la bruja (1972) de George A. Romero o el clásico contemporáneo de Rob Zombie The Lords of Salem (2012), que formará parte de la Maratón. Además, durante el festival se celebrarán charlas, como la que impartirá Mireia Iniesta bajo el título “Va de brujas: ¿viejas, putas y perversas?”, o la mesa redonda “¡Bruja, más que bruja!”, sobre estereotipos y sesgos en el cine en clave femenina. También se inaugurará la exposición de obras de varias ilustradoras “Bruixes-Sorginak-Brujas: Aquelarre ilustrado”, creada con colaboración de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia, y se presentará el libro Beso negro: brujería, cine y cultura pop, de Elisa McCausland y Diego Salgado, impulsado por el TerrorMolins junto con el mismo certamen donostiarra.
Un encuentro imprescindible del sector
El TerrorMolins 2023 volverá a ser el epicentro del cine de terror en clave industrial gracias a las Jornadas Profesionales, donde hay más de un centenar de empresas invitadas y está previsto que asistan más de 120 acreditados. También tendrá lugar el Día del Cine Catalán, donde además de las proyecciones y la Gala de la sección Ç-Trencada, se reunirán representantes del TAC – Terror Arreu de Catalunya, asociación que aglutina la mayoría de festivales de género del país.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de octubre de 2023 *
MAMACRUZ (Patricia Ortega, 2023)
España. Duración: 84 min. Guion: Patricia Ortega, José F. Ortuño Música: Paloma Peñarrubia Fotografía: Fran Fernández Pardo Compañías: La Claqueta PC, Pecado Films Género: Comedia dramática
Reparto: Kiti Mánver, Pepe Quero, Inés Benítez, Silvia Acosta, Loles Gutiérrez, Mari Paz Sayago, María José Mariscal, Paula Díaz, Úrsula Díaz Manzano
Sinopsis: Cruz (Kiti Mánver) es una abuela que lleva muchos años, décadas ya, sin saber lo que es un orgasmo. Ella, devota de sus creencias religiosas, no le daba importancia ni tampoco se lo había planteado… hasta que un día navegando por Internet empieza a sentir de nuevo deseos y sensaciones que ya creía extinguidas. Pero, ¿Cómo compaginar sus creencias con este nuevo despertar sexual y sensual que ha llegado de pronto a su vida?
Cuando decimos de algo o de alguien que es una cruz, nos referimos a que resulta una pesada carga que nos toca soportar y sufrir. Obviamente, en esta aplicación del término pervive la raíz cristiana de nuestra cultura: la cruz por excelencia es aquella en la que fue clavado el Cristo hasta su muerte y, como tal, es sinónimo de dolor y sufrimiento. O, lo que es lo mismo, de Pasión. Pero Mamacruz, que es como se presenta la protagonista a sí misma porque así es como la llama su nieta, no es una carga para nadie (quizás sí para ella misma), al contrario, es una mujer humilde que ha consagrado su vida al cuidado de los suyos y que, como única distracción, se dedica a vestir los santos de su parroquia gracias a sus dotes con la costura. Ahora, ya abuela, con su hija viviendo en Viena (donde ha ido a labrarse una carrera como bailarina), aunque está al cargo de su nieta y sigue ocupándose de su marido, algo empieza a moverse en ella, se diría que un aburrimiento doméstico que se ve acompasado por los pertinaces ronquidos de su esposo. Cuando una noche, sin pretenderlo, acaba en una Web porno, todo su microcosmos girará, sin vértigo pero sin pausa, emprendiendo un viaje de autorreconocimiento que la llevará a encontrar su cuerpo y a liberar su alma.
