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Diario de Serendipia en Sitges 2024: Sexta cápsula
Nueva jornada y reencuentro con nuestro querido Nacho Vigalondo, esta vez en Oficial Fantàstic Competició, con Daniela Forever. En la misma sección también compiten Meanwhile on Earth y Night Silence, tres películas que Serendipia se zampó en l’Auditori una detrás de otra en formato mini-maratón, cerrando la jornada en su querido Tramontana con Noves Visions y She Loved Blossoms More.
MARTES 8 DE OCTUBRE
A Serendipia Nacho Vigalondo siempre le ha parecido un tipo de talento y divertido. El argumento de sus películas siempre parece haber salido de una idea nacida en un bar. Una pequeña semilla que se va ampliando hasta formar un 
guion completo y luego, una película. Pero con esa idea descabellada (que alguien borracho pueda pilotar en los límites de un parque infantil un kaiju en Tokio o el funcionamiento de una Bat-bola) Vigalondo construye divertidas películas, casi juegos. Únicos. Y eso es lo que ha vuelto a hacer con Daniela Forever. Con aires neoyorkinos a lo Woody Allen, el asunto que nos plantea Vigalondo es la superación de la pérdida, pero con una terapia muy particular: Tras la muerte de su pareja en un accidente de tráfico, Nicolas (Henry Golding) se apunta a una terapia experimental mediante el sueño lúcido. Ese tipo de sueño en el que se es consciente de estar soñando. Así, y contradiciendo a los doctores, Nicolas volverá a reunirse y vivir, en sus sueños, con Daniela (Beatrice Grannò). Definida por Nacho Vigalondo como su película más española, «por cómo respira y deja que los personajes desfilen por la ciudad«, lo cierto es que, a pesar de que la acción se desarrolla en Madrid, se trata de un Madrid un tanto irreal, muy neoyorkino, como ya hemos comentado antes. A lo que también contribuye el estar rodada en inglés y con actores protagonistas foráneos y no muy conocidos, que están respaldados por otros españoles como Aura Garrido, Nathalie Poza o Rubén Ochandiano, para que no olvidemos, aunque cueste, donde se desarrolla la acción. La película no fue muy bien recibida, como lamentablemente es habitual cuando se trata de Vigalondo, pero Nacho, no hagas caso y tu sigue con lo tuyo y como lo haces, aferrándote a tus descabelladas ideal e imaginando que «cada película puede ser la última, para quitarme ambiciones relativas al prestigio o la taquilla, y dedicarme a la película como si fuera mi último mensaje al mundo«.
Y mientras tanto, en la Tierra, Serendipia volvia a l’Auditori y se sumergía en otra fantasía, Meanwhile on Earth (Pendant ce temps sur Terre, Jérémy Clapin) en la que la animación y la imagen real, disciplina de la que proviene el director (¿Dónde está mi cuerpo?), se mezclan para narrar la existencia de Elsa (Megan Northam), aficionada a dibujar y que trabaja cuidando ancianos. Su hermano es astronauta y se ha perdido durante su última misión. Todo cambia cuando 
una inteligencia extraterrestre contacta con ella y le ofrece devolver a su hermano si, a cambio, ella hace un encargo muy especial. Y difícil. Muy difícil.
Night Silence (Cisza Nocna, Bartosz M. Kowalski) es una muestra, una de las dos que pudimos detectar en esta edición, de que envejecemos. Y cada vez es más palpable la preocupación sobre lo que el futuro nos depara. Y no deja de ser sorprendente como, mediante los múltiples lenguajes del fantástico, se tratan temas como la muerte, la pérdida, la maternidad o, en este caso, la senectud. La acción de Night Silence se desarrolla en una residencia de ancianos, un entorno que puede causar pavor y más si se desarrolla en 
un gran caserón repleto de secretos y silencios. Cabe destacar que el director, el polaco Bartosz M. Kowalski, ya había impactado al público con su crudo retrato de la infancia en Playground (Plac zabaw, 2016), así que ahora parece cerrar un círculo con su incursión en la vejez, aunque en este caso sea de manera menos descarnada y recurriendo más al goticismo fantástico.
Finalmente, la producción indie griega, She Loved Blossoms More (Yannis Veslemes), adentrará al espectador en la locura y en el sinsentido, capitaneado por tres hermanos que quieren construir, en un armario Art Decó, una máquina del tiempo para evitar la muerte de su madre. Una Noves Visions de manual que terminó con la escasa cordura que le quedaba a Serendipia, que agotado y en estado de duermevela, vio y también soñó está extraña producción griega.
Quedémonos mejor con el recuerdo de Daniela Forever y Night Silence, con cuyo tráiler cerramos esta cápsula.
Diario de Serendipia en Sitges 2024: Quinta cápsula
Se abre una nueva semana y Serendipia se enfrenta a un maratón en Tramontana compuesto de cuatro películas seguidas: dos pertenecientes a la sección Oficial Fantàstic Competició (Canina y Sister Midnight) y dos Noves Visions (Your Monster y Love Me). A lo loco. A lo loco. A lo loco se vive mejor.
LUNES 7 DE OCTUBRE
Canina (Nightbitch, Marielle Heller) es una amable comedia, que a veces se torna negrísima, sobre lo complicado que es 
ser madre e intentar llevar una vida laboral. O, sencillamente, una vida. Y es que para la protagonista (magnífica Amy Adams), el horror es la maternidad. Una constante pesadilla que intentará compaginar con lo que queda de «su vida», que parece haberse diluido en favor de su hijo, centro de toda su existencia. Muy inteligente y bien narrada, el film consiguió emocionar a más de una que sabía de lo que se estaba hablando en la pantalla.
Y de ahí a una recién casada frustrada ante lo que se le viene encima. Pero no una recién casada «normal», pues Sister Midnight (Karan Kandhari), una producción británica, arranca desde un matrimonio concertado en India en el que el hombre parece no querer enfrentarse a su nueva situación, teniendo ella que correr con todas las tareas e incluso a 
tomar la iniciativa en el tema sexual. Con toques de comedia naif y de cartoon hasta que, de pronto, todo se vuelve tremendamente macabro y el tono del humor se torna negro. Dos propuestas, como vemos, algo atípicas en el Festival de Sitges y que juntas, consiguieron que, prescindiendo de su calidad, Serendipia se preguntará si el festival en el que estaba todavía era el de cine fantástico y de terror.
Sigamos, ahora con Noves Visions, y la cosa sigue siendo terriblemente amable. Your Monster (Caroline Lindy) trae a la mente el cuento de La bella y la bestia, con una 
Melissa Barrera que tras una ruptura amorosa y en plena crisis, entablará una relación amistosa, primero, y amorosa después, con un monstruo que se oculta en el armario de su vieja casa familiar. Toda una comedia romántica de aires indies y con toques de El fantasma de la ópera que será la tercera muestra de empoderamiento femenino de la jornada. Simpática y correcta, sí pero… ¿Noves Visions? pues, en un más difícil todavía, Serendipia vivirá una nueva historia de amor con Love Me, un romance protagonizado esta vez por una boya y un satélite, el último que queda activo alrededor del globo terráqueo, pues ha habido una gran guerra que ha terminado con la vida en la Tierra, ¿les parece descabellado?, pues eso es lo que nos cuenta el matrimonio Sam y Andy Zuchero, que se aventuran a debutar en la dirección con esta historia que tuvo cierto éxito en su estreno en Sundance. En el reparto dos estrellas contemporáneas: Kristen Stewart, que no duda en apuntarse a un bombardeo cuanto más extraño mejor, y Steven Yeun.
Y finalizamos la jornada. Sin duda, una de las más extrañas que Serendipia ha vivido en el Sitges Film Festival. Pero oigan, ni tan mal.
TerrorMolins 2024: Palmarés de la 43ª edición
El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2024 culminó con un acto de clausura que incluía una sesión doble con The Rule of Jenny Pen y Drizzle in Johnson, y un homenaje especial a Montse Ribé, quien recibió el Premio Honorífico en reconocimiento a su contribución artística en el ámbito del maquillaje y los efectos especiales. 
Emocionada, agradecía especialmente a su familia por el apoyo incondicional a su carrera que, recalcaba, requería mucha dedicación y no poder pasar todo el tiempo que le gustaría con los suyos.
Como marca la tradición, este sábado se ha celebrado la Maratón de 12 horas de Cine de Terror, que ha reunido a los aficionados desde las 19:30 hasta el amanecer del domingo, con conciertos y performances para animar la noche.
El festival finaliza su 43.ª edición con El baño del diablo como gran protagonista. La película dirigida por Severin Fiala y Veronika Franz ha sido galardonada con varios premios en la Sección Oficial de Largometrajes, consolidándose como la gran ganadora del certamen. El film sigue así una trayectoria meteórica que lo ha llevado a ser reconocido en destacados festivales, desde Berlín hasta Sitges, donde también se alzó con el premio principal.
El jurado, compuesto por Rocío Alés, Júlia Lara y Caye Casas, ha otorgado al film los premios a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Interpretación por la impactante actuación de Anja Plaschg, Mejor Guion y Mejor Fotografía por el trabajo de Martin Gschlacht. Estos reconocimientos han destacado su capacidad para combinar una narrativa absorbente con un trabajo técnico y artístico de alta calidad.
Durante más de una semana de proyecciones y actividades, el Festival ha contado con la presencia de talentos destacados como el equipo de El instinto, con su director Juan Albarracín, los productores Juan y Pedro Poveda, y el actor Javier Pereira. También han participado el director de Blood Star, Lawrence Jacomelli, el equipo de An Taibhse con John Farrelly y Tom Kerrisk, la protagonista de Heresy, Anneke Sluiters, y la catalana Montse Ribé, galardonada con el Premio Honorífico.
Las premiadas del TerrorMolins 2024. Otros premiados en la Sección Oficial incluyen a Sebastien Romero, quien ha obtenido el premio a la Mejor banda sonora por Heresy (Witte Wieven), y Exhuma, galardonada con el premio a los Mejores efectos y maquillaje. El jurado ha otorgado una mención especial a The Rule of Jenny Pen por su originalidad.
En la sección Being Different, El instinto ha sido premiada como Mejor película, mientras que Isaac Ezban ha recibido el premio a la Mejor dirección por Párvulos. Hijos del apocalipsis, y Mateo Ortega ha sido reconocido con el premio a la Mejor interpretación por su papel en la misma película. El premio al Mejor guion ha sido para Juan Albarracín por su obra El instinto.
La sección Bloody Madness ha coronado a Krazy House como Mejor película y ha reconocido a Sasha Rainbow con el premio a la Mejor dirección por Grafted. Nick Frost ha sido premiado por la Mejor interpretación en Krazy House, mientras que los Mejores efectos especiales han sido para V/H/S/Beyond. Se ha otorgado también una mención especial a Handsome Guys por su capacidad de mezclar géneros.
En la sección Oficial de cortometrajes, Wander to Wonder ha sido premiado como Mejor cortometraje y Pissen aufs Patriarchat ha obtenido el premio al Mejor guion. La actuación de Youngji Jo y Malbok Yang en Home ha sido galardonada con el Premio Víctor Israel a la Mejor interpretación, mientras que Demons ha destacado con los Mejores efectos especiales.
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TerrorMolins 2024 Premio Honorífico, invitados y detalles
TerrorMolins 2024 presenta todos los detalles de la 43ª edición. Finalmente no ha podido ser en rueda de prensa a causa del aviso de peligro por tiempo violento en el Baix Llobregat, después de que se pospusiera por los tres días de luto oficiales convocados por el Ayuntamiento a causa de las víctimas de la DANA.
La primera de las novedades anunciadas es el spot del festival, dirigido por Paco Ruiz. La obra del cineasta de Molins homenajea La matanza de Texas, máximo exponente del terror rural, pero tal como anticipaba el cartel de esta edición, diseñado por él mismo, subvierte los roles y le otorga una lectura actualizada sin traicionar su espíritu.
El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei tendrá lugar entre el 8 y el 17 de noviembre y, como en años anteriores, ofrecerá la mayor parte de su programación de forma presencial en el Teatre de La Peni y una pequeña parte online a través de la plataforma Filmin. En total son 114 películas —42 largometrajes y 72 cortometrajes— de 33 nacionalidades, entre los cuales hay 4 premières mundiales, 5 internacionales o europeas, 30 estrenos en el Estado español y 5 catalanes. Los films están divididos en seis secciones competitivas —Sección Oficial, Being Different, Bloody Madness, Ç-Trencada, Globus y TerrorKids— y dos fuera de competición.
Entre las novedades anunciadas destaca también la del Premio Honorífico de este año, que recae en Montse Ribé, artista de efectos especiales. Ribé tiene una extensa trayectoria profesional junto a cineastas como Pedro Almodóvar o José Antonio Bayona y obtuvo un Oscar por El laberinto del fauno junto con David Martí. Entre sus trabajos sobresalen igualmente otras obras icónicas del cine de género como La comunidad, [REC]4: Apocalipsis, La cumbre escarlata o Un monstruo viene a verme.
Talentos en el TerrorMolins 2024. Además de Montse Ribé, asistirán al festival otras personalidades para presentar sus películas. Entre los talentos de los largometrajes estarán presentes Abel Danan, director del film inaugural La Damnée; Lawrence Jacomelli, director de Blood Star; Anneke Sluiters, protagonista de Heresy (Witte Wieven); John Farrelly, director de An Taibhse (The Ghost), primer film de terror rodado en irlandés gaélico de la historia; y el equipo de El instinto, gran triunfadora del festival Abycine, encabezado por el director Juan Albarracín. A estos y otros talentos de los más de setenta de cortometrajes programados se suman los jurados de las diferentes secciones. El jurado de la Sección Oficial de largometrajes estará formado por Rocío Alés, escritora y docente; Júlia Lara, actriz; y Caye Casas, director de la gran triunfadora del TerrorMolins 2023, La mesita del comedor. El jurado de las secciones Being Different y Bloody Madness lo forman Enrique Garcelán, Cristina Borobia y Víctor Català; el de la Sección Oficial de cortometrajes está formado por Heidi Honeycutt, Max Gee y Julia Cranney; el de Ç-Trencada por Diego Collado, Alberto Romo y Sabina Pujol; y el Jurado de la Crítica lo forman Carlos Penela, Ylenia Cañadas y Jordi González.
Exposición y presentaciones literarias, entre las actividades paralelas. No todo son proyecciones en el TerrorMolins. Entre las actividades que también forman parte del certamen está la exposición «Terror a Quatre Rodes» by Joso. A partir del 7 de noviembre la Sala de exposiciones Ca n’Ametller acogerá una muestra de diseños para engalanar la carrocería del coche oficial del festival, solo uno de los cuales ha sido escogido por Renault e impreso en formado vinilo. También se presentarán varias novedades editoriales con el terror como telón de fondo. Son La maldición de la luna llena, con Alberto Romo y Raul Ruiz; América profunda, con Rocío Alés; y Cine de Terror contado a los niños, con Manuel Mañero. A todo esto se le suman actividades como los Molins Horror Games, ya celebrado, y varias charlas, además de unas Jornadas profesionales que acogerán, entre otras, el IV Foro de Coproducción Iberoamericana.
Nuevas colaboraciones. El TerrorMolins forma parte de alianzas de festivales de género como el TAC (Terror Arreu de Catalunya) o Noviembre Fantasma y busca siempre nuevas vías de colaboración. Dos de ellas son con 3Cat, a través del canal infantil SX3, que ofrece a niños la posibilidad de asistir a las sesiones del TerrorKids; y con la plataforma del mismo 3Cat, donde a partir del 30 de noviembre el TerrorMolins tiene una colección propia abierta con films en catalán que han pasado por el festival. Son el largo Avemaria y los cortos Agorafòbia, Al Nadal toca fusta, Cases d’algú, La masia, Llengua amb tàperes, Un llit ple de sang y Zombiosi. Otra colaboración es con la Acadèmia del Cinema Català, que cada año realiza una Acción de Recuperación del Patrimonio Cinematográfico. Este año la acción lleva el título “El cinema de terror: una geografia del gènero a Catalunya”, una selección de 8 títulos icónicos del género en Catalunya, comisariada por el investigador y programador Jordi Sánchez Navarro, presentación de la cual acogerá el TerrorMolins. Además, se proyectará uno de los films seleccionados, ¿Quién puede matar a un niño?, de Chicho Ibáñez Serrador, y se realizará una mesa redonda con el director Jaume Balagueró, la crítica Desirée de Fez y el mismo Jordi Sánchez Navarro.
Diario de Serendipia en Sitges 2024: Segunda cápsula
Segunda jornada de Serendipia en el festival y promete ser una jornada dura: cuatro película cuatro. Dos de Oficial Fantàstic Competició (Get Away y Bury Your Dead); una de Noves Visions (Body Odissey) y finalmente, Apocalipsis Z, que se ofreció dentro de ese cajón de sastre que es Sitges Collection. Este fue el menú gourmet que deleitó las retinas de Serendipia en su segunda jornada de madrugón y fiambrera. Y no, Terrifier 3 (Damien Leone), que se ofreció en pase único, no pudimos verla. Y Serendipia confiesa que le ha cogido cierto cariño a ese payaso burlón (y sanguinario). Ya habrá oportunidad.
