Archivo
«Good Boy», el último fenómeno viral del cine de terror, llegará a los cines de la mano de Filmin
«Good Boy», el debut como director de Ben Leonberg, llegará a los cines españoles el 17 de octubre de 2025 de la mano de Filmin, tras formar parte de la Sección Oficial del Festival de Sitges 2025 (9-19 de octubre). La película ya había tenido su estreno mundial en el South by Southwest (SXSW) de 2025 el pasado marzo, donde el protagonista canino Indy ganó el primer «Howl of Fame Award» de la historia del festival, un galardón pensado para reconocer una actuación animal memorable. La película se estrena en Estados Unidos el 3 de octubre, distribuida por IFC Films.
Esta innovadora propuesta de terror sobrenatural, de 72 minutos de duración, está coescrita por Leonberg y Alex Cannon, y narra la historia de un perro leal que se muda a una casa rural con su dueño Todd, donde debe enfrentarse a fuerzas sobrenaturales que solo él puede percibir. El film cuenta con la icónica presencia en el reparto del director, productor y actor Larry Fessenden, referente absoluto del terror independiente, al que hemos visto en películas como Session 9, Tú eres el siguiente o MaXXXine.
El fenómeno viral que cambió la distribución
Good Boy se ha consolidado como el auténtico fenómeno del terror de la temporada gracias a una respuesta del público sin precedentes. Cuando se lanzó el primer tráiler el pasado 18 de agosto, la película experimentó un impacto viral inmediato que acumuló más de un millón de visualizaciones en apenas 24 horas. Esta extraordinaria acogida llevó a IFC Films a cambiar radicalmente su estrategia, pasando de un estreno limitado a una distribución amplia en cines. Del mismo modo, y ante la popularidad adquirida por la película entre los amantes del cine de terror, los planes iniciales de distribución de Filmin cambiaron.
El dato más revelador del impacto cultural de la película es el aumento del 2000% en las búsquedas en Google de la frase «¿muere el perro al final?» tras el lanzamiento del tráiler. Este fenómeno refleja la extraordinaria conexión emocional que ha generado Indy, el protagonista canino, entre los espectadores incluso antes del estreno. Como explica Ben Leonberg: «Es casi empíricamente cierto que el público siente más empatía por los animales que por los personajes humanos«.
Un triunfo crítico
La aclamación crítica tras el paso de la película por SXSW ha sido igualmente excepcional: Good Boy ha obtenido un 95% de aprobación en Rotten Tomatoes, puntuación basada en 20 reseñas, convirtiéndose en una de las películas de terror mejor valoradas del año. Los críticos han elogiado tanto la originalidad del concepto como la extraordinaria interpretación de Indy.
IndieWire la califica como «una de las mejores películas de horror del año hasta ahora«, mientras que Dread Central afirma: «Está preparada para ser una de las películas más escalofriantes de 2025«. Bloody Disgusting, por su parte, destaca que es «un retrato reflexivo, inquietante y desgarrador de lo absolutamente aterrador que puede ser para un perro cuando todo su mundo se tambalea y no puede entender por qué«.
Tres años de rodaje con un método revolucionario
La creación de Good Boy representó un desafío sin precedentes que Ben Leonberg y su equipo abordaron con una metodología completamente nueva. Como explica Leonberg: «Filmamos durante más de 400 días en el transcurso de 3 años. Fue una producción no convencional por necesidad y diseño. Indy es nuestra mascota, así que tuvimos que inventar una forma de hacer cine que abrazara esas limitaciones«.
El director detalla que «la mayoría de las películas que incluyen perros tienen dobles, triples o cuádruples del perro principal, para poder hacer una jornada de rodaje completa de 12 horas. Nosotros solo trabajamos con Indy«. El director añade: «Mi objetivo era que Indy se comportara y actuara de manera realista, o tan realista como fuera posible dados los eventos sobrenaturales de la película. No está dotado de una voz ni dirigido por pensamientos abstractos, sino por instinto, sensación y razonamiento simple».
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de agosto de 2025 *
DANGEROUS ANIMALS (Sean Byrne, 2025)
Australia. Duración: 93 min. Guion: Nick Lepard Fotografía: Shelley Farthing-Dawe Compañías: Brouhaha Entertainment, LD Entertainment, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners Género: Terror
Reparto: Hassie Harrison, Josh Heuston, Jai Courtney, Rob Carlton, Ella Newton, Liam Greinke, James Munn, Mike Goldman, Ryland Pearson-McManus, Teah Fraser
-
Sinopsis: Zephyr, una surfista inteligente y de espíritu libre, que es secuestrada por un asesino en serie obsesionado con los tiburones. Cautiva en su barco, debe averiguar cómo escapar antes de que él lleve a cabo un ritual de alimentación a los tiburones.
Si la promoción de Alien, el octavo pasajero decía aquello de «En el espacio nadie puede oír tus gritos«, Dangerous Animals demuestra que no hace falta irse tan lejos para encontrarse totalmente desvalido ante el peligro. El esperado thriller, que tuvo su premiere mundial en el Festival Internacional de Cannes, es un thriller con tiburones, correcto, pero también es una cinta de terror con asesino en serie aficionado a rodar sus propias snuff movies, factores ambos que unidos hacen de ella una película muy original y menos descabellada de lo que pudiera parecer. Asesinos en serie y tiburones… ¿Qué puede fallar?
Tampoco falla su atractivo plantel de sólidos personajes. Dirigida por Sean Byrne (The Devil’s Candy, The Loved Ones), esta nueva apuesta de terror está protagonizada por Jai Courtney (Escuadrón Suicida), Hassie Harrison (Yellowstone) y Josh Heuston (Dune: Prophecy), un trío que ofrece una atípica historia, romance incluido, que capta la atención del espectador hasta su conclusión.
Su original enfoque demuestra que no es necesario un gran presupuesto ni verter sangre a cubos para dar con una fórmula que consiga que un film de terror perdure en la memoria más allá de sus títulos de crédito. Dangerous Animals prueba que con personajes interesantes y unos sustos bien medidos, con sus correctos efectos especiales, son suficiente para hacer pasar al espectador un buen rato dándole la perfecta película de terror para este verano que se nos viene encima.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 1 de agosto de 2025 *
DEVUÉLVEMELA (Bring Her Back, Danny Philippou y Michael Philippou, 2025)
Australia/USA. Duración: 99 min. Guion: Danny Philippou, Michael Philippou, Bill Hinzman Música: Cornel Wilczek Fotografía: Aaron McLisky Compañías: Causeway Films, RackaRacka Studios, SAFC Studios, Salmira Productions. Distribuidora: A24, Sony Pictures Género: Terror
Reparto: Billy Barratt, Sally Hawkins, Jonah Wren Phillips, Stephen Phillips, Sally-Anne Upton, Mischa Heywood, Sora Wong, Kathryn Adams, Brian Godfrey, Brendan Bacon, Olga Miller, Nicola Tiele, Frances Cassar, Asha O’Connell, Arianny Ross, Amya Mollison, Keith Warrior, Ryan Linton Brown, Nathan O’Keefe, Nikou Javadi, Ben Jacobs, Sophie Wilde, Kira Wong, Luana Pohe
Sinopsis: Cuanto menos sepan, mucho mejor.
Con Devuélvemela los hermanos Philippou dan un enorme paso adelante con respecto a su, por otra parte, encomiable ópera prima, Háblame (Talk to me, 2022). Lejos de repetir la fórmula, sus directores introducen al espectador en un nuevo horror influído por el cine de los años setenta, con misterio y escenas poderosas que se quedan en la mente del espectador mucho después de abandonar la sala. Así que no se trata de un terror veraniego más, pues, aunque gustará al público en general, es todo un regalo para el aficionado al cine fantástico y de terror.
Con un trasfondo que incide profundamente en la culpa y el dolor por la pérdida, sus jóvenes actores están más que correctos en sus papeles, pero destaca, por encima de todos, una excepcional Sally Hawkins en un papel atípico en ella y en el que cumple a la perfección.