Mamacruz, la tercera película de Patricia Ortega, es el retrato de una de esas tantas mujeres buenas que han vivido una vida entera con la sensualidad dormida. Pintado, además, con el trazo fino del intimismo bien entendido y rematado con el delicado barniz de un humor costumbrista e inteligente. El guion, coescrito con José Ortuño (Ánimas, The Extraordinary Tale), mima la construcción psicológica de sus personajes, ninguno queda sin al menos ser bosquejado, y eso mismo permite rebasar el límite de lo individual para remontar el relato hasta la crónica social y cultural. Mujer de misa diaria y altar en la mesilla, esta “mamacruz” expresa el sentimiento de aquellas que, tocadas con una devoción genuinamente ingenua, se han dejado guiar por otros que establecen las pautas y valores que ocultan las inquietudes personales de su alma, igual como el corsé oculta las curvas de su cuerpo. Porque la cruz como signo apunta al sufrimiento, pero, en verdad, morir en ella fue, sobre todo, un acto de amor; tomar la comunión es recibir la calidez de un cuerpo en nuestro seno; y ser fiel de la pasión de Cristo es rendirse a un abrazo como la sunamita, y sus pechos como dos corzos, se rinde a los brazos de Salomón según el Cantar de los cantares. Ortega sabe extraer todo el sensualismo que subyace a la imagenería cristiana, o mejor católica, para armar un retablo que ilustra cómo lo que encarcela no es el canon sino quienes lo dispensan, y deciden, así, que una Dolorosa no puede tocarse con flores ni perfilar sus labios con carmín. Lo que es bueno para la mismísima Santa María, es extensible a toda madre. Y es que Mamacruz es también un ensayo sobre lo que supone la maternidad, sobre cómo, de generación en generación, las madres han inculcado en sus hijas la misma abnegación que han ejercido sobre sí mismas. Como si estuviera escrito que las mujeres deben renunciar a sus deseos para cumplir con sus deberes. Como si toda mujer-madre tuviera que atar en corto a toda mujer-hija. Sólo la reconciliación con el propio cuerpo, permite la reconciliación con la propia hija. Y a la inversa. Mamacruz es un canto a esa liberación que libera a todos a su paso: la protagonista con su crecimiento devuelve el ánimo a sus allegados, incluido ese marido que también parecía haber enterrado su deseo en el desaliño cotidiano. Nunca es tarde para descubrirse. Para destaparse.
Kiti Mánver pone su cuerpo al servicio de la trama, es por ello por lo que construye un personaje con el que podríamos mismamente tomar un café. O varias rondas de chupitos. Un cuerpo no lozano, pero que igualmente merece ser lucido. Como el de Emma Thompson en Buena suerte, Leo Grande de Sophie Hyde. En ambas películas se explora la sexualidad madura de la mujer y en ambas se canta a la libertad que nos deja la aceptación afirmante de nuestro propio físico. La Mamacruz de Mánver vive la adolescencia que, seguramente, no pudo tener y nos enternece con su capacidad de absorber cada nuevo estímulo. Primero con reservas, si no con auténtico remordimiento. Poco a poco aprende a irse soltando, a desviarse de la senda que había seguido, hasta que culminará gloriosa mientras repican las campanas para llamar a misa. No hay más ni mejor templo que nuestro yo carnal. Mamacruz camina hacia la autonomía y Mánver nos la dibuja feliz en su proceso, aunque sepa llorar cuando es debido. Tanto la actriz como la película nos dan noticia de que, mientras nos quede tiempo, por poco que sea, vale la pena gozar la vida.
Y así es Mamacruz, una comedia sin momento dramático. Porque la vida los tiene, pero cosidos a los episodios ordinarios e incluso a los felices. Una película que sabe hacer de la mujer el centro sin enarbolar banderas ni pronunciar soflamas. Atípica como todo aquello que se aparta de los modelos fijados. Un trabajo personal y auténtico que merece la mejor de las suertes. ¡Que el boca oreja cumpla su misión!
HYPNOTIC (Robert Rodriguez, 2023)
USA/UK. Duración: 92 min. Guion: Robert Rodriguez, Max Borenstein Música: Rebel Rodriguez Fotografía: Pablo Berron, Robert Rodriguez Compañías: Solstice Studios, Studio 8, Double R Productions, Hoosegow Productions, Ingenious Media Género: Thriller.
Reparto: Ben Affleck, Alice Braga, William Fichtner, Hala Finley, JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey, Tony Amendola, Stacey Travis, Cristian de la Fuente, Kelly Frye, Derek Russo, Jackie Earle Haley
Sinopsis: Decidido a encontrar a su hija desaparecida, el detective Danny Rourke (Ben Affleck) se ve inmerso en un laberinto mientras investiga una serie de asaltos a bancos que desafían la realidad y que le harán cuestionarse sobre todo y todos los que le rodean. Con la ayuda de Diana Cruz, una vidente superdotada, Rourke persigue y, al mismo tiempo, es perseguido por un espectro letal, el único hombre que él cree que tiene la clave para encontrar a su hija. Pero acabará descubriendo mucho más de lo que esperaba.
Hypnotic deja bien claro que es una película de Robert Rodríguez. Es cine fantástico, terreno en el cual el director se mueve como pez en el agua y, como en otros de sus films, reivindica, sin soflamas ni (demasiados) folklorismos, su sangre mexicana y la de buena parte del reparto. Un país que también sirve de marco para la acción. Así que, por esa parte, lo cierto es que sale bien parada. Y es que el cine norteamericano parece asumir que, además de diversidad sexual, es un país multiétnico y que los norteamericanos de origen hispano (casi el 20%), también necesita ver modelos de su propia raza en la pantalla.
Ben Affleck está como se espera, armado con una mandíbula calcárea de tipo duro, pero también de buen padre, pues será la desaparición de su pequeña hija la que servirá como arranque para la acción, en la que tendrá un gran protagonismo la manipulación de la voluntad mediante los poderes hipnóticos.
En definitiva, sencillo y efectivo, Hypnotic es un agradable, y a veces un tanto enrevesado, thriller de carácter fantástico que requiere atención por parte del espectador, sobre todo en su segunda parte, durante la cual la acción, con sus giros y tirabuzones, se precipitará hasta su, -al tanto-, escena post-créditos.
RETRIBUTION (Nimród Antal, 2023)
USA/España. Duración: 91 min. Guion: Andrew Baldwin, Chris Salmanpour. Historia original: Alberto Marini Fotografía: Flavio Martínez Labiano Compañías: Studiocanal, Kismet Media, Atresmedia Cine, Ombra Films, The Picture Company, Vaca Films Género: Thriller.
Reparto: Liam Neeson, Jack Champion, Embeth Davidtz, Matthew Modine, Arian Moayed, Emily Kusche, Lilly Aspell, Noma Dumezweni, Jerry Kwarteng, Christian Koerner, Nedy John Cross, Michael S. Ruscheinsky
Sinopsis: Matt Turner (Liam Neeson) es un exitoso hombre de negocios americano que vive en Berlín y hace lo que puede para conciliar su flamante carrera financiera con sus responsabilidades familiares. Al llevar a sus hijos a la escuela una mañana, Matt recibe una llamada telefónica de una voz misteriosa: hay una bomba bajo su asiento que detonará a menos que complete una serie de labores específicas, y lo haga rápido. Atrapado en el coche en una carrera a toda velocidad por la ciudad, Matt ha de seguir las instrucciones de este desconocido, que cada vez entrañan más peligro, en una carrera a contrarreloj para proteger a su familia y resolver el misterio que se extiende a lo largo de un día.
Sin resultar especialmente original, nos llamó la atención el argumento de este thriller por ser similar al de una producción española de reciente factura, El desconocido (2015), primer largometraje de Dani de la Torre con Luis Tosar al volante. Y no es casualidad pues, efectivamente, Retribution se basa en la misma historia, escrita por Alberto Marini, que se utilizó en la cinta de de la Torre, solo que se sustituye Berlín por Madrid y Liam Neeson por Luis Tosar. Pero ya les adelantamos que el espectador no gana con el cambio. Muy al contrario, lo que en el film de Dani de la Torre es virtud, en el de Nimród Antal se torna en torpeza. Mientras la original nos resultó interesante y eléctrica, esta nos ha parecido aburrida y sin gancho.
