La hermandad, buenas intenciones, escasos resultados
No se le puede negar a La Hermandad su carácter voluntarioso. El valenciano Julio Martí Zahonero ha sabido cuidar en esta su ópera prima la ambientación, con tintes góticos pero sin muchos de sus tópicos, no cae en la acumulación de sustos sino que se esfuerza por transmitir una atmósfera enrarecida y misteriosa. Su voluntad de huir del susto fácil se hace notar también en la banda sonora (probablemente lo mejor de la cinta) para la que tenía claro que no debía tratar de anticipar las situaciones de mayor terror con golpes de efecto musicales, pretendía más bien que hubiera una melodía que diera razón de la obra en su conjunto, que cautivara al espectador y le condujera por la historia como si se deslizara. Afortunadamente el también valenciano Arnau Bataller ha sabido comprender las demandas del director y ha compuesto una partitura que satisface las expectativas; hay que añadir que se contó con la Orquesta de Liceo para la grabación, sin duda todo un lujo.
Un argumento cuya sinopsis lo hace parecer inquietante: En la fría y silenciosa oscuridad de un apartado monasterio del norte de Italia, La Hermandad, monjes benedictinos que siguen al pie de la letra unas estrictas normas de pobreza y obediencia, curan las heridas de Sara, una afamada escritora de novelas de terror que acaba de sufrir un grave accidente. Sara deberá guardar cama en el monasterio, donde la electricidad o el teléfono carecen de sentido. Su curiosidad de escritora no tarda en despertar con ciertos detalles que llaman su atención. Extrañas manchas en el techo, llantos infantiles en la noche, una vieja fotografía, un escalofriante libro sobre la Hermandad, sus inquietantes costumbres… Algo se mueve entre los muros del monasterior. Un oscuro secreto se encierra en su interior y ahora está a punto de salir a la luz… Y la recomendación de su director: Si me preguntas por las razones por las cuales un espectador debería ir a ver La Hermandad te diría que son numerosas. En primer lugar, se van a encontrar con una historia muy emotiva, llena de sorpresas hasta el minuto final. La Hermandad es visualmente un regalo para todos los sentidos. Descubrir cada uno de los rincones, aposentos y corredores de esta lúgubre abadía repleta de pasadizos y senderos ocultos, es una sensación tan inquietante como lo es para el personaje protagonista. La recreación de todas las estancias ha sido un trabajo excepcional. En el apartado de las intenciones la película funciona muy bien, pero, ¡ay! Los resultados ya son otro cantar.
Pese a los empeños por lograr una revisitación del terror de corte clásico, la película hace aguas en su guión. Ni los monjes resultan sospechosos o enigmáticos ni está claro por qué ya desde el primer día en el que la protagonista empieza su recuperación, por muy escritora que sea, se pone a investigar. Tampoco se nos hace comprender porque permanecieron en el convento haciéndose pasar por monjes si al final va a resultar que ellos fueron las víctimas. El esmerado diseño de producción no puede ocultar que Lydia Bosch actúe como quien no sabe realmente dónde está metida, y no nos referimos al convento sino a la trama. Su actuación es mecánica y forzada, lo que revela que el debutante no domina aún la técnica de la dirección de actores. El resultado es una cinta bienintencionada pero inefectiva. Huye del susto y del gore, pero tampoco la intriga hace aparición y eso en una película de estas condiciones es un problema muy grave.
Es muy fácil sentarse ante el ordenador y echar por tierra el trabajo de muchos meses, por eso hemos querido empezar este comentario con los pros del filme de Julio Martí. Es su primer largo y aunque sea fallido esos aciertos que hemos referido nos permiten decir que esperamos que no se desaliente y vuelva a intentarlo. Después de todo no son pocas las veces en las que aprendemos más de nuestros errores que de nuestros logros.
Comienza el crowdfunding para ‘Once Upon a Time in Jerusalem’
Ya les hemos hablado de sobras del corto Fist of Jesús, y su teaser, en el que tuvimos la suerte de figurar y ser ensangrentados en un día memorable. Ahora la cosa pasa a mayores y sus artífices se han propuesto rodar un largometraje: Once Upon a Time in Jerusalem, del que les ofrecemos, recién salido del horno, su prometedor video promocional .
Como los responsables de Fist of Jesús son humildes, quieren contar con todos ustedes, ofreciéndoles la oportunidad de contribuir, mediante crowdfunding, a propagar la palabra del Señor. Así que, tal y como dice uno de los directores, David Muñoz, entren en Kickstarter «a ver si podemos rodar el largo este verano. Si os mola y nos echáis un cable comprando alguna de las recompensas o recomendando a vuestros conocidos estaremos mas cerca de volver a pasar otro verano llenos de arañazos y moratones pero felices».
Contribuyan pues a su felicidad y a que este verano les resulte inolvidable clicando aquí.
Víctor Matellano: cortos, documentales y largometrajes
Uno no puede menos que sorprenderse y quitarse el sombrero ante la capacidad que tiene Víctor Matellano para sacar adelante proyectos interesantes, algo que no pude dejar de comentárselo durante la última edición del festival de Sitges. Todas sus obras ya terminadas y las que están en rodaje nos lo corroboran.
Entre las finalizadas se encuentra el corto La cañada de los ingleses, que cuenta en su reparto con Manuel Bandera, Nadia de Santiago, Lone Fleming y la narración de Jack Taylor y Leonor Watling. Con efectos especiales de Colin Arthur. Una producción de Atrevimiento Films que nos sumerge en Málaga, donde viaja Andersen quedando fascinado con el Cementerio Inglés y donde fantasea con la búsqueda de la sirenita.
También está listo el esperado documental sobre Fantaterror español Zarpazos, que como proyecto se dio a conocer bajo el título de Spanish Horror y que cuenta con la participación de muchos de los principales actores y personajes que protagonizaron aquella época.
Ambas obras han sido seleccionadas para su estreno en el festival de Málaga. El corto se exhibió el día 5 de marzo en la sección ‘Málaga de Festival’ y el documental se pasará el día 24 durante la sección especial de documentales. Y todo ello sin olvidar Wax, que está a la espera, protagonizada por Jack Taylor.
Entre los proyectos que están en rodaje tenemos por fin nuevos datos sobre la revisión de Las hijas de Drácula, de José Ramón Larraz. Y es que nada menos que Caroline Munro («Maniac”, «La espía que me amó») se encuentra al frente del reparto de Vampyres.
Ángel Mora produce para Artistic Films esta nueva incursión en los personajes y ambientes de Las hijas de Drácula, ideada por José Ramón Larraz y guionizada por él mismo junto a Víctor Matellano; una tarea que Larraz pudo realizar antes de su triste fallecimiento el año pasado. En esta ocasión, es el propio Matellano el encargado de dirigir esta historia de terror, sensualidad y perversión, para la que se cuenta con la participación estelar de Caroline Munro, una actriz indispensable para los amantes del género, presente en películas inolvidables como la producción Harryhausen El viaje fantástico de Simbad, la camp Star Crash, o su rol de amada de Vincent Price en El abominable Dr. Phibes.
Junto a Munro, un reparto de jóvenes actores internacionales como los americanos Anthony Rotsa y Veronica Bacorn o la rumana Alina Nastase. Por parte española, podremos ver a Luis Hacha («Di Di Hollywood»), Marta Flich («Omnívoros») o Almudena León («Wax»), entre otros. Estos jóvenes serán acompañados por grandes glorias del terror patrio en calidad de aparición especial. Así, podremos ver desfilar en Vampyres a Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans o Conrado San Martín, intérpretes de obras memorables como Gritos en la noche, La noche del terror ciego o Mil gritos tiene la noche.
Uno de los platos fuertes de Vampyres son los efectos especiales de maquillaje. El encargado de llevarlos a cabo es el gran Colin Arthur, autor de la fauna de La historia interminable. Y da la circunstancia de que el propio Arthur realizó los efectos de la película original de Larraz, siendo de las pocas ocasiones en que un técnico de efectos realiza una película y su revisión cuatro décadas después. De este modo, Vampyres será un mundo de encuentros, ya que Colin Arthur y Caroline Munro trabajaron juntos en El viaje fantástico de Simbad y El abominable Dr. Phibes.
Ya puedes reservar el nuevo número de Monsterworld
Los proyectos nunca realizados, escritos por el puño y letra de Jacinto Molina / Paul Naschy. Guiones que se quedaron durmiendo en un cajón esperando ser algún día descubiertos. Hoy desvelamos algunos de los mas impresionantes!
