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El surrealismo de Man Ray llega a Filmin en el centenario de su primera película
Filmin estrena el próximo viernes 22 de marzo Man Ray. El regreso a la razón, una compilación de cuatro piezas audiovisuales del artista estadounidense Man Ray (1890-1976), considerado uno de los grandes impulsores del dadaísmo y el surrealismo a principios del siglo XX. Las cuatro obras han sido restauradas en 4K y pudieron verse por primera vez en la sección Cannes Classics del Festival de Cannes en 2023, coincidiendo con el centenario de la primera obra audiovisual del artista.
Las cuatro piezas que integran esta película son Le retour à la raison (1923), Emak Bakia (1926), L’étoile de mer (1928) y Les Mystères du château du Dé (1929). En ellas nos sumergimos en el mundo onírico y surrealista del polifacético Man Ray, cuya obra fotográfica es seguramente más conocida, pero que también exploró con la imagen cinematográfica en un momento en que los artistas, desilusionados con los modos tradicionales de creación artística y moldeados por el trauma de la Primera Guerra Mundial junto con el surgimiento de una cultura mediática moderna, recurrieron a la experimentación como respuesta.Man Ray. El regreso a la razón cuenta con una nueva banda sonora de la banda SQÜRL, integrada por el director de cine Jim Jarmusch y Carter Logan. SQÜRL nació en 2009 para componer la música original de la película Los límites del control, dirigida por el propio Jarmusch, y también ha creado las bandas sonoras de otros títulos del cineasta como Solo los amantes sobreviven (2013), Paterson (2016) y Los muertos no mueren (2019). El pasado mes de octubre lanzaron Silver Haze, su primer álbum de estudio. «Nos sentimos muy orgullosos de ser la banda sonora de Man Ray«, explica Jarmusch: «Creo que, en última instancia, lo que intentamos hacer, y lo que hizo Man Ray, fue crear una especie de estado de éxtasis. Un lugar que existe en un pequeño espacio entre la conciencia y la inconsciencia, entre el sueño y la vigilia, y entre la realidad y el mundo surrealista”.
Tráiler del film de terror ‘Immaculate’. Estreno 1 de mayo
Tráiler oficial de IMMACULATE, protagonizada por Álvaro Morte (La casa de papel, Durante la tormenta) y Sidney Sweeney (Anyone But You, Euphoria, The White Lotus), una película de terror con altas dosis de tensión y giros inesperados, que llega a nuestros cines el 1 de mayo.
Sweeney interpreta a Cecilia, una monja americana de fe devota, que se embarca en un viaje a un remoto convento de la pintoresca campiña italiana. La cálida bienvenida que recibe a su llegada se convierte rápidamente en una pesadilla cuando descubre que su nuevo hogar alberga un siniestro secreto y horrores indescriptibles.
Sinopsis: Cecilia (Sidney Sweeney), recién llegada de Estados Unidos, ingresa como novicia en un convento de la remota campiña italiana. Allí es recibida por el Padre Tedeschi (Álvaro Morte), quien la introduce en las rutinas religiosas. Un día descubre que está embarazada y lo que parecía un milagro, por conservar aún su virginidad, resulta ocultar un siniestro secreto que hará que busque salir de aquel lugar desesperadamente.
Festival Americana 2024: Palmarés y conclusiones de la onceava edición
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Novedades Astiberri · Abril de 2024
Las efímeras 1, Jeff Lemire
Color. Rústica con solapas176 páginas.17 x 26 cm19 eurosA la venta el 4 de abril
Jeff Lemire, autor de Essex County, nos traslada en esta nueva obra a un Belle River cubierto literalmente por unos insectos pequeños y alados a los que los vecinos llaman efímeras. Una extraña historia llena de elementos sobrenaturales que comienza con un crimen brutal y violento, que pone en juego la vida de un adolescente inocente, y que culmina con una inesperada amistad entre una niña solitaria y un fugitivo.
La pequeña genia y el monstruo del valle, Álvaro Ortiz
Color. Rústica con solapas184 páginas.17 x 21,5 cm.18 eurosA la venta el 11 de abril
Llega la esperada continuación de La pequeña genia y la partida de shatranj, un viaje hacia los orígenes que comienza con una forastera llegada del “Oriente más oriente”. He venido a por Ayu, el último miembro vivo de una familia autóctona que forjó hace generaciones una espada muy especial, una espada ancestral y mágica. La forastera quiere pedirle ayuda, ya que su valle se ve amenazado por la llegada de un monstruo y que Ayu, por su ascendencia, es su única posibilidad de salvación. La pequeña genia no duda mucho tiempo y se embarca intrigada en este viaje hacia sus orígenes. Disponible en castellano, catalán y euskera.
Ecotopías. Imaginar el futuro para cambiar el presente, vv.aa.
Color. Cartoné112 páginas.19 x 26 cm.17 eurosA la venta el 18 de abril
Astiberri y Greenpeace reúnen a Darío Adanti, Flavita Banana, Miguel Brieva, Harkaitz Cano e Iñaki Landa, Miguel Ángel Giner Bou y Cristina Durán, Núria Tamarit y Josune Urrutia con un objetivo común: imaginar el futuro para cambiar el presente. ¿Te imaginas que el planeta entero reverdece, que los ecosistemas se recuperan, que las ciudades se vuelven habitables y llenas de vida al apostar por el bienestar y el equilibrio en lugar de la competición y la velocidad? ¿Te imaginas trabajando pocas horas al día y en beneficio del bien común, en actividades que den verdaderamente sentido a nuestras vidas? Todo esto podría ser real si comenzamos a proyectar nuestro ánimo en esa dirección.