Con ambientes muy extraños, Devuélvemela es una película grotesca, macabra, que retrotrae a terrores añejos, pero sin copiar ni utilizar referencias gastadas. Tras un inicio que entra de lleno en las snuff movies, el espectador no podrá apartar la vista del film de los Philippou, que con esta segunda película de terror pasan a ocupar un prometedor espacio en el más innovador e interesante cine de terror, dentro del cual vaticinamos que seguro darán más alegrias a los aficionados.
Devuélvemela es una producción A24, escrita por Danny Philippou y Bill Hinzman, producida por Samantha Jennings y Kristina Ceyton y protagonizada por Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood y Sally Hawkins.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de junio de 2025 *
-
M3GAN 2.0 (Gerard Johnstone, 2025)
USA. Duración: 119 min. Guion: Akela Cooper Compañías: Blumhouse Productions, Atomic Monster, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures Género: Terror
Reparto: Allison Williams, Violet McGraw, Amie Donald, Ivanna Sakhno, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps, Aristotle Athari, Jemaine Clement, Timm Sharp, Jenna Davis
Sinopsis: Dos años después de que M3GAN, un auténtico prodigio de la inteligencia artificial, fuera finalmente destruida tras perder totalmente el control y dar rienda suelta a sus tendencias asesinas (siempre con una coreografía impecable), su creadora Gemma (Allison Williams) se ha convertido en una prominente autora y defensora de que el gobierno supervise todos los avances en esta materia. Entretanto, su sobrina Cady (Violet McGraw), ya con 14 años, es una adolescente que se rebela contra las sobreprotectoras reglas de Gemma. Lo que ellas no saben es que una poderosa compañía de desarrollo de defensa ha robado la tecnología empleada para M3GAN y la ha usado para crear un arma militar conocida como Amelia (Ivanna Sakhno; Ahsoka, Pacific Rim: Insurrección), la espía asesina definitiva. Pero, a medida que Amelia va cobrando conciencia propia, pierde interés en recibir órdenes de los humanos. Y en convivir con ellos. Con el futuro de la humanidad pendiendo de un hilo, Gemma se da cuenta de que no hay más opción que resucitar a M3GAN (Amie Donald, con voz en VO de Jenna Davis) e implementar a su creación unas cuantas mejoras para hacerla más rápida, más fuerte y más letal. Cuando sus caminos se cruzan, la macabra muñeca original tendrá que enfrentarse a una rival a su altura.
Esta secuela de M3GAN se podría haber enfocado de dos formas: clonando la primera entrega, algo bastante habitual, no complicándose la vida y dando más de lo mismo al espectador o, como se ha decidido hacer, ofreciendo algo totalmente distinto. Así que los responsables de M3GAN 2.0 han optado por hacer algo muy parecido a lo que James Cameron hizo en su día con Terminator, convertir a la amenaza en el héroe de función, dejando, de paso, un final abierto a nuevas secuelas.
Para ello se ha recuperado al reparto original de la primera parte y nuevamente se ha ofrecido un mundo en femenino en el cual los hombres ejercen de villanos o directamente son la nota cómica y torpe del grupo. Así, M3GAN 2.0 vuelve a contar con Allison Williams, Violet McGraw, Jen Van Epps y Brian Jordan Alvarez, a quienes se han sumado Ivanna Sakhno, Aristotle Athari y Jemaine Clement.
El resultado es muy diferente al de su predecesora. En M3GAN 2.0 Se denuncia, más o menos, no la Inteligencia Artificial, si no el mal uso de la misma, con una M3GAN que transformada en Amelia se convierte en una súper soldado casi inmortal que también acabará tomando sus propias decisiones. Del terror pasará a ser una cinta de acción y ciencia ficción cargada con toques de humor y guiños incluso a la gran antecesora de todas las androides y robots cinematográficos, la María de Metrópolis (Fritz Lang, 1927). También la pequeña Cady de la primera entrega se ha convertido en una adolescente, por lo que M3GAN, para no ser menos, acortará su falda y crecerá varios centímetros. No en vano, nació para ser amiga y compañera de Cady.
Respaldada por el sello Blumhouse, esta esperada secuela del fenómeno de 2023 vuelve a contar también con el equipo creativo original que hubo tras la primera entrega —encabezado por los pesos pesados de la industria del terror James Wan para Atomic Monster, Jason Blum para Blumhouse y el director Gerard Johnstone todo ello en una operación que pretende repetir el éxito de su predecesora. La primera película de M3GAN reventó los récords de taquilla con una recaudación de 30,4 millones de dólares en Estados Unidos, marcando el fin de semana de estreno más taquillero para una película de terror clasificada para mayores de 13 años desde Un lugar tranquilo 2. La película alcanzó una recaudación de más de 180 millones de dólares en todo el mundo.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de junio de 2025 *
A LA DERIVA (风流一代, Jia Zhangke, 2024)
China. Duración: 111 min. Guion: Wan Jiahuan, Jia Zhangke Música: Lim Giong Fotografía: Nelson Yu Lik-wai, Eric Gautier Compañías: Xstream Pictures Género: Drama
Reparto: Zhao Tao, Li Zhubin, Jianlin Pan, Lan Zhou, Zhou You, Mao Ching-Shun
Sinopsis: A principios de los años 2000, en China, Qiaoqiao y Bin viven un amor apasionado pero frágil, cantando, bailando y disfrutando de todo lo que la ciudad de Datong les puede ofrecer. Pero un día Bin decide probar suerte en otra provincia más grande y se marcha sin avisar ni dejar rastro. Tiempo después, Qiaoqiao decide emprender un viaje para tratar de localizarle. Una epopeya amorosa que atraviesa varias décadas en un país cambiante y en constante ebullición.
Retrata una duradera pero frágil historia de amor entre Qiaoqiao y Bin, ambientada en China, desde principios de la década de 2000 hasta la actualidad. Recorriendo todas sus películas anteriores, Jia Zhangke ofrece una mirada épica al destino romántico de su eterna heroína, Qiaoqiao interpretada por su musa immortal, Zhao Tao. Abarcando 21 años de un país en profunda transformación, la película ofrece una nueva perspectiva de la China contemporánea, así como de las experiencias individuales bajo los turbulentos cambios emocionales y sociales.
A LA DERIVA ha sido seleccionada en los Festivales de Munich, Denver, Sao Paulo (ganadora del Premio a Mejor Película Internacional) y Bergen. También ha participado en los Premios de Críticos de Shanghai (donde obtuvo el Premio al Director del Año), los Premios Golden Carp, los Premios Cinema Eye Honor y los Premios de la Sociedad Internacional de Cinéfilos.
“No fue hasta 2022, durante los cierres del Covid, que encontré las historias que se juntan dentro de las dos décadas transcurridas desde que empecé a filmarlas. Me di cuenta de que las imágenes no seguían un patrón lineal de causa y efecto. En su lugar, había una relación más compleja, no muy distinta de la física cuántica, en la que la dirección de la vida está influenciada y, en última instancia, determinada por factores variables difíciles de precisar. Le di un nombre a la generación que aparece en la película cuando elegí el título en chino: el significado literal deFengliu Yidai podría ser «Una generación a la deriva», pero el término Fengliu (literalmente, «Viento y Olas») tiene una fuerte connotación romántica. La cámara ha capturado cosas que creíamos olvidadas, pero son las que nos han hecho lo que somos hoy.” comenta Jia Zanghke.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 13 de junio de 2025 *
FIGTH OR FLIGTH (SICARIOS EN EL AIRE) (James Madigan, 2025)
UK / USA Duración: 87 min. Guion: D.J. Cotrona, Brooks McLaren Música: Paul Saunderson Compañías: F or F Films, Asbury Park Productions, Thunder Road Pictures, Liam Jay Films, The Royal Budapest Film Co. Distribuidora: Sky Cinema Género: Thriller
Reparto: Josh Hartnett, Katee Sackhoff, Charithra Chandran, Marko Zaror, Julian Kostov, Juju Chan, Sanjeev Kohli, Rebecka Johnston, Attila Árpa, Nóra Trokán, Sarah Lam, Jyuddah Jaymes, Danny Ashok
-
Sinopsis: Lucas, un mercenario retirado en Tailandia, recibe el encargo inesperado de atrapar a un asesino que va a embarcar en un vuelo rumbo a Estados Unidos. Una vez en el aire, descubre la verdadera identidad del criminal. Pero a bordo del avión hay más de cien sicarios con el mismo objetivo, y mientras Lucas se debate entre abandonar su misión original o colaborar con el misterioso asesino, se desata la locura.
