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Conozca a los protagonistas de ‘Fantasmagoría’, el nuevo film de César del Álamo
Sinopsis: El profesor Jorge Ollot y la doctora Iris de Miguel han reunido a un grupo de personas, cuidadosamente escogidas, con las que se aislaran durante una semana en una casa apartada. ¿Su intención? Demostrar que lo paranormal existe, pero que es nuestra propia mente lo que lo provoca. Así, dándose las condiciones adecuadas, está seguros de que crearán un fantasma… Pero el experimento que llevan tanto tiempo preparando no saldrá tal y como ellos esperaban.
Se espera que se estrene en plataformas y en algunas salas escogidas a mediados de año.
Bárbaros a la española: Los Cántabros, Tunka y Hundra
Como todo el mundo sabe Conan era español ¿cómo lo dudan si de pequeño era pastado a Jorge Sanz y su madre era Nadiuska? ¿cómo dudarlo si John Milius lo puso a cabalgar de Almería a Segovia y de Granada a Ávila? Pues por eso, porque Conan era español. Así que no resulta extraño (o no debería parecérnoslo) que una película producida en España, Los Cántabros (Jacinto Molina, 1980) se adelantara, por dos años, a la fiebre por el cine bárbaro que despertó, especialmente en Italia, claro, Conan, el bárbaro (1982), poniendo en marcha la fábrica de las copias en el país transalpino. No debería extrañarnos mucho que tras el éxito del film de Milius, dos nuevas cintas habitadas por héroes y heroínas de mirada torva en ropa interior de piel, se sumaran desde España a ese subgénero de espada y brujería.
Tras ser uno más de los géneros producidos en la España de los sesenta, principalmente en régimen de coproducción con Italia, el peplum, las populares ‘películas de romanos’, hacía tiempo que habían dejado de producirse en nuestras tierras, así que la aventura de rodar un peplum en la España de los ochenta era un anacronismo y toda una aventura. Y de lo más descabellada, por cierto. Pero al guion de Los Cántabros, ideado por Joaquín Gómez Sáinz, tanto Amando de Ossorio primero como Jacinto Molina más tarde, le añadieron salsa, transformando a las tribus cántabras y concretamente a su líder, Corocotta, en todo un sosia de Conan, lo que convirtió esa epopeya seudo histórica en la primera película española con bárbaros de por medio ¿influencia de Conan? posiblemente, pues las novelas y los comics eran editados por entonces con mucho éxito por Fórum y antes por Vértice, pero no de la película de John Milius, que se estrenaría en 1982.
Dan Barry (Joaquín Gómez Sáinz de Rozas) actor, guionista, productor y director cántabro comenzó su andadura, al igual que Paul Naschy, en el mundo del deporte, obteniendo galardones en halterofilia y lucha grecorromana. Su físico le llevó a realizar papeles en el cine como actor y especialista en diversas producciones internacionales y españolas, la mayoría de género, hasta que en 1980 tuvo la oportunidad de poner en marcha un proyecto largamente acariciado, Los Cántabros, que narraba la lucha entre las tribus cántabras acaudilladas por Corocotta y las tropas romanas lideradas por Marco Vespaciano Agripa.
La tesis tradicional presenta a Corocotta como héroe de la resistencia ante Roma, como unificador y caudillo local durante las Guerras Cántabras de Augusto durante los años 29 a 19 a. C., pero la única constancia de la existencia de Corocotta se basa en una cita del historiador romano Dión Casio, que tradujo Adolf Schulten y que hace referencia a uno de los hechos más populares relacionados con el cántabro:
“Irritóse tanto [Augusto] al principio contra un tal Corocotta, ladrón hispano muy poderoso, que hizo pregonar una recompensa de doscientos mil sestercios a quien lo apresase; pero más tarde, como se le presentase espontáneamente, no solo no le hizo ningún daño, sino que encima le regaló aquella suma.”[1]
Este episodio, que naturalmente se muestra en el largometraje, es el que ha creado toda la leyenda sobre el supuesto cántabro Corocotta (hay quien dice que su origen es norteafricano), motivando que su figura sea realzada como símbolo cultural y turístico de Cantabria. Y apoyándose en esta tesis, la más conocida y difundida, Dan Barry quiso inicialmente realizar una serie televisiva, aunque desechó la idea optando por un largometraje, que comenzó a dirigir el veterano Amando de Ossorio, tal y como recuerda el propio Barry:
“Amando de Ossorio, en efecto, incluso llegó a rodar una primera versión, pero cuando acudimos a los lugares de Cantabria que yo había escogido como escenarios del rodaje, como los Picos de Europa y otros, no hubo forma de hacerle llegar a aquellos parajes; siempre quería rodar los planos desde la carretera, por lo que no me quedó más remedio que sustituirle.”[2]
Con Amando de Ossorio fuera del proyecto, hubo que buscar rápidamente un sustituto. Paul Naschy asegura que la dirección del filme se la ofreció Augusto Boué, jefe de producción de Los Cántabros, pero según Dan Barry, fue él mismo quien se lo propuso a Jacinto Molina, por entonces compañero suyo en el gimnasio Guzmán el Bueno. Algo de lo que Barry terminó arrepintiéndose:
“El proyecto de Los Cántabros fue una idea original mía. Durante más de tres años estuve acumulando datos históricos para confeccionar el guion. Cuando ya lo tenía todo dispuesto cometí el error de dárselo a dirigir a Jacinto Molina, que por entonces era compañero de gimnasio. Posiblemente sea, en cuanto al cine se refiere, una de las equivocaciones más grandes que he cometido, ya que además del proyecto le puse al señor Molina en la mano cuarenta millones de la época y me traicionó en todos los sentidos.” [3]
En todo caso Paul Naschy no aceptó utilizar lo rodado por Ossorio, y quiso reescribir el guion de este proyecto, que sin duda le atrajo por las favorables condiciones de rodaje:
“Por primera vez voy a trabajar con un presupuesto por encima de los treinta millones, que no podía ni soñar. Por primera vez dispongo de cinco semanas para rodar.”[4]
Un holgado presupuesto que cuesta apreciar tras ver los resultados en pantalla. Cuestión que también ha sabido ver Adolfo Camilo Díaz al definir Los Cántabros como “un cómic con pocos medios y muchas ideas.”[5] El mismo director narró como se las tuvo que ingeniar para suplir la falta de vestuario:
“Carecíamos de suficientes armaduras y cascos romanos, y logré un ataque de la caballería de Marco Vespasiano Agripa -mi maravilloso personaje- haciendo pasar al mismo grupo de caballistas una y otra vez, emergiendo de un gran montículo.”[6]
Quizás esta pobreza de medios sea la responsable de que una lucha entre gladiadores tenga lugar en el salón del palacio del César y no en el habitual circo romano. O que la batalla final entre ambos ejércitos se represente con un solitario duelo entre Corocotta y Marco Vespasiano en la playa, atmosférico clímax que es, por otra parte, lo mejor de la película.
Y a todas estas carencias cabe añadir los problemas ocasionados por una huelga de extras y el accidentado rodaje a 40 grados bajo cero, que causó la muerte de algunos caballos.
Lo cierto es que con la reescritura del guion el personaje de Marco Vespasiano Agripa, encarnado por Paul Naschy, resultó muy reforzado, erigiéndose en auténtico protagonista de la trama y restando protagonismo al líder cántabro interpretado por Dan Barry. El personaje de Naschy también protagoniza, como es habitual, el romance, en esta ocasión con Elia (Verónica Miriel) la brava hermana de Corocotta. Y aunque se ha comentado que Paul Naschy fue el responsable del giro argumental hacia el subgénero de ‘espada y brujería’, este era un ingrediente supuestamente aportado al libreto por Amando de Ossorio, que declaró su intención de: “(…) hacer una película de ‘espada y brujería’ con druidas, magia, los romanos en contra de todos estos ritos, etcétera.”[7] Aunque naturalmente Naschy dotó al guion de Los Cántabros de elementos fantásticos, así como de pequeñas dosis de dudoso humor, de hecho es posible que el director se dejara influenciar por el Asterix de Uderzo y Goscinny, algo que resalta especialmente en las caricaturas de los romanos, de entre los que destaca un muy improbable Luis Ciges.
Al recaer la dirección en Paul Naschy, este se rodeo de actores y técnicos habituales en sus películas. Como Andrés Resino que intervino en La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971) y Jack el destripador de Londres (José Luis Madrid, 1975), y que en Los Cántabros interpreta eficazmente a César Augusto. Precisamente, sobre el rodaje de este film, el actor comentó un curioso detalle al especialista cinematográfico norteamericano Mirek Lipinski:
“(…) Naschy no se aprendía sus líneas por estar muy ocupado haciendo y planeando esto y aquello, por lo que usaba un apuntador cuando tenía que hablar. Así que uno tenía que esperar a que el apuntador hablara primero y luego Naschy. Esto afectaba al otro actor, pero bueno, si Naschy no memorizaba sus diálogos es porque estaba muy liado con la producción y negociando cosas. Esto es lo único reprochable, pero hay que perdonarle porque tenía muchas cosas que hacer en esta película.”[8]
El film también contó con la ya mencionada Verónica Miriel, una preciosa y aniñada actriz a la que también pudimos ver en La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975); Julia Saly, que mantenía una relación profesional con el actor y director que se extendió durante diez años; la encantadora Blanca Estrada, una de la actrices más populares en la época del ‘destape’ y que intervino junto a Naschy en El francotirador (Carlos Puerto, 1978), El caminante (Jacinto Molina, 1979) y tras Los Cántabros en Misterio en la isla de los monstruos (1981) de Juan Piquer Simón; el veterano Alfredo Mayo, que encarna al druida, uno de los personajes más pintorescos de Los Cántabros, mezcla de Panorámix y Gandalf y el que más frases grandilocuentes declama. Por su parte Pepe Ruiz y Ricardo Palacios representan el contrapunto cómico de la película, realizando un papel similar al que ya realizaron en El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1981).
También intervienen otros actores habituales en el cine de Naschy realizando pequeños papeles, como Antonio Iranzo, Paloma Hurtado, Frank Braña, Mariano Vidal Molina, el ya nombrado Luis Cigés, o Jenny Llada. Así como Antonio Mayans que recuerda que: “gracias a Juana de la Morena y Augusto Boué [Naschy] me volvió a contratar en Los Cantabros. Yo hacía de mensajero que llegaba, entregaba el mensaje y moría.”[9] Y David Rocha, que mantiene un buen recuerdo de su también breve participación en el filme:
“Recuerdo, además de a Paul que la dirigió e interpretó y con el que me sentí muy unido, a otros actores con los que coincidí en alguna otra película y de los que tengo bonitos recuerdos. Por ejemplo Frank Braña, que trabajó en Los Cántabros y en La herencia del mal, que dirigió Dan Barry; Blanca Estrada, con la que coincidí en El Caminante; y a algunos otros actores que trabajaron conmigo en doblaje en diferentes series y películas que dirigí. Pero a quien recuerdo con más cariño es a Antonio Iranzo.”[10].
