Archivo
Sitges 2019 inicia el periodo de inscripción de films
 |
|
La 52ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 3 al 13 de octubre, ya ha abierto el periodo de inscripciones de largometrajes y cortometrajes. Las productoras, distribuidoras y directores/as pueden presentar sus films, que serán valorados por el comité de programación del Festival. La fecha de cierre de la inscripción es el 15 de julio para todas las categorías. La plataforma Festhome es el único sistema aceptado para subir la pieza inscrita. La organización no aceptará DVD ni otros formatos, así como ningún otro sistema que no sea el de Festhome. Las empresas titulares de las películas seleccionadas por el comité de programación recibirán un formulario (entry form) a través del cual formalizarán su participación en el certamen. El Festival contactará únicamente con los titulares de los films seleccionados. Las bases de participación y el reglamento de Sitges 2019 están disponibles aquí. |
El BCN Film Fest presenta sus jornadas de guionistas
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), cuya tercera edición tendrá lugar del 22 al 30 de abril, celebrará su II Jornada de Guionistas el viernes 26 de abril en la sede del Festival, los Cines Verdi del barrio de Gràcia. La iniciativa, que surgió el año pasado en colaboración con el Foro de Asociaciones de Guionistas (FAGA), se consolida en la edición 2019 como un espacio propio para los «escritores del cine» en la Semana de Sant Jordi y como punto de encuentro para los profesionales del mundo del guion y el resto de la industria del cine de Barcelona.
Además de FAGA, que vuelve a colaborar con el festival en este evento, se suman a las entidades colaboradoras la escuela de cine ESCAC, el programa de formación audiovisual Cine Base, la Asociación de Compositores de Música para Audiovisual (MUSIMAGEN) y la asociación de mujeres del sector audiovisual Dones Visuals. Las mesas tendrán lugar este año en la sede del Festival, los Cines Verdi de Barcelona del barrio de Gràcia, a las 10:00h. y a las 12:00h. respectivamente, en un evento cerrado a profesionales del sector, invitados del festival y periodistas acreditados.
Si el año pasado la Jornada contó con una mesa redonda donde guionistas como Rafael Cobos, Isabel Coixet o Coral Cruz comentaron su experiencia en la adaptación de obras literarias preexistentes en guiones de cine, este año la Jornada propondrá dos mesas redondas donde guionistas, realizadores y compositores de cine ofrecerán su punto de vista sobre los siguientes temas:
10:00h.
La mesa “LAS MUJERES GUIONISTAS EN LA FICCIÓN AUDIOVISUAL”,
contará con la participación de:
Ángeles González-Sinde
Ministra de Cultura de España 2009-2011
Guionista de series de televisión como «Amar es para siempre» o «Cuéntame»
Ganadora del Goya a Mejor Guion Original por «La buena estrella»
Ganadora del Goya a Mejor Directora Novel por «Una mirada tuya»
Isabel Peña
Ganadora del Goya a Mejor Guión Original por «El Reino»
Ganadora del Premio al Mejor Guion del Festival de San Sebastián por «Que Dios nos Perdone»
Carmen Abarca
Guionista de series como
«El Príncipe» y «El cor de la ciutat»
Marta Buchaca
Guionista de películas como «Litus»
y series como «La Riera»
Anaïs Schaff
Guionista de series como
«El ministerio del tiempo» o «Isabel«La mesa será moderada por la guionista
Carmen Fernández Villalba
(«Servir y Proteger», «Infidels», «La princesa del polígono»)
12:00h.
La mesa “EL COMPOSITOR COMO PARTE DE LA NARRACIÓN CINEMATOGRÁFICA”,
contará con la participación de:
Rodrigo Sorogoyen
Ganador del Goya a Mejor Guión Original y Mejor Director por «El Reino»
Nominado al Óscar a Mejor Cortometraje por «Madre»
Benito Zambrano
Ganador del Goya a Mejor Guión Original y Mejor Director Novel por «Solas»
Nominado al Goya a Mejor Guion Adaptado por «La suerte dormida»
Xavi Capellas
Compositor de la banda sonora de series como «Merlí»
o películas como «Hormigas en la boca» u «Obaba»
Toni Mir
Compositor de la banda sonora de películas como «El Ciudadano Ilustre»
y de spots como los de Estrella Damm de Alejandro Amenábar o Alberto Rodriguez
Arnau Bataller
Compositor de la banda sonora de películas como
«REC 4«, «Un día perfecto» o la serie «Felix»La mesa será moderada por el periodista y crítico musical y cinematográfico
Conrado Xalabarder
Helga Liné, diosa del cine de género
De pequeño Serendipia ya era muy enamoradizo. Les hablo de la vertiente platónica del tema, por supuesto. Inma de Santis, Emma Cohen, Maribel Martín, Marisol … Me enamoré de todas ellas y puedo decir que lo sigo estando. Incluso a una de ellas pudo conocerla y confirmar lo que suponía: que era un tipa fenomenal. Pero Helga Liné era otra cosa. Cuando la veía en el Súper-8 de El espanto surge de la noche o en el de El asesino de muñecas le sugería otras cosas. Por lo pronto ya no era tan joven como sus queridas Emma e Inma (que también salían en esas películas, por cierto). Su mirada no era, ni mucho menos, inocente y sus formas… no tardó en entender lo que le sugerían. Si, a Serendipia Helga Liné le imponía respeto pero también le abrían un mundo de sensualidad situado más allá de pasear por el campo cogido de la mano de su amada.
(Archivo Serendipia)
Y cómo no iba a hacerlo si ya lo traía de nacimiento, pues, Helga Lina Stern nació en Alemania, concretamente el 14 de julio de 1932 en un Berlín convulso que veía como, tan solo tres meses antes, el partido nazi ganaba las elecciones y poco después el ridículo personaje de bigote a lo Chaplin era nombrado canciller. Y ya saben lo que vino a continuación. Así que la familia de Helga decidió poner pies en polvorosa ante el cariz que estaban tomando los acontecimientos y en 1940 se refugiaron en Portugal, donde se crió la pequeña Helga, a la ya desde pequeña y alentada por su madre se le despertó la faceta artística, destacando primero por el baile, más tarde como modelo, contorsionista y acróbata, lo que la llevó a trabajar en el circo. Una disciplina que le ocasionó algunas secuelas en la espalda de las que todavía 
hoy se resiente. Y de ahí a realizar sus primeros pinitos en el cine gracias a un concurso que gana, debutando en Porto de Abrigo (1941) de Adolfo Coelho, lo que dio pie a varias películas más, algunas en régimen de coproducción con el país vecino y otras enteramente españolas, en las que Helga desempeñaba una función poco menos 
que decorativa (El negro que tenía el alma blanca, La trinca del aire, El gran galeoto…). En 1951 protagoniza en Portugal la que todavía hoy es su película favorita: «Para mí la mejor película en la que participe fue la primera que hice, que se llamaba ‘Saltimbancos’, una película de circo rodada antes de que Fellini hiciera La Strada«. Y si bien no es la primera película en la que participa, si que es la que le proporciona su primer papel importante, además de retratar un mundo que la actriz conocía bien. Saltimbancos fue la opera prima de su director, Manuel Guimarães, que dedicaría gran parte de su carrera al documental.
Una jovencísima y rubísima Helga Liné demonstrando sus dotes como contorsionista
Helga compaginaría el cine con su trabajo como vedette en la Compañía de Revista del Teatro Albéniz, con la que sale de gira por España a mediados de los cincuenta protagonizando Una rubia peligrosa y Mujeres de papel, comedias musicales dirigidas por Manuel Paso. Esta temporada de escenarios dejó una profunda huella en la actriz, que considera que «El medio en el que estoy más a gusto es el teatro. Es más directo y me gusta mucho más. El cine, ya sabes, puedes empezar a rodar primero el final, cortar… es otra cosa. El cine es otra cosa, es una técnica.»
Helga ya va adquiriendo la expresión y mirada que la convertirán en leyenda (Archivo Serendipia)
Ya en los años sesenta Helga Liné vuelve al cine, trabajando prácticamente en todo lo que le proponen. Había enviudado y debía sacar adelante ella sola a sus dos hijos. Rueda películas en España como apoyo a las niñas prodigio Rocío Dúrcal (Canción de juventud, Rocío de la Mancha) o Maleni Castro (Las gemelas), participando en un buen número de cintas interpretando al interés romántico del héroe, muchas de ellas coproducciones hispano-italianas como El capitán intrépido (Mario Caiano, 1963), Los invencibles (1963) de Alberto de Martino o Espartaco y los diez gladiadores (1964) y El triunfo de los diez gladiadores (1964) de Nick Nostro, además de participar en su primera película de terror, la poco vista Horror (Alberto de Martino,1963). Es en esa época cuando la actriz marcha a Italia, donde en seis años hace la friolera cifra de 36 películas, inscritas en los más diversos géneros: espías (La muerte espera en Atenas, Operación Poker: agente 05-14, Operación Mogador, Operación Lady Chaplin…), peplum (Ercole contro i tiranni di Babilonia), bélico (Los leopardos de Churchill), aventuras (El arquero de Sherwood), comedia (con los inefables Franchi y Engrassia en Brutti di notti) y también terror, coincidiendo con Barbara Steele, otra ilustre refugiada en el cine de género italiano, en Amantes de ultratumba (Amanti d’oltretomba, 1965) dirigida por su viejo conocido, Mario Caiano.