Las aventuras del Capitán Torrezno. Vol. III: Capital de provincias del dolor y Los años oscuros, Santiago Valenzuela
Blanco y negro y 8 páginas finales a color.Rústica con solapas288 páginas21 x 29,7 cm30 eurosA la venta el 25 de abril
Llega al fin el esperado desenlace del asedio de Deeneim para llevar la trama protagonizada por el Capitán Torrezno, un héroe a su pesar, por otros vibrantes derroteros del Micromundo. Las aventuras del Capitán Torrezno es una de las series fundamentales del cómic español del siglo XXI y esta tercera entrega recoge el quinto y sexto tomo de la saga de Santiago Valenzuela. Incluye una ilustración de cubierta realizada para la ocasión, un nuevo apéndice de diez páginas, ocho de ellas a color, con las portadas originales y diferente material gráfico de interés que Valenzuela ha rescatado de sus archivos.
El festival de cine SOMBRA MADRID confirma su programación final e invitados internacionales.
La XIII edición de Sombra. Festival de Cine Fantástico Europeo, que acoge por primera vez la ciudad de Madrid como sede, se celebrará del 13 al 17 de marzo con un total de 20 películas y 18 cortometrajes que se proyectarán en cuatro sedes repartidas en la capital española, como son mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125), la Sala Berlanga (C/ Andrés Mellado, 53), la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense (Avenida Complutense, 3) y el Teatro Sanpol (C/ San Pol de Mar, 1)
Asimismo, SOMBRA MADRID contará con la presencia de diversos invitados nacionales e internacionales, entre los que destacan el compositor italiano Claudio Simonetti (“Rojo Oscuro”), los directores Richard Stanley (“Hardware”, “Color Out Of Space”), Xavier Gens (“Frontière(s)”) y Jaume Balagueró (“REC”, “Los Sin Nombre”) o el guionista de cómic Peter Milligan (conocido por su trabajo en las editoriales 2000 AD, Marvel y DC), entre otros.Uno de los platos fuertes de la programación será la proyección de “Rojo Oscuro” (1975), el clásico giallo de Dario Argento, que cobrará una nueva dimensión el viernes 15 de marzo a las 21:30 horas en el Teatro Sanpol (C/ San Pol de Mar, 1). Será gracias a un concierto en formato “live to picture”, donde el compositor Claudio Simonetti y su banda, Simonetti´s Goblin, interpretarán íntegramente la banda sonora del filme, sincronizando la partitura con las imágenes.Como apuntan desde la organización, será “una oportunidad única, ya que Simonetti, autor de la música original de la película y colaborador habitual de Argento, no acostumbra a tocar una banda sonora íntegra en directo, sino que en sus 
actuaciones suele ofrecer un mix con sus grandes éxitos”.Otra actividad destacada será el evento conocido como Pre-Sombra, que se celebrará el fin de semana previo al festival, concretamente el 10 de marzo en mk2 Cine Paz, y donde se proyectarán dos títulos de culto del cine de género. Son “Tiburón” (1975) de Steven Spielberg, que será presentada por el experto en maquillaje y efectos especiales Pepe Mora (“The Mandalorian”) y “Darkman” (1990), que contará con una charla posterior moderada por el especialista en cómic Daniel Brun y en la que participarán Kiko Sáez de Adana (Cátedra de Cómic Universidad Alcalá de Henares), el autor Diego Salgado y la periodista Elisa McCausland.La Sección Oficial de Largometrajes a Concurso de SOMBRA MADRID contará con cuatro títulos en su haber, entre los que se hallan dos filmes españoles como “La Mesita del Comedor” (2023, jueves 14 de marzo a las 11:30 horas en Facultad de Ciencias de la 
Información de la Universidad Complutense) y “Os Reviento” (2023, domingo 17 de marzo a las 22:15 horas en mk2 Cine Paz), película que se alzó con el Premio del Público en la última edición del prestigioso Festival de Austin (Texas). Ambos largometrajes competirán con la comedia negra de origen serbio “The Uncle” (2022, jueves 14 de marzo a las 20:00 horas en mk2 Cine Paz) y con la propuesta sueca de ciencia ficción “Ufo Sweden” (2022, sábado 16 de marzo a las 11:00 horas en mk2 Cine Paz).Por su parte, el número total de cortometrajes a concurso asciende a 15, y todos podrán verse el miércoles 13 de marzo en dos sesiones de libre acceso a las 11:00 y a las 12:30 horas respectivamente, en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid.SOMBRA MADRID también rendirá tributo a Nocturna, el desaparecido festival madrileño del que toma el testigo. En este sentido, el 16 de marzo a las 18:00 horas en la Sala Berlanga, coincidiendo con la proyección de “El Retorno del Hombre Lobo” (1980) de Paul Naschy, se entregará el Premio Nocturna a Sergio Molina -hijo de Paul Naschy- y al director José Luis Alemán (“La Herencia Valdemar”), antiguos responsables del citado festival, por “su esfuerzo a la hora de configurar un espacio cultural de desarrollo del cine fantástico en Madrid”.Fuera de 
competición, uno de los títulos más importantes será “Club Zero” (2023), película austríaca que se encargará de inaugurar el festival el miércoles 13 de marzo a las 22:30 horas en mk2 Cine Paz. Se trata de un intenso thriller psicológico protagonizado por Mia Wasikowska (“Alicia en el País de las Maravillas”) y que participó en la última edición del Festival de Cannes. Igualmente, otros filmes que podrán verse fuera de concurso son la comedia canadiense de terror “We Are Zombies” (2023, jueves 14 de marzo a las 20:30 horas en Sala Berlanga), la película coreana de misterio y horror “Sleep” (2023, jueves 14 de marzo a las 22:30 horas en mk2 Cine Paz), la cinta española “La Sombra del Tiburón” (2023, sábado 16 de marzo a las 13:00 horas en mk2 Cine Paz), el largometraje francés de animación “Mars Express” (2023, domingo 17 de marzo a las 11:00 horas en mk2 Cine Paz) y el drama de ciencia ficción marroquí “Animalia” (2023, domingo 17 de marzo a las 13:00 horas en mk2 Cine Paz), que se alzó con el Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Sundance.En cuanto a sesiones retrospectivas, SOMBRA MADRID llevará a cabo un total de siete. Además de la ya citada “El Retorno del Hombre Lobo”, se proyectarán obras de culto como “Tenebre” (1982, martes 14 de marzo a las 18:00 horas en Sala Berlanga), “Color Out Of 
Space” (2019, viernes 15 de marzo a las 20:30 en Sala Berlanga, con la presencia del director Richard Stanley posterior charla de los VFX y Color con el equipo de User T38 Raúl Monge, Mikel Hernando Otero y Adriana Solé), “Frontière(s)” (2007, sábado 16 de marzo a las 22:00h en mk2 Cine Paz, con la presencia del director Xavier Gens), “Hardware” (1990, domingo 17 de marzo a las 20:00h en mk2 Cine Paz, con la presencia del director Richard Stanley), “Los Sin Nombre” (1999, viernes 15 de marzo a las 17:30 en la Sala Berlanga, con la presencia del director Jaume Balagueró) y “No Profanar El Sueño De Los Muertos” (1974, sábado 16 de marzo a las 21:00 horas en Sala Berlanga, con la presencia de Carlos Grau, hijo del director Jorge Grau).
INVITADOS INTERNACIONALESRichard StanleyA principios de los 90, Stanley dirigió dos películas que, con el tiempo, se han convertido en auténtico cine de culto como “Hardware, programado para matar” (1990) y “El demonio del desierto” (1992). También ha tenido una importante implicación en el mundo musical, trabajando con grupos como Fields of the Nephilim, Public Image Limited o Marillion; de hecho, en su película “Hardware”, podemos encontrar cameos de artistas de la talla de Iggy Pop, Carl McCoy o Lemmy.Tras más de 20 años alejado de la dirección, Richard Stanley volvió a la palestra en 2019 nada más y nada menos que con una adaptación del genio Lovecraft: “Color out of space”. La película, protagonizada por Nicolas Cage, supuso la vuelta de Stanley como director de largometrajes tras su salida de “La isla del doctor Moreau” (1996). Claudio SimonettiClaudio Simonetti nació en Sao Paulo (Brasil) en 1952. Aunque su familia era de origen italiano, vivió su infancia en Brasil. Su carrera musical comienza como teclista en el grupo de rock progresivo Cherry Five, que posteriormente cambió su nombre a Goblin.Además de colaborar con Argento en multitud de proyectos, Simonetti también ha trabajado con otros importantes directores italianos como Ruggero Deodato, Umberto Lenzi, Lucio Fulci, Enzo G. Castellari, Lamberto Bava o Sergio Martino. Sus bandas sonoras son reconocidas por su sonido característico, con influencias electrónicas y de rock progresivo.Jaume BalagueróNacido en Lérida en noviembre de 1968, Jaume Balagueró supo desde joven que sus intereses se orientaban hacia el séptimo arte, estudios que compaginó con un grado en Ciencias de la Comunicación. Su primer largometraje como director fue “Los sin nombre”, película premiada con el Méliès de Oro a Mejor Filme Fantástico Europeo. La película le ayudó a proyectarse internacionalmente, pero sobre todo a definirse como uno de los precursores del nuevo cine de terror español. Suyas son “Frágiles”, con Elena Anaya, “Mientras Duermes”, o la popular saga de “Rec”, todas ellas producidas por Filmax.Xavier GensEl realizador francés Xavier Gens es conocido internacionalmente por haber rodado una de las películas más brutales y sangrientas del fantástico europeo reciente, “Frontière(s)” (2007), filme que cuenta con legiones de fanáticos. Asimismo, ha dirigido otros conocidos largometrajes como “Hitman” (2007) o “La Piel Fría” (2017).Peter MilliganPeter Milligan es uno de los guionistas más reconocidos de las editoriales Marvel y DC, gracias a sus trabajos en sagas como X-Men o Hellblazer. El autor participará el 16 de marzo en un encuentro con los fans y sesión de firmas en la tienda Generación X Tirso de Molina (C/ Conde De Romanones, 3).
ACERCA DE SOMBRA MADRIDLa iniciativa de SOMBRA MADRID nace de Javier García, director de Sombra, Festival de Cine Fantástico de Murcia, certamen plenamente consolidado en la región: «a las puertas de nuestra decimotercera edición, creemos que es momento de tratar de recuperar un festival en Madrid». Y, para ello, ha encontrado la fórmula perfecta: simultanear ambas convocatorias. «Serán dos eventos independientes, pero interconectados compartiendo parte de la programación e invitados durante la segunda semana de marzo. Es una oportunidad perfecta para plantear un evento estable y perdurable en la capital, que tendrá su propia esencia y personalidad. Murcia y Madrid serán casas hermanas para los aficionados al género». La gestión de SOMBRA MADRID corre a cargo de los equipos de A.D.J. Proyectos Audiovisuales y la Asociación Pop Culture España, que centran su labor en la promoción de la cultura popular en la ciudad. «Más allá de ser un proyecto ilusionante, se trata de una necesidad cultural», en palabras de Juan Pérez y José Arce. «En Madrid existe una amplia comunidad de género, de la que nosotros mismos formamos parte, que demanda un espacio en el que disfrutar de su cine favorito y compartir experiencias». Esta primera convocatoria en la capital arrancará con la vista puesta en un crecimiento progresivo tanto en jornadas como en sedes, actividades y colaboraciones: «literalmente, la sombra se irá alargando progresivamente, siempre en compañía del público y los aficionados. Queremos crecer todos juntos».
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 8 de marzo de 2024 *
LOS PEQUEÑOS AMORES (Celia Rico, 2024)
España/Francia. Duración: 95 min. Guion: Celia Rico Fotografía: Santiago Racaj Compañías: Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films, Noodles Production, RTVE, TV3 Género: Drama
Reparto: María Vázquez, Adriana Ozores, Aimar Vega, Blanca Apiláne, Ferran Rañé, Camille Figuereo, Miguel Angel González, Marta Fons, Pep Muñoz, Carme Vilar, David Aguilar, Laura Gaja, Júlia Morella, Jordi Rodríguez, Jesús Prieto Ortiz
Sinopsis: Teresa (María Vázquez) cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre (Adriana Ozores), que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.
El verano como estación de mudanza es el presupuesto de toda novela de aprendizaje, esas crónicas del tránsito de un estado a otro en la vida de sus personajes. Así, Los pequeños amores es una novela de aprendizaje, pues da cuenta de la evolución de las emociones y de los modos de representación de la realidad en un verano decisivo. Sólo que desplaza el relato a la edad adulta, al fin y al cabo, la llamada crisis de los cuarenta es un periodo de cuestionamiento personal casi más radical que la adolescencia. Celia Rico regresa a la ficción real con otro retrato en femenino de un instante determinante, la asunción del fin de la juventud, visto desde una protagonista que podría ser la misma de Viaje al cuarto de una madre, sólo que veinte años más tarde.
En palabras de la directora: “he intentado navegar por la biografía emocional de una mujer en sus cuarenta y preguntarme sobre los modos posibles de sostener la vida y el amor a determinadas edades, cuando los padres se hacen mayores o ya no están, cuando los proyectos amorosos se desvanecen o no tienen como fin formar una familia”. Y de nuevo traza su pintura sobre el lienzo de las relaciones maternofiliales como contradictorio vínculo de admiración y reproche entre dos mujeres de generaciones muy distintas. Las madres como modelos y, a la vez, como frenos ante los que reivindicarse. A las madres, como seres paradójicos que simultáneamente retienen y dan alas, Rico las describe siempre desde el punto de vista de las hijas, porque no le interesa definir la maternidad sino su reverso, para el que llega a inventar un término, la “hijidad”. El telón de fondo de sus obras, de las que podemos afirmar ya que forman un díptico, es siempre la asunción del hecho de ser hijas de nuestras madres con todo lo que supone, conscientes de que ese habrá de ser el vínculo que defina y atraviese la agridulce experiencia del amor y la soledad, buscada o quizás involuntariamente hallada. Viaje al cuarto de una madre nos situaba en la casilla de inicio, en el preciso instante de la necesidad de alzar el vuelo, en la hora agridulce de la partida; Los pequeños amores, en cambio, nos coloca en un momento de retorno al nido que, aunque sea temporal, hace aflorar sentimientos no (auto)confesados en el día a día, pues, ahora que la juventud termina, asusta la idea de envejecer solas, sin nadie que nos asista si nos lesionamos una pierna o la casa arde en llamas. Un temor en el que todavía resuena un retintín de reprobación, que viene de una época pasada, pero que aún pesa sobre la mujer de hoy: si no tienes descendencia, ¿quién va a cuidar de ti cuando seas mayor? La nueva convivencia con la madre saca a la luz esa pregunta latente en la intimidad del yo femenino, pero, a la vez, de esa misma cohabitación renovada, aflora el aprendizaje que le da respuesta. Los años que han pasado desde la separación acaban permitiendo que hija y madre sean confidentes, que se traten de mujer a mujer, que el antiguo vínculo de autoridad ceda paso al de paridad, y se disuelva la impresión de desacierto. Ambas se ponen en valor y aprenden, juntas, que la soledad no es un menoscabo.
Celia Rico junto a sus dos protagonistas, Adriana Ozores y María Vázquez, durante el rodaje del film.
El reputado crítico de cine japonés, Shigehiko Hasumi, sostiene que el gesto, en lugar del tema o la imagen, es el gran cauce expresivo del séptimo arte. Celia Rico no podría estar más de acuerdo con el comentarista. Para Rico son los gestos los que contienen las emociones, captarlos es lo que debe hacer cualquier cineasta si quiere rebasar lo local, porque, siempre para ella, lo universal no son los temas, sino los ademanes. Quizás darles la centralidad a los ademanes sea la premisa que ha determinado que la joven directora haya elegido para expresarse los modos del cine clásico. En su puesta en escena elegante domina la sutilidad, la arquitectónica de los planos pasa desapercibida a los ojos del espectador absorto en la trama. Sin embargo, no da puntada sin hilo, todo está estudiado y calculado al milímetro, desde la composición de los encuadres hasta el uso del fuera de campo, del peso significativo de la selección musical, a la elección de la paleta cromática que define a cada personaje. Unos personajes a los que ella misma, como autora que es del guion, les ha dado una profundidad psicológica que explica su transformación a lo largo de la acción. Brilla también en la dirección de actrices, de las que obtiene una interpretación solvente, algo en lo que concurre también el trabajo de las dos protagonistas: una Adriana Ozores que convence como madre firme y poco dada a expresarle a su hija su satisfacción con ella; y una María Vázquez absolutamente creíble como hija independiente que, sin embargo, en sus cuarenta todavía es vulnerable al juicio ajeno.
“Los pequeños amores es una película sobre las cosas más cotidianas y mundanas que nos suceden cuando convivimos con nuestras madres, pero también sobre las más complejas, esas otras que a toda hija nos sobrevienen cuando nos vemos reflejadas en ellas y miramos nuestras vidas en el espejo de los años”, nos dice la autora sobre su segundo filme. Un segundo largo que confirma a Celia Rico como cronista de lo íntimo con voz de mujer. Pero el suyo no es un cine exclusivamente para mujeres, porque conecta con lo universal que subyace en cada ejemplo particular y por tanto es extensible a todos. La directora, más que hablar de cine hecho por mujeres, prefiere hacerlo de mujeres haciendo películas. El suyo es un cine capaz de interesar a todo espectador más allá de su condición de género. Como ha ocurrido siempre con los grandes.
VINCENT DEBE MORIR (Vincent doit mourir, Stéphan Castang, 2023)
Francia/Bélgica. Duración: 115 min. Guion: Mathieu Naert Fotografía: Manuel Dacosse Compañías: Capricci Films, Bobi Lux, arte France Cinéma, Ciné+, Gapbusters, Goodfellas Media, Canal+, RTBF (Télévision Belge), CNC, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel Género: comedia dramática
Reparto: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Karoline Rose, Emmanuel Vérité, Jean-Christophe Folly, Ulysse Genevrey, Anne-Gaëlle Jourdain
Sinopsis: Vincent empieza a ser atacado por la gente que lo rodea sin motivo aparente. Su anodina existencia se descontrola y, conforme la violencia crece, no tiene más remedio que huir. Pero ¿adónde?
Presentada en la Semana de la crítica del Festival de Cannes 2023, Vincent debe morir, ópera prima de Stéphen Castang, es un refrescante thriller apocalíptico cargado de humor negro que reflexiona sobre la condición humana y la violencia inherente en nuestra sociedad. Pero también es una película sobre el amor. El amor incondicional y la felicidad que dos personajes acaban encontrando cuando se encuentran sumidos en lo más hondo de la adversidad.
El protagonista, Vincent (Karim Leklou) es un tipo normal. Si acaso, es un poco más imbécil que la media de la Humanidad, pero no demasiado más. Y la rutinaria vida de Vincent cambiará cuando comience a ser agredido sin motivo ni previo aviso. Una situación anómala, dramática, pero a veces, también, inevitablemente cómica.
La historia, a cuyo pesimismo contribuye el paisaje industrial en el que se desarrolla en gran parte, baraja varios subtextos, como el miedo al otro, la soledad y, sobre todo, repetimos, la violencia presente en la sociedad, especialmente en una época de crispación y polarización política como es la actual.
Con ciertos momentos que nos trajeron a la memoria la obra maestra de Philip Kaufman, La invasión de los ultracuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1978), Vincent debe morir se alzó con los galardones de Mejor dirección novel y Mejor actor para Karim Leklou en el Festival de Sitges 2023. También fue nominada a Mejor ópera prima en los premios César franceses y en los European Film Awards (EFA).
LA BESTIA EN LA JUNGLA (La bête dans la jungle, Patric Chiha, 2023)
Francia/Bélgica/Austria. Duración: 103 min. Guion: Patric Chiha, Jihane Chouaib, Axelle Ropert. Novela: Henry James Música: Émilie Hanak, Dino Spiluttini Fotografía: Céline Bozon Compañías: Aurora Films, Frakas Productions, Wildart Film Género: Drama
Reparto: Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Mara Taquin, Martin Vischer, Juan Pedro Cabanas, Bachir Tlili, Joël Bunganga
Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín en la Sección Panorama, LA BESTIA EN LA JUNGLA plantea un viaje sensorial a través de un hombre y una mujer que tienen múltiples encuentros en un club sin nombre. La película tuvo su premiere nacional en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) y después se pudo ver en la Sección Oficial de esta edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla.
Basada en la icónica obra de Henry James, esta adaptación transporta a los espectadores a un vertiginoso viaje a lo largo de 25 años, desde 1979 hasta 2004, en un colosal club nocturno. Allí, un enigmático hombre y una enigmática mujer observan y aguardan un evento misterioso. A medida que la música evoluciona desde la disco hasta la tecno, se convierte en la banda sonora de esta cautivadora crónica sobre una obsesión que desafía el tiempo y el espacio.Patric Chiha traslada a la pareja de la historia corta de Henry James al club, y contrasta su espera fatal con la sensación última de estar en el momento presente y el deseo hedonista de los bailarines de disolver el tiempo en coreografías eternas.
LA EXTORSIÓN (Martino Zaidelis, 2023)
Argentina. Duración: 105 min. Guion: Emanuel Diez Música: Pablo Borghi Fotografía: Lucio Bonelli Compañías: 100 Bares, Cimarrón Cine, Infinity Hill, Particular Crowd Género: Thriller
Reparto: Guillermo Francella, Pablo Rago, Andrea Frigerio, Carlos Portaluppi, Alberto Ajaka, Romina Pinto, Mónica Villa, Guillermo Arengo, Juan Carlos Lo Sasso, Joselo Bella, Osvaldo Djeredjian
Sinopsis: Alejandro (Guillermo Francella), piloto de avión, esconde un secreto. Cuando los agentes del Servicio de Inteligencia lo descubren, le chantajean. Alejandro se verá sumergido en un universo de intriga y corrupción, que le pondrá a él y a sus seres queridos en peligro, mientras intenta escapar con vida, sin importar el precio.
La extorsión es una de esas películas que obligan al espectador a estar muy atento a la pantalla pues en, por ejemplo, lo que se puede tardar en hacer una rápida visita al lavabo, las tornas pueden cambiar y los antes amigos ahora son los enemigos. Y en medio de todo se encuentra Guillermo Francella, un actor harto conocido cuya simpatía contribuye a que espectador le acompañe y sufra con él este trance. Este quilombo repleto de peligros que tendrá que ir sorteando y en el que no habrá respiro.
Dirigida por el realizador argentino Martino Zaidelis (“Re Loca”, la serie “Los Enviados”), La extorsión se presentó en la Sección Òrbita en la pasada edición del Festival de Sitges, después de su exitoso estreno en Argentina, donde con más de 400 mil espectadores, se convirtió en la película más taquillera del año. Escrita por Emanuel Diez, además de Guillermo Francella (“El robo del siglo”, “El secreto de sus ojos”), el film cuenta con Pablo Rago (“El secreto de sus ojos”), Andrea Frigeiro (“El ciudadano Ilustre”, “Rojo”) y Carlos Portaluppi (“Argentina, 1985”, “Vidas Robadas”), junto a Guillermo Arengo, Alberto Ajaka y Mónica Villa.
Distribuida en Argentina por Warner Bros., la película es una producción de Particular Crowd, 100 Bares (productora de «El secreto de sus ojos») e Infinity Hill (productora de «Argentina, 1985») en asociación con Cimarrón.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 12 de abril de 2024*
MENUDAS PIEZAS (Nacho G. Velilla, 2024)
España Duración: 99 min. Guion: David S. Olivas, Marta Sánchez, Nacho G. Velilla Música: Juanjo Javierre Fotografía: Andreu Ortoll Compañías: Telecinco Cinema, Felicitas Media, Lightbox Animation Studios, Aragón TV, Ayuntamiento de Zaragoza Género: Comedia
Reparto: Alexandra Jiménez, María Adánez, Francesc Orella, Luis Callejo, Miguel Rellán, Rocío Velayos, Pablo Louazel, Verónica Senra, Kiko Bena, Tuoxin Qiu, Alain Hernández, José Manuel Poga, Saida Benzal
Sinopsis: Candela (Alexandra Jiménez) cometió el error de pensar que el ascensor social solo funciona en una dirección, la de subida. Y ahora, tras un traumático e inesperado divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Por eso Candela tiene que volver al barrio del que salió y pedir ayuda a su hermana (María Adánez) y su padre (Francesc Orella), esos a los que lleva años mirando por encima del hombro. Es hora de recolocar las piezas en el tablero, empezar de cero y buscar una segunda oportunidad. Pero la única que encuentra es dar clases en su antiguo instituto a estudiantes con problemas de integración. Pasa de la crème de la crème, a la crème de la mediocridad. Lo que Candela no se espera es que con ellos aprenderá que lo importante no es quién fuiste ayer, sino quién eres hoy; que un grupo de perdedores por los que nadie da un duro pueden acabar siendo campeones de España; y que, en el ajedrez, como en la vida, no importa si eres rey o peón, porque al final de la partida, ambos acaban en la misma caja.
Menudas Piezas no cuenta nada que no se haya visto antes. La memoria lleva al espectador, sin pensar demasiado, de la emocionante Rebelión en las aulas (To Sir, with Love, James Clavell, 1967) a la menos sugerente Campeones (2018) de Javier Fesser. Dirigida por el prolífico y especialista en el género Nacho G. Velilla, la historia que narra está repleta de puntos en común y caminos trillados, pero también de buenas intenciones, trasfondo social, algún buen gag y otros, sonrojantes. Continuamente se recuerda al espectador que la película está rodada en Zaragoza, lugar de origen del director, especialmente mediante recurrentes recorridos turísticos.
El problema que presenta su historia es que el cambio de actitud de los jóvenes no resulta creíble, y que su argumento es 100% predecible. Presentada en la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección oficial, fuera de concurso, Menudas piezas es una cinta familiar, con una historia de superación inspirada en un caso real con el ajedrez como telón de fondo. Lo mejor radica en los actores protagonistas, como Alexandra Jiménez y María Adánez, dos actrices inequívocamente dotadas para la comedia que encarnan, en un gran acierto de casting, a dos hermanas. Además de los siempre eficaces Francesc Orella, Miguel Rellán y otros como Luis Callejo y Jorge Asín, el mismísimo Aberroncho. Sin olvidar al grupo de jóvenes intérpretes: Rocío Velayos, Pablo Louazel, Verónica Senra, Kiko Bena y Tuoxin Qiu, que debutan con este largometraje
SANGRE EN LOS LABIOS (Love Lies Bleeding, Rose Glass, 2024)
USA/UK Duración: 104 min. Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska Música: Clint Mansell Fotografía: Ben Fordesman Compañías: Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24 Género: Thriller
Reparto: Kristen Stewart, Katy O’Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Jerry G. Angelo, David DeLao, Keith Jardine, Catherine Haun, Roger Ivens, Mikandrew, Eldon Jones, Orion Carrington,
Sinopsis: Jackie (Katy O’Brian) está decidida a triunfar como culturista y se dirige a Las Vegas para participar en una competición. En su camino, pasa por un pequeño pueblo de Nuevo México donde conoce a Lou (Kristen Stewart), la solitaria gerente del gimnasio local. El padre de Lou (Ed Harris) es traficante de armas y lleva las riendas de un sindicato del crimen. Jackie y Lou se enamoran. Pero su relación provoca violencia y ambas se ven inmersas en las maquinaciones de la familia de Lou.
Sangre en los labios, el nuevothriller de A24 protagonizado por Kristen Stewart y dirigido por Rose Glass (Saint Maud), retrata la electrizante historia de amor y crimen entre Lou (Kristen Stewart), una solitaria gerente de gimnasio, y Jackie (Katy O’Brian), una recién llegada a Las Vegas en busca de su sueño de triunfar en el culturismo. Como una frenética reacción en cadena, su pasión las empuja hacia la violenta red criminal de la familia de Lou. El estelar reparto lo completan Ed Harris, Dave Franco y Jena Malone. Además, la película tuvo su premiere mundial en Sundance y la internacional en el Festival de Berlín, donde recibió una cálida acogida por parte de los espectadores y de la crítica.
