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Batman cumple 75 años y tanto DC Cómics como Warner Bros. preparan interesantes eventos
Para conmemorar una fecha tan importante como el 75 aniversario de la creación de Batman, personaje de DC Comics, Warner Bros. Entertainment y DC Entertainment acaban de anunciar sus planes para honrar adecuadamente durante todo un año al superhéroe más famoso del mundo entero. Entre los puntos fuertes del programa de celebraciones, se encuentra el nuevo logo de Batman conmemorativo de su 75 aniversario y una exposición de arte exclusiva de “Capas/Capuchas” totalmente nuevas creadas por 20 artistas actuales y que supondrán su interpretación personal de la emblemática vestimenta de Batman para el próximo videojuego Batman: Arkham Knight. También habrá actividades relacionadas con el 75 aniversario durante todo el año en Warner Bros. Entertainment.
Batman, cuya primera aparición tuvo lugar en el nº 27 de Detective Comics, publicado el 30 de marzo de 1939, y que contaba con diseño de Bob Kane y guion de Bill Finger, surge de la nada para convertirse en el superhéroe más popular y hacerse con los medios de comunicación. El superhéroe más humano de todos ha luchado contra los villanos de ficción más malvados en películas, series de televisión, radio, videojuegos, publicaciones y merchandising, empleando su inteligencia, astucia y todo un arsenal de gadgets en su búsqueda de justicia. Lamentablemente no todas son buenas bat-noticias, y el aniversario se ve ensombrecido por el fallecimiento a los 91 años de Lorenzo Semple Jr., creador de la descacharrante serie televisiva de los años sesenta que recibió el encargo mientras vivía en España y que llegó a admitir que en el tono de comedia tuvo mucho que ver el consumo de sangría.
Para Kevin Tsujihara, Chief Executive Officer, Warner Bros. Entertainment: “Batman es un activo increíblemente importante para el Estudio, porque resulta muy atractivo para cualquier generación, y estamos muy orgullosos de poder celebrar un aniversario tan importante. El caballero oscuro aún sigue siendo recordado por público de todo el mundo, desde el de las taquilleras películas que han recaudado miles de millones de dólares en taquilla, hasta el de televisión, videojuegos y productos de consumo, y creo que sin duda se merece un lugar como icono cultural mundial durante años”.
Batman es la saga cinematográfica de superhéroes de mayor éxito y se han estrenado más películas sobre él que sobre cualquier otro personaje de cómic. En el ámbito de los videojuegos, la saga Batman Arkham es también la de mayor éxito que existe. Batman sigue rompiendo récords con cada encarnación de su personaje y continúa siendo el baremo de éxito con el que se miden las ventas del resto de cómics.
Para Diane Nelson, President of DC Entertainment and President & Chief Content Officer, Warner Bros. Interactive Entertainment: “Batman es uno de los personajes más fabulosos que se ha creado nunca, en cómics o en cualquier otra parte, e incluso tras 75 años aún sigue asombrando a sus fans. Forma parte intrínseca de la cultura pop y ha captado con enorme éxito la imaginación del mundo entero. Su origen, Bruce Wayne y los famosos ciudadanos de Gotham City son súper conocidos y muy probablemente formen parte de una historia que todos nos sabemos a la perfección, incluso a pesar de que no hayas cogido un cómic en tu vida, lo que habla por sí solo de la enorme popularidad del personaje y de la creación de la mitología original”.
La primera historia de Bat-Man (como se le conocía entonces) se publicó en mayo de 1939 en el nº 27 de Detective Comics, ideado y dibujado por Kane, que tan solo tenía 22 años por aquel entonces, y Bill Finger, colaborador habitual suyo, a cargo del guion. El personaje tuvo tanto éxito que tan solo un año más tarde se publicó el primer cómic dedicado exclusivamente a las aventuras del activista de la capa: Batman #1. En ese mismo número se enfrentó Batman por primera vez tanto a Joker como a Catwoman.
Ahora, DC Entertainment y las distintas divisiones del Estudio (Pictures, Television, Interactive Entertainment, Home Entertainment y Consumer Products) conmemorarán el extraordinario 75 aniversario con una serie de esperados eventos y productos.
El nuevo logo conmemorativo, desvelado también a través de redes sociales y páginas web, toma como inspiración el conocido símbolo de Batman e incluye un cartel con una tipografía estilo bloque que reza “75 años”. Este logo será el empleado en promociones, productos e iniciativas relacionadas con Batman.
Entre las actividades más importantes previstas para los festejos de conmemoración del 75 aniversario de Batman están:
· DC Entertainment: DC Entertainment se ha asegurado de que este año esté repleto de títulos nuevos, ediciones especiales, entre las que figura la edición especial del nº 27 de Detective Comics, que conmemora la primera aparición en 1939 de Batman en la serie y la nueva publicación semanal Batman Eternal, que verá la luz en noviembre.
- El Día Batman: DC Entertainment, en conmemoración del 75 aniversario celebrará un “Día Batman” a lo largo del año.
- Interactive Entertainment: Warner Bros. Interactive Entertainment ha invitado al conocido diseñador de moda Asher Levine a que cree una capa y una capucha inspiradas en el Bat-traje del recientemente anunciado videojuego Batman: Arkham Knight, desarrollado por Rocksteady Studios. Los mejores artistas contemporáneos tendrán la oportunidad de usar las réplicas como lienzo en blanco para diseñar sus propias interpretaciones originales de la emblemática vestimenta de Batman, para crear una exposición de “Capas/Capuchas” totalmente nuevas que se exhibirán en julio en el Comic-Con International de San Diego.
- Home Entertainment: Warner Bros. Home Entertainment ofrecerá a los fans de Batman una selección de nuevos títulos durante todo el año entre los que se encuentra Las Aventuras de Batman, la serie de animación El Hijo de Batman (13 de mayo) y Assault on Arkham (verano de 2014). Además, a finales de año se estrenará la Edición 25 aniversario del Batman de Tim Burton.
- Television: Warner Bros. Television se encuentra en pleno proceso de producción del episodio piloto de Gotham, la esperada nueva serie con capítulos de una hora de duración para FOX que indaga en los orígenes del Jefe de policía James Gordon y los villanos que han dado fama a Gotham City. En esta serie, el detective Gordon (Ben McKenzie, Southland) se encontrará con un conocido reparto de personajes, entre los que se incluye un joven Bruce Wayne, en su trabajo para defender la ley en la ciudad de Gotham. Bruce Heller, productor ejecutivo (El Mentalista, Roma), ha escrito el guion del episodio piloto, cuya dirección está llevando Danny Cannon, también productor ejecutivo de series como CSI, Nikita.
- Pictures: Al conmemorarse el 75 aniversario de Batman en 2014, Warner Bros. Pictures pondrá en marcha la producción de la película de Zack Snyder sobre Batman y Superman, aún sin título, que protagonizarán Henry Cavill, que repite el papel de Superman/Clark Kent, y Ben Affleck como Batman/Bruce Wayne. La película, cuyo estreno se prevé para el verano de 2016, juntará en la gran pantalla a los dos superhéroes más emblemáticos de la historia.
- Consumer Products: La división Consumer Products, de Warner Bros., en colaboración con una selección de titulares de licencias, conmemorará el 75 aniversario de Batman mediante la venta de ediciones especiales y productos de edición limitada. Desde las series de televisión clásicas de los 60 a los cómics actuales, la presencia de Batman será mayor que nunca en conmemoración de su legado mediante multitud de artículos que van de los juguetes a las camisetas.
Double Feature: La residencia / ¿Quién puede matar a un niño?
Si hace unos días publicamos un artículo en el que Toni Bascoy nos hablaba de su libro Double Feature: Dark Star / El regreso de los muertos vivientes, en esta ocasión le toca el turno a los responsables de otro libro de la colección de Tyrannosaurus Books, Carlos Benítez (el que esto les cuenta) y Montse Rovira, que han escrito el dedicado a las dos películas de Narciso Ibáñez Serrador: La residencia / ¿Quién puede matar a un niño?
En 2013 los responsables de este (su) blog recibimos un encargo que nos hizo mucha ilusión: escribir un libro y sobre lo que más nos gusta: el cine. La propuesta vino de la mano de nuestros amigos de Tyrannosaurus Books. Se trataba de escoger dos películas y realizar con ambas un estudio histórico y crítico. Nos lo pusieron más que fácil cuando vimos que la lista de propuestas que nos sugerían incluía el díptico formado por los dos largometrajes de Narciso Ibáñez Serrador, La residencia y ¿Quién puede matar a un niño?, algo que parecía hecho a nuestra medida, por lo que nos decidimos inmediatamente.
A partir de ahí vino el trabajo bibliográfico (para realizar biografías, entrevistas y entorno socio cultural de ambos filmes), así como el visionar ambas películas infinidad de veces para extraer una sinopsis efectiva, así como un análisis pormenorizado de las escenas más significativas. 