Operación Mogador ( Terence Hathaway -Sergio Grieco, 1966)
«El máximo de películas que llegué a rodar en un año fueron seis. Por eso ahora no me gusta levantarme muy temprano, porque entonces me levantaba todos los días a las cinco de la mañana, viajaba y a lo mejor debía rodar en un sitio en verano vestida de invierno o de verano en pleno invierno. Y te metían hielo en la boca para que cuando hablaras no te saliera vapor… ¡Esto es el cine!«
En la práctica totalidad de estos títulos Helga Liné participa como coprotagonista, o al menos figura en una posición destacada del reparto, pero conforme su nombre comienza a bajar, decide instalarse en España. Estamos en 1970 y la actriz tiene 38 años y, no lo olvidemos, dos hijos que mantener.
Pronto demuestra que no tiene miedo a nada ni nadie y confirma, como ya lo había hecho en Italia, su lugar de honor como leyenda del cine europeo de género, «Me daba igual todo. Yo aceptaba todo menos pornografía». Interpreta comedias picantes como señora estupenda que hace desfallecer a José Luis López Vázquez o Alfredo Landa; y también aventuras, western y sobre todo terror. En 1972 rueda a las órdenes de Eugenio Martín Pánico en el Transiberiano (1972) de la que recuerda con cariño «las escenas que tuve con Peter Cushing, maravillosas» aunque no conserva tan buen recuerdo de Christopher Lee. Y Pánico en el Transiberiano es tan solo la primera de una lista que incluye El espanto 
surge de la tumba (Carlos Aured, 1973), Las garras de Lorelei (Amando de Ossorio, 1973), La saga de los Drácula y La orgía nocturna de los vampiros ambas de 1973 y dirigidas por León Klimovsky, cintas dirigidas por la flor y nada del Fantaterror español, realizadores de los que la actriz guarda, en general, buenos recuerdos «Klimovsky es un amor dirigiendo. He hecho muchas películas con él. Con Amando de Ossorio también. El mejor para mí es Carlos Aured, que es alumno de Paul Naschy, que en su momento no fue reconocido y ahora sí.» Eso sí, cuando Serendipia le mostró a Helga Liné una radiante copia alemana en Blu-ray de Las garras de Lorelei, le dejó bien claro que no figuraba precisamente entre sus películas favoritas, «Ay, esa la odio, ¡Las garras de Lorelei no me gusta nada!». Recordaba entre divertida e irónica que le gustaba hacer cine de terror, «Me divertía abrirle el pecho a un muñeco y fingir que me comía su corazón, que en realidad era de cerdo».
Lobby Card alemán de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972)
También reconoció que de estas películas se rodaban escenas con desnudos destinadas a la exportación, algo que «no estaba en el contrato, pero se hablaba. No creas tampoco que eran desnudos totales ni cosas de esas, pero sí, se hacían dobles versiones. Algunas actrices se lo tomaban
Helga en la época ‘señora estupenda’ del cine español.
bien, otras mal. Yo me lo tomaba mal pero lo hacía. Pero pornografía no».
En 1974 obtiene el premio del Sindicato Nacional del Espectáculo a la mejor actriz de reparto por El chulo de Pedro Lazaga. Y poco después, con la muerte de Franco, desaparece la censura y se desata la fiebre del destape, moda que afecta la carrera de la estrella, «Mira, yo solo hacía lo que estaba en el guión. Si pasaba de ahí, no lo hacía. No me gustaba, y bastaba si el guión era bueno. Con Paul Naschy nunca tuve problemas», y junto a él encarno a una fascinante Zanufer en La venganza de la momia (Carlos Aured, 1975), última colaboración de la actriz con Naschy y Aured. Ese mismo año también se estrenó la peculiar El asesino de muñecas, que «no me gusta, porque querían que hiciera cosas que no estaban en el guión. Y por ahí no paso. Yo me he llevado bien con todo el mundo siempre y cuando me respetaran. Pero que no me pisaran porque entonces me enfadaba».
Mucho tiempo pasó antes de que los españolitos de a pié pudiéramos ver aquellas dobles versiones. En la imagen, El espanto surge de la tumba.
Y es que como vemos, quizás por su edad, Helga Liné tenía claro hasta donde quería llegar, por eso no se mostró de acuerdo con que las actrices denunciaran los abusos sufridos por parte de productores o directores años antes, lo conocido como ‘Mee Too’:
«Eso es una tontería ¿Por qué no lo han dicho en su momento? En mi época la que quería se destapaba y hacía lo que quería. La que sabía comportarse y poner la manita para que no pasara nada o para que no se atrevieran, no le pasaba nada. Y ahora dirán ‘Ay, me han obligado’, no, yo no estoy de acuerdo. Que lo digan en el momento. Y yo soy feminista, me gusta que la mujer trabaje y que llegue a ser directora, que haya productoras… en fin, que haya mujeres en el mundo del cine. Pero eso de quejarse de lo que pasó hace veinte años, me parece una tontería»
Flanqueada por Antonio y Mariano Ozores
Helga Liné quizás se encontraba en aquella época encasillada en papeles de señora estupenda -que indudablemente lo era- y villana, pero eso no parecía importarle «es más fácil hacer de villana que de buena. Pues de buena tienes que estar maravillosa y de villana… en fin. No me importaba hacer de villana, me daba igual. Puede que estuviera encasillada, pero así fue la cosa. Y fueron más de cien películas».
La actriz pasó los años setenta y ochenta tomando parte en todo tipo de producciones, algunas de ellas de alto contenido erótico. También participa en Laberinto de pasiones (1982) de Pedro Almodóvar, además de hacer teatro y televisión, donde destaca su papel como madre de Javi (Juanjo Artero) en la popular serie Verano azul (1981). En 1987 vuelve a ser llamada por Almodóvar con quien rueda La ley del deseo, de la que no guarda buen recuerdo por el trato recibido por el director.
A comienzos de los años noventa, durante una gira por Argentina con Luís Aguilé y su espectáculo teatral Escándalo en el Grand Hotel, decide instalarse allí, donde permanece en la actualidad,
Un alto en el rodaje de la serie ‘Verano azul’
volviendo cuando es llamada para algún trabajo puntual, ya sea en el medio teatral: La Hermana Pequeña (1999), adaptación de una obra de Carmen Martín Gaite; Ellas, la Extraña Pareja (2001), versión de un texto de Neil Simon de la que la crítica ponderó su labor (1); o El Cianuro… ¿Solo o Con Leche? (2003), de Juan José Alonso Millán. También televisión: El comisario (2001), Hospital Central (2004) y Vientos de agua (2006). Y, por supuesto, cine: Torrente 3. El protector (Santiago Segura, 2005). Aunque naturalmente va espaciando sus trabajos, pero sin descartar nada: «Tuve la manía de dirigir. Pero se me quitó y ya se acabó. Ya soy muy viejita».
Para Helga Liné, que en la actualidad tiene una vida de lo más tranquila en Buenos Aires, acompañada de sus mascotas, le resulta curioso que su trabajo sea recordado y que sus películas
En Sitges, radiante (Foto: Serendipia)
de terror sean consideradas de culto, «me parece muy extraño, porque aquí en España en aquella época no les hacían mucho caso», así que cuando le propusieron visitar en 2018 el Festival de Cine Fantástico de Sitges para recoger el Premio Nosferatu «me sorprendió muchísimo. Fueron dos veces a Buenos Aires. La primera vez dije que no, y la segundo vez Diego (2) me convenció. Y aquí estoy, (…) feliz de que me hayan invitado. Hay pocos festivales de cine dedicados exclusivamente al cine fantástico».
Y allí Serendipia tuvo ocasión de, como le pudo expresar a ella misma, cumplir uno de sus sueños, algo que ella tildó de exagerado. Pero no. Conocer a Helga Liné ha sido una de las circunstancias más felices que Proyecto Naschy le ha ofrecido a Serendipia. Fotografiarla mientras le indicaba donde debía de ponerse para sacarla con la mejor iluminación. Y hacerla sonreír. Ver sonreír a aquella mujer de rasgos duros y gélida mirada. Ver transformar su rostro en la expresión de la dulzura. Y ser testigo de su gran profesionalidad y experiencia con los medios, dejándose preguntar todo pero respondiendo, diplomáticamente, lo que quiso. Una experiencia realmente deliciosa. «Tengo muy buenos recuerdos. Me he llevado bien con todo el mundo. Si empiezo a contar anécdotas… mejor que no». Y ya es una lástima. Pero no hubo tiempo. Helga Liné, con gran temple, tuvo que hacer frente a cinco medios que la entrevistaron conjuntamente durante diez minutos. De ahí han surgido las declaraciones textuales de la actriz incluidas en este artículo, además de otras confidencias que comentó a Serendipia cuando, una vez pasados esos veloces minutos, todos abandonaron la sala y quedó la actriz y su reducido séquito de amigas, entre ellas la maquilladora y peluquera cinematográfica Toñy Nieto y Serendipia, recogiendo sus cosas.