Fight or Flight, con su propuesta de pura serie B desprejuiciada, tiene mucho de lo que carecen otras producciones recientes de acción, por ejemplo, esa con la que comparte productores: agentes marginales, perdedores y canallas, hackers, enemigos de calibre, mucha, mucha sangre pero, sobre todo humor y pulp. Su anti heroe es canalla, pendenciero y peleón y juega en la liga de los perdedores.Simpática y muy resultona, consigue, al contrario de algunas propuestas de duración eterna, que su hora y media pase volando. De hecho, no hubiera importado si hubiera durado algo más pero, ya se sabe, mejor no abusar.
Y es que, ya en sus primeros instantes nos muestra el exceso que vamos a vivir, con un avión repleto de villanos, chicas orientales practicantes de artes marciales y hasta una, bendita, motosierra con la que volarán los miembros y extremidades de los antagonistas del protagonista, encarnado por un Josh Hartnett que consigue hacerse con el espectador desde el inicio.
Fight or Flight, con su refrescante propuesta consigue adelantarse a este verano que ya se asoma, irremediablemente, desde el horizonte.
BALTIMORE (Christine Molloy y Joe Lawlor, 2023),
Irlanda / UK. Duración: 1h. 38m. Guion: Christine Molloy, Joe Lawlor Música: Stephen McKeon Fotografía: Tom Comerford Compañías: Desperate Optimists, Samson Films. Distribuidora: Bankside Films Género: Thriller
Reparto: Imogen Poots, Tom Vaughan-Lawlor, Lewis Brophy, Jack Mullarkey, Patrick Martins, Dermot Crowley, Andrea Irvine, John Kavanagh, Flynn Gray, Martha Breen, Carrie Crowley, Simon Coury, Vanessa Ifediora
- Sinopsis: La verdadera historia de Rose Dugdale, una joven heredera que se rebeló contra su educación aristocrática inglesa para alistarse en 1974 como voluntaria en el IRA, -Ejército Republicano Irlandés- al radicalizarse tras las atrocidades del Domingo Sangriento en Irlanda del Norte en 1972.
Basada en hechos reales Baltimore narra, de manera no lineal, los hechos que hicieron que la rebelde y rica heredera interpretada por Imogen Poots realizara un viaje interior como feminista y anticapitalista que la llevó a alistarse en el IRA y protagonizar uno de los más espectaculares robos de obras de arte con el objeto de intercambiarlas por el traslado a Irlanda del Norte de cuatro presos de la organización.Baltimore está protagonizada por Imogen Poots, ganadora del premio a Actriz revelación del Hamptons International Film Festival en 2012 por Knight of Cups y a Mejor interpretación femenina en el Festival de Sitges en 2019 por Vivarium, una versatil actriz que igual se pone en la piel de una skinhead en Green Room (Jeremy Saulnier, 2015), que nos trasmite la inquietud de su protagonista en la fantástica parábola Vivarium (Lorcan Finnegan, 2019) y que en Baltimore se come la película con una comedida y convincente interpretación que muestra el conflicto interior que está viviendo y la determinación y compromiso con sus compañeros y con la lucha que ha iniciado como reacción tras el llamado Domingo Sangriento, durante el cual el ejército inglés reprimió y acabó con varias vidas durante los enfrentamientos que tuvieron lugar en Irlanda del Norte.
TODO SALDRÁ BIEN (從今以後, Ray Yeung, 2024)
Hong Kong / China. Duración: 1h. 33m. Guion: Ray Yeung Música: Veronica Lee Fotografía: Leung Ming-Kai Compañías: New Voice Film Productions. Distribuidora: Golden Scene, Strand Releasing Género: Drama
Reparto: Patra Au, Maggie Li, Tai Bo, So-ying Hui, Chung-Hang Leung, Fish Liew, Rachel Leung, Lai Chai Ming, Li Lai Ha, Luna Shaw, Gia Yu Yuk Wah
Sinopsis: Angie y Pat son una pareja que ha compartido 40 años juntas. Tras la muerte repentina de Pat, Angie se encuentra a merced de la familia de su pareja mientras lucha por mantener la dignidad y la casa en la que las dos vivieron durante toda su relación.
Una temática comprometida como es la de la homosexualidad, hasta hace poco prohibida en China, se aborda en Todo saldrá bien, película en coproducción con Hong Kong desde la normalidad, de una manera sencilla. Narrándola a base de silencios y cotidianidad. Con una sutileza desarmante a la hora de retratar la muerte, el vacío, la soledad y el duelo.
Sitúa al espectador en la convivencia, sin estridencias, de una pareja y el trato con su entorno y su familia, pero tras el fallecimiento de una de ellas, quedará demostrado que aún hay muchas guerras que estan todavía lejos de ganarse, que hay muchos derechos obvios hasta para el más reticente cuando son explicados, que deben de reconocerse. Así, la protagonista, esposa y compañera de vida de la fallecida pasa a ser su «mejor amiga» pasando a un segundo plano y robándole la familia todo el protagonismo que antes se le reconocía sin ningún tipo de duda. Los choques con la familia de la fallecida no tardarán en surgir, pues ya ni se respetan los deseos de la fallecida de que sus cenizas sean esparcidas en el mar. Pero eso será tan solo el principio.
Con alto grado de sensibilidad, Todo saldrá bien es una de esas películas que demuestran que hay un público interesado en otro tipo de cine que el que copa las carteleras de las salas de los centros comerciales. Un cine necesario y que dice mucho de la sociedad en la que nos encontramos.
La película ganó el Teddy Award en la Berlinale, el reconocimiento internacional más importante para el cine comprometido con la diversidad sexual y de género. Ha sido también premiada como mejor película LGTBIQ+ en los festivales de Gijón, Tesalónica, San Francisco o Copenhague entre otros.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 6 de junio de 2025 *
BALLERINA (From the World of John Wick: Ballerina, Len Wiseman, 2025)
- USA. Duración: 125 min. Guion: Shay Hatten. Personajes: Derek Kolstad Música: Tyler Bates, Joel J. Richard Fotografía: Romain Lacourbas Compañías: Thunder Road Pictures, Lionsgate, 87Eleven Entertainment, Summit Entertainment. Distribuidora: Lionsgate Género: Acción. Thriller | Venganza. Spin-off
- Reparto: Ana de Armas. Anjelica Huston, Gabriel Byrne, Lance Reddick, Norman Reedus, Ian McShane, Keanu Reeves, Catalina Sandino Moreno, Anne Parillaud, Abraham Popoola, Caleb Spillyards, Marc Cram, David Castaneda
Sinopsis: Eve Macarro (Ana de Armas) es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick (Keanu Reeves). En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado. Su búsqueda de venganza por la muerte de su padre la llevará a cruzar su camino con el mismísimo Baba Yaga.
Una nueva historia de violencia a sumar a la saga John Wick con el origen de Eve Macarro, Ballerine, agente letal que toma forma, buena forma, en el cuerpo de Ana de Armas. Un personaje que, si bien se dejó ver en John Wick 4, es ahora cuando pasa a ocupar un lugar relevante en la acelerada y violenta mitología formada por los inquilinos del Continental. El problema es que si bien, ya en John Wick 4 la saga daba amplias señales de agotamiento, con Ballerina este cansancio es alarmante. Y no se compensa ni haciendo que el propio Baba Yaga tome parte en la acción. También consigue Ballerina algo que nos parecía imposible: que Ana de Armas no esté sexy, pues todo lo que podía ofrecer en este sentido lo pudimos ver en su breve participación en John Wick 4. Suponemos que los tiempos mandan, pero hay formas y formas.