Fotos: Serendipia
VIERNES 4 DE OCTUBRE
Nick Frost (Sitges Film Festival)
Tramontana espera a Serendipia para comenzar el día nuevamente con una comedia, en este caso británica, Get Away (Steffen Haars), una de las tres cintas protagonizadas por Nick Frost (junto a Timestalker y Krazy House) que se han podido ver durante esta edición. Y es que Frost es una figura admirada por el fandom y por el festival, pues no en vano es una importante pieza del núcleo que compone la trilogía del Cornetto, principal mérito para hacerlo merecedor de la Màquina del Temps con la que el certamen le ha homenajeado este 2024. Hay sed de volverle a ver formar equipo con Edgar Wright y Simon Pegg, algo que ocurrirá algún día, tal y como explicó el actor ante la inevitable pregunta, precisamente con la que se inició la rueda de prensa. Frost creé que será así porque los ve con frecuencia y hablan constantemente de ello, pero hay tanta expectación que deberán elegir muy bien el proyecto. Mientras, nos contentamos con seguirles en su carrera individual, en la que han corrido una suerte desigual, siendo, quizás Frost el menos afortunado hasta ahora. De los tres títulos que le representaron en esta ocasión, el más logrado fue el que Serendipia tuvo la suerte de visionar: Get Away en el que nuestro actor (que también firma el guion y ejerce de productor) interpreta al padre de una familia de turistas ingleses, 
amante de los destinos remotos que serán muy mal recibidos por los habitantes de Svälta, una isla nórdica de la que se dice que, hace siglos y durante una cuarentena, sus habitantes recurrieron al canibalismo y donde, además, hay suelto un asesino múltiple buscado por la policía. Con un arranque que bebe mucho del primer capítulo de Drácula, los dos primeros tercios del filme nos sitúan ante lo que se diría que es el cruce gamberro entre Midsommar (Ari Aster, 2019) y Turistas (Ben Wheatley, 2012). Toma unas gotas del Folk Horror, tan en boga, para abundar en un subgénero que podríamos nombrar como relatos de repudio y asalto al forastero, y que tienen como variante más específica el encarnizamiento con el turista, algo, esto último, especialmente inspirador en tiempos de turistificación/turismofobia. Ni que decir que ese prolongado segmento de Get Away se apoya en el humor cafre que asociamos al actor. Desde su base cómico-cáustica se oculta y cimienta el giro de guion que da entrada al tercer acto: un festín de sangre, cuerpos descuartizados, efectos gore, y vísceras, en el que la víctima se manifiesta victimaria, como si estuviéramos ante el reverso pulp de The Wicker Man (1973). Esta explosión de violencia final, al estilo Grand Guignol, que se suma a esa mordacidad con ciertos visos de crítica social que rezuma la primera parte, hace de Get Away un agradable bocado para empezar la jornada. Cierto que no es una delicatesen culinaria sino algo semejante a un huevo Kinder. Una cinta agradable y simpática aunque intrascendente.
Coincidiendo en el tiempo con el pase de Get Away, en l’Auditori tenía lugar la proyección del film que, sin duda y de manera unánime, ha marcado esta edición del festival, La sustancia (The Substance, Coralie Fargeat). Detengámonos un momento aquí pues, habrá quien ataque/defienda La sustancia como un desaforado alegato feminista. Otros la verán como una desagradable orgía body horror en respuesta a todo ese culto al cuerpo y la belleza, al exhibicionismo constante. Los habrá que vean en esta comedia agria un retrato de la soledad en la cumbre, la fragilidad de la fama y la lucha contra el olvido. También se verá como una oda/denuncia muy loca al consumismo, al desear-pedir-conseguir todos los deseos con la consiguiente moraleja moralista. Y todo eso es. Pero también mucho más. La sustancia es un homenaje al terror más inteligente y salvaje de los ochenta, con guiños a Re-Animator (Stuart Gordon, 1985), la incomprendida Society (Brian Yuzna, 1989) y, sobre todo, a toda la nueva carne del profeta Cronenberg. Y más aún. Su esencia está fuertemente apuntalada en grandes clásicos del fantástico como son Dr. Jekyll y Mr. Hyde y El retrato de Dorian Gray. Todo ello en un sorprendente y gigantesco paso adelante en la filmografía de su directora, Coralie Fargeat, cuya más que correcta opera prima, Revenge (2017), hacía presagiar un futuro interesante, pero no que su siguiente proyecto fuera ya esta «locura absoluta», a la par que pieza madura y con mucho fondo, que sin duda está llamada a ser una película de culto de manual.
Con un guion perfectamente construido, que también ha escrito la directora, La Sustancia es todo un portento que cuida mucho sus planos, no dudando en poner todo el detalle en funciones orgánicas habituales hasta conseguir que resulten desagradables, aunque tan solo se trate de ampliar el sonido para alcanzar, con ello, un mayor nivel de repugnancia. Las actrices protagonistas brillan, sobre todo Demi Moore, que inteligentemente se enfrenta a un personaje que, si bien no tiene porqué ser autobiográfico, sí que se encuentra en una encrucijada vital que la actriz puede reconocer al estar viviéndola en la realidad. Por su parte Margaret Qualley es el arquetipo de la perfección y alter ego del personaje que interpreta la Moore, y tanto un cuerpo como el otro son retratados al detalle por la directora, como expresión artística: uno con sus «imperfecciones» y otro sin mácula que pueda ensombrecerlo. Arte sin mancha. Perfección -exterior- inmaculada. Con La sustancia los fans del fantástico y, en general, los del buen cine tenemos en Coralie Fargeat una voz muy estimulante. Una esperanza de buenas historias exenta de todo prejuicio a la hora de narrarlas. Libre y con una belleza salvaje.
Esta bilocación de Serendipia, que le permite comentar dos filmes que se vieron a la vez en salas distintas, tiene truco, que no trampa. En verdad, su cuerpo físico no se movió de Tramontana, donde también vio el siguiente título de su agenda: Apocalipsis Z. El principio del fin, cinta postapocalíptica que se desarrolla en Galicia, en la que una extraña enfermedad similar a la rabia empieza a extenderse sin freno por todo el planeta transformando a la gente en agresivos «resucitados» caníbales (de otro modo, zombis). Basada en la novela de 2007 de Manel Lourerio, nos trae la historia de un duelo, de un viaje de supervivencia, tanto físico como emocional, con acción, tensión, infectados rabiosos, un poco de sangre… y un malhumorado gato de nombre en latín, Lúculo, verdadero robaescenas. La película nace con vocación de ser primera parte, pues el proyecto de Prime Video incluye, en origen, adaptar la saga de Loureiro completa. La novela inicial que nació como relato por entregas en el blog del autor (versión 2.0 de los folletines decimonónicos), narraba el apocalipsis zombi en forma de diario. Debido a su éxito fue editada en formato de libro y pronto tuvo que ser expandida en dos secuelas más. Auténtico longseller, en palabras del novelista, la obra ha conocido innúmeras reediciones, elevadas a la enésima potencia, por supuesto, a raíz del COVID-19, de modo que lo que había empezado como una especie de historia de ficción especulativa, se ha transformado, tras la pandemia real, en una historia de política ficción salpicada con algo tan irreal como es que los muertos caminen entre los vivos. El propio Carles Torrens, director barcelonés escogido por la plataforma para trasladar el relato literario al leguaje del cine, alimentó el material original, conjuntamente con Ángel Agudo, que 
firma el guion adaptado, con todo aquello que nos retrotrae al 2020: Supermercados desabastecidos, individualismos, privilegios, videollamadas… En manos del director de Pet (2016), el fenómeno zombi toma carácter documental, por eso, sobre todo en la primera parte de la cinta hay poca acción y poca sangre, pero mucha verosimilitud puesta al servicio de la denuncia del egoísmo humano, que sería capaz de llevarnos a la extinción antes que los mordiscos de los infectados. Tras la presentación del protagonista, y el planteamiento de ese subtexto crítico, la cinta abandona los interiores y se convierte, en su segunda parte, en un relato de aventuras: el foco se traslada del conflicto interno del personaje central a su fuga hacia adelante para conseguir sobrevivir. Él y Lúculo pronto se ven empujados a salir, y se irán encontrando, por tierra y por mar, con compañeros de viaje improbables pero esenciales para su crecimiento (y para justificar, un poco tramposamente, algunos giros de guion). Apocalipsis Z. El principio del fin no alcanzará, quizás, puestos de honor en el subgénero de muertos vivientes, pero seguramente tampoco lo pretende, a cambio, inaugura de forma eficaz la puerta de entrada a la que podría ser la primera gran franquicia del género Z en nuestro país. Bien resuelta y con un electrizante clímax, no generó debate en los corrillos, obtuvo sólo una tibia acogida que se explica, quizás, por las ambivalentes valoraciones que han ido cosechando las anteriores obras de Torrens. Serendipia, en cambio, incluso desde Emergo, siempre ha considerado que Carles Torrens es un cineasta al que seguir, curiosamente, en el apartado de anécdotas de esta edición quedará registrado el descubrimiento de que el interés es mutuo, el director fue quien nos reconoció al acercarnos a él.
Y de una cinta con acogida tibia a otra que la tuvo peor. Serendipia se aleja momentáneamente de la Sala Tramontana para cumplir con la siguiente escala del día. En el Auditori le está aguardando otra película espoleada por la reciente pandemia, 
el último trabajo de Marco Dutra (As Boas Maneiras) presentada por el propio director y su actor protagonista, Selton Mello, una estrella en Brasil. Dutra refirió que la crisis del COVID le había provocado un descenso al abismo de la depresión, hay que recordar que, con Bolsonaro en el poder, en Brasil los efectos de la pandemia fueron especialmente devastadores en todos los estratos de la vida. Y el director rompió una lanza en favor del valor curativo del arte cinematográfico, así, la realización de Enterre Seus Mortos (Bury your Dead) le habría reconciliado con el género humano, al permitirle descubrir la importancia del trabajo colaborativo y el valor de la denuncia y la empatía. Pero esta emotiva presentación no impidió que el público suburense recibiera con estupefacción su obra. Y es que Enterre Seus Mortos (Bury your Dead) es un críptico film que sobrepasó las capacidades de comprensión de los espectadores, así, era casi unánime la sensación de que habíamos estado expuestos a una pieza incomprensible por nuestra falta de referentes concretos que explicaran la mitología desplegada, en el mejor de los casos, cuando no directamente causada por una exposición narrativa oscura y desmañada. Serendipia tiene que reconocer que, en un primer momento y en primera impresión tras el visionado, participó de esa perplejidad general. Con todo, no compartió el juicio que achacaba esa cualidad de indescifrable a su tempo exasperantemente lento, de hecho a Serendipia lo que la exaspera es esa cantinela perenne que denosta cualquier relato que no se exponga y desarrolle con un ritmo taquicárdico. Pese a verse desbordada por el carácter intrincado de la película y su trama, ya de primeras Serendipia advirtió que se encontraba ante una especie de western fronterizo apocalíptico con no pocos puntos en común con Atolladero, de Óscar Aibar, pero mentando oscuras entidades lovecraftianas. Impresión que, 
junto al reconocimiento de la belleza plástica con la que se expresa Dutra, fue motivo suficiente como para desear investigar sobre qué había visto. La acción transcurre en torno a las circunstancias y vicisitudes de Edgar Wilson, sin duda uno de esos personajes dignos de perdurar archivados en la galería de caracteres memorables, un taciturno operario encargado de recoger cadáveres de animales atropellados en una zona rural de Brasil, que sueña con escapar de su existencia con Nete, el amor de su vida. Estructurando su cinta en siete capítulos, el director traslada al espectador a un terreno inestable, donde el peligro viene del más allá, de las entrañas del proceso civilizador. Esta tierra se llama Abalurdes, ciudad ficticia instalada en la inercia inherente a la certeza de que la Tierra está en sus últimas horas. Completan el panorama cierto fenómeno catastrofista (repasado, pero nunca detallado) que, sin duda, evoca nuestra pandemia, y algo parecido a una secta que practica ceremonias con un aura ritual. Dutra parte de las novelas de Ana Paula Maia (que participó en la redacción del guion), tomándose libertades y huyendo del cine de tesis, aunque en su relato se aprecian muchas de las vicisitudes de Brasil, empezando por el fundamentalismo religioso. El director está más interesado en componer un espectáculo fílmico (de lo más inquietante) que le sirva para explorar misterio por el misterio. La mística de lo macabro. Lamentablemente, el interés de Enterre Seus Mortos (Bury your Dead) se ve empañado por un exceso de ambición que acaba lastrando su claridad expositiva. No es una película redonda, pero su innegable poderío visual nos hace pensar que, tal vez, en un futuro vaya a ser reivindicada como perla del cine raro (Weird si se quiere decir en inglés). Tal vez. No nos atrevemos a afirmarlo, pues ya hemos reconocido que durante el visionado nos embargó la sensación de no saber qué estaba ocurriendo en la pantalla. De lo que sí estamos seguros es de que la hubiéramos incluido en la programación de la sección Noves Visions, donde hubiese encontrado un público más afín y dispuesto a dejarse llevar por lo extraño.
Sí estaba incluido en Noves Visions el siguiente bocado que degustó Serendipia de vuelta a la Sala Tramontana. Una inclusión que no nos convenció. Serendipia siempre recordará su impresión al ver The Invitation (Karyn Kusama), una cinta a la que llegó por azar (era la que cuadraba en su horario) y de la que se enamoró instantáneamente, fue su apuesta personal en esa edición y ganó la porra, puesto que la película de 2015 se alzó con el máximo galardón. Esa misma emoción es la que sintió viendo Body Odissey (2023). El debut en el largo de Grazia Tricarico se le antojó fascinante, vivo ejemplo de que todavía pueden contarse historias originales, que lo son porque son fruto de un acercamiento personal, y con una voz propia ya muy desarrollada, a temas universales. Así, en manos de la directora el body horror deviene un canto lírico a la esterilidad del esfuerzo de superación cuando se convierte en objetivo por sí mismo, en ir siempre más allá en una fuga continúa hacia una perfección imposible de alcanzar. Esta metáfora de los peligros del culto extremo al cuerpo, que tanta predicación y seguimiento tiene en nuestros tiempos (es uno de los males del hoy, nos atreveríamos a afirmar), servida con un embalaje formal exquisito, exhaustivamente pulido, sin caer en lo superfluo, fue toda una revelación para quien esto escribe. Son muchas las cosas que atraen a Serendipia del Festival de Sitges, pero, no es la menor, tropezarse con cintas únicas en su especie y que sólo allí pueden descubrirse. Body Odissey se instaló entre nuestras preferidas, por eso nos hubiera gustado que la hubiesen programado en Sección Oficial, pues quiérase o no, es la que da mayor visibilidad a los autores y sus obras, y ambas, la directora y su película, lo hubieran merecido con creces ¿No se trataba, además, de apostar por la incursión femenina en el fantástico?
Tricarico se estrena en el largo, pero ya no era una desconocida en la escena del género. Su presencia en el circuito era frecuente, sobre todo a raíz de cortos como Persefone (2014) o, y sobre todo, Mona Blonde (2014), germen del que ha sido su primer largo. Mona es el personaje protagonista de ambas ficciones, una culturista de élite que está obsesionada con tener el mejor cuerpo posible. La fijación por ese cuerpo perfecto es tan grande que llega a cotas 
estratosféricas gracias al apoyo de Kurt (Julian Sands), su refinado entrenador especial. Versión enfermiza de Pigmalión, Kurt, a la vez, la estimula y la somete, es su puntal y su carcelero, como si fuese el ejemplo paradigmático de la sentencia cervantina, «quien bien te quiere te hará llorar«. Sands lo encarnó con más que probada solvencia, bordando su interpretación (una de las últimas), pero si alguien lidera la función esa es la suiza Jacqueline Fuchs (que también puede verse en Mad Heidi) dando vida a Mona, otro de esos roles que guardáremos en la galería de personajes dignos de memoria. Mona es una paradoja viviente, eligió voluntariamente su carrera y continúa persiguiéndola, pero su autonomía está limitada, y es que es tanto creadora, como creación. Mona es una nueva caracterización de la criatura de Frankenstein, pero sin la inocencia que definía al monstruo de Mary Shelley. Tricarico retrata con habilidad su dicotomía, actúa según sus elecciones, pero en contra de sus deseos. A medida que se enfrenta a los exigentes estándares físicos y sacrificios que exige la competición, empieza a perder de vista sus propios objetivos y su capacidad de decisión. Su ascesis es su descenso. El de Mona es un drama psicológico que reproduce a escala la odisea del cosmos, la perpetua e irresoluble dialéctica que pauta lo real. Body Odyssey es una película que asume riesgos considerables para brindar una perspectiva alternativa, y para algunos incómoda, sobre temas como la feminidad, el cuerpo y la construcción de los propios estándares de belleza, y, más allá, sobre la intrínseca tensión entre los polos opuestos. Cautivadora y fascinante, no deja indiferente al espectador, que se preguntará hasta qué sacrificio está dispuesto el individuo llevado por su culto a la apariencia. Sin trampa ni cartón. Sin maquillaje ni prótesis. El horror.
La de Tricarico, premiada con el galardón de mejor dirección de Noves Visions, es otra de la voces femeninas que viene a sumarse al futuro del fantástico. Voces innovadoras que llegan dispuestas a iluminar perspectivas nunca abordadas. Voces que Serendipia quiere escuchar. Como la de Coralie Fargeat a cuya rueda de prensa tuvo la suerte de asistir. Sirva un somero repaso de ese encuentro como cierre de nuestra segunda cápsula.
Un encuentro con Coralie Fargeat
Amable y muy cordial, la joven directora gala se explayó en sus explicaciones durante la rueda de prensa que ofreció a los medios, de la cual hemos destacado algunos pequeños jirones.