Todo había acabado. O eso pensé cuando me despedí dándole las gracias por todo. Pero Helga me sonrío y, de forma inesperada, me plantó dos besos en la cara. Y Serendipia retomó el día como el protagonista de Jupiter’s Moon, levitando.
¡Gracias Helga!
(1) : «Helga Liné vuelve a demostrar sus singulares dotes cómicas. Su belleza, elegancia y sofisticación, en contraste con la aguda ingenuidad de su carácter, la convierten en un personaje y una actriz de comedia deliciosa e indispensable» Juan Antonio Vizcaíno en: http://elmeteoritodelteatro.blogspot.com/2010/07/entre-amigas-anda-el-juego.html
(2) Diego López, responsable, entre otras cosas, de la Sección Brigadoon del Festival de Sitges, editor del fanzine ‘El Buque Maldito’ y autor de libros y documentales dedicados al cine fantástico y de terror español.
El cine de acción tailandés, gran protagonista de las 16 Nits de Cinema Oriental de Vic
Ya está sacando la patita uno de los festivales favoritos de Serendipia, y lo que nos propone, tiene una pinta más que interesante. Si este año no van a Vic a disfrutar del mejor cine oriental es que, definitivamente, ustedes no tienen solución.
El cine de acción tailandés, leitmotiv de esta edición
El Festival Nits dedicará la retrospectiva de su 16ª edición (15-21 de juliol) al cine de acción tailandés. Este ciclo se iniciará con Chocolate (Prachya Pinkaew, 2008), un clásico contemporáneo del cine de acción, que se podrá ver en la sesión inaugural de la Bassa (martes 16 de julio, 22.00h.), dedicada a Tailandia.
En línea con este homenaje a la cinematografía tailandesa de artes marciales, la imagen de esta edición es un Chang (elefante en tailandés), ejecutando un movimiento de Muay Thai. A partir de un dibujo del ilustrador Xevi Domínguez, el estudio creativo Partee ha diseñado el cartel, reproduciendo la figura del elefante con un delicado trabajo de paper cut. Han utilizado los colores de la bandera tailandesa y la imaginería característica de esta arte marcial tailandesa.
Avance de títulos de la programación 2019
La Sección Oficial del festival incluirá este verano la esperada película tailandesa Homestay (Parkpoom Wongpoom, 
2018), nueva película de los responsables de Bad Genius, que en la última edición del Nits se llevó los premios del público y de la crítica. Y de Tailandia llegará también uno de los títulos de culto del año, The Pool (Ping Lumpraploeng, 2018), una intriga hitchcockiana rodada en un único escenario: una piscina sin agua.
El festival tendrá también mucha representación de China y Hong Kong, con la habitual combinación de blockbusters y películas independientes. Destaca una de las cintas de acción de la temporada: Golden Job (Chin Ka-lok, 2018), que supone el retorno de los actores de la saga cantonesa Young and Dangerous, ahora menos jóvenes pero aún más peligrosos. Este film forma parte de la Sección Movistar+ del festival.
Japón desembarcará en el Festival Nits con anime, tokusatsu, acción extrema, 
erotismo y alguna comedia delicada. El público podrá disfrutar, entre otros filmes, de Red Blade (Takahiro Ishihara, 2018), escrita por el maestro Sion Sono y con coreografías de acción de Tak Sakaguchi. Todo un must-see para los aficionados al cine más gamberro.
La cinematografía india nos sorprenderá con Andhadhun (Sriram Raghavan, 2018), un ingenioso thriller de equívocos dirigido por el autor de Badlapur (proyectada en la 13ª edición del Festival Nits). Andhadhun ha ganado 5 premios en los Filmfare Awards (los Oscar indios), entre los cuales el premio 
de la crítica, el premio al mejor guión y el premi al mejor actor protagonista.
Y de la Índia a Nepal. El Festival Nits presentará la producción nepalí The Man from Katmandú (Pema Dhondup, 2019), que ha contado con un equipo de especialistas españoles capitaneados por Dani Medina, coreógrafo, por ejemplo, de las escenas de acción del último Terminator, rodado en las Islas Canarias. Esta presentación se enmarca en uno de los proyectos del certamen, la Ruta Marco Polo, a través del cual el Festival Nits se implica en la producción y difusión de filmes occidentales con componentes asiáticos y en
proyectos de intercambio con festivales y estudios de Asia.
Nuevas colaboraciones a partir de la visita del Festival Nits al FilmArt (Hong Kong International Film & TV Market)
Desde hace diez años el equipo programador del Festival Nits ha viajado a Hong Kong cada mes de marzo para negociar con productores y distribuidores gran parte de los filmes que se podrán ver en Vic en verano.
En el marco del FilmArt también se han establecido colaboraciones con otros profesionales y certámenes, como el Biky – Busan International Kids and Youth Film Festival (Corea del Sud) y el Historica International Film Festival de Kyoto (Japón).
Asimismo, el Festival Nits sigue presente en festivales del propio territorio donde ya ha participado en las últimas ediciones: Sant Cugat Fantàstic (del 2 al 5 de mayo), Cryptshow Festival (Badalona, 29 y 30 de junio, y del 5 al 7 de julio), Nocturna (Madrid, del 22 al 26 de octubre), entre otros.
Vic, protagonista
Un año más, la programación Més Nits llenará los Centros Cívicos de Vic de actividades culturales vinculadas con Asia un mes antes de empezar el Festival. El público podrá participar todo el mes de junio en talleres gastronómicos, de artes marciales, de escritura, etc.
Se celebrará también la segunda edición del concurso Vicsudon, un concurso de cortometrajes donde las piezas de 3 minutos de duración deben hacer referencia a Vic o al Festival Nits, aparte de tener elementos asiáticos. El último día del festival (domingo 21 de julio), se proyectarán los cortos presentados y el público ejercerá de jurado popular. Las bases de participación se publicarán la última semana de abril en la página web http://www.cinemaoriental.com.
El Festival Nits crece anualmente en colaboradores… y en sorpresas. Esta edición, el público podrá probar el Pastisset de les Nits, una propuesta de El Carme – Forn i pastisseria de Vic, con una clara referencia a un icono de la cultura popular nipona, que se podrá adquirir en sus establecimientos durante el verano.
Cardoterror 2019: Terror en el espacio
|
CARDOTERROR XIV
Toda la programación del tercer BCN Film Fest
El Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que celebrará su tercera edición entre el 22 y el 30 de abril, programará un total de 59 películas en sus distintas secciones, lo que supone un incremento del 59% respecto al año anterior. El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de Sant Jordi, vuelve a ofrecer películas que giran entorno el eje temático Cine-Literatura-Historia, centradas sobre todo en grandes personalidades y eventos históricos de relevancia.
El británico Mike Leigh, ganador del Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes por Secretos y Mentiras y responsable de películas como El secreto de Vera Drake o Mr. Turner, visitará el BCN FILM FEST para presentar LA TRAGEDIA DE PETERLOO (“Peterloo”), una reconstrucción de la violenta represión policial vivida en Manchester el 19 de agosto de 1819. También viajará a Barcelona el protagonista de La boda de mi mejor amigo Rupert Everett, que debuta como director con LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE OSCAR WILDE (“The Happy Prince”), un biopic en el que también interpreta al escritor Oscar Wilde en el final de su vida en Francia, donde intenta recuperar la gloria de los buenos momentos.
Agustí Villaronga visitará el BCN FILM FEST con su nuevo trabajo, NACIDO REY, una superproducción histórica rodada entre Arabia Saudí y el Reino Unido. También estarán en Barcelona 5 directores para presentar su opera prima: Agustina Macri, que debuta como directora con SOLEDAD, la vida de un icono del movimiento anarquista italiano; el joven dramaturgo Alexis Michalik con CARTAS A ROXANE (“Edmond”), que recrea la gestación y escritura de Cyrano de Bergerac; Salvador Simó, que presentará la película de animación BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGAS, sobre el rodaje de la mítica película de Luis Buñuel, Las Hurdes, tierra sin pan; Laura Jou, que adapta en LA VIDA SENSE LA SARA AMAT la conocida novela de Pep Puig; y Víctor Cabaco, que junto a la actriz Ruth Díaz presentará VITORIA 3 DE MARZO, una producción sobre los hechos históricos de la masacre del 3 de marzo de 1976 en Vitoria, que inspiraron la canción de Lluís Llach Campanades a mort.
La sección oficial la completan: EL BAILARÍN (Ralph Fiennes), EL EMPERADOR DE PARÍS (Jean-François Richet), EL SECRETO DE LAS ABEJAS (Annabel Jankel), HOTEL MUMBAI (Anthony Maras), LA MIRADA DE ORSON WELLES (Mark Cousins), VIENTO DE LIBERTAD (Michael Herbig), UNE INTIME CONVICTION (Antoine Raimbault), SIR (Rohena Gera), BRECHT (Heinrich Breloer), y ROJO (Benjamín Naishat).