Retribution está protagonizada por Liam Neeson, que de un tiempo a esta parte ha apostado por el cine de acción con trepidantes y entretenidas películas como Sin identidad (2011), Non-Stop (2014), Una noche para sobrevivir (Run all Night, 2015) o El pasajero (The Commuter, 2018), todas ellas dirigidas por el catalán Jaume Collet-Serra, que aquí ejerce de productor.
El BCN Film Fest abre el periodo de inscripción de películas para su edición de 2024
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) ha abierto a través de su web oficial (www.bcnfilmfest.com) el periodo de inscripción de películas para su séptima edición, que se celebrará del 18 al 26 de abril de 2024. La fecha límite para presentar películas mediante los formularios oficiales es el 2 de febrero de 2024. El comité de selección del BCN FILM FEST decidirá qué películas accederán a la programación definitiva del certamen.
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El festival volverá un año más al barrio de Gràcia de Barcelona la semana del 23 de abril, Día del Libro y de Sant Jordi, después de la exitosa séptima edición marcada por la enorme presencia de talento tanto internacional como español. La última edición contó con las visitas de destacadas estrellas internacionales como Susan Sarandon, Wim Wenders, Omar Sy, François Ozon, Nadia Tereszkiewicz, Rebecca Marder y Penelope Wilton, así como figuras relevantes de nuestro país como Laia Costa, Sergi López, Vicky Peña, Pol López, Emma Suárez, Paco Tous, Núria Prims, Pedro Mari Sánchez, Nausicaa Bonnín, Jaime Chávarri, Elena Trapé, Carla Subirana, Sílvia Munt, Daniela Fejerman, Almudena Ariza o Juan Carlos Unzué, entre otros. Unas visitas que, con el apoyo de distintas personalidades e instituciones, así como el de los patrocinadores del festival, supusieron una gran repercusión mediática y más de 18.000 espectadores.
El BCN FILM FEST acepta inscripciones para la Sección Oficial (A Competición y Fuera de Competición) y las secciones paralelas Cinema amb Gràcia y Zona Oberta. Las películas seleccionadas en la Sección Oficial son adaptaciones de obras literarias, producciones relacionadas con algún hecho histórico o biopics sobre personalidades relevantes. Las películas de Sección Oficial aspiran al Premio a la Mejor Película, Premio a la Mejor Dirección, Premio al Mejor Actor, Premio a la Mejor Actriz, Premio al Mejor Guion, Premio de la Crítica ACCEC, Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música y el Premio Film-Historia.
Así mismo, el festival consta de secciones paralelas fuera de competición. Por un lado, Cinema amb Gràcia sección que reúne una selección de comedias de todo el mundo. Y, por otro lado, Zona Oberta sección que da cabida a películas de interés especial que por sus características enriquecen la programación del festival, aunque no cumplan las condiciones para ser incluidas a las secciones competitivas.
La octava edición del BCN FILM FEST tendrá lugar del 18 al 26 de abril de 2023.
Podéis consultar las bases de participación haciendo clic en este enlace y seguir toda la actualidad mediante los perfiles en redes sociales:Facebook: BCN Film FestivalTwitter: @BCNFilmFestInstagram: @bcnfilmfestival
También podéis encontrar aquí toda la información del pasado BCN FILM FEST 2023:Memoria: ASÍ FUEYouTube: Video resumen
¡¡La castañera Zombie llega al Fantboi!!
Este año, el Fanboi (Festival de cine fantástico San Boi de Llobregat) va a animar la noche de Halloween en San Boi de Llobregat, con la presencia de La Castañera Zombie que aterrizará en el teatro Cal Ninyo a partir de las 22:30 hasta las 05:00 de la mañana.