Pudimos localizar los orígenes literarios de ambos guiones y observar como superaron su traslado al celuloide. También nos enfrascamos con la búsqueda de algún participante en los rodajes con el objetivo de que aportara sus vivencias. Una labor bastante difícil, pero también satisfactoria. Difícil porque costó localizar a algunas personas y no todas estuvieron dispuestas a colaborar. Naturalmente eran libres de no hacerlo. Intentamos contactar con el propio Ibáñez Serrador. Pero no hubo respuesta. También localizamos al escritor del cuento que dio origen a La residencia, Juan Tebar, pero no se mostró interesado en hablar sobre el tema. Más dispuesta se encontraba a compartir recuerdos la escritora, actriz y viuda del músico Waldo de los Ríos (compositor de las dos bandas sonoras), Isabel Pisano, pero a la hora de la verdad no pudo ser. Cuando todo parecía perdido, buscando y rebuscando entre el muy amplio reparto de internas de La residencia, pudimos contactar con Maria Gustafsson, actualmente escritora en su país, Suecia, y que accedió amablemente a compartir sus vivencias durante el rodaje con Ibáñez Serrador. La casualidad quiso que más tarde tuviésemos ocasión de hablar con Loreta Tovar, otra de las jóvenes residentes. Más complicado fue localizar a alguien relacionado con la segunda película de Chicho, pero de nuevo el azar quiso que entráramos en contacto con Marián Salgado, una de las niñas de ¿Quién puede matar a un niño? y gracias a la amabilidad de las tres pudimos publicar algunos detalles y anécdotas que sin duda enriquecieron el texto.
Una vez finalizada, tuvimos ocasión de presentar la obra y la colección a la que pertenece, Double Feature, en diversos eventos, desgraciadamente en la extensa mayoría de ellos sin contar con el libro físicamente al no estar editado. En todos estos lugares hicimos un cursillo acelerado de como no hablar en público. Estuvimos presentes en el Festival de Sitges, en Cardoterror, en el Fnac y FantastiCS de Castellón, donde tuvimos la mala fortuna de que grabaran mis muletillas al hablar y mis diversos tartamudeos, así como el saber estar de mi compañera de fatigas, libro y blog, Montse.
Esta fotografía poco vista del rodaje de La residencia fue adquirida con el objetivo de que figurara en el libro pero, por diversos avatares, quedó fuera. Sale aquí por primera vez desde nuestro archivo. (Foto Antonio Luego- Archivo Serendipia)
Disfrutamos en todos esos lugares como también hemos disfrutado, y mucho, escribiendo este libro. Investigando datos e intentando incluir lo máximo posible sobre ambos filmes. Ambos autores hemos puesto, en resumen, todo nuestro amor en ello, quedando satisfechos con el resultado. Ignoramos que tal habrán ido las ventas o si alguno de ustedes tiene el libro y les ha gustado. Nos alegrará mucho que así sea, como nos ha gustado que nuestra humilde obra haya sido utilizada por Maica Rivera para escribir el panegírico que sobre el recientemente desaparecido Juan José Plans, escritor de la historia y la novela que dio pié a ¿Quién puede matar a un niño?, publicó en Leer
Para curiosidad, befa y mofa les dejo aquí el video que los amigos de FantastiCS registraron de la presentación del libro en Castellón , en el que además de presentar a dos voces nuestro libro común dedicado a Chicho, presento en solitario otro centrado en la propaganda de cine fantástico y de terror que también apareció en 2013. Gracias a todos los que han comprado estos libros. También a los que no lo han hecho pero nos han apoyado. Y naturalmente a nuestros editores por la confianza demostrada.
Han cumplido un par de bonitos sueños…
Pdt: Termino de escribir este artículo y me entero de algo que debo agradecerles: nuestro libro se encuentra actualmente agotado en la editorial. Son ustedes estupendos.
La Pantera Rosa cumple 50 años
BLAKE EDWARDS RODÓ «LA PANTERA ROSA» EN 1963. TUVO TAL ÉXITO DE PÚBLICO QUE PROVOCÓ EL INICIO DE UNA FAMOSA SERIE DE PELÍCULAS. A SU SOMBRA NACIÓ UN DIVERTIDO PERSONAJE ANIMADO QUE ACABÓ TENIENDO CARRERA PROPIA, LA PANTERA ROSA, QUE ACABA DE CUMPLIR 50 AÑOS Y GOZA DE BUENA SALUD. ¿QUÉ MEJOR FORMA DE CELEBRARLO QUE CON UNA FIESTA POR TODO LO GRANDE EN BARCELONA?
LA GRAN FIESTA DE LA PANTERA ROSA
Barcelona acogerá el próximo jueves 20 de marzo “La Gran Festa de La Pantera Rosa”, un evento que celebrará el 50 aniversario de este clásico de la comedia con una serie de actos en el cine Aribau y la sala de fiestas Luz de Gas.
El día escogido ha sido éste ya que, precisamente, el filme se estrenó en Estados Unidos el 20 de marzo de 1964. La Metro Goldwyn Mayer ha cedido el logotipo oficial de las bodas de oro de la Pantera Rosa para ilustrar esta fiesta.
Las puertas de la sala grande del Aribau, el cine con mayor aforo de la ciudad en la actualidad, se abrirán a las 20.15 h. para que los espectadores puedan contemplar una exposición, organizada por Bimbo, que recogerá la evolución del famoso pastelito que lleva su nombre y que supone el producto licenciado más antiguo del mercado español en la categoría de alimentación, ya que se vende desde 1966, hace más de 40 años.
Alrededor de las 20.30 h. se espera la llegada de unos invitados muy especiales: la Pantera Rosa y el inspector Clouseau. Ambos participarán en un Photocall y los asistentes podrán fotografiarse con ellos. Al día siguiente, podrán acudir a la web de El Periódico de Catalunya para descargarse su respectiva instantánea. La Big Band de l’Escola L’Antàrtida amenizará la espera y animará a los asistentes.
En el transcurso de la sesión se proyectará el filme que dio origen al fenómeno en versión original subtitulada. La película fue dirigida en 1963 por Blake Edwards y protagonizada por Peter Sellers, David Niven, Capucine, Claudia Cardinale y Robert Wagner. Pero también podrán verse algunos cortometrajes del popular personaje animado y otras sorpresas. Se sortearán algunos premios y todos los asistentes se marcharán con regalos de los patrocinadores.
A continuación, a las 0.30 h., tendrá lugar un concierto en la sala Luz de Gas donde los miembros del grupo Acousters interpretarán temas de Henry Mancini, el compositor del célebre tema de La Pantera Rosa. La fiesta contará también con la participación del grupo Apache (con versiones de clásicos del pop-rock como Police, Queen, Pink Floyd o Supertramp) y la selección musical correrá a cargo del DJ Fede Sardà. Los asistentes serán invitados a degustar gratuitamente un cóctel conmemorativo, lógicamente de color rosa.
La entrada única para poder acceder a todos estos actos cuesta tan solo 8 euros y podrá adquirirse a través de www.ticketmaster.es y en las taquillas del cine Aribau.
“La Gran Festa de La Pantera Rosa” será presentada por el periodista cinematográfico Eduardo de Vicente y está organizada por Celluloid-Cine en el cuerpo y Grup Balañà, con la colaboración de El Periódico de Catalunya, Bimbo, Luz de Gas, MiAroma, Copyright Promotions Spain, Moritz, Deuvede Music, Hummer & Navigator y Bande à Part
HISTORIA DE UN PERSONAJE
Los años sesenta fueron la década de los Beatles y la psicodelia. Pero tambien nacía un personaje acorde con su tiempo que iba a marcar una época: la Pantera Rosa. El proyecto se originó como una película, una comedia dirigida por Blake Edwards, en la que tenía un papel importante, aunque no protagonista, un policía patoso, el inspector Clouseau. Peter Ustinov fue el primer candidato, pero rechazó el personaje, que fue a parar a manos de Peter Sellers que cobró por su trabajo 90.000 libras. Para poder interpretar al escuálido Inspector Clouseau, Sellers tuvo que adelgazar tomando píldoras dietéticas durante casi un año. Gracias a su éxito, el actor entró en el ranking de las 100 mejores estrellas de la historia del cine realizado por la revista britànica Empire.
Clouseau era el encargado, en esta primera entrega, de evitar el robo de un valioso diamante conocido como La Pantera Rosa. La película estaba ya en marcha cuando el director tuvo la idea de crear el dibujo de un felino de ese color para que pudiera verse superpuesto en la joya. Para ello contrató al dibujante Friz Freleng, autor de Bugs Bunny.
Freleng y su socio, David de Patie, diseñaron más de un centenar de personajes. Edwards escogió uno de ellos y le gustó tanto que cambió de intención y propuso a los dibujantes que se encargaran de rodar los títulos iniciales con esa criatura. Sus únicas condiciones consistían en que debería ser una animación divertida, muda y rosa. Los autores se inspiraron en la rebeldía de James Dean y en la clase e inteligencia de Cary Grant y David Niven, este último, protagonista del filme. Para ellos no era un producto para niños, que lo consideraban demasiado sofisticado, sino para adultos. No menos importante fue la aportación del compositor Henry Mancini, que acompañó con una insinuante música (nominada al Oscar) las evoluciones del personaje.