Por otra parte la historia es la clásica de venganza y el contenido agradará a los habituales a la saga, pues ofrece buenas dosis de sangre, con escenas de acción muy conseguidas, como la protagonizada por granadas de mano. La saga John Wick adapta el cine de acción de Hong Kong a la idiosincracia occidental ofreciendo buenos set pieces de acción y sangre que, con esta Ballerina se incrementa y que, de no ser así, por otra parte, habría supuesto una decepción para sus seguidores.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 2 de julio de 2025 *
JURASSIC WORLD: EL RENACER (Jurassic World Rebirth, Gareth Edwards, 2025)
USA. Duración: 134 min. Guion: David Koepp Música: Alexandre Desplat Fotografía: John Mathieson Compañías: Amblin Entertainment, Universal Pictures, The Kennedy/Marshall Company, Latina Pictures. Distribuidora: Universal Pictures Género: Fantástico
Reparto: Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey, Rupert Friend, Manuel García-Rulfo, Luna Blaise, David Iacono, Audrina Miranda, Philippine Velge, Bechir Sylvain, Ed Skrein, Dylan Bickel, Niamh Finlay, Adam Loxley
Sinopsis: Cinco años después de los acontecimientos de Jurassic World Dominion, la ecología del planeta Tierra ha demostrado ser insoportable para los dinosaurios. Los pocos que quedan viven en ambientes aislados en las regiones ecuatoriales, donde el clima se parece al que conocieron antaño. Las tres criaturas más grandes dentro de esta biosfera tropical tienen en su ADN la clave para fabricar un medicamento que aportará beneficios milagrosos a la raza humana. Zora Bennett (Scarlett Johansson), una experta en operaciones encubiertas, es contratada para dirigir a un equipo de especialistas en una misión secreta cuyo objetivo es conseguir el material genético. Pero la operación liderada por Zora se cruzará con una familia cuyo barco volcó por culpa de unos dinosaurios acuáticos y todos acabarán en una isla prohibida donde se ubicó hace años un centro de investigación ultrasecreto del Parque Jurásico. Allí, en un lugar poblado por dinosaurios de numerosas especies, se enfrentarán a un descubrimiento tan sorprendente como siniestro que lleva décadas escondido.
Con un inicio más oscuro y terrorífico, se abre una nueva entrega de la épica saga que se apunta a la aventura pura y dura, con reminiscencias a Julio Verne y Conan Doyle y su El mundo perdido a la cabeza, la novela inicial que derivó en tantas y tantas aventuras con el rey Kong por encima de todas. Dos historias en paralelo que se complementan, con unos personajes que consiguen cautivar al espectador y, por consiguiente, interesarlo en lo que es también una película familiar, pero que no esquiva los momentos de puro terror con unas especies mutantes que no dudan en dar incluso un guiño complice al xenomorfo de la saga Alien.
La película contiene sus dosis de ecologismo, con una corporación farmacéutica y su representante ejerciendo de villano, ex-soldados bregados en todo tipo de operación arriesgada y una familia hispana que no juega a enternecer al espectador. Todos ellos se las veran con estas especies mutantes de dinosaurios y tendrán que revolverse en las ciénagas de la isla perdida para sobrevivir y no servir de alimento a las bestias salvajes.
Acción espectacular, aventuras trepidantes y buenas dosis de terror en una entrega emocionante e ideal para estas fechas estivales en las que tanto apetece dejarse ir y pasarlo estupendamente en ese refugio climático y de fantasía que son las salas de cine.
Protagonizada por la icónica superestrella Scarlett Johansson, el talentoso Jonathan Bailey, nominado a un Emmy y a un Premio SAG, y el dos veces oscarizado Mahershala Ali, este nuevo capítulo repleto de acción sigue por tierra, mar y aire a un intrépido equipo que acabará en el lugar más peligroso de la Tierra: un centro de investigación del Parque Jurásico original ubicado en una isla donde habitan los peores de los peores dinosaurios. El reparto también incluye a las estrellas internacionales Rupert Friend y Manuel García-Rulfo. como Reuben. Dirige la película el visionario Gareth Edwards (Rogue One: Una historia de Star Wars) a partir de un guion de David Koepp, el guionista original de Parque Jurásico. Completan el reparto Luna Blaise (la serie “Manifest”), David Iacono (la serie “El verano en que me enamoré”) y Audrina Miranda (la serie “López contra López”) en el papel de la familia de Reuben.
VAMOS DE ESTRENO *Jueves 22 de mayo de 2025 *
-
MISIÓN: IMPOSIBLE – SENTENCIA FINAL (Mission: Impossible – The Final Reckoning, Christopher McQuarrie, 2025)
-
USA. Duración: 169 minutos. Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey Fotografía: Fraser Taggart Compañías: Bad Robot, Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribuidora: Paramount Pictures Productores Ejecutivos: David Ellison, Dana Goldberg, Don Granger, Chris Brock Productores: Tom Cruise, Christopher McQuarrie Guion: Christopher McQuarrie y Erik Jendresen Género: Acción.
Reparto: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman and Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss con Rolf Saxon y Lucy Tulugarjuk
Sinopsis: Nuestras vidas son la suma de nuestras decisiones. El agente Ethan Hunt continúa su misión de impedir que Gabriel controle el tecnológicamente omnipotente programa de IA conocido como «the Entity».
Secuela directa del anterior film de la saga, con esta Misión: Imposible – Sentencia final se pone fin a 35 años de películas de acción que apostaron por el más difícil todavía y por el cine de evasión puro y duro, pero sin olvidar los guiones sólidos y la acción desaforada pero con un pie en la tierra, pues consigue engañar al espectador y hacerle olvidar que todo lo que ve es magia. La magia del cine como espectáculo total.
Ocho películas en una saga que se inició en 1996 y que, hoy, está lejos de agotar al espectador, pero que pone su fin en alto con una entrega en la que el enemigo a batir es una todopoderosa inteligencia artificial y lo que hay en juego es la propia continuidad de la Humanidad. Un guion, como vemos, que se apoya en la actualidad, con noticias falsas e infiltrados conspiranoicos en todos los estamentos.
Hay que estar muy seguro de lo que se tiene entre manos para lanzar una producción de tres horas de duración sin temer aburrir o acabar con la paciencia del espectador, pero Tom Cruise, el productor y artífice de esta saga, sabe muy bien lo que tiene entre manos y lo que ofrece al público, que ha querido que sea un festival de acción, de emociones que haga vibrar al público, que lo retrotraiga al cine como espectáculo diseñado para vivirlo junto al protagonista. Sí, es cine de acción, y sí, es una super producción repleta de efectos especiales pero, ante todo y con todas las letras, es cine en estado puro.