En la parte técnica también encontramos rostros habituales en las películas de Naschy como el compositor Ángel Arteaga, responsable también de las bandas sonoras de La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz, 1968) y La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972) y al que el propio director confió la de El huerto del francés (Jacinto Molina, 1978); y Alejandro Ulloa, director de fotografía que tanto contribuyó a crear las mágicas atmósferas de El caminante y El retorno del hombre lobo, en la que también participaron el montador Pedro del Rey y León Revuelta diseñando vestuario.
Lamentablemente no hubo un buen ambiente de rodaje, y los dos antagonistas en la ficción también lo fueron en la realidad. Dan Barry se arrepintió de haber contado con Paul Naschy como director, llegando a declarar que “hubiese sido mejor seguir con Ossorio que con Paul Naschy, que a la hora de la verdad rodó casi toda la película en Torrelaguna, en paisajes que nada tienen que ver con los cántabros.”[10] Por su parte Naschy se quejaba de la poca fotogenia de Dan Barry (cuya voz fue doblada por José Guardiola):
“No sé (…) si es que fui muy autoritario en el rodaje y él no estaba acostumbrado o si es que le llegaron unos comentarios del equipo de fotografía sobre que era imposible fotografiarlo de lo feo que era, pero la tomó conmigo y se vengó quitándome el nombre de los carteles.”[12]
El resultado es un filme mayormente destinado a un público infantil, cuajado de luchas descafeinadas, humor chusco y personajes arquetípicos. Según Ángel Sala, para quien Los Cántabros “fue un más que aceptable film de aventuras que recuperaba en parte el espíritu del peplum clásico de los años sesenta[13]”, la película resultó un 
fracaso comercial que “casi no pudo verse en su estreno, lastrada por unos distribuidores y exhibidores que no confiaron en el proyecto[14]”
Para Paul Naschy fue un dignísimo peplum de acción sin buenos ni malos y una muy bella película, rodada en una época en la que Naschy estaba profesionalmente en estado de gracia, ejerciendo como director, guionista y actor en sus películas. Había estrenado poco antes dos de sus mejores títulos: El huerto del Francés y El caminante e iniciaría una relación con una productora cinematográfica japonesa que le llevaría a rodar varios documentales y largometrajes, ofreciéndole unos años de estabilidad y prosperidad que, lamentablemente, se truncaron en 1984 con el fracaso de Operación Mantis.
Por su parte Dan Barry, tras interpretar pequeños papeles en diversas cintas, intervino en 1982 en Estirpe de dioses / Raza de guerreros (Diego Santillán), otro proyecto suyo ahora ya puramente de espada y brujería que por diversos motivos no 
llegaría a estrenarse, a pesar de estar rodado, quedando a falta de montar y sonorizar. Al año siguiente dirigirá él mismo y conseguirá estrenar, aunque tres años después de finalizado, Tunka el guerrero, otra cinta adscrita al subgénero de espada y brujería a la que añadió gotas de cine apocalíptico y que el propio Barry tuvo que dirigir tras 
despedir a José María Zabalza por su problema de alcoholismo. Tunka el guerrero tampoco deja muy alto el listón en cuanto a calidad cinematográfica, con su acabado amateur y alarmante falta de presupuesto y oficio, que repercute en todo, desde los títulos de crédito al ridículo vestuario de los personajes. Tampoco tuvo mucha más suerte Dan Barry con su siguiente proyecto, La herencia del mal, película de terror que tampoco llegará a estrenarse.
Prosiguiendo el tirón iniciado por Conan el bárbaro, aún se rodará en nuestras tierras, concretamente en Tabernas (Almería) escenario de tantos y tantos spaghetti western e incluso del film de John Milius, Hundra 1983), una cinta escrita y dirigida por 
Matt Cimber, director norteamericano que había unido sus fuerzas con la actriz Laurene Landon, con la que rodó, además de Hundra, el western influido por Indiana Jones, Yellow Hair & the Pecos Kid (1984). La película de Cimber, que narra las peripecias de la única superviviente de una estirpe de amazonas es, con diferencia, la mejor de las tres comentadas. Y aunque ni mucho menos pueda calificarse de obra maestra, al menos las luchas están trabajadas, Laurene Landon realiza las escenas de acción con convicción y el presupuesto, aunque se adivina escaso, luce más y llega, al menos, para contratar figurantes.
Tras su periplo español, Laurene Landon participaría en varias producciones del recientemente fallecido Larry Cohen, que también recuperaría a la actriz en 2006, cuando llevaba 15 años retirada del cine.
Con todas sus carencias, Los Cántabros, Tunka y Hundra, nuestra reducida filmografía bárbara, conforma un simpático tríptico de producciones llevadas adelante con más imaginación que medios y en un momento en el que el cine de género en España estaba desapareciendo.
NOTAS
[1] Schulten, A. Fontes Hispaniae Antiquae, vol. V. Emporium, Barcelona, 1940. Pág. 335
[2] Salvador Estébenez, J. L.: Dan Barry, el Conan español. https://cerebrin.wordpress.com/2008/01/07/dan-barry-el-conan-espanol/
[3] Ibídem
[4] Sáinz, S.: ‘Diálogos de la luna llena’. Transilvania Express Nº 2, 1981. Pág. 51
[5] Camilo Díaz, A.: El cine fantaterrorífico español. Santa Bárbara, S.L., Gijón, 1993. Pág. 159.
[6] Molina, J.: Paul Naschy. Memorias de un hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid, 1997. Pág. 132.
[7] Olano, J. y Crespo, B.: ‘Entrevista a Amando de Ossorio’. Cine fantástico y de terror español 1900-1983. Donostia Kultura, S. Sebastián, 1997. Pág. 371
[8] Lipinski, M.: ‘The Andrés Resino Interview’. Latarnia Fantastique International Nº 1, 2010.
[9] Mensaje personal al autor de este artículo.
[10] Mensaje personal al autor de este articulo.
[11] Salvador Estébenez, J. L.: Opus cit.
[12] Agudo, A.: Paul Naschy. La máscara de Jacinto Molina. Scifiworld, Pontevedra, 2009. Pág. 225. Algo que no es del todo cierto. El nombre de Jacinto Molina y Paul Naschy figuran en el cartel, lo que sucede es que el personaje encarnado por Paul Naschy nos da la espalda, en lo que no deja de ser una extraña decisión del, por otra parte, magnífico cartelista Mac.
[13] Sala, A.: Profanando el sueño de los muertos. Scifiworld, Pontevedra, 2010. Pág. 67
[14] Ibídem.
Fernando Colomo presentará en el festival CUTRECON de Madrid la proyección de su película “El Caballero del Dragón” en una nueva versión restaurada en 4K
La película de ciencia ficción y fantasía medieval “El Caballero del Dragón” (1985), una de las producciones más ambiciosas y a la vez fallidas de la historia del cine español, se proyectará el próximo 5 de febrero a las 16:30 horas en la Facultad de Ciencias de la Información (Av. Complutense, 3) de la Universidad Complutense de Madrid. La sesión, que contará con la presencia de su director, Fernando Colomo, forma parte de la programación de la decimocuarta edición de CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, patrocinado por Kitchen 154. Además, la entrada será libre hasta completar aforo y el largometraje podrá verse en una nueva restauración en 4K realizada por Mercury Films.
«Es una de las grandes películas malditas del cine español, un delirio visual y narrativo que desafía cualquier etiqueta y que merecía ser reivindicado en un festival como este», afirma Carlos Palencia, director de CUTRECON. Y añade que “a pesar de sus errores y desvaríos, tiene un encanto hipnótico, no hay nada parecido; se trata de una obra osada, inclasificable y, sin duda, digna de disfrutarse en todo su esplendor gracias a esta nueva restauración.»
En 1985, el cine español intentó hacer historia con una superproducción de fantasía y ciencia ficción, protagonizada por estrellas internacionales, con efectos especiales ambiciosos y un presupuesto récord. El resultado fue una de las películas más insólitas en la filmografía de Fernando Colomo. Con Harvey Keitel, Klaus Kinski y un Miguel Bosé convertido en alienígena cuya interpretación sigue siendo lo más recordado -y ridiculizado-, la cinta prometía revolucionar la industria… Pero acabó estrellándose contra la crítica y el público.
Con los años, el filme ha sido objeto de revisiones que destacan su intento de fusionar géneros y su carácter adelantado a su tiempo. Para hablar sobre los entresijos de su producción, Colomo, al finalizar el filme, participará en un coloquio donde responderá las preguntas de los asistentes.
Además, al inicio de la sesión, el director recibirá el Premio CONFISLAB Sah-Di-A, que le será entregado por Ramón Saldías, director de “Karate Contra Mafia” (1980), una de las primeras películas de artes marciales del cine europeo. El galardón, bautizado con el seudónimo que Saldías utilizó en su ópera prima, distingue a cineastas que, sin haberse prodigado en el llamado “cine cutre o trash”, han firmado obras que se han convertido en hitos dentro del fenómeno.
EXPOSICIÓN: «EL CABALLERO DEL DRAGÓN: LA ÉPICA SUICIDA DE FERNANDO COLOMO»
CUTRECON también sacará a la luz los restos de aquella batalla que fue el rodaje de “El Caballero del Dragón” con una exposición de acceso libre, titulada «El Caballero del Dragón: La Épica Suicida de Fernando Colomo«, que podrá visitarse del 29 de enero al 28 de febrero en la Facultad de Ciencias de la Información.
La muestra reúne materiales originales que revelan cómo se gestó esta odisea cinematográfica, desde storyboards y bocetos hasta guiones anotados y fotografías del rodaje. Todo ello ha sido posible gracias a los archivos de Mercury Films, Fernando Colomo, el coleccionista Fernando Abril y el equipo del festival.
Nacido en Madrid en 1946, Fernando Colomo es uno de los cineastas más influyentes de la comedia española y un referente de la llamada comedia madrileña de La Movida. Con más de cincuenta años de trayectoria, ha dirigido títulos como “Tigres de papel” (1977), “La vida alegre” (1987), “Bajarse al moro” (1989) o “Los años bárbaros” (1998).
LA EDICIÓN MÁS GRANDE DE CUTRECON
Kitchen 154 – CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, celebrará su decimocuarta edición del 5 al 9 de febrero de 2025 en tres sedes de la capital: la Facultad de Ciencias de la Información (Av. Complutense, 3) de la Universidad Complutense, el céntrico mk2 Cine Paz (C/ de Fuencarral, 125) y los multicines mk2 Palacio de Hielo (Centro Comercial Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77). En esta ocasión, se programará “una hilarante selección de las peores películas de fantasía épica”, según han adelantado sus organizadores.
El público podrá disfrutar de hasta 25 títulos —la cifra más alta en la historia de CUTRECON—, muchos de ellos rescatados del olvido o duramente castigados por la crítica en su estreno, pero que «merecen una segunda oportunidad por lo involuntariamente divertidos que resultan en su mayoría», afirma Carlos Palencia, director del certamen.
ENTRADAS Y ABONOS YA A LA VENTA
Las entradas individuales y los abonos para CUTRECON 14, ya están a la venta en los enlaces habilitados en www.cutrecon.com.