En cuanto a la sección “Arte en el Cine”, Jeremy Irons visitará el BCN FILM FEST para presentar el documental PINTORES Y REYES DEL PRADO, en el que el británico conduce un viaje espectacular por la historia a través de las obres de arte del Museo del Prado. El italiano Francesco Invernizzi estará también en Barcelona para presentar LEONARDO, V CENTENARIO, un análisis de las implicaciones modernas del legado artístico de Leonardo Da Vinci. Phil Grabsky visitará el festival con EL JOVEN PICASSO, un documental imprescindible para entender como Picasso se convirtió en uno de los artistas más importantes del siglo XX, y completará esta sección KLIMT & SCHIELE. EROS Y PSYCHE, la obra, las obsesiones y los sueños de los artistas más importantes de la Viena de las primeras décadas del siglo XX.
En la “Zona Oberta” también visitarán el festival Manuel Huerga, que presentará su documental BARCELONA, LA ROSA DE FOC; Neus Ballús, Sergi López y Elena Andrada presentarán STAFF ONLY; y Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peñay Benito Zambrano viajarán a Barcelona para presentar las primeras imágenes de sus nuevos proyectos, MADRE e INTEMPERIE, respectivamente. También se podrá ver EN LOS 90 («Mid 90s»),debut como director de Jonah Hill; VARDA BY AGNÈS, la última obra de la gran Agnès Varda, UN ATARDECER EN LA TOSCANA («Dolce Fine Giornata»), una reflexión sobre la identidad europea del director Jacek Borcuch; AN ACCIDENTAL STUDIO, el documental sobre la productora de cine de George Harrison; y TOMMY, la versión remasterizada del musical de The Who, coincidiendo con el 50 aniversario del disco homónimo.
El jurado de este año estará formado por la actriz Nora Navas, la escritora Pilar Eyre y el dramaturgo Josep Maria Miró. Aunque el premio Educacine se mantendrá durante el festival, el III BCN FILM FEST organizará desde el 8 al 12 de abril la SEMANA DE LA ESCUELA, para que profesores y más de 1.100 alumnos puedan disfrutar de un catálogo de películas seleccionadas por su valor educativo.
Todas las sesiones del BCN FILM FEST (excepto inauguración y clausura) tendrán un precio único de 2,90€. Las sesiones Femení Plural, el Nou Cinema Italià serán gratuitas.
Toda la Sección Oficial del BCN Film Fest 2019
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) anuncia al completo la Sección Oficial de su tercera edición. 18 títulos de 10 países distintos, de los cuales 13 a competición tendrán su première mundial o española en el Festival del 22 al 30 de abril. Entre los 18 largometrajes, encontramos los nuevos trabajos de directores consagrados como Mike Leigh o Mark Cousins, los trabajos dirigidos por reconocidos actores como Ralph Fiennes o Rupert Everett, así como cuatro óperas primas, como las de las directoras Agustina Macri o Laura Jou.
Un año más, el triángulo Cine-Literatura-Historia supone el eje temático de la Sección Oficial del Festival, de acuerdo al espíritu cultural y literario de la Diada de Sant Jordi, cuya celebración siempre coincide con la del certamen. Por ello, las películas de esta sección son, fundamentalmente, adaptaciones de obras literarias, producciones relacionadas con algún hecho histórico y filmes biográficos sobre personalidades relevantes. Todas ellas mantienen un compromiso claro con el gran público, como lo hace el Festival con todas las entradas a 2,90 euros.
Estas son las últimas películas en sumarse a la Sección Oficial de la 3ª edición del BCN FILM FEST:
SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
EL BAILARIN (The White Crow)
De Ralph Fiennes. Con Oleg Ivenko, Louis Hofmann, Adèle Exarchopoulos y Ralph Fiennes.
Première española.
El tercer trabajo como director del reconocido actor británico cuenta la fascinante historia del bailarín ruso Rudolf Nureyev, que viajó a París para convertirse en uno de los bailarines más importantes de todos los tiempos.
EL EMPERADOR DE PARÍS (L’Empereur de Paris)
De Jean-François Richet. Con Vincent Cassel, Olga Kurylenko, Fabrice Luchini y Dennis Lavant.
Première española.
Con un reparto con algunas de las caras más conocidas del cine francés, esta vibrante cinta de aventuras nos sumerge en los bajos fondos del París de Napoléon de la mano del legendario investigador privado Vidocq, al que encarna Vincent Cassel.
TELL IT TO THE BEES
De Annabel Jankel. Con Anna Paquin, Holliday Grainger y Gregor Selkirk.
Première española.
La primera película dirigida en solitario por la co-directora de largometrajes y videoclips Annabel Jankel («Muerto al llegar«) es un potente melodrama protagonizado por Anna Paquin y Holliday Granger sobre una relación lésbica en la Inglaterra de los años 50.
HOTEL MUMBAI
De Anthony Maras. Con Armie Hammer, Dev Patel y Jason Isaacs.
Première española. Ópera Prima
La primera película de este director australiano recrea el ataque terrorista de 2008 al hotel Taj Mahal Palace de Bombay. Con un elenco encabezado por Armie Hammer, Dev Patel y Jason Isaacs.
LA TRAGEDIA DE PETERLOO (Peterloo)
De Mike Leigh. Con Rory Kinnear, Maxine Peake y Pearce Quigley.
Première española.
El Ganador del Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes y responsable de películas como «El secreto de Vera Drake» o «Mr. Turner» nos trae su último trabajo, una reconstrucción de la violenta represión policial que sufrió la protesta de Peterloo el 19 de agosto de 1819.
SOLEDAD
De Agustina Macri. Con Vera Spinetta, Marco Leonardi y Francesco De Vito.
Première española. Ópera prima.
Agustina Macri, hija del presidente de Argentina Mauricio Macri, que se ha formado como asistente en diversas producciones televisivas y largometrajes, presenta su debut como directora con una película de fuerte contenido político. La historia real de una joven activista argentina que fue detenida injustamente en Italia acusada de un crimen que no cometió.
LA MIRADA DE ORSON WELLES (The eyes of Orson Welles)
De Mark Cousins.
Première española.
Esta aproximación a la figura del mítico director de cine a partir de material de archivo inédito del propio Welles supone el último trabajo de Mark Cousins, uno de los más prestigiosos divulgadores cinematográficos de los últimos años, autor de la serie documental «The Story of a Film. Una odisea» y el libro «Historia del cine«.
UNE INTIME CONVICTION
De Antoine Rambault. Con Marina Fois, Olivier Gourmet y Laurent Lucas.
Première española.
La adaptación de una historia real tan perturbadora como interesante: la de una mujer, Nora, que tras asistir al juicio de un sospechoso de asesinato, contrata ella misma a un abogado para que le defienda en su apelación, convencida de su inocencia. Una búsqueda de la verdad que acabará convirtiéndose en una obsesión.
VIENTO DE LIBERTAD (Ballon)
De Michael Herbig. Con Friedrich Mücke, Karoline Schuch, Alicia von Rittberg y Thomas Kretschmann.
Première española.
El fascinante relato de dos familias de la Alemania Oriental que, en el año 1979, en plena Guerra Fría, decidieron huir a la Alemania Occidental en un globo aerostático diseñado y fabricado por ellos mismos. Una apasionante historia real sobre la resistencia.
SECCIÓN OFICIAL (FUERA DE COMPETICIÓN)
BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGAS
De Salvador Simó.
Première catalana. Ópera prima
Un repaso, en clave de animación y surrealismo, por uno de los episodios más importantes en la vida del mítico director de cine Luis Buñuel: la concepción y el rodaje de su película «Las Hurdes, Tierra sin pan«.
LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE OSCAR WILDE (The Happy Prince)
De Rupert Everett. Con Rupert Everett, Colin Firth y Emily Watson.
Première catalana. Ópera prima.
El protagonista de películas como «La boda de mi mejor amigo» o «Un marido ideal» se pone al frente de un reparto lleno de caras conocidas en su debut como director, un biopic en el que el actor británico interpreta al escritor Oscar Wilde en el ocaso de su vida en Francia, intentando recuperar la gloria de los buenos tiempos.
VITORIA 3 DE MARZO
De Victor Cabaco. Con Amaia Aberasturi, Ruth Díaz y Alberto Berzal.
Première catalana. Ópera prima
Esta película supone una recreación de los hechos del 3 de marzo de 1976 cuando miles de trabajadores reunidos en asamblea abarrotan la iglesia del barrio obrero de Zaramaga en Vitoria. Cuando la policía decida disolver la reunión por la fuerza, tendrá lugar un enfrentamiento que cambiará el país para siempre.
BRECHT
De Heinrich Breloer. Con Burghart Klaußner, Tom Schilling y Adele Neuhauser.
Première española.
Mezcla de documental y ficción, esta coproducción entre Alemania, Austria y República Checa supone un repaso a la biografía de uno de los autores teatrales más importantes del siglo XX: el polémico dramaturgo Bertolt Brecht.