La conclusión del párrafo anterior podría bien ser el final del comentario, pero lo que tiene escribir a cuatro manos es que se hace posible estirar los enunciados y sacar a la luz la tensión dialéctica que anida en su esencia por muy aseverativos y unívocos que puedan parecer de entrada. Quizás porque la contradicción es el ingrediente más abundante en, y aquel en el que se asienta, la condición humana. Quizás porque mi segundo alias es reina del oxímoron. Como decía el Gato, ahora vengo yo a cantar distinto, pero sin dejar de decir lo mismo. Nuestra mente asocia mecánicamente las películas de acción y aventura al cine de evasión, instaladas como tales en las antípodas del cine de tesis, es el común denominador que las define y, sin embargo (benditas adversativas), el numerador las distingue entre sí, por eso es del todo posible que en la acción más vertiginosa y desmadrada se pueda descubrir la oculta formulación de una tesis. Ese es el caso de Misión: Imposible – Sentencia final. Una cinta en la que la misma acción es el macguffin, tan bien hilvanado como lo estuvo el uranio en Encadenados (Notorious, 1946) y de tan rabiosa actualidad ahora como lo era aquél recién terminada la 
guerra; no se nos escapa que en nuestro presente todo lo que se refiere a la IA es susceptible de ser tomado con cautela (en el mejor de los casos). Con la construcción de Entity como villano de la cinta se están expresando los miedos colectivos a lo que esté por venir. Pero esta última misión imposible de Ethan Hunt, no se queda exclusivamente en esta capa sino que explora la contraposición de la inteligencia humana con la artificial partiendo de nuestra condición ambivalente. Con el hilo conductor de la lucha por desconectar al engendro que pone en riesgo a la humanidad, se adentra en el laberinto de las paradojas humanas. En los recovecos se dará cita con la dialéctica del traidor y del héroe, tan querida por Borges; con la tensión entre la norma y la improvisación, entre el acatamiento de lo establecido o la aceptación de la responsabilidad en la toma de decisiones; con el debate entre el azar y la necesidad, en los términos de Monod, pero en lo que tiene de próximo con la discusión sobre la predestinación y el libre albedrío (que es un tema muy bonito, decía José Luis Cuerda); y todos esos caminos conducen al núcleo, a la madre de todas las dialécticas, la tensión entre el Bien y el Mal, no en vano Entity se autoproclama antidiós, es su reverso sombrío, una especie de ángel caído que pretende destruir el universo para recrearlo a su imagen y semejanza. La virtud de esta última entrega de la saga que nació hace ya 35 años es que todo este subtexto es expuesto desde los mecanismos propios del cine de evasión, con apenas subrayados ni sobrexplicaciones, tal vez sólo en ese final que nos hizo pensar en el de Psicosis (Psycho, 1960). Referido a Misión: Imposible – Sentencia final, el calificativo de cine para todos los públicos alcanza una dimensión de lo más amplio, porque no excluye al público palomitero, al contrario lo tiene en estima y a él se vuelca, pero incluye también al gafapasta que busca siempre segundas lecturas, y por supuesto a la amplia gama de grises que tomarán su asiento en la platea junto a estos dos extremos.
Rica en capas concéntricas, cual si se tratara del averno de Dante, nos queremos quedar en la defensa del cine como espectáculo, al fin y al cabo comparte étimo con la expectación (otro modo, observación atenta), y, más allá de esa concomitancia, por sí mismo, lo espectacular conecta con lo mágico y éste a su vez con el poder de la imaginación. Es ésta la que nos va a diferenciar de la IA (esperemos) y la que nos eleva por encima de nuestras propias limitaciones. Digámoslo con las palabras de un sabio “El verdadero signo de la inteligencia no es el conocimiento sino la imaginación”; Einstein era un romántico. Y nosotros también.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de mayo de 2025 *
-
ESTOCOLMO 1520. EL REY TIRANO (Stockholm Bloodbath, Mikael Håfström, 2023)
- Suecia/Dinamarca. Duración: 117 min. Guion: Nora Landsrød, Erlend Loe Música: Steffen Thum Fotografía: Pär M. Ekberg Compañías: Nordisk Film (SE), Viaplay Studios Género: Aventuras.
- Reparto: Sophie Cookson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Matías Varela, Wilf Scolding, Mikkel Boe Følsgaard, Jakob Oftebro, Ulrich Thomsen, Adam Pålsson
- Sinopsis: En 1520, el infame rey danés Cristián II, sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture, cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja y Anne prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culminará en el conocido como Baño de Sangre de Estocolmo, perpetrado por el apodado «Cristián el Tirano».
En Estocolmo 1520. El rey tirano, su director, Mikael Håfström se toma al pie de la letra aquello de instruir deleitando, pues se nos ofrece, si, una lección de historia, pero sazonada a base de sangre, venganza, intrigas, decapitaciones y un trasfondo de humor, y todo ello poniendo como protagonistas a mujeres, pero mujeres que saben utilizar el hacha para algo más que para ir a buscar leña. Y bueno, leña hay, pero de la buena. Y por mucha historia que contenga, no deja de ser una película de venganzas sangrientas en la que los villanos van de negro y los héroes de blanco inmaculado.
El espectador que no vaya avisado puede pensar que le están tomando el pelo, pero es harto difícil pues es tal el grado de exageración que pronto da paso a la ironía y el humor negro. Y con todo, la película es la mayor superproducción de la historia de los países nórdicos.
Inspirada en uno de los episodios más crueles de la historia de Suecia conocido como el Baño de Sangre de Estocolmo, la película narra, con un peculiar estilo, este evento histórico que supuso un punto de inflexión en la historia escandinava marcando el final de la Edad Media y del catolicismo en Suecia. El nacimiento de una nueva era. Como cuenta su director, ”no es sólo una lección de historia bien escrita, sino que establece paralelismos con nuestros propios tiempos turbulentos y, de vez en cuando, los diálogos se entrecruzan para dejar claro este punto.”
De este modo figuras históricas, como el rey Cristián II, la reina Kristina Gyllenstierna, Gustav Trolle, Didrik Slagheck y Hemming Gadh, se mezclan con las heroínas de ficción, Anne y Freja, inmersas en una misión de venganza después de que toda su familia fuera masacrada por el ejército invasor danés.
Un inmenso reparto coral que reúne a alguno de los actores más reconocidos del panorama escandinavo como Claes Bang (Ganador del EFA al Mejor Actor por The Square), Alba August (nominada al premio Guldbagge de la Academia Sueca por su trabajo en Conociendo a Astrid y El acusado perfecto), Adam Pålsson (Before we die), Ulrich Thomsen (Celebración, El mundo nunca es suficiente), Jakob Oftebroo (Kon-Tiki), Mikkel Boe Følsgaard (ganador del Oso de Plata en Berlín a mejor actor por su interpretación en Un asunto real), junto a nombres británicos de primera fila interpretando algunos papeles clave como Sophie Cookson (conocida por su interpretación de Roxy en Kingsman), Emily Beecham (mejor actriz en Cannes por su trabajo en Little Joe) que interpreta a la reina Kristina, o Wilf Scolding (Rhaegar Targaryen en Juego de Tronos).
VAMOS DE ESTRENOS * Miércoles 16 de abril de 2025 *
-
Warfare: Tiempo de guerra (Warfare, Alex Garland y Ray Mendoza, 2025)
- UK/USA. Guion: Alex Garland, Ray Mendoza Fotografía: David J. Thompson Compañías: DNA Films. Distribuidora: A24 Género: Bélico.
- Sinopsis: Basada en las experiencias reales del ex marine Ray Mendoza durante la guerra de Irak.
Reparto: D’Pharaoh Woon-A-Tai, Will Poulter, Cosmo Jarvis, Kit Connor, Finn Bennett, Taylor John Smith, Michael Gandolfini, Adain Bradley, Noah Centineo, Evan Holtzman, Henry Zaga, Joseph Quinn, Charles Melton
Somos entusiastas del cine de terror, pero ninguna película de este género nos ha hecho pasar más miedo o temor que alguna cinta bélica, pues para nosotros, lo narrado en ellas refleja el auténtico horror visceral. Y Warfare. Tiempo de guerra, sin lugar a duda, es una de las que mejor representa para nosotros el cine de terror más real. Real por la situación que refleja, en la que cualquiera se puede ver envuelto en algún momento de su vida. Y real porque lo es al estar basada en las memorias de Ray Mendoza, auténtico veterano de la guerra de Irak, escenario bélico del film que ha codirigido junto a Alex Garland (Civil War, 28 días después).
Tensa, cruda, dura y muy realista, Warfare. Tiempo de guerra introduce al espectador en la experiencia de un pelotón de Navy SEALs estadounidenses que cumplen una misión de vigilancia que se tuerce en medio de territorio insurgente. Narrada en tiempo real, la acción la acción parte de una calma tensa y espera, durante la cual conoceremos a los personajes, todos ellos muy alejados de los habituales arquetipos, tan repetitivos en este género. Una situación que Garlan y Mendoza consiguen que casi se torne en absurda, y que, sin recurrir al panfleto ni a explicaciones superfluas, destile un tono antibélico. Y todo ello haciendo sentir al espectador como uno más de los jóvenes soldados que se han visto involucrados en la acción y obligados a cumplir su tarea de la mejor forma posible. Pero, como es de suponer, estallará la confusión, el miedo, la sangre y la carne, con la muerte como una muy cercana posibilidad. Para entonces Warfare. Tiempo de guerra ha conseguido su objetivo y el espectador se sentirá como uno más de esos soldados atrapados cuya supervivencia dependerá del trabajo conjunto del resto del pelotón, de no ser alcanzado por las balas de sus adversarios y, de la propia suerte.
Y Alex Garland habrá vuelto a conseguir lo que logró con anteriores películas como Men (2022) o Civil War (2024), involucrar al espectador en su historia y hacerle partícipe de lo que ahí se cuenta hasta más allá de finalizar la cinta. Y, ¿Qué es el cine sino eso?
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 11 de abril de 2025 *
LA CITA (Drop, Christopher Landon, 2025)
- USA. Duración: 100 min. Guion: Jillian Jacobs, Christopher Roach Fotografía: Marc Spicer Compañías: Blumhouse Productions, Platinum Dunes. Distribuidora: Universal Pictures Género: Thriller.
-
Reparto: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Ed Weeks, Travis Nelson, Gabrielle Ryan, Jeffery Self, Fiona Browne
Sinopsis: Las primeras citas siempre son estresantes, pero ¿estar en una primera cita mientras un desconocido te manda memes personales que pasan de molestos a homicidas? Aterrador.
La cita, última producción Blumhouse y Platinum Dunes es un elegante y tenso thriller que juega con el espectador desde el minuto uno. Muestra escenas que consiguen que el espectador maneje la información haciéndose una imagen equivocada, todo lo cual está muy bien, pues logra introducir y mantener la atención del público en las dos tramas paralelas que se están desarrollando en la pantalla: la desastrosa primera cita de los protagonistas y el extraño juego telefónico que se está produciendo, pudiendo hacer sus propias suposiciones. Todo ello en un juego mortal que mantendrá al espectador pendiente en todo momento de lo que sucede en la pantalla.
La historia también posee un fuerte trasfondo de empoderamiento femenino, pues la protagonista ha sobrevivido a una pareja violenta y se dedica a servir de guía y hablar con otras mujeres víctimas de lo mismo para ayudarles a superarlo. Sera, precisamente, este ansia de superación lo que resulte definitivo para enfrentarse al trance que vivirá durante su accidentada cita.
La película está protagonizada por Meghann Fahy (The White Lotus, The Bold Type) y Brandon Sklenar (Romper el círculo) y está dirigida por Christopher Landon, responsable de Este cuerpo me sienta de muerte y Paranormal Activity, pero también de las dos entregas de Feliz día de tu muerte, donde ya puso en práctica sus facultades para el thriller envolvente y tenso.
Los coprotagonistas de la película son Violett Beane (Verdad o reto) y el recién llegado Jacob Robinson en los papeles de hermana e hijo de Violet; con Reed Diamond (Moneyball: Rompiendo las reglas), Gabrielle Ryan (Power Book IV: Force), Jeffrey Self (Con canas y a lo loco), Ed Weeks (la serie “The Mindy Project”) y Travis Nelson (la serie “El lago: Un nuevo comienzo”) como los clientes y camareros del restaurante.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 28 de marzo 2025 *
TIERRA DE NADIE (Albert Pintó, 2025)
- España/México, Guion: Fernando Navarro Fotografía: David Acereto Compañías: Esto También Pasará, Glow, SDB Films, RTVE, Canal Sur, Mogambo, Prime Video Género: Thriller
- Reparto: Luis Zahera, Karra Elejalde, Jesús Carroza, Emilio Palacios, Vicente Romero, Paco Mora, Antonio Gil, Antonio Gómiz, Paula Díaz, Tamara Casellas, Mona Martínez, Jero Medina, Damián Alcázar
- Sinopsis: Esta es la historia de tres amigos. Mateo el Gallego (Luis Zahera), un heroico -a su pesar- guardia civil, Juan El Antxale (Karra Elejalde), un pescador convertido en narco por la mala suerte y en el paro, y Benito el Yeye (Jesús Carroza), un resignado e inteligente depositario judicial siempre a medio camino entre la ley y la delincuencia. Tres amigos separados por un lugar, Cádiz y un momento, el presente. Atrapados los tres entre el abandono de las instituciones, el violento e imparable ascenso del narco en la provincia y el peligroso aumento del descontento social. Tres amigos atrapados en un polvorín que pondrá a prueba su amistad.
- Todo vale para esta cinta de Albert Pintó y todas son ciertas: thriller de alto voltaje, Western crepuscular… recuerda también aquellas películas de John Woo en las que la vida ha llevado a amigos de la infancia a ambos lados de la ley, lugares opuestos en los cuales se terminarán reencontrando… Pintó a mezclado todos estos conceptos y ha contado con actores de naturales y de marcada personalidad como son los tres protagonistas, Luis Zahera, Karra Alejalde y Jesús Carroza, además de valiosísimos secundarios como Vicente Romero, un siempre eficaz actor; las actrices Paula Díaz y Tamara Casellas; y los mexicanos Jero Medina y Damián Alcázar, todos ellos una acertadísima selección de casting cuyo aporte representa casi el 100 % del film, pues el argumento es casi un mcguffin repleto de drogas, amistad y corrupción.
- Un interesante paso adelante de Pintó con un film, repetimos, de actores, pero que también muestra una sociedad en la que los papeles y los extremos se tocan, con una delincuencia casi romántica que deberá adaptarse a los nuevos aires, mucho más violentos, que llegan de otros lugares.
- Una delicia.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de febrero de 2025 *
PADDINGTON: AVENTURA EN LA SELVA (Paddington in Peru: Lost in The Jungle, Dougal Wilson, 2024)
UK-Francia-USA-Canadá. Duración: 106 min. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Personaje: Michael Bond. Historia: Mark Burton, Simon Farnaby, Paul King Música: Dario Marianelli Fotografía: Erik Wilson Compañías: Heyday Films, Marmalade Films Ltd., StudioCanal Films, Studiocanal Género: Comedia.
Reparto: Olivia Colman, Antonio Banderas, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Carla Tous, Julie Walters, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Jim Broadbent, Robbie Gee, Joel Fry, Ben Whishaw.
Sinopsis: Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, Paddington: aventura en la selva encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
C.C. Baxter/Jack Lemmon intenta arrancarle una declaración de amor a Fran Kubelik/Shirley MacLaine en el final de El apartamento; ella se limita a decirle: “¡¡Juega!!” Uno de los finales más emotivos de la historia del cine y lo citamos para afirmar que la ternura hay siempre que insinuarla y no proclamarla con fanfarrias. Porque el amor es excelso y revolucionario, pero la ñoñería, la cursilería, es kitsch. Y el kitsch es reaccionario (piensen si no en la bailarinas de Lladró). El cine puede incidir en la realidad del mundo y hacerlo un lugar más ideal. Primera previa que establecemos antes de comentar la tercera entrega de Paddington.
Y segunda previa: en épocas de confusión y zozobra los líderes carismáticos toman la medida del momento y arrastran a las masas a golpe de populismo. Hoy el malismo es tendencia y Elon Musk está a la cabeza del orbe. El patán dueño de SpaceX ha resultado ser el líder carismático capaz de arrastrar al mundo, saludo nazi mediante. Pero, como Giscard d’Estaing supo ver, siempre hay un pero. Y lo vamos a ir viendo al otro lado del punto y aparte.
Es domingo 16 de febrero de 2025, mi madre habría cumplido hoy 99 años, y Enric Juliana habla de huevos en su columna dominical en La Vanguardia, “Un camionero desayunando un revuelto de huevos en una cafetería de carretera, he ahí una imagen de nuestro tiempo. La inflación en Estados Unidos alcanzó el 3% el pasado mes de enero como consecuencia del encarecimiento del alimento más popular. Ese repunte aconsejó a la Reserva Federal a mantener los tipos de interés en pausa. Lo pequeño a veces explica el mundo”, y yo quiero sacar un corolario, quizás espurio, de su escrito: los gestos minúsculos pueden invertir el signo de los tiempos igual que un batallón de mariposas batiendo sus alas en Brasil puede provocar un huracán en Texas. El próximo viernes 21 de febrero de 2025 llega a las pantallas españolas Paddington, Aventura en la selva y yo podría recomendar su visionado con los mismos argumentos que esgrimí para hacerlo con sus precedentes: “Una de las películas más simpáticas de la temporada, que nos invita a dejarnos llevar al mundo de la fantasía sin oponer actitudes escépticas, nos pide que suspendamos la incredulidad y recuperemos nuestro corazón infantil«. Y podría concluir aquí, pero prefiero extenderme.
El inofensivo oso marrón que tomó el té con Isabel II, el mismo que llega sin papeles a Inglaterra, es también un personaje carismático: le define su hilarante torpeza, esa que introduce el tono de slapstick a las cintas que protagoniza, pero también una mirada, que califica de intensa, capaz de hacer enmendarse a los villanos, pues con ella sanciona los valores éticos del actuar humano. Paddington es pura inocencia y corazón. Es el perfecto antídoto contra el malismo imperante. Apostar por él es ponerse del lado de la sensatez y el equilibrio. También de la jovialidad y la paz. Ver Paddington, a día de hoy, es un acto subversivo.
Paddington, aventura en la selva ha tenido una acogida más tibia que sus predecesoras por parte de alguna crítica. Injustamente, afirmamos, porque de una cinta que pretende (y logra) ser para todos los públicos mientras dialoga con Werner Herzog se pueden decir muchas cosas, pero nunca se la debió acusar de ser menos original, menos excéntrica y más infantil. ¿O acaso la primera aparición en pantalla de Antonio Banderas sobre el puente de su embarcación remontando el Amazonas con el gramófono a todo trapo no es una cita directa de Fitzcarraldo? Y no es una mera broma, o una asociación de ideas hueca, se está estableciendo un paralelismo muy consciente. Es una manera de dirigir nuestra mirada hacia el subtexto, en el que está en juego una reflexión sobre el absurdo de la ambición humana, de una parte, y de otra una nueva interrogación sobre qué papel juega la cultura y cuál la naturaleza en la condición humana. Algo en lo que se abunda retorciendo el chiste y haciendo que ese sosias de Fitzcarraldo sea descendiente de un sosias de Aguirre que le habla al primero desde el cuadro que preside su camarote, tal como el fantasma le hablaba a la Señora Muir. Mucha cultura cinéfila hay bordadas en las páginas de un guion que, también hay que destacarlo, funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, logrando ponernos ante una película cebolla con las capas perfectamente ensambladas. Y funciona a diferentes niveles de comprensión, cada espectador encuentra su hueco sin que la película se resienta por ello. Compleja pero de aspecto simple, así es la aventura selvática de nuestro oso favorito. Reveladora y con enseñanza moral, que no moralista.
El mito de la ciudad de oro que estaba ahí para ser descubierta por un conquistador aventurero, la leyenda de El Dorado, encapsula la sed insaciable de los europeos por el metal dorado y el deseo inquebrantable de exprimirle todo el jugo a las nuevas tierras. Herzog supo exprimir la dimensión antiheroica de la gesta hasta destilar de ella la poética de lo baldío. Los guionistas de Paddington toman la cita culta y la apean de su trascendencia, bañan el concepto con la levedad de lo pop y entonan un canto a la bondad de la irrelevancia. En lo pequeño reside la grandeza. El tesoro siempre estuvo en el corazón. Un discurso naif que enaltece el valor de la inocencia. Y en un mundo que hace de la maldad estandarte, apostar por el buenismo más ingenuo es lo más transgresor. Esa y no otra es la sabiduría que contiene un sándwich de mermelada de naranja.
THE MONKEY (Osgood Perkins, 2025)
USA. Duración: 95 min. Guion: Osgood Perkins. Historia: Stephen King Fotografía: Nico Aguilar Compañías: Atomic Monster, Black Bear International, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group. Productor: James Wan. Distribuidora: Neon Género: Terror
Reparto: Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Laura Mennell, Sarah Levy, Colin O’Brien, Kingston Chan, Zia Newton, Danica Dreyer, Rohan Campbell, Osgood Perkins, Christian Convery
Sinopsis: Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.
Tras la prestigiosa Longlegs, Oz Perkins sorprende con una película que, si bien puede enmarcarse dentro del cine de terror, también aceptaría dignamente la clasificación de comedia, pues The Monkey se mueve cómodamente dentro de esos parámetros ofreciendo un salvaje espectáculo gore habitado por esperpénticos personajes y aparatosas muertes. Basada en un relato corto de Stephen King y con producción a cargo de James Wan, The Monkey realiza un retrato de la infancia con la precisión con la que habitualmente lo hace King, pero rápidamente el espectador detectará unos excesos que conseguirán que el terror pase al -salvaje- formato de comedia.
El mono del título será el objeto maldito, un jodido macaco tamborilero que cuando comienza a golpear su tambor, se producirá una bizarra muerte. Muertes que juegan en la misma liga en la que lo hacían las de aquella serie de películas de terror, Destino final, cuyo «encanto» residía en intentar adivinar de que enrevesado y sangriento modo irán cayendo los jóvenes condenados a muerte.
Así que aquí también tendremos un buen número de disparatadas muertes, e incluso Oz Perkins se permitirá jugar al despiste con el espectador sorprendiéndole con el modo escogido de exterminio. Un body count en el que, tal y como se anuncia con escasa sutilidad en el póster, todo el mundo morirá.
Entre los protagonistas, el film cuenta con Theo James, Tatiana Maslany y un Elijah Wood que ejerce de actor invitado. A ellos se sumarán Colin O’Brien, Rohan Campbell, Christian Convery y Sarah Levy.
LA ÚLTIMA REINA (Firebrand, Karim Aïnouz, 2023)
UK. Duración: 120 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Novela: Elizabeth Fremantle Música: Dickon Hinchliffe Fotografía: Hélène Louvart Compañías: MBK Productions, Magnolia Mae Films, Brouhaha Entertainment Género: Drama.
Reparto: Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Simon Russell Beale, Sam Riley, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Edward Harrison, Andy M Milligan, Mina Andala, Paul Tinto
Sinopsis: Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
Enrique VIII fue un pintoresco monarca cuya vida y múltiples matrimonios han sido llevados a la pantalla en diversas ocasiones. En La última reina, el monarca causa pavor a su corte, en especial a su esposa, por sus radicales cambios de humor, pues no en vano ella sabe que no es extraño que en uno de ellos decida terminar con su vida. Nadie se lo va a cuestionar, pues es el monarca máximo de un reino que como buen déspota está para satisfacerlo. Esa última reina, Catalina, interpretada prodigiosamente por Alicia Vikander es la gran protagonista del film. Una mujer inteligente que sabe llevar a su terreno al rey y se sabe amada, pero que sabe que su vida pende, siempre, de un hilo. Vikander trasmite el pavor en el que vive, pero Jude Law, en el rol del monarca, consigue que el espectador olvide al actor y vea al déspota tirano. Un tirano vestido con piel de hombre que también tiene sus debilidades y las muestra en una actuación también excelente que convierte La última reina en toda una perla que convendría que no pasara desapercibida entre la pobre programación semanal.