El festival está patrocinado por la franquicia de restaurantes de comida especiada y picante Kitchen 154, la gestoría Confislab, el servicio de hosting Cdmon, la plataforma de streaming centrada en cine de terror Shadowz, la distribuidora Ediciones Setantanou, la editorial Apache Libros, la productora Arkham Contents, los comercios La Mansión del Terror y El Templo del Arcade y los portales web Moviementarios.com y ConCdeCultura.es.
Organizan los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, la cadena de cines mk2, la Universidad Complutense de Madrid y su Facultad de Ciencias de la Información, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.
Paul Urkijo Alijo rueda «GAUA», su tercer largometraje
Fotografías: David Herranz
Nos complace anunciar el inicio de rodaje de Gaua (‘Noche’ en castellano), el tercer largometraje de Paul Urkijo Alijo tras las exitosas Errementari e Irati (película en euskera más taquillera de la historia). Como en trabajos anteriores del cineasta, Gaua transita entre los códigos de la fantasía y la realidad histórica, pero en esta ocasión se sumerge en el mundo nocturno de la mitología vasca, ambientado en el siglo XVII. La película combina el inquietante mundo mitológico de los seres nocturnos con el imaginario de la superstición rural creandoun universo lleno de misterio, emoción y épica.
Gaua, está protagonizada por Yune Nogueiras (La infiltrada, Akelarre) acompañada por Ane Gabarain (20.000 especies de abejas; Patria), Elena Irureta (Patria, Flores de otro mundo) e Iñake Irastorza (Ventajas de viajar en tren, Todos estamos invitados). Completan el reparto Xabi Jabato (Sin cobertura, Valle salvaje), Erika Olaizola (Los últimos románticos; Los tontos y los estúpidos), Manex Fuchs (20.000 especies de abejas) y Elena Uriz (Akelarre; Irati), entre otros.
La película se rueda en euskera durante 7 semanas en diversas localizaciones del País Vasco.
Sinopsis: Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin sale del caserío en mitad de la noche huyendo de su marido. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino se topa con tres afables mujeres que mientras lavan la ropa comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para el asombro de Kattalin, ella misma acabará formando parte de dichas historias.
Paul Urkijo Alijo explica así el origen del proyecto: «desde niño me han fascinado las historias relacionadas con la noche que hay en la mitología de nuestro país. Cuentos con los que se educaba a los más jóvenes a tenerle respeto a los peligros de la oscuridad, así como las leyendas sobre espíritus, demonios y brujas que se crearon a raíz de las persecuciones del siglo XVII y que hoy en día han derivado en figuras de empoderamiento femenino. Es un tema que siempre me ha interesado y que con Gaua pretendo llevar de manera espectacular, inquietante y épica a la gran pantalla. Escenas más terroríficas, pero a la vez bellas de las leyendas nocturnas de nuestra tradición oral».
Es la primera vez que Paul Urkijo Alijo y la productora Irusoin trabajan juntos. Ander Sagardoy, uno de los productores de Irusoin, valora así esta unión: «la alianza de Irusoin con Paul llega de una manera muy natural. Es un cineasta al que admiramos desde hace años y con el que estábamos deseando colaborar. La autenticidad y ambición que desprenden todas sus obras lo convierten en un talento único».
Las dos películas previas del director, Irati y Errementari, destacan como ejemplos exitosos de historias que fusionan elementos de fantasía y mitología rural. Precisamente Irati se ha convertido en la película más taquillera de la historia rodada en euskera y Errementari ha obtenido resultados excepcionales a nivel mundial en Netflix.
Gaua es una producción de Irusoin (Marco), Ikusgarri Films (Irati), Vilaüt Films (Alcarràs) y Gaua AIE. Cuenta con el apoyo de EITB, Prime Video, RTVE, ICAA, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y Diputación Foral de Álava. Filmax se encarga de su distribución en cines de España y de las ventas internacionales.
PAUL URKIJO ALIJO (Vitoria-Gasteiz, 1984)
Apasionado del cine de género, la mitología y los cuentos tradicionales, en 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari. Una película de género fantástico basada en el cuento del folklore vasco “Patxi Errementaria”. En 2023 estrena Irati, la película en euskera más vista hasta la fecha en salas de cine. Las películas que ha escrito y dirigido han ganado más de 130 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones en todo el mundo.
EVA MILLER, EL ESPECTÁCULO EN LA SANGRE
Artista circense, vedette (en lugares como el Follies Bergère y en los Casinos de París y Niza), cantante (con un EP publicado en 1964 en su Francia natal) y, como veremos, actriz, Eva Miller, de origen franco-canadiense, debutó en España en octubre 1966 con la revista De Madrid al cielo protagonizada por Marujita Díaz. Tras casarse con el que fuera su representante y personalidad del mundo del circo, Vicente Herrera, Eva se instala en Valencia, recorriendo muchos países bajo diferentes carpas (Universal, Mundial, Americano, Williams, Bouglione, Price, Amar, Togni, Pinder o Jean Richard, entre otros), con su número de cowgirl amazona junto a su caballo Furia, domadora de rodeo, lanzadora de puñales, tiradora y experta en el manejo del látigo, pero también como malabarista, payaso o trapecista, todo lo cual la hicieron merecedora de un Oscar Mundial del Circo Price en 1970. Elegida en 1972 Miss Costa Azul en Niza, su creciente fama la llevó a las televisiones de todo el mundo, incluida TVE, participando en 
programas como Estudio Abierto, 300 millones y, sobre todo, en el popular concurso Un, dos, tres… responda otra vez a principios de los años ochenta, en el que realizó diversas disciplinas que incluyeron lanzamiento de puñales (sobre una espantada Silvia Marsó), habilidades con el látigo y como amazona con su caballo Furia. Fueron varios programas, lo que incluso le dio oportunidad de cantar un tema en francés en el que fue dedicado a Las Vegas.
Pero hablemos de cine.
A pesar de que como experimentada amazona ya había doblado a Brigitte Bardot y a Claudia Cardinale, Eva Miller debuta en el cine con El Padre Manolo (1967), una película realizada a mayor gloria de su protagonista, la estrella del Desarrollismo, Manolo Escobar, que como puede intuirse interpreta a un cura que, además de repartir la Eucaristía, ejerce de mago para los niños y tiene una carrera 
discográfica. Todo “un cura ye-ye”, vamos, como lo define uno de sus feligreses, pero un cura como Dios manda, ajeno al Concilio Vaticano Segundo, pues no se quita la sotana ni para conducir su Lambretta. El Padre Manolo se verá envuelto en un caso de. asesinato que la policía cerrará como accidente, así que decidirá investigar por su cuenta y demostrar que fue un crimen con la colaboración de su tío, el Padre Pepe (interpretado por el inefable Miguel Ligero), y el chofer del autobús escolar (Ángel de Andrés). Y entre medio: canciones, el malencarado asesino interpretado por Antonio Sánchez Polack, más canciones, un Juan Luis Galiardo imberbe haciendo bulto y Eva Miller como Isabel, amiguita de uno de los sospechosos. Un papel diminuto en el que tendrá ocasión de lucir sus innegables encantos y poco más.
Resulta, cuanto menos curioso, que las habilidades de la artista no fueran requeridas para el cine por ninguno de los numerosos directores que realizaban westerns en Almería, Madrid o Esplugues, pero afortunadamente el sello barcelonés Profilmes, sí que había echado el ojo a Eva Miller.
Lo primero que hizo el entrañable director Miguel Iglesias Bonns cuando Josep Antón Pérez Giner, uno de los responsables de Profilmes, le propuso rodar una película de Tarzán, fue pedir 24 horas para pensárselo. Bonns era un enamorado del género policíaco, tal y como había demostrado en cintas como El fugitivo de Amberes (1955) o El cerco (1955), afición que compartía con su compañero y coguionista ocasional, Juan Bosch, así que la oferta de Pérez Giner le pilló por sorpresa. El veterano León Klimovsky, director escogido para hacerse cargo de Tarzán y el misterio de la selva, había declinado la oferta al no agradarle la idea de ir a rodar a África, algo que sí resultaba atractivo para el realizador catalán. Además del monto monetario, pues cobraría 250.000 pesetas de la época por cada película, así que aceptó, aunque finalmente no se llegaron a rodar exteriores en Uganda, pues la situación política no invitaba a ello. Iglesias Bonns tuvo que conformarse con recrear la selva africana en las montañas de Collserola (Barcelona), añadiendo algunas imágenes rodadas en 16 milímetros por un amigo suyo durante unas vacaciones en África. En todo caso la aventura resultó lo suficientemente satisfactoria como para que Miguel Iglesias rodara varias películas más para Profilmes, tres de ellas en la misma línea de aventuras, La maldición de la bestia (1975) con Paul Naschy, la estrella de la casa; y el díptico protagonizado por Eva Miller, La diosa salvaje (1975) y Kilma, reina de las amazonas (1976).
La acción de La diosa salvaje, que se inicia tras unos títulos de crédito de lo más pop, se desarrolla también en la selva africana, así que al igual que ya se hiciera en el filme de Tarzán, se buscaron localizaciones en diversos puntos de Catalunya y Madrid[1], contado además con una acertada ambientación africana realizada por el polifacético Tunet Vila, actor y dibujante[2], que contó con atrezzo y vestuario presumiblemente heredado de los tarzanes de la 
casa. También se recurrió a las consabidas imágenes de archivo, necesarias para mostrar algo más fiero que Bibí[3], el simpático chimpancé que acompaña a Kilma. La acción de La diosa salvaje es bien sencilla: la avioneta en la que van un millonario que transporta una maleta llena de diamantes y su hija se estrella en el corazón de África, muriendo todos en el percance excepto la niña, que quince años después y criada en la selva se ha convertida en Kilma, la diosa salvaje, temida y respetada por las tribus aborígenes. El rumor de su leyenda llega a los oídos de Albert, un aventurero, que emprenderá una expedición que contará con el apoyo de la madre de la niña desaparecida (Maria Perschy) a la que se sumará Joham, el tío de la niña, (Paul Naschy), cuyo objetivo personal es entorpecer la búsqueda para atajar su probabilidad de heredar parte de la fortuna familiar. También unos traficantes buscarán a Kilma, pues sospechan que en su territorio podría haber una mina de diamantes.
Con un guion escrito al alimón por Iglesias Bonns y Miguel Cussó[4], Kilma no es otra cosa, tal y como vemos ya desde su origen, que un tarzán femenino,[5] que defenderá celosamente su territorio y el respeto a los animales, pero que caerá bajo las garras del amor con Albert (Ricardo Merino). Eva Miller, además de lucir palmito, demostrará ser ideal para el papel, pues además de su atlética complexión física, lanza puñales, maneja el látigo con gran destreza y está habituada a tratar con animales debido a su trabajo en el circo.
Entre los actores, además de los nombrados Naschy, Perschy y Ricardo Merino, La diosa salvaje contó con la participación de eficaces característicos como Luis Induni y Gaspar ‘Indio’ González, con los que Bonns contará para el resto de sus películas en Profilmes. Por cierto, y a modo de curiosidad, señalar que puede verse al propio director al comienzo de la cinta despidiendo la avioneta.
Kilma, reina de las amazonas resulta algo más infantil que la anterior, y aunque el personaje que interpreta Eva Miller conserva el nombre que tenía en La diosa salvaje, no hay relación entre ambos personajes. Aquí se ofrecerá al espectador una cinta de aventuras ambientada a principios del siglo XIX en Batavia, isla imaginaria 
situada en el Océano Pacífico en la que viven las amazonas, custodias del Templo de la Luz Eterna, una enorme piedra preciosa que fue a ellas entregada por “los dioses de las estrellas”. Guardianas celosas, se enfrentarán a todo varón que se acerque a su dominio, ya sean los risibles nativos que se aventuran a navegar hasta la isla, como los pendencieros piratas comandados por Jack, el tuerto (Luis Induni), que buscan las joyas que poseen las amazonas. Para enfrentarse a estos piratas y sus armas de fuego, las amazonas contarán con la ayuda de Dan Robinson, uno de los miembros de la tripulación, interpretado por Frank Braña en uno de sus escasos papeles de galán. Las aguerridas amazonas lucharán armadas de lanzas y flechas y Kilma podrá demostrar su pericia con el lanzamiento de cuchillos. También contará con su fiel caballo Furia, todo un liante que, se lo crean o no, hará lo imposible para unir a Kilma y Dan, que como pueden suponer, terminará quedándose a vivir en la isla ‘como un señor’, con todas las amazonas a su servicio, tal y como vemos en el desenlace. Todo un final ‘feliz’ a la española
Bien localizada en bellos parajes de Catalunya (Cadaqués, Altafulla, Garraf y La Roca, entre otros), parece que esta segunda aventura de Kilma contó con más presupuesto que la anterior, repitiendo algunos de sus actores, como el mencionado Luis Induni y Gaspar ‘Indio’ González, a los que se les unirán Luis Ciges, Verónica Miriel y el ya nombrado Frank Braña. Por cierto, la voz de Eva Miller fue doblada por la actriz María Luisa Solá, dobladora habitual de Sigourney Weaver.
Al igual que La diosa salvaje, el guion fue escrito por Iglesias Bonns y Miguel Cussó, adaptando en esta ocasión uno que Boons tenía preparado y registrado para una segunda cinta de Tarzán que no llegó a rodarse, Tarzán y las mujeres pantera[6].
En Barcelona, tanto las dos cintas de Iglesias Boons como otras producciones Profilmes, fueron estrenadas en el cine Capitol (el popular Can Pistoles). En el caso de Kilma, reina de las amazonas en programa doble con la producción mexicana de aventuras Los jaguares contra el invasor misterioso (Juan Manuel Herrera, 1975), mientras que La diosa salvaje se exhibió junto a la también producción Profilmes, Robin Hood nunca muere (Francesc Bellmunt, 1975).
Mientras la crítica barcelonesa trató bien ambas películas, destacando la labor del director y de su estrella: “Todas estas peripecias han sido muy bien llevadas a la pantalla, con emoción y brío y una destreza técnica que revela el buen pulso del realizador. Eva Miller en el papel de reina está no sólo atractiva y arrogante sino muy eficaz en el terreno artístico.”[7] La crítica madrileña, en cambio, se mostró menos entusiasmada con el filme que con los encantos de su protagonista: “Esta película, de tono menor y dirigida a un vasto público, entretiene y divierte. Los ‘ingenuos’ destapes de la ‘diosa’ puede que le den más atractivo de cara al público en general.”[8]
Ambos filmes se estrenaron, asimismo, en diversos países, entre ellos Italia, Noruega, Portugal, Inglaterra, Turquía y Estados Unidos, lugares en los cuales, al igual que otras películas de Profilmes, tendrían una segunda vida durante los años ochenta en el mercado doméstico con la irrupción de los video clubes.
Según escribe Àngel Comas[9], “inmediatamente después de sus dos películas, y quizá por su carácter inquieto, (Eva Miller) probó fortuna como estrella de espectáculos eróticos. En España actuó en el J’Hay de Madrid con un 
show propio titulado La diosa salvaje y en Barcelona en solitario en la sala Starlettes. Su aspecto era ya mucho más sofisticado y lo había transformado en consonancia con su nueva carrera”.
Ya en los años ochenta y tras tener un tanto abandonado el cine, Eva entra a formar parte del reparto de Estirpe de dioses (Diego Santillán, 1982), cinta de espada y brujería escrita por Dan Barry (Joaquín Gómez Sáinz), actor que ya tendría problemas para sacar adelante su anterior proyecto, la accidentada Los Cántabros (Jacinto Molina, 1980) y que no tendría mejor suerte con esta, pues a pesar de estar totalmente rodada y a falta tan solo de montar y sonorizar, no llegaría a estrenarse nunca. Afortunadamente, Dan Barry dirigirá y conseguirá estrenar, aunque con tres años de retraso, Tunka el guerrero (1984), otra cinta adscrita al subgénero de espada y brujería a lo que añadió gotas de 
cine apocalíptico y de cuya dirección tuvo que hacerse cargo el propio Barry tras despedir a José María Zabalza por sus problemas de alcoholismo. Tunka el guerrero tampoco es que deje muy alto el listón en cuanto a calidad cinematográfica, pero corrió mejor suerte que su siguiente propuesta, La herencia del mal (1987), película de terror protagonizada por David Rocha y Frank Braña que tampoco llegaría a estrenarse y de la que el propio director vendería copias en formato DVD. Finalmente, ya en 1996 y con su nombre real, Joaquín Gómez Sáinz, dirigirá un documental en video, Aquel lugar de La Mancha que, al tener partes ficcionadas, contará con la participación de varios actores, entre los que se cuentan, además de Eva Miller, Jack Taylor, Tony Isbert, Mónica Molina, José Luis Ayestarán (Tarzán en la producción Profilmes Tarzán y el misterio de la selva) y el boxeador ‘Dum Dum’ Pacheco.
En algunas reseñas sobre Eva Miller también hemos leído que actuó en una serie televisiva, Senderos de añoranza, pero no hemos podido encontrar ningún dato más al respecto.
Siempre en activo, en 2011 participa en el cortometraje Punto Rojo, dirigido por Darío J. Ferrer y Carlos Sánchez Arévalo que cuenta, en clave de humor surrealista, el origen de la tomatina de Buñol. Allí coincide con el entrañable Pepe Carabias, apoyo cómico de Eva en algunos de sus números en el programa concurso de Chicho Ibáñez Serrador. Ese mismo año, David Molina Pérez rueda un documental de veinte minutos sobre la vida y carrera artística de la polifacética actriz, todavía vinculada al mundo del espectáculo, concretamente del circo, y que mantiene las ganas de seguir dando guerra mientras le queden energías.
NOTAS
[1] O mucho nos equivocamos o el río Tanganika del filme es la playa de Alberche en Aldea de Fresno, utilizada también por Amando de Ossorio en La noche de los brujos, otra producción Profilmes.
[2] ¿Recuerdan ‘Tumbita’ en las tiras cómicas de los cómics Marvel editados por Vértice? Pues son obra suya.
[3] Posiblemente Lucy, chimpancé que acompañaba a la artista en algunos de sus números circenses y que al igual que su caballo, Furia, participó en las actuaciones de la artista en cine y televisión.
[4] Escritor de novelas románticas y del oeste, así como guionista de cómic y colaborador habitual en las películas de Alfonso Balcázar.
[5] De extensa tradición, especialmente en el campo del cómic y cine, los conocidos como tarzánidos, son personajes masculinos o femeninos similares al creado por Edgar Rice Burroughs. Nacidos a expensas de su éxito, tienen en común el ser un personaje blanco (másculino o femenino) que vive de forma solitaria en la selva, donde se desarrollan sus aventuras y que comprende y es comprendido por los animales. Pero más que las novelas, fue el éxito de las tiras de prensa de Tarzán, surgidas en 1928, las que propiciaron el nacimiento de varias heroínas como Sheena, Queen of the Jungle creada por Will Eisner y Jerry Iger en 1937 y que sin duda es la más famosa con su bikini de piel de leopardo, algo que se tornaría en cliché en este tipo de personajes, que comprende otros como Rima, The Jungle Girl, Camilla, Queen of the Lost Empire, Lorna, The Jungle Girl, ya en los años cincuenta o Shanna, personaje Marvel, publicado a partir de los años setenta.
Algunos de estos personajes inevitablemente pasaron a la pantalla, como Nyoka en el serial de 15 episodios de la Republic Los peligros de Nyoka (Perils of Nyoka, William Witney, 1942) o Sheena, que contó con una serie televisiva de 26 episodios emitida entre 1955 y 1956 que más tarde fue retomada para el cine con Sheena, la reina de la selva (Sheena, John Guillermin, 1984) y que retornó al medio catódico en el año 2000 con una nueva serie cuyas dos temporadas constaron de 35 episodios.
[6] Pulido, Javier: La década de oro del cine de terror español 1967-1976. T&B Editores, Madrid, 2012. Pág. 72.
[7] M. T. “Kilma, reina de las amazonas”, en La Vanguardia, 15 de abril de 1976, pág. 38.
[8] A. C. “La diosa salvaje”, en ABC, 23 de mayo de 1975, pág. 67.
[9] Comas, Ángel: Miguel Iglesias Bonns. “Cult Movies” y cine de género. Cossetània Edicions, Tarragona, 2003
Si en Estados Unidos había un Superman, en Europa había 3 Supermen
¿Cómo explicar que algo tan profundamente estúpido como la película Hong Kong 3 Supermen desafío al kung fu llegara a ser producida? ¿Por qué se unieron, en estrecha entente, dos cinematografías tan alejadas como la italiana y la hongkonesa? ¿Valía la pena que esa unión artística sirviera para perpetrar semejante churro? ¿Cómo es posible que la serie dedicada a tres supermanes circenses transalpinos alcanzara las seis entregas e incluso propiciara imitaciones turcas y filipinas? ¿Y… por qué nos gustan tanto estas bazofias? No tenemos todas las claves a estas preguntas, pero en esta reseña intentaremos desvelar algunas de ellas.
Hablar de los 3 Supermen es hablar de puro cine de barrio, de pipas, de coproducción italo-lo-que-sea. Puro género. Pura Serie B de la que nunca volverá a hacerse ni nadie reivindicará. Ni falta que hace, pues se trata de un cine muy de su época y que, visto hoy, despierta vergüenza ajena. Un cine para estudiosos y completistas, pero también para amantes de lo raro, de lo loco y chiripitifláutico.