Estas películas se suman a la Sección Oficial junto a las ya anunciadas en las anteriores notas de prensa, con el primer avance de programación y las películas con participación catalana en el BCN FILM FEST 2019:
NACIDO REY (Born a King), de Agustí Villaronga. Première internacional.
LA VIDA SENSE LA SARA AMAT, de Laura Jou. Première mundial. Ópera prima.
CARTAS A ROXANE (Edmond), de Alexis Michalik. Première española. Ópera Prima.
SIR, de Rohena Gera. Première española. Ópera Prima.
ROJO, de Benjamin Naishat. Première catalana. Fuera de Competición.
Más información sobre todos los títulos en www.bcnfilmfest.com
El mejor cine ‘indie’ en la 6ª edición del festival ‘Americana’
Fotos: Serendipia
En 2014 se puso en marcha en Barcelona un pequeño festival con el objetivo de rescatar y difundir gemas del cine independiente norteamericano. Películas que en la extensa mayoría de 
casos no conocerían distribución en salas cinematográficas o, de hacerlo, sería de forma muy restringida. Cintas heterogéneas, con todo tipo de temática y dirigidas a un público bastante más inquieto que el que acude habitualmente a ver el último blockbuster al centro comercial.
En aquella primera edición el festival constó de 12 películas, número que se incrementó progresivamente hasta los 33 largometrajes actuales, repartidos en seis secciones. A todo ello cabe sumar los 26 cortometrajes a concurso y los 12 incluidos en la retrospectiva, todo lo cual ha conformado la que unánimemente se ha considerado la mejor edición del Americana.
Esta sexta edición también ha contado con sección nueva, The Lost Session, creada para recuperar títulos poco o nada vistos y que este año ha contado con The Golden Boat (1990) de Raoul Ruiz.
Inaugurado el martes 5 de marzo en el cine Phenomena con la proyección de The Miseducation of Cameron Post (Desiree Akhavan), Americana tuvo, como ya es habitual, su sede en los Cinemes Girona, que pusieron a disposición del festival sus tres salas en las cuales, de miércoles a domingo, pudieron verse el total de las cintas que conformaban las secciones competitivas: Americana Tops, Americana Next, Americana Docs y Americana Shorts, además del título perteneciente a The Lost Session y los dos ofrecidos, de forma gratuita, por Movistar Plus. Mientras, la Filmoteca de Catalunya acogió un ciclo dedicado a los invitados de honor del festival, The Zellner Bros y también, como novedad, el Zumzeig Cinema, que se sumó a la familia Americana como sala alternativa ofreciendo al público, entre otros, los títulos incluidos en la sección Americana Docs.
UN PASEO POR AMERICANA
Comedia, drama, animación, documental, thriller… todo tuvo su espacio en Americana, y estos son algunos de los títulos que Serendipia pudo ver durante sus maratonianas jornadas en el festival:
Chloë Grace Moretz, Forrest Goodluck y Sasha Lane protagonizan The Miseducation of Cameron Post, cinta vencedora del último festival de Sundance basada en la novela de Emily M. Danforth que narra la convivencia de tres 
jóvenes internos durante los años noventa en un centro de reorientación sexual. Religión, junto a dudosas teorías psicológicas impartidas por individuos que no son más que víctimas hipócritas de su propia frustración sexual protagonizan esta cinta que sitúa su acción en un entorno idílico, situado en lo que parece ser pleno cinturón bíblico norteamericano, con unos actores en estado de gracia, y buenas dosis de humor y esperanza que convirtieron esta cinta en un título ideal con el que inaugurar las noches de Americana.
Relaxer (Joel Potrykus) fue uno de los títulos que más agradaron a Serendipia por lo bizarro de su propuesta. Largos planos-secuencia, cámara inmóvil, y una situación del todo extraña con video juegos, retos descabellados y una atmósfera asfixiante y sucia, todo lo cual no evita que el espectador se vea incapaz de apartar la vista de la pantalla. Diferentes grados de estupidez, situaciones absurdas, una agresiva sensación de extrañeza y, también, mucho humor. Todo ello en lo que no deja de ser una visión doméstica del apocalipsis. Que además termina produciéndose con la irrupción de… ¡el efecto 2000! Caos dentro del caos.
Más convencional resultó Her Smell (Alex Ross Perry) una de las diversas propuesta relacionadas con el mundo de la música que ofreció Americana y que, en esta ocasión, nos introdujo en el backstage de un grupo femenino de punk-rock en plena crisis. Una decadencia motivada por los excesos de su acelerada líder, Becky Something, interpretada magistralmente por Elisabeth Moss, muy popular para el degustador de series por El cuento de la criada. Como un torbellido, la protagonista se tambalea por las ruinas de su grupo y de su vida, repleta de espejos rotos y basura y a un escalón de la locura, acompañada con sonidos de otro mundo como fondo. En el reparto destacan, por motivos diferentes, algunos nombres como el de Virginia Madsen o Cara Delevigne.
Si tanto Relaxer como Her Smell son, cada uno a su modo, relatos apocalípticos, no nos lo parece menos Tyrel, del chileno Sebastián Silva, que narra como una reunión de viejos amigos degenera en un caos vital. Y es que acudir a una orgía de drogas y alcohol conociendo, tan solo, a una persona de entre un numeroso grupo de amigos 
de la infancia siendo, además, el mayor y único negro del clan, quizás no sea una buena idea. Es más, como pueden suponer la acción se torna incómoda, y esta incomodidad se trasmite al espectador, que al igual que el protagonista, tan solo deseará desaparecer de allí. Lo que para esa hermandad de beodos son juegos, para Tyrel es una tortura perteneciente a una época, la adolescencia, que ha quedado ya atrás. Resulta paradójico que el que mejor se lleva con Tyrel y tenga la mirada más inteligente sea Cosmo, un perro.
El documental Monrovia, Indiana (Frederick Wiseman) nos lleva de viaje a una pequeña comunidad rural norteamericana. Vemos su actividad, el día a día, que en poco a nada se diferenciaría de otras de las muchas que pueblan los Estados Unidos sino fuera porque el 75% de su población votó a Trump. Paisajes urbanos desérticos; campos de maíz mecidos por el viento; cerdos llevados al matadero; peluquerías; ceremonias masónicas; casas y calles habitadas por muertos andantes… las imágenes, los sonidos, los silencios y, sobre todo, el montaje da voz a este documental dirigido por el veterano Frederick Wiseman, que a sus 89 años todavía tiene mucho que decir, como intentar explicar porqué una pequeña comunidad rural, que vive principalmente de la ganadería y la agricultura, vota a una rata tan urbana como Trump, millonario metido a político y mesías apocalíptico. Algo podrido palpita en el pulcro, en apariencia, corazón de Estados Unidos y Wiseman lo muestra, teniendo que ser el propio espectador el que extraiga, de entre la belleza de sus imágenes, sus propias conclusiones.
Los conflictos internos de un niño que es diferente a sus hermanos y a su padre y no comprende muy bien el porqué protagonizan We the Animals, auténtica pieza de orfebrería cinematográfica y posiblemente la mejor película de esta sexta edición de Americana. Recurriendo en ocasiones a la estética del documental, y en otras a la animación, Jeremiah Zagar nos cuenta un relato de crecimiento trufado de ingredientes que marcarán la personalidad de los tres hermanos protagonistas: violencia de género, empleos precarios, progenitores irresponsables y 
homosexualidad, todo ello en una brillante ópera prima que representa el reverso tenebroso de los felices veranos infantiles de bicicleta, sandwich de manteca de cacahuete y primer beso. Su atmosférica banda sonora no hará más que añadir intensidad a esta poderosa propuesta que, como veremos, será justamente recompensada por el jurado del festival.
Que el menú que nos ofrece Americana es del todo variado lo demuestra el que también tenga cabida una película como Support the Girls (Andrew Bujalski, 2018) propuesta más desenfadada que el resto pero que, no se llamen a engaño, trata en clave de humor temas de lo más serio. Y lo hace desde un sports bar, pequeño universo genuinamente americano y masculino en el que se desenvuelve la hermandad femenina protagonista: la encargada del mismo, convincentemente interpretada por Regina Hall, y el grupo de camareras de escueto uniforme, marcadas curvas y brillante sonrisa que sirven comida a los parroquianos habituales, que deberán observar las normas de comportamiento, semejantes a las que pudiera haber en un local de striptease.
En Hearts Beat Loud el amor por la música ha unido, aún más si cabe, a sus dos protagonistas, un padre viudo y su hija adolescente que pronto abandonará el nido para estudiar medicina. Veremos como el protagonista deberá dejar de aferrarse al pasado y superar el fallecimiento de la esposa, que no le permite prosperar ni madurar ante una hija que demuestra en todo momento que sabe lo que quiere demostrando ser la cabeza pensante de la familia. Una deliciosa cinta, toda una «feel good movie» protagonizada por unos excelentes Nick Offerman y Kiersey Clemons con secundarios de lujo como Toni Collette o Ted Danson, además de Sasha Lane, a la que ya vimos interpretando un personaje bien diferente en The Miseducation of Cameron Post.