La iniciativa en la que colaboran Cultura del ayuntamiento de San Boi de Llobregat y el festival Fantboi, arrancará a las 22:30 con la proyección de un mix de clásicos del terror, haciendo un recorrido por la historia del cine, con el acompañamiento musical del gran Dj Ernie Beard cuya selección de temas de rock n’ roll darán un buen arranque a la jornada.
Después de la sesión musical, pasamos directos a una selección de cortos de terror, gore y humor, donde destacamos títulos como Fist of Jesus, RIP, Brutal Relax, Bushido… con la entrada se entregarán unas gafas 3D retros, que serán perfectas para ver el mediometraje de Dani Moreno, El ataque del pene mutante del espacio. Además de una sesión doble sorpresa ochentera, que hará las delicias de los amantes del género más bizarro y desenfrenado. Habrá gominolas gratis para todos los que acudan disfrazados a la cita con la Castañera zombie, y atención porque los que vengan vestidos de castañera entrarán gratis a la sesión.
Todo esto regado con cerveza fría que se podrá adquirir a módico precio en la barra dentro del teatro.
¡Si te gusta la Castanyada y Halloween, no puedes perderte la noche del 31 de octubre en Cal Ninyo!
Consigue las entradas en:
https://www.entrapolis.com/entradas/castanyera-zombie
Grandes noticias desde Ediciones 79: Más Fantaterror y nueva colección
«Estamos especialmente contentos de comenzar a trabajar con A Contracorriente Films para traeros nuevos títulos de fantástico en home video. En el marco de esta colaboración, editaremos dos películas inéditas en Blu-ray: el slasher de culto de 2009 The collector (Marcus Dunstan), y una película muy esperada por todos los los fans de los Ramones y de las comedias juveniles de los 80 Rock ‘n’ Roll High School (Allan Arkush, 1979).
También con A Contracorriente Films, junto a la legendaria Severin Films de EEUU y la independiente española Tártaro Films estrenaremos una nueva colección: Videoclub 79. Esta colección va dirigida a los auténticos fanáticos de la serie B y del cine trash: gore, slasher, cine mondo, blaxploitation, etc de los setenta hasta nuestros días. Todo tiene cabida mientras sea divertido, festivo y bizarro. Con esta colección pretendemos 
cubrir muchos años de abandono en España del cine fantástico menos convencional. Se presentará sólo en DVD, en ediciones limitadas a 300 unidades, con los cortos más extremos de regalo, y a precios muy populares para que ni pestañeéis. Los 3 primeros lanzamientos serán: Bad Biology la penúltima locura de Frank Henenlotter (Brain Damage, Basket Case), Caiga quien caiga (The Harder They Come, Perry Henzell, 1978), el mítico blaxploitation protagonizado por Jimmy Cliff y El legado (The Legacy, 1978) la malsana película de casas encantadas dirigida por Richard Marquand (El retorno del Jedi).
¡Nos vienen meses movidos! Y esperamos que los disfrutéis con nosotros»
Llega la 11ª edición del ‘Asian Film Festival Barcelona’ (AFFBCN 2023)
Llega una nueva edición del mejor cine asiático, el Asian Film Festival Barcelona-AFFBCN, consolidándose como el máximo referente del cine asiático de autor en nuestro país. Este año celebra su 11ª edición, y tendrá lugar del 25 de octubre al 5 de noviembre en diferentes salas de Barcelona.
El festival se llevará a cabo del 25 de octubre al 5 de noviembre, con una retrospectiva dedicada al reconocido director chino Wang Chao, que estará en Barcelona coincidiendo con la proyección de las 7 películas más destacadas de su trayectoria cinematográfica.Yangzi’s Confusion (2023), la ópera prima de la cineasta china Li Jue, será la película encargada de inaugurar el festival en la sala Phenomena, contando con la presencia de la directora, mientras que la película The Royal Hotel (2023) de la australiana Kitty Green cerrará esta 11ª edición.Fiel a sus raíces, el festival ofrece una programación que incluye más de un centenar de películas procedentes de 25 países de la región de Asia y el Pacífico. Dedicando una atención especial a la cinematografía china, coincidiendo con el 50º aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre China y España. Este año, el festival también apuesta por dar visibilidad a los trabajos de jóvenes directores, como es el caso de la película inaugural, así como con la convocatoria abierta a autores noveles o desconocidos.