Descúbrelo todo sobre , posiblemente, el titulo mas maldito de la filmografía de nuestro Monster Man nacional de la mano de Sergio Molina y dos de los operadores del film, Antonio Garzinuño y Fernando Martin Heras. Con impresionantes fotos nunca antes publicadas
Caníbales, bárbaros, extraterrestres, apocalipsis nuclear, tiburones, pirañas y otras faunas feroces…nada, absolutamente nada se libra de las garras de los productores Italianos sin escrúpulos a la hora de explotar un filón de éxito. Fueron unos auténticos especialistas y crearon su propia factoría de films con sabor exploit. Hoy recordaremos algunos de los mas recordados.
Con las siguientes películas comentadas:
El karate, el colt y el impostor (1974) Por Ignacio Huidobro
El ciudadano se rebela (1974) Por Ignacio Huidobro
El anticristo (1974) Por Juan Gabriel García
Roma violenta (1975) Por Ricardo Feliu
Star crash, choque de galaxias (1978) Por Javier G. Romero
La isla de los hombres peces (1978) Por Pablo Fernández
Voracidad (1979) Por Diego Morán
El humanoide (1979) Por Miguel Ángel Plana
Nueva york bajo el terror de los zombi (1979) Por José Manuel Serrano Cueto
La invasión de los zombies atómicos (1980) Por Ricardo Feliu
Contaminacion: alien invade la tierra (1980) Por Diego Morán
Alien 2 (1980) Por Juan Gabriel García
El ultimo cazador (1980) Por Pablo Fernández
1990: los guerreros del bronx (1982) Por José Manuel Serrano Cueto
La espada salvaje de Krotar (1982) Por José Luis Salvador Estébenez
La guerra del hierro (1983) Por Juan Gabriel García
Roma ano 2072 d.c.: los gladiadores (1983) Por Javier G. Romero
El devorador del oceano (1984) Miguel Ángel Plana
Entrevista a Marian Salgado, La endemoniada de Amando de Ossorio y una de las dulces niñas de ¿Quien puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador nos cuenta sus comienzos en el mundo del cine. Por David García
Descubre los secretos tras la nueva película de Víctor Matellano con entrevistas exclusivas al propio director, Jack Taylor y Lone Fleming. Por David García
Y para terminar el numero un exhaustivo recorrido por la filmografía de Paul Naschy para televisión de la mano de Jesús Bernal.
Tamaño 15 x 21 cm.
112 paginas / interior estucado brillo 115 gramos calidad fotografico. / Portadas plastificado brillo en papel estucado brillo 270 gramos.
Encuadernación rustica cosido a hilo con lomos. Peso 213 gramos.
Edición limitada de 150 ejemplares
Fecha de salida 25 de Marzo
¡¡¡No te quedes sin el tuyo!!!
Resérvalo en el email: fanzinemonsterworld@hotmail.com
Ya puedes presentar tu obra en Cortos con K 2014
Ya está abierta la inscripción para participar en CORTOS CON K 2014. II Edición del Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico de KlownsAsesinos.com, certamen que sigue apostando por difundir la enorme calidad del cine breve realizado en nuestro país. A través de la web, podéis acceder a las bases de participación y a la ficha de inscripción del concurso, disponibles en sus correspondientes apartados. Leedlos atentamente para evitar posibles errores. El plazo para presentar las obras a concurso terminará el 30 de mayo.
El Festival se celebrará los días 27 y 28 de junio, en la S.C. L’Espiga de Les Corts, c/Joan Gamper, 30 (Barcelona), con una primera jornada en la que tendrá lugar una muestra fuera de concurso de las obras recibidas, y un segundo acto, que contará con la proyección de los cortos finalistas, la entrega de premios y una charla con los miembros del jurado y cortometrajistas asistentes al evento, en la que el público también podrá participar.
Para ésta ocasión, contaremos con un jurado de opiniones tan dispares como profesionales, compuesto por Manuel Carballo (Director de la reciente “Retornados”), José Manuel Meneses (responsable del cortometraje “Vencidos”) y Olga Bel (Directora de La Mostra de Curtmetratges Dr. Mabuse). Ellos decidirán los ganadores entre las obras seleccionadas por la organización como finalistas.
En ésta segunda edición de CORTOS CON K, también queremos rendir un nostálgico homenaje a los primeros trabajos de directores ya consagrados en el mundo del cine, con una nueva sección donde proyectaremos algunos de los cortometrajes que les sirvieron para experimentar, aprender y abrirse paso en la industria cinematográfica. Una propuesta de la que os iremos hablando en los próximos meses.
Durante el proceso de selección, os informaremos sobre cualquier noticia que pudiera surgir, y el 10 de junio serán anunciados los cortos seleccionados. El nombre de los ganadores nos los reservaremos para el día de la proyección y entrega de Premios…
El concurso está subvencionado por el Ayuntamiento de Barcelona – Distrito de Les Corts y el apoyo de la S.C L’Espiga de les Corts.
Primeras imágenes de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo
Habrá que esperar a Diciembre para poder ver una nueva aventura en pantalla grande de Mortadelo y Filemón, que ha sido rodada por Javier Fesser. Pero ya podemos al menos disfrutar con sus primeras imágenes que llegan tras cuatro años de estricto secreto.
Del laborioso proceso de producción en el que aún se encuentran inmersos más de 150 artistas y técnicos bajo la dirección de Javier Fesser, nos llega ahora una primera imagen del film que no es más que un mínimo adelanto de lo que nos espera…
En palabras del propio director: “Se trata de una historia urbana, doméstica, con claras referencias a la actualidad, cien por cien Mortadelo y Filemón, cien por cien fiel a la obra de Francisco Ibáñez. Es una comedia de acción que hace uso de un ritmo endiablado para imitar al maestro dibujante, quien decidió hace más de cincuenta años no dar tregua a sus lectores acribillándoles con abrumadores y surrealistas gags visuales, a cada cual más bestia, a cada cual más ocurrente. Una película-espectáculo, familiar donde las haya, pensada para reírse”.
En esta absolutamente renovada entrega de los personajes más populares del dibujante Francisco Ibáñez, Mortadelo y Filemón, editados por Ediciones B, cobran vida a través de la animación por ordenador y en versión estereoscópica 3D.
Para el director de esta producción, “se trata de aprovechar las últimas tecnologías CGI de animación, modelado, efectos digitales e iluminación para reproducir la desbordante capacidad expresiva de los personajes y el universo de colores vibrantes creado por Ibáñez, tal y como él lo concibió. Tal y como está ya instalado en el subconsciente colectivo. Con ese sabor tan maravillosamente atemporal y tan universalmente español que destilan sus historietas”.
Con guión del propio Javier Fesser, Claro García y Cristóbal Ruiz, es una producción de Zeta Cinema y Películas Pendelton, que se está llevando a cabo en los Estudios Ilion de Madrid y que cuenta con la colaboración de TVE, TV3, Canal+ y ONO.
Warner Bros. Pictures Intl. España será la responsable de la distribución de la película en España, que tiene previsto su estreno el próximo 28 de noviembre de 2014.
Y para ir haciendo boca, aquí os dejamos la sinopsis argumental: los agentes Mortadelo y Filemón se ven obligados a hacer uso de toda su inoperancia para seguir sin resolver nada y sembrar el caos allá donde van. En esta ocasión, su inexistente capacidad será puesta a prueba sin éxito ninguno para dar con el paradero de Jimmy el Cachondo, un acomplejado maleante que tampoco despunta por su elevado coeficiente intelectual, pero que tiene su gracia. Su gracia es que lleva colgando en su helicóptero una bombita de neutrones picantes que pueden hacer ¡PUM! en cualquier
momento. Y todo esto mientras Mortadelo y Filemón esconden en su propia casa a un testigo protegido peligrosísimo del que ellos mismos se tendrán que proteger si no quieren que la película se acorte drásticamente y termine antes de que acabe la película.
Se trata de una desquiciada aventura que refleja de manera fidedigna el universo hilarante creado por el genial Francisco Ibáñez. A todo color y en noventa estereoscópicos minutos de “no parar”
Tres interesantes novedades de L’Atelier 13
Atelier 13 sigue adelante, aunque de forma más pausada, editando interesantes y en algún caso imprescindibles novedades enmarcadas en el mejor cine fantástico y de terror. Las tres propuestas que nos sugiere no tienen desperdicio.
EL GABINETE CALIGARI (The Cabinet of Caligari, EE. UU., 1962, Roger Kay) 106 min.
Con GLYNIS JOHNS, DAN O’HERLIHY, DICK DAVALOS, LAWRENCE DOBKIN, CONSTANCE FORD
Argumento: El automóvil de Jane Lindstrom sufre un reventón mientras circula por una solitaria carretera. El percance obliga a la joven a pedir ayuda en una finca propiedad de Caligari, un hombre de aspecto aristocrático y refinados modales. Jane pasa la noche en la finca, pero al día siguiente descubre que Caligari es un loco pervertido que no piensa dejarla salir de allí…
Remake bastante libre del clásico del expresionismo alemán El gabinete del doctor Caligari, es una obra tan inclasificable como fascinante. Escrita por Robert Bloch (Psicosis, La mansión de los crímenes), es, con su combinación de suspense, terror y erotismo, precursora del género giallo y se ha ganado el título de película de culto. ¡Un escalofriante viaje íntimo a la locura!
¡Y además! THE BRIDE POSSESSED (EE.UU., 1959, 25 min.), un episodio de la mítica serie de televisión ONE STEP BEYOND, con Virginia Leith (The Brain That Wouldn’t Die, Un beso antes de morir) y Skip Homeier. Completa el DVD los habituales trailers y filmografías, además del libreto ilustrado.
¡SUSPENSE! (The Innocents, EE. UU. / Reino Unido, 1961, Jack Clayton) 100 min.
Con DEBORAH KERR, MICHAEL REDGRAVE, PETER WYNGARDE, MEG JENKINS, PAMELA FRANKLIN, MARTIN STEPHENS
Argumento: A finales del siglo XIX, la señorita Giddens ha sido contratada para educar a Flora y Miles, dos huérfanos, en una inquietante mansión perdida en mitad de la campiña inglesa. Pronto las circunstancias le llevan a pensar que los niños son manipulados por los espíritus de dos sirvientes muertos algunos meses antes…
Gracias a un guion fuera de lo común de William Archibald y Truman Capote, a una puesta en escena intachable de Jack Clayton, a la suntuosa fotografía firmada por Freddie Francis, y a unos actores literalmente poseídos por sus personajes, ¡SUSPENSE!, magistral adaptación de Otra vuelta de tuerca de Henry James, es una de las grandes obras maestras del cine fantástico y de terror. Ha inspirado a numerosos cineastas, siendo el más reciente Alejandro Amenábar con su película Los otros. ¡Indispensable!
¡Y además! THE DEAD PART OF THE HOUSE (EE.UU., 1959, 25 min.), un episodio de la mítica serie de televisión ONE STEP BEYOND, con Bert Lytell y Robin Morgan. Tráiler, filmografías y libreto.
THE SPACE CHILDREN (EE.UU., 1958, Jack Arnold) 69 min.
Con MICHEL RAY, ADAM WILLIAMS, PEGGY WEBBER, JOHNNY WASHBROOK, JACKIE COOGAN
Argumento: Dave Brewster, un técnico electrónico, se instala en California con su mujer y sus dos hijos, Bud y Ken, para trabajar en una base ultra-secreta de las Fuerzas Aéreas. Pero pronto, sus dos hijos y los demás niños de la base son atraídos hacia una cueva por una entidad extraterrestre que los manipula telepáticamente…
Declaración antibélica y última película de ciencia ficción del legendario director Jack Arnold , THE SPACE CHILDREN es una de sus obras más personales. Beneficiándose de la eficaz producción de William Alland, de la intrigante música de Van Cleave, de los formidables claroscuros de Ernest Laszlo y de la excelente interpretación de una pléyade de niños, emerge como un inquietante thriller extraterrestre en el estilo de El pueblo de los malditos y su secuela.
¡Y además! A CHILD IS CRYING (EE.UU., 1951, 25 min.), un episodio de la mítica serie de televisión TALES OF TOMORROW, con Bert Lytell y Robin Morgan. Más libreto ilustrado y filmografías.
Todas en VOS Castellano y francés, radiante B&N y formato widescreen. Para que luego vayan diciendo que aquí no se edita nada interesante…
J. A. Bayona dirigirá la adaptación de la novela ‘Un monstruo viene a verme’
Apaches Entertainment, en asociación con La Trini, se complacen en anunciar el próximo proyecto del director Juan Antonio Bayona. Se trata de la adaptación de la novela de Patrick Ness Un monstruo viene a verme. Este será el primer proyecto cinematográfico de Bayona tras Lo imposible, la película española más taquillera de la historia en España. Con este nuevo trabajo J.A Bayona cerrará una trilogía sobre las relaciones madre-hijo, que inició con El orfanato y continuó con Lo imposible.
Un monstruo viene a verme es un drama fantástico que narra la historia de un niño que trata de hacer frente a la enfermedad de su madre refugiándose en un mundo de fantasía. Calificada por el New York Times como «una historia que se te mete en los huesos y se queda ahí para siempre», Un monstruo viene a verme, publicado en diecisiete países y merecedor del Premio National Galaxy, ha sido el primer libro en ganar dos de los premios más prestigiosos del Reino Unido: la Medalla Carnegie al mérito literario y la Medalla Kate Greenaway al mérito artístico.
Para Bayona, Un Monstruo viene a verme es una historia “emocionante y única que habla de la necesidad de la fantasía para enfrentarnos al mundo real».
Producida por Belén Atienza, la película se rodará entre España e Inglaterra en otoño de este año con contando con gran parte del equipo técnico que ha acompañado a Bayona en sus anteriores trabajos cinematográficos. Su estreno está previsto para otoño de 2016.
Después de obtener el Goya a la mejor dirección por Lo imposible en 2013, J.A. Bayona ha rodado el capítulo piloto de Penny Dreadful, la serie producida por Sam Mendes para la cadena americana Showtime cuyo estreno mundial en la pequeña pantalla será el próximo mes de mayo, tras su presentación este próximo fin de semana en el Festival South by SouthWest, en Austin. Tras Un monstruo viene a verme, J.A. Bayona dirigirá la segunda parte de Guerra mundial Z.
La Pantera Rosa cumple 50 años
BLAKE EDWARDS RODÓ «LA PANTERA ROSA» EN 1963. TUVO TAL ÉXITO DE PÚBLICO QUE PROVOCÓ EL INICIO DE UNA FAMOSA SERIE DE PELÍCULAS. A SU SOMBRA NACIÓ UN DIVERTIDO PERSONAJE ANIMADO QUE ACABÓ TENIENDO CARRERA PROPIA, LA PANTERA ROSA, QUE ACABA DE CUMPLIR 50 AÑOS Y GOZA DE BUENA SALUD. ¿QUÉ MEJOR FORMA DE CELEBRARLO QUE CON UNA FIESTA POR TODO LO GRANDE EN BARCELONA?
LA GRAN FIESTA DE LA PANTERA ROSA
Barcelona acogerá el próximo jueves 20 de marzo “La Gran Festa de La Pantera Rosa”, un evento que celebrará el 50 aniversario de este clásico de la comedia con una serie de actos en el cine Aribau y la sala de fiestas Luz de Gas.
El día escogido ha sido éste ya que, precisamente, el filme se estrenó en Estados Unidos el 20 de marzo de 1964. La Metro Goldwyn Mayer ha cedido el logotipo oficial de las bodas de oro de la Pantera Rosa para ilustrar esta fiesta.
Las puertas de la sala grande del Aribau, el cine con mayor aforo de la ciudad en la actualidad, se abrirán a las 20.15 h. para que los espectadores puedan contemplar una exposición, organizada por Bimbo, que recogerá la evolución del famoso pastelito que lleva su nombre y que supone el producto licenciado más antiguo del mercado español en la categoría de alimentación, ya que se vende desde 1966, hace más de 40 años.
Alrededor de las 20.30 h. se espera la llegada de unos invitados muy especiales: la Pantera Rosa y el inspector Clouseau. Ambos participarán en un Photocall y los asistentes podrán fotografiarse con ellos. Al día siguiente, podrán acudir a la web de El Periódico de Catalunya para descargarse su respectiva instantánea. La Big Band de l’Escola L’Antàrtida amenizará la espera y animará a los asistentes.
En el transcurso de la sesión se proyectará el filme que dio origen al fenómeno en versión original subtitulada. La película fue dirigida en 1963 por Blake Edwards y protagonizada por Peter Sellers, David Niven, Capucine, Claudia Cardinale y Robert Wagner. Pero también podrán verse algunos cortometrajes del popular personaje animado y otras sorpresas. Se sortearán algunos premios y todos los asistentes se marcharán con regalos de los patrocinadores.
A continuación, a las 0.30 h., tendrá lugar un concierto en la sala Luz de Gas donde los miembros del grupo Acousters interpretarán temas de Henry Mancini, el compositor del célebre tema de La Pantera Rosa. La fiesta contará también con la participación del grupo Apache (con versiones de clásicos del pop-rock como Police, Queen, Pink Floyd o Supertramp) y la selección musical correrá a cargo del DJ Fede Sardà. Los asistentes serán invitados a degustar gratuitamente un cóctel conmemorativo, lógicamente de color rosa.
La entrada única para poder acceder a todos estos actos cuesta tan solo 8 euros y podrá adquirirse a través de www.ticketmaster.es y en las taquillas del cine Aribau.
“La Gran Festa de La Pantera Rosa” será presentada por el periodista cinematográfico Eduardo de Vicente y está organizada por Celluloid-Cine en el cuerpo y Grup Balañà, con la colaboración de El Periódico de Catalunya, Bimbo, Luz de Gas, MiAroma, Copyright Promotions Spain, Moritz, Deuvede Music, Hummer & Navigator y Bande à Part
HISTORIA DE UN PERSONAJE
Los años sesenta fueron la década de los Beatles y la psicodelia. Pero tambien nacía un personaje acorde con su tiempo que iba a marcar una época: la Pantera Rosa. El proyecto se originó como una película, una comedia dirigida por Blake Edwards, en la que tenía un papel importante, aunque no protagonista, un policía patoso, el inspector Clouseau. Peter Ustinov fue el primer candidato, pero rechazó el personaje, que fue a parar a manos de Peter Sellers que cobró por su trabajo 90.000 libras. Para poder interpretar al escuálido Inspector Clouseau, Sellers tuvo que adelgazar tomando píldoras dietéticas durante casi un año. Gracias a su éxito, el actor entró en el ranking de las 100 mejores estrellas de la historia del cine realizado por la revista britànica Empire.
Clouseau era el encargado, en esta primera entrega, de evitar el robo de un valioso diamante conocido como La Pantera Rosa. La película estaba ya en marcha cuando el director tuvo la idea de crear el dibujo de un felino de ese color para que pudiera verse superpuesto en la joya. Para ello contrató al dibujante Friz Freleng, autor de Bugs Bunny.
Freleng y su socio, David de Patie, diseñaron más de un centenar de personajes. Edwards escogió uno de ellos y le gustó tanto que cambió de intención y propuso a los dibujantes que se encargaran de rodar los títulos iniciales con esa criatura. Sus únicas condiciones consistían en que debería ser una animación divertida, muda y rosa. Los autores se inspiraron en la rebeldía de James Dean y en la clase e inteligencia de Cary Grant y David Niven, este último, protagonista del filme. Para ellos no era un producto para niños, que lo consideraban demasiado sofisticado, sino para adultos. No menos importante fue la aportación del compositor Henry Mancini, que acompañó con una insinuante música (nominada al Oscar) las evoluciones del personaje.
Cuando el filme se estrenó en Estados Unidos, el 20 de marzo de 1964, ese prólogo animado causó sensación y la prensa se volcó en elogios. Varios reporteros coincidieron en que los créditos eran ‘incluso mejores que la película’ y la revista Time colocó al personaje en portada. A partir de ese momento, la Pantera Rosa adquirió vida propia al margen de las películas de Blake Edwards y ambas trayectorias estuvieron marcadas por el éxito.
Tres meses después ya estaba en marcha El nuevo caso del inspector Clouseau (A shot in the dark). Curiosamente, esta película en sus inicios no guardaba relación alguna con la saga de la pantera. Se trataba de un filme de detectives protagonizado por Peter Sellers y Walter Matthau, basado en una obra teatral de Harry Kurnitz. Matthau, protagonista del original en los escenarios, acabó por abandonar y Sellers, que no estaba conforme en cómo estaba funcionando el rodaje amenazó con hacer lo mismo.
La productora le pidió a Edwards que retuviera al actor. La manera de lograrlo fue reescribir la cinta para convertirla en la continuación de las aventuras de Clouseau. El encargado del guión sería un joven William Peter Blatty, futuro autor de El exorcista. Esta entrega marcaría la fórmula de las siguientes entregas. Incorporó personajes que se harían fijos, como el envidioso inspector jefe Dreyfus (Herbert Lom); el criado Kato (Burt Kwouk) siempre listo para una pelea; y el actor fetiche de Edwards, Graham Stark, que apareció en varios capítulos, pero siempre con distintos papeles.
Mientras, el personaje de la pantera debutaba en el terreno del cortometraje como protagonista en The Pink Phink (Incordio rosa), con la que consiguió un Oscar en esta categoría. Cuenta la lucha que mantiene contra un hombrecillo que pinta una pared de azul, mientras que ella se empeña en cambiarla a rosa. El éxito llevó a Freleng a convertir The pink phink en el inicio de una serie de más de 140 cortometrajes rodados en los años sesenta y setenta sobre temas variados. Predominaron las parodias de películas con títulos como Pinkfinger (Goldfinger), Dial P for Pink (Crimen perfecto), In the pink of the night (En el calor de la noche), Rocky pink y Sherlock pink, pero también reflexionaban sobre la cultura juvenil (Psychedelic pink) y la música (Pink, plunk, plink).
Blake Edwards decidió aparcar al inspector Clouseau y rodar otras películas como La carrera del siglo y El guateque, con su inseparable Sellers, pero la Pantera le robó a su creación y en 1965 Clouseau hacía su primera aparición como personaje animado. Al año siguiente, otro cortometraje del felino rosa obtendría una nominación al Oscar, The Pink Blue Print.
La competencia surgiría donde menos se imaginaban. Edwards y Sellers se negaron a seguir con la serie y la productora decidió, en 1968, rodar otro capítulo sin ellos, Inspector Clouseau, el rey del peligro, con Alan Arkin en el papel del actor británico, que pasó sin pena ni gloria. La cadena de televisión norteamericana NBC aprovechó la resurrección del fenómeno para emitir los sábados por la mañana las peripecias animadas de la pantera y Clouseau. La repercusión fue sorprendente. La NBC encargó a Freleng un programa titulado El show de la pantera rosa que se mantuvo en antena durante 10 años y que alcanzó un gran éxito en todo el mundo.
La serie cinematográfica no se reemprendería hasta 1975. Los motivos eran bastante claros. Los últimos trabajos del director (Dos hombres contra el Oeste, La semilla del tamarindo) no habían funcionado bien en la taquilla y la estrella de Sellers estaba en declive. El mejor método para impulsar sus carreras era volver a unirse; de ahí surgió El regreso de la pantera rosa, originalmente pensada para abrir una miniserie televisiva dedicada al personaje. Pero acabó llegando a las salas comerciales y provocando el rodaje de dos nuevas entregas: La pantera rosa ataca de nuevo (1975) y La venganza de la pantera rosa (1978).
En 1980 fallecía Peter Sellers y, cuando todos daban por acabada la serie, hubo un capítulo más, Tras la pista de la pantera rosa (1982). Fue presentada como un homenaje al actor y la película se nutrió de escenas descartadas y tomas falsas de anteriores entregas, añadidas a un metraje nuevo.
Pero aún se podía rizar más el rizo y se rodó una nueva entrega, La maldición de la pantera rosa, en la que Ted Wass era un torpe detective encargado de localizar al inspector Clouseau, misteriosamente desaparecido. Pese a contar con gran parte del reparto original (David Niven, Capucine, Herbert Lom), la película no interesó al público, lo que provocó que la serie volviera a detenerse hasta 1993, fecha en la que se estrenó El hijo de la pantera rosa, donde un entonces desconocido Roberto Benigni interpretaba al desastroso vástago de Clouseau. Una vez más, el hecho fue aprovechado para crear El nuevo show de la pantera rosa, en el que Matt Frewer (Max Headroom) cedía su voz al simpático animal.
Parecía que la serie había dicho adiós al cine, pero el siglo XXI aún vio dos nuevas entregas de las desventuras de un nuevo Clouseau interpretado por Steve Martin, también coguionista de ambas. La primera (2006) contaba con un espectacular reparto en el que también figuraban Kevin Kline, Jean Reno, Emily Mortimer y la cantante Beyoncé. La última película hasta la fecha data de 2009 y, en esta ocasión, se incorporaron al elenco Jeremy Irons, Andy Garcia y el ex Monty Python, John Cleese.
Mientras siguen siendo frecuentes las reposiciones de sus películas y programas en televisión. Fue el primer personaje animado que dejó sus huellas en el famoso Teatro Chino hollywoodiense y puede encontrarse una gran cantidad de productos relacionados con él. En España sigue comercializándose el sabroso pastelito de Bimbo Pantera rosa, de bizcocho recubierto con chocolate de este color. En Santa Rosa (California) una fan, Julie Tapia, tiene un museo que se puede visitar por Internet (www.pinkpanthermuseum.com). Allí caben más de 6000 artículos relacionados con el personaje: desde cajas de música hasta pasta de dientes, procedentes de países como Japón, Australia y España.
¡Feliz cumpleaños, Pinky!
Double Feature de Dan O’Bannon con Toni Bascoy
Hace unos pocos meses salieron los cuatro primeros ejemplares de la colección Double Feature de Tyrannosaurus Books en los que se analizan dos películas de género (o no). Así que para que los conozcan mejor, tanto a los autores como a sus obras, hemos decidido contactar con ellos para que sean precisamente los responsables los que les cuenten todo lo que se les ocurra sobre ellos mismos y sus vástagos. Así que sin más prolegómenos les dejamos con Toni Bascoy para que les hable de Double Feature volumen 1: DARK STAR – EL REGRESO DE LOS MUERTOS VIVIENTES.
Mi relación con el cine ha sido, desde muy pequeño, contagiado por el entu
siasmo que tenían mi madre y mis hermanas mayores, de pasión reverencial y naturaleza geométrica, comenzando en un ángulo de 180 grados, es decir, frente a él, como espectador. El concepto de cine fantástico, en mi tierna infancia, me resultaba redundante, pues todo el cine era fantástico: mágico, exuberante, contagioso. Aún así, mi espíritu catalogador pronto comprendió que había películas que reflejaban con una mayor distorsión lo que a este lado solíamos llamar «realidad»; películas que, mayormente, veía en la tele en blanco y negro del comedor, en el canal UHF, a oscuras; delirios que me dejaban trastornado, y de las que recuerdo como si me la hubiesen tatuado en el cerebro, por poner un ejemplo significativo, El increíble hombre menguante.
No fue hasta mis años de instituto que comencé a interesarme por las personas que hacían posibles esos artefactos, lo que me llevó a juntarme con lo mejor de cada casa, con los que intercambiaba grabaciones en VHS de películas de difícil acceso. Estudiando Historia del Arte me especialicé, dentro de lo que pude, en Historia del Cine, y después di el paso natural al otro lado de la cámara estudiando Guión Cinematográfico en Madrid y, ya de vuelta al terruño, haciendo algún que otro corto, trabajando como guionista en TV en programas de cocina, y lo que se me ponía a tiro. Paralelamente comencé a escribir mi propio blog (http://tonibascoy.blogspot.com.es/), donde mezclaba, y lo sigo haciendo, creación literaria (ejem), con reflexiones sobre cultura popular (ejem ejem), ya sea cómic, música, televisión o, claro está, cine.
Llegué a este libro por pura casualidad, o por una serie de vericuetos que un observador externo podría calificar como casuales. Resumiendo: un amigo común nos puso en contacto a los Tyrannosaurus y a un servidor, y algo debió de gustarles de lo que escribía en mi blog, porque me propusieron colaborar en su libro Steampunk Cinema. Allí aprendí a escribir de forma sistemática, no solo placentera, sobre una película en concreto. Cuando me llegó el libro a casa lo devoré lleno de emoción… Incluso cuando vi un par de errores (una fecha mal asignada, unos párrafos repetidos…). Cuando los carnívoros editores me preguntaron qué tal me había parecido el resultado, les dije que genial, pero no pude evitar comentarles los fallos, concretando la página y la corrección correspondiente. Resultado natural: me pidieron trabajar como corrector para la editorial. Al convertirme en una especie de «chico para todo», el equivalente virtual del chaval que pulula por la redacción haciendo lo que nadie más quiere hacer, supongo que me tuvieron en cuenta a la hora de pensar en nuevos títulos para la colección Double Feature.
La decisión de qué obras tratar fue consensuada. Por supuesto, lo primero que me pidieron los editores fue que les propusiese títulos, así que me pasé unos cuantos días pensando en películas que me gustasen lo suficiente como para dedicarles unos meses de mi vida, que fuesen afines a la línea y espíritu de la editorial, y que además pudiesen funcionar como un programa doble. Se me ocurrieron varias propuestas unificadas bajo ideas, más o menos peregrinas, como «Dos adaptaciones de Philip K. Dick», «Dos películas post-apocalípticas raras», «Dos películas de animación atípicas», o, yo qué sé, «Dos películas de terror americano actuales con reminiscencias setenteras». Y digo «yo qué sé» porque escribo de memoria: justo hace unos días hice limpieza en mi escritorio (algo que pasa con la frecuencia del cometa Halley junto a la órbita terrestre) y tiré el papel donde había apuntado estas ideas. Los dos títulos que al final acabaron en el libro estaban, si no recuerdo mal, en mi lista, pero curiosamente en dos propuestas distintas, por lo que la labor del editor en este caso fue fundamental y clarividente: encontró el nexo de unión entre estas dos obras y vio el libro resultante. Yo también lo vi en cuanto lo leí en su mail: Dan O’Bannon era el nexo; Dan O’Bannon sería el hombre para mí durante los próximos meses.
Cuando una buena idea se le ocurre a otro hay un período de reflexión (por no decir de rechazo) de lo más sano. Como si de una fábula cronenbergiana sobre la nueva carne se tratase, esa idea crecía en mi cerebro como un tumor, haciéndose su sitio. Podía aceptarla e integrarla en mi pensamiento, o rechazarla como a un órgano trasplantado. Rebusqué en mi archivo sentimental mis relaciones con el señor O’Bannon y descubrí, o redescubrí, todo lo que había disfrutado con su obra, con su participación en películas y comics que habían marcado mi infancia y mi adolescencia. Investigando un poco sobre su biografía descubrí que, además, había tenido unas circunstancias vitales casi novelescas, lo que lo hacían aún más atractivo como protagonista de nuestra historia.
Nunca había dedicado tanto tiempo ni páginas al estudio de una sola obra, quizás desde mis tiempo universitarios, así que tuve que aprender un poco sobre la marcha. Decidí que primero tenía que saber de qué iba a hablar, así que me vi las dos películas, que tenía un poco brumosas en la memoria, y traté de entusiasmarme con ellas para intentar que esa pasión se trasladara al texto. No fue complicado. Después llegó la hora de la documentación: gracias a internet pude localizar muchos estudios sobre Carpenter, algunos menos sobre O’Bannon, y algunos menos aún sobre estas películas en cuestión. Pero fue suficiente para realizar un mapa básico sobre las dos obras en el que ir rellenando huecos, reduciendo poco a poco las dimensiones de la terra ingognita y, si me perdonan por mezclar metáforas, creando una cosmogonía que explicase todo ese universo. Resulta mucho más sencillo escribir cuando eres consciente de lo que ignoras, pues lo más difícil es encontrar las preguntas que te pongan en marcha. Para responder a las cuestiones que se me planteaban, fui asiduo a la biblioteca pública, me curtí la ciática a base de horas frente al ordenador, y me visité todas las librerías que pude para fotografiar con el móvil las páginas sueltas que me pudiesen ser de utilidad. Cuando descubrí cómo silenciar el teléfono, mi connatural ansiedad bajó un par de enteros.
En este punto, y ya con suficiente documentación como para rellenar un libro, llegaba el momento crucial de darle forma, de establecer un discurso para que el texto no fuese una mera recopilación de datos más o menos interesantes. El señor O’Bannon, el protagonista que venía dado, por así decir, por contrato, funcionaría como eje sobre el que giraría toda la historia, lo que me permitía hablar del lado sombrío de Hollywood, con un antihéroe que debido a su carácter rebelde y contestatario y a una serie de elecciones desafortunadas, logró esquivar el éxito masivo de forma casi total. Mi formación como historiador hizo el resto, empujándome a buscar un correlato a las gestaciones de las dos películas titulares centrándome precisamente en el marco temporal que ambas ayudaban a enmarcar, y que podríamos denominar como el nacimiento y encumbramiento del nuevo cine fantástico americano, que nació a finales de los años 60’s, cuando O’Bannon y Carpenter estudiaban en la USC, y que culminó (a nivel popular y comercial) a mediados de los 80’s, justo cuando se estrena El regreso de los muertos vivientes. Con esta unidad temporal como estructura para nuestra historia, y con un gran protagonista, ya «solo» quedaba escribir el libro. Pero eso es un proceso tan aburrido y antidramático que voy a obviarlo (si han visto Barton Fink pueden hacerse una idea).
A pesar de que se trata de un texto sobre hechos consumados, sobre obras terminadas y completas, es imposible darle una finalización. Después de entregar el texto «definitivo», después de ir a imprenta, todavía seguía dando vueltas en mi cabeza, que establecía nuevas relaciones, que encontraba nuevos elementos significativos que se me había pasado por alto resaltar, o se me aparecían con claridad meridiana aspectos que en el texto se expresaban, a mi entender, de forma torpe. Pero por encima de todos los peros que pueda ponerle, estoy contento con el resultado del libro; porque es mi primera obra publicada, y porque es un reflejo sincero de mi amor por un tipo de cine y por las personas que lo hicieron posible. Estar metido, aunque sea virtualmente, durante unos meses en todo ese universo, acompañar a esos talentosos muchachos en su paso por la University of Southern California, sufrir con sus rencillas, empatizar con sus luchas frente a productores desaprensivos, ver cómo iniciaban sus carreras profesionales y alcanza
ban el éxito, ha sido muy gratificante. Y en mi faceta de historiador, casi de arqueólogo, ha sido maravilloso poder excavar en textos y documentos hasta lograr descubrir patrones y concordancias, cruzar datos para encontrar significación en acontecimientos aparentemente caóticos. Eso ha sido lo más satisfactorio de todo el proceso: hallar un sentido en todos esos hechos aleatorios, construir mi propio relato. Los datos, el compendio de hechos y sucesos, ahora mismo, en este momento de la historia, están a disposición de todo el mundo; lo que no lo está es la estructura, la creación de un discurso a partir de esos datos. Dar sentido a algo que no la tiene es, en el fondo, mentir; pero lograr que la mentira suene convincente, que la forma resultante sea hermosa, es lo máximo a lo que podemos aspirar como cronistas. O eso creo.
Iván Cardoso nos habla de Um Lobisomem Na Amazonia, la película brasileña de Paul Naschy
El Dr. Moreau (Paul Naschy) se instala en la selva amazónica tras haber tenido que abandonar la isla en la que convivía y hacía experimentos mutando animales y hombres. Uno de estos mutantes es su ayudante, Zoltan (Guará Rodrigues), y con él y desde allí, el Dr. Moreau se dispone a dar un paso adelante creando vida artificial utilizando parte de los secretos del doctor nazi Josef Mengele. Para todo ello necesita material humano. También ha creado una raza de amazonas, con cuya reina Pentesileia (Joana Medeiros), se permite alguna fiesta privada. Pero el Dr. Moreau tiene una “enfermedad” adquirida durante un “accidente” en los Cárpatos que se manifiesta en las noches de plenilunio. Casualmente, las noticias informan de la aparición en la zona de cadáveres despedazados por algún tipo de bestia.
¿Qué les parece como punto de partida? ¡Pues hay más!:
Cuatro jóvenes amigos, Bruno (Pedro Neschling), Raúl (Bruno de Luca), Samantha (Karina Bacchi), María (Tanía Boscoli) y Natasha (Danielle Winits), junto al guía J.P (Evandro Mesquita) marchan, precisamente hacía esa zona, con lo que ya tenemos chicas guapas y víctimas en potencia. También van hacía allí a investigar las extrañas muertes el Delegado Barretto (Tony Tornado) y el Profesor Corman (Nuno Leal Maia).
Bien, ya pueden hacerse una idea pero ¿y si a todo esto le sumamos la aparición de un sacerdote inca, Sidney Magal, interpretando una operística canción en medio de la selva, varios momentos de “humor” absurdo y la colaboración de exuberantes muchachas con el denominador común del buen tamaño de sus pechos? Pues tenemos como resultado Um Lobisomem na Amazônia, un delirio psicotrónico realizado en Brasil por Iván Cardoso, en su momento ahijado de José Mojica Marins y creador del cine Terrir, cóctel resultante de mezclar la comedia más absurda, el terror y un erotismo en la linea Esteso/Pajares.
Pero no piensen con ello que la película no tiene virtudes, ya que posee, además de los alicientes apuntados: una banda sonora no del todo desechable; las chicas, en especial Karina Bacchi, Daiana Amêndola y Danielle Winnits; Un argumento pulp hasta decir basta en el que cabe de todo; humor (en sus manos queda el juzgar si voluntario o involuntario); una atractiva fotografía nocturna que inunda de azules la pantalla. Pero sobre todo la película cuenta con la presencia de un Paul Naschy desatado, recitando frases semejantes a las escritas por Ed Wood para el Dr. Eric Vornoff que inmortalizó Bela Lugosi en Bride of the Monster (1955). Y no nos olvidamos del propio Lobisomem. Un hombre lobo con un magnífico maquillaje interpretado por Naschy, aunque doblado en las escenas más movidas y que luce, como debe de ser, el pentagrama en su pecho.
Una película encantadora que da la sensación de haber tenido un rodaje feliz y respetuoso con el actor y que demuestra que, aunque fuera en producciones de serie B, en el extranjero se quería y reconocía a Paul Naschy como uno de los actores de género de terror más importantes del mundo. Es por eso que quisimos saber más sobre el rodaje de esta película y contactamos con su director, Iván Cardoso, que nos contó todo y más sobre la estancia de nuestro Lobisome en Brasil.
IVÁN CARDOSO NOS CUENTA TODOS LOS ENTRESIJOS DEL RODAJE DE UM LOBISOMEN NA AZONIA
Desde los inicios de mi carrera he hecho las películas que me gustaría ver en el cine, de manera que para mí es fundamental que mis películas convenzan a los espectadores, como a mí, otro espectador más pero obsesionado por convertir mi fantasía en película.
La verdadera historia de Um Lobisomen na Amazonia comenzó en 1993, cuando el genial maestro Roger Corman estuvo en Brasil y nos hicimos amigos. Paseamos una tarde por Río de Janeiro, que es una ciudad maravillosa, en un Porsche Super 90Q descapotable que yo tenía y me dijo que tenía uno igual en California. Nos hicimos amigos y Roger recomendó a Mick Vraney, de Something Weird, una distribuidora de los buenos tiempos del VHS, que lanzara mis películas en video, lo que hizo con gran éxito. Esta distribuidora ya había lanzado en Estados Unidos como Coffin Joe a nuestro querido Zé Do Caixao (José Mojica Marins), con un éxito enorme. Pues bien, por entonces yo tenía un proyecto llamado Naiara, A filha de Dracula, basado en un personaje de cómic brasileño súper sexy que quería que Roger me produjera, pero Roger Corman sugirió que, siendo un cineasta brasileño, hiciese un guión que tuviese el Carnaval y la selva amazónica como escenarios, dos temas brasileños que despiertan gran interés en el mundo. Decidí seguir su consejo y abandonar el otro proyecto.
Un amigo me recomendó el libro Amazonia Misteriosa de Gastón Cruls. Y varias cosas de él me llamaron la atención. Parecía una parodia de La isla de las almas perdidas, una de las películas que más me gustan, basada en un libro del gran H. G. Wells. Por supuesto me refiero a la versión interpretada por el inolvidable Charles Laughton, (Island of Lost Souls, 1932 Erle C. Kenton), con el gran Bela Lugosi en el papel de freak, personaje que fue recreado en mi película por Zoltán, interpretado por Guará Rodrigues. Pero como iba diciendo, la historia de este libro con científicos locos, terribles mujeres guerreras, -las famosas y sensuales amazonas- y un monstruo desconocido me pareció fascinante para el tipo de cine que hago, e inmediatamente vi la posibilidad de transformarlo en una parodia tropical de la obra de Wells. Ya he hecho películas con momias (cuatro), vampiros (tres), necrófilos, estranguladores… ¡hasta el Escorpión escarlata! y siempre deseé hacer una película con hombres lobo, Frankenstein, zombies (de los clásicos de las antillas), Jack el destripador y otros grandes personajes clásicos del terror y del cine de serie B, que me encanta desde siempre. Así que pensé que podría transformar a ese mutante amazónico en el hombre lobo de la Universal, a pesar de las diferencias climáticas y la ausencia de lobos en esta región. Todo ello con el espíritu del “terrir”, género cinematográfico que yo he creado a base de mezclar sexo, terror y mujeres bonitas en las dosis exactas.
No pensé este proyecto especialmente para Paul Naschy, pero pensé en poner un hombre lobo en el amazonas al conocerlo en el Fantasporto, ahora no recuerdo en que año, creo que en 1998, cuando presenté El escorpión escarlata (O Escorpiao Escarlate, 1990). Sabía que él era un gran especialista en este tipo de personajes, un auténtico hombre lobo sanguinario, como debe de ser, y así tendría como reclamo comercial una estrella en el reparto. Y puedo garantizar que al menos por mi parte fue amor a primera vista. Yo nunca había pensado en hacer esa película con un lobisomem brasileiro, porque nosotros no tenemos ningún actor que conozca ese extraño personaje del que Naschy conocía todos sus secretos y que sabía interpretar como nadie.
Nunca había visto ninguna película de Paul Naschy, porque la mayoría de sus filmes no se pasaron en Brasil, pero pude ver algunos en DVD. Todo lo que sabía sobre Paul es que lo que estaba escrito en su libro Memorias de un hombre lobo, que había comprado en Fantasporto y que, por cierto, es genial. Al ser Brasil el único país que habla portugués en América Latina, nuestro contacto con vuestra cultura es más pequeño y viceversa. Para que os hagais una idea, ningún actor brasileño de los que trabajaron en Um Lobisomem na Amazonia sabía quien era Paul Naschy. De igual forma que Paul no conocía a ninguno de los actores con los que trabajó en mi película, y todos ellos eran muy populares en televisión, concretamente en TV Globo.
Escoger a Paul para protagonizar el filme fue una decisión mía, pero por otro lado puedo garantizar que más allá de haber acertado con la elección, una de las cosas que más me animaba a hacer realidad este proyecto fue la posibilidad de trabajar con el actor ideal para el difícil papel de hombre lobo. Un actor que supiese hacer a la perfección este impresionante mito del cine. Era vital para la película que los espectadores creyeran que estaban viendo a un auténtico hombre lobo, un ser horripilante, y en eso Paul era un experto. Un hombre de cine que sabía ejecutar a la perfección su papel.
Durante la preproducción del filme, cuando estábamos contratando el reparto, varias veces el productor Diler Trindade, me preguntó si no sería mejor y más fácil contratar un actor brasileño para interpretar el papel doble de hombre lobo y Dr. Moreau, pero como ya dije antes, necesitaba un especialista y ya tenía a la persona ideal.
Paul me dijo que una de las cosas que le convenció de venir a Brasil fue la oportunidad de interpretar al legendario Dr. Moreau, que según sus propias palabras, “solo ha sido interpretado por tres famosos actores: Charles Laughton, Marlon Brando y Burt Lancaster” y no quería perderse la oportunidad que el destino le ofreció. Por otra parte debo decir que esta contratación fue realizada gracias a mi asistente de dirección particular, Luisa Arantes Pedroso, que me acompaña desde As Sete Vampiras (1986), que es portuguesa y por eso habla perfectamente español. Fue la responsable de toda la negociación, en la que pesó también el deseo de nuestra querida Elvira, esposa de Paul, de conocer Brasil. En Elvira encontré también una amiga y Paul bromeaba diciendo que él había ido a Brasil para trabajar y ella para ir de compras.
Cuando Paul y Elvira llegaron a Brasil, fui con mi asistenta portuguesa Luisa Arante a recogerlos en el aeropuerto con un coche de lujo que había alquilado. Habían tenido un buen viaje y era una linda tarde. Hicimos algunas fotos de Paul en el aeropuerto y salimos para el hotel, donde el productor ejecutivo del filme ya nos esperaba con el 50% del salario de Paul, tal y como estaba previsto en el contrato. Durante su estancia les hospedamos, por apenas tres semanas, en el lujoso Hotel Sheraton, enfrente de la playa Barra Da Tijuca, próxima al estudio donde rodamos la película.
Tras instalarse en una gran suite con la última revisión del guión de la película, quedamos al día siguiente para ir a cenar. Me despedí dejando a Luisa con ellos para resolver los últimos asuntos. A las 21 horas estaba tranquilo en casa, feliz de la llegada de Paul y a pocas horas de iniciar el rodaje cuando el teléfono sonó. Era Luisa desesperada avisándome de que a Paul no le gustaba nuestro último guión y amenazaba con volver a España. Me pedía que volviera inmediatamente al hotel. No entendía lo que pasaba, nadie atraviesa el Atlántico para decir que no va a hacer una película para la que ha sido contratado. Durante la negociación ya le habíamos enviado dos tratamientos diferentes del guión y Paul nunca se había quejado. Volví al hotel Sherathon y me encontré a la Armada Española dispuesta para atacar. Paul estaba hecho una fiera y me dijo que no había posibilidad de rodar ese guión y que en caso de insistir, él prefería devolver el dinero que había recibido y volver al día siguiente a España. Le dije que el rodaje comenzaba en tres días y que ya le habíamos enviado anteriormente el guión sin que se hubiese quejado. Pero él estaba enfurecido con el guión y no había nada que le hiciera cambiar de idea. Tanto que la única solución sería organizar una reunión nosotros dos con el productor de la película para intentar encontrar una solución que contentase a todas las partes. Naschy estaba irreductible y no quería hablar con el productor. Alegaba que su personaje estaba descaracterizado, que los hombres lobo eran monstruos especiales y que también faltaba la maldición del pentagrama en nuestra historia. Otra cosa que a Paul le molestó fue el hecho de hacer comedia de terror.
Poco a poco conseguí calmarlo y acordamos que él podría escribir un nuevo guión, que tuviese el mismo número de secuencias que el anterior, que no cortase escenas de los otros actores brasileños contratados y que no cambiase totalmente el sentido de nuestra historia. Yo pensaba que era una locura en apenas tres días descansar, preparar el rodaje y escribir un nuevo guión, pero es exactamente eso lo que mi amigo Paul hizo, alegando que ya había escrito muchos guiones y que le gustaba mucho hacerlo, principalmente si la película ganaba con ello. Así que el domingo por la noche Paul estaba exhausto, pero me entregó el nuevo guión, escrito totalmente a mano, que conservo con mucho cariño hasta hoy.
Conseguí salir ileso de todo eso. He trabajado en el cine durante muchos años y toda película es una locura porque el cine provoca pasiones de todo tipo.
Puedo garantizar que no hizo falta dirigir a Paul. Apenas llegaba al escenario hacíamos un ensayo y rodábamos. Siempre estaba a punto e interpretaba siempre con gran eficacia las escenas. Era un auténtico hombre de cine: actor, director, guionista, productor… Garantizo que los días de filmación con Paul Naschy fueron los más placenteros de mi larga carrera cinematográfica. Tanto como los rodajes que hice con Wilson Grey, gran actor brasileño que trabajó en casi todas mis películas. En verdad Paul ocupó un lugar en mi corazón que estaba vacío desde la muerte de Wilson Grey.
No realizamos ninguna escena en el Amazonas. Todas las escenas fueron rodadas en Río de Janeiro. Nuestra película, por sugerencia y decisión de nuestro productor Diler Trindade, fue enteramente rodada en estudios Polo de Cinema & Video de Jacarepagua y en localizaciones en Río de Janeiro. El productor estaba seguro de que si los americanos recreaban África en Río de Janeiro, nosotros podríamos transformar nuestra ciudad en la selva amazónica. También cuando se hace una película en tres semanas, como fue nuestro caso con 18 días de rodaje, cualquier lluvia puede ser desastrosa, y rodando en un estudio se pueden planear mejor las escenas, asegurándose de cumplir el calendario de rodaje. Eso por no hablar de los gastos de trasladar a todos esos actores, incluido Paul, a la selva amazónica. En términos de lenguaje cinematográfico, como mis películas generalmente son parodias de filmes americanos de serie B, filmar en estudio también facilita mi trabajo en este campo.
En Brasil todas las películas americanas que pasan por televisión están dobladas al portugués, tenemos excelentes dobladores y el espectador brasileño está muy acostumbrado a ver estos filmes hablados en portugués, esta es la razón por la que doblo todas mis películas y siempre pongo en los contratos con los actores que se me permita doblarlos en el caso de que no me guste su voz. Pero en el caso de Paul era diferente, porque no tenía sentido doblar a un gran actor como él cuya voz, entonación e idioma formaban parte de su brillante actuación. Um Lobisimem na Amazonia fue mi primera película con sonido directo y no tenía intención de doblar a Paul por otra persona. Luego, cuando terminó el rodaje, mi asistente tradujo todo el diálogo de Paul al portugués y él lo grabó en el estudio, pero a pesar de que el portugués de Paul mejoró bastante con el nuevo doblaje, su fuerte acento castellano impedía que el publico brasileño entendiera lo que estaba hablando, así que la única solución fue colocar subtítulos en portugués en sus diálogos.
Originalmente había pensado en Cauby Peixoto, un viejo icono de la música popular brasileña, para interpretar el papel del misterioso sacerdote inca en Um Lobisomem… Sería una forma de dar brillo a mi reparto y al mismo tiempo homenajearlo, pero desgraciadamente los artistas son muy vanidosos y Cauby, que fue una de las mayores estrellas de la radio nacional en los años cincuenta, se veía muy viejo para aparecer en películas, así que tuvimos que buscar otra opción que terminó siendo muy feliz ya que escogí a Sidney Magall, cuyo número musical en la película es una de las secuencias preferidas del publico. Cuando la película se exhibió con gran éxito en Turín había entre el público varios colegas que adoro como Walter Hill, Claude Chabrol, Joe Dante y John Landis. Estos últimos me dijeron que les había gustado mucho mi película y les pedí si podían escribir una frase promocional. Al día siguiente Joe tenía su frase: “uma obra prima do primeiro ao ultimo fotograma”. Pero Landis todavía no tenía preparada la suya y no sabía que escribir, de manera que para motivarlo le pregunté que secuencia le había gustado más. Sabiendo que él ya había hecho una película de hombres lobo, imaginé que escogería alguna de Paul Naschy, pero me respondió inmediatamente que la que más le gustó fue “aquella del sacerdote cantando rumba”. Fue impresionante que el gran John Landis adorara la secuencia de Sidney Magall.
También aprovechamos la estancia de Paul en Río para hacerle una larga entrevista para otro proyecto titulado “As Confissoes de um Hombre Lobo”. Naschy, como toda estrella, adoraba estar ante la cámara y respondió durante casi dos horas a mis preguntas sobre su carrera, su vida y otros asuntos con mucho humor, inteligencia y cariño.

No solo salen monstruos y científicos locos en la película de Iván Cardoso. En la foto dos de las bellas protagonistas, Danielle Winnits y Karina Bacchi
Luego, ya rodada la película, Paul Naschy y yo volvimos a vernos en el festival de Estepona de 2005, donde me hicieron una retrospectiva muy bonita y recibí un premio por el conjunto de mi obra dedicada al cine fantástico y de terror. Paul y el resto de público estuvieron encantados y fue un éxito que resumió el escritor Juan Manuel de Prada en su crónica dominical para ABC que tituló “El descubrimiento de un genio”. Pasamos una semana maravillosa en Estepona, en un hotel sensacional, viendo películas y haciendo planes para el futuro. Como ya he contado, aunque no estuvo acreditado, Paul Naschy fue guionista de Um Lobisomem na Amazonia, le encantaba escribir guiones de cine y ya teníamos en mente dos proyectos guionizados e interpretados por él: “Extrangulador de Mulatas” y “A Filha de Dracula”. Pasé unos días maravillosos en compañía de Paul, de José Manuel, de Álex de la Iglesia y de otros cinéfilos, todos encantadores conmigo. A la hora de despedirme me emocioné mucho y comencé a llorar porque sabía que en poco partiría y ya no estaría más en compañía de un gran artista, mucho más que eso, de un gran amigo que me recibió con todo el cariño de su gran corazón y que también había conquistado un espacio enorme en el mío. La inesperada muerte de Paul Naschy en 2009 por un error médico me dejo anonadado. La última vez que hablamos, una semana antes de la tragedia, estaba muy bien. Finalmente estábamos lanzando Um Lobisomem na Amazonia a la pantalla y realmente no esperaba esta triste noticia. Me gustaba mucho Paul y él también tenía cariño por mí.
Paul Naschy fue, sin duda, el mayor astro cinematográfico con el que tuve el placer de trabajar.
(Todos las fotografías gentileza de Iván Cardoso)
Trashorama edita la versión no autorizada de Dragon Ball
Directamente a sus hogares otra nueva entrega de los dementes responsables de Trashorama, nada menos que la versión coreana no autorizada de Dragon Ball, por primera vez en DVD subtitulada y remasterizada, eliminando mil defectos de la edición original coreana. Un desparrame de artes marciales, efectos de cable, bizarradas y chistes picantones que no debe faltar en la colección de ninguna persona de bien ni de mal . Complementan la sesión un montón de cortos basados en los personajes de Dragon Ball y otros extras con los que perder definitivamente el sentido.

Pedidos, como siempre, a trashoramadvdpedidos@gmail.com
Fimucité premia al compositor Antón García Abril
El octavo Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que se celebrará del 4 al 12 de julio de 2014 bajo el patrocinio del Cabildo de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz, concederá este año su máximo galardón, el FIMUCITÉ Award, a uno de los rostros más emblemáticos de la música para el cine y la televisión en España, cuya indeleble huella recorre la producción audiovisual de nuestro país desde hace más de 50 años: Antón García Abril.
El veterano compositor, autor de famosas partituras de la pequeña pantalla como “El hombre y la tierra”, “Anillos de oro”, “Fortunata y Jacinta”, “Brigada Central” o “Segunda enseñanza”, y de la música de obras tan dispares del cine nacional como Sor Citröen o Los santos inocentes, recogerá personalmente el premio en el marco del Concierto Sinfónico que tendrá lugar el viernes 11 de julio en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, durante el cual el público asistente podrá escuchar, asimismo, algunas de sus piezas más recordadas.
García Abril, quien gracias a este acto se unirá a la amplia nómina de invitados de excepción de FIMUCITÉ 2014, ha sido además Catedrático de Composición y Formas Musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Asimismo, es Premio Nacional de Música de España, y Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria, considerado el equivalente al Cervantes de la música clásica.
Su trabajo para el cine es muy abundante, iniciándose en 1954 y continuando de manera ininterrumpida hasta bien entrados los años noventa, dándose el caso de que en algunos años se han llegado a estrenar hasta trece películas con la banda sonora compuesta por García Abril. En el apartado dedicado al Fantaterror su labor ha sido fructífera y notoria, especialmente en su colaboración con el director Amando de Ossorio, para quien compone la música de su tetralogía templaria, que se inicia con La noche del terror ciego (1972) y se completa con El ataque de los muertos sin ojos (1973), El buque maldito (1974) y La noche de las gaviotas (1975). Además de otros conocidos títulos como La noche de Walpurgis (1971, León Klimovsky), ), El Dr. Jekyll y el hombre lobo (1972, León Klimovsky), Las garras de Lorelei (1974) también de Amando de Ossorio y El retorno de Walpurgis (1973, Carlos Aured).
Por otro lado, los compositores Pascal Gaigne y Víctor Reyes también han confirmado su presencia en FIMUCITÉ 8, en este caso para recoger, respectivamente, los galardones correspondientes a las categorías de Mejor Compositor Nacional y Mejor Banda Sonora Nacional, por Grand Piano, dentro de los X Premios de la Crítica Musical Cinematográfica Española, que auspicia el prestigioso digital Score Magacine y que desde hace 4 años hallan en el Festival la sede de su entrega.
Gaigne, conocido por sus trabajos para películas como AzulOscuroCasiNegro o El sol del membrillo, repetirá de este modo como presencia invitada por FIMUCITÉ tras haber conocido el Festival durante su quinta edición, mientras que Víctor Reyes, responsable de la música de títulos tan recientes e interesantes como Buried o Luces Rojas, se suma, con su estancia en Tenerife, a un amplio elenco sobre el que todavía quedan múltiples sorpresas por descubrir.







































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