Robert G. Putka y una de sus actrices, Ashley Lenz, presentaron We Use to Know Each Other, segundo largometraje del director que trata sobre una relación a distancia y las traiciones, entre otras sorpresas, que pueden conllevar. Escasos personajes, una banda sonora sencilla pero eficaz, abundancia de diálogo y una cámara inquieta en esta muestra de cine de guerrilla realizado con pocos medios y mucho ingenio.
Robert G. Putka y Ashley Lenz.
Mucho más seria fue Friday’s Child (A. J. Edwards) que aborda, con un tono a veces cercano al documental, los problemas de un joven huérfano al abandonar el centro de menores en el que se ha criado. Una pesimista y fatalista cinta producida por Gus Van Sant protagonizada por Tye Sheridan, Imogen Poots y un inquietante Caleb Landry Jones, actor al que también pudimos ver en 
Tyrel. Con tono irreal y personajes que aparecen y desaparecen, algo que delata que posiblemente tan solo se encuentran en la cabeza del protagonista, Friday’s Child se muestra como la pesadilla de una mente enferma.
Y de nuevo una película que retrata la relación de un padre con su hija adolescente, aunque en este caso no podamos hablar de otra «feel good movie«. Muy al contrario, Leave no Trace (Debra Granik) nos muestra una forma de vida condenada a fracasar. Un padre (Ben Foster) y su hija (Thomasin McKenzie) viven felices y libres al margen de la civilización en un bosque cercano a Portland, a donde tan solo de acercan a por víveres. Pronto serán desalojados y tendrán que adaptarse a un entorno más convencional. Conoceremos el traumático origen que motivó al padre a querer huir de la realidad, y veremos como la necesidad de la joven de formar parte de una comunidad terminará enfrentando a ambos. La joven Thomasin McKenzie está sencillamente brillante, al igual que Ben Foster, al que este tipo de personaje le van como anillo al dedo.
The Bill Murray Stories: Life Lessons Learned from a Mythical Man se hace eco de una leyenda urbana que demuestra ser real: la costumbre de Bill Murray de aparecer en los lugares más imprevistos y mezclarse con la gente ‘normal’ convirtiendo una celebración o una anodina tarde en el pub en una jornada inolvidable. Tommy Avallone, director de este documental, ha entrevistado a personas que han tenido experiencias de este tipo, ya sea encontrándolo lavando platos en fiestas caseras o sirviendo cervezas en un pub y ha querido así confirmar la veracidad de esas historias. Ha contado asimismo con la opinión de Gavin Edwards, autor del libro The Tao of Bill Murray, en el que analiza, entre otras cosas, esta costumbre del actor y saca conclusiones sobre su filosofía de vida. Más allá de todo esto, que nos parece quizás un tanto exagerado, la película ofrece una reflexión sobre la fama, la existencia humana y el deseo de conocer a nuestros ídolos, dejando patente, además, la particular humanidad del actor, basada en dar felicidad a los demás convirtiéndose en uno más, actuando con total normalidad y consiguiendo que la distancia existente entre el ‘famoso’ y el hombre ordinario desaparezca. Todo ello en un divertido y curioso documento que presentó el responsable de su banda sonora, Ryan Petrillo, afincado en Barcelona.
Y de un documental a otro bien diferente, pero a su manera, también muy divertido. Free Solo es la historia de un reto: el de escalar a mano, sin cuerdas ni ningún tipo de seguridad (modalidad que recibe precisamente el nombre de Free Solo), El Capitán (Yosemite), una pared montañosa de 3000 pies de altura que nadie ha conseguido escalar de esa forma. Un reto muy emocionante que es retratado de manera magistral en la parte final del filme. Pero más allá de ese hito, Free Solo es la historia de su protagonista, Alex Honnol, un tipo de lo más peculiar, que ama escalar y jugarse la 
vida más que nada en el mundo. Y todo sin dramatizar, como si ese juego con la muerte fuera lo más normal, algo que no está muy alejado de la verdad si tenemos en cueta que Honnol tiene en su haber más de 100 Free Solos. Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi retratarán, además de los preparativos del ascenso, la relación heroica que mantiene con él su novia y el apoyo que recibe de la, también peculiar familia de este escalador poco dado a mostrar sentimientos. Una magnífica pieza, digna de la estatuilla recibida por tener de todo: emoción, humor y ternura más allá del frío documento.
Never Goin’ Back, opera prima de la actriz Augustine Frizzell, es una gamberrada, una humorada con cierto trasfondo social que nos muestra las ansias de libertad y diversión de dos jóvenes que viven a trompicones sobreviviendo gracias a trabajos basura. Uno de los platos más ligeros y desenfadados del festival, humor sin demasiadas pretensiones con dos protagonistas muy complementarias y con mucho encanto, Maia Mitchell y Camila 
Morrone. Toda una fiesta que obtuvo su recompensa en el festival.
Por su parte Wildlife es otra ópera prima, en este caso del actor Paul Dano, un amargo retrato de crecimiento narrado desde el punto de vista del adolescente que interpreta Ed Oxenbould que se desarrolla en un barrio residencial de Montana en los sesenta. Una vida que no es precisamente idílica. Con un padre (Jake Gyllenhaal) que no acaba de encontrar su lugar y una esposa (Carey Mulligan) que se cansará de la itinerancia que eso ha motivado para la familia. Un agotamiento que la convertirá en lo opuesto a lo que hasta entonces había sido, pasando de abnegada madre y esposa a desentenderse de su casa y de su hijo y hacerse amante de un industrial, mientras que su esposo marcha/huye a trabajar apagando incendios. Un reverso tenebroso del sueño americano, de la familia perfecta que dejará un sabor agrio en el espectador.
Finalmente An Evening with Beverly Luff Linn es la nueva propuesta de Jim Hosking, que tanto diera que hablar con su esperpéntica The Greasy Strangler (2016), tras su paso por el Festival de Sitges. La cinta es otra historia en la linea de aquella: humor disparatado, situaciones absurdas y ridículas y un argumento a caballo entre el esperpento y la parodia, en este noir que estira hasta el límite sus lugares comunes. Una propuesta lúdica y desengrasante.
PALMARÉS Y CONCLUSIONES
PALMARÉS
El jurado joven de la sección NEXT del Americana Film Festival, formado por los alumnos de La Casa del Cine, decidió apostar por la ópera prima Never Goin’ Back de la directora Augustine Frizzell, porque «su frescura y su carácter desenfadado se manifiesta a través de la relación de la pareja protagonista, llena de matices y alejada de convencionalismos, y que juega con los clichés para dejarlos al descubierto y subvertirlos«.
El jurado ACCEC de la crítica, compuesto por Juan Pablo Beas, Marc Garriga y Antoni Peris-Grao, valoró las películas presentadas en la sección TOPS destacando el elevado nivel de dos obras, Wildlife de Paul Dano (debutante en dirección) y Blaze de Ethan Hawke, ambas dirigidas por actores, otorgando el premio a la mejor película a We the animals, debut en la dirección de ficción de Jeremiah Zagar.
El palmarés se completó con el premio del público para corto y largometraje. El mejor cortometraje recayó en Souls of Totality, de Richard Raymond, mientras que el premio del público a mejor largometraje fue para Free Solo, de Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi, el documental ganador del Oscar.
CONCLUSIONES
La programación de esta sexta edición del Americana ha sido variada y abierta a todo tipo de público. Varias de las cintas exhibidas han reflejado, de diferentes modos, la presencia de Trump como presidente, así como la diversidad sexual, abogando por su normalidad. El festival ha contado con la presencia de 8 invitados internacionales: David Zellner, Nathan Zellner, Robert G. Putka, Ashley Lenz, Andrew Lewis, T.J. Joshikazi, el catalán establecido en NY Jordi Torrent y el norteamericano residente en Cataluña Ryan Petrillo, que han presentado sus trabajos y han compartido experiencias con el público. También se contó con presentadores ilustres, entre ellos Ángel Sala, director del Sitges Film Fest, que se encargó de decir unas palabras preliminares sobre la demente An Evening with Beverly Luff Linn (Jim Hosking, 2018); o el escritor Antonio José Navarro, que hizo lo propio con el documental Monrovia. Indiana. La calidad de los títulos seleccionados han convertido esta sexta edición en la mejor y la más exitosa también en cuanto a presencia de público (más de 7000 espectadores) lo que supone un aumento de un 30%, y motivó que se tuviera que colgar el cartel de agotado en 14 sesiones. Un público compuesto tanto por los fieles que acuden al festival reincidiendo por la satisfacción obtenida en anteriores ediciones, como por los que se acercan por primera vez de oídas, atraídos por lo que han escuchado sobre el mismo. De nuevo los Cinemes Girona ejercieron de anfitriones y cómplices ideales de este festival, que contó con una organización amable y eficiente, que evitó las aglomeraciones de público y la confusión de colas. El festival también contó con la colaboración del Zumzeig, la Filmoteca de Catalunya y la sala Phenomena
Felicidades a la organización por tan exitoso festival y, los que no pudieron estar que sepan que Americana continuará en varias localidades con la Route 66, con proyecciones en espacios tan destacados como el Cine Truffaut de Girona, el Cineclub Garbí en Malgrat de Mar, Numax en Santiago de Compostela, Tabakalera en San Sebastián o La Cineteca y La casa encendida en Madrid.
Gran participación catalana en el BCN Film Fest 2019
El cine catalán vuelve a contar con un espacio destacado en el Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que un año más apuesta en su programación por películas catalanas o que cuenten con un destacado talento de Catalunya. En su tercera edición, se presentarán las nuevas películas de reconocidos directores, trabajos corales y las óperas primas de nuevos talentos del cine catalán.
NACIDO REY (Born a King), de Agustí Villaronga
Sección Oficial a Competición
Première internacional
La nueva película del veterano director catalán Agustí Villaronga, responsable de multipremiadas películas como Incerta Glòria o Pa Negre es una superproducción de 18 millones de dólares que hace historia por tratarse de la primera coproducción de Arabia Saudí, que produce la película junto a España y Reino Unido.
La película cuenta la historia real del joven príncipe saudí Faisal, que en 1919 viajó desde su país hasta Londres en misión diplomática para reunirse con algunas de las figuras más importantes de la época, como Winston Churchill o Lawrence de Arabia.
Acompañando al debutante Abdullah Khaleel, que interpreta al joven príncipe, encontramos un reparto internacional repleto de caras conocidas, como Ed Skrein («Deadpool«, Alita:Ángel de combate«), Hermione Corfield («Misión Imposible: Nación Secreta«), Rubén Ochandiano («Los abrazos rotos«), Laurence Fox («La joven Jane Austen«) y Marina Gatell («Pa Negre»). La película está producida por el reconocido productorAndrés Vicente Gómez, responsable de clásicos del cine español como «Belle Epoque» o «El día de la Bestia«.
LA VIDA SENSE LA SARA AMAT, de Laura Jou
Sección Oficial a Competición
Première mundial
La actriz y realizadora Laura Jou, que consiguió con su cortometraje No me quites una nominación al Goya y tres premios en el Festival de Málaga, adapta en esta película para televisión la conocida novela catalana de Pep Puig, ganadora del Premi Sant Jordi. Producida por Isona Passola («Pa Negre«, «Incerta Glòria«), LA VIDA SENSE LA SARA AMAT es un drama que relata la desaparición de Sara, una chica de trece años, en mitad de una noche de verano. Nadie sabe que, en realidad, la chica ha huido de su casa para refugiarse en la habitación de Pep, quien a partir de entonces llevará una doble vida como su cómplice y protector.
LITUS, de Dani de la Orden
Cinema amb Gràcia
Première catalana
Dani de la Orden («El pregón«, «Barcelona, noche de invierno«), uno de los directores catalanes más solicitados del momento después del éxito de taquilla de El mejor verano de mi vida, presenta un año más su nuevo trabajo al público catalán en el BCN FILM FEST.
LITUS es una comedia dramática con un reparto de auténtico lujo protagonizada por Quim Gutiérrez («Primos«, «La gran familia española«), Belén Cuesta («La llamada«, «Ocho apellidos catalanes«) Adrián Lastra («Toc toc«, serie «Velvet Colección«), Álex García («Gente que viene y bah«, «Kiki, el amor se hace«), Miquel Fernández(«Durante la tormenta«, «El Guardián Invisible«) y Marta Nieto (series «Vis a vis«, «El ministerio del tiempo«).
Toni reúne de nuevo a sus amigos después de un tiempo sin verse. Tras la muerte de Litus, por fin pueden disfrutar de un rato juntos. Sin embargo Toni tiene una noticia inesperada: Litus dejó una carta de despedida para cada uno de ellos. Lo que debía ser un encuentro para hablar de Litus se convierte en ocasión para descubrir los secretos más íntimos y todas las emociones escondidas durante años.
STAFF ONLY, de Neus Ballús
Zona Oberta
Première catalana
Tras su première mundial en la reciente Berlinale, STAFF ONLY se presentará al BCN FILM FEST. La película supone el debut en el largometraje de ficción de Neus Ballús, directora que alcanzó una gran repercusión con su primer trabajo, la película documental La Plaga. Sergi López («El laberinto del fauno«,»El hombre que mató a Don Quijote«) y la debutante Elena Andrada protagonizan esta historia sobre un padre y su hija adolescente que van a Senegal de vacaciones, en un viaje que cambiará su relación para siempre. La película, coproducción de TV3, se ha rodado íntegramente en este país.
BARCELONA, LA ROSA DE FOC, de Manuel Huerga
Zona Oberta
Barcelona como nunca antes la has visto. El director Manuel Huerga, responsable de películas como Salvador (Puig Antich) nos introduce en los rincones más conocidos de la ciudad al mismo tiempo que nos descubre sus secretos en este espectacular documental. Rodado en plano secuencia, esta producción de Mediapro, con coproducción de TV3, pretende capturar el espíritu y la personalidad de Barcelona mediante imágenes de la vida cotidiana de sus calles y de los eventos más importantes a lo largo de todo un año. Una historia coral de vidas cruzadas, pero con un protagonista indiscutible: la propia ciudad de Barcelona.
La película cuenta con unos narradores de auténtico lujo que prestan su voz para las diferentes versiones que se han hecho del documental: Pep Guardiola (catalán), Joan Manuel Serrat (español), Daniel Brühl (alemán) e incluso el mítico Woody Allen (inglés), uno de los mayores fans de la ciudad condal.
LA FILLA D’ALGÚ, varios directores (ESCAC)
Première catalana
Zona Oberta
La actriz catalana Aina Clotet, de amplia carrera tanto en producciones catalanas («Els nens salvatges«, «Gran Nord«) como en proyectos de ámbito nacional, («Durante la tormenta«, serie «Velvet Colección«) protagoniza este largometraje de carácter coral realizado por estudiantes de distintas disciplinas del último curso de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).
La película, que supone el reto para distintos directores de realizar una película con el mismo estilo y unidad temática, cuenta la historia de una abogada que el día de un importante juicio mediático, descubre que su compañero ha desaparecido, que no es otro que su propio padre. La película está producida por la productora de la escuela, ESCAC FILMS, responsable de películas como Mi Querida Cofradía o The Girl from the Song.
‘Americana’ y la identidad
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
‘The Miseducation of Cameron Post’ da el disparo de salida al ‘Americana’
|
|
Americana y la música
La música será un componente importante en esta sexta edición de Americana, puesto que tres de las películas del festival (una de cada sección) la tienen como elemento principal.
Dentro de TOPS, la clausura corresponde a Blaze, la última película en la dirección de Ethan Hawke, un biopic musical que huye de los grandes mitos y que se aleja de los grandes estudios y de las grandes producciones. Blaze es un film sobre el cantautor country norteamericano Blaze Foley, desconocido más allá de Texas, donde pasó buena parte de su carrera. Teniendo la plena voluntad de afrontar el film con la máxima autenticidad, Hawke da el papel protagonista a Ben Dickey, músico de profesión que debuta en el cine y por el cual ha ganado un premio a Sundance. Y para acabar de conseguir el realismo buscado, escribe el guion a cuatro manos con Sybil Rosen, pareja de Foley y autora del libro «Living in the woods in a tree: Remembering Blaze Foley«. Blaze pone la mirada sobre el cantautor desde diferentes puntos de vista y líneas temporales. A pesar de no seguir linealmente la historia, no perdemos el hilo, sobre todo gracias a la música que actúa como un elemento unificador que nos transporta a través de los diferentes momentos de su vida. Una clausura intimista con un género tan norteamericano como el country.
Dentro de NEXT podremos ver Hearts Beat Loud donde Frank (Nick Offerman) regenta una tienda de vinilos desde hace muchos años. Leslie (Toni Collette), propietaria del local, casi no le sube el alquiler. Pero aun y así la tienda no funciona. Pensando en la posibilidad de cerrar, una tarde Frank graba un tema musical con su hija (la cantante y actriz Kiersey Clemons). Pero mientras el padre, un Peter Pan de manual, espera todavía triunfar en el mundo de la música, la hija, mucho más centrada que él, solo piensa en su ingreso en la universidad y en Rose (Sasha Lane), una chica de quien se está enamorando profundamente. Todo se complicará todavía más cuando una pequeña posibilidad de éxito tome forma. Y cuando Frank se enamore de Leslie. Y cuando la relación de aprecio entre padre e hija peligre. Hearts Beat Loud es la “feel good movie” de esta edición de Americana. Mezcla de comedia y algunas gotitas de drama, amenizada con momentos musicales, la película de Brett Haley se beneficia de una banda sonora sorprendente con canciones agradables que invitan a ser cantadas y de un reparto impecable y entrañable.