Con un guion escrito por las hermanas Henrietta y Jessica Ashworth, responsables de los de Night Bus o Tell It to The Bees, y basado en en la novela histórica ’Queen’s Gambit’ de Elizabeth Fremantle, el primer largometraje en inglés del director brasileño Karim Aïnouz se presenta, en palabras del propio realizador, como una reinvención de la película de época que narra los hechos desde el punto de vista de un personaje muy subrepresentado en la historia de Inglaterra, Catalina Parr, la última esposa de Enrique VIII, reina consorte de Inglaterra e Irlanda y responsable de la reconciliación entre Enrique y su hija María, quien más tarde sería la primera soberana de Inglaterra por derecho propio, María I.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de febrero de 2025 *
LA TUTORÍA (Armand, Halfdan Ullmann Tøndel, 2024)
Noruega. Duración: 117 min. Guion: Halfdan Ullmann Tøndel Música: Ella van der Woude Fotografía: Pål Ulvik Rokseth Compañías: Eye Eye Pictures, Keplerfilm, ONE TWO Films, Film I Väst, Prolaps Produktion Género: Drama.
Reparto: Renate Reinsve, Ellen Dorrit Petersen, Endre Hellestveit, Øystein Røger, Thea Lambrechts Vaulen, Vera Veljovic-Jovanovic, Loke Nikolaisen, Assad Siddique
Sinopsis: Armand, un niño de 6 años es acusado de traspasar ciertos límites con su amigo y compañero de clase Jon. Nadie sabe exactamente lo que ha ocurrido, así que la dirección del colegio convoca a los padres para discutir el tema, desencadenando un agitado conflicto que pondrá sobre la mesa cuestiones como la sexualidad en la infancia, la culpabilidad o la complejidad de las zonas grises que existen entre la violencia y el juego.
En diciembre de 1871 (aunque en la solapa de la primera edición figure 1872) se publicaba en Leipzig El nacimiento de la Tragedia del espíritu de la música. El genitivo del título es, por supuesto, una referencia a Richard Wagner, por entonces valedor de aquel Friedrich Nietzsche insultantemente joven al que habría acogido con la certeza de que su verbo vehemente iba a retribuirle las atenciones que tuviera con él. El filósofo veía en la obra del músico el renacimiento de la obra de arte total que había sido la Tragedia Ática mientras el propio Wagner sería el genio que iba retornarle el sentido al mundo (siempre simplificando). Quince años más tarde la coletilla que remataba el título en la reedición había cambiado, sustituyéndola por el subtítulo “Helenismo y pesimismo”, clara muestra de que, después del cruce de sables que fue la simultánea publicación del Humano, demasiado humano y el estreno de Parsifal en Bayreuth, Nietzsche volaba con ala propia y ya no fiaba al autor de la Tetralogía el rol de restaurar el espíritu de la Tragedia. Pero aquel referir su nacimiento a la música, también daba cuenta de que el autor defendía que la célula primigenia del arte teatral había sido el coro el cual no era otra cosa que la estilización artística de los comos rituales (κῶμος, kỗmos), los cortejos bulliciosos y festivos de bebedores acompañados de músicos que procesionaban en las fiestas consagradas a Dionisos. Así, aunque para Nietzsche la Tragedia bebe de lo dionisíaco y de lo apolíneo, sentenciaba, en el fondo, que su auténtica carta de naturaleza era lo primero manifestado en esas danzas orgiásticas que se habrían domado dando nacimiento al arte escénico. Bien, pues toda esta excursión la hemos relatado para señalar que lo que, a nuestro entender, da carácter y originalidad al debut de Halfdan Ullmann Tøndel es que con La tutoría devuelve la narrativa escénica al espíritu de la danza (contemporánea, eso sí) del que surgió. Y aún queremos añadir otra comparación. El nacimiento de la Tragedia venía a sustituir la tesis doctoral que no había escrito aún cuando le fue concedida la cátedra de filología clásica en Basilea, pero el libro creció en sus manos y desbordó los límites del estudio filológico para dar a luz a su propio pensamiento filosófico, por eso el propio Nietzsche calificaba a su primara publicación como centauro, y algo de híbrido tiene también la ópera prima del nieto de Bergman y Ullmann, porque su sonda a las profundidades de temas tan peliagudos como pueden ser el de la sexualidad infantil, la violencia como elemento de juego y/o los límites de la verdad, no elige descender por un camino formalmente lineal, al contrario, rompe los esquemas y mezcla, ya no géneros, sino disciplinas artísticas, fundiendo sus códigos. Más que giros de guion, La tutoría tiene directamente fracturas llamadas a despertar al espectador, a incomodarle y obligarle a reprocesar todo lo visto hasta el momento en que lo coreográfico irrumpe volviéndolo todo imprevisible. La tutoría es un debut arriesgado y una primera obra que promete un universo tan personal e intransferible como aquel que anunciaba El nacimiento de la Tragedia en relación a Nietzsche (siempre salvando las distancias).
Ullmann Tøndel y El nacimiento de la Tragedia tal vez solo estén relacionados en esta crónica, pero lo que sí es documentable son las profundas influencias de otras narrativas cinematográficas, de carácter ecléctico, que el propio director confiesa: “Me inspiré mucho en las sátiras de Luis Buñuel. Todas las interrupciones en La Tutoría (la alarma de incendios, los sangrados de nariz, etc.) se inspiran en la cena constantemente interrumpida en El discreto encanto de la burguesía… y cómo la pared invisible en El ángel exterminador se convierte en una verdad establecida también fue una fuente de inspiración. Para la última secuencia coreografiada, me inspiré en Pina Bausch y su trabajo. Vi a David Hockney pintando (California Art Collector) y eso definió la evolución de Sarah en la película (la última imagen de Sarah en la película tiene similitudes con la obra de Hockney). Para el ambiente de la película, me inspiré en la versión de 2018 de Suspiria y Alguien voló sobre el nido del cuco (aunque el final de la película es bastante diferente). Muchas de las composiciones de la película se inspiraron en La doble vida de Verónica (Kieslowski) y Corazón salvaje (Lynch). También me sirvieron de inspiración el carácter juguetón de Empieza el espectáculo (Bob Fosse), la crueldad de Holiday (Isabella Eklöf), la tensión de Celebración (Thomas Vinterberg) y la sinceridad de El hilo invisible (Paul Thomas Anderson)”. Un cúmulo dfe referencias que, sin embargo, no convierten el filme en una especie de monstruo de Frankenstein en el que se adivinen las costuras. Al contrario. El amplio bagaje cinéfilo del nórdico está perfectamente asimilado, tanto, que puede pasarle desapercibido al espectador sin que por ello se resienta su comprensión. Ciento treinta años después de la histórica primera proyección de los Hermanos Lumiere es prácticamente imposible partir de cero a la hora de hacer cine, así, la valía de un cineasta se mide también por su capacidad de almacenar la herencia de quienes le precedieron y saber remodelarla hasta que resulte un producto nuevo y autónomo. Un reto del que Ullmann Tøndel sale plenamente victorioso. En La tutoría lo prestado y lo creado están perfectamente equilibrados, y, en todo caso, si algo decanta por momentos el fiel, es lo segundo. Estamos ante una de esas óperas primas, que tal vez no son impecables, pero si valientes y rebosantes de energía y ganas de experimentar. No tiene nada que envidiarle a Angst de Gerald Kargl ni a Las vírgenes suicidas (Sofia Coppola) tan admiradas por el director novel. Sin duda estamos ante una cinta vigorosa, valiente y arriesgada, que pone muy altas las expectativas ante lo que nos pueda venir de la mano de Halfdan Ullmann Tøndel. Se nota su casta en los genes.
Item más. La tutoría es también un recital interpretativo, todo el elenco brilla, pero, por supuesto, es Renate Reinsve la que destaca de calle. Vital para el proyecto, el director refiere como, la noche en la que Renate ganó el premio a la mejor actriz en Cannes, le mandó un mensaje diciendo: «¡Piensa en lo que nos va a beneficiar para nuestra película!», su talento y su carisma acaban de dar solidez a este proyecto tan valioso. Por lo que supone en la búsqueda de nuevas formas estéticas y de técnicas expresivas renovadoras. Por su colaboración en el debate sobre límites difusos de la verdad, la dificultad por discernirla, pero también la necesidad de esclarecerla. Todo lo que guarde relación con la reflexión sobre la verdad es candente y necesario en este año cero del nuevo imperio Trump-Musk.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios