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Sitges 2010: terror emergente en Latinoamérica
Una de las líneas de la recién finalizada 43ª edición del Festival de Sitges fue mostrar ese cine de terror emergente que está naciendo en Latinoamérica. Que el cine de terror en esas latitudes goza de buena salud la tenemos en el cada vez más importante Buenos Aires Rojo Sangre y en Sitges se festejaba la suerte del festival argentino con el pase del documental Rojo Sangre, 10 años a puro género (2009, Elián Aguilar) que se estrenó en Argentina el 30 de noviembre del año pasado coincidiendo con el décimo aniversario del festival. El documental repasa las dificultades y compensaciones que supone realizar cine de género a través de los principales artífices argentinos.
Además del documental, el cine argentino se hizo presente en Sitges con la película Fase 7 dirigida por Nicolás Goldbart, una comedia apocalítica que toma como base la epidemia de gripe A y cuenta con la presencia del mítico Federico Luppi. Se la ha definido como un Rec pasado por el ácido humor bonaerense y a Serendipia se le quedó pendiente porque pese a ser un ente casi mitológico aún no ha desarrollado la capacidad de ser ubicua.
Si tuvimos la inmensa suerte de poder ver las otras dos películas latinoamericanas, la uruguaya La Casa Muda (2010, Gustavo Hernández) y la mexicana Somos lo que hay (2010, Jorge Michel Grau).
Hemos ido siguiendo todo lo relacionado con La Casa Muda desde que estaba en fase de postproducción. En Febrero iniciábamos nuestra campaña de apoyo para que llegara a los cines, en abril anunciábamos su presentación en Cannes y celebrábamos más tarde que hubiera sido seleccionada en Sitges y hubiera vendido su distribución comercial en 16 países, finalmente el 8 de octubre teníamos el placer de verla en pantalla grande tal como deseamos que se exhibiera. Porque la película vale la pena y mucho empezaremos destacando lo más negativo de modo que se valoren aún más los aciertos. La película avanza sumergiéndonos en el terror que viven los personajes en un caserón abandonado, su largo plano secuencia nos provoca una sensación de inmediatez, sabemos lo mismo que sabe la protagonista y pasamos miedo con ella; se logra ese terror real en tiempo real que se había propuesto Gustavo Hernández en esta su ópera prima. La tensión y su crescendo nos mantienen pegados a la butaca y se crea entre la película y nosotros un acuerdo tácito: nos creemos la historia que nos cuenta y hasta nos sobresaltamos cuando la protagonista lo hace. Eso se mantiene así durante casi todo el metraje, hasta que de pronto nos sentimos traicionados en nuestra credulidad: un giro inesperado nos saca de la historia.
Lo peor de La Casa Muda es que su final está dudosamente resuelto. ¿Por qué puede pasar eso? Hernández parte de hechos reales, un doble asesinato no resuelto en el que aparecieron dos cadáveres mutilados junto a una serie de fotografías, el suceso es enigmático y a un amante de las historias de miedo no puede por más que resultarle atractivo. Hernández se propuso narrarlo buscando una hipótesis que explicara el misterio y se exigió desafiar un reto: igualar el tiempo de proyección y el tiempo de acción para intensificar el terror. Esa exigencia funciona al modo de las contraintes que se imponen los oulipianos, las trabas, al contrario de lo que pueda parecer, enriquecen los relatos. Hernández quería contarnos la historia sin salir del mismo escenario de la acción, no hay flashbacks ni acciones paralelas, si seguimos comparando la película con la literatura obtenemos que el plano secuencia funciona al modo en que lo hace el narrador semiomnisciente, narrador que no anticipa sino que va mostrando lo que acontece en su misma sucesión temporal, y ahí viene el problema del final de La Casa Muda: no se han mostrado los elementos que pudieran darle sentido lógico al desenlace, al contrario, cae en el error de no mostrar si no decir, un decir que es puesto en boca de la protagonista justo en el momento en que se produce el giro. De ese modo el final se nos antoja sacado de la manga y eso es lo que empaña una película que hasta entonces había sido excelente. Excelente porque la planificación juega con el encuadre para hacer ir avanzando la trama, la cámara en ningún momento es subjetiva pero no se separa de la protagonista, una Florencia Colucci en estado de gracia,
los fuera de campo actúan como intensificadores y los montajes internos permiten mostrar otros ángulos sin renunciar en ningún momento al punto de vista elegido; así consigue el objetivo que se propone: pasamos el mismo miedo que el personaje porque prácticamente estamos en sus mismas condiciones. Otro acierto es la banda sonora. La música de la película es casi un personaje más, con la peculiaridad de que es el único que sabe lo que está pasando, el único que posee toda la información y nos la va destilando de modo que aún nos hacemos más sujetos de la narración. Gracias a la banda sonora no somos meros espectadores sino parte integrante de la película la cual consigue de ese modo cumplir magistralmente la función catártica. Eso es lo que supieron ver los críticos que asistieron a su estreno en Cannes y que elogiaron la cinta uruguaya con afirmaciones como las siguientes: “El horror cobra un nuevo significado con el director uruguayo Gustavo Hernández en un impresionante debut… Al igual que los mejores ejemplos del género utiliza el suspenso por encima de la sangre para crear la tensión… Haber realizado todo esto en una sola toma es impresionante; haberlo hecho todo en una sola toma con una cámara digital es poco menos que milagroso” Lee Marshall SCREEN DAILY; “El film tiene un increíble sentido climático y juega bien con la oscuridad y los pequeños espacios.” Peter Sciretta SLASH FILM;“Fue un logro técnico y visual nunca antes alcanzado… Si eres fanático del horror o crees haber visto cinematografía increíble, sólo espera a ver esta película… Mírala cuanto antes!” Alex Billington FIRST SHOWING. Coincidimos con la opinión de estos críticos y al igual que ellos consideramos que la película nos muestra el talento de su joven director al que le deseamos la mejor de las suertes y de cuya carrera vamos a estar pendientes desde ya.
Más redonda resulta la película mexicana. Somos lo que hay nos cuenta la historia de una familia que sobrevive en México DF comiendo seres humanos a los que antes sacrifica a modo de ritual, la película arranca con la muerte del padre, a partir de ese momento el mayor de los hermanos habrá de esforzarse en ser el nuevo líder con una cierta oposición de su madre y su hermano; todo se complicará cuando la policía siga su rastro.
Se trata de una película compleja que podría definirse como drama de terror salpicado de descripción costumbrista más unas gotas de crítica social. Si alguna ciudad ejemplifica la sentencia de Hobbes, el hombre es un lobo para el hombre (homo homini lupus), esa es la capital mexicana, daba cuenta de ello Buñuel de modo realista en Los Olvidados (1950) y se hace eco ahora Jorge Michel Grau con está fábula, ácida y perturbadora, que es su primera película y cuyos protagonistas son una familia de desheredados que se comporta como una manada de depredadores aunque en verdad sean ellos las presas. Esta es una película de atmósferas que nos remite a su origen literario, un relato escrito por el propio director, se desarrolla como un cuento en el que los ogros fueran los protagonistas, los malos son los buenos; la propia madre se define a ella y a sus hijos como monstruos, palabras destinadas a no olvidar su realidad aberrante que en la batalla por la supervivencia ha degenerado en atrocidad y locura. La cinta, sin escatimar hemoglobina, huye del efectismo gore en su paseo por lo sórdido dando así tintes más realistas a la historia. Y es que no está contándonos únicamente una ficción,
no sólo porque pueda estar inspirada en casos de canibalismo real en México como los de José Luis Calva Cepeda o Gumaro de Dios, sino porque Jorge Michel Grau está haciendo una radiografía de los males que aquejan a México y que tan bien retrató Octavio Paz en El Laberinto de la Soledad. México y su grito «Hijo de La Chingada» alusión a la Malinche (esa india que traicionó a Moctezuma, de la que son descendientes) en el que se expresa su orgullo de pueblo derrotado por el invasor, contradictoria afirmación de sí mismos y su peculiar idiosincrasia que muestra y a la vez esconde sus miserias. Será por ello que esta película, que llegó a La quincena de los realizadores de Cannes y ha sido recientemente premiada con el Silver Hugo Special Jury Prize del Festival Internacional de Chicago, ha tenido una dispar acogida en México. Algunos críticos, como Carlos Bonfil de La Jornada, arremeten contra ella por considerarla un drama tremendista que únicamente retrata lo disfuncional y ansían un cine que se haga eco de aspectos más amables de su país aunque lo reconozcan colapsado.
Pero los cineastas responden a la crítica que esto es lo que hay, Somos lo que hay titula Jorge Michel Grau a su ópera prima de impecable factura porque así ve su realidad y así la plasma en su metáfora. Ahora bien, quedarse en que muestra sólo lo más sórdido es no ser capaz de ver la película en toda su profundidad, tiene mucho de burla contra la autoridad y contra la cultura de depredación que sufren los mexicanos, pero no deja de hacernos sentir su admiración por sus raíces, ese rico folklore capaz de embellecer hasta la misma muerte. Porque la familia protagonista no es una más en largo listado de familias de psicópatas que nos ha regalado el cine, no aman el asesinato son más bien supervivientes en un mundo que se les antoja apocalíptico y en el que para perpetuarse han ideado una ceremonia ritual en la que practicar la comunión con la carne. No viven su hacer como un asesinato sino como una ofrenda. No sólo está en juego su manutención, el ritual es el que les da sentido como familia, lo único que a su parecer podrá evitar su descomposición. De ahí que tras la muerte del padre haya una lucha por decidir quién ha de ser el nuevo líder, esa muerte saca a la luz las rivalidades y las alianzas; la película desciende hasta el mundo del incesto no consumado con esa hermana que hace de bisagra entre los dos hijos varones y los usa como escuderos para sentar su primacía frente la madre.
Todo esto nos lo cuenta Grau con una preciosista planificación que juega con toda la profundidad de campo y el desenfocado parcial para transmitir la intensidad del drama en sus magistrales encuadres. A ello contribuye igualmente la oscura banda sonora y el esmerado diseño de sonido (el opresivo ruido de los relojes que aventura su clímax es sencillamente abrumador). Serendipia salió del cine Retiro con la certeza de que esta receta de cocina canibal propia de Topor iba a ser uno de los mejores platos que le iba a permitir degustar ese gran banquete que es el Festival de Sitges. Esperamos que esta breve crónica os haya despertado las ganas de catarla.
Festival de Sitges 2010: Y los premiados fueron…
Recién llegada del festival, Serendipia deshace las maletas cuidando bien de que no se escape ni un miligramo de las toneladas de emociones que acaba de vivir. Nunca sus ocho retinas habían visto tantas películas en tan poco tiempo ni había vivido con tanta la magia del cine. El Festival de Sitges es inmenso, el celuloide se despliega por kilómetros y aún hay que sumarle otros tantos de grabaciones digitales, pero hay más, mucho más en forma de rostros amigos, conocidos, desconocidos que acaban de dejar de serlo, en forma también de carreras al galope para saltar de sala en sala y de cola en cola y tiro porque me toca. Hay mucha cerveza, comida a deshoras y millones de minutos de hambre canina (¿en qué televisión saldrá Serendipia zampándose un bocata ante las mismas narices del Señor director mientras presentaba The Last Exorcism?). Maratones de más de cuarenta y dos Kilómetros y muuuuuuuuucha falta de horas de sueño.
Mañana tocará ordenar papeles y recuerdos y contaros todo lo que hemos visto, vivido y disfrutado. De momento os dejamos aquello en lo que quedará reducida esta 43 edición para la prensa generalista: el palmarés. Pero ya os adelanta Serendipia que hay mucho más que cuatro premios, nunca totalmente justos (¿por qué no ha habido ningún premio para Secuestrados?). En verdad los premios son la menor de las anécdotas, ahí los podéis leer:
OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ SITGES 43
JURAT / JURADO / JURY
Francesco Barilli, Jaume Collet-Serra, Colin Geddes, Jan Harlan & Elena Manrique
Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film
THE LEGEND OF BEAVER DAMM de Jérôme Sable
Menció Especial pel seu original homenatge a una indiscutible obra mestra del cinema fantàstic / Mención Especial por su original homenaje a una indiscutible obra maestra del cine fantástico / Special Mention for its original tribute to one of the undisputed masterworks of the fantastic cinema
VICENTA de Sam Millor
Disseny de Producció / Mejor Diseño de Producción / Best Production Design
Yuji Hayashida per THIRTEEN ASSASSINS
Millors Efectes de Maquillatge / Mejores Efectos de Maquillaje / Best Make Up FX
Vitaya Deerattakul & Andrew Lin per DREAM HOME
Millors Efectes Especials / Mejores Efectos Especiales / Best Special Effects
Gareth Edwards per MONSTERS
Millor Banda Sonora Original / Mejor Banda Sonora Original / Best Original Soundtrack
Seppuku Paradigm, Alex & Willie Cortes per NUITS ROUGES DU BOURREAU DE JADE (RED NIGHTS)
Millor Fotografia / Mejor Fotografía / Best Cinematography
Mika Orasmaa per RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE
Millor Guió / Mejor Guión / Best Script
Nicolás Goldbart per FASE 7
Millor Actriu / Mejor Actriz / Best Actress
Josie Ho per DREAM HOME
Millor Actor / Mejor Actor / Best Actor
Patrick Fabian per THE LAST EXORCISM
Millor Director / Mejor Director / Best Director
Jalmari Helander per RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE
Premi Especial del Jurat / Premio Especial del Jurado / Special Jury Award
WE ARE THE NIGHT de Dennis Gansel
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE de Jalmari Helander
OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ PANORAMA
JURAT / JURADO / JURY
Philipp Engel, Annick Mahnert & Carlos Pumares
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
TUCKER & DALE VS. EVIL d’Eli Craig
Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film
THE FAMILIAR de Kody Zimmermann
CARNET JOVE
JURAT / JURADO / JURY
Gerard Alonso, Alba Carmona, Anna Gual, Marian López & Daniel Mourenza
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture FANTÀSTIC
RUBBER de Quentin Dupieux
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture MIDNIGHT X-TREME
MUTANT GIRLS SQUAD de Noboru Iguchi & Yoshihiro Nishimura & Tak Sakaguchi
NOVES VISIONS
JURAT / JURADO / JURY
Ferran Audi, Rafael Maluenda & Laurent Pécha
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture Patrocinat pel SEAT
SIMON WERNER A DISPARU (LIGHTS OUT) de Fabrice Gobert
Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
SOUND OF NOISE d’Ola Simonsson & Johannes Stjarne Nilsson per la seva barreja única d’història, visuals i so / por su mezcla única de historia, visuales y sonido / for its unique blending of story, visuals and sound.
5150 RUE DES HORMES d’Éric Tessier per la seva innovadora combinació de cinematografia clàssica i fantàstica revelant nous dilemes morals / por su innovadora combinación de cinematografía clásica y fantástica revelando nuevos dilemas morales / groundbreaking blend of classical cinematography and fantasy opening up new moral issues.
Diploma Pel·lícula No Ficció / Diploma Película No Ficción / Non-Fiction Motion Picture Diploma
VAMPIRES de Vincent Lannoo
Diploma Pel·lícula Discovery / Diploma Película Discovery / Discovery Motion Picture Diploma
TONY de Gerard Johnson
CASA ÀSIA
JURAT / JURADO / JURY
Daniel Cohen, Rubén Lardín & Joan Pons
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
COLD FISH de Sion Sono
NOVA AUTORIA SGAE – FUNDACIÓ AUTOR – INSTITUT BUÑUEL
JURAT / JURADO / JURY
Xavier Capellas, Maria Ripoll & Albert Solé Millor
Direcció / Mejor Dirección / Best Director
Sílvia Subirós per LA EDAD DEL SOL, presentat per l’Escola de Cinema de Barcelona (ECIB)
Millor Guió / Mejor Guión / Best Screenplay
Jaime Serrano per LA LONA, presentat pel Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)
Millor Música Original / Mejor Música Original / Best Original Score
Gonçal Perales Roy per THE SMILEY, presentat per l’Escola d’Animació de Catalunya-9 Zeros
ANIMA’T – Premi Gertie / Premio Gertie / Gertie Award
JURAT / JURADO / JURY
Daniel Cohen, Rubén Lardín & Joan Pons
Millor Llargmetratge d’Animació / Mejor Largometraje de Animación / Best
Animated Film
JACKBOOTS ON WHITEHALL de Edward McHenry & Rory McHenry
Millor Curtmetratge d’Animació / Mejor Cortometraje de Animación / Best Animated Short film
UNE NOUVELLE VIE! (A NEW LIFE!) de Fred Joyeux
Millor Llargmetratge d’Animació per a Nens / Mejor Largometraje de Animación para Niños / Best Animated Feature for Kids
THE UGLY DUCKLING de Garry Bardin
Gran Premi del Públic El Periódico de Catalunya / Gran Premio del Público El Periódico de Catalunya / Audience Award El Periódico de Catalunya
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
THIRTEEN ASSASSINS de Takashi Miike
MÉLIÈS D’ARGENT / MÉLIÈS DE PLATA / SILVER MÉLIÈS

JURAT / JURADO / JURY
Philipp Engel, Annick Mahnert & Carlos Pumares
Méliès d’Argent a la Millor Pel·lícula Europea / Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea / Silver Méliès for Best European Motion Picture
RUBBER de Quentin Dupieux
Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE de JALMARI HELANDER
Méliès d’Argent al Millor Curtmetratge Europeu / Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo / Silver Méliès Award for Best Europea Short Film
LES BESSONES DEL CARRER PONENT de Marc Riba & Anna Solanas
MÉLIÈS D’OR / MÉLIÈS DE ORO / GOLDEN MÉLIÈS
Méliès d’Or a la Millor Pel·lícula Europea / Méliès de Oro a la Mejor Película Europea / Golden Méliès for Best European Motion Picture
BURIED de Rodrigo Cortés
Méliès d’Or al Millor Curtmetratge / Méliès de Oro al Mejor Cortometraje / Golden Méliès for Best European Short Film
EL ATAQUE DE LOS ROBOTS DE NEBULOSA –5 de Chema García Ibarra
PREMIS DE LA CRÍTICA / PREMIOS DE LA CRÍTICA / CRITIC AWARDS
JURAT / JURADO / JURY
Carlos Losilla, Joan Millaret & Xavi Serra
Premi de la Crítica Jose Luis Guarner / Premio de la Crítica Jose Luis Guarner / Jose Luis Guarner Critic Award
UNCLE BOONMEE WHO CAN RECALL HIS PAST LIVES d’Apichatpong Weerasethakul
Premi Citizen Kane al director/a revelació / Premio Citizen Kane al director/a revelación / Citizen Kane Award to an up-and-coming director
Quentin Dupieux per RUBBER
BRIGADOON
Paul Naschy JURAT / JURADO / JURY
Joan I. Alonso, Jorge Manrique & Dani Moreno
Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Best short film
ST. CHRISTOPHORUS ROADKILL de Gregor Erler
Buried se alza con el Méliès d’Or 2010
Hace apenas quince días os ofrecíamos nuestra crítica de Buried (2010, Rodrigo Cortés) comparando el trabajo del joven director con el del mago del suspense, Alfred Hitchcock. Hay algo en lo que no deseamos que Cortés siga la carrera del británico, pocos fueron los premios que ganó Hitchcock ni siquiera un Óscar como director pese a haber estado nominado seis veces (sólo lo ganó Rebeca, 1940, como película). Y todo parece indicar que los certámenes no serán remisos a reconocer su trabajo otorgándole premios, en estas últimas semanas ha obtenido el premio de la crítica internacional en el festival de Deauville, el mejor película en el Étrange de París y premio del público y el Méliès de Plata en Estrasburgo. Bien, pues, ¡¡¡¡esta noche en Sitges recogerá un nuevo premio, el Méliès d’Or!!! Galardón a la mejor película europea de género fantástico otorgado por la European Fantastic Film Festivals Federation (EFFF).
Los otros candidatos al Méliès d’Or del 2010 eran los ganadores de los Méliès de Plata de los nueve festivales europeos que componen la EFFF: además de Buried, la alemana Die tur, de Anno Saul; la belgo-francesa Amer, de Hélène Cattet y Bruno Forzani; la húngara Transmission, de Roland Vranik; las inglesas Red, white & blue, de Simon Rumley, Strigoi, de Faye Jackson, Heartless, de Philip Ridley, y The children, de Tom Shankland; y la irlandesa The eclipse, de Conor McPherson. Ninguna ha sido rival para este thriller claustrofóbico que está arrasando entre crítica y público.
El Méliès de Oro al mejor cortometraje fue para El ataque de los robots de Nebulosa -5, dirigido por Chema García Ibarra. El corto se había llevado el Méliès d’Argent en Espoo. El jurado de este año lo formaban Philipp Engel, Annick Mahnert y Carlos Pumares. En el marco de la gala se proyectará la película We are the night (Dennis Gansel).
En la edición del 2009, la ganadora del Méliès d’Or fue la tremenda Martyrs, de Pascal Laugier. Este año Rodrigo Cortés ha demostrado que no es necesario recurrir a efectos ultragores para rodar una excelente película de terror.
Sitges 2.0, nuevos miedos llegan al cine
Sebastián Serrano afirma que somos hijos del miedo, porque los temerosos extremaron la prudencia y así pudo perpetuarse la especie; todos llevamos sus genes. Sin embargo, el miedo tiene también su vertiente negativa, si se nos presenta en exceso puede inmovilizarse, por eso todas las generaciones desde Altamira y antes incluso han tenido la necesidad de exorcizar sus fantasmas contando cuentos al calor de la hoguera. Algunos miedos son atávicos, nos acompañan desde que el hombre es hombre, otros nacen con cada nueva sociedad muchas veces fruto de los mayores avances de una época, porque lo nuevo no nos es plenamente conocido y porque advertimos los peligros que nos vienen incrustados en el progreso; ahí está la criatura de Frankenstein como sospecha de los males que arroja la ciencia. Uno de los mayores avances (si no el mayor a secas) de nuestro Siglo XXI es Internet. Sin la red de redes no podría difundirse la información a la velocidad en que lo hace hoy y la información siempre ha sido clave en la evolución y la supervivencia. Pero Internet tiene también sus incógnitas y su ganga, no todo es virtud, y de sus aspectos oscuros nacen nuevos miedos. Esos miedos dan lugar a nuevas leyendas que necesitamos contarnos para que no nos alcancen. Y ahí está el cine para reflejar esos temores y ahí está el Festival de Sitges para recoger nuevas formas de terror.
¿Cuántas veces no habrá recurrido la ciencia ficción a la existencia de universos paralelos? A día de hoy ese universo paralelo existe: se llama Second Life, y Life 2.0 (2010) el documental de Jason Spingarn-Koff, que se presenta en Sitges en la sección Noves Visions categoría no ficción, nos acerca a esa realidad de segundo grado que puede llegar a superar la impresión de verdad de la propia vida 1.0, otro modo, mundo que se pisa. Su sinopsis nos la resumen así: ¿Les suena de algo “second life”? Si desconocen este universo virtual que ha causado auténtico furor Life 2.0 les ofrece la oportunidad de ponerse al día. Si conocen esta isla en la que la gente vive bajo la apariencia de un vistoso e irreal avatar, el documental les permitirá penetrar en los secretos de este peligroso artilugio internáutico. Una mujer obesa que habita en un sótano y que vive en “second life” como la estilizada dueña de una línea de productos de lujo, un chaval que se hace pasar por una adolescente y una pareja que debe trasladar su relación virtual a la realidad son los protagonistas de este impagable documental. Second Life ha dado anécdotas que hacen reflexionar, hace un par de años Jean Marie Le Pen abría sede de su partido en ese mundo virtual, la reacción tardó poco en hacerse esperar: se organizó una manifestación dentro de Second Life mediante la cual sus usuarios, revestidos con sus avatares, consiguieron que el político ultraderechista tuviera que batirse en retirada. En Second Life se proyectan aspiraciones y se llevan a cabo acciones que no nos atreveríamos a llevar a cabo en nuestro mundo cotidiano. Jason Spingarn-Koff selecciona tres historias con las que logra ofrecernos una panorámica casi completa de lo que se da en esa vida paralela. Así nos enfrenta a ese par de casados que busca en la red una forma de evadirse al tedio de sus matrimonios y cree descubrir el amor verdadero en unos cuantos encuentros virtuales; a la obesa diseñadora gráfica que compensa las limitaciones de su obesidad y su extracción social duplicándose en la figura de una diseñadora de modas de estilizada silueta; y a un joven que encontrará en Second Life el modo de enfrentarse a fantasmas del pasado desarrollando parcelas de su personalidad que en su día a día no manifiesta, no sin pasar antes por una auténtica adicción que pone en peligro su vida sentimental y su vida laboral. Aunque se trata de una cinta de no ficción, en su arranque tenemos la impresión de estar ante una película de animación, porque el relato se construye intercalando las vivencias en Second Life con aquellas que se dan fuera de la red por parte de los protagonistas. Pero no es animación, claro, lo que recoge la pantalla es la representación que confeccionan los usuarios mediante sus avatares.
Cada usuario se proyecta en un doble mejorado de sí mismo que aparece en la pantalla como un retrato animado, pero no son meros dibujos como los que nos daban horas de diversión en nuestra infancia, son prolongaciones gráficas de ellos mismos y las experiencias que les permiten sus dobles se les hacen tan vividas como las que les llegan por los sentidos en nuestro mundo empírico. Eso es lo fascinante de Second Life: que inaugura una realidad paralela a la propia vida y que es percibida, incluso, como más verdadera que la cotidiana por quienes la construyen al conectarse. Nada está prohibido en esa vida 2.0, no existen las reglas de la naturaleza que nos impiden hacer todo cuanto nos venga en gana. Si nos apetece volar, lo hacemos; si deseamos cambiarnos sexo y edad, nada nos lo impide; si queremos disfrutar de una vida acomodada, llena de lujos, y poseer un físico envidiable, no tenemos más que construirlo con las herramientas que el programa ofrece; incluso podemos convertir esa actividad fantasiosa en algo que nos reporte beneficios monetarios en nuestro mundo cárnico.
Jason Spingarn-Koff nos muestra en su documental que al Mito de la Caverna platónico le ha nacido un correlato empírico y, al igual que en la alegoría del ateniense, ese mundo de sombras es una copia perversa del otro del que provienen los usuarios. Y es que cuando se les ha ofrecido a los humanos la posibilidad de crear un universo desde la nada, no han hecho otra cosa que recrear las lacras que definen nuestras sociedades. Pudiendo construir en la apariencia, en la virtualidad, un mundo en el que no existieran las diferencias sociales, donde el dinero no fuera necesario y la propiedad fuese compartida, donde los modelos estéticos no primaran sobre las virtudes del individuo, en Second Life todo ello se mantiene y hasta hace más fáciles los abusos al no existir un código de derecho que rija las actuaciones en Internet. Llega un punto en que la utopía dentro de ese mundo que habría podido ser paradisíaco, al menos en su fantasmagoría, es no rebasar los límites de nuestra existencia cotidiana, hacer que lo rijan las mismas leyes naturales, ponerle cercos a la imaginación para evitar sus desmanes. Lo real se vuelve ideal cuando lo ideal llega a encarnarse .
El documental de Spingarn-Koff no esconde, pues, los rostros perversos de Second Life ni los grandes interrogantes que surgen cuando hay que compaginar dos planos de realidad distintos en un mismo individuo, pero no se queda sólo en ello. Second Life nos brinda también la ocasión de inventarnos, como un niño que juega con Madelmans y les inventa vidas, salvo que nosotros somos los jugadores y el juguete. Para algunos equivale a una segunda oportunidad, a una forma de superar problemas proyectándolos en la imaginación, imaginación que crea, más que un álter ego, un yo mismo bajo circunstancias distintas. De todo ello también se da cuenta en Life 2.o. El documental va pasando por todas las dimensiones mediante la evolución de los entrevistados a lo largo del tiempo, nos muestra desde su viaje de la decepción a la aceptación, hasta su inversa, pasando por la estable satisfacción de la diseñadora gráfica. Montado con ritmo de film de ficción, va acompañando a los entrevistados por su peripecia en ambos planos de su realidad, se les entrevista tanto en el campo virtual (el propio periodista se presenta bajo un avatar) como en su primera vida, consiguiendo así transmitir como los usuarios mezclan en su quehacer las dos realidades fundiéndose en un todo sus recuerdos de ambas. El propio espectador se sumerge en los mundos virtuales y comprende, a la vez que se extraña de, esa vida desdoblada como si él mismo participara. En definitiva, Life 2.0 nos muestra que las especulaciones de futuro de la ciencia ficción han pasado a ser vivencias de nuestro presente.
Pese a todo, Second Life no ha tenido el crecimiento que se preveía, la red es un fenómeno tan cambiante que se hace difícil predecir su evolución. Lo único que es posible con rigor es hacer revisión de su historia y analizar su presente. Antes de Second Life fueron los chats y aún hoy es uno de los modos habituales de interactuar socialmente.
Hideo Nakata nos ofrece en Chatroom (2010) un drama juvenil que tiene su escenario en un chat de banda estrecha. El film, que fue rodado en inglés, sigue a un grupo de adolescentes que se introducen a través de internet en un juego peligroso, siguiendo los pasos de William, un tipo al que ellos en seguida toman como modelo a seguir. Hideo Nakata cambia con Chatroom, su habitual percepción del terror y nos sumergue en un thriller psicológico, que adapta de la obra teatral escrita por Enda Walsh, quien también se encarga del guión para la versión cinematográfica. Tachada por algunos de película de encargo, esta cinta que se presentó en Un Certain Regard en la pasada edición de Cannes, recurre a una inteligente ambientación para reproducir el mundo de los chats: Nakata los compara a un hotel en el que hay numerosas habitaciones, por los pasillos deambula un gentío, cada cual elige una habitación, William (Aaron Johnson, a quien acabamos de ver en Kick Ass) abre la suya propia esperando que lleguen a ella adolescentes de su mismo barrio. Allí llegarán Eva (Imogen Poots) , Jim (Matthew Beard) , Emily (Hannah Murray) y Mo (Daniel Kaluuya). William se erige en líder con la complicidad cercana de Eva e inicia un juego de sugestión y acoso a los miembros más frágiles de la sala. Cifra su objetivo especialmente en Jim, un joven en tratamiento psiquiátrico que todavía se siente culpable por el abandono de su padre. El mérito de Nakata es haber sabido desarrollar la mayor parte de la película en el entorno on line y mostrar las características de los chats, que tan bien conocemos quienes iniciamos nuestras singladuras internautas en ellos. Las salas que conforman el portal de chat muestran su tendencia mediante la decoración, así el de Eva, que trabaja como modelo está pintado en rosas fuertes y nos recuerda la frivolidad de la pasarela; un grupo de jóvenes violentos se reúnen en el canal La última sala y allí se comportan como trolls traduciendo Nakata sus agresiones verbales en forma de violencia física; la sala de Emily reproduce el mundo elegante de los buenos modales que su madre está empeñada que aprenda y de las paredes cuelgan retratos de las grandes mujeres que se le exige que sean sus modelos; etc. Por la actitud que mantienen los usuarios sabemos que algunos se entretienen en privados; el vocerío simultáneo nos da idea del scroll;
el permanecer en el grupo pero para sostener una charla entre unos pocos nos habla de como en el general no se mantiene una única conversación y como, aun que se esté hablando en público, se tiene la sensación de estar en un aparte con los amigos; figuras solitarias contemplando la sala desde una esquina reproduce la actitud de los lurkers; el desplazarse en grupo por los pasillos entrando en diferentes habitaciones reproduce esas invasiones que todo asiduo a los chats ha vivido. En suma, quien conoce los entresijos de los chats ve retratadas sus experiencias. Por último el uso del color transmite esa sensación de qué lo vivido en la red es más intenso y real que aquello que conforma nuestra cotidianidad en el mundo de la calle. Efectivamente, ese hotel que representa el hábitat on line, está fotografiado en colores cálidos, una atmósfera ocre, casi dorada donde se adopta un aspecto más atractivo que el que se posee fuera, ese exterior, ese off line, fotografiado en tonos fríos con predominancia de los grises y los colores degradados.
William es el líder de su grupo de amigos internautas, ante el relativo anonimato se crece. Posee habilidades que en la red son motivo de admiración: es capaz de hacer cortos de animación con plastelina que cuelga en youtube y muestra a sus amigos; conoce los trucos para sabotear sistemas de seguridad y eliminar de la sala a visitantes molestos, domina la tecnología lo suficiente como para actuar como un hacker; pero sobre todo es maestro en el arte de persuadir con la palabra. Su identidad virtual es totalmente opuesta a su personalidad real. En el mundo que se pisa William es un adolescente aquejado de un Trastorno de Personalidad Límite propenso a autolesionarse, acomplejado por el carisma de su hermano mayor que, a sus ojos, es preferido por sus padres, especialmente por su madre escritora que le ha dado el nombre de su hermano a su personaje más famoso. Acude a psicoterapia familiar y miente sobre su recuperación, incapaz como es de sobreponerse a sus traumas. Flirtea con el suicidio, pero sublima esa inclinación viendo vídeos en Internet donde otros jóvenes se suicidan. Valiéndose de su liderazgo en la sala de chat, se muestra como confidente de sus compañeros, pero no le interesa ayudarles sino someterles y dominar sus vidas. Llega un momento en que el juego se vuelve peligroso, pero ni quiere ni sabe pararlo aunque esté poniendo en peligro vidas ajenas.
En algunos círculos se ha tildado a la película de moralista y de lanzar un mensaje alarmista. A quien esto escribe le parece que la red es igual de peligrosa que la vida, no más pero tampoco menos. Ocurre sin embargo que en la vida tomamos precauciones para evitar percances y en Internet, más allá de tener instalado un cortafuegos y un antivirus, no tomamos ninguna porque nos creemos a salvo detrás de la pantalla. Si se frecuentan foros de opinión, se leerá muchas veces argumentos del tipo: «no hay que tomarse esto en serio», «con no leer es suficiente», «bastantes reglas hay en la vida como para que aquí también haya de haberlas»; sin embargo, el ciberacoso es suficientemente dañino como para no menospreciar sus características y sus efectos. La cultura digital toda

Megan Meier muestra de los peligros de la red
vía no está suficientemente desarrollada y cuando se trata de adolescentes la desinformación no es suya solamente, también aqueja a sus padres. Es un medio nuevo y se desconocen todas sus consecuencias, en cualquier caso está claro que el anonimato es campo abonado para llevar a término conductas que no podríamos en práctica en otros espacios. Tras el teclado nos sentimos impunes. Del anonimato pueden derivarse efectos beneficiosos: ayuda a hablar sin temor al qué dirán, facilita la creación de obras colectivas que no obedezcan a intereses particulares como la Wikipedia, permite ejercer la libertad al margen de las imposiciones sociales. Pero también sus contrarios. Vease por ejemplo el caso de Megan Meiers, adolescente estadounidense que fue inducida indirectamente al suicidio por la madre de una amiga oculta bajo la falsa identidad de un joven inexistente. Se puede debatir sobre qué límites legales cabe imponer a la red, pero los peligros existen y con ellos aparecen nuevas formas de miedo. Películas como Chatroom nos hacen reflexionar sobre ello.
Lo más esperado: Saw VI llega en octubre a las salas comerciales
Nuestro Diccionario de la Real Academia de la Lengua define la pornografía como:
pornografía.
(De pornógrafo).
1. f. Carácter obsceno de obras literarias o artísticas.
2. f. Obra literaria o artística de este carácter.
3. f. Tratado acerca de la prostitución.
Y entiende por obsceno todo aquello que resulte ofensivo para el pudor, que en este contexto es sinónimo de honestidad. La pornografía sería pues aquello que hace mella en el honor, lo deshonroso.
Las siguientes imágenes fueron consideradas deshonrosas, un atentado contra el pudor, por la autoridades chinas:
Deseo, Peligro (Lust, Caution, 2007, Ang Lee) sólo pudo exhibirse en China mutilada y occidente vio en ello una muestra de represión, un atentado contra la libertad de expresión que se considera derecho inalienable de la humanidad.
Así, Milos Forman en 1996 dirigía su personal alegato en el biopic El Escándolo de Larry Flynt (The People vs. Larry Flynt, Milos Forman). En la década de los años 70, la sociedad de Estados Unidos estaba inmersa en plena revolución sexual. Larry Flynt fue un empresario que abrió varios establecimientos de striptease, para aumentar sus ingresos (los clubs no daban muchos beneficios) se le ocurrió que podía promocionarlos creando el Boletín Hustler, que era una especie de panfleto con fotos de las chicas desnudas que trabajaban en su club y algo de texto, y repartirlo por diversos lugares de la ciudad. El Boletín Hustler comenzó a dar resultado y la clientela y éxito del club Hustler aumentaron notablemente, además de la popularidad de Larry Flint en Cincinnati. Pronto convirtió el
Boletín Hustler en una revista de venta en quioscos, revista que está considerada como la más explícita de su género todavía a día de hoy y se encuentra entre las más vendidas en EE.UU. Por otra parte Hustler tiene un gran contenido político en contra de los conservadores y moralistas estadounidenses, entre otros, además de incluir viñetas de caracter humorístico-sarcástico, consideradas muy obscenas,hay en ella una sección titulada Gilipollas del Mes (Asshole Of The Month), en la que a un personaje público se le otorga tal título. Pese a los aires de libertad que se respiraron a partir de los 60, Larry Flynt tuvo que vérselas con la justicia durante casi una década, pleitos relacionados con las leyes de obscenidad que le supusieron varias estadas en la cárcel y la invalidez, esta última a causa de un atentado que sufrieron él y su abogado a la salida de uno de esos juicios. Finalmente ganó ante el Tribunal Supremo de Estados Unidos un complejo caso de difamación que le enfrentó con el famoso telepredicador James Falwell. Milos Forman no esconde los aspectos más oscuros, sórdidos y vulgares de su biografía, pero le eleva hasta la altura de ser paladín de la libertad de expresión, resumiéndose su argumento en las palabras que pone en boca del protagonista: Si la Primera Enmienda protege a la escoria como yo, entonces os protegerá también a todos vosotros.
Sociedad Occidental vs. Países Tercermundistas Represores, es lo que parece extraerse de los ejemplos que hemos expuesto hasta aquí, quedando mostrada la superioridad moral de la tolerancia de los primeros frente a la férrea censura de los otros. Sin embargo, no todo es tan diáfano. En nuestro mundo desarrollado también existe la censura, salvo que se estiliza, se sublima mediante la articulación de todo un catálogo de clasificaciones que condicionarán la exhibición de una obra artística sobre todo cuando se trata de películas. Nuestra España, esta España nuestra, entró en la galería del puritanismo absurdo cuando el Ministerio de Cultura condenó a Saw VI a las salas X (de las que sólo hay ocho, cuesta de creer el dato siendo este un país de todo tipo de pajilleros).
La saga Saw será de sobras conocida por los que sean asiduos a este blog, pero hagamos un pequeño resumen por si recala en este puerto algún pulpo despistado. Las películas de Saw narran las maquinaciones de Jigsaw, un enfermo terminal de cáncer con un riguroso plan moral y un peculiar talento para los juegos de supervivencia más truculentos, «jugados» por personas que él considera que han dejado de valorar y apreciar el regalo de la vida. Leigh Whannell, que escribió la historia original junto con el director James Wan y que ha escrito o coescrito los guiones de Saw, SawII y Saw III, dice: «El cáncer de Jigsaw le ha llevado a reflexionar mucho sobre lo que significa estar vivo y sobre lo cerca que estamos siempre de la muerte. Pero, para él, no basta con un simple carpe diem y un viaje a Europa.
El concepto del valor de la vida se convierte en un trampolín para considerar otras elecciones morales, como el perdón frente al castigo. Jigsaw sigue indagando en estas cuestiones, que sirven al propósito de sus juegos. Sin embargo, por retorcidos que sean estos juegos, su intención es ayudar a la gente. Entre su vertiente filosófica y su enfermizo concepto del altruismo, quiero pensar que Jigsaw es de algún modo único en el universo del terror». Saw, que es la más taquillera de las sagas conocidas hasta ahora, bajo su brillante manejo de las emociones más primarias (la confusión desesperada, la horrible sensación de impotencia y el pánico más absoluto), nos propone una reflexión moral sobre hasta dónde estaríamos dispuestos a atentar contra nuestros principios humanos con tal de salvar nuestros pellejos. Leigh Whannell, que escribió la historia original junto con el director James Wan y que ha escrito o coescrito los guiones de Saw, Saw II y Saw III, dice: «El cáncer de Jigsaw le ha llevado a reflexionar mucho sobre lo que significa estar vivo y sobre lo cerca que estamos siempre de la muerte. Pero, para él, no basta con un simple carpe diem y un viaje a Europa. El concepto del valor de la vida se convierte en un trampolín para considerar otras elecciones morales, como el perdón frente al castigo. Jigsaw sigue indagando en estas cuestiones, que sirven al propósito de sus juegos. Sin embargo, por retorcidos que sean estos juegos, su intención es ayudar a la gente. Entre su vertiente filosófica y su enfermizo concepto del altruismo, quiero pensar que Jigsaw es de algún modo único en el universo del terror». La coherencia temática y estilística de la saga SAW debe mucho al compromiso y la colaboración de un equipo central que incluye a sus creadores, James Wan y Leigh Whannell, el guionista y director Darren Lynn Bousman, que se unió al equipo en Saw II, los productores Oren Koules, Mark Burg y el difunto Gregg Hoffman, así como los productores ejecutivos Stacey Testro, Peter Block y Jason Constantine. El equipo creativo principal ha participado en la saga desde el principio, y a él pertenecen el director de fotografía David A. Armstrong, el director artístico David Hackl, el montador y actual director Kevin Greutert, y el compositor Charlie Clouser, antiguo componente de la banda de rock industrial Nine Inch Nails.
Otro miembro importante del equipo de Saw es el actor Tobin Bell, que ha interpretado a Jigsaw en todas las películas. En un estudio sobre las películas de terror actuales, publicado el 7 de septiembre de 2007 en el periódico L.A. Weekly, el crítico de cine Luke Thomson escribió: «La interpretación de Tobin Bell en el papel de Jigsaw es un prodigio; es el mejor antihéroe del género desde que Anthony Hopkins interpretara por primera vez a Hannibal Lecter». En julio de 2009 se llegaba a la sexta entrega y con ella vino el escándalo.
Todo empezaba cuando nos enterábamos de la decisión de la Comisión del Ministerio de Cultura de clasificar «X» la película Saw VI, algo que no se daba desde hacía muchísimo tiempo (sólo Asesinos Natos de Oliver Stone estuvo a punto de ser censurada). A instancias especialmente de Ignasi Guardans que tiene a Sonrisas y lágrimas (The sound of music, 1965, Robert Wise) como una de sus películas favoritas. Era la primera vez que se aplicaba, además, esta clasificación a una película de terror en la que no hay escenas de sexo explícito. La película quedaba condenada a las salas X y la productora tomaba la decisión de no estrenarla. Un auténtico terremoto sacudió Internet y fueron muchísimos los que se movilizaron para poderla ver on line, la censura sólo había servido para fomentar aquello que el Ministerio de Cultura y la «amada» SGAE quieren evitar. Un año más tarde DeAplaneta se hacía con los derechos y ha conseguido estrenarla no sin antes haberla mutilado (hasta 1′ 20″, lo que supone bastantes planos) a la vez que anuncia su pronta distribución en DVD, sin cortes, claro. Ello sumado al hecho de que DeAplaneta posee igualmente los derechos de distribución de Saw VII en 3D (que en principio ha de llegar a los cines españoles en diciembre, aunque corren noticias contradictorias) nos da motivos para sospechar que tras todo ello hay una campaña de marketing (que se la estamos ejecutando gratis, además) para obtener los máximos beneficios con una película que ha despertado más interés por motivos extra cinematográficos que por ella misma. Que se haya obtenido la clasificación Mayores de 18 años es una victoria, sí, pero una victoria pírrica.
Quien esto escribe, tras verla (en pase de prensa, ¿eh? no pirateada), todavía entiende menos que se le aplicara la clasificación X. ¿Qué nos cuenta y qué nos muestra Saw VI? Como siempre esta nueva entrega resuelve enigmas del enrevesado puzzle que define su trama. El agente especial Straham está muerto, y el detective Hoffman es el sucesor de Jigsaw y su juego macabro. Sin embargo, cuando la Brigada de Investigación Criminal comienza a estrechar el cerco a Hoffman, lo forzarán a poner en marcha el juego complejo de Jigsaw… y por fin a entenderlo por completo. Bueno, por completo, por completo, no, que la película concluye de modo que se hace necesario ver el siguiente episodio si queremos ver cómo avanza todo esto. Y es que Saw tiene más aire de serie televisiva que de saga cinematográfica, sin que haya que ver en esto una crítica negativa, al fin y al cabo, la HBO nos está dando mejores momentos que gran parte de la producción cinematográfica actual. Nos lo recuerda también su montaje, ágil, con planos cortos de breve duración, los cuales contribuyen a dotarla de un ritmo de vértigo que te mantiene pegado a la silla. Saw VI es lo que se espera de ella: una cinta de intriga salpicada de sangre y violencia. La pregunta del millón es: ¿puede herir la sensibilidad de un adulto (y con 18 años ya se es suficientemente maduro para verla)? Y la respuesta es no.
No, no puede herirla y no puede hacerlo porque en Saw VI (y en el resto de la franquicia) la violencia es lúdica. Trato de explicarme. Saw persigue el espectáculo no la verosimilitud, nos pone ante un psychokiller peculiar, un ser que está tejiendo una venganza contra aquellos que no saben apreciar la vida y lo hace mediante un juego macabro en el que las pruebas a superar son ser capaz de causar un daño mayor del que te causes a ti mismo para sobrevivir y poco sufrimos por los personajes, no nos transmiten la impresión de que podríamos encontrárnoslos en la panadería o en la farmacia comprando pañales para un bebé.
Eso no ocurría tanto con Hostel (2006, Eli Roth), al menos la larga presentación nos hace desarrollar algún tipo de sentimiento hacia esos estudiantes en busca de sexo, drogas y alcohol. Pero incluso en ese caso, en el de Hostel, las escenas son tan distintas a lo que podría parecer real que los que estamos avezados no nos removemos en nuestros asientos. Muy distinto sería el caso de Carancho (2010) de Pablo Trapero interpretada por Ricardo Darín y Martina Gusmán; excelente y descarnada película argentina que no nos ahorra la suciedad de ese mundo de mercadeo de las aseguradoras sobre los más débiles, con una historia de amor límite entre un buscador, un carancho, y una doctora del servicio de urgencias que sobrelleva su trabajo gracias a las drogas. Todo ello enmarcado por los accidentes automovilísticos tan exageradamente abundantes en Argentina. Nos ponemos en la piel del carancho (Ricardo Darín) y de la doctora (Martina Gusmán) y de todos los personajes secundarios, por eso, los golpes que reciben, los recibimos con ellos. Si Trapero hubiese rodado una película extrema con esos mimbres, sí podríamos sentirnos heridos. Porque, como descubrí contándola a un amigo, lo que ocurre ante nuestros ojos en Carancho es real (sic), dije real a pesar de las miles de horas de cine que han visto mis ojos, a pesar de que soy consciente de estar viendo una ficción. Eso en Saw VI no ocurre en ningún momento.
¿Qué mal podría hacer Saw? Se la podría acusar de banalizar la muerte, el dolor y la violencia a fuerza de presentárnoslos como espectáculo. Pero eso mismo pasa con los videojuegos y hasta con el Correcaminos si hilamos fino. Los jóvenes están acostumbrados a matar y morir jugando, eso puede llevarles a insensibilizarse ante las imágenes reales que nos asaltan (sin ser clasificadas X) en los telediarios
, porque podrían no llegar a distinguir lo real de lo ficticio. Cuando en vez de juntar letras en un blog, me ganaba la vida honradamente dando clases, me encontré con un alumno que disfrutaba con los accidentes que veía desde el balcón (vivía ante un semáforo que regulaba el cruce entre dos vías rápidas); aquella era sangre real, y bien real, que veía correr ante sus ojos, pero que, lejos de moverle a compasión, le provocaba el placer del morbo. Aunque pudiera haber en esa actitud alguna influencia de los juegos, las películas de animación u otras como puede ser el caso de Saw, ello no sería motivo para prohibirlas. En verdad, nuestra sociedad contemporánea recurre excesivamente a la prohibición, en nombre de la seguridad, estamos renunciando a la libertad y, lo que es peor, haciendo dejación de nuestra responsabilidad a un Estado cada vez más paternal y más coercitivo. Más deshonrosa, más vejatoria para el individuo, nos parece la aceptación acrítica del Gran Hermano que dejar que las imágenes de Saw VI penetren en nuestras retinas.
FOCUS 3D EN SITGES 2010
SONY y GAS NATURAL FENOSA serán los partners de la sección FOCUS 3D de SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. La imagen de ambas marcas estará relacionada con toda la programación del cine en relieve, vinculada a la pantalla del Auditorio a través de los spots en 3D que protagonizan y con presencia en la sede principal del Festival, el Hotel Meliá.
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Sitges 2010 despegó en el Palau Marc
Ayer lunes día 4, en un mediodía soleado y ventoso, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña se ponía de largo. Fue en el salón de actos del Palau Marc, neoclásico edificio que se hizo construir un comerciante de Reus, allá por el siglo XVIII, y que actualmente es la sede de la Conselleria de Cultura de la Generalitat. Mediante una rueda de prensa, se llevó a cabo la presentación oficial que contó con la presencia de Antoni Lladó, Director de l’Institut Català de les Indústries Culturals, Gabi Serrano, Regidor de Cultura del Ayuntamiento de Sitges, y Ángel Sala, Director del Festival.
Antonio Lladó, como representante de la Generalitat, informó de dos novedades importantes: por una parte, Catalan Films & TV, juntamente con Televisió de Catalunya, organiza una serie de actividades para la industria cinematográfica, de la que destacamos la jornada de videojuegos, este año en su tercera edición que se celebrará el día 15 de octubre; por otra se anunció la colaboración entre el Festival de Sitges y la Filmoteca de la Generalitat, las dos instituciones que más hacen por el cine en Cataluña. Los frutos de la reciente colaboración entre Filmoteca y Festival han sido dos sesiones de lujo: Segundo de Chomón, El cine de Fantasía que comprende 31 de las mejores piezas, remasterizadas, de este gran pionero; será el día 12 a las 12,15 en el Casino Prado, bonito vermú de un día festivo, pues siempre es delicioso poder disfrutar en pantalla grande de este cine tan enraízado con la magia y que, junto a Méliès, supuso el nacimiento del fantástico. La otra sesión es también muy, muy especial, se trata de la que nos permitirá gozar de la ópera prima de Joe Dante (con cuya presencia contará esta edición), The Movie Orgy (1968) que el propio director definió como una película de siete horas diseñada para poder entrar y salir de la sala sin perder nada importante.
No se asusten que la copia que se proyecta dura «sólo» cuatro horas y cuarenta minutos, pero se trata de una película documental, una extravagancia documental sería más apropiado decir, sobre el cine y la televisión, especialmente sobre el divertido cine explotation. En opinión de algunos se trata de una obra de imprescindible visionado, eso será en una sesión golfa que se inicia el lunes a las 00,30 y terminará casi con el sol emergiendo del mar en las bonitas playas de la Blanca Subur. Y si les resulta imposible desplazarse a Sitges o no quieren trasnochar hasta ese punto, pueden verla en la Filmoteca de Cataluña el miércoles 13 a las 19h también con la presencia de Joe Dante.
Hablando de playas, precisamente, Mike Hostench, subdirector del Festival, reconocía en una entrevista grabada hace dos años, que uno de las principales objetivos del Festival es promocionar esta villa costera, no hay que olvidar que eso estaba ya en la mente de Antonio Rafales, su primer director, y que esta fue una de las principales intenciones de ese hombre que casi todos se olvidan de mencionar (para conocer a fondo la historia del Festival de Sitges recomiendo que se lea la serie que está dedicándole Ausente en su blog). La vinculación entre ciudad y certamen fue puesta de manifiesto por Gabi Serrano como representante del ayuntamiento. Desde su visión uno de los actos más importantes es la Zombie Walk (cosa que alegrará a nuestra amiga Mitsuko) dado que entonces la propia ciudad se convierte en escenario de la representación. Y a nosotros también nos parece una cita importante que tendrá lugar el próximo sábado día 9.
Tras el representante municipal le toco el turno a Ángel Sala, director del Festival, y las suyas eran las palabras más esperadas. Había algunas dudas que quedaron despejadas a lo largo de su intervención: finalmente ni Psicosis (1960), ni Piraña 3D por diferencias entre su productora y su distribuidora, ni Regreso al Futuro por expreso veto de Universal (más interesada, según parece, en un futuro lanzamiento en Blu Ray), estarán presentes para tristeza de los aficionados. Pero la tristeza durará poco, dado que en esta edición se cuenta con un record de films exhibidos, todos ellos de innegable calidad e interés. Es tal el número de cintas presentes que la repetición de los pases es menor que en otros años, en buena medida por el elevado coste de los alquileres de las copias. Se promete, pues, muchas horas de diversión asegurada y así lo está entendiendo el público: de mantenerse la proporción de venta de entradas habida hasta ahora, este año el número de espectadores será superior al del año pasado que, hasta ahora, había sido el que mayor beneficio aportó con 60.000 entradas vendidas. Dato satisfactorio para nosotros puesto que ello redundará en que el Festival siga ocupando el lugar de importancia que ocupa y éste es el que le pilla más cerquita a Serendipia.
Quiero destacar una frase de Ángel Sala con la que estoy especialmente de acuerdo: «el género fantástico es el que más ha hecho evolucionar y avanzar al cine». En ese sentido iba mi recomendación de ver las películas de Chomón, pero si no os cuadra en vuestra parrilla, a la que no podéis faltar de ninguna de las maneras es a la proyección de la nueva copia de Metrópolis.
Tras un largo trabajo de restauración, cuyos pormenores podéis conocer en la página de Kino Internacional , podremos disfrutar de veinticinco minutos más con una calidad de imagen no conocida hasta ahora. Pero Sitges demuestra la buena salud del fantástico no sólo por la revisión de los clásicos, sino porque también es trampolín para nuevos realizadores en su sección Brigadoon y también este año dentro de la sección oficial, que ha sido diseñada siguiendo tres líneas directrices. La primera es la que nos lleva a conocer el cine emergente de los países sudamericanos, bajo esta panorámica se han programado tres films, la argentina Fase 7, la mexicana Somos lo que hay y la uruguaya La Casa Muda por la que hicimos una apuesta personal hace muchos meses, antes de que llegara a Cannes, y que es, junto a la de Carpenter la película que más entradas está vendiendo. En consonancia con esta indagación de lo más novedoso se han incluido una serie de películas que abordan un miedo muy contemporáneo: los problemas que puede darnos la gran red de redes. DestacamosChatroom del director de The Ring, Hideo Nakata y Life 2.0 documental sobre Second Life. Pero eso no significa que se haya olvidado a los monstruos más tradicionales, esa es la tercera directriz. Este año el protagonismo es para el vampiro en un intento por recuperar su imagen más salvaje después de haberse amariconado tanto con la saga Crepúsculo, con títulos como We Are The Night, Stake Land, Prowl (de la que se ofrece el estreno mundial) y más de entre los cuales resaltamos Let me in, con la nínfula Chloe Moretz, remake de la sueca Déjame entrar, película esta que supone el debut de la nueva Hammer. Es deseo de muchos que el renacimiento de la Hammer suponga la recuperación del mejor terror gótico; desde el Festival se apuesta por ello como lo prueba el libro que se publicará como resultado de su colaboración con la Editorial Valdemar.
Si el vampiro es protagonista entre los monstruos más clásicos, no faltan tampoco otros más modernos, como el pshychokiller, con películas como la española Secuestrados; y los zombies que tendrán su propia maratón (The Dead, Damned by Dawn, Evil in the Time of Heroes, más el corto Alice Jacobs is Dead) coincidiendo con la Zombie Walk que este año invadirá las calles de la villa.
En esta 43ª edición, en suma, nos esperan muchas emociones fuertes. Hay que hacer especial mención a A Serbian Film que promete ser la más burra de todo el Festival, hasta el punto de que uno de los periodistas presentes en la rueda de prensa llegó a preguntar si habría algún servicio de urgencias a lo que Ángel Sala replicó que únicamente se reservaban el derecho de admisión para vigilar que no hubieran menores en la sala. ¡¡¡El director confesó, además, que él la ha visto una vez y no piensa repetir!!! Si queréis verla llevando el cuerpo preparado os recomiendo que leáis esta crítica publicada por El Rector en el blog Nido de Cuervos.
Sin embargo, llamándose este blog Proyecto Naschy, para nosotros el plato principal del menú será el homenaje a Paul Naschy que salpica el festival a lo largo y a lo ancho. Empieza el propio día de la inauguración con el pase de El hombre que vio llorar a Frankenstein, documental producido por Scifiworld como ya os anunciamos en su día, más el corto Los árboles a cuyo director y actriz les hicimos una entrevista. El homenaje continuará el viernes día 8 en la Sala Tramuntana con Recordant a l’home llop.
Pero tendrá su momento estelar con las proyecciones de El gran amor del conde Drácula, como retrospectiva, y el estreno español de los últimos films en los que colaboró: La Sombra prohíbida, segunda entrega de La Herencia Valdemar, como actor; y Empusa, tan esperada, como director.
En el homenaje estará presente la mítica Caroline Munro quien además recibirá una María Honorífica. Otros premios honoríficos destacables son el Nosferatu que recibirá Eugenio Martín director, entre otras, de Una Vela para el Diablo, en una copia nueva (¿será sin cortes?), que acompañará al documental dirigido por Diego López y David Pizarro, Los perversos rostros de Víctor Israel del que ya os informamos en su día. Compensa a los aficionados por la ausencia de Regreso al futuro, el Máquina del Tiempo concedido a Richard Kelly, director de Donnie Darko, auténtica cinta de culto cuya versión del director podrá verse en las salas de Sitges. El Gran Premio Honorífico con su King Kong irá a manos de Vincent Cassel, viejo conocido de Sitges desde El pacto con los lobos (como si fuera poco premio estar casado con Mónica Bellucci). Otras menciones honoríficas corresponderán a Joe Dante, Rebeca de Mornay, Tom Savini, el fantástico maquillador y así hasta completar la lista. Especial querencia sentimos por la María Honorífica que le será entregada a Roger Corman, al que podremos ver paseando por Sitges junto a su esposa Julie. Auténtico lujo es el de poder conocer a toda una institución para el cine de terror como es el viejo Corman al que le debemos muchos momentos de diversión de pipas.
La de Corman, sin embargo, no será la única presencia relevante, tanto por lo que hace referencia a los invitados como a lo que hace referencia al jurado. Podéis preparar vuestros materiales para ir a la caza de autógrafos, pues podréis cruzaros con Belén Rueda, Antonio de la Torre, Emilio Gutiérrez Caba, Srdjan Spasojevic con el que podréis discutir sobre si A Serbian Film contiene o no violencia gratuita, Eduardo Noriega, Kim Ji-woon, Ivana Baquero, Lluis Omar, Pedro Olea, Candela Peña, Sergi López y un largo etcétera. A quien no se verá es a Jack Nicholson pese a que el Festival conmemora el 30 aniversario de El Resplandor, el hombre no debe de saber siquiera que existe La Blanca Subur. En cuanto a la protagonista femenina, Shelley Duval, hace años que vive retirada y no quiere saber nada del cine, mientras que el niño, Danny Lloyd, en la actualidad es un respetable profesor de química al que la cinta todavía le recuerda sus traumas. De hecho fue muy difícil seleccionar a un invitado puesto que muchos miembros destacados del equipo pasaron a mejor vida (habría que preguntarse si aquel hotel de montaña no tendría, después de todo, alguna maldición). Finalmente la representación ha recaído sobre Jan Harlan, productor ejecutivo que formará parte del jurado.
Todos los medios se han hecho eco de la presencia en él de Jaume Collet-Serra director de La Huerfana, pero nosotros queremos destacar la presencia del amiguete Dani Moreno formando parte del jurado Brigadoon.
No queríamos terminar este repaso de lo que dio de sí la rueda de prensa sin cotillearos una anécdota. Sin que haya demérito para las películas catalanas (¿?) que se verán en la muestra, Los Ojos de Julia, Agnosia, 14 días con Víctor, Lo más importante es no estar muerto, etc.; los miembros de la mesa se estaban felicitando por su labor para con el cine catalán, pero en el momento de exhibir el vídeo con sus mejores escenas, tachán, hubo problemas con el DVD y no pudieron verse. Nos pareció un bonito desplante a este chauvinismo pueblerino y casi una pequeña venganza personal por haber tenido que aguantar el pasado sábado a Santiago Segura y Álex Angulo hablando en la lengua de Jaume el Conqueridor en El Gran Vázquez por culpa de una tiránica cuota de copias en catalán como condición para recibir las subvenciones.
Fandom Sitges propone a todo el público del Festival la creación de un documental
El objetivo es captar el ambiente de Sitges y hacer una crónica entre todos
Crear un documental entre todos. Este es el proyecto que propone Fandom Sitges para la edición de este año SITGES 2010 – 43 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Para participar en este proyecto colaborativo, hay que enviar uno o más vídeos de no más de un minuto de duración a http://www.fandomsitges.com/?lang=es. Se aceptan todo tipo de imágenes que tengan el festival como protagonista: aventuras cotidianas por Sitges, el ambiente en las colas, la vida nocturna u opiniones sobre las películas proyectadas.
El objetivo es captar el ambiente de Sitges y hacer una crónica entre todos. Los vídeos pueden enviarse del 7 al 24 de octubre. Las imágenes pueden estar grabadas usando el móvil o la cámara de vídeo. Se pueden enviar tantas piezas como se quiera, pero cada pieza no podrá superar el minuto de duración ni ocupar más de 200 MB.
Además, el autor del vídeo más original, divertido o interesante ganará una Butaca VIP para la edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya del año que viene y todos los que participen aprecerán citados en los créditos de la película.
Fandom Sitges pretende llevar el espíritu de las redes sociales a Sitges, precisamente el año en que el festival proyecta, como mínimo, tres películas relacionadas con el tema, y David Fincher estrena The Social Network sobre la creación de Facebook. Por otro lado, la autoedición, las películas hechas con el móvil y la creación cooperativa han ganado adeptos entre los usuarios de la red y los amantes del cine.
Fandom Sitges es un proyecto de la página web especializada en cine fantástico y de terror Judexfanzine, la promotora Road to the Cryptshow y el artista multimedia Garbi KW que cuenta con la colaboración de Brigadoon i SITGES 2010 – 43 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
DVD / Blu-ray: Octubre
Poco o nada destacable entre los lanzamientos de este octubre, por lo que se supone que las distribuidoras se están preparando para atacar el mercado navideño, cosa que sucederá a partir de noviembre. Para seguidores de la serie Regreso al futuro, se edita la trilogía tanto en DVD como en Blu-ray, pero todavía no se saben todos los detalles. Procuraré ir ampliando la información conforme se vaya produciendo.
MAZINGER Z Vol. 2 (Selecta Visión)
Vive la aventura de nuevo por primera vez con este ‘remake’ único protagonizado por los mismos personajes que la serie original. El descubrimiento de la Energía Fotónica derivada del mineral Japanium puede poner fin a la crisis energética del planeta. Pero el Dr. Infierno, un lunático que ansía conquistar el mundo, ataca el Laboratorio de Energía Fotónica para apoderarse de él. Para llevar a cabo sus oscuros propósitos cuenta con el maléfico Barón Ashura y las Bestias Mecánicas, un ejército de imparables engendros artificiales desenterrados de la mítica Isla de Rodas. Ahora, el único que puede hacerles frente es el joven e impulsivo Koji Kabuto, a los mandos de la mayor invención de su abuelo y último bastión de la humanidad contra las fuerzas del mal: el súper robot Mazinger Z.
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Características del DVD:
Episodios:
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Otros datos de interés de Mazinger Z (Shin Mazinger Z) – Volumen 2 DVD
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Alf… ¿amante de los gatos? Hay que añadirlo a la lista de los distintos papeles de este tierno y encantador extraterrestre en la Temporada Cuatro, incluyendo ministro, artista, negociador de bolsa y periodista. La familia Tanner se encontrará con abundantes cambios, también. Hay un nuevo bebé, al cual, ALF pierde la primera vez que hace de canguro. Y, el hermano pequeño de Willie, Neal, está recién divorciado y se encuentra bastante confundido. Con apariciones especiales de David Spade y Fran Drescher, está última temporada de ALF termina con él tomando una gran decisión sobre si abandonar la tierra y lo que más quiere para instalarse en nuevo planeta. ¿Lo hará? Este episodio servirá para que todo el mundo se de cuenta de cuanto echará de menos a esta chistosa bola de pelo Melmaciana cuando se haya ido. |
Otros datos de interés de Alf – Cuarta Temporada DVD
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Remake de “The crazies”, la cinta que el veterano George A. Romero realizó en 1973. Una misteriosa toxina en el agua convierte a cualquiera que esté expuesto a ella en un asesino sin escrúpulos. Los residentes de una idílica ciudad empiezan a sucumbir a un desenfreno incontrolable de violencia y la escalofriante masacre acaba en una sanguinaria anarquía. En un intento por controlar la epidemia, el ejército envía una fuerza de élite a bloquear los accesos a la ciudad, aislando a los pocos ciudadanos no infectados que quedan y dejándolos a merced de los despiadados asesinos que acechan en la oscuridad.|
Características del DVD:
Contenido Extra:
Disco 1
Disco 2
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Otros datos de interés de The Crazies – Edición Especial DVD
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Arthur Poppington es un tipo corriente que cree ser un superhéroe Con un elevado sentido de la justicia, Arthur (Woody Harrelson) se disfraza cada noche con un cutre disfraz de superhéroe hecho por él mismo y, adoptando la identidad de «Defendor«, deambula por las calles para hacer el bien y dar un buen escarmiento a todo delincuente que tenga la mala fortuna de cruzarse en su camino. Y digo mala fortuna porque cada vez que Arthur/Defendor entra en acción, éste se lleva una buena paliza.|
Otros datos de interés de Defendor DVD
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Samantha Darko, hermana de Donnie, que al cumplir 18 años viajará hacia Los Angeles junto a su mejor amiga para tratar de triunfar en Hollywood. Sin embargo, sus sueños se verán truncados cuando sufran una avería en el coche en un pequeño pueblo de Utah. Mientras esperan unos días a que su vehículo sea reparado, y son molestadas por un grupo de jóvenes del lugar, inexplicablemente un meteorito caerá en el lugar y las cosas empiezan a parecer que no han sucedido por casualidad. Samantha comienza a tener sueños apocalípticos que le advierten de la destruccion del universo y la joven tendrá que enfrentarse a sus sueños mientras tratará de encontrar la manera de salvarse ella misma y al resto del mundo. Tony Curtis muere en las Vegas
Vaya, yo que venía a hablar del 50 aniversario de Los Picapiedra, va y se nos muere otro de los grandes, el gran Tony Curtis. Vale, la verdad es que el hombre estaba ya bastante cascadillo pero… uno no puede evitar sentirlo, y mucho, cada vez que fallece una de las leyendas del Hollywood clásico que tanto adoramos en esta casa. Sí, de acuerdo, tenía 85 años y estaba bastante cascadillo debido quizás un poco a la vida disipadadilla que le llevó a curas de desintoxicación de drogas y alcohol pero… es que no puedo recordar a Tony Curtis de otra forma que eternamente joven e impecable, incluso cuando compartía película con los tipos duros de Hollywood, como Kirk Douglas en Los Vikingos o Yul Brinner en Taras Bulba, films que hemos visto de niño y de esos que tan bien envejecen. Puede que ustedes se pregunten, «Si, pero, ¿Que, que hace Tony Curtis en Proyecto Naschy?»: Bien, tengan paciencia, luego les cuento.
Natural del Bronx y de origen judío (su nombre era Bernard Schwart), entra en el mundo del cine en 1949 realizando pequeños papeles bajo el nombre de Anthony Curtis y saliendo, aunque sea de refilón en clásicos de la talla de El abrazo de la muerte (Criss Cross, 1949 Robert Siodmak) Mi Mula Francis (Francis, 1950 Arthur Lubin) y Winchester 73 (1950, Anthony Mann), pero su constancia obtiene recompensa y recibe su primer papel protagonista en la fantasía oriental Su Alteza el ladrón (The Prince Who Was a Thief, 1951 Rudoph Maté) y a partir de ahí su carrera no deja de subir, formando parte de grandes producciones como El Gran Houdini (Houdini, 1953 George Marshall), Trapecio (Trapeze, 1956 Carol Reed), Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success, 1957 Alexander Mackendrick), Los Vikingos (The Vickings, 1958 Richard Fleischer), Fugitivos (The Defiant Ones, 1958 Stanley Kramer), Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959 Billy Wilder), Espartaco (Spartacus, 1960 Stanley Kubrick), Taras Bulba (1962, J. Lee Thompson) y La carrera del siglo (The Great Race, 1965 Blake Edwards) entre muchísimas películas que no podemos (ni
debemos olvidar), compartiendo actuación con actores y actrices de la talla de Burt Lancaster, Kirk Douglas, Frank Sinatra, Natalie Wood, Sidney Poitier, Robert Mitchum, Gregory Peck, Yul Brynner, Cary Grant, Dean Martin, Debbie Reynolds, Jack Lemmon, Henry Fonda, Sharon Tate y por supuesto su esposa Janet Leigh, con la que compartió varios títulos.
Tony Curtis, fue el hombre que terminó hasta las narices de Marilyn Monroe (al igual que todo el equipo de Con faldas y a lo loco) llegando a decir que besarla a ella era como besar a Hitler, pero que más tarde se desdijo en Sitges declarando algo bien distinto: «En la escena tórrida del barco hizo todo lo posible para que yo tuviera una erección. Como soy humano, acabó lográndolo. Así que tengo que decir que besar a Marilyn era como follar con ella, y perdón por la vulgaridad». También era amigo de Ed Wood y parece ser que tenian la misma afición por el travestismo, según cuenta la esposa de Wood, Kathy. Y Curtis es el mismo hombre que protagonizó la escena que se censuró de Espartaco, esa escena (más tarde recuperada) compartida con Laurence Olivier, en la que este le pregunta al efebo Curtis mientras le baña, si prefiere los caracoles o las ostras… Tony Curtis era todo un actor que se metió en todo tipo de películas, y es que ya saben como eran los actores de antes, así que cuando se decidió a hacer de malo, fue MUY malo.
¿Ven como les hablo al final de cine de terror?
Las dos partes de Serendipia recuerdamos haber visto de niños en el cine El estrangulador de Boston (The Boston Strangler, 1968 Richard Fleischer) una película basada en los asesinatos reales de Albert DeSalvo, y en la que no se corta en ser un tipo realmente enfermizo, realizando uno de los primeros retratos descarnados y sucios de un asesino en serie, todo ello sin ahorrar la vertiente sexual de los asesinatos. El niño que yo era no supo entender que la cara que ponía cuando culminaba un asesinado era la de un orgasmo, mientras que la parte femenina de Serendipia recuerda perfectamente que la escena de violación le fascinó, de tal modo que le causó numerosas ensoñaciones (lo que hace que me pregunte: ¿Con que tipo de mujer estoy conviviendo?)
Una inolvidable e innovadora película que utilizó la pantalla partida que posteriormente tan buenos resultados diera a, por ejemplo Tarantino en Kill Bill Vol. 1 y que es de lo poco de cine de terror que hizo el actor, aunque también hay alguna cosilla curiosa más, como su colaboración en La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968 Roman Polansky) en la que, sin acreditar, presta la voz a uno de los personajes o en La Cámara de los horrores (Chamber of Horrors, 1966 Hy Averback) en la que también hace un pequeño papel.
Curtis, se casó seis veces, siendo la primera la también actriz Janet Leigh, con las que estuvo casado durante once años. A finales de los sesenta comenzó a compaginar la carrera cinematográfica con actuaciones para series televisivas, prolongándose su filmografía prácticamente hasta ayer, falleciendo de un ataque al corazón el 29 de septiembre en Las Vegas, como los grandes, quedando también para la historia su joven cara de galán inmortalizada en la portada de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles.
Por otra parte no hay que olvidar que si Tony Curtis interpretó a uno de los más memorables asesinos psicópatas cinematográficos, su esposa, Janet Leigh (Marion Crane en la ficción) fue asesinada en la ducha por Norman Bates (Anthony Perkins) en Psicosis (Phycho, 1960 Alfred Hitchcock) y que la hija de ambos, Jamie Lee Curtis fue perseguida en varios films por el mismísimo asesino de Halloween.
Y ya que he nombrado a Los Picapiedra, Tony Curtis puso la voz a un personaje que era una parodia de sí mismo, Stony Curtis, así que, ¿ven? al final les he hablado de Los Picapiedra (¡Iabadabaduuuuuuuuuuuuuuuu!!!!!)
Buried (Enterrado): Rodrigo Cortés o el nuevo Hitchcock renacido
Después de disfrutar de un final vertiginoso y adrenalítico, escucho el comentario de un calvo sentado dos filas por delante de mí: regular, no está mal, pero me esperaba más; y pienso, con qué facilidad un crítico de oficio criticón se puede cargar en dos segundos un trabajo de meses. Mientras, yo sentenció que el de Rodrigo Cortés es un buen trabajo, un muy buen trabajo. Y lo afirmo desde la autoridad que me da haber visto, quizás no tantas películas como el crítico, pero sí las suficientes como para tener un criterio fundado que soy capaz de defender. Serendipia no es más que una juntaletras aficionada que ama el cine, no pertenece a la prensa especializada, pero representa la voz del público cinéfago que, pese a las muchas horas pasadas ante una pantalla, todavía conserva la suficiente inocencia como para disfrutar de un espectáculo. Digan lo que digan los especialistas, el público va a acoger Buried con la misma ovación que recibió en Sundance.
Y hay razones para que el público goce. La producción de Cortés cuida la puesta en escena hasta el mínimo detalle, su esmeradísima película obtiene una auténtica Matrícula de Honor desde los créditos iniciales. Porque Buried tiene títulos de crédito, tan ausentes en el cine actual, y que para quien esto escribe no debieran faltar nunca. Esos créditos recuerdan los de Saul Bass, especialmente los que creo el genio para Con la Muerte en los talones (North by Northwest, Alfred Hitchcock, 1959) y la música de Víctor Reyes está igualmente a la altura del maestro Herrmann. La sombra de Hitch es alargada, afirmaba Rodrigo Cortés en una entrevista concedida a Juan Luis Sánchez para Decine21, y reconocía haber tenido al mago del suspense como manual de cabecera, Cortés quería que su cinta tuviera el ritmo sincopado de, precisamente, Con la muerte en los talones y creedme que lo consigue. La Banda Sonora es fundamental para obtener ese resultado, Reyes ha compuesto un Score clásico con reminiscencias herrmannianas donde a cada emoción le corresponde un tema, desde el lirismo para los episodios más sentimentales (esa llamada a la madre que va perdiendo la memoria en un asilo) hasta los épicos que acompañan los actos más dramáticos del protagonista (su habilidad para librarse de una molesta compañera de entierro). La música entra en los momentos precisos participando de la narración, aumentando su efectismo, pero en aras de ese efectismo Cortés no vacila en rodar planos y secuencias sin más sonido que el del propio personaje. Excelente tandem es el que forman Rodrigo Cortés y Víctor Reyes, que ya habían trabajado juntos en El concursante (2007), y de ellos cabe esperar mucho cine con mayúsculas.

Presencia de música y ausencia de la misma se alternan para intensificar la tensión. Así la película se abre con un plano negro, una absoluta oscuridad en la que la cámara se mueve mientras escuchamos una respiración agitada, gemidos sordos, golpes secos, el sonido de un Zippo y con la llama se hace la luz. Ahí está Paul Conroy (Ryan Reynolds) atado y amordazado en el interior de un ataúd de madera, ese es el punto de partida del argumento: Paul Conroy, un transportista civil que trabaja para una compañía (CRT) ocupada en la reconstrucción de Irak, recupera la conciencia en el interior, sólo recuerda que su convoy ha sido asaltado y pronto descubre que él es el único superviviente y ha sido secuestrado por insurgentes, ahora sólo sabe que está enterrado en algún punto del desierto y que sólo tiene hora y media para pagar el rescate y ser liberado; como únicas herramientas para subsistir cuenta con un mechero, un móvil que no es el suyo con la batería a medias, una navaja y una linterna. Un único escenario y un solo personaje, todo un reto para actor y director resuelto brillantemente por ambos. Ryan Reynolds no debe ser envidiado sólo por su matrimonio con Scarlett Johanson y por su imponente figura, en Buried da muestras de un gran talento interpretativo que le permite mantener la atención de los espectadores durante ochenta y cinco minutos, pese a la importante limitación de movimientos, teniéndose que valer casi exclusivamente de su expresión para transmitir toda la complejidad de su personaje y la angustia que padece. Cortés es tan protagonista como Reynolds, la película es un pas a deux, un dúo en el que los pasos de ballet son ejecutados conjuntamente por la coreografía de la cámara y la interpretación del actor. Pese a lo limitado del escenario Cortés no escatima recursos para lograr comunicar aquello que desea, así habrá travellings, planos cenitales, grúas, cámara al hombro, según le convenga a la narración y al tempo. Se llegó a construir un artilugio hidráulico para poder rodear a Reynolds y conseguir el plano deseado, él propio Cortés se lo contaba a Juan Luis Sánchez en la entrevista citada: A veces filmábamos desde huecos imposibles, usando ataúdes distintos, con los huecos que necesitábamos. O por contra, algunos momentos de la narración se volvían más intensos si dejábamos la cámara completamente quieta durante cuatro minutos, así que elegía esa opción. Los movimientos de cámara vienen marcados por las necesidades dramáticas y no por el espacio físico en el que transcurre la acción.
Cortés en Buried bebe de Hitchcock, le tiene presente en todo momento e invoca su fantasma cada vez que lo cree conveniente. De Hitchcock aprendió que en una película no importa ni el tiempo real ni el espacio real, sobre lo que hay que trabajar es sobre el tiempo y el espacio fílmico, es por eso que ambos acuden al artificio técnico (lo contábamos a propósito del cincuenta aniversario de Psycho) para poner en situación al espectador. Artificio, además, que pasa inadvertido al público mayoritario, igual que nunca se descubren los trucos de un prestidigitador. Hitchcock y Cortés no hacen cine, hacen magia, en el ourensano tiene el maestro británico su relevo. Sólo Hitchcock podía rodar una película como Náufragos (Lifeboat, 1944), sólo Cortés podía conseguir esta filigrana de suspense y acción que es Buried. En verdad, el guión había llegado a manos de Versus Entertainment (productora del film) y lo habían dado a leer a personalidades relevantes (no revelan a quién), pero nadie se había atrevido a filmarla: el guión era perfecto, pero era imposible de rodar. Sin embargo, Cortés logró lo
imposible y eso le valió ser incluido por Variety en su lista 10 Directors to Watch en la que se referencia a los directores más prometedores de este 2010.
Suspense y acción constante sin salir de los escasos metros cuadrados de un ataúd, a favor de la película juega el tratar uno de los miedos atávicos del ser humano: ser enterrado vivo. A Buried la preceden numerosos ejemplos literarios y cinematográficos anteriores sobre los que pregunto a mis otras dos manos. Sí, claro, antecedentes tiene: desde el literario de la mano de Poe y su Entierro Prematuro que inspiró el film de Roger Corman Premature Burial (1962), la clásica Vampyr (Carl T. Dreyer), La serpiente y el arco iris (The Serpent and the Rainbow, 1988 Wes Craven), pasando por Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (Paura Nella Città Dei Morti Viventi, 1980) del maestro Fulci que posiblemente sirvió de inspiración al Tarantino de Kill Bill Vol. 1 (2003), todo ello sin olvidar el soberbio capítulo doble de la serie CSI, Peligro Sepulcral (Grave Danger, 2005) dirigido por el mísmisimo Tarantino. Y ya en otro orden de cosas, ¿Porqué no hablar de la incomunicación? eso me lleva hasta la castiza y genial La Cabina (1972, Antonio Mercero), con un José Luís López Vázquez atrapado en un ataud con forma de cabina telefónica armado únicamente de un teléfono que le resulta del todo inútil… Y con mi mano de uñas pintadas añado que no debe olvidarse el episodio 18 de la segunda temporada de la serie Alfred Hitchcock presenta, Final Escape de 1964 que tuvo su remake en 1985. La gran diferencia de Buried con todas ellas es que no hay un sólo plano fuera del ataúd, no se ve la acción que transcurre fuera de él, ni hay flashbacks para rememorar un momento anterior, Cortés reconoce haberse inspirado en la célebre escena de Kill Bill, ocurre que lo que Tarantino limita a siete minutos, Cortés lo eleva a un largo de ochenta y cinco.
Incomunicación me soplan mis otras manos, pero más que de incomunicación yo hablaría de la impotencia, de la inutilidad de la
comunicación para evitar catástrofes. Ni las continuas llamadas consiguen que las autoridades competentes cambien su modus operandi, ni las 47.000 visitas que recibe en Youtube el vídeo que graba Paul Conroy permiten una acción ciudadana. Nuestro destino escapa a nuestro control, políticos y magnates deciden sobre nosotros y por nosotros. Porque Rodrigo Cortés no olvida la crítica social que impregna su cine desde su ópera prima El Concursante. Si allí veíamos los entresijos perversos del capitalismo, aquí vemos como los gobiernos sólo se mueven en defensa de los intereses de los lobbys, y la compañía CRT para la que trabaja Conroy nos dará el momento más cruel de toda la cinta. Pero no creáis que toda esa trama no es más que un Macguffin para llevarnos al discurso más político, Cortés no olvida en ningún momento que está realizando una película de género y, lo que es aún más importante, no olvida el humor que salpica aquí y allá a la película haciendo todavía más humano al personaje y permitiéndonos mejor la empatía con él. Nos ponemos en la piel de Conroy y junto a él llegamos a sentir casi un Síndrome de Estocolmo, porque los secuestradores son villanos, como no pueden faltar en una cinta de suspense, pero al menos ellos son personas de a pie, como el propio Conroy, que lo único que pretenden es mejorar su vida, gentes sencillas que no tienen responsabilidad en los acontecimientos que marcan la historia pero sí pagan las consecuencias. Al pueblo le toca las de perder, los villanos son otros.
Mis manos femeninas pecan siempre de pedantes, pero no os dejéis desanimar por ellas, la película merece que la veáis en pantalla grande y en versión original para no perder ni uno sólo de los matices del trabajo de actor y director. Dejad que os convenzan mis manos masculinas, tan arrebatadamente apasionadas ellas:
Emocionante, angustiosa, ingeniosa, crítica, inteligente, técnicamente impecable: CINE, todo ello es Buried, algo más que una triquiñuela o experimento cinematográfico elitista con ínfulas de autor. Sencillamente CINE que me ha mantenido en vilo durante toda la proyección, con un nudo en el estómago que he tardado casi una hora en deshacer. PURO CINE como hacía tiempo que no veía, del que te envuelve, del que te hace revolverte en la butaca, disfrutar, sufrir… todo ello es Buried. A pesar de toda influencia pajera que le queramos buscar, Buried es fresca, original y una pieza muy valiosa realizada en España que puede dar esperanza a los que no vamos a ver películas de Amenabar y tenemos a Balagueró como un santo patrón.
Esperemos que este impecable trabajo no quede enterrado entre tanta mediocridad.
Se presentará en Sitges el libro Profanando el sueño de los muertos
CON PROFANANDO EL SUEÑO DE LOS MUERTOS, ÁNGEL SALA FIRMA UN COMPLETO VOLUMEN QUE REPASA, DE MANERA EXHAUSTIVA, LA HISTORIA DEL CINE FANTÁSTICO PATRIO.
Conservar el patrimonio cinematográfico nacional, más aún cuando se habla de fantástico, no es tarea sencilla. Las inercias de público y crítica en torno a este género, la valoración negativa a priori de un film adscrito a terror, ciencia ficción o fantasía por estar rodado en nuestro país, se suma al gran desconocimiento que el común de los espectadores aqueja sobre nuestro erario cinematográfico más devoto a lo mágico, onírico o extraordinario. En PROFANANDO EL SUEÑO DE LOS MUERTOS, Ángel Sala, crítico, escritor y director del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, invita al aficionado del fantástico a sumergirse en el pasado, presente y futuro de nuestra cinematografía nacional. Con más de 600 fotografías y carteles y el recorrido más detallado y profuso en títulos, tanto de los remotos precursores del mundo como de los postreros y más relevantes cineastas españoles, realizado jamás sobre este género en nuestro país, PROFANANDO EL SUEÑO DE LOS MUERTOS ofrece una oportunidad única para rendir cuentas con el gran e injustamente olvidado de nuestro cine. El volumen se presentará durante el próximo Festival de Sitges, en una fecha todavía por confirmar, tras la cual se procederá a una firma de ejemplares a cargo de su autor y de los componentes de la mesa. PROFANANDO EL SUEÑO DE LOS MUERTOS es un título indispensable para los amantes del cine fantástico y un libro necesario que pone de manifiesto la indispensable labor que ha tenido el género en nuestro cine. Y como no podía ser de otra forma editado por Scifiworld, la casa del fantástico. Características: Tamaño 170 x 240 mm 352 páginas Más de 600 fotografías y posters a todo color Cubierta rústica con solapas. Encuadernación cosida Páginas interiores 150 grs. mate PVP: 25 € Fecha de venta en tiendas: 2ª quincena de octubre 2010
Gloria Stuart (1910-2010):Retorno al Caserón de las Sombras
Hoy martes 28 informa la revista Variety que la actriz Gloria Stuart falleció el domingo, poco después de haber cumplido los 100 años (el 4 de julio). La adorable actriz, conocida por la gente «de a pié» como la «vieja de Titanic» fue mucho más, como todos los fans de cine de terror sabe de sobra, ya que nos deleitó con su presencia en algunos de los clásicos de la Universal, siendo dirigida por James Whale en El Caserón de las Sombras (The Old Dark House, 1932) y El hombre invisible (The Invisible Man, 1933) y El beso ante el espejo (The Kiss Before the Mirror, 1933).
Pero Gloria Stuart hizo mucho más: inició su carrera a los 22 años con Street of Women (1932, Archie Mayo) y su carrera se prolongó durante 46 películas más antes de su retiro en 1946, para dedicarse a su familia y a su otra pasión, la pintura. Entre los títulos que interpretó: Secret of the Blue Room (1933, Kurt Neumann) junto a Lionel Atwill; Escándalos romanos (Roman Scandals, 1933 Frank Tuttle) y Vampiresas 1935 (Gold Diggers of 1935, Busby Berkeley). El retiro duró hasta 1975, año en el que vuelve otra vez al mundo de la actuación, aunque centrando su carrera en la televisión realizando pequeños papeles en series como The Waltons (1972-1981) (¿Os acordais de los Waltons?) o Se ha escrito un crimen (Murder, She Wrote) e incluso en
The Invisible Man (2000-2002, Breck Eisner) hasta llegar a Titanic (1997, James Cameron), papel al que accedió porque su director quería a una actriz de la era dorada de Hollywood y como ella se definió estaba «aún disponible, sin problemas con el alcohol, ni con reuma ni cayéndose por la edad«. El papel le dió muchas alegrias y reconocimiento como la nominación al Óscar como mejor actriz de reparto, nominación al Globo de Oro y galardón del Sindicato de Actores, entre otros. Su último papel fue en 2004 en Tierra de abundancia (Land of Plenty, Wim Wenders).
También intervino en documentales sobre cine de terror como The Horror Show (1979, Richard Schickel), The World of Gods and Monsters: A Journey with James Whale (1999, Sam Irving, David J. Skal), Universal Horror (1998, Kevin Brownlow) y Karloff and Me (2006, Sam Borowski).
En 1988 escribió su biografía con la colaboración de su hija, la escritora Sylvia Thompson , que se publicó con el nombre de Gloria Stuart: I Just Kept Hoping.
Para mí, Gloria Stuart quedará eternamente como la elegante y sexy dama del vestido de noche que pasó la tormenta en el caserón de los dementes hermanos Femm, siendo objeto de deseo de Morgan, el borracho y deforme sirviente en ese gran clásico que es El caserón de las sombras, que como deben saber ha sido recientemente editada en DVD por Vellavisión, ya les hablé de ella aquí, ¿Cómo? ¿Que no la tienen ya? pues… ¡A que esperan!
SITGES 2010: Brigadoon y Sitges Zombie Walk
Se sigue completando la programación de este año con más proyecciones y disparates.
BRIGADOON Y SITGES ZOMBIE WALK
| Brigadoon: desde el giallo hasta los homenajes terroríficos |
Para ver la programación de Brigadoon pulsar aquí
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Con el realizador italiano Sergio Martino como protagonista, un ciclo y la entrega del premio Nosferatu lo constata, arranca este año la sección Brigadoon.La amplia selección de largometrajes internacionales, donde podrán verse, entre otros, el nuevo film de Herschell Gordon Lewis The Uh-Oh show (EUA); Slaughtered (Australia), de Kate Glover; Mega Piranha (EUA), de Eric Forsberg; o el film de zombies ADA Zombilerin dügünü (Turquía), de Murat Emik Eren, demuestra el buen momento del cine de terror independiente a nivel internacional, con estas propuestas tan diversas e interesantes que van desde el slasher al cine de zombies, hasta llegar a la nueva sensación del cine de horror estadounidense: All about evil, de Joshua Grannell.Los documentales, vitales en este SITGES 2010, también serán una parte importante de la sección Brigadoon: Herschell Gordon Lewis – The Godfather of gore (EUA), dirigido por Frank Henenlotter y Jimmy Maslon; Never sleep again: The Elm Street legacy (EUA), de Andrew Kasch y Daniel Farrands, interesante recorrido a una de las sagas más populares del cine de terror; Strangers in a strange land: 50 Greek mystery & fantastic movies(Grecia), de Dimitris Panayiotatos, un necesario repaso al cine de género griego; o Alucardos – Retrato de un vampiro (México), tributo al realizador mexicano Juan López Moctezuma.
En el apartado nacional se contará con los estrenos, entre otros, de las películas Paula Paula, de Jesús Franco, nueva incursión de tío Jess en ese cine tan personal que lleva ofreciéndonos desde hace muchos años; o El horror de la dama del lago, de Diego Vázquez, una interesante producción independiente de cine fantástico. En el ámbito documental se tendrá la oportunidad de poder ver Troma is Spanish for Troma de Marc Gras, un repaso a la influencia de Troma en nuestro país desde principio de los años noventa. Nuevos apartados en la sección Brigadoon, tales como I love the video nasty list!, Japan Madness o Els altres fantàstics, se unen a los ya consagrados de Imagen D.E.A.T.H., Cine Asia o Asian Trash Cinema, destacando la nueva incursión del portal de cine de terror Aullidos con el estreno del film 30 Días de oscuridad 2: Tinieblas, de Ben Ketai. El plato fuerte llega con el Premio Brigadoon – Paul Naschy con diecisiete cortos a competición de diferentes nacionalidades (España, Francia,EUA, Irlanda, México, Argentina y Alemania):Mars picnic, Claustro fobia, Dolorosa, La hora misteriosa, …Stay, Perro rojo, Tufty, Vecinos, Leyenda, Juan con miedo, Control, La verdad sobre la moneda hipnotizadora, St. Christophorus roadkill, Escape, Y volveré…, Por gloria divina y Clemency. Por último, cabe mencionar también el apartado Mondo Macabro: centrado este año en Argentina, donde se hará un pequeño homenaje al tristemente fallecido Emilio Vieyra, sin olvidar a Paul Naschy y Manuel Esteba. |
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Zombie Walk 2010 – Sábado 9 de octubre Vuelve la SITGES Zombie Walk y en esta edición 2010 con un nuevo recorrido: ¡entramos en el pueblo dispuestos a comernos a sus habitantes! El pistoletazo de salida será a las 20.30h en el edificio Miramar. Tras la marcha zombie nos espera una nueva fiesta en el playa y para los más cinéfilos una nueva maratón zombie en el Cine Retiro a la 1h de la madrugada con un invitado muy televisivo: Berto y su sitcom Zombis. Puedes zombificarte en la zona gratuita de maquillaje en el Edifici Miramar a partir de las 14h (plazas limitadas). |
Ya está disponible la programación del Festival de Sitges 2010
El momento que tanto estabais esperando ha llegado, SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya os presenta la programación* de la edición 2010. http://sitgesfilmfestival.com/cat/programa/projeccions aquí encontraréis toda la información detallada de las proyecciones: días, horarios,… para que vayáis programando vuestra estancia en el gigantesco Hotel Overlook en el que se va a convertir Sitges del 7 al 17 de octubre. Os informamos también de que la semana que viene se pondrán a la venta las entradas en Telentrada.
Un festival de cine fantástico necesitaba un servicio de tren igual de fantástico
El público del festival dispondrá del 7 al 17 de octubre, gracias a Rodalies de Catalunya y RENFE, de un tren a la 1.30 de la madrugada de Sitges directo a Barcelona-Sants (sin paradas y por el precio habitual del ticket).
*Aviso: la programación está sujeta a cambios, por favor estad atentos a la página web y el facebook oficial del festival.
| NOVES VISIONS, LA SECCIÓN MÁS INDIE Y ARRIESGADA DE SITGES 2010 |
| La 43 edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 17 de octubre, presenta la programación de la sección Noves Visions: |
| SECCIÓN NOVES VISIONS – FICCIÓ Exploración de nuevos territorios de la narración, dando énfasis tanto en aspectos temáticos como formales de películas que son una visión del presente como también una inquietante premonición del tiempo que vendrá. |
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A HORRIBLE WAY TO DIE (Adam Wingard, EEUU) CHATROOM (Hideo Nakata, Reino Unido) DISPONGO DE BARCOS (Juan Cavestany, España) EARTHLING (Clay Liford, EEUU) EVERYTHING WILL BE FINE (Christoffer Boe, Dinamarca) FINISTERRAE (Fuera de competición. Sergio Caballero, España) ISOLATION (Stephen T. Kay, EEUU) LO MÁS IMPORTANTE DE LA VIDA ES NO HABER MUERTO (Olivier Pictet, Pablo Martín Torrado, Marc Recuenco. España, Suiza) MIYOKO (Yoshifumi Tsubota, Japón) POSSESSED (Lee Yong-ju, Corea del Sur) RED, WHITE & BLUE (Simon Rumley, Reino Unido) R U THERE (David Verbeek. Países Bajos, Taiwán) SIMON WERNER A DISPARU… (Fabrice Gobert, Francia) SOUND OF NOISE (Ola Simonsson y Johannes Stjarne Nilsson. Francia, Suécia, Dinamarca) THE WILD HUNT (Alexandre Franchi, Canadá) |
| SECCIÓN NOVES VISIONS – DARK FICCIÓ Como novedad, aquí se muestra una selección de títulos de autor que apuestan por explicarnos el lado más oscuro del ser humano y de algunos no tan humanos, pero desde posiciones un poco alejadas del género convencional. |
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5150 RUE DES ORMES (Éric Tessier, Canadá) DEFENDOR (Peter Stebbings, Canadá) L.A. ZOMBIE (Bruce LaBruce. Alemania, EEUU, Francia) THE LIFE AND DEATH OF A PORNO GANG (Mladen Djordjevic, Serbia) STRAYED (Akan Satayev, Kazajistán) |
| SECCIÓN NOVES VISIONS – NO FICCIÓ El espectador se sumerge en nuevos ámbitos del documental y su relación con la ficción y en el continuo debate que el género hace de la realidad. |
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LA BOCCA DEL LUPO (Pietro Marcello, Italia) CATFISH (Ariel Schulman y Henry Joost, EEUU) COLONY (Carter Gunn y Ross McDonnell, Irlanda) FREAKONOMICS (Eugene Jarecki, Heidi Ewing, Morgan Spurlock, Rachel Grady, Seth Gordon y Alex Gibney. EEUU) INTO ETERNITY (Michael Madsen, Dinamarca) LIFE 2.0 (Jason Spingarn-Koff, EEUU) THE PEOPLE vs GEORGE LUCAS (Alexandre O. Philippe. Reino Unido, EEUU) VAMPIRES (Vincent Lannoo, Bélgica) |
| SECCIÓN NOVES VISIONS – DISCOVERY El festival deja patente su apuesta continua por los trabajos de equipos seguidores de lo que conocemos como “cine de guerrilla”, con realizadores en cabeza que plantean propuestas formales y conceptuales desde la más absoluta y asumida independencia. |
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8TH WONDERLAND (Nicolas Alberny y Jean Mach, Francia) FIN (Luis Sampieri, España) IN THE WOODS (Angelos Frantzis, Grecia) INVISIBLE EYES (Olivier Cohen. Reido Unido, Francia) LA NIT QUE VA MORIR L’ELVIS (Oriol Ferrer, España) TONY (Gerard Johnson, Reino Unido) |





























































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