3 SUPERMEN: DESAFÍO A LA CORDURA
El veterano productor Attilio Fattori, en activo desde los años treinta y que tenía en su haber la producción de Porcile (1969) de Pier Paolo Pasolini, puso un pírrico broche a su carrera haciéndose cargo de Hong-Kong, 3 Supermen desafío al Kung-Fu, para la distribuidora Internazionale Nembo Distribuzione Importazione Esportazione Film (INDIEF), compañía que se había encargado de importar y llevar a los cines italianos todas las películas de Ingmar Bergman, además de diversas prestigiosas producciones francesas y japonesas. O sea, tanto compañía como productor se encontraban bastante alejados del cine de género y de las coproducciones que desde los años sesenta y setenta abundaron en el cine italiano. Por su parte, Shaw Brothers fue el estudio más importante de Hong Kong hasta que dos de sus exempleados montaron su propia compañía, Golden Harvest, y apostaran por un nuevo talento, Bruce Lee, una superestrella que revolucionaría el cine de Hong Kong y sería clave en la llegada del cine de kung fu a Occidente. Pero tras su muerte en 1973, en pleno boom, decayó la producción y otras circunstancias adversas, como un nuevo código de censura en Singapur o un renovado sistema de cuotas que se instauró en Tailandia para potenciar el cine autóctono, causaron que disminuyera la demanda de películas hongkonesas, tanto de Shaw Brothers como de Golden Harvest, los cuales tuvieron que reinventarse y capear el temporal de la mejor forma posible.
Así que, en vista del éxito que tenían sus películas en los mercados europeos, Run Run Shaw decidió aliarse con 
otros estudios occidentales, como los ingleses Hammer Films, junto a los cuales producirían Kung fu contra los 7 vampiros de oro (The Legend of the 7 Golden Vampires / 七金屍, Roy Ward Baker y Cheh Chang, 1974), híbrido de artes marciales y terror rodado en los estudios Shaw; también con Rapid Films de Alemania, con los que producirían un film de acción y erotismo, Virgins of the 7 Seas (Karate, Küsse, blonde Katzen / 洋妓, Kuei Chih-Hung y Ernst Hofbauer, 1974); o Italia y España, con los que rodarían en Almería El karate, el Colt y el impostor (龍虎走天涯, Anthony M. Dawson, 1975) un spaghetti western. Así como junto a la norteamericana Warner (que ya había producido Operación Dragón junto a Golden Harvest), importante compañía con la que Shaw Brothers produjo Cleopatra Jones and the Casino of Gold (Charles Bail, 1975), una cinta blaxploitation de acción. Todo ello mientras el cine de Hong Kong esperaba la llegada de un “nuevo mesías” que, para desgracia de Shaw, también fue descubierto por Golden Harvest: Jackie Chan (para más inri, también extrabajador suyo).
En cuanto a lo que concierne a Italia, el spaghetti western se encontraba en franca decadencia. El peplum, y el cine de agentes secretos, realizado a rebufo de la saga de James Bond, hacía tiempo que había pasado a mejor vida, y comenzaba a despuntar el género de terror y, en especial, el giallo. Italia también cultivó, muchas veces en régimen de coproducción, el cine de aventuras, compuesto por películas aptas para todos los públicos así que, de la mezcla de este inocentón cine de aventuras y del género de agentes secretos nació, en 1967, un extraño hijo de prolífica vida que dio sus primeras pataditas en la enteramente italiana: 3 Superhombres (I Fantastici 3 Supermen, Gianfranco Parolini, 1967).
3 Superhombres, producida por la compañía Cinesecolo de Italo Martinenghi, junto a estudios de Francia, Yugoslavia y Alemania Occidental, está protagonizada por Brad Harris, Tony Kendall (Luciano Stella), popular por la serie de largometrajes dedicados al Comisario X, entre muchas otras, y Nick Jordan (Aldo Canti), sobradamente batallados todos ellos en el cine europeo de género y que unirán fuerzas para, con malla, capa y humor, enfrentarse a los villanos y, de paso, hacer una perfecta demostración de vergüenza ajena. Pero solo sería el principio.
Lo cierto es que la película se pudo ver en gran parte del mundo, así que no tardó en llegar una nueva entrega de estos ridículos personajes y al año siguiente se estrenó 3 Superhombres en Tokio (3 Supermen a Tokio, Bitto Albertini, 1968) una coproducción italo-germana producida por Cinesecolo junto a Internazionale Nembo Distribuzione Importazione Esportazione Film (INDIEF). Aquí ya se inician los bailes de actores, no participando ninguno de los protagonistas del film inaugural. En esta aventura se ponen las mallas el barcelonés George Martin (Jorge Martín en su barrio); y los italianos Willy Newcomb (Willi Colombini) y Dick Gordon (el especialista Sal Borgese, ya presente en la película inicial, aunque en diferente rol). Borgese se convertirá en el más inefable y constante de los Supermen y casi, casi, casi, resultará ser tan odioso como los caricatos Franco Franchi y Ciccio Ingrassia. El personaje de Sal Borgese, definido por sus compañeros como “cara de chimpancé”, es mudo y se encargará, desde esta cinta en adelante, de la “nota cómica” mediante la mímica, a lo Harpo Marx. Rodada, a pesar de todo, íntegramente en Roma, la cinta sería seguida por Los 3 Supermen en la selva (Che fanno i nostri supermen tra le vergini della jungla?, Bitto Albertini, 1970) en la que, además de George Martin y Sal Borgese, retorna al redil Brad Harris. Al ser coproducción hispano-italiana, distinguiremos varios rostros familiares, como el de Frank Braña, que en la siguiente entrega de la saga, …y así la armaron los 3 Superhombres en el Oeste (…E così divennero i tre supermen del West, Italo Martinenghi, 1973), pasará a formar parte de los Supermen junto al eterno Borgese y George Martin. Al ser también rodada en régimen de coproducción con España, en su reparto 
figuran muchos actores españoles bien conocidos para el amante del cine bis europeo como Fernando Bilbao, Luis Barboo, Fernando Sancho, Cris Huerta e incluso, Ágata Lys, con quienes los 3 Supermen se encontrarán tras subir a una máquina del tiempo y llegar al salvaje oeste.
El siguiente film sería Hong-Kong, 3 Supermen desafío al Kung-Fu (1973), una película que quizás se diferencia del resto porque la compañía Cinesecolo de Italo Martinenghi no tuvo nada que ver con la producción, de la que se encargó enteramente la INDIEF, por parte italiana, junto a los estudios Shaw Bros de Hong Kong. Vale la pena detenerse aquí, pues será el inicio del caos en la serie de los 3 Supermen, que alcanzará el delirio con cintas exploitation de lo que ya de por sí lo es, con producciones turcas y filipinas. Pero no nos adelantemos.
HONG-KONG, 3 SUPERMEN DESAFÍO AL KUNG FU
Crash! Che botte… strippo strappo stroppio, es el acertado título original de esta cinta, que tiene, como tantas producciones italianas de la época, por ínfimas que fueran, una banda sonora de lujo, en este caso de Nico Fidenco. El film se inicia con una pegadiza canción, Strippo strappo stroppio, perpetrada por Ernesto Brancucci y que bien podría pertenecer a los que se encargaron, durante los años ochenta, de todas las canciones chuscas de las comedias italianas de garrotazo y tentetieso, Guido y Maurizio de Angelis. La letra, del propio director del film, Bitto Albertini, es todo un poema que merece compartirse:
“Soy Pingpong la furia de Hong Kong
Golpeo, desgarro, rompo y lastimo
Soy Pingpong el más temido en Hong Kong
Nunca mando al hospital
Solo al horno crematorio, o a veces a la morgue
Y te rompo, te rompo, te corto, te golpeo
Te cortaré la garganta, te doblaré y luego te enderezaré
Te desnudaré, te desgarraré, te descuartizaré, te desgarraré
Te sacudo, te sacudo, juego contigo
Te meto dos dedos en los ojos, te meto las rodillas en la boca
Te haré un agujero en el vientre, te sacaré las tripas y el píloro
Soy Pingpong la furia de Hong Kong
Golpeo, desgarro, rompo y lastimo
Soy Pingpong el más amado de Hong Kong
A cada mujer que envío al hospital
Quisiera tratarla como a una flor,
pero al tocarla termina gritando y cayendo muerta
Le doy un beso en la mano, se queda con un muñón
La acaricio y le gusta, pero acaba partida en dos
Soy Pingpong la furia de Hong Kong
Golpeo, desgarro, rompo y lastimo
Soy Pingpong el más temido en Hong Kong
Nunca mando al hospital
Solo al crematorio
O a veces a la morgue”.
El guion de esta nueva aventura de los 3 Supermen es del propio director, Bitto Albertini, además de Gino Capone que más tarde escribiría el de Conquest, de Lucio Fulci, junto a José Antonio de la Loma (sobran las palabras). El libreto ignora todas las anteriores entregas de la serie, aunque no por ello prescinde de Sal Borgese. Y si bien las mallas son las mismas de las otras cintas, aquí los protagonistas las lucirán tan solo en los últimos diez minutos. Y, lo que es toda una novedad, no solo las llevarán los 3 Supermen. Pero no nos adelantemos y comencemos explicando de qué diablos va Hong Kong, 3 Supermen desafío al kung fu:
El agente del FBI, Robert Wallace (Robert Malcolm), es enviado a Bangkok para investigar la desaparición de seis agentes estadounidenses. Después de innumerables escenas de viajes que muestran la belleza de Tailandia en primavera, una mujer misteriosa con un vestido de cóctel (Shih Szu) sigue a Wallace a un combate de boxeo tailandés y le dice que busque en Hong Kong al maestro Tang (Lo Lieh). Una vez allí Wallace se encontrará con el embajador de los EE. UU., interpretado por el histriónico comediante francés Jacques Dufilho, que tiene una extraña filosofía sobre las artes marciales: al calor de una sonora ventosidad espetará, ‘El kung fu es como un laxante… ¡sale de dentro!’.
Buscando al maestro Tang, Wallace se dirige a un torneo de kung fu, donde se encontrará (¡qué pequeño es el mundo!), con dos viejos conocidos, Max (Antonio Cantafora) y Jerry (Sal Borgese), dos ladronzuelos italianos. Wallace, sin saberlo, terminará luchando contra el propio maestro, que resultará ser también un teniente de la policía de Hong Kong que anda tras la pista de Chen Loh (Tung Lin) y sus hombres, los mismos que están detrás del secuestro de los americanos. Tang y la mujer misteriosa (que resulta ser la novia de Tang) les dan a los tres un curso intensivo de kung fu, mientras que Wallace recoge de manos del embajador unos trajes Supermen antibalas con los que el americano, los dos bribones italianos, y la pareja de Hong Kong, se enfrentarán y derrotarán a Loh y sus hombres, liberando a los rehenes.
Por cierto, entre los chistes horripilantes destaca este: [Max a Tang] ‘Entonces, ¿eres el último Tang en Hong Kong?‘ (no sé si lo cogen, pero tengan en cuenta que en la época era muy popular cierta película de Bertolucci que los españolitos tuvieron que ir a ver a Perpignan y en la que tuvo un especial protagonismo la mantequilla).