La sustancia no era un proyecto pensado con anterioridad a Revenge, aunque ambos están relacionados. Sin Revenge no habría podido haber hecho La sustancia.
En el cine todo influye: lo que lees, lo que ves, todo influye y se utilizan estas influencias para realizar tu propio proyecto. Aunque reconozco la influencia de Cronenberg o Lynch en La sustancia. En mis películas prefiero prescindir de diálogos, que no se explique todo y que cada cual tenga su opinión sobre lo que está sucediendo.
Respecto a la participación de Demi Moore en el film, ya cuando escribí el guion buscaba un símbolo, un icono para representar a la estrella que cuando su público la abandona, desaparece. Fue todo un reto hablar con la actriz por el tipo de papel que le iba a ofrecer. Pero, a pesar de que no confiara que aceptara participar en La sustancia, lo hizo. Y una vez aceptó quise reunirme antes con ella para explicarle el proyecto y el maquillaje que iba a conllevar, así como los desnudos. También le comenté que el rodaje tendría lugar en Francia, fuera de su zona de confort. Pero dijo que le gustaba tomar riesgos y así lo hizo. Por otra parte, a pesar de la participación de estrellas norteamericanas en el proyecto, quería mantener la independencia y que siguiera siendo una cinta independiente y experimental.
Diario de Serendipia en Sitges 2024: Primera cápsula
Fotos: Montse Rovira
Una nueva edición del Festival de Sitges, la número 57, con el público volcado en ella. Hay hambre de Sitges y se nota en el ambiente desde el primer día. Hay apetito de compartir en comunión con otros acólitos la fantasía, el caos y el terror que nos ofrecen las pantallas del festival. Hay necesidad de evadirse de los horrores cotidianos.
En esta ocasión el histórico Cine Retiro ha permanecido cerrado por (profundas y necesarias) reformas, ausencia que ha intentado ser solventada con la incorporación de otra pequeña sala, la de L’ Escorxador, lugar habitual del Brigadoon, que ha tenido que volver a celebrarse, como sucedió el pasado año, en la Sala Llevant del Melià.
JUEVES 3 DE OCTUBRE
Nuevamente la Sala Tramontana será el hogar de Serendipia. Y lo será más que nunca. Allí iniciará su festival particular y lo hará con buen pie con El segundo acto (Le deuxième acte) una nueva gamberrada de Quentin Dupieux, un director que se ha tornado en, si no imprescindible, sí una presencia habitual con una o más de sus películas en cada edición del festival. El idilio de Serendipia con Dupieux no fue un amor a primera vista, de hecho el argumento marciano de Rubber (2010) no le convenció y en aquella su primera edición no seleccionó en su programa la obra del francés, pero poco a poco fueron coincidiendo los caminos, primero casi por azar y después ya voluntariamente, hasta que desde Au poste! (2018), si 
puede, inicia el periplo suburense con lo que sea que se le haya ocurrido al galo. El segundo acto, que participó en la sección Oficial Fantàstic Competició, nos hizo olvidar la decepción con Daaaaaalí! (2023) a la par que nos retrotrajo a aquella noche de agosto de 1985 en la que vimos descender a María Casares las escaleras del Teatre Grec de Montjuic. La gran dama de la Comedie Française interpretaba La nuit de Madame Lucienne, una pieza inclasificable de Copi, a su vez un autor tan insólito y extravagante como el propio Dupieux. En La nuit de Madame Lucienne, una escalera que sale del escenario permite que los actores utilicen el pasillo central del patio de butacas del teatro, saliendo y entrando repetidamente, igual que Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphaël Quenard y Louis Garrel, los interpretes del segundo acto de Dupieux, no dudan en romper la cuarta pared mezclando «realidad» y ficción. En la pieza de Copi, los intérpretes se ven inducidos a ensayar el ensayo de un ensayo y la teatralidad se exacerba hasta el delirio. Al final de ella, la señora que limpia el teatro asesina a todos los actores y exclama triunfante: “¡Se acabó el teatro!”. En la última cinta de Dupieux también nos encontramos con un ejercicio metacinematográfico, los personajes están interpretando la primera película dirigida por una Inteligencia Artificial y constantemente entran y salen del guion del filme que ruedan en la trama, cosa que no es otra que cumplir con el guion que interpretan para Dupieux, la cinta nos obliga a reconsiderar continuamente dónde termina la realidad (la de los personajes, que para nosotros es igual ficción) y dónde empieza la ficción, dándole al cine un valor simbólico extremo como herramienta para la reflexión filosófica sobre la existencia y sus límites. Como en Copi ocurre con el teatro. Pero ya no estamos en tiempos de la muerte del arte, por eso nuestro director no concluye que se acabó el tiempo del cine, más bien ese largo plano aéreo sobre el travelling que ha filmado a los personajes da cuenta de que sólo desde lo cinematográfico se puede atisbar lo que se esconde debajo del fenómeno, la esencia de nuestra realidad. Pero eso se da sólo desde el terreno de la conjetura, Dupieux entona un enorme “quizás”, algo que queda advertido ya desde el título del filme. Toda esta obra es un segundo acto, aquel en el que se desarrolla la trama y se intensifican los conflictos, pero todavía no se alcanza la resolución. Quizás el mundo, como la película que inauguró nuestro festival, no sea más que una obra sin conclusión posible.
Si Serendipia disfruta con el possurrealismo de Dupieux, tanto o más disfruta con el cine de animación. Hubiera querido degustar el stop-motion de Adam Elliot, Memorias de un caracol (Memoir of a Snail), pero asistir a su pase en el Cine Prado era incompatible con estrenar L’Auditori visionando el filme inaugural, y Serendipia no se ha perdido ninguno de ellos en las quince ediciones que lleva cubriendo el festival. Así, tras El segundo acto, se encaminó con el corazón partido a la cita con el actual buque insignia de las salas del festival, en vez de dirigirse a aquella otra que lo fue cuando el certamen nacía. No se trata de ser un animal de costumbres, es ser fiel al rito. Porque ese pistoletazo de salida de L’Auditori tiene algo de ceremonia, con un Ángel Sala como oficiante que siempre aprovecha la ocasión para darnos la bienvenida a los miembros de la prensa. Las formalidades pueden parecer corsés, pero, en verdad, con su artificialidad solemne, marcan la diferencia entre lo ordinario y lo extraordinario y nos permiten moldear y modelar el tiempo humano. Las formas puede ser tan importantes como el fondo. Si no más. De la relevancia de lo formal Presence, película de inauguración y último trabajo de Steven Soderberg, es un ejemplo perfecto.
Serendipia sigue la pista a este ganador del Óscar del 2000 por Traffic, desde que iniciara su carrera en 1989 ganando la Palma de Oro con Sexo, mentiras y cintas de video, auténtico sinécdoque del cine indie, y lo sigue no sólo porque todos fuéramos jóvenes en los 90, sino porque es un director que demuestra una y otra vez que no está reñida la asunción de un género y la voluntad de darle una impronta autoral a cada trabajo. Contagio (Contagion, 2011) es una buena muestra de ese equilibrio, y esta Presence, con la que regresa a Sitges trece años después, también. Soderberg recorre la 
misma senda que abrió David Lowery en 2017 con A Ghost Story, y que podríamos definir como historia de fantasmas de autor. Tanto la de Lowery (más) como la que nos ocupa, han hecho las delicias de Serendipia y es que romperemos todas las lanzas que hagan falta para defender que, a la hora de contar, es más importante el cómo que el qué. Al fin y al cabo, los argumentos posibles son contados, si los relatos son infinitos es porque las variaciones son las que dan carta de naturaleza a cada narración. Quizás Lowery fue más rompedor, después de todo Soderberg reutiliza todos los tópicos del canon, como (casi) siempre nos encontramos con una familia disfuncional, aunque acomodada, que se muda a una mansión en las afueras (con el consiguiente enfado de los hijos adolescentes) en la que empezarán a ocurrir sucesos paranormales, unos fenómenos que el director confiesa que conoció bien en su propio hogar como hijo de una médium que es. Pero Presence no es una película parapsicológica más, pues la forma subvierte el fondo, lo que la distingue y hace especial es que Soderberg la plantea como una narración subjetiva de la propia presencia fantasmal. Los largos y fluidos planos secuencia en gran angular que se pueden conseguir con la pequeña cámara digital Sony A9 III se bastan por sí mismos para conducirnos al centro del terror, un terror que no se apoya ni en el susto ni en la sangre. (Casi) La única violencia que se muestra es la emocional, al menos, hasta que se llega al desenlace y se revela que el mal no está sino del lado de los vivos. Es, pues, el tratamiento de la cámara y la planificación el que sostiene la narración y nos fuerza a ver desde la mirada del espectro. Los fundidos a negro que cierran todas las secuencias casi parecen un parpadeo, una caída de párpados que es el recurso que el director utiliza para dosificar la información que quiere irle dando al espectador, una caída de párpados que, al estar contemplando una cámara subjetiva, es la del propio público que ve la película. Esta alineación de vistas por sí misma logra que la cinta se cierre con un giro que no tiene nada que envidiarle a los de Shyamalan, ante nuestros ojos, casi desde ellos, se ha tejido la ilusión que nos ha mantenido confundidos. Una enigmática frase en el epílogo despertó en Serendipia las ganas de volver a verla, algo que podrá hacer puesto que se estrenará en salas comerciales el próximo 31 de enero gracias a Diamond films.
Y, aunque ya nos encaminemos hacia la siguiente sesión del día, no queríamos dejar de mencionar el gusto de reencontrarnos con Lucy Liu como protagonista bordando una notable interpretación. Todos la recordaremos siempre como la villana que daba la réplica a Uma Thurman en Kill Bill. El díptico de Tarantino es uno de los filmes de cabecera de Serendipia por ser un sentido homenaje a las películas de Kung-Fu que devoró en su infancia en los cines de barrio. Hong Kong estará siempre en la médula cinéfilo-cinéfaga de Serendipia, quizás por eso no duda nunca en disfrutar del cine que 
de allí nos llega todavía hoy. En esta 57 edición del festival ha habido menor presencia de cine oriental, pero el que se ha presentado ha tenido un buen nivel. Y disfrutamos de algunos títulos, empezando por ese 九龙城寨之围城 (Twilight of the Warriors: Walled In, Soi Cheang) que cerraba nuestra primera jornada en la Sala Tramuntana. Una producción chino-hongkonesa basada en hechos históricos, que retrata la Ciudad Amurallada de Kowloon, la cual en los años ochenta fue el único lugar de Hong Kong donde no se aplicaba la ley británica. Un enclave entregado a las bandas y al tráfico de todo tipo. En este claustrofóbico lugar y huyendo del poderoso jefe de las tríadas Mr. Big (Sammo Hung), el emigrante ilegal Chan Lok-kwun (Raymond Lamb) es acogido bajo la protección de Ciclón, líder de la Ciudadela (Louis Koo). En manos de Soi Cheang la Ciudad Amurallada se convierte en un escenario de leyenda, tan hábil siempre este director en capturar esa belleza hiriente que anida en lo sórdido y, aunque no está a la misma altura de su anterior Limbo, que pudimos disfrutar en la edición de 2021, logra darle a lo marginal un aire mitológico. A la vez, el de Macao, consigue irisar sus thrillers con visos de fantástico, aquí con la presencia de un villano sobrehumano, un (anti)héroe (Ciclón) con toques de santo laico y unas gotas de prodigio casi mágico en su desenlace. Destacan las coreografías, pero también el diseño de una galería de personajes que, sin dejar de ser arquetipos, presentan matices psicológicos hasta el punto de movernos a empatía. Acción, violencia, suciedad, artes marciales y aires distópicos en un filme en el que junto a grandes leyendas del cine de Hong Kong, podemos encontrar nuevos talentos luchando en los rincones y vericuetos de una réplica de la laberíntica ciudad amurallada que se construyó a tamaño real y que fue derruida tras finalizar el rodaje. Todo ello en una producción que también se presentó en Oficial Fantàstic Competició y de la que ya se está preparando una secuela.
Esta fue la experiencia en salas de Serendipia, pero aún pudo gozar de más cine en streaming por cortesía de su productora: Párvulos, con la que Isaac Ezban ofrecía un relato apocalíptico protagonizado por tres hermanos de corta edad que viven en una casa en el bosque. Poco a poco el director nos irá mostrando qué los ha llevado a esa situación. Y explicará qué extraños seres habitan en el sótano y que, de largo, no son lo peor con lo que se toparán los muchachos. Con color degradado, pero que no apaciguará el rojo de la sangre, Párvulos es un mal viaje que resalta el característico aspecto feísta del cine mexicano de terror. Producto de la pandemia, su ajustado presupuesto no es óbice para que se ofrezca al espectador una buena historia, salpicada de sangre, zombis y vísceras, con pasajes duros y crudos y una electrizante conclusión. El cine mexicano de terror encanta a Serendipia y mientras haya directores como Isaac Ezban, continuará estando en buenas manos y trayendo sorprendentes historias a la pantalla.
Buen promedia en esta entrada de festival. Lamentablemente en esta ocasión no se han realizado los maravillosos video-resúmenes, así que deberán contentarse con un tráiler de uno de los films de la jornada.
Una selección de cortometrajes llena de grandes nombres completa la programación del TerrorMolins 2024
Se acerca el noviembre y con él el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, en una 43ª edición dedicada al terror rural que tendrá lugar entre los días 8 y 17 de este mes. A todas las novedades y programación ya anunciadas se suman dos largometrajes muy especiales, las selecciones de cortometrajes, divididas en tres secciones donde se podrá ver el más destacado del género en formato corto y dónde habrá una gran presencia de terror en lengua catalana, y dos sesiones dedicadas al público infantil, con la tradicional TerrorKids, y adolescente, con TerrorJove. Además, el TerrorMolins estrena web, una página que renueva la imagen y ordena y hace más clara toda la información del certamen.
Los cortometrajes de terror más destacados. Además de las tres secciones competitivas, las sesiones de inauguración y clausura constarán, como cada año, de un cortometraje ligado al leitmotiv que vertebra el festival o que destaque especialmente. Serán Un dia al camp, de Albert Portal, y Drizzle in Johnson, de Ivan Li, respectivamente. El primero es una comedia de terror en catalán que parodia clásicos como La matanza de Texas y el segundo es una animación psicodélica que sigue a un hombre en su búsqueda de la verdad y que ha pasado por festivales como MotelX o Fantastic Fest.
Drizzle in Johnson
La Sección Oficial de cortometrajes constará de veinte films entre los cuales hay algunos títulos y nombres especialmente destacados. Kelsey Bollig, directora de Kickstart My Heart, ganador del Premio Víctor Israel a la mejor interpretación en el TerrorMolins 2022, vuelve por tercera vez al festival con su nuevo film, Inked, alrededor de un tatuaje siniestro que despierta ecos del pasado. El nuevo film del cineasta indio Adesh Prasad, codirector del largometraje premiado en Sitges Tumbbad (2016), estará presente en la Sección Oficial del TerrorMolins con Demons, una historia de terror queer con toques gore. La holandesa Nina Gantz aterriza en el festival con la joya animada Wander to Wonder, tragedia metacinematogràfica seleccionada en el festival de Venecia y ganadora de un premio Méliès d’Argent. También destaca, entre la principal sección competitiva, el nuevo trabajo del veterano director argentino Andrés Borghi, que codirige con Iván Rojas Devora, sobre una pareja que asiste a una cena sospechosamente extraña, la primera incursión cinematográfica del mago Jandro, Cava, premiada en una decena de certámenes, o el film en catalán Mu, de Javier Méndez Cañada.
La sección Ç-Trencada, dedicada a las producciones catalanas, será, este año, mayoritariamente en lengua catalana. Destacan, entre los ocho cortometrajes seleccionados, nuevas obras de cineastas conocidos y asiduos en la programación del festival, como Cris Gambín y Toni Pinel, ganadores del premio Ç-Trencada en 2019 y que este año presentan Aamon; Ferran Carbonell, que vuelve al festival con Aigua seca después de haber proyectado a la sesión de clausura de 2023 Na Ribas, o Ian Garrucho y Daniel Noblom, con 3, 2, 1 y Parasomnia, respectivamente. También habrá films como Berta, de Lucía Forner Segarra, que llega después de pasar por la Seminci de Valladolid, o 7 minuts al paradís, de Victoria Aviñón, que se verá en estreno mundial.
En cuanto a la sección online, Globus, que pone un foco especial en la diversidad y las nuevas miradas y que, igual que la Retrospetiva de largometrajes, se podrá ver en la plataforma Filmin, constará de diez obras y dos bloques de cortometrajes latinoamericanos programados en colaboración con el prestigioso Festival Nieve Roja de Argentina y de la alianza FantLatam.
Largometrajes: dos incorporaciones de lujo
La programación de largometrajes del festival incorpora dos últimas películas que acabarán de redondear la selección. Se trata de El baño del diablo, de los directores austríacos Severin Fiala y Veronika Franz, gran triunfadora del Festival de Sitges, y la coreana Ghost Train, de Tak Se-woong, que se estrenará internacionalmente en el TerrorMolins. Además, la sección Retrospectiva, que se podrá ver a través de Filmin, reunirá algunos de los títulos más emblemáticos de terror rural, como Las colinas tienen ojos, Wake In Fright o La última casa a la izquierda, además de La matanza de Texas.
TerrorKids y TerrorJove
El TerrorMolins mantiene su apuesta para llegar a públicos de todas las edades con las ya habituales sesiones TerrorKids, donde se podrán ver una selección de cortometrajes para niños divididos en dos bloques, entre los cuales hay 4 premieres españolas, una catalana y una europea y films como Impossible Maladies, premio Méliès d’Argent en el Festival de Estrasburgo. También habrá talleres simultáneos donde los asistentes podrán crear un espantapájaros y sembrar semillas “terroríficas”. Para el TerrorJove, una sesión que se consolida después del éxito del primer año y en la que un grupo de jóvenes colaboradores del certamen programan la película y dinamizan un debate posterior, el film seleccionado es Párvulos: Hijos del apocalipsis, del director mexicano Isaac Ezban.
Inked
Diario de Serendipia en Sitges 2024: Tercera cápsula
Ya está aquí el primer fin de semana del festival, lo que incluye la tradicional Zombie Walk. También, además de tres nuevas películas a sumar en nuestro itinerario: dos de Oficial Fantàstic Competició (El baño del diablo y Mads) y una de Sitges Collection (Bookworm) Serendipia inicia las actividades paralelas con una visita a los protagonistas y director de Terrifier 3. Un momento fan supremo.
SÁBADO 5 DE OCTUBRE
La tercera jornada no podía empezar mejor para Serendipia que disfrutando desde la primera fila de la Tramontana del último trabajo de los austríacos Severin Fiala y Veronika Franz, tía y sobrino son responsables esta vez de haber cultivado uno de los mejores ejemplares de la cosecha cinematográfica de este 2024: El baño del diablo (Des Teufels Bad). Elegida como candidata a representar a Austria en la carrera por los Oscar, galardonada con el Premio a la mejor a la mejor fotografía (Martin Gschlacht) en la Berlinale, la última criatura de los directores de Buenas noches, mamá (Ich seh, Ich seh, 2014), está llamada a convertirse en un clásico de la exploración de las profundidades de la psique femenina como cruce perfecto que es del cine más psicologista de Bergman con el del Haneke más encarnizado. La Agnes (vibrante Anja Plaschg) de El baño del diablo tiene mucho en común con la Anne del Dies Irae de Dreyer, ambas jóvenes verán desasistida su sensualidad, prisioneras como están de un marido incapaz de corresponder a su demanda (y juzgadas por las respectivas suegras como causa de los males del hijo que ha caído bajo su influencia) y, aunque víctimas, a las dos les espera un trágico desenlace en el que lo religioso tiene un papel decisivo.
Elegante y pictórica, con tableaux vivants a la manera de Murnau, el film de Fiala y Franz ahonda en la incomprensión de 
las necesidades amatorias femeninas por parte de una sociedad que prácticamente las reduce a su función de futuras madres, una función que, en el caso de Agnes, va a ser imposible de cumplir pues cualquier esperanza de convertir el lecho conyugal en su propio edén privado se ve frustrada al final de su noche de bodas, cuando el novio le pide a su novia que se aleje de él para poder masturbarse, sombríamente, bajo las sábanas. No cumplir las expectativas que otros albergan sobre nosotros, decepcionar, es (antes y ahora) una de las principales causas de insatisfacción y autoinculpación, de frustración, y ésta nos arroja al abismo de la depresión. El baño del diablo es, sobre todo, el acompañamiento a una mujer desesperada a la que no le queda siquiera la escapatoria de darse muerte por mano propia. En la mente de Agnes está fijada la advertencia del sacerdote local sobre el destino de los suicidas, mueren sin confesarse, así que les espera un llanto y crujir de dientes. Si pone fin abruptamente a su tormento, sólo logrará condenarse a una eternidad en el infierno.
Franz y Fiala inician su relato con un prólogo de impacto y, aberrantemente bello también (¿O debiéramos decir sublime?): una mujer camina por el bosque con un bebe hasta llegar a una cascada de un rio. Allí arroja al niño, que se precipita al vacío, y después acude al pueblo donde se declara culpable de asesinato. Una secuencia que la fotografía de Martin Gschlacht y la música de la propia Anja Plaschg convierten en premonición, un presagio de que sobre el filme se cierne una velada promesa de muerte, que cuando se materialice en el desenlace, pese a estar advertidos, nos repugnará. Nos aterrará. Y esto último quizás venga propiciado, paradójicamente, porque esa conclusión no está suavizada por el lenguaje del género (dato éste al que volveremos más adelante), así que nos resulta de un naturalismo que duele. Casi tanto como le duele el alma a Agnes. Igual que la iluminación de la cinta evoluciona desde la calidez de los ocres hasta la brumosa frialdad de los grises azulados, el proceso mental de Agnes es una caída en picado hacia la desesperación. Una desesperación que ninguno de sus pequeños ritos para volverle propicia la naturaleza (y aquí el filme toma tintes de Folk Horror) logrará reparar. No es de extrañar que Agnes, cada vez que tiene un momento libre, regrese de forma semiconsciente a la criatura sin cabeza (la homicida del inicio) que se encuentra en el bosque. Por espantoso que pueda ser
su cuerpo en descomposición, con los dedos de las manos y los pies mordidos por la fauna silvestre o amputados en nombre de supersticiones esotéricas, al menos su alma está libre de las limitaciones terrenales de una mujer mortal. Larvadamente, de forma totalmente inconsciente, se va forjando en su interior una idea: para salir de su prisión interior no le va a quedar otra opción que pasar de ser víctima a ser victimaria. Si, como advierte el eclesiástico, el suicidio es el peor asesinato, quizás no lo sea emular a la descabezada del bosque y segar la vida de un inocente. Después de todo, quien puede matar a un niño, está dándole a Dios un santo que le acompañará en la corte de la Rosa Mística.
Lo que sigue es un episodio que nos vuelve a traer a Dreyer a la memoria. Pero en esta ocasión al de La pasión de Juana de Arco. La secuencia del encarcelamiento de Agnes y, sobre todo, el momento de confesar su crimen es el único que nos sitúa ante su rostro de plena felicidad. Agnes se nos muestra beatífica. El asesinato permite un suicidio con la bendición de Dios. Perder la vida mortal es una liberación de las cargas terrenales de una mujer. Alcanzar la libertad. Más aún, no sólo ser libre, sino gozar de la Gloria del cielo. Y aquí sería quizás pertinente aludir a las muradas, esas mujeres medievales que, arrastradas por una fe fuera de lo normal, elegían el camino de convivir en vida con su tumba. Emparedarse voluntariamente contra los muros de una iglesia, morir en vida, fue para ellas un culto a la libertad personal. Sin embargo, extendernos en ello sería una disquisición que, llevándonos al centro de El baño del diablo, según nuestra libre asociación de ideas, nos apartaría de los límites sensatos de un comentario. Baste decir que caer en el delirio del fervor extremo, ejecutando acciones que hoy en día nos aberran, fue alguna vez un acto revolucionario de liberación.
Pronunciarnos sobre si este último filme de nuestra pareja austríaca favorita es pertinente o no de ser seleccionada por un festival como Sitges es también un excursus. Pero este si nos parce pertinente. El baño del diablo hay cosechado elogios allá donde se ha proyectado, su excelencia está fuera de dudas. La crítica generalista, que mira al fandom por encima del hombro, celebra que la dupla haya desestimado el camino del cine de terror. Para ellos, seguramente, su valía le viene precisamente por haber realizado un trágico drama rural sobre la enfermedad mental femenina ambientado en el siglo XVIII y basado en hechos reales. Los prejuicios siempre son nocivos. También son muy tiernos los intentos de la crítica especializada en el género de englobarla sí o sí entre sus terrores favoritos, sus gotas de Folk Horror pueden permitirle a algún crítico hacer cabriolas para emparentarla con Midsommar (2019, Ari Aster), del mismo modo que, al ser el suicidio por poderes una práctica no inusual entre las mujeres del Siglo XVIII, podría ser motivo suficiente como para considerarla una brillante incursión en el true crime tan en boga. ¿Qué piensa sobre ello Serendipia? Que no importa demasiado, a la hora de ponerla en valor, el género al que se adscriba, tratar de encasillarla sería un intento tan vano como el de las hermanastras de Cenicienta por calzarse los zapatitos de cristal. Poliédrica y inclasificable, fue la mejor cinta exhibida en
esta 57 edición. Y además, y sin duda, la más aterradora de las películas de los austríacos, porque nada matiza, ni estiliza, el horror de lo que nos muestra. Serendipia aún no lo sabía, pero, la entonces futura DANA, le haría patente que lo terrible cuando es real no tiene nada de liberador. Los horrores inherentes a la existencia no tienen nada de catárticos. Y de ello quisieron hablarnos al dar cuerpo a El baño del diablo. Una cinta excelente que no tiene nada que probarle a nadie y de la que, siendo su favorita, tampoco sabía aún Serendipia que lograría el triplete en el palmarés, emulando la gesta que ya consiguieron en la edición de 2014 en la que su opera prima se alzó con el Méliès d’Argent y el premio de la crítica. Quizás en 2014 eran una promesa, ahora, diez años después Severin Fiala y Veronika Franz ya han demostrado con creces que están entre los realizadores más inquietantes e interesantes que pueblan el paisaje cinematográfico de la actualidad. En el terror y más allá.
Y ahora, después de la intensa experiencia de acompañar a Agnes, tocaba cambiar de sala y cambiar de registro. La cita era con Ant Timpson, en esta ocasión el productor de The ABCs of Death, Turbo Kid, Deathgasm y The Greasy Strangler, se arrancaba, no por bulerías, sino por una cinta apta para todos los públicos, una especialidad pocas veces servida en Sitges más allá de alguna cinta de animación. Al director de Come to daddy, su reciente paternidad le ha conmovido y enternecido, a la vez que le ha hecho descubrir uno de los mayores temores humanos: no saber estar a la altura de las necesidades y demandas de los hijos. Y eso es, entre otras cosas, lo que indaga y expresa en Boookworm, casi un cruce de buddy movie y relato de crecimiento en el que, el director, repite tándem con Elija Wood, pero en un registro radicalmente distinto al que los
uniera en el debut del neozelandés. De la comedia negra al entretenimiento blanco que (casi) siempre son las películas con niño. Nell Fisher es Mildred, una niña de once años (el gusano de biblioteca del título) precoz y superdotada, que no ha conocido nunca a su padre. Cuando un accidente doméstico deja en estado de coma a su madre, Mildred tendrá que aceptar los cuidados de ese padre que ha estado ausente, un mago fracasado que interpreta con solvencia Wood. La carga del humor en Bookworm cae del lado de las chanzas a ese padre neófito que se esfuerza en vano en sorprender a la pequeña, una pátina de fracaso perfuma sus comportamientos y despierta nuestra simpatía, y poco a poco la de su propia hija. ¿El elemento fantástico? Aparece en el MacGuffin, padre e hija salen de excursión para fotografiar a un animal legendario como el Monstruo del lago Ness, una bestia mitológica conocida como la pantera de Canterbury. Y un poco más. La verdadera magia es tener fe en el otro y dejarse sorprender. En un episodio central de la cinta ambas circunstancias coincidirán y la película nos querrá sembrar la duda sobre si ha habido o no prodigio sobrenatural. Si ha habido o no magia real. Una inclusión en el género un poco forzada que se le perdona a una cinta que se aspira como una bocanada de aire fresco. E intrascendente. Pero lo liviano también es necesario y el visionado de Bookworm es como aquellos dulces que no amargan a nadie. Una deliciosa experiencia en la que Serendipia entró de grado.
Menos satisfactoria le resultó Mads, la última propuesta de David Moreau. Y ello a pesar de que el Nuevo extremismo francés ocupa un lugar de honor en los anaqueles de Serendipia dedicados al terror moderno y de que la propuesta de Moreau, a priori, resultaba atractiva. Sangrienta y efectista, poco se habló de ella en los burladeros suburenses y casi siempre para tildarla de película que logra el entretenimiento pero no acaba de ser redonda, en otros auditorios, sin embargo, fue mejor acogida, como lo prueba su puntuación en Rotten Tomatoes. Lo sugerente de la propuesta de
Moreau viene sobre todo desde la perspectiva de su apuesta formal: rodar toda la acción en una única toma continua, un ambicioso ejercicio técnico que obliga a tenerlo todo muy planificado, a la vez que deja mucha libertad a los actores para la improvisación. Y el recurso se adecúa, además, al relato que se quiere contar. ¿El problema, pues? Aunque Serendipia le reconoce el mérito de haber logrado con ese artificio una experiencia sensorial realista e inmersiva, le critica a Moreau haber desaprovechado un tanto la fuerza de su historia al haber dejado pocas dudas sobre qué es alucinación y qué es real en la cinta. Nos hubiera gustado un tratamiento más ambiguo que nos dejara en suspenso y aturdidos como a los protagonistas del filme. Porque se nos sugiere que vamos a bucear en el estado alterado de conciencia del protagonista, que vamos a movernos dentro de su alucinación, pero acabamos saliendo del recinto de ese yo para aterrizar en lo objetivo y así es como Mads se convierte en otra cinta más de infectados. Cuenta la historia del primer día de un brote mortal a través de la ilusión de una toma continua, y no está mal, pero habríamos deseado que cumpliera su promesa de sumergirnos en la experiencia y el aturdimiento del personaje principal. Pudo ser mejor.
Con ese regusto a pequeño desengaño, terminaba la mañana, no habrían más proyecciones en esta jornada, pero aún quedaban más experiencias. Desde cruzarse con huidizos muertos vivientes, hasta escuchar con atención al mismísimo Art the Clown. El Festival de Sitges es siempre un pozo de sorpresas y un recital de emociones.
EN SITGES CON ART THE CLOWN
Tras alimentarse, fue el momento para que Serendipia se encontrara con los responsables de que Terrifier se haya convertido en todo un repulsivo para los fans del género: el director Damien Leone, los actores David Howard Thornton (Art the Clown) y Samantha Scaffidi y la diseñadora de producción, Olga Turka. En el festival también estuvo presente la actriz protagonista, Lauren LaVera, pero no participó en esta charla, teniendo una propia dentro de la sección Woman in Fant.
La charla, que estuvo moderada por Xavi Sánchez Pons, versó sobre diferentes temas relacionados con el film. El director indicó que siempre investigan «muertes» y efectos no vistos en otros slashers, siendo este uno de los elementos innovadores de la saga.
Una saga en la que no ha tenido que censurarse nada y que está abierta a la improvisación. Así, cuando el payaso Art está en la tienda de disfraces en la segunda parte, el director tan solo tuvo que decirle a su actor: «Dave, just acting» quedando una toma perfecta. Por su parte, David Howard Thornton confesó que a veces ha llegado a asustarse de su propio reflejo como Art. Un maquillaje y unos efectos que se ha intentado que, en su mayor parte, sean físicos y no generados por ordenador.
Terminada la charla el equipo atendió amablemente a todos los asistentes, que no dejaron pasar la oportunidad de hacerse con el autógrafo o fotografiarse con los miembros del equipo.
Y feliz, Serendipia marcha a descansar, pues al siguiente día le aguardan cuatro películas más, mientras que en el pueblo los zombis rugen en libertad con diversas dificultades para hallar su alimento: cerebros.
Paul Urkijo presenta su tercer largometraje, ‘Gaua’ (Noche), en el Festival de Sitges
Durante esta edición del Sitges Film Festival se ha presentado ‘Gaua’ (‘Noche’ en castellano), el nuevo proyecto de Paul Urkijo Alijo tras las exitosas ‘Errementari’ e ‘Irati’. Como en trabajos anteriores, su tercer largometraje transitará entre los códigos de la fantasía y la realidad histórica, pero en esta ocasión sumergiéndose en el mundo nocturno de la Mitología vasca, ambientado en el siglo XVII.
Sinopsis: Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin sale del caserío en mitad de la noche huyendo de su marido. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino se topa con tres afables mujeres que mientras lavan la ropa comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para el asombro de Kattalin, ella misma acabará formando parte de dichas historias.
Las dos películas previas del director, Irati y Errementari, destacan como ejemplos exitosos de historias que fusionan elementos de fantasía y mitología rural. Precisamente Irati se ha convertido en la película más taquillera de la historia rodada en euskera, mientras que ambas han obtenido resultados excepcionales a nivel mundial en las plataformas Amazon Prime Video y Netflix, respectivamente. En relación al éxito de Irati, Paul Urkijo Alijo recogió el X Premio EZAE (Asociación de Salas de Cines de Euskadi) en la Gran Gala del Cine Vasco del Festival de San Sebastián.
Gaua es una producción de Irusoin (Marco), Ikusgarri Films (Irati), Gaua AIE y Vilaüt Films (Alcarràs). El inicio de rodaje está previsto para principios de 2025 en diversas localizaciones del País Vasco. Gaua combinará el inquietante mundo mitológico de los seres nocturnos con imaginario de la superstición rural de una manera nunca vista en nuestra cinematografía, creando un universo lleno de misterio, emoción y épica.
Paul Urkijo explica así el origen del proyecto: «Desde niño me han fascinado las historias relacionadas con la noche que hay en la mitología de nuestro país. Cuentos con los que se educaba a los más jóvenes a tenerle respeto a los peligros de la oscuridad, así como las leyendas sobre espíritus, demonios y brujas que se crearon a raíz de las persecuciones del siglo XVII y que hoy en día han derivado en figuras de empoderamiento femenino. Es un tema que siempre me ha interesado y que con Gaua pretendo llevar de manera espectacular, inquietante y épica a la gran pantalla. Escenas más terroríficas, pero a la vez bellas de las leyendas nocturnas de nuestra tradición oral».