FechaDel 25 de octubre al 5 de noviembre de 2023
LugarPresencialmente en Cinemes Girona, Phenomena, CaixaForum, Filmoteca de Catalunya, Manifesta 15, Zumzeig y online en Filmin y Betevé.
Consulta la web del AFFBCN 2023
INAUGURACIÓN
Yangzi’s Confusion
Dir. Li Jue | China | 2023 | 101′ | Drama
Miércoles 25 de octubre, 19.00 h en Phenomena Experience
La sala Phenomena acogerá la película inaugural el próximo 25 de octubre, con la proyección de Yangzi’s Confusion (2023) de la directora china Li Jue, quien estará en Barcelona para el estreno de su ópera prima. Sinopsis:Yangzi, una niña de diez años, le roba el diario a su madre y descubre que fue abandonada cuando era muy pequeña. A partir de ese momento, la comunicación entre madre e hija se vuelve conflictiva. La tensión alcanza su punto máximo durante una reunión familiar en la que están presentes tres generaciones de mujeres. En ese momento, Meihui (la madre de Yangzi) confiesa todas las dificultades que ha enfrentado y sus verdaderos sentimientos, logrando así que Yangzi la comprenda mejor y motivando a ambas a trabajar juntas para cerrar la brecha que existe entre ellas y crear una nueva relación.COMPRA TU ENTRADA
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Novedades Astiberri · Noviembre de 2023
El verano ya es historia (a pesar de que el calor permanece) y Astiberri vuelve con un buen número de novedades para todos los paladares: trabajos innovadores como el de Bea Lema con el que trata una problemática tan vigente como es el de la salud mental; a viejas páginas siempre actuales como las de Manel Fontdevila; pasando por autores de culto como Miguel Brieva o Zapico. Todo eso y mucho, mucho más, entre las novedades de Astiberri Ediciones para el penúltimo mes de 2023
MÁS INFORMACIÓN Y PEDIDOS: ASTIBERRI EDICIONES
John Woo vuelve al cine de acción norteamericano con «Noche de paz», que se estrena en cines el 1 de diciembre
Joel Kinnaman (El escuadrón suicida) protagoniza la nueva y trepidante película del legendario director John Woo. Producen los responsables de la saga John Wick
Sinopsis: Nochebuena. Un padre atormentado (Joel Kinnaman) es testigo de la muerte de su hijo cuando éste queda atrapado en un fuego cruzado entre bandas. Roto de dolor y sin voz, debido a una herida profunda que afecta sus cuerdas vocales, decidirá someterse a un estricto entrenamiento para vengar su muerte.
Noche de paz (título de estreno en España de Silent Night)se estrenará el próximo 1 de diciembre en cines, coincidiendo con la fecha de estreno en Estados Unidos.
Tras más de 20 años sin trabajar en la industria norteamericana, el multi-galardonado maestro del género de acción John Woo (Paycheck, Misión: Imposible 2, Cara a cara) vuelve con una apasionante y vibrante película rodada sin ninguna línea de diálogo en el guion.
Joel Kinnaman, actor con una larga carrera como hombre de acción y que ha protagonizado títulos como El escuadrón suicida (2021), Una noche para sobrevivir (2015) y RoboCop (2014) encabeza un reparto en el que también se encuentran Catalina Sandino Moreno (El año más violento) y el rapero y actor Kid Cudi (No mires arriba). Este brutal tour de force situado en nochebuena está escrito por Robert Archer Lynn (Camino de la venganza).
Tráiler de ‘La piscina’ película de terror producida conjuntamente entre Atomic Monster y Blumhouse
Sinopsis: Ray Waller (Wyatt Russell), una estrella del béisbol obligada a retirarse prematuramente a causa de una enfermedad degenerativa, se muda a una nueva casa con su esposa Eve (Kerry Condon), su hija adolescente Izzy (Amélie Hoeferle), y su hijo pequeño Elliot (Gavin Warren). Con la esperanza secreta de recuperarse y volver al deporte profesional, Ray convence a Eve de que la fabulosa piscina del jardín de su nuevo hogar será divertida para los niños y le servirá a él como terapia física. Pero un oscuro secreto del pasado de la casa desatará una fuerza malévola que arrastrará a toda la familia a las insondables profundidades del terror más asfixiante.
¡¡Prohibido correr. Prohibido tirarse de cabeza. No hay socorrista. Prohibido bañarse de noche!!
Ya disponible en calidad HD el tráiler en español de La piscina, el nuevo thriller sobrenatural de Atomic Monster y Blumhouse, productoras responsables de grandes fenómenos del terror como M3gan y que llegará a nuestras pantallas el 5 de enero.
Basada en el aclamado corto de 2014 de Rod Blackhurst, La piscina está escrita y dirigida por Bryce McGuire (guionista de la película de próximo estreno Baghead) y producida por James Wan y Jason Blum. La producción ejecutiva corre a cargo de Michael Clear y Judson Scott para Atomic Monster, la productora de James Wan, y de Ryan Turek para Blumhouse, la productora de Jason Blum.
Libro conjunto de la Semana de Cine Fantástico de Donostia y Terror Molins: ‘Beso negro. Brujería, cine y cultura pop’
Los autores Elisa McCausland y Diego Salgado presentan su libro en el Festival de Sitges, editado por Hermenaute impulsado conjuntamente por la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia/San Sebastián y el TerrorMolins
Como sabe todo aficionado a las artes prohibidas, el osculum infame o beso en el ano del diablo, su otra boca, sella la rendición de un ser humano a los hechizos del mal. Beso negro: Brujería, cine y cultura pop recoge esa imagen en su título para arrojar luz oscura sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.
Tras una introducción en la que se repasa el impacto de la misma en la esfera cultural y artística de los dos últimos siglos como manifestación de un descontento soterrado hacia los valores de la Modernidad, el ensayo pasa a contrastar en dos secciones bien definidas los personajes del brujo y la bruja, omnipresentes en la ficción audiovisual. El brujo y la bruja son figuras complementarias pero también antagónicas, si atendemos a los medios y los fines que persiguen a la hora de subvertir los valores dominantes.
Beso negro: Brujería, cine y cultura pop analiza las estrategias de uno y otra para transformar la realidad a través de un recorrido que tiene su epicentro en el cine pero no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y audiovisuales en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. De Dion Fortune (1890-1946) y Häxan: La brujería a través de los tiempos (1922) hasta La bruja (2015) y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.
Disponibles el cartel y el tráiler oficial de ‘La maldición del Queen Mary’. Próximamente en cines
Sinopsis: Cuando los fotógrafos Erin y Patrick junto a su hijo Lukas, se embarcan en el transatlántico Queen Mary, considerado uno de los lugares más embrujados del mundo, se desatarán una serie de terroríficos sucesos que entrelazarán a la joven familia con el oscuro pasado del barco.
Primeras imágenes de LA MALDICIÓN DEL QUEEN MARY, la película de terror dirigida por Gary Shore (Drácula: La leyenda jamás contada, Holidays) y protagonizada por Joel Fry (Yesterday, Juego de Tronos) y Alice Eve (Antes de que te vayas, Star Trek: En la oscuridad), entre otros.
Inspirada en las historias de «uno de los lugares más embrujados del mundo«, la película se estrenará próximamente en nuestros cines.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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