Cuando el filme se estrenó en Estados Unidos, el 20 de marzo de 1964, ese prólogo animado causó sensación y la prensa se volcó en elogios. Varios reporteros coincidieron en que los créditos eran ‘incluso mejores que la película’ y la revista Time colocó al personaje en portada. A partir de ese momento, la Pantera Rosa adquirió vida propia al margen de las películas de Blake Edwards y ambas trayectorias estuvieron marcadas por el éxito.
Tres meses después ya estaba en marcha El nuevo caso del inspector Clouseau (A shot in the dark). Curiosamente, esta película en sus inicios no guardaba relación alguna con la saga de la pantera. Se trataba de un filme de detectives protagonizado por Peter Sellers y Walter Matthau, basado en una obra teatral de Harry Kurnitz. Matthau, protagonista del original en los escenarios, acabó por abandonar y Sellers, que no estaba conforme en cómo estaba funcionando el rodaje amenazó con hacer lo mismo.
La productora le pidió a Edwards que retuviera al actor. La manera de lograrlo fue reescribir la cinta para convertirla en la continuación de las aventuras de Clouseau. El encargado del guión sería un joven William Peter Blatty, futuro autor de El exorcista. Esta entrega marcaría la fórmula de las siguientes entregas. Incorporó personajes que se harían fijos, como el envidioso inspector jefe Dreyfus (Herbert Lom); el criado Kato (Burt Kwouk) siempre listo para una pelea; y el actor fetiche de Edwards, Graham Stark, que apareció en varios capítulos, pero siempre con distintos papeles.
Mientras, el personaje de la pantera debutaba en el terreno del cortometraje como protagonista en The Pink Phink (Incordio rosa), con la que consiguió un Oscar en esta categoría. Cuenta la lucha que mantiene contra un hombrecillo que pinta una pared de azul, mientras que ella se empeña en cambiarla a rosa. El éxito llevó a Freleng a convertir The pink phink en el inicio de una serie de más de 140 cortometrajes rodados en los años sesenta y setenta sobre temas variados. Predominaron las parodias de películas con títulos como Pinkfinger (Goldfinger), Dial P for Pink (Crimen perfecto), In the pink of the night (En el calor de la noche), Rocky pink y Sherlock pink, pero también reflexionaban sobre la cultura juvenil (Psychedelic pink) y la música (Pink, plunk, plink).
Blake Edwards decidió aparcar al inspector Clouseau y rodar otras películas como La carrera del siglo y El guateque, con su inseparable Sellers, pero la Pantera le robó a su creación y en 1965 Clouseau hacía su primera aparición como personaje animado. Al año siguiente, otro cortometraje del felino rosa obtendría una nominación al Oscar, The Pink Blue Print.
La competencia surgiría donde menos se imaginaban. Edwards y Sellers se negaron a seguir con la serie y la productora decidió, en 1968, rodar otro capítulo sin ellos, Inspector Clouseau, el rey del peligro, con Alan Arkin en el papel del actor británico, que pasó sin pena ni gloria. La cadena de televisión norteamericana NBC aprovechó la resurrección del fenómeno para emitir los sábados por la mañana las peripecias animadas de la pantera y Clouseau. La repercusión fue sorprendente. La NBC encargó a Freleng un programa titulado El show de la pantera rosa que se mantuvo en antena durante 10 años y que alcanzó un gran éxito en todo el mundo.
La serie cinematográfica no se reemprendería hasta 1975. Los motivos eran bastante claros. Los últimos trabajos del director (Dos hombres contra el Oeste, La semilla del tamarindo) no habían funcionado bien en la taquilla y la estrella de Sellers estaba en declive. El mejor método para impulsar sus carreras era volver a unirse; de ahí surgió El regreso de la pantera rosa, originalmente pensada para abrir una miniserie televisiva dedicada al personaje. Pero acabó llegando a las salas comerciales y provocando el rodaje de dos nuevas entregas: La pantera rosa ataca de nuevo (1975) y La venganza de la pantera rosa (1978).
En 1980 fallecía Peter Sellers y, cuando todos daban por acabada la serie, hubo un capítulo más, Tras la pista de la pantera rosa (1982). Fue presentada como un homenaje al actor y la película se nutrió de escenas descartadas y tomas falsas de anteriores entregas, añadidas a un metraje nuevo.
Pero aún se podía rizar más el rizo y se rodó una nueva entrega, La maldición de la pantera rosa, en la que Ted Wass era un torpe detective encargado de localizar al inspector Clouseau, misteriosamente desaparecido. Pese a contar con gran parte del reparto original (David Niven, Capucine, Herbert Lom), la película no interesó al público, lo que provocó que la serie volviera a detenerse hasta 1993, fecha en la que se estrenó El hijo de la pantera rosa, donde un entonces desconocido Roberto Benigni interpretaba al desastroso vástago de Clouseau. Una vez más, el hecho fue aprovechado para crear El nuevo show de la pantera rosa, en el que Matt Frewer (Max Headroom) cedía su voz al simpático animal.
Parecía que la serie había dicho adiós al cine, pero el siglo XXI aún vio dos nuevas entregas de las desventuras de un nuevo Clouseau interpretado por Steve Martin, también coguionista de ambas. La primera (2006) contaba con un espectacular reparto en el que también figuraban Kevin Kline, Jean Reno, Emily Mortimer y la cantante Beyoncé. La última película hasta la fecha data de 2009 y, en esta ocasión, se incorporaron al elenco Jeremy Irons, Andy Garcia y el ex Monty Python, John Cleese.
Mientras siguen siendo frecuentes las reposiciones de sus películas y programas en televisión. Fue el primer personaje animado que dejó sus huellas en el famoso Teatro Chino hollywoodiense y puede encontrarse una gran cantidad de productos relacionados con él. En España sigue comercializándose el sabroso pastelito de Bimbo Pantera rosa, de bizcocho recubierto con chocolate de este color. En Santa Rosa (California) una fan, Julie Tapia, tiene un museo que se puede visitar por Internet (www.pinkpanthermuseum.com). Allí caben más de 6000 artículos relacionados con el personaje: desde cajas de música hasta pasta de dientes, procedentes de países como Japón, Australia y España.
¡Feliz cumpleaños, Pinky!
Fimucité premia al compositor Antón García Abril
El octavo Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que se celebrará del 4 al 12 de julio de 2014 bajo el patrocinio del Cabildo de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz, concederá este año su máximo galardón, el FIMUCITÉ Award, a uno de los rostros más emblemáticos de la música para el cine y la televisión en España, cuya indeleble huella recorre la producción audiovisual de nuestro país desde hace más de 50 años: Antón García Abril.
El veterano compositor, autor de famosas partituras de la pequeña pantalla como “El hombre y la tierra”, “Anillos de oro”, “Fortunata y Jacinta”, “Brigada Central” o “Segunda enseñanza”, y de la música de obras tan dispares del cine nacional como Sor Citröen o Los santos inocentes, recogerá personalmente el premio en el marco del Concierto Sinfónico que tendrá lugar el viernes 11 de julio en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, durante el cual el público asistente podrá escuchar, asimismo, algunas de sus piezas más recordadas.
García Abril, quien gracias a este acto se unirá a la amplia nómina de invitados de excepción de FIMUCITÉ 2014, ha sido además Catedrático de Composición y Formas Musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Asimismo, es Premio Nacional de Música de España, y Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria, considerado el equivalente al Cervantes de la música clásica.
Su trabajo para el cine es muy abundante, iniciándose en 1954 y continuando de manera ininterrumpida hasta bien entrados los años noventa, dándose el caso de que en algunos años se han llegado a estrenar hasta trece películas con la banda sonora compuesta por García Abril. En el apartado dedicado al Fantaterror su labor ha sido fructífera y notoria, especialmente en su colaboración con el director Amando de Ossorio, para quien compone la música de su tetralogía templaria, que se inicia con La noche del terror ciego (1972) y se completa con El ataque de los muertos sin ojos (1973), El buque maldito (1974) y La noche de las gaviotas (1975). Además de otros conocidos títulos como La noche de Walpurgis (1971, León Klimovsky), ), El Dr. Jekyll y el hombre lobo (1972, León Klimovsky), Las garras de Lorelei (1974) también de Amando de Ossorio y El retorno de Walpurgis (1973, Carlos Aured).
Por otro lado, los compositores Pascal Gaigne y Víctor Reyes también han confirmado su presencia en FIMUCITÉ 8, en este caso para recoger, respectivamente, los galardones correspondientes a las categorías de Mejor Compositor Nacional y Mejor Banda Sonora Nacional, por Grand Piano, dentro de los X Premios de la Crítica Musical Cinematográfica Española, que auspicia el prestigioso digital Score Magacine y que desde hace 4 años hallan en el Festival la sede de su entrega.
Gaigne, conocido por sus trabajos para películas como AzulOscuroCasiNegro o El sol del membrillo, repetirá de este modo como presencia invitada por FIMUCITÉ tras haber conocido el Festival durante su quinta edición, mientras que Víctor Reyes, responsable de la música de títulos tan recientes e interesantes como Buried o Luces Rojas, se suma, con su estancia en Tenerife, a un amplio elenco sobre el que todavía quedan múltiples sorpresas por descubrir.
Nueva butaca de honor en Artistic Metropol y programa doble para celebrarlo
El Fantaterror español invadirá Nueva York en Halloween
Bajo el título The Golden Age of Spanish Horror Cinema, se celebra en Nueva York un magnífico y completo ciclo dedicado al cine de terror español con la proyección en 35 m/m. de las películas más señeras que el género nos ofreció. La cita tendrá lugar del 30 de octubre al 10 de noviembre, fechas mágicas que incluyen la noche de Halloween, velada en la que se ofrecerá un cocktail especial por gentileza de Freixenet.
La magnífica selección de títulos ha sido obra de Javier Pulido, autor del libro La década de oro del cine de terror español, e incluye gemas de Jesús Franco, Eugenio Martín, León Klimovsky, Jorge Grau, Amando de Ossorio, Narciso Ibáñez Serrador, Javier Aguirre, José Ramón Larraz y, por supuesto, Paul Naschy.
El mismo Javier nos ofrece algunas detalles sobre este ciclo del que es Comisario:
A partir de ahí, yo les pasé una propuesta inicial con los títulos que consideraba imprescindibles. Algunos de ellos se han quedado fuera por varias razones: no se encontró copia en 35mm, no había versiones en español con subtítulos en inglés, las copias estaban deterioradas o se pedían cantidades astronómicas por parte de las compañías que tienen los derechos, que no nombraremos porque no se lo merecen. Hay que tener en cuenta que hablamos de un ciclo para personas a las que el género no les es familiar, de ahí que algunas elecciones puedan parecer muy obvias a los seguidores del cine de terror español. De la búsqueda de películas se encargaron en el Anthology Film Archives de Nueva York. Yo les gestioné todos los contactos que pude desde España, pero las cuestiones logísticas eran materia suya. Lamento algunas ausencias en la lista, pero espero que las películas que sí están incluidas sirvan al público no iniciado para conocer un género fascinante. El ciclo se ha preparado con mucho cariño y respeto».
- La Residencia (Narciso Ibáñez Serrador, 1969)
- La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1970
- La Marca del Hombre Lobo (Enrique Aguiluz, 1967)
- No profanar el sueño de los muertos (Jordi Grau, 1974)
- Gritos en la Noche (Jess Franco, 1961)
- El Ataque de los Muertos sin Ojos (Amando de Ossorio, 1973)
- Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1973)
- Exorcismo (Juan Bosch, 1975)
- Drácula contra Frankenstein (Jess Franco, 1972)
- El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972)
Diez opcionales
- La torre de los siete jorobados (Edgar Neville, 1944)
Arrebato (Iván Zulueta, 1979)- Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973)
- El jorobado de la Morgue (Javier Aguirre, 1972)
- Miss muerte (Jess Franco, 1976)
- Quién puede matar a un niño (Narciso Ibáñez Serrador, 1976)
- Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973)
- La novia ensangrentada (Vicente Aranda, 1972)
- Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982)
- La orgía de los muertos (José Luis Merino, 1973)/La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1973)
Cinco rarezas
- Un vampiro para dos (Pedro Lazaga, 1965)
- La llamada (Javier Setó, 1965)
- La campana del infierno (Claudio Guerin Hill, 1973)
- El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973)
- El techo de cristal (Eloy de la Iglesia, 1970)
En vista de los títulos seleccionados, de los que ya explica Javier que algunos quedaron fuera por distintas razones, puede decirse que la búsqueda ha sido todo un éxito, con películas importantísimas y otras totalmente imprescindibles.
Como siempre ha pasado, y nos tememos que pasará, vuelve a suceder que tanto estas películas como sus artífices son más apreciadas fuera de nuestras fronteras que en su lugar de origen y, como hemos podido averiguar recientemente, no siempre es culpa de los medios o de los ministerios de cultura de turno.
Para los afortunados que se puedan desplazar, la muestra tendrá lugar en:
Anthology Film Archives
32 Second Avenue (at 2nd St.) New York, NY 10003 USA
Y constará de los siguientes títulos:
- León Klimovsky THE WEREWOLF VERSUS THE VAMPIRE WOMAN (La noche de Walpurgis, 1971) October 30 at 7:15 PM November 3 at 9:15 PM
- Narciso Ibáñez Serrador THE HOUSE THAT SCREAMED (La Residencia, 1969) October 30 at 9:15 PM November 4 at 7:00 PM November 9 at 5:00 PM
- Jorge Grau LET SLEEPING CORPSES LIE (No profanar el sueño de los muertos, 1974) October 31 at 7:15 PM November 8 at 9:15 PM
- Javier Aguirre COUNT DRACULA’S GREAT LOVE (El gran amor del conde Drácula, 1973) October 31 at 9:15 PM November 8 at 7:15 PM
- Jess Franco VENUS IN FURS (1969) November 1 at 7:15 PM November 5 at 7:15 PM November 9 at 9:30 PM
- Jess Franco THE DEMONS (Los demonios, 1973) November 1 at 9:15 PM November 9 at 7:15 PM
- Amando de Ossorio LORELEY’S GRASP (Las garras de Lorelei, 1976) November 2 at 5:15 PM November 4 at 9:15 PM
- Amando de Ossorio NIGHT OF THE SEAGULLS (La noche de las Gaviotas, 1975) November 2 at 7:15 PM November 5 at 9:15 PM November 10 at 7:00 PM
- Jose Ramon Larraz VAMPYRES (Las hijas de Drácula, 1974) November 2 at 9:15 PM November 7 at 7:15 PM November 10 at 5:00 PM
- Paul Naschy THE CRAVING (El retorno del hombre lobo, 1981) November 3 at 5:15 PM November 10 at 9:00 PM
- Eugenio Martín HORROR EXPRESS (Pánico en el Transiberiano, 1972) November 3 at 7:15 PM November 7 at 9:15 PM
Narciso Ibáñez Serrador butaca de honor en Artistic Metropol
Por iniciativa de El buque Maldito y Artistic Metropol, el sábado 28 de septiembre habrá una velada muy especial durante la cual el genial Narciso Ibáñez Serrador será objeto del premio Butaca de Honor, personalizando uno de las butacas de la sala con su nombre y pasando a formar parte del selecto grupo que incluye a Paul Naschy, Lone Fleming, Jack Taylor, Antonio Mayans y Colin Arthur.
El homenaje, que contará con la asistencia del propio Ibáñez Serrador, se completará con la proyección de uno de sus filmes, ¿Quién puede matar a un niño? (1976), en versión original con subtítulos, como debería haberse proyectado ya durante su estreno, pero que por circunstancias comerciales, se decidió doblar. Sobre esta película y su primera incursión en el celuloide, La Residencia, Tyrannosaurus editará muy pronto un libro, escrito por los responsables de este blog.
Sin duda una cita imprescindible para los que estén por Madrid y que desde aquí y en nuestra indigencia, miraremos con sana envidia.
El precio de la entrada es de 3,50€ y el aforo es limitado. Venta anticipada en:
http://www.ticketea.com/homenaje-a-narciso-ibanez-serrador
Cine Artistic Metropol. Calle Cigarreras, nº6. Madrid
El día que Ray Harryhausen me dedicó el poster de El viaje fantástico de Simbad
Aunque ya había visto Hace un millón de años (One Million Years D.C., 1966 Don Chaffey), la que recuerdo como mi primera película de Ray Harryhausen fue El viaje fantástico de Simbad (The Golden Voyage of Simbad, 1973 Gordon Hessler) y ya digo bien, de Harryhausen, ya que aunque la hubiera dirigido otro, esta y resto de las películas en las que intervino Harryhausen, son lo que son gracias al mago de los efectos especiales y a la paciencia, imprescindible para el stop-motion. El caso es que esta película se me quedó marcada cuando la vi por primera vez a los nueve años principalmente por dos cosas : por sus fantásticos monstruos gigantes y por Caroline Munro. Ustedes ya me entienden.
Sabía quien era Ray Harryhausen por Famosos «Monsters» del cine, pero ver el espectáculo en pantalla…era otra cosa. De hecho tanto me gustó la película, que ese día vi más de una vez ya que como ustedes recordarán en los cines de reestreno uno podía quedarse a repetir, que no pude más que pedir al dueño del cine que cuando la retiraran de cartel me diera el póster. Y así fue y ese magnífico poster lo atesoro desde entonces.
Luego vería muchas más películas de Harryhausen, ya fuera en cine: Simbad y el ojo del tigre (Sinbad and the Eye of the Tiger, 1977 Sam Wanamaker) y Furia de titanes (Clash of the Titans, 1981 Desmond Davis). Como en televisión: Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, 1963, Don Chaffey), Simbad y la princesa (The 7th Voyage of Sinbad, 1958 Nathan Juran) además de todas las que, primero el video y después el DVD no han permitido recuperar y ver cuantas veces queramos.
Lo que no me podía imaginar es que tendría ocasión de conocer a Harryhausen y hablar brevemente con él.
Y es que el Salón del Cómic de 2008 fue memorable por dos poderosas razones: Pude conocer a Paul Naschy y a Ray Harryhausen. Tras estar con Paul fui corriendo, ya que el tiempo apretaba, a donde firmaba Harryhausen y me puse a la cola. Y sí, allí estaba Ray. Repartiendo sonrisas y autógrafos. El hombre estaba bastante mayor, la verdad, pero estaba allí para nosotros y no pensaba dejarlo escapar. La cola tras de mi iba incrementándose y la hora en la que tenía previsto terminar se estaba acercando. Lo sorprendente fue cuando una chica de la organización puso un cartel en la espalda del que estaba delante mío (¡puso un cartel en su espalda! ¿Pero esto que es?) con lo que quería indicar que hasta ahí atendería Harryhausen por terminarse el tiempo, dejando un buen puñado de ilusiones por los sueños y la primera la mía… Pero aquí es donde vi un gesto de Ray que me emocionó y todavía pensando en ello me emociona: Ray Harryhausen dijo que atendería a todos y cada uno de los que estábamos en la cola. Y así fue.
Foto: Jorge Juan Adsuara.
Llego mi turno, saqué mi cartel de El viaje fantástico de Simbad que hacía tantos años estaba conmigo, y le conté mi pequeña historia y desde cuando lo tenía. Me sonrió, me lo dedicó, nos dimos la mano y ahí tienen el resultado. Y dos fotos que están en un disco duro que no se pone en marcha (Por cierto, ¿alguien puede recomendarme que hacer para recuperar todas las imágenes que contiene?). Un momento mágico. Y yo volviendo a casa con un cartel firmado por Harryhausen, un cómic y una foto dedicadas por Paul Naschy y fotos con ambos. No estuvo nada mal el día. Lo cierto es que con la muerte de Naschy y la reciente de Ray Harryhausen, estos dos encuentros son casi imposibles. Y de nuevo si, digo bien, casi. Ya que quedan todas las películas de ambos y la posibilidad que la tecnología nos ofrece de revisarlas cuando queramos.
¿Qué más puede pedirse?
Por cierto, el día siguió marchando bien pero… eso ya es otra historia…
Jorge Grau, butaca de honor en Artistic Metropol
El próximo miércoles 15 de mayo a las 20:15h. ARTISTIC METROPOL, en colaboración con el fanzine EL BUQUE MALDITO, concede su Premio Honorífico «Butaca de Honor» al director y guionista Jorge Grau.
Jorge Grau Solà, nacido en Barcelona el 27 de octubre de 1930, debutaba en el largometraje con Noche de verano (1962). Guionista, actor y director, Grau ha dado sobradas muestras de versatilidad en su carrera cinematográfica, pasando por géneros como el cine documental, cine comprometido socialmente, cine experimental y el cine fantástico. Empezó su incursión en el séptimo arte como ayudante de dirección en diversas producciones, entre ellas Diez fusiles esperan (José Luis Sáenz de Heredia, 1959), y la casualidad hizo que se viera envuelto en el rodaje de un documental sobre la pesca del atún en Barbate cuando preparaba el guión de la que sería su opera prima, Noche de verano (1962).
Películas como La trastienda (1975), El espontáneo (1963) y Una historia de amor (1966) transmiten mensajes morales que en su día desataron polémica. Ceremonia sangrienta (1972) y No profanar el sueño de los muertos (1974) son sus dos incursiones en el cine fantástico, asegurándole un sitio de honor en la cinematografía española. Su voluntad realista está presente en todas sus películas.
Grau une su nombre a otros ilustres del fantaterror español, como Paul Naschy, Antonio Mayans, Lone Fleming y Jack Taylor, y desde el próximo 15 de mayo una butaca del cine ARTISTIC METROPOL tendrá el enorme privilegio de llevar su nombre. Con motivo del homenaje se proyectará uno de los títulos claves de su filmografía: No profanar el sueño de los muertos, protagonizada por Arthur Kennedy, Cristina Galbó, Jeannine Mestre, Ray Lovelock y José Lifante. Además, podrá verse el documental Back to the morgue, producido por Blue Underground sobre el rodaje del impactante film de Grau que cuenta con la impagable presencia del propio director explicando interesantísimas anécdotas en las míticas localizaciones originales.
La entrega de la «Butaca de Honor» a Jorge Grau y la proyección de No profanar el sueño de los muertos supone la primera colaboración entre Artistic Metropol y el aclamado fanzine español especializado en fantaterror El Buque Maldito, activo desde el año 2005 y que viene organizando en Barcelona, desde hace ocho años y de la mano de su editor Diego López, proyecciones con un denominador común: la recuperación y reivindicación de clásicos incunables y malditos del cine español, y siempre con la presencia de sus creadores.
Recientemente, El Buque Maldito, ha creado también su propio sello de distribución con la edición en DVD del film de Julio Pérez Tabernero Terror caníbal (1981).
El precio de la sesión doble «Homenaje a Jorge Grau» es de 3,50€ y las entradas pueden reservarse en el siguiente email: cinema@artisticfilms.es El aforo es limitado.
Artistic Metropol C/. Cigarreras, nº6 Madrid
<M> Acacias L5 / Embajadores L3
www.elbuquemaldito.com
El Espectro de Justine o los sueños rotos de Jordi Gigó
La última proyección organizada en el Centro Garcilaso por El Buque Maldito se convirtió en una charla sobre el sueño de hacer cine a toda costa personificado en Jordi Gigó, un olvidado realizador andorrano que, si bien dejó muy poco rodado tras de sí, fue recordado con cariño por algunos de los profesionales que trabajaron con él, presentes en la proyección de El espectro de Justine, última película del director: las actrices María Elías y Mercè Fillola y los técnicos Ricard Reguant, Ignasi P. Ferré y Josep Canet, que ejercieron de ayudantes de dirección de Gigó.
Se habló de la ilusión de hacer cine a pesar de que todos los elementos se pongan en contra. De la pasión puesta en escribir un detallado guión y de rodarlo contando con escasos medios, arriesgando el propio patrimonio en un sueño. Se habló de contratar un buen puñado de profesionales y técnicos y de contagiarles la pasión. De involucrar a actores como Toni Isbert, cuya carrera nunca llegó a arrancar del todo, quizás por tener la presión de una prestigiosa saga familiar tras de sí. De María Elías que habiendo trabajado mucho en teatro y televisión, y en menor medida en el cine, ve potencial en el guión de Gigó y aprovecha la posibilidad de hacer un papel protagonista, poniendo toda su profesión e ilusión en ello. De Mercé Fillola, una joven principiante que por primera vez está en algo parecido a un rodaje “de verdad”.
Pero sobre todo se habló de la pasión de un autor, como lo definió Ricard Reguant, ¿o no es un auténtico filme de autor el escrito, producido, dirigido y montado por una misma persona? Una persona que puso su alma en una obra que, hasta hoy estuvo olvidada (pero por suerte también conservada) en una vieja cinta de video en casa de María Elías.
Mercè Fillola y María Elías.
El espectro de Justine es una historia de cine dentro del cine. De posesión de una actriz por un personaje. Todo ello aderezado con formulas de cine fantástico y de terror. Una película rodada en 1986 en la que Gigó puso todas sus esperanzas, pero que nunca se estrenó. Tras finalizar su rodaje, el director hizo un montaje provisional que mostró a Ricard Reguant para ver si podía hacer algo con ella. Enfrascado en otras labores, Reguant le recomendó encomendar un nuevo montaje a Carme Fàbregas, experimentada montadora y esposa del entrañable director Miguel Iglesias Bonns, pero la pista del film se perdió ahí, ignorando Reguant si llegó a realizarse ese montaje que tanto hubiera beneficiado la película, quedando el film sin estrenar, posiblemente sin montar y olvidado. Hasta hace unos años, cuando María Elías recibió una llamada de un compañero diciendo que había localizado una película en la que salía. Esa película era El espectro de Justine. María, que ni siquiera la había visto, pidió que le hiciera una copia (en video) siendo esta, de momento, la única copia superviviente del film de Gigó.
Y gracias a que la actriz, cuyo aparato de video hace mucho que pasó a mejor vida, no se desprendió de esa vieja cinta y se la cedió a Diego López para que la pasara a formato digital, El espectro de Justine se apareció 27 años después ante unos pocos afortunados en el Centro Garcilaso.
Una imagen tomada durante el rodaje. En la imagen Mercè Fillola, Toni Isbert y María Elías.
María quiso avisarnos antes de la proyección de que la película era bastante insufrible. Una copia de trabajo con un montaje provisional realizado por Gigó de casi dos horas de duración (1h.50m.). Y se resiente de ello resultando larga y lenta. Pero por otro lado, como también dijo la actriz, en cierto modo fuimos unos privilegiados, ya que somos de los pocos que han podido ver esta película inexistente, invisible (hasta ayer) y algo maldita. Repleta de la misma ilusión depositada en otros films que sí que llegaron a buen puerto, y que a pesar de continuar estando denostados por el cine español “oficial”, han sido editados en otros lugares del mundo, convirtiéndose incluso en películas de culto. Pero no pretendo engañarles. El espectro de Justine no es un Santo Grial del Fantaterror español, ni mucho menos, pero fue interesante y agradable verla. Cine en bruto. Sueño en bruto (y no, no me refiero al tedio que pudo provocar en alguno), me refiero al sueño, en este caso truncado, de un director por realizar su película.
Hubo entre el público quien solo quiso ver los defectos de guión. Y movido por cierta hilaridad reírse, no desprovisto de cierta crueldad, de los muchos fallos de una película que no estaba terminada, sin fijarse en que todo estaba correctamente rodado, perfectamente doblado y en general muy bien interpretado. No estábamos ante una muestra de cine “trash” improvisado. Había un torrente de ideas, un rodaje impecable, unos efectos especiales inexistentes pero a la vez extrañamente eficaces. Unos momentos que recordaban, aunque lejanamente y sin lugar a dudas involuntariamente, esa gran obra de arte incomprendida en su momento y hoy película de culto que es Carnival of Souls (1962, Herk Harvey). Quizás tampoco quiso ver que tras un rodaje hay un buen montón de profesionales, de dinero invertido y de ilusiones, que a veces no cristalizan. Hacer cine en esas condiciones es un acto de heroísmo. Y si es cine fantástico y en España… es casi un suicidio profesional, que de hecho es lo que le sucedió al director.
Ricard Reguant lo repitió varias veces, El espectro de Justine que vimos era una copia de trabajo montada por el director de forma provisional, y aunque reconoció que posiblemente no habría ganado mucho más con un montaje que hubiera recortado su metraje, si que quizás habría quedado un film más que correcto. Uno puede ver entre tantas ideas, desbrozando, el pequeño potencial que podría haber tenido. Tanto Mercé como María nos hablaron de un detallado y abultado guión. Rodado línea por línea sin dejar lugar para la improvisación. Un guión que le pareció lo suficientemente interesante a María, no lo olvidemos actriz con una sólida carrera a sus espaldas, como para embarcarse en el rodaje.
Otra imagen tomada durante el rodaje.
También se habló de los otros filmes de la carrera de Jordi Gigó, como La perversa caricia de satán (1976) y muy especialmente de Porno Girls, de la que Ricard fue ayudante de dirección (en su versión «S») e Ignaci P. Ferrer y Josep Canet, directores de segunda unidad, añadiendo insertos que la convirtieron en porno. De hecho la primera película porno rodada en España, pero que no llegó a estrenarse en salas, solo en formato video. Reguant, siempre dispuesto a contar sabrosas anécdotas, contó cómo consiguieron actrices en la sala Bagdad y lugares similares y de la dificultad que tuvieron para conseguir actores, recurriendo a poner un anuncio en la prensa al que respondieron un buen número de individuos. Y contó también como de los seleccionados, a la hora de la verdad ninguno pudo “ponerse en situación”, recurriendo a un profesional alemán que realizó toda la tarea dura.
Se habló de otros profesionales como José Antonio de la Loma. De cómo se pusieron palos a las ruedas en su proyecto de serie televisiva Viriato, a base de estrangular el presupuesto. Un presupuesto que dio para montar los decorados en los estudios que tenía Profilmes, en la carretera de Sants. Unos decorados, según Reguant, para partirse de risa por su precariedad, pero que lejos de desaprovecharse, tras abortarse la serie, sirvieron para el rodaje de dos filmes “S”, Bacanales romanas (1982, Jaime J. Puig) y su segunda parte, de las que ya les hablamos cuando entrevistamos a Carla Dey (Carmen Serret). María Elías, involucrada también en su momento en Viriato, contaba lo interesantes que eran los guiones, lo bien pensada que estaba y lo magnífica que habría podido ser pero… alguien parecía más interesado en que no se hiciera y así fue. Esta serie hubiera sido algo muy parecido a la exitosa Hispania, ya que relataba la misma historia.
Gigó, como contó Reguant, terminó trabajando en un periódico junto a su esposa en su Andorra natal años después de abandonar una profesión que amaba. Y precisamente por el desastre económico que le causó El espectro de Justine.
En esa mesa del Garcilaso, repleta de años y años de profesión, se respiraba cariño hacia Gigó, tanto las actrices como los técnicos que trabajaron con él recordaban sus gestos característicos. También lo profesional y lo buena persona que era; como sabía lo que quería hacer y de cómo, a pesar de las estrecheces económicas en el presupuesto, cobraron todos religiosamente. Se habló de pasión. De la misma pasión depositada en tantas películas que tanto ustedes como nosotros adoramos y que tienen detrás historias muchas veces desconocidas. De tanto trabajo depositado en ellas y de tantos sueños rotos. De cómo ahora alguno puede simplemente reírse sin entender que detrás de un rodaje y de un abultado guión hay un montón de profesionales trabajando y que algo realizado con tanto amor pueda terminar siendo proyectado y compartido con dos de sus actrices, tres compañeros y amigos del director y un buen puñado de cinéfilos afortunados de haber vivido un rato de cinefilia en estado bruto, nunca mejor dicho.
Otra velada memorable y muy especial en el Garcilaso.
De izquierda a derecha: Ignasi P. Ferrer, Mercè Fillola, María Elías, Diego López, Josep Canet y Ricard Reguant.
Week of Naschy: retazos de una exposición y una exclusiva del festival Nocturna
Tal y como ya informamos en su momento, se ha celebrado en el Artistic Metropol de Madrid la Week of Naschy, durante la que se han proyectado un buen puñado de los títulos más representativos del actor, director y guionista, así como documentales y mesas redondas que han contado con la presencia del hijo del actor, Sergio Molina. Precisamente Sergio ha prestado algunos de los objetos de su padre para una exposición repleta de fetiches pertenecientes a la carrera de Naschy. Aunque lamentablemente no hemos podido acudir por las razones que se pueden todos ustedes suponer, Rubén Risco Fidalgo nos ha cedido unas fantásticas imágenes con las que hacernos una idea de la exposición que pasamos a comentar.
Uno de los santos griales del cine de Paul Naschy y por extensión del Fantaterror español, el guión de rodaje de La marca del hombre lobo decorado por un dibujo del propio Paul. Está acompañado de dos de los más curiosos e interesantes libros que se han publicado sobre nuestro protagonista. Por un lado el imprescindible Muchas gracias señor lobo, un tomo de lujo centrado en el cartelismo de los films de Naschy. Editado en gran formato por Thorsten Benzel, con tapa dura y a todo color es una pieza que no debe faltar en la biblioteca de cualquier fan o amante del cine. Este libro actualiza otro más humilde (al lado de este) publicado en 2006 en blanco y negro. El japonés que tenemos al lado del guión, Paul Naschy European Horror King Rises from Spain, está escrito por el hermano de Carlos Aguilar y es una curiosidad. Caro, pero sin duda toda una pieza de colección para completistas.
Un detalla del guión original de La marca del hombre lobo (esas esquinas… que se va a estropear…)
Aquí tenemos dos guías o pressbooks americanos de los estrenos de dos de sus films en Estados Unidos. La furia del hombre lobo (que en USA se estrenó como Night of the Howling Beast y también como The Werewolf and the Yeti) y Los ojos azules de la muñeca rota (en USA, House of the Psichotic Women). Es interesante indicar que el arte de esta última está realizado por el magnífico y legendario portadista de Famous Monsters Basil Gogos.
Más interesantes por ser incunables son estos dos diseños dibujados a mano por el propio Paul. Por un lado unos apuntes sobre los personajes y el vestuario de El espanto surge de la tumba: los martillos de Tor (¿o Thor?), el personaje de Alaric de Marnac y el aspecto de «los muertos» a los que Paul ha puesto tintura blanca en los ojos para resaltar el efecto que quería causar. Fechado en 1972. El otro diseño es para El retorno del hombre lobo. Datado en 1979 tenemos la «Máscara de la ignominia» y el diseño del maquillaje del licántropo. En este caso con una pieza-casquete en la cabeza. Reliquias sin lugar a dudas que habrán dejado el cristal del cuadro totalmente empañado por la respiración de los fans…
Todo «santo grial» es la espada de plata que los japoneses contruyeron para el film La bestia y la espada mágica, una pieza que se realizó en plata y que se regaló a Naschy al finalizar del rodaje. En la misma imagen está la guía del film y dos lujosas revistas realizadas tras el fallecimiento de Paul Naschy: la estadounidense Rue Morgue y la alemana Pranke de la que ya les hablamos aquí en su momento. Al lado puede admirarse (y verse en más detalle en la imagen siguiente) un dibujo original de Pierrot dedicado a Waldemar Daninsky, así como varias ediciones americanas y españolas en DVD de sus películas.
Un vistazo más detallado al dibujo de Pierrot y fotocromos de El espando surge de la tumba y El retorno de Walpurgis, así como una fotografía del rodaje de Los Cántabros y otra de El retorno del hombre lobo.
Más fotocromos. En esta ocasión de El carnaval de las bestias, así como mexicanos de El huerto del francés, que allí se tituló La casa que abre de noche. También, y en vista de las similitudes con otro dedicado a Mr. Hyde, este dibujo firmado por «Jacinto» y dedicado a Quasimodo puede formar parte de el lote de pinturas y dibujos realizado por Paul Naschy que descubrió recientemente Sergio Molina. Ver otras obras de la misma época en este artículo.
Esta es una guía para exportación de El gran amor del Conde Drácula. Como otras que tengo la suerte de tener son todo un lujo editado a gran formato, en papel brillante y con varias páginas. Debajo pueden verse otros libros relacionados con Paul Naschy, desde el primer trabajo que lo trató en profundidad, Cine de terror y Paul Naschy (Juan José Porto y Ángel Falquina, 1974) a su primera autobiografía, Memorias de un hombre lobo (Paul Naschy, 1997 Alberto Santos) y terminando con el último libro (y por lo completo, posiblemente el definitivo) dedicado a la vida y obra del actor, Paul Naschy la máscara de Jacinto Molina (Ángel Agudo con filmografía comentada por Ángel Gómez, 2009 Scifiworld). Otras de las piezas expuestas fueron, en palabras de Sergio Molina » el guión de rodaje de El huerto del francés, y la sinopsis manuscrita de La noche de Walpurgis«… Reliquia esta donde las haya…
También nos informa Sergio que las copias proyectadas fueron los DVD’s de BCI. Auténticas joyas que se supone que todos ustedes tienen a buen recaudo en sus hogares. O si no ya tardan ya que son copias altamente recomendables.
Por otra parte y en total primica nos informa Sergio de lo siguiente respecto al Festival Nocturna, de cuya organización forma parte: «Proyectaremos más de 40 películas, con algunas que son bastante esperadas y con gente que viene de muchos países. La verdad es que para ser la primera edición estamos muy contentos, esperamos que todo vaya bien. Como primicia os puedo decir que pondremos una película del cine de terror español, y este año, como no podía ser de otra forma pasaremos El huerto del francés en 35mm, una copia que está casi perfecta».
Muchas gracias a la contribución de Sergio Molina y sobre todo a Rubén Risco Fidalgo, que nos ha cedido esas bellas fotos.
Soledad Miranda: Sesión de fotos para El diablo que vino de Akasawa
Hace unos dias preparé este texto y estas fotos con la intención de publicarlarlo precisamente hoy. Cuando lo hacía no sabía que estaba ingresado Jesús Franco con un ictus. Ahora que nos ha dejado he preferido no retocar el texto ni adaptarlo a las circunstancias. Esté donde esté, Jess estará con sus muchas musas. Seguro que con Soledad y por supuesto Lina, pero no nos deja solos, ya que ahí están sus muchas películas, su forma de ver el cine y, por supuesto, de vivir la vida: En total libertad.
Tras asistir al estreno de la última «película» de Jess Franco, Serendipia no pudo más que añorar otras obras del director. No crean que muchas, ya que uno no es un gran fan de su filmografía, pero es indiscutible que la colaboración con Soledad Miranda pasa a ser lo más importante que ha realizado el pícaro de complicada dentadura. Hemos querido reunir aquí parte de la sesión fotográfica promocional para El diablo que vino de Akasawa (1971), unas preciosas fotografías que, en parte fueron utilizadas para la cartelería del film, incluso en España, pero convenientemente recortadas, claro. Otro homenaje a Soledad Miranda y, por supuesto a Jesús Franco, porque sea como fuere sin él posiblemente no sería el mito que es entre los fans del cine de terror.
Finalmente las fotos promocionales fueron utilizadas para los carteles del film. Como era la época que era, además de los cortes de rigor, en el cartel español se vistió «convenientemente» a Soledad para no espantar al público mientras que, por ejemplo en Italia, donde estaba más normalizado el tema del erotismo, esas fotos no necesitaron de retoques para utilizarse en sus carteles. No me he resistido a incluir esta fantástica portada alemana en al que Soledad muestra sus encantos. ¡Como resistirse!
Espectáculo total en Barcelona: estreno de la última de Jess Franco con actuaciones y despiporre
El próximo Sábado 23 de Marzo se estrena en los cines Maldá de Barcelona la, a estas horas, nueva película de Jess Franco, Al Pereira vs. the alligator ladies en versión Psycho Burdel. Será a las 22 horas y conducirá el evento Rakel Mandela al estilo Rocky Horror Picture Show: actuaciones, música, interactividad con la pantalla , Paquiro con su eroticopla y el rock and roll salvaje de los Retarded Rebel Rejects!!!!. Una auténtica fiesta por todo lo alto.
El precio de entrada son 4 euriles y una birra «Moritz» de regalo.
¿Van a resistirse a acudir a semejante petardada?
De cómo el niño descubrió al Dragón: Mi homenaje a Bruce Lee
A mí, como a todos los jóvenes o niños de los años setenta justo antes de descubrir la música, nos hacían falta héroes que nos ofrecieran algo más que ganar batallas o enfrentarse a todos los bandidos de Arizona. Carne de sesión doble de sábado como éramos, nos deleitábamos igual con una película del hombre lobo de Paul Naschy, como con las comedias de bofetada y tentetieso de Terence Hill y Bud Spencer. Además de con los numerosos clásicos del cine que de vez en cuando eran programados. Pero a principios de esa década comenzaron a visitar nuestras pantallas exóticos films que nos dejaron con la boca abierta: se trataba de las primeras producciones orientales de artes marciales.
Recuerdo una fiebre generalizada por ver esos primeros títulos: La furia del tigre amarillo (1971, Cheh Chang), Dos contra el gran asesino (1972, Yuen Chor) o De profesión: Invencible (1972, Chang-haw Jeong). Unas películas que derrochaban acción y que llegábamos a ver hasta dos veces el mismo día, ya que antes, entre sesión y sesión no se echaba a nadie del cine y podías repetir con bocadillo en ristre. Otra de las delicatessen que han sido desbancadas por las palomitas…
Uno acudía a todas las películas “de karate” que podía (Caza desesperada (1971, Pao-Shu Kao), La heroína legendaria (1971, Ma Wu), Karate sangriento (1973, Min-Hsiung Wu), Kung-fu contra los 7 vampiros de oro (1974, Roy Ward Baker o El luchador manco (1972, Wang Yu), además de tener un curioso hobby: recortar las carteleras de los periódicos, de las que yo llegué a tener una voluminosa colección.
Entonces llegó Bruce Lee y todo cambió. Hasta el niño que yo era podía distinguir sus películas y ver que el Pequeño Dragón tenía algo especial. Muy especial: era el héroe que esperaba.
Ese envidiado recorte de prensa de Furia Oriental con el mítico salto final…
Sus peleas eran auténticas y desprovistas de saltos y proezas sobrehumanas. Su actuación era, con mucho, más creíble que las de otros actores chinos, lo que parece captamos todos los aficionados, y por eso sus recortes de prensa se revalorizaron a la hora de intercambiarlos. Todos envidiábamos a un vecino que tenía el de Karate a muerte en Bangkok (1971, Lo Wei). Yo por mi parte conseguí todos los demás y era (soy) feliz poseedor de uno de Furia Oriental (1972, Lo Wei).
Ignoro cuantas veces llegué a ver esos dos primeros films de Bruce Lee, recreándolos en mi cuarto con los Madelman, para los que fabriqué un pequeño nunchaku y a los que con un lápiz de color rojo embadurnaba de sangre.
Sabíamos que Bruce Lee había muerto poco antes, y alguno estaba convencido de que había sido asesinado por la mafia china, ya sea envenenado o mediante un leve golpe de efecto retardado, algo como lo que se ve al final de la segunda parte de Kill Bill. Incluso leí un artículo en el que se aseguraba que estaba retirado en una isla para escapar de la fama. Como James Dean o más tarde Elvis. Todo menos admitir que nuestro héroe pudiera fallecer en circunstancias normales o derrotado en combate.
Nuestra inquietud por hacernos con fotografías y datos sobre Bruce en época de tanta sequía informativa, se intentaba subsanar mediante una revista francesa, Karate, que publicaba extensos artículos y fotos que gastábamos de tanto ver (como más tarde haríamos con Private, pero de otro modo) y que no prestábamos ni por todo el oro del mundo. Tengo un especial con seis posters que formaron parte de la decoración de mi cuarto. También se editaba una revista desplegable, curiosamente llamada Kung-fu, a pesar de estar dedicada enteramente a Bruce Lee y que, a pesar de estar pésimamente traducida al castellano, tenía el valor de convertirse en un enorme póster.
Por entonces vi en una pequeña papelería un libro, La leyenda de Bruce Lee (Alex Ben Block, 1974 Garbo Editorial) con el, para mí, inalcanzable precio de 100 pesetas, y que mi padre, viendo la pasión que tenía por Bruce Lee, me regaló. No hace falta decir que el librito, con una fantástica ilustración en portada de Sanjulián, lo leí, releí y guardé como un tesoro. Sin olvidar una lujosa publicación, Bruce Lee Inédito (1975, Producciones Editoriales) que tiempo después también pasó a formar parte de mis reliquias.
Operación Dragón (1973, Robert Close) la vi junto a mi hermano en un cine en sesión doble al que nos llevó nuestra sufrida y sacrificada madre, quien tuvo que permanecer de pié durante toda la proyección, tal era el llenazo que había en la sala. Y les aseguro que el cine era grande, pues eso de los multicines con diminutas salas llegaría mucho más tarde.
EL libro
Lo de las artes marciales era toda una locura: mi hermano mayor se construyó unos nunchakus (que nunca salieron de casa), con un palo de fregona y que más de un moratón me dejaron al intentar emular a Bruce. Con un amigo recreábamos las aventuras de Reed y Kato (yo, naturalmente era Kato) y Dunkin, una marca de chicles, comercializaba unos cromos-ficha en los que mostraba las distintas artes marciales. Editorial Vértice editaba en nuestro país la colección de cómic Marvel, Artes Marciales, en la que Bruce Lee tenía su propio sosias en Shang- Chi, de hecho tanto se basaba en nuestro amigo, que incluso el dibujante Paul Gulacy llegó a dibujarlo con el físico del actor. En televisión se emitía Kung-Fu (1972-75) con David Carradine, que no nos perdíamos nunca y que provocó su propio merchandising, como medallones e incluso calcomanías con los dragones que Kwai Chang Caine lucía en sus antebrazos. De esa serie más tarde averiguaríamos que estaba basada en una idea del mismo Bruce que no se realizó con él por la ceguera y el racismo imperante en la época.
También nos llegaron películas con falsos Bruce Lee (Bruce Li, Dragon Lee y muchos otros) quienes, ni todos juntos, no le llegaban a la suela del zapato y que no engañaban a nadie. Bueno, a casi nadie. Así que, no es de extrañar que cuando llegó a nuestras pantallas El furor del dragón (1972, Bruce Lee), se promocionara como un título perteneciente al “auténtico Bruce Lee”. Esta pude verla, por primera vez, en el cine donde se estreno y en Vistarama, todo un lujo inolvidable.
Juego con la muerte (1978, Robert Clouse), a pesar de contar con, no olvidemos, “el verdadero y auténtico Bruce Lee” tal y como versaba su promoción, fue una decepción, únicamente soportable por esos minutos mágicos en los que Bruce Lee se enfrenta a tres oponentes. Por entonces, rompí la hucha para comprar una revista dedicada al film que editó el “Bruce Lee Jeet Kunedo de España”. Como también hice cuando, La Revista de las Artes Marciales, hizo lo propio con El furor del dragón en 1975.
Pero poco después uno comenzó a crecer y tener la vista en otros intereses: música, chicas… pasando el Pequeño Dragón a formar parte de los tesoros de la niñez. Pero la llegada del video y la posibilidad de ver estos títulos en la comodidad del hogar, volvió a despertarme el gusanillo. Y aunque, curiosamente, me daba cierta reparo comprarlas, adquirí sus películas. Y la magia volvió de nuevo.
Fue sorprendente comprobar que El furor del dragón estaba cortada (mucho en la copia que se estrenó en España, pero mucho más en la edición que salió en video) y que a Juego con la muerte le faltaba una de las tres peleas finales pero, aún así, uno disfrutaba viendo de nuevo a Bruce y comprobando que sus películas seguían sin ser superadas, a pesar de la eclosión de nuevos luchadores como Jackie Chan (del que nunca pude ver un film completo) o Van Damme, que no me interesaban lo más mínimo.
Descubrí publicaciones, como la Revista Bruce Lee, publicada en los años ochenta, que realizó una estupenda labor pionera y antecedente de Bruce Lee Manía.
He de reconocer que para mí, el visionado de A Warrior’s Journey (2000, John Little) fue una experiencia emocionante, tanto que al finalizar no pude evitar que se me humedecieran los ojos. Ese era el film perdido que faltaba por ver y que, lamentablemente, nunca podremos admirar en su totalidad.
También llegó el descubrimiento de la filosofía que había detrás del guerrero, que tan bien ha sabido difundir el mismo Little en varios libros con mejor o peor fortuna. Y de manera absoluta Marcos Ocaña en dos obras que pueden considerarse los trabajos definitivos sobre la vida y obra del Dragón.
Ahora, muchos años después de que aquel niño descubriera entusiasmado el trabajo de Bruce Lee en la pantalla, me siento orgulloso de que todavía forme parte de mi vida mediante lecturas, películas e incluso ese curioso coleccionismo de estupendos muñecos (muchos a precios prohibitivos), que reencarnan aquellos Madelman con los que jugó en su infancia aquel niño que fui. Me fascina comprobar que no estaba equivocado cuando veía algo especial en Bruce Lee, como me sigue fascinando descubrir nuevas cosas detrás de aquellas películas y de aquel intérprete que era, tal y como pensaba, mucho más que un simple actor: era y sigue siendo aquel héroe que había estado esperando y que continua hoy más vivo que nunca.
Los cuatro carteles por los que hubiéramos dado parte de nuestra sangre:
¿Puede existir una película mejor de acción para un enano de 10 años?
Pdt: Aún me falta el primero…
Un chico de portada: un documental de David Muñoz sobre el cartelista Mac
El director de cortos David Muñoz, además de ser un tipo humilde y competente, poseé una mente creativa que no para de pensar proyectos de todo tipo. Ha tocado la animación, el subrrealismo y también con Un chico de portada, el documental. Un trabajo dedicado al mejor artista de carteles de cine que ha dado España, Mac. Y es que a Macario Gómez, lo de cartelista le queda definitivamente corto, lo suyo es arte y en este documental vemos una muy pequeña muestra de su genio. Ha habido otros prolíficos cartelistas como Jano o el genial Soligó que han dejado una obra repleta de calidad tras ellos, pero en nuestra opinión, Mac convirtió en arte lo que pasó por ser un efímero objeto de propaganda y un reclamo para hacernos entrar en las salas. Tan poco recordado, como suele pasar en este santo país, sorprende y se agradece que David Muñoz nos ofrezca un acercamiento a la figura de este artista, que se muestra también tan humilide como humano. Un gran dibujante, un gran artista y también un gran documental en el que tuvimos ocasión de colaborar y que ofrecemos integramente desde nuestro blog.
Queriendo saber más sobre los entresijos de Un chico de portada, le hacemos unas preguntas a David Muñoz.
– ¿Cómo nace la idea de hacer un documental sobre Mac?
En Olesa de Montserrat conocí a Akira, posteriormente productora del documental, que era amiga de Mac y ambos comentamos que sería muy interesante realizar, en la medida de nuestras posibilidades, un documental para dar difusión a la obra de Mac, ya que a pesar de todo lo que ha hecho por el cine sigue siendo un gran desconocido en nuestro país.
– ¿Conocías con anterioridad sus carteles?
Conocía los más míticos, pero mis conocimientos sobre el trabajo de Mac han aumentado con creces tras el documental. He descubierto montones de carteles impresionantes. Ojala hubiéramos podido sacar más en el documental, pero desgraciadamente ni el propio Mac tiene muchos de sus carteles, ya que, anteriormente, sobre todo en nuestro país, no se respetaba mucho al autor y jamás se le devolvía el original, a diferencia de cómo funcionaba todo en el extranjero.
– ¿Cómo recibió Mac la idea del documental?
Pensamos que iba a ser más complicado poder filmarle, pero se mostró entusiasmado con la idea. A fin de cuentas quiere lo que cualquier otro artista, que su obra se dé a conocer.
– ¿Cómo fue el rodaje?
El rodaje transcurrió muy a contrareloj, por desgracia o tal vez por suerte no hubo tiempo para que ocurriera alguna anécdota. Solo disponíamos de un par de horas y media para estar con él. Mac está muy mayor y no muy bien de salud, así que decidimos no atosigarle mucho y estando ese par de horas con él, grabar todo lo que nos contara. Ojala todo lo hubiéramos podido preparar mejor, pero para ser algo que hemos hecho con escasos medios, estamos muy contentos del resultado.
– ¿Cómo fue la presentación en Sitges? ¿Has recibido ofertas para proyectarlo en algún otro festival?
La presentación en Brigadoon fue genial. La verdad es que tenía miedo dado lo amateur que fue el rodaje de que a Mac no le agradara, pero la expresión que pude ver en su cara al acabar la 
proyección disipó todos mis miedos. Quedó muy satisfecho y por lo visto, el público también. Incluso tuvimos que improvisar una sesión de firmas de Mac en una mesa, dada la gente que quería carteles dedicados. Y varias personas estaban interesadas en comprar el Dvd. Como no tenía ninguna intención de comercializarlo, justo después de estrenarlo he decidido colgarlo en Internet. Cuanto más se dé a conocer la figura de Mac y todo lo que ha hecho por el cine, mejor.
En cuanto a festivales, por el momento ya hay varios que se han mostrado muy 
interesados en proyectarlo e incluso en invitar a Mac para homenajearlo. Pero aún falta bastante para que se celebren la mayoría de ellos. Casi todos son de cara a 2013.
– ¿Algún nuevo proyecto en cartera?
Junto a Adrián Cardona acabo de finalizar Fist of Jesus, un corto bien loco cargado de golpetazos y gore, que esperemos divierta a la gente. Estamos tan contentos del resultado que ansiamos convertirlo en largo, así que en cuanto empecemos a moverlo vamos a ponernos de lleno a buscar ayuda, tanto de productoras como mediante crowfunding y eventos para financiar Once Upon a Time in Jerusalem. Esperamos conseguir un cruce entre Mad Max y las típicas películas del Nuevo Testamento.
También, junto a David García, de Monsterworld, esperamos poder hacer un documental similar al de Mac sobre la figura de Sanjulián, siempre que nos sea posible coincidir a los tres, ya que vivimos en distintas ciudades.
Ahora os dejo con Mac que tiene cosas más interesantes que decir:
Serendipia
Proyecto Naschy 
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