Es la primera vez que Paul Urkijo Alijo y la productora Irusoin trabajan juntos. Ander Sagardoy, uno de los productores de Irusoin, valora así esta unión: «la alianza de Irusoin con Paul llega de una manera muy natural. Es un cineasta al que admiramos desde hace años y con el que estábamos deseando colaborar. La autenticidad y ambición que desprenden todas sus obras lo convierten en un talento único. Por eso estamos convencidos de que Gaua será el primero de muchos proyectos que vendrán después».
La presentación de Gaua en el Festival de Sitges ha tenido lugar en el marco de Sitges FanPitch, un evento internacional centrado en largometrajes y producción serializada en desarrollo con temática de terror, ciencia ficción y/o fantástica. La selección participante se compone de un máximo de siete largometrajes y cinco series de todo el mundo.
GAUA es una producción de Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE y Vilaüt Films. Cuenta con el apoyo de EITB, RTVE, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y Diputación Foral de Álava. Filmax se encargará de su distribución en cines de España.
PAUL URKIJO ALIJO (Vitoria-Gasteiz, 1984)
Desde muy pequeño le apasionan el cine, la ilustración, la literatura, el cómic y el género fantástico, siendo un gran aficionado a la lectura de mitología y cuentos tradicionales. En 2008 se licencia en Bellas Artes y profesionalmente se dedica a la realización audiovisual, la ilustración y la infografía. Así comienza a escribir y realizar sus propios cortometrajes de ficción y animación. En 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari. Una película de género fantástico basada en el cuento del folklore vasco “Patxi Errementaria”. En 2023 estrena Irati, la película en euskera más vista hasta la fecha en salas de cine. Las películas que ha escrito y dirigido han ganado más de 130 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones en todo el mundo.
B-RETINA, Festival de Cinema Sèrie B de Cornellà de Llobregat, cierra su novena edición con récord de asistencia y éxito rotundo en todas sus actividades
B-RETINA, el Festival de Cinema Sèrie B de Cornellà de Llobregat, clausuró su novena edición superando las expectativas. A pesar de la reducción de días, de seis a cuatro, y la coincidencia con el puente de la Mercè y episodios de lluvia, más de 1.800 espectadores se congregaron en el Auditori Sant Ildefons (Plaça Carles Navales S/N), superando así la cifra de 1.700 asistentes del año anterior.
El público, procedente no sólo de diferentes puntos de España, sino también del extranjero –como los miembros del BUTT Festival de Holanda–, disfrutó de una programación homogénea en cuanto a afluencia, con casi todas las sesiones rozando el sold out. Uno de los puntos álgidos fue la premiere de Crotón, así como la presentación de lo que promete ser un éxito, The Emu War. Además, las actividades exteriores en la Plaza Carles Navales, como el concierto de Hombre Lobo Internacional, atrajeron a numerosos curiosos, llenando por completo el espacio y creando una atmósfera vibrante.9
GRANDES NOVEDADES Y AMPLIA DIFUSIÓN MEDIÁTICA
El festival también se ha destacado este año por la incorporación de novedades como el punto lila, la sesión MAC, donde se proyectaron trabajos realizados por el alumnado del bachillerato de artes del instituto Maria Aurèlia Capmany de Cornellà, y el notable incremento de la presencia femenina en el staff. Todo ello contribuyó a una mayor acogida por parte del público y una amplia cobertura mediática. A este éxito ha contribuido el considerable aumento en la difusión del festival en medios generalistas nacionales, que han mostrado un creciente interés en la original propuesta de B-RETINA. Más de 20 medios acreditados cubrieron el evento, lo que refleja la notoriedad y el continuo crecimiento de un festival producido en su totalidad por voluntarios.
«En B-RETINA, lo que nos impulsa no son los aplausos ni las estadísticas, sino la conexión real que se crea entre el público y las películas. Este año, a pesar de competir con la Mercè y esquivar alguna que otra nube caprichosa, hemos visto cómo nuestras salas vibraban con casi cada butaca ocupada. Y si algo nos enorgullece es que aquí no hay jurados externos: el verdadero juez es el público, que con su entusiasmo ha dictado el veredicto del éxito de esta edición.» Son palabras de David Bravo, director del certamen.
PALMARÉS
En cuanto al palmarés, la película australiana The Emu War fue galardonada con el Premio del Público al Mejor Largometraje, dotado con trofeo y 300 euros en metálico. En la categoría de cortometrajes, el Premio DACIA al Mejor Cortometraje, que incluye trofeo y 200 euros en metálico, fue para Mi Padre de Yago Casariego. Después, el Premio CDMON al Segundo Mejor Cortometraje, compuesto por trofeo y lote de obsequios, lo recibió Feminancy de Uxuri Etxegia. Por último, el Premio al Mejor-Peor Cortometraje, único galardón que elige el equipo organizador, lo obtuvo ¿Quién está ahí? de José García Pérez, compuesto por trofeo y lote de obsequios.
La respuesta del público reafirmó el éxito de las secciones más queridas del festival, como la Golden Ticket y el Concurso Internacional de Cortometrajes. Este año, la sesión Golden Ticket, en la que se otorgó el premio homónimo, estuvo dedicada al actor de culto Antonio Mayans en reconocimiento a su trayectoria. Durante la sesión, se proyectó “Camino Solitario”, una de sus mejores colaboraciones con Jess Franco, convirtiendo el momento en uno de los más memorables de esta edición.
A través de su variada y singular programación, el festival B-RETINA ha confirmado una vez más que el cine de Serie B vive un gran momento y ha superado los estigmas que lo acompañaron en el pasado. Lejos de ser considerado «malo, barato o de baja calidad», se ha consolidado como un tipo de cine apreciado por su autenticidad y creatividad. Este es uno de los grandes logros que persigue la organización, y el creciente número de seguidores demuestra que el objetivo está siendo alcanzado.
B-RETINA ha contado un año más con el apoyo de importantes marcas: Mundoplus TV -medio oficial-, DACIA/BYMYCAR -vehículo oficial- FILMIN, IBERIA, RENFE/RODALIES, TMB (Metro de Barcelona), Hotel Esperia Sant Just y CDMON.
El mejor cine asiático lo podrás ver en el Asian Film Festival Barcelona 2024
El Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN, el festival de cine asiático de autor que organiza Casa Asia, llega este año a su duodécima edición y se celebrará del 24 de octubre al 3 de noviembre de 2024. El Festival mantiene un año más sus señas de identidad, y proyectará más de un centenar de películas representativas del cine experimental e independiente del nuevo cine asiático, con la participación de filmografías procedentes de una veintena de países de Asia y el Pacífico.
La producción cinematográfica del AFFBCN es tan extensa como diversa, a imagen y semejanza de sus países de origen, con películas procedentes de Irán, Afganistán, Kazajistán, Uzbekistán, Kirguistán, Australia, Nueva Zelanda, Bangladesh, Camboya, Indonesia, Malasia, Pakistán, Filipinas, Singapur, Tailandia, Vietnam, Mongolia, Nepal; y nuevos títulos de industrias cinematografías tan consolidadas como son las de Japón, Corea del Sur, China, Hong Kong e India.
El AFFBCN 2024 distribuirá su programación en cinco secciones: Oficial, Oficial Panorama, Discoveries, NETPAC y Especial, todas ellas a concurso. Una de las novedades de esta edición es la Retrospectiva que se dedica al cine aborigen australiano con la proyección de un total de 9 películas.
El centenar de películas que se podrán ver en este festival especializado en cine asiático corresponde a los años 2023 y 2024 en su mayoría, y el género que predomina es el drama en todas sus acepciones, aunque también se encuentra algún documental, un cortometraje y cine de animación.
El AFFBCN 2024 concederá quince premios: a la mejor película, mejor director y mejor guión para cada una de las secciones a concurso, que concederán sus jurados correspondientes, compuesto por directores, críticos de cine y escritores, entre otros.
El Festival cuenta con el apoyo del ICEC (Generalitat de Catalunya), ICUB (Ajuntament de Barcelona), HKETO (Hong Kong Economic and Trade Office, Brussels), FICB (Fundació Institut Confuci de Barcelona), Embajada de Australia y Japan Foundation, entre otros.
“The Emu War”, la increíble historia de la guerra contra las avestruces australianas, gana el Premio del Público al Mejor Largometraje en la 9ª edición del festival de cine B-RETINA
La película australiana The Emu War (2023) ha ganado el Premio al Mejor Largometraje en la pasada edición de B-RETINA, el Festival de Cinema Sèrie B de Cornellà de Llobregat, que se celebró del 19 al 22 de septiembre en el Auditori Sant 
Ildefons (Plaça Carles Navales S/N). Se trata de una hilarante comedia de acción que adapta, con mucha imaginación y sentido del humor, un hecho histórico real ocurrido en Australia a finales de 1932, cuando el gobierno decidió utilizar soldados armados para controlar una plaga de emús, un tipo de ave autóctona muy similar al avestruz y que devastaba cultivos. El filme vencedor se comunicó el pasado 22 de septiembre en el Auditori Carles Navales de Cornellà de Llobregat, dentro de la gala de premios celebrada durante la última jornada. En dicha gala también se dieron a conocer los vencedores de la sección de cortometrajes, donde el Premio DACIA al Mejor Cortometraje, dotado con trofeo y 200 euros en metálico, fue para Mi padre de Yago Casariego. Después, el Premio CDMON al Segundo Mejor Cortometraje, compuesto por trofeo y lote de obsequios, lo recibió Feminancy de Uxuri Etxegia. Por último, el Premio al Mejor-Peor Cortometraje, único galardón que elige el equipo organizador, lo obtuvo ¿Quién está ahí? de José García Pérez, compuesto por trofeo y lote de obsequios.
EMÚS ARMADOS CON METRALLETAS
La absurda y sorprendente historia en la que se basa The Emu War, se conoce como La Gran Guerra del Emú y ha trascendido en el imaginario popular como uno de los conflictos más insólitos de la historia de la humanidad, inspirando memes, videojuegos y películas como esta. Dirigida por Jay Morrissey, Lisa Fineberg y John Campbell, esta comedia australiana de 75 minutos lleva al extremo la ya de por sí peculiar situación histórica, retratando a los emús como temibles máquinas de matar expertas en el uso de metralletas y que ponen en jaque a un desorganizado pelotón de soldados. Entre estos militares se encuentra el Mayor Meredith, quien, atormentado por el secuestro de su hijo a manos de los emús, lidera una misión suicida tras las líneas enemigas con el objetivo de matar a la Reina Emú, la astuta líder de la plaga. The Emu War no es solo una sátira cargada de humor negro, sino también una mirada absurda y excéntrica a uno de los episodios más ridículos del pasado militar. Y es que los emús, a pesar de ser incapaces de volar, demostraron ser rivales formidables debido a su velocidad (hasta 50 km/h) y sus movimientos estratégicos. Los soldados, armados con ametralladoras Lewis, se vieron sorprendidos al descubrir que las aves eran más rápidas que los vehículos militares, dejando en ridículo a las fuerzas armadas australianas.
B-RETINA se ha consolidado como uno de los festivales de cine más singulares y destacados dentro del circuito catalán y nacional. A lo largo de sus ediciones, ha logrado atraer a un público fiel que no solo proviene de toda Cataluña, sino también de diferentes puntos de España e incluso del extranjero, cautivados por su propuesta única. Grandes medios generalistas ya se hacen eco de su éxito y crecimiento constante, destacando su capacidad para reunir a los amantes del cine de culto y de serie B, que es el objetivo del festival. Como comenta David Bravo, director de B-RETINA, «En B-RETINA, lo que nos impulsa no son los aplausos ni las estadísticas, sino la conexión real que se crea entre el público y las películas. Este año, a pesar de competir con la Mercè y esquivar alguna que otra nube caprichosa, hemos visto cómo nuestras salas vibraban con casi cada butaca ocupada, rozando constantemente el ‘sold out’. Merece una especial mención el concierto de Hombre Lobo Internacional, que transformó la noche del sábado en una experiencia salvaje y única. Y si algo nos enorgullece es que aquí no hay jurados externos: el verdadero juez es el público, que con su entusiasmo ha dictado el veredicto del éxito de esta edición.«
B-RETINA cuenta con el apoyo de las siguientes entidades: Mundoplus TV -medio oficial-, DACIA/BYMYCAR -vehículo oficial- FILMIN, IBERIA, RENFE/RODALIES, TMB (Metro de Barcelona), Hotel Esperia Sant Just y CDMON.
‘El instinto’ y ‘Terrifier 3’, entre los grandes títulos del TerrorMolins 2024
El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei anuncia una segunda hornada de films que se unen en la programación del certamen. Son 10 nuevas propuestas que se podrán ver entre el 8 y el 17 de noviembre en el Teatre de La Peni de Molins de Rei, y que formarán parte de las diferentes secciones del festival.
Entre la decena de títulos destaca la vuelta al certamen de uno de los personajes más célebres del cine de terror actual, Art el payaso, cuyo anterior film tuvo su estreno español en el TerrorMolins. Terrifier 3, en sesión especial, será uno de los platos fuertes de la 43ª edición junto con El instinto. La ópera prima de Juan Albarracín, con un trío protagonista de lujo —Javier Pereira, Eva Llorach y Fernando Cayo—, tendrá su estreno catalán en Molins pocas semanas de verse mundialmente por primera vez en el festival Abycine.
Diez films, diez siglos y cuatro continentes
Los diez títulos que se incorporan al programa del 43º TerrorMolins son un surtido diverso de procedencias, tiempos y temáticas, e incluyen nuevas propuestas de cineastas consolidados como el tailandés Kongkiat Komesiri (Operation Undead), el polaco Bartosz M. Kowalski (Night Silence) o el mexicano Isaac Ezban (Párvulos: Hijos del apocalipsis) así como debuts tan potentes como el de Sasha Rainbow (Grafted) o el mismo Juan Albarracín (El instinto).
En el film neerlandés Heresy (Witte Wieven), una joven que pertenece a una pequeña comunidad rural en la Holanda de la edad mediana se adentra en el bosque prohibido, en un camino de no retorno de liberación y rituales paganos que remite a grandes títulos del folk horror como La bruja de Robert Eggers. En la salvaje Operation Undead, la invasión japonesa a las costas tailandesas durante la Segunda Guerra Mundial sirve de marco para reconfigurar la Historia y los tópicos sobre los muertos vivientes. Kongkiat Komesiri (Art of the Devil 2) propone una epopeya bélica de terror que se mueve entre el gore más festivo y la emotividad más solemne. Justin Benson y Aaron Moorhead, directores de films de culto como El infinito, producen Things Will Be Different, de Michael Felker, una propuesta de ciencia ficción y terror sobre dos hermanos que huyen 
después de haber cometido un robo. En Night Silence, del polaco Bartosz M. Kowalski, conocido por la impactante Playground, un anciano se traslada a una bucólica residencia cuyas paredes albergan unas extrañas criaturas.
En la neozelandesa Grafted, la directora Sasha Rainbow propone un body horror inquietante y juguetón sobre experimentos fallidos y choques culturales; desde Irlanda, y después de causar sensación en el festival de Locarno, llega Fréwaka, de Aislinn Clarke, historia sobre una enfermera de curas paliativas atormentada por un trauma del pasado; y desde Bélgica, y después de pasar por Toronto, lo hace Else, singularísima ópera prima de Thibault Emin, entre el film de terror, el romántico y el fantástico, alrededor de una pareja que se conoce en medio de una pandemia que provoca que la gente se funda con su entorno. Y sobre pandemias, o sus fatales consecuencias, habla la mexicana Párvulos: Hijos del apocalipsis, de Isaac Ezban (El incidente), cinta de terror postapocalíptico donde una familia intenta sobrevivir de las amenazas exteriores refugiándose en una casa en el bosque que esconde un oscuro secreto.
A todas estas se suman Terrifier 3, retorno navideño del sádico payaso Art para martirizar los habitantes del condado de Miles, y El instinto, debut de Juan Albarracín protagonizado por un trío estelar formado por Fernando Cayo y los ganadores de un Goya Javier Pereira y Eva Llorach. Un thriller de terror en el cual un arquitecto desesperado por su agorafobia se dejará ayudar por un adiestrador de perros con un trasfondo turbio.
Fantboi arranca motores y abre convocatoria para su quinta edición
5º 
Tras la exitosa cuarta edición, debido a la calidad de sus propuestas y al numeroso público, los organizadores del Fantboi (Festival de cine fantástico de Sant Boi de Llobregat) han dado a conocer las fechas de la edición del 2025, que se celebrará entre los días 19 y 22 de Junio. Aunque aún no han desvelado el leit motiv sobre el que girará la quinta edición, si han adelantado que es un elemento muy común en nuestra vida diaria y, por tanto, será una sorpresa ver cuánto miedo puede dar.
Asimismo, el Fantboi abre la convocatoria para la recepción de cortometrajes y largometrajes que configurarán la programación de la próxima edición, todo los creadores podrán enviar su material a través de Festhome y Filmfreeway desde el día cinco de septiembre del 2024 hasta el 5 de Abril del 2025. Fantboi calienta motores para su quinta edición y tú puedes formar parte de ella!
¡Que el fantástico jamás descanse!
Sitges2024 – Todas las películas
Los últimos trabajos de Steven Soderbergh, Coralie Fargeat, Alexandre Aja, Asif Kapadia, Natalia Erika James, Adam Elliot, Bertrand Mandico, Pupi Avati y muchos más se podrán disfrutar en nuestras salas. Queda menos de un mes para el inicio del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y sabemos que los nervios están a flor de piel. Hoy, por fin, acaba la espera. Os traemos una larga batería de nombres y títulos, irresistibles para cualquier fan del género, entre los que podréis encontrar las películas de terror, ciencia ficción y fantástico más esperadas del año.