La película se erige como un thriller de venganza que explora la fuerza embriagadora de los excesos, la ambición y el amour fou a través de la combinación de comedia negra, crimen queer, pulp explosivo y dramas familiares. “Pocos directores están haciendo películas tan cinematográficas, vivas y estilizadas”, comenta Stewart. “Rose hace películas que no emulan a ninguna otra, aunque puedas percibir sus inspiraciones en ellas. Lo que hace surge desde un lugar tan auténtico que el contexto, la arquitectura y la voz de la película son distintivamente suyas. Creo que quiere asustar al público y a ella misma no con propósitos provocadores, si no para que la gente de media vuelta y se mire a sí misma”. A lo que Dave Franco añade: “Es una historia que no puedes predecir hacia dónde va. El ambiente es extraño y escalofriante a la vez que muy humano y lleno de dramas familiares de lo más locos. (…) Todo es posible en esta película, y eso te mantiene alerta todo el rato”.
En una entrevista reciente con la revista Variety, Kristen Stewart explicó que lo que más le interesó de la película fue lo radicalmente distinto que es su personaje Lou –masculina, luchadora, queer sin remordimientos– de todas las interpretaciones estereotípicamente femeninas que han definido su carrera: “Encuentro muy sexy que las cosas que me resultan atractivas se ensalcen. (…) Hay una escena de sexo en la que ni quiera se quitan la ropa, pero va a chocar a los espectadores”. Asimismo, tanto Stewart como Glass tenían claro que estas escenas eróticas debían contener mucha verdad: “Incluso el sexo hetero es siempre igual en las películas, (…) nadie se atreve a mostrarse a sí mismo”, comenta Stewart, y añade: “Glass supo cómo capturar la verdad, dirigió las escenas con máxima precisión”.
Se trata del segundo film de la cineasta británica Rose Glass, quien en 2019 sorprendió al público y a la crítica con su opera prima Saint Maud, un thriller también producido por A24 que tuvo una acogida excepcional hasta el punto de ser considerada actualmente una obra de culto moderna.
EL SALTO (Benito Zambrano, 2024)
España. Duración: 90 min. Guion: Flora González Villanueva Música: Pascal Gaigne Fotografía: Álex de Pablo Compañías: Cine365 Films, Castelao Productions, Noodles Production. Distribuidora: Filmax Género: Drama.
Reparto: Moussa Sylla, Edith Martínez Val, Nansi Nsue, Mariola Fuentes, Mari Paz Sayago, Vicenta N’Dongo, Vicky Peña, Norberto Trujillo, Benjamin Natchouang, Ali Useni, Marius Makon, Abdel Mouanji
Sinopsis: Ibrahim llegó a España desde Malí y ahora sus raíces están en Madrid, donde vive con Mariama y trabaja como albañil. Un día, la policía le detiene e Ibrahim, que carece de permiso de residencia, es deportado a su país. A partir de ese momento, su único objetivo será regresar a España para reunirse con Mariama y su hija a punto de nacer. Tras conseguir atravesar África, se instala con algunos compañeros en el Monte Gurugú, un campamento de inmigrantes que separa África de Europa. Allí conoce a Aminata, una chica empeñada en saltar la valla y llegar a España. Pero esa es una hazaña física que no está al alcance de cualquiera.
Benito Zambrano no falla nunca. Resulta imposible encontrar ni una sola de sus películas que no sea, al menos, entretenida. Ya sea con uno de sus documentales, como sus dramas, entre ellos el estupendo western rural, Intemperie (2019). El director andaluz dio la campanada con Solas (1999), su debut, y con la excelente serie televisiva Padre Coraje (2002), y a partir de ahí no ha cesado de experimentar, adentrando al espectador en diversos géneros e historias utilizando, además, el lenguaje cinematográfico para denunciar las injusticias que golpean a los más débiles. Este es el caso de El salto (2024), que analiza el drama humano que viven los migrantes subsaharianos para acceder a España y Europa. Su Ibrahim, su Aminata, su Mariama, su Ousman, son tan reales como su María (Solas) o su Antonio (Padre Coraje), ficciones que se dan la mano con la realidad. Con los protagonistas de El salto, tan diferentes como iguales, tan lejanos como cercanos, Benito Zambrano consigue volvernos a poner en la piel del otro, situando al espectador en medio de esta guerra sin armas por la supervivencia, pero con muchas víctimas y en la que la única sangre que se derrama es la de los débiles. La de los eternos perdedores que, una y otra vez, intentan volver a cruzar esas fronteras y saltar los muros que les separan, en muchos casos, de una familia y una vida digna. No piden más.
Pero a pesar de todo el dolor que viven los protagonistas, el mensaje que ofrece el director resulta esperanzador, pues sí, hay malas personas que se aprovechan de la desesperación de los hambrientos, pero también los hay que están para ayudar y consolar. Para tender la mano frente a la inhumana legislación. Y Zambrano prefiere detenerse en ellos.
Con guion de Flora González-Villanueva, el reparto de El salto incluye a Moussa Sylla, Edith Martínez-Val, Nansi Nsue, Mariola Fuentes, Paz Sayago, Vicenta Ndongo, Vicky Peña, Norberto Trujillo y Eric Nantchouang y se rodó entre la ciudad de Madrid, sus alrededores y Tenerife. Para el rodaje de la valla que separa España de Marruecos, se construyeron más de treinta metros de valla exactamente igual a la de Melilla.
En palabras de su director: » ‘El salto’, desgraciadamente, llega en un momento en el que los acontecimientos internacionales actuales nos ratifican una vez más, que vivimos en un mundo donde todo interactúa entre sí. Cada vez se globaliza más la pobreza que provocan las migraciones forzadas y las consecuencias de las guerras. El Salto nos muestra la tragedia de los que huyen convirtiéndose en refugiados con necesidad de ayuda y asilo».
El salto es una coproducción hispano-francesa producida por Jesús Ulled Nadal para Cine365 Films Canarias AIE, Cine365 Films Producciones Cinematográficas y Virtual Contenidos; y Carlos Fernández y Laura Fernández Brites, para Castelao Pictures (Filmax), con Jèrôme Vidal para Noodles Productions (Francia).
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 1 de marzo de 2024 *
TÓTEM (Lila Avilés, 2023)
México/Dinamarca/Francia. Duración: 95 min. Guion: Lila Avilés Música: Thomas Becka Fotografía: Diego Tenorio Compañías: Limerencia Films, Laterna, Paloma Productions, Alpha Violet Production Género: Drama
Reparto: Naíma Sentíes, Montserrat Marañon, Marisol Gasé, Teresa Sánchez, Iazua Larios, Mateo García, Saori Gurza, Juan Francisco Maldonado, Marisela Villarruel, Galia Mayer, Lukas Urquijo, Manuel Poncelis
Sinopsis: Sol se prepara para la fiesta de su padre. Sus tías están nerviosas, su prima quiere darle café al gato, hay caracoles sobre La gallina ciega de Goya, se han preparado brindis y canciones para hacerle un homenaje a papá. Y desde el cuarto del padre enfermo parece generarse una energía de amor y muerte que los influye a todos.
Objeto de la naturaleza, generalmente un animal, que en la mitología de algunas sociedades se toma como emblema protector de la tribu o del individuo, y a veces como ascendiente o progenitor. Así es definido tótem en el Diccionario de la Real Academia de la Lengua. En antropología, es una entidad natural o sobrenatural que tiene un significado simbólico y a la que uno se siente vinculado durante toda la vida. Para Freud, el totemismo social tiene el mismo origen edípico que la neurosis individual, una forma extendida y colectiva de culpa y ambivalencia para hacer frente a la muerte del padre primordial. El título del segundo largometraje de Lila Avilés anuncia que vamos a movernos en el ámbito de la representación simbólica y visual de las historias familiares, que vamos a ser introducidos en el espacio velado donde se guarda y se preserva la esencia de los lazos. El tótem como nudo que mantiene las costuras de un linaje hasta en momentos de quebranto.
Tótem quiere mirar el adentro de los vínculos. Esa voluntad guía las decisiones formales tomadas para lograr el naturalismo, para situarnos dentro de la escena y no en la comodidad de nuestra butaca de platea. Vamos a lo natural desde el vehículo del artificio de unos recursos fuertemente marcados. El formato (cuatro tercios), las tomas cerradas, el relato fragmentado en instantes decisivos, vistos desde el patio de butacas, provocan un sentimiento de incomodidad, casi de opresión. Y, sin embargo, dentro de ese cuadrilátero se despliega todo un coro de emociones dirigido por la ternura. Avilés nos encierra en el microcosmos de una familia instalada en el duelo que se anticipa dentro del que puede ser el último momento feliz, el último momento de estar todos juntos justo antes de que se produzca la ausencia. Nos colamos de rondón en el seno de su intimidad como voyeristas escondidos en la cavidad de una mirada, la de esa niña de siete años, la debutante Naíma Santíes, que deambula por la escena observando los detalles
desde un margen que es un centro en sí mismo. La cámara se sitúa a la altura de sus ojos, por eso podemos ver desde su perspectiva incluso los retazos de la acción en los que no está ella presente físicamente. Y, porque la narración pespuntea retales mínimos del acontecimiento, sin necesidad de analepsis que deconstruyan el orden cronológico, ya nos instalamos en el momento en que el recuerdo zurcirá los huecos entre los pormenores de ese decisivo día. El que discurre ante nosotros es un presente que ha de ser, que ya es, memoria. Tótem es un in memoriam cantado en vida.
Lila Avilés supera la prueba de fuego que son las segundas obras cuando han sido precedidas por un debut fulgurante. Lo logra, además, sin necesidad de renunciar al registro de proximidad que definía su opera prima. Se revalida como voz cimera del cine mexicano actual, confirmándose su habilidad de convertir lo más cotidiano en una pequeña gesta. Su esfuerzo ha sido premiado con la práctica unanimidad de la bendición de la crítica y con el reconocimiento internacional que suponen los galardones. Su paso por los Festivales ha sido estelar, compitiendo en Sección Oficial en la Berlinale, donde fue la ganadora del Premio del Jurado Ecuménico y teniendo una gran acogida por parte del público y la crítica especializada en el Festival de San Sebastián, donde participó en la sección Horizontes Latinos. Más allá de Berlín y San Sebastián, Tótem consiguió el Premio del Público en Cinélatino de Toulouse, el Gran Premio en Hong Kong, el Premio a Mejor Directora, a la Mejor Actriz de Reparto y a la Mejor Música en Pekín, el Premio del Jurado en Bucarest, el Premio a la Mejor Película en NDNF, el Premio al Mejor Director en Jerusalén, Durban, Lima, Seúl y una mención especial en Melbourne. Recientemente también se ha alzado con el Premio a Mejor Película, a Mejor Dirección Artística y Mejor Guion en el Festival de Cine de La Habana, el Premio a Mejor Película en lengua no inglesa por la Asociación de Críticos de los Ángeles y ha sido incluida entre las mejores 50 películas de 2023 en la prestigiosa Sight and Sound Magazine. Una abultada lista de éxitos para una directora todavía joven que puede seguir dándonos muchas satisfacciones a los amantes del séptimo arte.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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