Como ya hemos señalado, en Hong-Kong, 3 Supermen, desafío al kung fu, el único Supermen que repite es Sal Borgese, quien, dada su profesión de especialista, será el que mejor desarrollará sus escenas de artes marciales, coreografiadas, por cierto, por Jackie Chan, que también aparece fugazmente como stund. El resto de Supermen, que luchan con un estilo, digamos, más “clásico”, están interpretados por el norteamericano Robert Malcolm, que tan solo rodó tres películas y todas en Italia, aunque eso sí, de protagonista, algo que puede ser debido más a su percha que a sus escasas facultades interpretativas; por su parte el tercer Supermen en discordia, Antonio Cantafora es, ni más ni menos que -como Michael Coby y armado con un poderoso mostacho- Supersonic Man en su faceta “humana”. Pero no solo eso, Cantafora, compaginando ambos nombres artísticos, rodaría una larga lista de spaguetti western amen de todo tipo de género, incluido el terror, pues se le puede ver tanto en La casa (1976) de Angelino Fons como en Demons 2 (Dèmoni 2… l’incubo ritorna, 1986) de Lamberto Bava, en la que interpreta al padre de Ingrid, encarnada por la propia Asia Argento.
Finalmente, en lo que atañe a la contribución occidental del film, nos detendremos en Bitto Albertini, el director, que durante la mayor parte de su carrera se dedicó a ejercer de director de fotografía hasta que comenzó a dirigir y escribir guiones. En su haber se cuentan tres películas dedicadas a los 3 Supermen (en Tokio, en la selva y este desafío al kung fu), además de cine bélico, western y peplum. Pero los amantes de la serie B debemos agradecer encarecidamente al signore Albertini el haber iniciado (como Albert Thomas), la serie de películas dedicadas a Emanuelle (con una ‘m’), protagonizadas por la divina Laura Gemser. Solo por ello merecería ser canonizado en los altares del cine bis.
En cuanto al equipo asiático, destaca especialmente el indonesio Lo Lieh, la gran apuesta de Run Run Shaw para contrarrestar el enorme éxito de Bruce Lee, estrella de la competencia. También fue uno de los primeros en desatar la fiebre por el cine de kung fu y colarse en las carteleras occidentales con De profesión: invencible (5 Fingers of Death / King Boxer / 天下第一拳, Cheng Chang-Ho, 1972), donde su antagonista, como aquí, también estaba encarnado por Tung Lin. Lo Lieh participó en la popular El karate, el colt y el impostor (Antonio Margheriti, 1974), otra coproducción italo-hongkonesa, ahora también con participación española. Finalmente, y a pesar de que sus escenas se quedaron en el suelo de la sala de montaje, Lo Lieh intervino en la coproducción germano-honkonesa Virgins of the Seven Seas (Karate, Küsse, blonde Katzen / 洋妓, Kuei Chih-Hung y Ernst Hofbauer, 1974), un descabellado cóctel de erotismo y acción. Por su parte la taiwanesa Shih Tzu, también participó en la popular coproducción Hammer-Shaw, Kung fu contra los 7 vampiros de oro (The Legend of the 7 Golden Vampires, Roy Ward Baker y Cheh Chang, 1974), donde encarnó a Mei Kwei, la brava luchadora de las dagas que se enamora de un occidental. Y finalmente, y a modo de anécdota, en la parte rodada en Tailandia puede reconocerse a alguno de los matones 
que participaron en Karate a muerte en Bangkok (The Big Boss/唐山大兄, Lo Wei, 1971) donde recibieron su merecido a manos (y pies) de Bruce Lee.
A pesar de contar con un buen número de escenas bochornosas, la mayoría protagonizadas por Sal Borgese, esta mescolanza de géneros está correctamente realizada y refleja a la perfección una de las características de aquel cine de serie B: su facultad de ejercer de ventana hacia el mundo para las clases más populares. Algo que también puede verse, por ejemplo, en la nombrada serie dedicada a Emanuelle. En este caso, el protagonista viaja de Bangkok a Hong Kong y termina en Taiwan, y en todos esos lugares el director se encarga de que el espectador pueda ver lugares emblemáticos que ni en sueños espera poder visitar y pueda ver costumbres exóticas que recordará, posiblemente, durante el resto de su vida. Y todo mientras disfruta de un entretenimiento totalmente inocente, tirando a tontorrón y hoy totalmente anacrónico.
EXPLOTA, EXPLÓTAME, EXPLO: ENTRAN TURQUÍA Y FILIPINAS
A pesar de lo que pudiera parecer, hasta Hong Kong, 3 Supermen desafío al kun fu la serie mantenía, dentro del caos, cierta coherencia, pero todo se volvió, definitivamente muy loco cuando desde Turquía se realizó una exploitation de lo que ya de por sí, lo es. Çilgin kiz ve üç süper adam (algo así como 3 Supermen and Mad Girl) fue dirigida en 1973 por Cavit Yürüklü, que también se permitió coger prestada Thunderball de John Barry, canción que cantaba Tom Jones en la película de igual nombre perteneciente a la saga Bond. Pero no termina ahí la cosa, pues seis años después tres colosos del cine de género: Turquía, Italia y España se aliaron unieron fuerzas para perpetrar 3 Supermen contra el padrino (Süpermenler/ Tre supermen contro il padrino), una cosa dirigida por Italo Martinenghi con, otra vez, una máquina del tiempo y los actores Sal Borgese (a estas alturas imprescindible), Nick Jordan, uno de los Supermen originales del primer filme y, completando el trío, el popular actor turco Cüneyt Arkin (acreditado como George Arkins) protagonista de multitud de cintas de acción, incluida la Star Wars turca de la que tanto han oído hablar (Dünyayi Kurtaran Adam) o El hombre León (Kiliç Aslan). Arkin es toda una leyenda en el cine turco, con más de 300 películas a sus espaldas, todo y con ello, nadie se hizo eco de su reciente fallecimiento en junio de 2022. Aldo Sambrell se suma también a la fiesta y, nuevamente Ernesto Brancucci canta el tema principal, Siamo I 3 Supermen, con música de Nico Fidenco.
Aunque no pertenezca a la serie, Las amazonas contra los Superman (Superuomini, superdonne, superbotte, 1974) de Alfonso Brescia, mantiene algunas similitudes: hay 3 héroes pintorescos, uno de ellos enmascarado. La acción se desarrolla en el pasado y sus protagonistas son Aldo Canti (uno de los Supermen en dos de las cintas originales); el afroamericano Marc Anibal, en la que será su única experiencia en Europa; y el actor chino Hua Yueh, prolífico intérprete hongkonés cuya experiencia en este film resultará ser también la única en el cine europeo. Un trío multi racial en lucha contra las amazonas. Ahí es nada. Contando con la colaboración de la también oriental Karen Yeh que participaría, ese mismo año, en El karate, el colt y el impostor antes de regresar a Hong Kong. Entre las amazonas destacan varias damas del cine europeo de género de la época como Malisa Longo y Magda Konopka. Toda una curiosidad dirigida por el todoterreno Alfonso Brescia, que ya había realizado un primera acercamiento a la temática con ¡¡Amazonas!! Mujeres de amor y guerra (Le Amazzoni – Donne d’amore e di guerra) en 1973.
Los incansables turcos pensaron que era absurdo utilizar a los actores originales pudiendo hacer una exploitation pura y dura y sin ningún tipo de autorización. Así nació la segunda -y última- película enteramente turca de la serie: Üç Supermen Olimpiyatlarda (3 Supermen at the Olympic Games), rodada en 1984 y dirigida por Yavuz Yalinkilic. También Filipinas se animó un año después a realizar su propia exploitation de los 3 Supermen con Super Wan-Tu-Tri de Luciano Carlos, un batiburrillo de canciones, humor y demencia con un niño alienígena.
La saga concluyó en 1986, casi 20 años después, y donde se inició, en Italia, con Tre supermen a Santo Domingo. Dirigida nuevamente por Italo Martinenghi, en esta ocasión está protagonizada por, además del eterno Sal Borgese, Steven Martin (Stefano Martinenghi, posiblemente el hijo del productor y director, el cual ya ejerció de técnico en otros títulos), y el inefable norteamericano de turno, Daniel Stephen, un “actor” y modelo que dejaría una minúscula huella en el cine apocalíptico italiano al participar en 2020 Los Rangers de Texas (Anno 2020. I gladiatori del futuro, Joe D’Amato/George Eastman, 1983) y El guerrero del mundo perdido (Warrior of the lost world, David Worth, 1983). Como nota curiosa cabe añadir que realizando un pequeño papel, se encuentra el propio Bitto Albertini, director de varios títulos de los 3 Supermen y, sobre todo, del que hemos hablado más extensamente, Hong Kong, 3 Supermen desafío al kung fu.
Los tres Supermen filipinos con su numeración en ‘Super Wan Tu Tri ‘ exploitation de exploitation
(Artículo publicada previamente en La Abadía de Berzano)
Primeras imágenes de ‘El ritual de Lily’ de Manu Herrera
Primeras imágenes del film de terror El ritual de Lily, la nueva película de Manu Herrera, que se terminó de rodar en Madrid hace unas semanas en las localidades de Valdemorillo, El Escorial, San Martín de Valdeiglesias, y de Viñuelas en Guadalajara.
Sinopsis: Equinoccio de Otoño, fin del Siglo XX. Cuatro amigas viajan a una casa aislada en mitad del bosque para realizar un ritual de iniciación a la brujería y así completar el círculo de los cuatro elementos. Lily una joven veinteañera pálida e introvertida recién llegada al grupo, ha sido elegida para representar el elemento aire. Pero lo que comienza siendo un ritual de brujería blanca en armonía con la naturaleza, pronto acabará convertido en una diabólica pesadilla.
Con guion de Manu Herrera y Javier Fernández Moratalla, El ritual de Lily recupera el espíritu del cine de terror de los 90. Una historia de terror con temperamento y potencia visual. La película está protagonizada por Maggie García (Los Protegidos: ADN, Heridas), Patricia Peñalver (Poliamor para Principiantes, El Final del Camino), Eve Ryan (Culpa Mía, Mía es la Venganza) y Elena Gallardo (Paraíso, El Pueblo). Según palabras del director “con El ritual de Lily hacemos una apuesta segura: revivir la esencia del terror clásico y elevarlo a nuevas alturas, asegurando una experiencia cinematográfica inolvidable”.
El equipo de la película presentó hace unos días un primer teaser en el FICAL (Festival Internacional de Cine de Almería), donde Jorge Redondo, productor ejecutivo del proyecto destacó “la importancia de la labor de todo el equipo ante una producción bastante compleja debido, entre otras cosas, a las numerosas jornadas nocturnas de rodaje en las que las actrices llegaban a soportar estoicamente hasta 5 horas de maquillaje en manos del equipo de FX prácticos de Pedro de Diego. Todo ello ha hecho que el resultado esté siendo sorprendente y por ello estamos convencidos que no va a dejar indiferente a ningún amante del cine de terror y del cine en general”.
Mientras que la producción de la película termina su montaje, se está elaborando un cómic ilustrado por Paco de la Fuente, alias El Habitante que se lanzará a la vez que la cinta. Destacamos también la colaboración en el papel de Adán de Mike Fajardo, actor e influencer con más de 13 millones de seguidores en sus redes sociales.
BIOGRAFÍA MANU HERRERA
Diplomado en Diseño y formado en Postproducción y Dirección Cinematográfica, ha trabajado en diversas productoras de renombre como Telson, Globomedia, Boomerang TV, Signo Producciones, etcétera. Ha fundado empresas como The Tracker Company y The Room VFX. A lo largo de su carrera, ha desempeñado roles de postproductor y creativo, adquiriendo una amplia experiencia en la industria. Su trayectoria en el mundo del documental incluye varios proyectos destacados para el reconocido programa Documentos TV de RTVE, donde se ha encargado de la dirección, guion y fotografía. Su primer largometraje, Hambre, un proyecto de cine independiente de terror, ha sido ampliamente premiado en el circuito de los principales festivales de género de todo el mundo, recibiendo más de 50 premios tanto al mejor film de terror, como a la mejor dirección, fotografía o BSO entre otros.
Recientemente, ha fundado la productora THE ROOM FILMS, donde, como CEO, desarrolla proyectos de ficción para cine y televisión junto a su equipo de profesionales de la industria.
EL RITUAL DE LILY es una producción de THE ROOM FILMS.
Tráiler y póster de la película de vampiros española ‘Cuando los amos duermen’
Cuando los amos duermen se estrenará en salas de cine el próximo 29 de noviembre.
Sinopsis: Samuel y Lourdes son un humilde matrimonio que se desvive cuidando los terrenos y la casa de su Señor. El dueño de la casa es Víctor, un vampiro ancestral que solo se alimenta de la sangre de gente malvada. Generación tras generación, la familia de Samuel se ha encargado de salvaguardar a su Señor, pero ahora, Samuel y Lourdes tienen dos problemas: no consiguen tener un bebé y un vampiro misterioso llega de visita al lugar poniendo todo patas arriba.
Cuando los amos duermen es una película de vampiros protagonizada por Ivan Massagué, Juli Fàbregas, Juanjo Pardo, Diana García, Llum Barrera y, con la colaboración especial de, Manuela Velasco. Tercera película de Santiago Alvarado, con guion coescrito junto a Ramón Salas.
Aplaudida en el Marché du film de Cannes; ovacionada en el Sitges Film Festival y galardonada en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, es momento de dar nuestro mayor paso y presentar esta pequeña gran producción al público en salas.
Cuando los amos duermen es una producción de La Primera Caña A.I.E. en coproducción con Magno Entertainment y MSP en colaboración con Sula Films y Mórbito TV
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 8 de noviembre de 2024 *
ANATEMA (Jimina Sabadú, 2024)
España. Duración: 91 min. Guion: Jimina Sabadú y Elio Quiroga Música: Vanessa Garde Fotografía: Luis Ángel Pérez Compañías: The Fear Collection, Pokeepsie Films, Amazon Prime Video, Sony Pictures. Productor: Álex de la Iglesia, Carolina Bang Género: Terror
Reparto: Leonor Watling, Pablo Derqui, Jaime Ordóñez, Keren Hapuc, Mauro Brussolo, Mariano Llorente, Manuel de Blas, Xóan Fórneas, Fedra Lorente, Juan Codina, Margarita Lascoiti, Juan Manuel Montilla ‘El Langui’, Enetz Zubizarreta
Sinopsis: Una joven monja (Juana Rabadán) recibe el encargo de visitar las catacumbas de una de las iglesias más antiguas de Madrid. El arzobispo sospecha que bajo sus interminables túneles se encuentra el Sello de San Simeón, colocado allí por el propio santo eremita con el fin de salvaguardar el mundo de un mal de tiempos pretéritos. Con la ayuda del joven sacerdote Ángel, la novicia Mara, y el exorcista Cuiña, Juana bajará al subsuelo de la ciudad a enfrentarse no sólo a lo sobrenatural, sino también a su pasado.
Anatema es un nuevo verso en el cine español, y particularmente en el de terror. Al venir de una directora novel en largometraje como es la escritora Jimina Sabadú, hay que buscar lo mejor y restar defectos. Lo mejor es que como reputada colaboradora de Mondo Brutto ha sabido detenerse e incluir muchos detalles en esta película de acción satánica en la que en la iglesia de San Simeón hay una entrada / salida al infierno, un argumento que se refleja en el de algún título de maestros italianos como Fulci o Soavi. Tristrabreakers de (aún más) baratillo, librerías de viejo con tomos repletos de conocimientos herméticos, monjitas modernas con olor a hoja parroquial.La directora cuenta, además, con la participación de una estupenda Leonor Watling, que tiene a sus espaldas la titánica labor de levantar, ella sola, la película. Y lo consigue, gracias a su contrastada profesionalidad. Posiblemente el relato resulte más atractivo en su aspecto literario que en su traslación a la pantalla, pues no en vano está firmado por además de Sábadú, el director y novelista Elio Quiroga. A pesar de que en los burladeros de los festivales hay quien había hablado a la baja de Anatema, lo cierto es que la película no solo no va a terminar con la tradición del terror español, sino que, muy al contrario, suma un nuevo y refrescante eslabón del que estamos deseando ver más.
La serie ‘Los sin nombre’ inicia su rodaje
«Los sin nombre«, serie original Movistar Plus+ en colaboración con Filmax, ha iniciado su rodaje en Barcelona. La serie, adaptación de la novela de Ramsey Campbell, es un «thriller con pequeños toques sobrenaturales» como explica su productor y director Pau Freixas (‘Todos mienten’).
Sinopsis: Claudia, una mujer que pierde a su hija Ángela de forma traumática para descubrir, años después, justo cuando empieza a recuperarse del trauma, que puede que su hija aún siga con vida. «Mamá, soy yo, Ángela. ¡Por favor, ven a buscarme!». Esta es la frase estremecedora que Claudia escucha por teléfono y que le dará esperanzas. Claudia recurrirá entonces a Salazar, el inspector que llevó el caso tras la desaparición, y a Laura, la joven a la que Ángela, una niña especial con un extraño don, salvó la vida tras un grave accidente de tráfico. Juntos seguirán la pista de la pequeña a través de misteriosos lugares que esconden una verdad aterradora.
En palabras del creador y director Pau Freixas, «Apenas llevo unas semanas de rodaje de «Los sin nombre», pero la serie ya empieza a mostrar su alma. Cuando levanto las escenas y veo los personajes en el monitor, me arrastran hacia un mundo inquietante e hipnótico, con un gran componente adictivo y con sensaciones realmente impactantes. Es un thriller con pequeños toques sobrenaturales, y aunque podríamos decir que plantea si los milagros existen, de lo que realmente habla la serie es de la necesidad de las personas de creer en algo. De encontrar un sentido a sus vidas«.
En palabras del productor ejecutivo en Movistar Plus+ Fran Araújo: «Después del éxito de ‘Todos mienten’ y de la buenísima experiencia de trabajar con Pau, en Movistar Plus + teníamos claro que queríamos seguir colaborando con él en futuros proyectos. Solo necesitamos leer el arranque de ‘Los sin nombre’ para saber que habíamos encontrado el siguiente. Los guiones firmados por Pol Cortecans son adictivos y llenos de personalidad y la visión de Pau sobre la historia nos cautivó desde el primer momento. Tiene todos los ingredientes que buscamos en una serie: punto de vista, ambición artística y deseo de llegar a un gran público«.
El equipo
La serie está protagonizada por Miren Ibarguren (‘Supernormal’, ‘Arde Madrid’), como Claudia; Rodrigo de la Serna (‘La casa de papel’, ‘Diarios de motocicleta’), como Salazar, y Milena Smit (‘El hoyo 2’, ‘Madres paralelas’), como Laura. Completan el reparto, Dani Pérez Prada, Susi Sánchez, Pablo Derqui, Ana Torrent, Elvira Mínguez, Eva Santolaria, José Manuel Poga y Francesc Garrido, entre otros. Escrita por Pol Cortecans (‘Citas’) y dirigida por Pau Freixas (‘Todos mienten’).
Las localizaciones
Diversas localizaciones acogen el rodaje de la serie. Además de Barcelona, municipios como Calders, Cerdanyola del Vallès, El Prat de Llobregat, Esparreguera, L’Hospitalet de Llobregat, Lliçà d’Amunt, Seva, Terrassa, Sant Adrià de Besòs, Sant Cugat del Vallès, Sant Feliu de Llobregat y Santa Coloma de Cervelló. Otros escenarios: Vidrà en Girona y Poble Nou del Delta en Tarragona.
«LOS SIN NOMBRE» se estrenará en 2025.
‘Bodegón con fantasmas’ de Enrique Buleo llegará a los cines el 20 de diciembre
‘Bodegón con fantasmas’ del director Enrique Buleo, una de las prometedoras voces de la comedia del absurdo, llegará a las salas de cine españolas el 20 de diciembre tras un fantástico recorrido por festivales que arrancó en el pasado Festival de Sitges y que tuvo su estreno internacional en el Festival de Cine de Varsovia.
Sinopsis: Rodeados por viñedos y tierras de cereales, los habitantes de un pueblo de La Mancha pasan sus días con normalidad. Unos, los vivos, luchando contra los aprietos de la vida mientras otros, los muertos, lidian con los sinsabores de la muerte.
Buleo escribe y dirige una comedia absurda, con tintes macabros y fantásticos, para hablarnos de como afrontan la vida y la muerte sus personajes, tan singulares como entrañables, de su Manchuela. Una historia poliédrica con una estética muy kitsch protagonizada por Consuelo Trujillo, Pilar Matas, Fernando Sansegundo, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Jordi Aguilar, Nuria Mencía y Pepe Carabias, entre otros.
La cinta, que cuenta con una trayectoria impecable por mercados dentro y fuera de nuestras fronteras, confirma su estreno internacional en el Festival de Varsovia, para volver a España como película de inauguración de Abycine.
Bodegón con fantasmas es una producción de Quatre Films Audiovisuales (Alejandra Mora), Cuidado con el perro (Alicia Yubero, Juan Cavestany, Alvaro F. Armero), en coproducción con Sideral (Roberto Butragueño, Nuria Landete) y This and That (Snezana van Houwelingen). Llegará a las salas de cine españolas el 20 de diciembre de la mano de Sideral.
Bodegón con fantasmas formó parte de la Incubadora de la ECAM y está recién aterrizada del First Look del Festival de Locarno. Cuenta con la financiación de Media, ICAA e IVC, la participación de À Punt Mèdia, CLM Media, CREA SGR, la colaboración de la ECAM y fue el ganador del Segundo concurso de Producción de Largometrajes y Series de TV, E Turia CLM promovido por Castilla la Mancha Film Comission y La Junta de Comunidades de CLM.
Se rueda ‘Sacamantecas’ un film de David Pérez Sañudo sobre el primer asesino en serie registrado en España
Comienza el rodaje de ‘Sacamantecas‘, el escalofriante personaje real convertido en leyenda. Una película de David Pérez Sañudo protagonizada por Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz -que acaba de ser galardonada con la Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de San Sebastián por ‘Los destellos’- y Josean Bengoetxea. Este drama histórico con trasfondo social se rodará principalmente en euskera, en más de 35 localizaciones, principalmente en Álava y en otras partes del País Vasco, y contará con más de 3.000 figurantes.
Sinopsis: Álava, finales del siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo, Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.
Sacamantecas, coescrita por David Pérez Sañudo y Sergio Granda y basada en una historia original de Asier Guerricaechebarría y Joanes Urkixo, narra la historia de tres personajes dispares: quien asesina, quien busca justicia y quien, finalmente, encuentra la verdad. A través de la historia de Juan Díaz de Garayo, el primer asesino en serie registrado en España, la película retrata no solo sus crímenes, sino también una época marcada por la violencia contra las mujeres. Sacamantecas habla de una sociedad donde los hombres en el frente de batalla y en el poder político monopolizan todas las decisiones, mientras que las mujeres son relegadas a un segundo plano y se encuentran desprotegidas.
(© David Herranz)
Pérez Sañudo cuenta con un Goya a Mejor Guión Adaptado por su ópera prima Ane (ganadora de otros dos premios Goya y también nominada a Mejor Película y Mejor Dirección Novel), que se estrenó en el Festival de San Sebastián de 2020, donde obtuvo el Premio Irizar al Mejor Largometraje vasco y el Premio a Mejor Guión Vasco. También en el Festival de San Sebastián acaba de presentar en la sección New Directors su última película, Azken Erromantikoak / Los últimos románticos, que se estrenará en cines el 15 de noviembre.
Al frente del reparto de Sacamantecas están Antonio de la Torre (dos veces ganador del premio Goya a Mejor Actor por El reino y Azuloscurocasinegro, y hasta 14 veces nominado por su ecléctico trabajo actoral); Patricia López Arnaiz, que repite con Pérez Sañudo tras alzarse con el Goya, Premio Forqué y Premio Feroz a Mejor Actriz por Ane y protagonizar otros de sus proyectos audiovisuales como Agrio o Un coche cualquiera; y Josean Bengoetxea, uno de los actores más respetados del panorama audiovisual que cuenta en su filmografía, tanto en cine como en televisión, con títulos destacados como Cristobal Balenciaga, Loreak, Ilargi Guztiak o La línea invisible. Completan el reparto Eneko Sagardoy, Luis Callejo, Urko Olazabal, Haizea Carneros, Isabel Gaudí y Fernando Albizu, entre otros.
Sacamantecas es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo y David Pérez Sañudo para La Claqueta PC y Amania Films, en coproducción con la belga Caviar-Beluga. La producción ejecutiva corre a cargo de Sara Gómez, mientras que Kevin Iglesias ejerce como productor delegado. Cuenta con la participación de ETB, RTVE y Prime Video, con el apoyo del ICAA, el Gobierno Vasco, el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y la Diputación Foral de Álava, con el patrocinio de Fundación Vital, y con la colaboración de Crea SGR y Fiare Banca Ética. Buena Vista Internacional se encargará de la distribución en cines de la película, la primera que distribuyen rodada en euskera, y Latido Films de las ventas internacionales.
Tras su paso por las salas de cine, estará disponible en Prime Video.
39 Escalones Films presenta su nuevo estudio destinado exclusivamente a la producción de contenido de terror: MIDNIGHT FEAR FACTORY
El consejero de Industria y de Transición Ecológica y Digital Empresarial de Navarra, Mikel Irujo, ha destacado este pasado jueves, en el acto de presentación del proyecto, “la importancia de la implantación de ‘Midnight Fear Factor’ en los estudios cinematográficos de Lekaroz”, ubicados en el Campus Empresarial del Valle de Baztan. En su visita a las instalaciones, ha resaltado también que la colaboración público-privada que ha sido “fundamental” para materializar este proyecto.
Se trata de una labor conjunta del Departamento de Industria y de Transición Ecológica y Digital Empresarial de Navarra, las sociedades públicas navarras Nasuvinsa y Sodena, el Cluster Audiovisual de Navarra y la Navarra Film Comission.
El proyecto, promovido por 39 Escalones Films, se llamará Midnight Fear Factory y estima una producción de unas 6 películas en 2025, para ir incrementando la producción a 12 en los años siguientes (ya sea mediante la producción propia o coproducciones con otras productoras nacionales o internacionales), dando espacio a referentes tradicionales del género de terror, así como a nuevas narrativas y voces.
En Midnight Fear Factory se apostará por la innovación y el talento emergente. Con un enfoque internacional, busca llevar historias de terror a festivales, plataformas de streaming y cines en todo el mundo.
Para lograrlo, el complejo ubicado en el Campus Empresarial de Lekaroz cuenta con dos platós de grabación, que suman más de 740 metros cuadrados, y dispone además de camerinos, despachos y oficinas para el desarrollo de las producciones audiovisuales.
Midnight Fear Factory no se limitará solo a la producción de películas tradicionales. Se expandirá al mercado emergente de la realidad virtual (VR), creando experiencias inmersivas que permitirán al espectador o espectadora sumergirse y ser parte de la acción, experimentando el terror de una manera nueva.
Además, gracias al segundo plató del complejo, se creará un laboratorio de I+D audiovisual para la creación y experimentación de nuevos formatos donde se pretende formar a gran parte del equipo técnico y artístico que formará parte de las producciones, teniendo como objetivo convertirse en un vivero de nuevas y nuevos profesionales desde una perspectiva práctica que dé respuesta a la creciente demanda de profesionales audiovisuales que se está produciendo actualmente.
«Al Margen» de Eduardo Casanova: Póster, fecha y clip exclusivo
Filmin estrenará el próximo 29 de noviembre el documental “Al Margen”, el tercer largometraje de Eduardo Casanova, el director detrás de “Pieles” o “La Piedad”. Tras su estreno mundial en el Atlàntida Mallorca Film Fest, la película inaugurará la 12ª edición de Rizoma compitiendo en la sección internacional Surrealismo Contemporáneo.
Se trata de la primera incursión en el formato de largometraje documental del joven cineasta madrileño, cuya filmografía ha sido reconocida con el Arrebato de Ficción de los Premios Feroz y el Premio Especial del Jurado de Karlovy Vary por «La Piedad», además de numerosas nominaciones y selecciones en festivales nacionales e internacionales (Festival de Sitges, Festival de San Sebastián, Berlinale, Festival de Torino, etc). «Al Margen» es un filme que, como versa su sinopsis oficial, retrata a Moisés, un hombre que en el año 2010 se quemó a lo bonzo en pleno centro de Madrid, ocupando las noticias de aquel día con el titular «aún se desconocen los motivos por los que este hombre decidió quemarse».
Moisés, que ha vivido siempre Al Margen de la sociedad, decidió que sería Casanova a quien le confiaría las razones que le llevaron a tal suceso. El cineasta explica: “Me advirtió que nadie más lo sabía, que no iba a ser fácil y que no le iba a creer… Cuando soltó las primeras palabras tuve una sensación parecida a la de cuando te dan un buen bofetón, de los que duelen y te dejan aturdido sin saber qué ha pasado. Cuando me recuperé, me di cuenta que iba a contar la historia más cruda, rocambolesca, dura y más real que jamás habría podido imaginar para un guion de ficción. Esto supuso un giro radical a todo lo que había hecho antes y dio a luz una nueva etapa en mi trabajo como director, con la que estoy muy feliz”.
El rodaje, que tuvo lugar durante seis años, consistió en un acercamiento a la vida y mente de Moisés, así como a la de su entorno, para indagar en la verdad y desvelar quién era la víctima y quién el verdugo. Casanova fue descubriendo, día tras día, lo oscuro de la trama, tal y como ahora lo hace el espectador. En palabras del director: “Me enfrenté a rodar cosas que sabía que no las iba a olvidar jamás; tampoco lo harán las espectadoras y los espectadores que la vean. He tenido miedo. He visto de cerca la muerte, la salud mental y su abandono. He entendido lo que supone vivir Al Margen”.
Y el cineasta sentencia: “Ahora es turno del público el enfrentarse a este retrato que conjuga puro true crime, realismo estético y surrealismo social con la vivencia de habitar en la periferia de la vida real. Yo solo tengo clara una cosa: esta historia tenía que rodarla para colocar en el centro del foco a las personas que viven en los márgenes”.
“Al Margen” es una producción de Eduardo Casanova, Antonio Abeledo, Macarena Gómez, Sandra Hermida, Kiko Prada y Javi Prada, desarrollada por las compañías The Other Side Films y Cilantro Films. Está escrita, dirigida y filmada por Eduardo Casanova y ha contado en su equipo técnico con Luis Ángel Pérez como director de fotografía, con Ángel Pazos en el montaje, con Javi Prada en la dirección de producción y con Melanie Antón en la dirección de arte. “Al Margen” se estrenará en exclusiva en Filmin el 29 de noviembre.
Tráiler y póster de ‘Anatema’, de Jimina Sabadú, la nueva propuesta de Pokeepsie Films
Tráiler oficial de la película Anatema que llegará a los cines el 8 de noviembre, tercera película del sello The Fear Collection.
Sinopsis: Una joven monja (Juana Rabadán) recibe el encargo de visitar las catacumbas de una de las iglesias más antiguas de Madrid. El arzobispo sospecha que bajo sus interminables túneles se encuentra el Sello de San Simeón, colocado allí por el propio santo eremita con el fin de salvaguardar el mundo de un mal de tiempos pretéritos. Con la ayuda del joven sacerdote Ángel, la novicia Mara, y el exorcista Cuiña, Juana bajará al subsuelo de la ciudad a enfrentarse no sólo a lo sobrenatural, sino también a su pasado.
El rodaje de Anatema, una película de terror gótico sobrenatural ambientada en el Madrid de la actualidad, ha tenido lugar en diferentes localizaciones de Madrid, así como Guadalajara y Bizkaia, a lo largo de 5 semanas, contando con Luis Ángel Pérez como Director de Fotografía.
La película, con guión original de Jimina Sabadú y Elio Quiroga, está protagonizada por Leonor Watling, Pablo Derqui, Jaime Ordóñez, Keren Hapuc, Mauro Brussolo-Arocena, Mariano Llorente, Manuel de Blas, y Xoán Fórneas, con las colaboraciones especiales de Juan Codina, Margarita Lascoiti y Juan Manuel Montilla ‘El Langui’.
Jimina Sabadú (Madrid, 1981) es escritora, guionista, y realizadora. A los doce años sacó su primer fanzine y al poco empezó a publicar en revistas de cultura popular. En el año 2000 entra como colaboradora al mítico fanzine Mondo Brutto. Obtuvo el premio Lengua de Trapo con Celacanto y el premio Ateneo Joven de Sevilla con Los Supervivientes. En febrero de 2020 publicó la novela de terror costumbrista Las palmeras (Algaida), novela que narra el cierre de fronteras a causa de una enfermedad de origen desconocido. Este año ha publicado su último libro: La conquista de Tinder (Turner). Además, ha escrito en televisión, prensa y radio. En la actualidad es columnista fija en El País, y colabora habitualmente con El Confidencial y con Letras Libres. Ha sido guionista de dos largometrajes (Faraday, La Máquina de Bailar), de varias series de animación para V.O.D., así como tres obras de teatro (Hijas de la gran puta, Vacaciones en Eternia, y La llama).
Anatema es una producción de Pokeepsie Films (Banijay Iberia) en asociación con Sony Pictures International Productions, con la participación de Prime Video, y llegará a los cines de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia. Tras su paso por las salas de cine, estará disponible en Prime Video.
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