Dos nuevos premiados de lujo
El actor Geoffrey Rush, mejor conocido como el capitán Barbossa en la saga Piratas del Caribe, será galardonado con el Gran Premi Honorífic de esta edición del festival. Ganador de un Oscar al Mejor Actor por Shine y dos BAFTAs al Mejor Actor Secundario por El discurso del rey y Elizabeth: La edad de oro, el intérprete australiano también ha abrazado el cine de género en películas como Dioses de Egipto, Mystery Men o House on Haunted Hill (1999). El actor vendrá al Festival, donde también se proyectará su última película, The Rule of Jenny Pen, como parte de la Sección Oficial a Competición.
Por otro lado, el cineasta Alexandre Aja recibirá este año el Premi Máquina del Temps. El realizador francés lleva más de dos décadas explorando todas las esquinas del terror, desde el slasher en su celebrado remake de Las colinas tienen ojos hasta las animaladas en Infierno bajo el agua o Piraña 3D. Este año Aja volverá a Sitges, donde su polémica Alta Tensión se llevó tres galardones en 2004, para recibir este reconocimiento y, ya de paso, presentarnos su última película: Nunca te sueltes (Never Let Go), la cual se encargará de poner el punto y final al Festival.
Los galardones a Geoffrey Rush, ALexandre Aja se suman a los premiados ya anunciados en julio: Mike Flanagan, Nick Frost, Heather Lagenkamp, Ovidio G. Assonitis, Christophe Gans, Fred Dekker y Fabio Testi.
Presentamos inauguración y clausura
Se suele decir que no importa cómo se empieza, sino cómo se acaba. En Sitges no estamos de acuerdo, así que hemos decidido comenzar y terminar el festival por todo lo alto.
Esta edición dará el pistoletazo de salida con un invitado de lujo. La película inaugural será Presence, lo nuevo del ganador de la Palma de Oro y del Oscar Steven Soderbergh. El polifacético director estadounidense, responsable de títulos como Ocean’s Eleven, Contagio, Sexo mentiras y cintas de video, Traffic o Solaris (entre muchos otros), presentará en el festival su nuevo largometraje, un intrigante relato sobre una familia acechada por una misteriosa presencia. Tras su éxito en la última edición del festival de Sundance y Toronto, Presence será presentada en Sitges con la presencia (nunca mejor dicho) de su director.
Por otro lado, aunque antes os hemos hecho un pequeño spoiler, anunciamos Nunca te sueltes (Never Let Go) de Alexandre Aja como película de clausura, un cuento sobrenatural en una cabaña en el bosque protagonizado por Halle Berry.
Los jurados para esta edición
No puede haber un buen festival sin un buen conjunto de jurados. Como cada año, estamos orgullosos de los numerosos profesionales que van a estar deliberando por nuestras salas. Tal y como anunciamos en julio, el jurado de la Sección Oficial estará formado por el director y guionista Fred Dekker (quien también recibirá el Premio Honorífico Màquina del Temps), el compositor y escritor cinematográfico inglés Stephen Thrower, la cineasta madrileña Carlota Pereda, el cineasta francés Christophe Gans (quien también recibirá el Premi Méliès Career) y la directora del Fantastic Fest, Lisa Dreyer
Por otro lado, en el jurado Méliès d’Argent participarán el guionista e investigador Álex Mendíbil, la directora ucraniana Marysia Nikitiuk y la investigadora norirlandesa Victoria McCollum. Del Jurado Blood Window y de la sección Òrbita se encargarán la productora Roxana Ramos, el director y montador estadounidense Douglas Buck y la productora Nahikari Ipiña, mientras que el periodista José Enrique Monterde, la programadora Rebecca de Pas y la crítica de cine Olivia Cooper-Hadjian serán el jurado de Noves Visions.
El jurado de la sección Anima’t reunirá a la animadora Bill Kopp, a Verónica Buide, presidenta de la asociación MIA (Mujeres en la Industria de la Animación), y el ilustrador Juanjo Sáez. La directora de vestuario Nerea Torrijos, el director Ivan Villamel y le critique de cine Mariona Borull se encargarán de la sección Brigadoon.
Nuevos títulos en la Sección Oficial
Aunque ya os regalamos un pequeño avance en julio, aún nos quedaban muchas caras por desvelar (algunas ya conocidas, otras aún por descubrir) para completar la Sección Oficial Fantàstic a Competició de esta edición del festival.
Asif Kapadia, director de Senna, Amy o Diego Maradona, deja de lado su idilio con el biopic para volver a abrazar sus orígenes vinculados al cine fantástico. Lo hará con 2073, un largometraje inspirado en La Jetée de Chris Marker que deambula entre la ciencia ficción y el documental. Por su lado, el cineasta que nos enamoró en 2019 con su ¿Dónde está mi cuerpo? vuelve a visitarnos, esta vez con Meanwhile on Earth. Jérémy Clapin se lanza a la acción en imagen real con este relato de extraterrestres que generó muy buenas reacciones en el pasado festival de Berlín. Los que aterrizan directamente de Venecia serán los hermanos Quay, monolitos de la animación experimental, nos presentan la oscura Sanatorium Under the Sign of the Hourglass, una fantasmagoría en stop-motion que enloquecerá a los fans de Phill Tippet.
Activistas, desapariciones y un planeta extraño. La actriz Adèle Exarchopoulos, habitual indiscutible del festival, protagoniza Planet B de la realizadora francesa Aude-Lea Rapin. Aislinn Clarke dará el salto de Midnight X-Treme, donde sorprendió en 2018 con su The Devil’s Doorway, a la Sección Oficial. Esta vez nos regala la inquietante Fréwaka, una relectura del folclore irlandés que hizo temblar al festival de Locarno. J.T. Mollner, responsable de Ángeles y forajidos, abandona a los cowboys para invitarnos en Strange Darling a una noche romántica con un asesino en serie. No tan romántica será la sesión de Basileia, el debut en formato largo de la cineasta italiana Isabella Torre, una misteriosa expedición arqueológica con ecos lovecraftianos.
Tras su paso por el festival en 2021 con Atrapados en la oscuridad, el neozelandés James Ashcroft nos abrirá las puertas de The Rule of Jenny Pen, un thriller geriátrico con ancianos asesinos protagonizado por el homenajeado Geoffrey Rush y John Lithgow. Desde Asia nos visita Li Yang con su Escape from the 21st Century, un divertido cuento sobre viajes en el tiempo. El cine de acción del realizador chino vuelve a nuestras pantallas tras sorprendernos en 2012 con su ópera prima, Lee’s Adventure. Y desde Brasil nos llega una interesante sesión doble. Por un lado, Marco Dutra vuelve a la Sección Oficial, tras hacerlo con su As boas maneiras en 2011, con el crudo retrato de dos recogedores de animales muertos en Bury Your Dead. Por el otro, Davi Pretto, director de las aplaudidas Castanha y Rifle, pondrá a dialogar lo sobrenatural con el western en su nueva Continent.
La noruega Tallulah Hazekamp Schwab se lanzará por primera vez al cine de género con Mr. K, un thriller claustrofóbico sobre un hotel con vibraciones de Overlook. Y necesitaremos una vez más ponernos la mascarilla, pues Thibault Emin nos trae la adaptación al largometraje de su corto Else, en el que despliega una extraña pandemia sin forma. Por último, la actriz Élise Otzenberger se estrenará en la dirección con Call of Water, una odisea de ciencia ficción familiar a la orilla del mar.
Una colección de sesiones muy especiales
La nueva Sección Oficial del festival, Sitges Collection, da el pistoletazo de salida con la ya anunciada La sustancia de Coralie Fargeat. Lo último de la directora de Revenge, ganadora del premio a la Mejor Dirección (¡y Mejor Dirección Novel!) en Sitges 2017, causó una auténtica histeria colectiva en la pasada edición del festival de Cannes. Protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, la película explora el arquetipo del doppelganger desde la óptica de la serie Z y del universo celebrity.
El legendario edificio Dakota vuelve a abrir sus puertas en Apartment 7A, la esperada precuela de La semilla del diablo. Tras el aplaudido paso de Relic por la edición pandémica del festival, la directora Natalie Erika James toma las riendas de este prólogo maldito que se pregunta, de la mano de las actrices Julia Garner y Dianne Wiest, qué pasó antes de que Rosemary se mudara a Nueva York. Recién llegada del festival de Venecia aterriza en Sitges L’orto americano, la nueva película del maestro italiano Pupi Avati, protagonizada por Filippo Scotti y Rita Tushingham. El responsable de obras capitales del giallo como La casa dalle finestre che ridono y colaborador de Lamberto Bava presenta en esta ocasión el monocromático relato de un joven psicópata con ambiciones literarias.
No podríamos comprender un Sitges sin él: Nicolas Cage volverá este año a nuestras pantallas con Arcadian de Benjamin Brewer. El reconocido director de videoclips sigue sus andadas por el séptimo arte en este survival paterno-filial que también cuenta con la presencia del joven Jaeden Martell, siempre fiel al cine de terror. El que también adoptará el papel de padre será Elijah Wood, otro amigo del festival, en Bookworm de Ant Timpson. El cineasta repite con Wood tras el éxito en Sitges de Come to Daddy, esta vez en una aventura familiar acechada por una bestia mitológica.
El cine asiático, como no podría ser de otra forma, también estará presente en esta nueva sección. Tras pasar por Sitges en 2017 con su divertidísima Your Spiritual Temple Sucks, el cineasta taiwanés John Hsu presentará su nueva película Dead Talents Society, una comedia paranormal con alma de creepypasta sobre unos fantasmas ansiosos por convertirse en leyenda urbana. En la otra cara de la moneda estará Exorcism Chronicles: The Beginning, de Kim Dong-Chul, una pesadilla animada que combina animación 2D y 3D. Esta adaptación de una de las webtoons coreanas más populares de los últimos años fue estrenada en la pasada edición del festival de Annecy.
Siguiendo con la animación, naufragará en las costas de Sitges Robot Salvaje, lo último del maestro estadounidense Chris Sanders. El responsable de películas como Lilo & Stitch o Cómo entrenar a tu dragón despliega una odisea robótica doblada por un elenco de lujo, entre los que destacan en la versión original Lupita Nyong’o, Pedro Pascal y Mark Hamill, y en la versión doblada al castellano Macarena García y Álvaro Morte. De aventuras animadas va la cosa, pues Diplodocus de Wojtek Wawszczyk también tendrá su hueco en la sección. El cineasta polaco, encargado de los efectos visuales de Yo Robot, debuta en el largometraje con esta colorida propuesta.
Más allá de Sitges Collection, acogeremos también algunas de las ya míticas sesiones especiales del festival, empezando por la esperadísima El misterio de Salem’s Lot, la última adaptación a la gran pantalla del icónico relato de Stephen King. Gary Dauberman, director de Annabelle vuelve a casa y guionista de las It de Andy Muschietti, presentará el nuevo descenso a los infiernos del novelista Ben Mears, interpretado en esta ocasión por Lewis Pullman. El tándem de cineastas Bridget Savage Cole y Danielle Krudy vuelve a pedalear en House of Spoils, un intenso thriller sobre el caos en la cocina, a partir de las angustias de una chef que lucha por mantener a flote su restaurante. Tras Derribad al hombre, las estadounidenses coreografían una pesadilla en la cocina protagonizada por Ariana DeBose, Arian Moayed y Barbie Ferreira.
Otra pareja que no podía faltar a la cita es la compuesta por Alexandre Bustillo y Julien Maury, quienes en The Soul Eater nos sumergirán en la turbia atmósfera de una investigación policial que pretende resolver una escalofriante serie de desapariciones de niños en un apartado pueblo. Destry Allyn Spielberg, hija del mítico director estadounidense, se estrena en el largometraje con Please Don’t Feed the Children de la mano del actor Giancarlo Esposito. Por último, volvemos a acoger a otros sospechosos habituales de Sitges, ya que Hidenori Inoue vuelve a traernos el espíritu teatral del kabuki con Rose & Samurai 2: Return of the Pirate Queen.
Asia vuelve a conquistar Òrbita
Un año más se vuelve a confirmar que las periferias del género siguen siendo lideradas por los cineastas asiáticos; nuestra sección Òrbita sigue siendo testigo de ello. Desde Hong Kong aterriza The Goldfinger, de Felix Chong, un thriller de acción con espíritu ochentero liderado por un elenco de lujo, en el que destacan Tony Leung y Andy Lau. Al igual que estos actores, también ha colaborado con Wong Kar-wai el realizador chino Xu Haofeng. Tras el éxito de El maestro nos narra en 100 Yards el intenso duelo por el liderazgo de una academia de wushu.
Corea del Sur nos regala The Roundup: Punishment de Heo Myeong Haeng, director de Cazadores en tierra inhóspita, en el que el ya mítico actor Ma Dong-seok completa la cuarta parte de esta exitosa franquicia de acción detectivesca. También es surcoreana y policial la nueva película de Ryoo Seung-wan, el encargado de Escape from Mogadishu. En I, The Executioner, el asesinato de un profesor siembra dudas sobre la existencia de un asesino en serie. Por su parte, Lee Jong-pil nos dejará sin aliento con Escape, en la que un sargento norcoreano intentará dar caza a un desertor. Cierra la alineación asiática primero, desde Hong Kong Kim-Wai Yuen con The Moon Thieves, una sofisticada intriga que gira alrededor de una trama de robos de relojes, y después el japonés Nobuhiro Yamashita, quien este año hace doblete en el Festival con su Ghost Cat Anzu, con un angustioso thriller al que sólo le hacen falta dos actores, Confession.
Esta edición de Òrbita también da la bienvenida a viejos conocidos del festival. Los hermanos Marco y Antonio Manetti seguirán adaptando los fumetti de Angela y Luciana Giussani en Diabolik ¿Quién Eres? (Diabolik: Who Are You?). El cineasta congoleño Jean Luc Herbulot vuelve tras proyectar su Saloum en el Noves Visions de 2021. En esta ocasión se trae bajo la manga Zero, un asfixiante largometraje que se pregunta de dónde salen las bombas que tienen sus protagonistas en el pecho. El belga Fabrice Du Welz también conoce Sitges bastante bien, pues algunos de sus anteriores trabajos, como Adoration o Alleluia, ya han impactado en nuestras pantallas. Un policía que prefiere tomarse la justicia por su mano será su nuevo pretexto para volver a visitarnos con Maldoror, uno de los grandes seísmos del último Festival de Venecia.
Pondrá el punto y final a la sección Òrbita la esperada Beating Hearts, un romance violento que pudo verse en el pasado festival de Cannes. Gilles Lellouche, actor habitual de Quentin Dupieux, se encarga de dirigir al elenco habitual de este mismo (Adèle Exarchopoulos, Vincent Lacoste, Jean-Pascal Zadi) en un retrato kitsch de una relación poco esperanzadora.
Panorama, una constelación del terror actual
La sección Panorama nos ofrece las premieres españolas de algunos de los títulos de terror que más han dado que hablar durante los últimos meses. Cristian Ponce, director de uno de los mayores fenómenos de la edición del 2021, Historia de lo oculto, vuelve a Sitges con A Mother’s Embrace, un survival horror ambientado en 1996. El mexicano Isaac Ezbán, habitual del festival, también estará presente en la sección con su nuevo Párvulos: Hijos del apocalipsis, la historia de tres jóvenes que esconden algo muy oscuro en su sótano.
El danés Ole Bornedal presentará en El vigilante nocturno: Demonios heredados (Nightwatch: Demons Are Forever) a un Nikolaj Coster-Waldau enfrentado con sus traumas del pasado, el ucraniano Pavlo Ostrikov desplegará una solitaria odisea en el espacio en U Are the Universe y el estadounidense Brandon Espy retratará en Mr. Crocket a un presentador de programas infantiles secuestrador de niños, que bien podría ser una versión afroamericana (y muy pasada de rosca) del mítico Freddy Krueger. Por su lado, Paul Evans Thomas coreografía una versión rural del Impacto de Brian De Palma en Within the Pines, Spider One se imagina un monstruo pesadillesco devorador de madres en Little Bites, Mercedes Bryce Morgan construye un tentador laberinto de sexo, mentiras y supervivencia en Bone Lake y Tata Sidharta imagina a un adolescente con capacidad para entrar en los sueños ajenos en Respati.
El letón Marcis Lacis sacará del ataúd su Touched by Eternity, una comedia vampírica art-house; el italiano Francesco Carnesecchi se irá de caza en su oscura Resvrgis y el japonés Jun’ichi Yasuda se pondrá meta con la alocada comedia A Samurai in Time. Acabamos el repaso a Panorama con Push, de David Charbonier y Justin Powell; el horror histórico de The Damned de Thordur Palsson; la búsqueda de un cazador de monstruos desaparecido en Kryptic de Kourtney Roy; la exploración de un tenebroso edificio en Tenement de Sokyou Chea y Inrasothythep Neth; y las artes marciales en el universo comatoso de Inexternal de Kim-Wai Yuen.
Noves Visions, nuevas miradas
La sección Noves Visions sigue siendo el espacio ideal para descubrir esas pequeñas joyas que quizás aún no están generando tanta conversación, pero que sin duda van a empezar a hacerlo. Damos el pistoletazo de salida anunciando una sesión especial en la que podremos disfrutar de la remasterización en 4K y en montaje de “Director’s Cut” de la película de culto The Fall de Tarsem Singh. El cineasta indio plasma en esta apabullante extravagancia, ganadora del premio a Mejor Película en Sitges 2007, el espíritu inconformista de esta sección. Lo mismo puede decirse del cine del francés Bertrand Mandico, quien será el encargado de clausurar la sección con su indescriptible Dragon Dilatation. Este díptico de ensayos fílmicos promete poner el festival patas arriba, tal y como lo hizo en su paso por el festival de Locarno. También podrá verse en Noves Visions el último cortometraje de Don Hertzfeldt, director de It’s Such a Beautiful Day y World of Tomorrow, quien vuelve con su minimalismo existencialista en la odisea musical ME.
A competición estará Sew Torn, de Freddy Macdonald, uno de los thrillers más adictivos de la temporada; Love me de Sam y Andy Zuchero, una peculiar historia de amor entre una boya y un satélite interpretados por Kristen Stewart y Steven Yeun; Witte Wieven de Didier Koning, un cuento de terror medieval que arrolló el festival de Rotterdam; Your Monster de Caroline Lindy, retrato de un monstruo encantador protagonizado por Melissa Barrera, y Electric Child de Simon Jaquemet, un distópico pacto fáustico con la Inteligencia Artificial. También se pasarán por la sección The Killers, la antología hitman coreana de Jong-kwan Kim, Deok Roh, Hang-jun Chang y Myung-Se Lee; Los hiperbóreos (The Hyperboreans), la rareza esotérica chilena de Joaquín Cociña y Cristóbal León; Gazer, la paranoia discronométrica de Ryan J. Sloan, y Pepe, la increíble fábula sobre los hipopótamos de Pablo Escobar a cargo de Nelson Carlo de los Santos Arias.
Completan el menú los atípicos viajes en el tiempo de Things Will Be Different, de Michael Felker; el combate entre adolescentes inconformistas y espíritus malignos en Spirit in the blood de Carly May Borgstrom; el horror cultista de Body Odyssey de Grazia Tricarico; los surrealistas viajes temporales de She Loved Blossoms More de Yannis Veslemes; los relatos isleños a la mexicana de Un cuento de pescadores, de Edgar Nito; y la pesadilla metacinematográfica de It Doesn’t Get Any Better Than This, de Rachel Kempf y Nick Toti.
El cine de animación brilla en Anima’t
Por mucho que la animación esté presente en muchísimos otros rincones del Festival, Anima’t sigue siendo un año más su santuario. Adam Elliot, director de la más que aplaudida -y llorada- Mary and Max, nos vuelve a abrir las puertas de su oscuro universo de claymation con su nueva película, Memorias de un caracol (Memoir of a Snail). Una de las figuras más importantes del stop-motion contemporáneo narra en esta ocasión la relación entre una solitaria niña aficionada al coleccionismo y una excéntrica anciana llamada Pinky. Todo lo contrario a la oscuridad de Elliot nos aportará la brillante The Colors Within, lo nuevo de Naoko Yamada. La responsable de joyas del anime japonés como A Silent Voice dibuja la historia de una estudiante sinestésica que puede ver a los demás como colores.
Desde China nos llega The Umbrella Fairy, estreno como realizador del director de arte Jie Shen, un cuento de hadas capaz de fusionar el folclore chino con la animación japonesa. Después de imaginar On the White Planet, el animador surcoreano Hur Bum-wook se atreve con Pig that survived foot-and-mouth disease, la irónica historia sobre un cerdo que quiere ser humano y un humano que quiere ser un animal. Ricardo Curtis y Rodrigo Perez-Castro colaboran por primera vez en la divertida Night of the Zoopocalypse, un apocalipsis 3D causado por un meteorito que convierte a los animales en zombis babosos mutantes. Por último, el argentino David Bisbano, director de Rodencia y el diente de la princesa, imagina una odisea familiar borgiana en Dalia y el Libro Rojo, mientras que el paquistaní Usman Riaz se lanza al largometraje con su antibelicista The Glassworker. Cerramos el telón con la proyección especial de Guillot i Llebre salven el bosc (Fox & Hare save the forest), donde la holandesa Mascha Halberstad, directora de la aplaudida Knor (Oink Oink), narra la animada odisea de dos mejores amigos en busca de un búho desaparecido.
Freaks, colmillos y homenajes a los clásicos
Somos conscientes de que las integrantes de la sección Sitges Clàssics de esta edición no necesitan presentación alguna. Este año se podrá disfrutar en este gabinete de obras maestras títulos como La matanza de Texas de Tobe Hopper, monolito del slasher estadounidense que se proyectará en una impactante copia en 35mm. Presentamos la remasterización en 4K del clásico del kaiju eiga Japón bajo el terror del monstruo de Ishirō Honda. También homenajearemos a algunos de los premiados durante el festival, como por ejemplo a la actriz Heather Lagenkamp con la proyección de Pesadilla en Elm Street de Wes Craven; al actor Fabio Testi con la de Revolver de Sergio Sollima; y al cineasta Fred Dekker con una sesión de su El terror llama a su puerta. Cerramos la sección con la proyección de la secuela apócrifa Alien 2 de Ciro Ippolito.
Además, con motivo del leitmotiv de esta edición, dedicamos una retrospectiva al universo de los freaks, empezando con La parada de los monstruos, claro está, y Garras humanas de Tod Browning. Así como El rostro de Ingmar Bergman, Santa Sangre de Alejandro Jodorowsky, Extrañas criaturas de Ray Dennis Steckler, La casa de los horrores de Tobe Hopper, y para terminar, Balada triste de trompeta de Álex de la Iglesia y La casa de los 1000 cadáveres de Rob Zombie, esta última remasterizada en 4K.
La no-ficción se refugia en Sitges Documental
Viviendo una actualidad tan terrorífica y surrealista, no tendría sentido que el festival obviara la no-ficción. Es por eso que este año Sitges Documenta vuelve con mucha fuerza. No podemos entender Sitges sin Dario Argento, así añadimos a los documentales anunciados en julio Deep Argento de Giancarlo Rolandi y Steve Della Casa, un personal viaje por la vida del maestro de giallo, hasta ahora relativamente desconocida. Rupert Russell presenta The Last Sacrifice, un aterrador documento sobre el asesinato de Charles Walton, evento que inspiró The Wicker Man y dio origen al folk horror. Por si fuera poco paganismo, Scott Cummings nos trae Realm of Satan, un experimental retrato de la Iglesia de Satán.
En el terreno nacional Víctor Matellano, un habitual del Festival, presenta un nuevo documental sobre la legendaria figura de Paul Naschy, uno de los grandes nombres del cine de terror español. Se titula Llámame Paul y formará parte de Sitges Documenta. Otra participante española en Sitges Documenta será Ishiro Honda: Memoirs of a Film Director de Jonathan Bellés, uno de los grandes expertos en kaiju eiga de este país. En este caso, se centra en la carrera como director Ishiro Honda, conocido por ser el director de Japón bajo el terror del monstruo (1954).
Midnight X-Treme, para los no madrugadores
Id preparando el café, porque Midnight X-Treme, la sección para los más trasnochadores, vuelve a abrir sus puertas. El incansable Joe Begos, encargado de locuras vistas en el festival como Bliss o Christmas Bloody Christmas, vuelve a casa con Jimmy & Stiggs, una alucinógena pesadilla de drogas, alcohol y alienígenas rodada en 16mm. Frankie Freako de Steven Kostanski, uno de los directores de The Void, promete una alocada fiesta con una extraña criatura. El incansable Lowell Dean estará con nosotros por partida doble, pues nos trae Die Alone, un ‘niño con amnesia vs zombies’, y Dark Match, un ‘luchadores de wrestling vs cultistas’. También nos visita Las motosierras cantan (Chainsaws Were Singing) de Sander Maran, una desternillante comedia musical con acción-terror-gore-y serie B recién llegada de Estonia.
Completan el insomnio títulos como Operation Undead de Kome Kongkiat Komesiri, Fly Me To The Saitama: From Biwa Lake With Love de Hideki Takeuchi, Hell Hole de John Adams y Toby Poser, Grafted de Sasha Rainbow, Plastic Guns de Jean-Christophe Meurisse, The Beast Hand de Taichiro Natsume y 1978 de Nicolás y Luciano Onetti.
Brigadoon, café para los muy cafeteros
La sección Brigadoon vuelve a presentarse como el punto de encuentro de esa cinefilia enamorada de los títulos y voces más desacomplejadas del cine de género. Con una completa selección de cortos, documentales, largos, y encuentros/homenajes con artistas siempre a reivindicar, Brigadoon hará las delicias de los paladares más inquietos con propuestas como Traumatika de Pierre Tsigaridis, Tripping the Dark Fantastic de Lg White, Monster on a plane de Ezra Tsegaye y Year 10 de Ben Goodger. Pone la guinda del pastel la reposición de los 360 minutos integros de la miniserie de The Stand (Apocalipsis), que contará con presentación y coloquio de la mano de su director Mick Garris y del premiado Mike Flanagan.
Sitges Family, fantástico para todos los públicos
Como el cine de género no conoce de edad, el festival vuelve a reivindicar las propuestas familiares más fascinantes del momento en Sitges Family. Entre las películas seleccionadas este año encontramos John Vardar vs the Galaxy de Goce Cvetanovski, la primera película de animación de la historia de Macedonia del Norte; Pigsy de Li Wei Chiu, ganadora del Taipei Film Fest; o The Worlds Divide de Denver Jackson, creador de la serie Esluna: The First Monolith, entre muchas otras.
Horror Girls repite por todo lo alto
Tras el éxito de su primera edición, Sitges vuelve a acoger Horror Girls, unas jornadas dedicadas al cine de género fantástico europeo y la creación femenina que ponen de manifiesto cómo el talento de autoras se valora en cada una de las fases de la cadena de valor del producto cinematográfico. Dentro del marco de Horror Girls podremos disfrutar de un encuentro con la actriz Heather Langenkamp (Nancy Thompson en Pesadilla en Elm Street, Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño y La nueva pesadilla de Wes Craven), quien recibirá el Premio Màquina del Temps en esta edición del Festival, y de una conversación entre Coralie Fargeat (directora de La sustancia y Revenge) y Carlota Pereda (directora de Cerdita y La ermita), dos de las voces más provocadoras y frescas del terror contemporáneo.
Entre las diferentes actividades, también proponemos mesas redondas sobre producción y distribución con Priscilla Smith, Manon Barat, Antonia Nava, Nahikari Ipiña, Nuria Valls y Enrique López Lavigne; sesiones sobre el tratamiento de las mujeres protagonistas en el cine de género con Lauren LaVera, Desirée de Fez, Iván Fund, Mònica Garcia Massagué, Heidi Honeycutt y Victoria McCollum; y conversaciones entre parejas de realizadores sobre sus experiencias en la dirección (Paco Plaza y Denisse Castro, Marysia Nikitiuk y Paul Urkijo, Veronika Franz & Severin Fiala).
Jaume Balagueró, Aina Clotet y Francesc Gener, Jurado de los Premios SGAE Nova Autoria 2024
El director y guionista Jaume Balagueró; la directora, guionista y actriz, Aina Clotet, y el compositor de cine y televisión, Francesc Gener, integran el jurado de los Premios SGAE Nova Autoria 2024 que organizan la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y la Fundación SGAE, a través del Consejo Territorial de SGAE en Cataluña.
El Cine Prado acogerá, el 5 de octubre, la proyección de los mejores trabajos audiovisuales seleccionados de las universidades y escuelas de cine de Cataluña. Este año se han recibido 43 trabajos (22 de ficción, 8 de animación y 13 documentales) de 18 centros.
Los Premios SGAE Nueva Autoría son a las categorías de mejor dirección-realización, mejor guion y mejor música original, y forman parte del palmarés oficial del Festival de Sitges.
TODOS LOS TÍTULOS DE SITGES 2024
Secció Fantàstic a Competició (SOFC)
2073 – Asif Kapadia (Reino Unido, Spanish Premiere)
A Different Man – Aaron Schimberg (EEUU, Spanish Premiere)
Animale – Emma Benestan (Francia, Spanish Premiere)
Azrael – E.L. Katz (EEUU y Estonia, Spanish Premiere)
Basileia – Isabella Torre (Italia y Suecia, Spanish Premiere)
Bodegón con fantasmas – Enrique Buleo (España y Serbia, World Premiere)
Bury Your Dead – Marco Dutra (Brasil, World Premiere)
Continent – Davi Pretto (Brasil, Francia y Argentina, Spanish Premiere)
Daniela Forever – Nacho Vigalondo (España y Bélgica, European Premiere)
El baño del diablo – Severin Fiala y Veronika Franz (Austria y Alemania, Spanish Premiere)
El segundo acto (The Second Act) – Quentin Dupieux (Francia, Spanish Premiere)
Else – Thibault Emin (Francia y Bélgica, Spanish Premiere)
Escape From the 21st Century – Li Yang (China, European Premiere)
Exhuma – Jae-Hyun Jang (Corea del Sur, Spanish Premiere)
Fréwaka – Aislinn Clarke (Irlanda, Spanish Premiere)
Ghost Cat Anzu – Yoko Kuno y Nobuhiro Yamashita (Japón)
Luna – Alfonso Cortés-Cavanillas (España, World Premiere)
MadS – David Moreau (France, European Premiere)
Meanwhile on Earth – Jérémy Clapin (Francia y Bélgica, Spanish Premiere)
Mr. K – Tallulah Hazekamp Schwab (Bélgica, Países Bajos y Noruega, European Premiere)
Night Silence (Cisza Nocna) – Bartosz M. Kowalski (Polonia, Spanish Premiere)
Call of Water – Élise Otzenberger (Francia, World Premiere)
Planet B – Aude-Lea Rapin (Francia y Bélgica, Spanish Premiere)
Rich Flu – Galder Gaztelu-Urrutia (España, World Premiere)
Sanatorium Under The Sign of the Hourglass – los hermanos Quay (Reino Unido, Polonia y Alemania, Spanish Premiere)
Sister Midnight – Karan Kandhari (Reino Unido y Irlanda del Norte, Spanish Premiere)
Strange Darling – JT Mollner (EEUU, Spanish Premiere)
Get Away – Steffen Haars (Reino Unido, European Premiere)
The Rule of Jenny Pen – James Ashcroft (Nueva Zelanda, European Premiere)
Twilight of the Warriors: Walled In – Soi Cheang (Hong Kong, Spanish Premiere)
Una Ballena – Pablo Hernando (EEUU, European Premiere)
Desert Road – Shannon Triplett (EEUU, World Premiere)
Secció Oficial Sitges Collection
Apartment 7A – Natalie Erika James (EEUU, Spanish Premiere)
Apocalipsis Z: El principio del fin – Carles Torrens (España, World Premiere)
Arcadian – Benjamin Brewer (EEUU, Spanish Premiere)
Bookworm – Ant Timpson (Nueva Zelanda, Spanish Premiere)
Cuckoo – Tilman Singer (Alemania y EEUU, Spanish Premiere)
Dead Talents Society – John Hsu (Taiwan, Spanish Premiere)
El llanto – Pedro Martín-Calero (España y Argentina, Catalan Premiere)
Exorcism Chronicles: The Beginning – Dong-chul Kim (Corea del Sur, Spanish Premiere)
La sustancia (The Substance) – Coralie Fargeat (Reino Unido)
Please Don’t Feed The Children – Destry Allyn Spielberg (EEUU, World Premiere)
Robot Salvaje – Chris Sanders (EEUU)
Diplodocus – Wojtek Wawszczyk (Polonia,Spanish Premiere)
Mariposas negras – David Baute (España, Spanish Premiere)
Sauvages – Claude Barras (Suiza, Francia y Bélgica, Spanish Premiere)
The Soul Eater – Alexandre Bustillo y Julien Maury (Francia)
Ghost Killer – Kensuke Sonomura (EEUU y Japón, European Premiere)
Secció Oficial – Sessions Especials
El misterio de Salem’s Lot – Gary Dauberman (EEUU, Spanish Premiere)
House of Spoils – Bridget Savage Cole y Danielle Krudy (EEUU, World Premiere)
Rose & Samurai 2: Return of the Pirate Queen – Hidenori Inoue (Japan)
Terrifier 3 – Damien Leone (EEUU, European Premiere)
Òrbita
100 Yards – Xu Haofeng (China, Spanish Premiere)
Cloud – Kiyoshi Kurosawa (Japón, Spanish Premiere)
Confession – Nobuhiro Yamashita (Japan, Spanish Premiere)
Diabolik ¿Quién Eres? (Diabolik: Who Are You?) – Marco y Antonio Manetti (Italia – Spanish Premiere)
Escape – Jong-pil Lee (Corea del Sur, Spanish Premiere)
I, The Executioner – Ryoo Seung-wan (Corea del Sur)
Maldoror – Fabrice Du Welz (Bélgica y Francia, Spanish Premiere)
Night Call – Michiel Blanchart (Bélgica y Francia, Spanish Premiere)
Steppenwolf – Adilkhan Yerzhanov (Kazajistán, Spanish Premiere)
The Goldfinger – Felix Chong (Hong Kong y China, Spanish Premiere)
The Moon Thieves – Kim-Wai Yuen (Hong Kong)
The Kingdom – Julien Colonna (Francia, Spanish Premiere)
The Roundup: Punishment – Heo Myeong Haeng (Corea del Sur)
Zero – Jean Luc Herbulot (EEUU y Senegal, World Premiere)
(CLAUSURA) Beating Hearts – Gilles Lellouche (Francia, Spanish Premiere)
Panorama
A Mother’s Embrace – Cristian Ponce (Argentina, World Premiere)
A Samurai in Time – Jun’ichi Yasuda (Japón, Spanish Premiere)
Bone Lake – Mercedes Bryce Morgan (EEUU, World Premiere)
Nightwatch: Demons Are Forever – Ole Bornedal (Dinamarca, Spanish Premiere)
Estela – Adrián Araujo (México y España, World Premiere)
Handsome Guys – Dong-Hyub Nam (Corea del Sur, Spanish Premiere)
Historias de Halloween – Kiko Prada (España)
Inexternal – Kim-Wai Yuen (Hong Kong, European Premiere)
Kryptic – Kourtney Roy (Canadá y Reino Unido, Spanish Premiere)
Little Bites – Spider One (Estados Unidos)
Mr. Crocket – Brandon Espy (EEUU, Spanish Premiere)
Noise – Soo-jin Kim (Corea del Sur, World Premiere)
Oddity – Damian McCarthy (Irlanda, Spanish Premiere)
Párvulos – Isaac Ezbán (México, Spanish Premiere)
Peg o’ My Heart – Nick Cheung (Hong Kong, Spanish Premiere)
Push – David Charbonier & Justin Powell (Estados Unidos, World Premiere
Respati – Tata Sidharta (Indonesia, Spanish Premiere)
Resvrgis – Francesco Carnesecchi (Italia, Spanish Premiere)
Tenement – Sokyou Chea (Camboya, Spanish Premiere)
The Damned – Thordur Palsson (Reino Unido, Irlanda del Norte, Irlanda, Islandia y Bélgica, Spanish Premiere)
Touched By Eternity – Marcis Lacis (Letonia)
U Are The Universe – Pavlo Ostrikov (Ucrania y Bélgica, Spanish Premiere)
Within The Pines – Paul Evans Thomas (Australia, European Premiere)
Noves Visions
A Desert – Joshua Erkman (EEUU, Spanish Premiere)
Body Odyssey – Grazia Tricarico (Italia y Suiza, Spanish Premiere)
Dead Mail – Joe DeBoer y Kyle McConaghy (EEUU, Spanish Premiere)
Electric Child – Simon Jaquemet (Alemania)
Gazer – Ryan J. Sloan (EEUU, Spanish Premiere)
Infinite Summer – Miguel Llansó (Estonia y España, Spanish Premiere)
It Doesn’t Get Any Better Than This – Rachel Kempf y Nick Toti (EEUU, Spanish Premiere)
Los hiperbóreos (The Hyperboreans) – Joaquín Cociña (Chile, Spanish Premiere)
Love Me – Sam y Andy Zuchero (EEUU, International Premiere)
Mi bestia – Camila Beltrán (Colombia y Francia, Spanish Premiere)
Pepe – Nelson Carlos De Los Santos Arias (República Dominicana, Namibia, Francia y Alemania, Catalan Premiere)
Schirkoa: In Lies We Trust – Ishan Shukla (India, Francia y Alemania, Spanish Premiere)
Sew Torn – Freddy Macdonald (EEUU y Suiza, Spanish Premiere)
She Loved Blossoms More – Yannis Veslemes (Grecia y Francia, Spanish Premiere)
Spirit in the Blood – Carly May Borgstrom (Alemania y Canadá, World Premiere)
The Killers – Jong-kwan Kim, Deok Roh, Hang-jun Chang y Myung-Se Lee (Corea del Sur, European Premiere)
Things Will Be Different – Michael Felker (EEUU, Spanish Premiere)
Timestalker – Alice Lowe (Reino Unido e Irlanda del Norte, Spanish Premiere)
Un cuento de Pescadores – Edgar Nito (México, World Premiere)
Witte Wieven – Didier Konings (Países Bajos, Spanish Premiere)
Your Monster – Caroline Lindy (EEUU, Spanish Premiere)
(CLAUSURA) Dragon Dilatation – Bertrand Mandico (Francia, Spanish Premiere)
Anima’t
Memorias de un caracol (Memoir of a Snail) – Adam Elliot (Australia, Catalan Premiere)
Pig That Survived Foot-And-Mouth Disease – Hur Bum-wook (Corea del Sur, Spanish Premiere)
The Colors Within – Naoko Yamada (Japón, Spanish Premiere)
The Glassworker – Usman Riaz (Pakistán y EEUU, Spanish Premiere)
The Storm – Yang Zhigang (China, Spanish Premiere)
The Umbrella Fairy – Jie Shen (China, Spanish Premiere)
(SESIÓN ESPECIAL) Guillot i Llebre salven el bosc – Mascha Halberstad (Países Bajos y Luxemburgo, Spanish Premiere)
Midnight X-Treme
Plastic Guns – Jean-Christophe Meurisse (Francia)
El tema del verano – Pablo Stoll (Uruguay, World Premiere)
1978 – Nicolás Onetti y Luciano Onetti (Argentina, World Premiere)
Frankie Freako – Steven Kostanski (Canadá, Spanish Premiere)
Krazy House – Steffen Haars (Holanda, Spanish Premiere)
Die Alone – Lowell Dean (Canadá, World Premiere)
Hell Hole – John Adams y Toby Poser (EEUU, European Premiere)
Dark Match – Lowell Dean (Canadá, Spanish Premiere)
Grafted – Sasha Rainbow (Nueva Zelanda, Spanish Premiere)
Operation Undead – Kome Kongkiat Komesiri (Tailandia, Spanish Premiere)
Fly Me To The Saitama: From Biwa Lake With Love – Hideki Takeuchi (Japón, Spanish Premiere)
Las motosierras cantan (Chainsaws Were Singing) – Sander Maran (Estonia, Spanish Premiere)
Jimmy & Stiggs – Joe Begos (EEUU, International Premiere)
Spermageddon – Rasmus A. Siverstein (Noruega, Spanish Premiere)
The Beast Hand – Taichito Natsume (Japón, World Premiere)
Sitges Clàssics
Alien 2 – Ciro Ippolito (Italia)
Beyond the Door – Ovidio G. Assonitis y Roberto D’Ettorre Piazzoli (EEUU)
Dr. Jekyll y el Hombre Lobo (4K) – León Klimovsky (España)
Drácula contra Frankenstein (4K) – Jess Franco (España y Francia)
El conde Drácula (4K) – Jess Franco (Alemania y España)
El extraño amor de los vampiros – León Klimovsky (España)
Godzilla (4K) – Ishirō Honda (Japón)
Night of the Creeps – Fred Dekker (EEUU)
La matanza de Texas (35 mm) – Tobe Hooper (EEUU)
La saga de los Drácula – León Klimovsky (España)
Pesadilla en Elm Street – Wes Craven (EEUU)
Revolver – Sergio Sollima (Italia)
Último deseo (4K) – León Klimovsky (España)
The Birthday (4K) – Eugenio Mira (España)
Sitges Documenta
Chain Reactions – Alexandre O. Phillipe (Reino Unido, Spanish Premiere)
Deep Argento – Giancarlo Rolandi (Italia, Spanish Premiere)
Exorcismo – Alberto Sedano (España, World Premiere)
Grand Theft Hamlet – Pinny Grylls y Sam Crane (Reino Unido, Spanish Premiere)
Ishiro Honda: Memoirs of a Film Director – Jonathan Bellés (España, World Premiere)
Realm of Satan – Scott Cummings (EEUU, Spanish Premiere)
The Last Sacrifice – Rupert Russell (Reino Unido, European Premiere)
(SESIÓN ESPECIAL) Llámame Paul – Víctor Matellano (España, World Premiere)
Retrospectiva – Freaks
Freaks – Tod Browning (EEUU)
The Funhouse – Tobe Hooper (EEUU)
Balada triste de trompeta – Álex de la Iglesia (España)
Santa Sangre – Alejandro Jodorowsky (México)
House of 1000 Corpses (4K) – Rob Zombie (EEUU)
El rostro – Ingmar Bergman (Suecia)
Garras humanas (The Unknown) – Tod Browning (EEUU)
Extrañas Criaturas (The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies) – Ray Dennis Steckler (EEUU)
Brigadoon – Estrenos
El Cristo de la Calavera – Chus Lara
Céntrico – Luso Martínez
The Harvester – Gavin Bradley y Andrew Allen
Voyager – Pablo Pagán
Marisa y Gomoso – Pablo Parés
Dick Dynamite: 1944 – Robbie Davidson
Traumatika – Pierre Tsigaridis
Year 10 – Benjamin Goodger
Dirty Money – Kim Min-soo
Monster on a plane – Erza Tsegaye
Nadie inquietó más: Narciso Ibáñez Menta 2.0 – Gustavo Leonel MendozaTripping the Dark Fantastic – Lg White
Brigadoon – Documentales
Albert Pyun: King of Cult Movies – Lisa D’Apolito
Boutique: To Preserve and Collect – Ryan Bruce Levey
José Lifante, mi aventura en el cine – David Garía Sariñera
SUZZANNA: Queen of Black Magic – David Gregory
Mad Props – Juan Pablo Reinoso
Brigadoon – Sesiones especiales
The Stand (Apocalipsis) – Mick Garris
Los albores del Kaiju Eiga – Jonathan Bellés
The Undead -Roger Corman
Carnival of Souls – Herk Harvey
Marisa y Gomoso – Pablo Parés
Tráfico de menores – Alberto Negrín
Terror Circus – Alan Rudolph
Crypt of the Living Dead – Julio Salvador y Ray Danton
The Thrilling Bloody Sword – Chang Hsing-Yi
¿Quién la ha visto morir? – Aldo Lado
Kung Fu Magic – Lee Tso-Nam
Zombie 5 Killing Birds – Claudio Lattanzi
Dick Dynamite: 1944 – Robbie Davidson
La corta noche de las muñecas de cristal – Aldo Aldo
Santo contra los secuestradores – Federico Curiel
L’Ultimo Cacciatore – Antonio Margheriti
Luca il contrabbandiere – Lucio Fulci
Los guerreros de la magia (The Lords of Magick) – David Marsh
Cromwell el rey de los bárbaros – Albert Pyun
The four of Apocalypse – Lucio Fulci
¿Qué habéis hecho con Solange? – Massimo Dallamano
Sitges Family
Abah and his Band – Humberto Avelar (Brasil, European Premiere)
Cuadrilátero – Daniel Rodríguez Risco (Peru, Spanish Premiere
John Vardar vs the Galaxy – Goce Cvetanovski (Macedonia del Norte, Hungria, World Premiere)
Capitán Avispa – Jean Gabriel Guerra y Jonnathan Melendez (República Dominicana)
Idiot Girls and School Ghost: School Anniversary – Kim Min-ha (Corea del Sur, European Premiere)
Croma Kid – Pablo Chea (República Dominicana, Spanish Premiere)
Green Night – Han Shuai (Hong Kong)
Superklaus – Steve Majaury y Andrea Sebastiá (España y Canadá, World Premiere)
Pigsy – Li Wei Chiu (Taiwán, Spanish Premiere)
Isla Monstro – Steven Shea (EEUU, World Premiere)
El Castillo a través del Espejo – Keiichi Hara (Japón)
The Worlds Divide – Denver Jackson (Canadá, Catalan Premiere)
Las Aventuras del Pequeño Colón – Rodrigo Gava (Brasil)
Saleem – Cynthia Madanat Sharaiha (Jordania)
Animalia – Sofia Alaoui (Francia, Marruecos y Qatar)
The Siren – Sepideh Farsi (Francia, Alemania y Luxemburgo, Catalan Premiere)
Oficial Fantàstic a Competició (Cortos)
Skulk – Max Ward
Bisected – Daniel Piñeros
Magnum Opus – Nicholas Kozakis
Atom & Void – Gonçalo Almeida
Cornucopia – Andrew Kevelson
One for the Road – Daniel Carsenty
Imago – Rafa Dengrá
Lui – Matthias Couquet
Humedad – Julieta Quiroga
Shadow – Kamell Allaway
Lullaby – Chi Tai
Attachment Theory – Katherine Jackson
Triangle – Joseph Diaz
From Me To You – Simret Cheema-Innis
Chew – Felix Dobaire
Malet – Roger Danès
Meat Puppet – Eros V
Make Me a Pizza – Talia Shea Levin
Agonist – Annie Marie Elliot
Drizzle in Johnson – Ivan Li
Sesiones Especiales (Cortos)
Los comensales – MJ Fuentes Mateos
Tengo que acabar el puto TFM – Estíbaliz Burgaleta y Andrea Casaseca
Kokuhaku – Adrià Guxens
Help I’m Alien Pregnant – THUNDERLIPS
The Merchant – Gabriel Campoy y Guillem Lafoz
Noves Visions – Petit Format
Don’t forget – Jeremy S. Thompson
Satomi – Rayner Wang
The Image Seller – Donavan Richard
Vinca Vision – Lazar Bodroza
Stills Moving – Kevin Tsung-Hsuan Yen
Fishtank – Wendi Tang
Say Wuff! – Fabian Podeszwa
El mal donat (The evil eye) – Hector Mas y Alfons Casal
Strawberry Shortcake – Deborah Devyn Chuang
Death of an Actor – Ambroise Rateau
ME – Don Hertzfeldt
The Law of Extinction of Pain – Wonjae Lee
The Tree of Sinners – Hiroyuki Onogawa y Rii Ishihara
Anima’t (Cortos)
Crimson Harbor – Victor Bonafonte
Howl if You Love Me – John Dilworth
The Hunt – Diogo Costa
Dolores – Cecilia Andalón
Fish River Anthology – Veera Lamminpää
Matta and Matto – Bianca Caderas y Kerstin Zemp
When It Comes (It Will Have Your Eyes) – Izibene Oñederra
Devil’s Parasite – Lars Henrik y Lisa Rydberg
Free the Chickens – Matus Vizar
La valla – Sam Orti
Monsoon Blue – Ellis Kayin Chan
Shoes and Hooves – Viktória Traub
The Shadow of Dawn – Olga Stalev
Joko – Iza Plucinska
kawauso – Akihito Izuh
Society of Clothes – Dahee Jeong
Inkwo for When the Starving Return – Amanda Strong
La Voix des Sirènes – Gianluigi Toccafondo
Tennis, Oranges – Sean Pecknold
Hurikán – Jan Saska
Voz de trompeta – David Monarte
Magic Candies – Daisuke Nishio
Sitges Family (Cortos)
Freelance – Luciano A. Muñoz Sessarego, Magnus Igland Møller y Peter Smith
Kit & Spoon and the Wayward Moon – Olivia Moe
Haru-tsuge Fish and Fu-rai Boy – Takeshi Yashiro
Malas Hierbas – Daniel Tornero
Un placer – Sonia Estévez
Hammertime – Jan Mocka
Cuando Llegue la Inundación – Antonio L omas
Dagon – Paulo Gaudio
Gaomei Fantasy – Juo Wen Chin
Mû – Malin Neumann
The Human Fossil – Rebecca Huang
Gizaki – Xanti Rodríguez
La Gran Cita de Conej – Pablo Río
A Guest from Elsewhere – Ethan Anderson
Bird Drone – Radheya Jegatheva
Bufet Paradís – Héctor Zafra y Santi Amézqueta
Fan – Erik Lee
Candy Puppet – Angela Lorena Statnik
Pasos para Volar – Rosario Carlino y Nicolás Conte
Garu & Ponki – Cristhian Jallier
Neon Vowels – Sergio Caballero
Flocky – Esther Casas Roura
El atrapasueños – Guillermo Patrikios Alum
Iris de Cristal – Diego Gaviria
Bottle George – Dice Tsutsumi
Sincopat – Pol Diggler
Fagnes 1986 – Nicolas Monfort
LAVA 2 (El Nuevo Show del Narciso) – Ayar Blasco
Brigadoon (Cortos)
Escape – Lorenzo Manetti
El fantasma de la mediocridad – Naxo Fiol
Will Helm – Bobby Roe
Hive – Felipe Vargas Ferrufino
El Cristo de la Calavera – Chus Lara
The Harvest – David Barrera y Manuel Carballo
Céntrico – Luso Martínez
Forgive Me – Cameron Sun
The Harvester – Gavin Bradley y Andrew Allen
Voyager – Pablo Pagán
Este será el último. Naxo Fiol y su camarita – Xavier Guillaumes y Carlos J. Lafuente Cerdán
SGAE Nova Autoria
Flamin’Hot – Clàudia Romeo Cassadò, Paula Othmer Pérez, Alícia García Iniesta, Adrià Carballada Mallofré, Leanora Schnog Barriga, Bernardo Oliveira Mesquita, Marlon Anthony Hugo Zapata, Pol Córcoles Serra
Baile con la muerte – Berta Alsinet, Paula Anglàs, Nuria Aranda, Martina Barney, Joan Cortit, Laia Domene, David Martin, Carlota Massó, Roger Menta, Victor Moya, Gisela Torras
Burned Out – Isa Adler
De-Sastre – Tommasso Mangiacotti, Marolyn Ávila, Constanza Melio, Maria Antonieta Fernández, Kuang Yi Lee
Lluna – Pol Mansachs
Daru/n (Passed/Mother) – Benjamin Hindrichs
Alicia gilipollas – Gerard Miró
Asterisco – Xavi Herrera
Blava Terra – Marine Auclair March
Azadi – Lily-Eileen Uxía Baker Föhring, Juan Luis Ortega Navarrete, Luciana y Espinoza Hoempler
Serendipia
Proyecto Naschy 
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