Finalmente en DOCS podremos ver Satan & Adam. Nos encontramos en Nueva York en 1986, Adam un joven graduado en Columbia que toca la armónica en sus momentos libres, está abatido, sin objetivos ni motivaciones. Un buen días paseando por Harlem se topa con Satan, un «hombre orquesta» afroamericano de mediana edad que toca blues en la calle, y decide unirse a él en un momento en que los conflictos raciales de la época van en aumento. Satan & Adam recoge la historia de dos personas de mundos diametralmente diferentes unidos por un vínculo musical indestructible. La música los llevará desde las calles de Harlem hasta los escenarios de todo el mundo y justo en el punto más álgido de su carrera, Satan desaparecerá. Balcerek, director del film, disfrutó de una de sus actuaciones en un pub a principios de los 90, desde entonces ha estado durante 23 años recopilando información y material de archivo para poder completar un relato de altibajos, que celebra la amistad y subraya el poder transformador de la música. Algunos críticos ya la han bautizado como la heredera de Searching for Sugar Man. Sea o no adecuado es innegable que Satan & Adam es uno de los documentales más emocionantes y sorprendentes del año.
Si a estas tres películas que tienen la música como elemento principal de la historia sumamos que, el documental de la sesión Movistar+ RGB tiene la canción “I’ll fight” de Diane Warren nominada a los Oscar de este año (sí, luchando con el “Shallow” de Lady Gaga, pero nominada al fin y al cabo) y que tenemos dos de los momentos con canciones más brutales del año en un par de películas (y si no os lo creéis esperad a escuchar a 4 Non Blondes y Bryan Adams en The Miseducation of Cameron Post y Her Smell respectivamente) podemos decir que, esta sexta edición de Americana, tiene sin ningún tipo de duda a la música como una protagonista destacada.
Documentales de Oscar en ‘Americana 2019’
Nada más y nada menos que cuatro de los cinco documentales nominados a los Oscar de este año se podrán ver durante Americana, incluyendo el ganador. Si tenemos en cuenta que el quinto era una co-producción alemana no indie, se puede decir que el festival ha hecho pleno en cuanto a documentales americanos nominados. No perdáis pues la ocasión de verlos, valorar y comparar, puesto que pocas veces tendréis tan al alcance esta posibilidad. Repasamos estas cuatro formidables películas.
Ganadora recientemente del BAFTA al mejor film documental y triunfador de los Oscar, Free Solo es toda una experiencia que merecería la pena disfrutar como se tienen que disfrutar las experiencias fílmicas: dentro de una sala de cine y en pantalla grande. Los documentalistas Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi acompañan al joven Alex Honnold en el reto más extremo y excitante de su carrera deportiva: escalar, sin la ayuda de cuerdas ni arneses, los 900 metros del prominente acantilado de granito “El Capitán”, situado en el parque de Yosemite. Acercándonos a la emoción y al riesgo del hito pero también a los motivos y la forma de ver la vida del protagonista, a los miedos y dramas de aquellos que lo rodean y lo aman, Free Solo nos tendrá aferrados a la butaca gracias a la emoción, la tensión, la proeza, la belleza de unas imágenes absolutamente impactantes, la forma de rodar, de montar, la excepcional música. No os la perdáis.
Minding the Gap es otra preciosa película que no os dejará nada indiferentes. Bing Liu es un joven skater que se graba junto con sus amigos haciendo proezas encima de su monopatín. Hasta aquí nada de especial. Pero resulta que Bing rueda durante mucho de tiempo. Y va acumulando material. Y empieza a pasar de la adolescencia a la edad adulta. Y se da cuenta de la dificultad que esto comporta. Y de otra cosa. Su grupo de amigos tiene puntos en común: todos ellos han renegado de una forma más o menos radical de sus familias debido a diferentes comportamientos violentos que no conseguían entender. Así que Bing, a través del material rodado, el que seguirá rodando y una serie de entrevistas buscará las causas de sus infelicidades y las posibles soluciones. Pero esto no es una película de Hollywood. Y las soluciones no siempre son fáciles de encontrar. Y mirarse al espejo a veces hace daño. Pero el propósito será un tipo de terapia de grupo que hará aflorar situaciones y sentimientos que no podrán dejar de emocionarnos. Minding the Gap, una auténtica joya.
Y seguimos con Hale County This Morning, This Evening, el primer film del director afroamericano Ramo Ross, una historia sin hilo narrativo que tan solo pretende mostrar las cotidianidades de unas personas y del paisaje donde viven. Todo empieza en Alabama, donde el director hace de entrenador de baloncesto y decide rodar, sin más, imágenes de su día a día. Lo que ve, lo que percibe, aquello que le parece bonito. El resultado final del film es una secuencia de experiencias humanas, de momentos personales, pero también de colores, puestas de sol, gotas de lluvia y sudor. Una experiencia sensorial, una exhibición de lirismo y belleza y del fluir de la vida. Asesorado por uno de los grandes maestros de la poesía visual, de la seducción a través de las imágenes sugeridas, el director tailandés Apichatpong Weerasethakul, el film resultará una inusual experiencia fílmica, que sorprendentemente (o no) está consiguiendo un reconocimiento crítico excepcional.
Cierra este póquer de nominadas RBG, que además, será una sesión gratuita de Movistar+. Este documental explora la vida de Ruth Bader Ginsburg, una mujer que consiguió, desde dentro del sistema, hacer aplicar la ley en favor de la igualdad de género y que ha tenido una carrera como jueza que la ha llevado a formar parte durante muchos años del Tribunal Supremo de los Estados Unidos. Luchadora, perfeccionista, de carácter inalterable, querida y odiada a partes iguales, de figura absolutamente controvertida, este documental con multitud de premios intenta explicarnos los pasos personales y profesionales que han llevado a Ruth a la élite del sistema judicial, así como acercarnos a su parte más humana. Las directoras Julie Cohen y Betsy West recogen material de archivo y testigos para explicarnos desde los inicios la historia de una mujer de vida difícil pero carácter tan fuerte como hermético, que ha marcado la vida judicial de los Estados Unidos durante los últimos 50 años. Superando la muerte de la madre justo antes de graduarse, la de un marido que ha sido su más fiel aliado e incluso tres cánceres, la película se acerca, finalmente lúdica, a la persona actual y nos muestra como se divierte con el inesperado protagonismo que ha recibido en los últimos años al convertirse en un icono pop.
Y para acabar, a pesar de no estar entre las cinco nominadas, sí que tenemos la última película de Frederick Wiseman, el prestigioso director octogenario ganador en 2016 del Oscar honorífico y uno de los habituales de Americana. En esta ocasión nos presenta Monrovia, Indiana y nos habla de este pequeño pueblo donde más de un 97% de su población es de raza blanca. Situado en la América profunda, las elecciones a la presidencia de los Estados Unidos demostraron que más del 65% de sus habitantes estaban a favor de Donald Trump. Frederick Wiseman viaja con su cámara, como siempre observadora, a Monrovia para mostrarnos su realidad y sus rutinas y descubrimos un lugar conservador, proteccionista, católico y completamente aislado de los movimientos sociales y culturales del resto del país. Wiseman nos muestra escenas cotidianas de una comunidad completamente blanca, machista y obesa pero que al final, con sus votos, es clave para definir la política de su país y por tanto, la política mundial.
Americana KIDS comes back!
Americana Kids es un taller para estimular la creatividad, donde los niños y niñas podrán aprender como se hace una película mientras juegan. Los niños y niñas organizarán pequeños equipos de rodaje para efectuar un plano secuencia circular donde harán todas las tareas, desde el guión y organización del equipo técnico hasta la interpretación.
Los niños y niñas propondrán diferentes escenas cortas, se disfrazarán con vestidos y pinturas de cara y otros objetos que pondremos a su disposición para interpretar los papeles escogidos. Una vez lo tengan todo listo dirán aquello de «¡Cámara y acción!» para empezar a filmar su primera película.
Fecha: Sábado 02/03 – De 11h a 13h
Sitio: La Casa del Cine – Plaza Joanic, 6
Precio: 5€
Entradas: aquí
La 38 edición de ‘TerrorMolins’ rendirá homenaje a ‘Un chien andalou’
El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2019 tendrá como leitmotiv «La Mirada surrealista«. En su 38ª edición, el terrorMolins quiere rendir un homenaje a los 90 años del estreno del cortometraje Un chien andalou, ampliando la mirada surrealista dentro del cine de terror.
En 1929, justo noventa años atrás, dos jóvenes inquietos y visionarios, Luis Buñuel y Salvador Dalí, unieron sus percepciones artísticas para crear todo un emblema de algo que podríamos denominar «La Mirada Surrealista», era el nacimiento de una de las obras pioneras más trascendentales de la historia del cine: el cortometraje Un chien andalou, que acabó siendo un icono intemporal, toda una manifestación a favor de la libertad de expresión artística a partir de las posibilidades ilimitadas del surrealismo.
El día escogido para el anuncio no es casualidad, pues mañana 22 de febrero se cumplen años del nacimiento de Luis Buñuel, gran referente de esta corriente nacido el 22 de febrero del año 1900.
La edición 2019 del terrorMolins será del 8 al 17 de noviembre de 2019 y como cada año la organización está trabajando a todo gas para ofrecer la mejor programación posible.
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios