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VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 27 de marzo de 2015*
LO MEJOR DE MÍ (The Best of Me, Michael Hoffman, 2014) 0
Duración:117 min. País: Estados Unidos. Director Michael Hoffman. Guión: Will Fetters, J. Mills Goodloe, Michael Hoffman (Novela: Nicholas Sparks). Música: Aaron Zigman. Fotografía: Oliver Stapleton. Productora: Relativity Media / DiNovi Pictures / Surefire Entertainment. Género: Romance.
Reparto: James Marsden, Michelle Monaghan, Luke Bracey, Liana Liberato, Caroline Goodall, Sebastian Arcelus, Jon Tenney, Gerald McRaney.
Lo mejor de mí es, sin duda, lo peor del año hasta la fecha. Al menos entre lo que hemos podido ver. Una insulsa y almibarada historia de amor repleta de tópicos y factura televisiva en el más peyorativo sentido del término con trillado argumento de fotonovela: chico de clase baja y chica de clase alta que se enamoran. Chico y chica se separan por rocambolescos avatares para reencontrarse, 21 años después, más jóvenes y lozanos que en su juventud, renaciendo de nuevo entre ellos la llama del amor.
Algunos de los muchos elementos en contra: los actores que interpretan a los protagonistas en su adolescencia son totalmente diferentes a sus sosias adultos. Y tan mal escogidos que incluso parecen mayores. Pero ese no es el mayor defecto de Lo mejor de mí, también su previsible guión carece de toda tensión dramática; los personajes son planos, meros arquetipos que no llegarán a involucrarnos en la trama ni en lo que vaya a ser de ellos. Y es larga. Eterna. Tanto, al parecer, como el amor que se profesan los dos protagonistas. Actores, por cierto, a los que guardamos simpatía. Quién más, quien menos se enamoró de Michelle Monaghan siguiendo la serie Lost; y como fans de X-Men, guardamos pleitesía (aunque no demasiada) por el cíclope que interpreta Marsden en la saga mutante. Con respecto al director, Michael Hoffman, sin duda le quedó mucho más redonda su otra incursión romántica, Un día perfecto (One fine day, 1996).
Apta para sestear tras la comida dominical, pero con las sales al lado por si indigesta. 0
FOCUS (Glenn Ficarra y John Recua, 2015) *****
ESTADOS UNIDOS/ARGENTINA, 105’.Guión: Glenn Ficarra, John Requa. Música: Nick Urata. Fotografía: Xavier Pérez Grobet. ProductoraWarner Bros. Género: Comedia criminal.
Reparto: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Stephanie Honore, BD Wong, Adrian Martinez, Robert Taylor, Kate Adair, Joe Chrest, Nina Leon
Sinopsis: Nicky (Will Smith), un consumado maestro de la estafa, instruye en el oficio a la novata Jess (Margot Robbie). Pero no todo será lo que parece en esta historia ambientada en Nueva Orleans y Buenos Aires.
Comedia en la que Will Smith hace lo que mejor sabe hacer: de sí mismo. Una fórmula que continúa funcionando gracias al innegable carisma y la simpatía del actor. Por su parte la australiana Margot Robbie, que ya nos encandiló tanto como a DiCaprio en El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013 Martin Scorsese), y que será la nueva Jane en el inminente remake de Tarzán que ha dirigido David Yates, luce en este film, además de sus grandes encantos, un buen talante para la comedia, consiguiendo no quedar a la sombra de Smith. Nada nuevo en una historia de timadores con los que cuesta simpatizar, pues para ellos todos somos primos, pero que finalmente conseguirán ponernos de su parte cuando… y aquí debo dejarlo si no quiero estropear a los espectadores Focus, un agradable film repleto de elegancia para tarde de domingo, con unos timadores de altos vuelos muy diferentes a los mostrados por Pedro Lazaga en la entrañable Los tramposos (1959) con su memorable timo de la estampita. A tiempos nuevos…
CALABRIA (Anime Nere, Francesco Munzi, 2014) *****
Italia / Francia. Duración: 103 min. Guión: Francesco Munzi, Fabrizio Ruggirello, Maurizio Braucci (Novela: Gioacchino Criaco). Música: Giuliano Taviani. Fotografía: Vladan Radovic. Productora: Cinemaundici / Babe Film. Género: Drama.
Reparto: Marco Leonardi, Peppino Mazzotta, Fabrizio Ferracane, Anna Ferruzzo, Barbora Bobulova, Giuseppe Fumo, Pasquale Romeo, Vito Facciolla, Aurora Quattrocchi.
Sinopsis: En un pequeño pueblo de la región de Calabria, los hermanos Carbone llevan años viviendo del lucrativo negocio familiar: el tráfico de drogas. Eran hijos de pastores, pero ahora forman parte de la familia criminal calabresa del entorno de la ‘Ndrangheta. Luciano, el mayor, alejado del resto de la familia, intenta mantenerse al margen hasta que su conflictivo hijo Leo empieza a acercarse a su carismático tío Luigi y sus turbios negocios. Cuando Leo pierde el control una noche, los tres hermanos se ven forzados a unirse de nuevo para defender el honor y las vidas de la familia.
CITIZENFOUR (Laura Poitras, 2014) *****
En enero de 2013, Laura Poitras comenzó a recibir correos electrónicos cifrados cuyo remitente era » CITIZENFOUR», quien aseguraba tener pruebas de los programas de vigilancia ilegales dirigidos por la NSA en colaboración con otras agencias de inteligencia. Cinco meses después, en junio de 2013, Poitras viaja a Hong Kong, junto con los periodistas Glenn Greenwald y Ewen MacAskill, para el primero de los muchos encuentros que mantendrá con su misterioso confidente. Poitras acudió a todos esos encuentros acompañada de una cámara para registrar todo lo acontecido. Al salir a la luz toda esa información clasificada y desatarse el escándalo deberán hacer frente a los medios y mantener su seguridad y la de los suyos que ahora están en peligro.
A pesar de lo interesantísimo y candente que es el tema tratado por este documental; de lo bien rodado que está, casi como si de ficción se tratara; de poder ser testigos de excepción de unos encuentros históricos; y de la valentía que demuestran todos los implicados en la difusión de esta delicada información, lamento decir que al que esto escribe el documental le pareció durante su mayor parte soporífero. Repito, y todo ello sin dejar de reconocerle los méritos y basándome únicamente en los valores cinematográficos del mismo. Aún así estos testimonios son de un valor extraordinario. Documentos impagables que contribuyen a mostrar cual es nuestro papel en esta mediática sociedad.
CENICIENTA (Cinderella, Kenneth Branagh, 2015) *****
USA. Guión: Chris Weitz (Cuento: Charles Perrault) Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos. Productora: Walt Disney Pictures. Género: Fantástico.
Reparto: Lily James, Cate Blanchett, Helena Bonham Carter, Richard Madden, Holliday Grainger, Sophie MsShera, Eloise Webb, Derek Jacobi, Hayley Atwell, Leila Wong.
Sinopsis: Cuenta las andanzas de la joven Ella (Lily James) cuyo padre, un comerciante, vuelve a casarse tras la muerte de su madre. Ella quiere dar gusto a su padre y acoge con cariño a su nueva madrastra (Cate Blanchett) y a sus hijas Anastasia (Holliday Grainger) y Drisella (Sophie McShera) en la casa familiar. Pero cuando el padre de Ella muere inesperadamente, la joven se encuentra a merced de una nueva familia celosa y cruel.
Calabria, la herencia de la violencia y el resentimiento
Más allá de los títulos más comerciales hay un cine que permanecería invisible de nos ser por las muestras y festivales. Un cine de presupuestos más modestos pero, muchas veces, de resultados más esmeradamente artísticos. Ese es el caso de Calabria, una película hecha de encuadres cargados de sentido, con un tempo casi contemplativo y una cámara pausada que apenas se mueve y que cuando lo hace es sutil y elegante. Sobre todo sutileza es la que impera en el tercer trabajo de Francesco Munzi, nacida del profundo respeto de la mirada del cineasta por la historia a contar.
Munzi recala en Calabria, probablemente la más negra región italiana, para contarnos una historia de mafiosos que huye de lo convencional: “Me basé en la novela (homónima) de Gioacchino Criaco, pero la traicioné para respetar su propia idea: que estos criminales tienen sus fragilidades. Algo que rompe con la idea del mafioso en sí mismo, con la imagen cinematográfica que se le ha dado e inclusive con la idea que ellos mismos han querido transmitir (…) En realidad hay quienes se suicidan, que sufren, que viven tensiones terribles. Pongo en escena aparentemente la guerra contra otra banda, en realidad escenifico la guerra dentro de ellos mismos, en la misma familia. Es que la verdadera guerra está dentro de ellos”. El suyo, podría decirse, es un retrato intimista de la organización criminal (aquí la ‘Ndrangheta calabresa), una estampa que se introduce hasta la raíz de su esencia: el profundo resentimiento que se acompaña de la voluntad de perpetua venganza. Un resentimiento que se hereda de generación en generación y que se ancla en la propia composición de lo familiar (de ahí que se la haya querido comparar a El funeral de Abel Ferrara).
Calabria tiene tanto de drama familiar (si no más) como de crónica negra. Eso es lo que la hace especial. Se trata de una familia de criminales: Luigi, el traficante, es un tipo decidido e impulsivo, y Rocco es el “cuello blanco” que vive dentro de la sociedad milanesa. Un enfrentamiento a distancia con otra familia mafiosa, desencadenada por el sobrino Leo, les hará volver al pueblo en que nacieron, Africo, lugar simbólico de la ‘ndrangheta, donde vive Luciano, el tercero de los hermanos (y el mayor de los tres). Lo que pasa es que Luciano no es como ellos. Tras el asesinato del padre, muchos años atrás, se encerró en una burbuja en la que se dedica a cuidar de sus cabras y llevar a cabo sus ritos religiosos. Sin embargo, esta burbuja la pondrá en peligro su propio hijo Leo, que a sus 20 años de edad quiere ir a Milán y emular la gesta del tío Luigi. Contraste y tensión entre dos mundos es el que separa a los hermanos, pero también entre dos voluntades: la continuista de los dos hermanos emigrados al norte y el deseo de acabar con el lastre de la herencia por parte de Luciano. Y la tensión no podrá resolverse más que con la drástica aniquilación de los propios vínculos de sangre.
‘Ndrangheta significa etimológicamente ‘virtud de la hombría’, es un mundo de hombres, pero las mujeres no son simples observadoras ni menos están libres de culpa. En el filme “son las más silenciosas, están en la sombra, pero con una mirada dan su consentimiento”, sostiene el director. Son las madres del ser, las transmisoras del resentimiento que consienten la violencia (e incluso la inducen). “Representan el aspecto más conservador, las verdaderas almas negras. La madre con la mirada da el toque inicial para la vendetta, mientras la esposa milanesa, sin admitirlo, es cómplice. Tal vez sea Italia”. O tal vez no, tal vez sea una historia más universal que podemos acercar a nosotros aunque sólo sea a escala.
“Sólida, violenta y abrupta, estamos ante una muestra ejemplar de cine negro, neorealista y rural, rodada con carácter, rigor y mucha personalidad” (Filmin), así es Calabria. Toda una suerte que Betta Films nos haya permitido gozar de ella.
Kenneth Branagh’s Cenicienta
La cámara no cesa de moverse enamorada como está de los planos con grúa, los planos cenitales, los contrapicados, los travellings constantes que muchas veces describen un movimiento circular. La música acompaña a estos movimientos coreográficos subrayando sus momentos líricos y dando aún mayor ampulosidad a los más climáticos. A todo ello hay que sumarle un reparto multirracial, aunque sea sólo para algunos secundarios y la mayoría de figurantes, como indicando que en los cuentos populares (pero al igual que las obras shakaspearianas) todos los colores tienen cabida. Y todo aderezado por un montaje ágil que se vuelve vertiginoso en los episodios más relevantes de la trama. Aunque no lo hubiéramos sabido antes de entrar a la proyección, habríamos descubierto igual que estábamos ante una obra de Kenneth Branagh y su inseparable Patrick Doyle en la partitura.
Todo empezaba en 1989, cuando éramos tan jóvenes que no habíamos cumplido ni la treintena. Enrique V fue una ópera prima arrolladora, tanto en lo que ha interpretación se refiere (imborrable la arenga anterior a la batalla de Angincourt), como al trabajo de dirección y puesta en escena (igualmente imborrable la secuencia posterior a la batalla rodada en un sólo plano de casi seis minutos mientras suena el Non Nobis and Te Deum). Fue un director novel revelación, con dos nominaciones a los Óscars de aquel año, y muchos quedamos rendidos a su obra. Vino después la década de los noventa y con ella los títulos más importantes de su carrera, entre los que me costaría elegir uno, aunque siempre me quedaré con Morir todavía porque recibió muchos palos, pero ha sido reivindicada después. Le seguí fielmente hasta Trabajos de amor perdidos, otra pieza mal comprendida en su momento, con la que entrábamos en el nuevo siglo y milenio. Esa década en la que parece que ni Branagh ni yo atravesamos nuestros mejores años. Después le recuperé en Thor, para mí un feliz reencuentro, aunque también nos quedamos prácticamente solos en este blog defendiéndola.
Y ahora, después de la muy alimenticia Jack Ryan: Operación Sombra, vuelve a brindarnos una pieza con sello propio. La nueva Cenicienta de Disney es también la Cenicienta de Branagh. La historia la conocemos todos perfectamente, de modo que lo que nos interesaba es cómo la habría resuelto el director. Sobre todo en los puntos clave como el del hechizo del hada madrina para la que ya Disney en la versión animada de 1950 había creado un hito que ha pervivido en el recuerdo:
Branagh no ha escatimado recursos y ha compuesto una secuencia de transformación notable, incluso superior a la citada. Y lo ha hecho por partida doble, porque al desencantamiento le ha dado un tratamiento tanto o más climático aún. Cenicienta en manos del británico se ha convertido en una de esas películas que acumulan pasajes memorables en su metraje. A los ya mencionados hay que sumarle la secuencia del baile, un vals de coreografía perfecta en el matrimonio de música e imágenes, y, sobre todo, el primer encuentro de la joven con el príncipe en el bosque, ese flechazo rodado con un travelling circular que nos hace recordar el de Vértigo. Si bien puede decirse que las partes superan al conjunto, el filme nos da lo que cabía esperar, porque ya sabemos de antemano que la versión sangrienta de los hermanos Grimm (las hermanas se cortan los dedos del pie para que les quepa la zapatilla de cristal) no es la que va a ser adaptada. Al contrario, sabemos que vamos a estar ante un cuento de hadas contado al modo en que los cuenta Disney: repleto de candor y perfectamente maniqueo. Así, el cuarto de hora inicial es puro almíbar no apto para espectadores «diabéticos», que abominen de la ternura cuando es empalagosa. ¿Puede valer eso como fallo? No, porque es el tono que su público natural va a pedirle. Rasgarse las vestiduras por ello resulta tan absurdo como hacerlo porque en un festival de cine de terror se muestren escenas de inusitada crueldad (¿recuerdan la polémica con A serbian film? Pues eso).
No creo que vaya a incluir esta película en el top ten del año (mal tendría que darse el género en estos meses como para tener que hacerlo), pero sí la he visionado con satisfacción. Y sé perfectamente que donde yo encuentro valores, que haya rodado un cuento popular como si fuera una obra de Shakaspeare, otros verán defectos. Muy probablemente se acuse de nuevo a Branagh de megalómano, de perpetrar un espectáculo operístico en el peor sentido del término. Para mí, en cambio, es toda una lección de estilo que sabe volver emocionante un tema que ya tenemos muy sabido y que, en principio, no pensábamos que iba a sorprendernos (anecdótico, pero sintomático, es que en el pase de prensa se haya oído algún aplauso en el momento en que la protagonista se calza la zapatilla de cristal).
El trabajo de Branagh viene además apoyado por el de un equipo técnico en estado de gracia. Especial mención a la fotografía de Haris Zambarloukos que llega en ocasiones a dotar de textura de animación a la película. Igualmente al vestuario de Sandy Powell y el diseño de producción de Dante Ferretti Y, por supuesto, no podemos olvidar a Doyle porque su música aporta alma al relato. Sobre el score comentan en Mundobso: «tras demasiados años diluido (con honrosas excepciones) en la música industrial de Hollywood, Patrick Doyle vuelve a ser Patrick Doyle en una esplendorosa creación donde se explaya con poderosas melodías que son cautivadoras pero también explicativas, esto es, que además de llenar y gustar, explican en sí parte de la historia narrada en el filme. El tema principal, el de Cenicienta, es excelente: un tema que tanto se contrae para exponer las íntimas emociones del personaje como también se expande para iluminar todo su alrededor. Es una melodía que conoce algunas transformaciones que van relatando a la muchacha y que debe encontrar su camino entre otras músicas deliberadamente aparatosas, vienesas, muy elegantes pero básicas (en tanto el tema principal es elaborado y dinámico), para el entorno palaciego, y también algunas músicas para la oscuridad y lo dramático (igualmente grandiosas). Todo ello, combinado, da lugar a una banda sonora imponente, sólidamente estructurada y desarrollada, que es un festín musical a lo grande… y el relato complementario enfatizado y matizado del cuento eterno».
Eso es lo que es Cenicienta: un cuento eterno, dulcísimo, que rehuye cualquier tipo de ironía. Y eso, a día de hoy, cuando el cinismo y los haters son tendencia, es toda una provocación.
El fenómeno Juego de Tronos estará presente en el Salón del Cómic
Juego de Tronos es un fenómeno literario llevado a la televisión que también ha tenido su adaptación al cómic. El 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que se celebra del 16 al 19 de abril en Fira Barcelona Montjuïc, dedicará un apartado de su exposición Cómics Fantásticos a Juego de Tronos. En ella se podrán ver tres grandes óleos de Enrique Corominas, un dibujante que ha ilustrado las portadas de la edición española de la saga de novelas Canción de hielo y fuego, de George R. R. Martin, que publica en España Gigamesh. Cabe recordar que Juego de Tronos da título al primer libro de esta serie. Corominas es un brillante dibujante de largo recorrido que publicó cómics en los años 90 en revistas como Creepy, Zona 84 o Cimoc. Como ilustrador ha realizado multitud de portadas para diferentes editoriales. Desde el año 2002 ilustra las cubiertas de la edición española de la saga Canción de hielo y fuego.
Una obra de Corominas.
La muestra también incluirá un apartado dedicado a la adaptación al cómic de Juego de Tronos, con guiones de Daniel Abraham, un escritor del género fantástico, y del dibujante Tommy Patterson. Este cómic está siendo publicado en España por Planeta Comic. La muestra incluirá una ampliación gigante de una viñeta donde Lord Stark está sentado en el célebre trono de hierro. La exposición contará con una vitrina donde se podrá ver el merchandising generado por la serie Juego de Tronos, cuyo distribuidor oficial en España es la empresa SD Distribuciones.
El programa de actividades también incluirá una conferencia de Tania Sánchez, coautora del libro colectivo Ganar o morir. Lecciones políticas en Juego de Tronos (Ediciones Akal), ensayo que fue coordinado por Pablo Iglesias. La portada de este libro tiene una ilustración de Antonio Huelva, que también se podrá ver en la exposición Cómics Fantásticos. Tania Sánchez dará una conferencia el sábado 18 de abril, a las 12:30h, en la Sala de Actos 2 del Salón del Cómic titulada: Los siete reinos de la política española. Espadas, alianzas y votos. Sánchez es diplomada en Educación Social y licenciada en Antropología Social yCultural por la UNED. Es una de las fundadoras de la plataforma ciudadana Convocatoria por Madrid, entidad que actualmente
Ilustración de Tommy Petterson
participa en las primarias de Podemos para elegir las candidaturas para Comunidad y Ayuntamiento de Madrid.
El domingo 19 de abril a las 17.30h, también en la Sala de Actos 2, Alejo Cuervo, fundador y director de la editorial Gigamesh, que publica en España Canción de hielo y fuego de George R. R. Martin, y el ilustrador Enrique Corominas darán una charla sobre esta saga novelística. Alejo Cuervo es uno de los grandes conocedores y divulgadores del género de ciencia-ficción y fantasía heroica. Con su labor como librero y editor ha contribuido de manera decisiva en la difusión del género fantástico.
Una última actividad prevista en la Sala de Actos 2 es que se realicen lecturas de fragmentos de las novelas Canción de hielo y fuego a cargo de un actor con acompañamiento musical. Dichas lecturas tendrán lugar las tardes del viernes 17, sábado 18 y domingo 19 en horario por determinar. También en el taller de actividades lúdicas y divulgativas habrá exhibiciones con el juego de mesa de Juego de Tronos.
Os presentamos el espectacular segundo cartel del Salón del Cómic
Cómics fantásticos es el título de la gran exposición temática del 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. El Salón quiere destacar este año las diversas actividades que sobre ciencia, ciencia ficción y fantasía heroica que tendrán lugar del 16 al 19 de abril, por lo que ha preparado un segundo cartel monográfico con una ilustración de Daniel Acuña. Dicha ilustración apareció originalmente como portada del cómic Las nuevas aventuras de Diego Valor, publicado por EDT. En la pasada edición del Salón se utilizó una ilustración de Manfred Sommer correspondiente a su serie Frank Cappa para promocionar la exposición Cómics en Guerra.
Daniel Acuña (Águilas, Murcia. 1974) se ha convertido en estos últimos años en uno de los portadistas e historietistas más valorados del comic-book norteamericano. Empezó su carrera en 1995, dibujando para publicaciones como Tío Saín o La Comictiva. Entre 1998 y 2001 publicó, con guiones de Santiago Arcas, el cómicClaus & Simon, que fue editado en España y en Francia. En 2006 fue nominado en la categoría de Mejor Dibujo en el Saló Internacional del Cómic de Barcelona.
En 2005 empezó a colaborar para el mercado norteamericano, primero para DC Comics, realizando portadas e interiores de colecciones como Green Lantern,Outsiders o Flash. Desde 2008 trabaja para Marvel Comics, donde ha ilustrado portadas de títulos como X-Men: Legacy, Capitán América, Guardianes de la Galaxiao Los Vengadores. Para la misma editorial también ha dibujado los interiores de series como Uncanny X-Men, Los Eternos, Lobezno, Los Vengadores o Imposibles Vengadores.
Más invitados al Salón del Cómic: Ralph Meyer, Frédéric Bézian y Fumio Obata
A poco menos de un mes para que dé comienzo el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, se confirma la presencia de tres nuevos autores al certamen. Se trata de Ralph Meyer, Frédéric Bézian y Fumio Obata, invitados en este caso por ECC Ediciones-Spaceman Books.
Nacido en París en 1971, Ralph Meyer fue un precoz apasionado del dibujo y las historietas. Alimentado por las bromas de Gaston el gafe y Las aventuras de Blake y Mortimer, sin despreciar los problemas existenciales de los superhéroes, el descubrimiento en su adolescencia de la obra del gran Giraud/Moebius tendrá en Meyer un efecto decisivo. Deja París y acaba estudiando ilustración y cómic en Bélgica, desde donde, decidido, parte en busca de editores para sus proyectos tras su formación. No desanimado por sucesivos rechazos, en 1996 presenta su trabajo al guionista Philippe Tome, quien le propondrá una historia especialmente negra que, un año después, se edita en la forma del primer tomo de la trilogía Berceuse assassine. Entonces funda junto a otros autores el taller Parfois j’ai dur, donde nace el álbum Des lendemains sans nuages, dibujado junto a su compañero Bruno Gazzotti, sobre una historia de Fabien Vehlmann. Junto a este último lanza la serie de ciencia ficción que Spaceman Books edita en marzo de 2015: Ian. La carrera meteórica de Meyer desde entonces le ha hecho merecedor de premios como el St Michel a mejor dibujante por su obra XIII Mystery, junto a Xavier Dorison, hasta llegar al importante giro gráfico que le supuso en 2010 el libro Página negra, editado por Spaceman Books en enero de 2015.
Frédéric Bézian nació en 1960 en Alta Garona. Desde muy joven colaboró en numerosos fanzines, donde dejó claro su gusto por el universo de lo fantástico. Su trabajo autodidacta se afinó gracias al instituto Saint-Luc de Bruselas, donde siguió, de 1978 a 1981, las clases magistrales de Claude Renard y François Schuiten. En esta época publica Adieu l’émule, 12 planchas en blanco y negro en la publicación de los alumnos del taller Le Petit Neuvième Rêve n°4. En 1982 publica su primer álbum, L’Étrange Nuit de Mr. Korb, gracias a Ediciones Magic Strip, al que sigue Ginette, Martine et Josianne con Futuropolis. Entre 1983 y 1986, publicó una serie de relatos de género negro con elementos a mitad de camino entre Edgar 
Allan Poe, Franz Kafka y Oscar Wilde, en la revista À suivre. Estas historias serían recopiladas en el álbum Totentanz, publicado por Magic Strip. En esta prolífica época, Bézian produjo infinidad de material. En 1989, la serie Adam Sarlech llega a la prestigiosa editorial Humanoïdes Associés. Gracias a la originalidad de su universo fantástico y a la vez mórbido, Bézian logró una gran notoriedad. Trabajó durante cinco años en esta serie, no exento de baches creativos. El hecho de que se la comparase con el Sambre de Yslaire le llevó a reconstruir la serie en una trilogía, y el tercero de los libros obtuvo el premio Bloody Mary en el Festival de Angoulême de 1994. En los años noventa Bézian trabajó para numerosos editores independientes. En 1999, mientras sus libros seguían llegando, le contactaron del estudio Armateurs (productores de Kirikou, entre otras películas) para trabajar en el dibujo animado Belphégor, producción en la que acabaría ejerciendo de director artístico, pero también en los story-boards e incluso en la composición musical. El resultado: 26 episodios y buenas críticas unánimes. Entre 2000 y 2003, participa en diferentes publicaciones colectivas, revistas alemanas y japonesas, al tiempo que ilustra para el diario Libération. Su glorioso retorno al mundo del cómic fue Ne touchez à rien, con guion de Noël Simsolo en 2004. En enero de 2006 participa en la mítica serie La Mazmorra con un episodio con guion de Sfar & Trondheim. Y llegamos así a su reencuentro con el guionista Noël Simsolo en 2014 con Doctor Radar (Spaceman Books).
Fumio Obata es un autor de cómic cuyo trabajo e inspiración provienen de las diferencias culturales y los temas sociales que le rodean. También le gusta definirse a sí mismo como “artista visual”. Nacido en Tokio, creció con la cultura del manga y del anime de las décadas de 
los setenta y ochenta. Siempre orgulloso de dibujar, en el colegio todas sus libretas estaban repletas de ilustraciones y dibujos. En 1991 se mudó a Inglaterra y desde entonces ha estado viviendo en suelo británico. Estudió Ilustración en la Glasgow School of Art y cursó además un máster en Diseño y Comunicación en el Royal College of Art de Londres. Bajo la tutela de grandes tutores, Fumio decidió proseguir su carrera en el campo de la animación secuencial y el diseño, aunque siempre abierto a extender su potencial hacia una perspectiva más amplia. Así comenzó su carrera como animador, y entre 2003 y 2008 trabajó para la banda de pop Duran Duran y para Channel4, y se unió al equipo de Redkite Animations en Edimburgo en 2006. Allí realizó numerosos proyectos conjuntos con DC Thomson. Lo más importante de todas estas experiencias fue el hecho de valorar la importancia del trabajo en equipo, la estructura y la planificación (el lado práctico de la mayor industria creativa). En 2008 fue un paso más allá y permaneció en una residencia de artistas en la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image en Angoulême, Francia. Desde entonces su relación con el comic francés y su escenario ha sido muy estrecha, hasta el punto de llevarle a elegir la novela gráfica y los cómics como su mayor reto creativo y principal ocupación. Spaceman Books publicó en febrero de 2015 Casualmente, novela gráfica que resume el choque cultural de un japonés residente en Londres a través de los ojos de una protagonista femenina que afronta el desafío de volver a su Japón natal por trágicas circunstancias. La novela ha sido ya publicada en Inglaterra, Francia, Italia y Estados Unidos. Y en todas partes la crítica ha sido unánime e igual de alentadora hacia la prometedora obra de Fumio Obata.
El 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 16 al domingo 19 de abril en Fira de Barcelona Montjuïc.
Lamberto Bava también estará en Nocturna para recibir el premio Maestro del Fantástico
EL Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid celebrará el 30 aniversario de Demons. Nocturna 2015 hará de los cementerios sus catedrales y de las ciudades vuestras tumbas
En 1985 la historia de una joven estudiante que acude al pre-estreno de una película en el cine Metropol, donde el terror no solo se desatará en la gran pantalla, causó una gran sensación convirtiéndose, tal y como la definía Joan Luis Goas en el programa Noche de Lobos, en «un puro y duro disfrute, un entretenimiento trash, desmesurado, rocambolesco y pasado de vueltas».
Ahora, treinta años después, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid se complace en anunciar que el realizador italiano Lamberto Bava visitará Nocturna 2015 para 
recibir el premio Maestro del Fantástico y celebrar el 30 aniversario de Demons, que se suma a las celebraciones iniciadas con la proyección de El Resplandor y la anunciada de Pesadilla en Elm Street con la visita de Robert Englund.
Hijo del mítico realizador italiano Mario Bava, Lamberto Bava (Roma, 1944) inició su andadura como asistente de dirección y guionista para, posteriormente, ponerse a las órdenes de Dario Argento en películas como Tenebre e Inferno. Con Argento, Bava firmó dos de sus películas más memorables, Demoni y Demoni 2.
Tráiler de Demons:
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Nocturna 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.
El Salón del Cómic rendirá homenaje a Guillermo y Guillem Cifré
El 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona rendirá un merecido homenaje a dos generaciones de autores, de diferente trazo pero de una genialidad irrepetible. La exposición Cifré & Cifré recuperá algunas de las obras más 
significativas de Guillermo y Guillem Cifré, padre e hijo, que revolucionaron el cómic español, cada uno con un estilo personal, en dos épocas distintas.
El 16 mayo de 2014 fallecía Guillem Cifré (1952-2014), autor multifacético de una gran personalidad artística. Sus historietas, ilustraciones e instalaciones artísticas evidenciaron la calidad y capacidad imaginativa de un creador de primera magnitud. Era colaborador habitual en prensa, revistas e incluso televisión. Ganador del Premio Nacional de Cómic concedido por la Generalitat de Cataluña en 2009, además del premio Junceda de humor gráfico en 2004 y 2006. El 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona quiere rendirle un homenaje con una muestra que revisará algunas de sus aportaciones a las diversas iniciativas artísticas para las que colaboró. Expondremos originales de sus colaboraciones en revistas de cómic como Cairo o El Víbora, así como sus trabajos para diarios como El Periódico de Catalunya o Avui, e ilustraciones y obras que evidencian su personalidad gráfica.
La misma muestra aportará también una selección de originales del padre de Guillem Cifré, Guillermo Cifré (1922-1962), uno de los principales creadores de la llamada Escuela de humor Bruguera. Pese a su prematura desaparición cuando sólo tenía 40 años, dejó personajes inolvidables e imprescindibles. Será una gran oportunidad para disfrutar de páginas de personajes tan carismáticos como El reportero Tribulete, Don Furcio Buscabollos, Amapolo Nevera o Don Césped. Al mismo tiempo, una selección de sus portadas para revistas como El DDT o Tío Vivo evidenciará el espectacular tratamiento del color de este referente de la historieta de humor española.
El Cómic argentino tendrá una gran presencia en el Salón del Cómic
La Fundación ExportAr y el Consulado General y Centro de Promoción de la República Argentina en Barcelona coorganizan la participación argentina en el 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. Dicha presencia se debe a la importancia que tiene el certamen barcelonés de cara a la difusión del cómic argentino en España y el resto de Europa.
El pabellón de la República Argentina ocupará un espacio de 24 m2. En el mismo estarán presentes representantes del sector editorial argentino vinculado al mundo del cómic. En este sentido, las editoriales Moebius y La Musaraña hablarán sobre el mercado argentino de la historieta en la Sala de Actos del Salón.
Además, el espacio argentino acogerá una muestra de dibujos del ilustrador Juan Giménez, editado en Argentina por Moebius y en España por Norma Editorial. Se trata 14 reproducciones de La Casta de los Metabarones retocadas a mano por el propio dibujante. La exposición forma parte del eje central del Salón del Cómic de este año: los cómics de ciencia ficción y de fantasía heroica.
VAMOS DE ESTRENO (O NO) Jueves 19-03-2015
PRIDE (Matthew Warchus, UK, 2014)
Guión: Stephen Beresford. Duración: 120 min. Guión: Stephen Beresford. Música: Christopher Nightingale. Fotografía: Tat Radcliffe
Reparto: Bill Nighy, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine, Andrew Scott, Joseph Gilgun, George MacKay, Ben Schnetzer
Pride puede incluirse, y debe, dentro de la comedia social inglesa, aunque no llegue a alcanzar el tono incisivo de obras de Ken Loach como Riff-Raff (1990). Más bien se orienta en la línea amable, con cierto regusto amargo, de Full Monty (Peter Cattaneo, 1998). La acción, basada en hechos reales, se desarrolla durante la gran huelga de la minería del año 84. Todo un pulso contra el férreo gobierno Tatcher. Centrándose en un episodio solidario entre débiles ante el gobierno como enemigo común: relata la campaña de apoyo ejercida por un pequeño colectio gay-lésbico a estos mineros. Mostrando, igualmente, los prejuicios contra este colectivo, al igual que también las reticencias entre el algunos sectores homosexuales de alinearse junto a otras causas que no sean las propias. Todo ello con el trasfondo de la detección de los primeros casos de Sida en Inglaterra.
El filme de Matthew Warchus enfoca en clave de humor una lucha que fue dura y extenuante. Una de sus mejores bazas es trabajar un amplio abanico de personajes que cubren, o al menos lo pretenden, el muestrario de actitudes y circunstancias que se dan en ambos colectivos asociados en la lucha. Así, por parte de la comunidad gay, nos encontramos desde «militantes» veteranos como el actor Mike (Joseph Gilgun), necesitado de una causa que le oriente, hasta Joe (George MacKay) el típico adolescente que aún no se ha atrevido a expresar su inclinación sexual en su entorno más cercano y que vivirá en esta lucha su propio camino de liberación, aglutinados todos ellos gracias al concienciado Mark (Ben Schnetzer) que es estandarte de la tesis de la película: frente al poder opresor sólo cabe unir esfuerzos, las divisiones en la clase obrera no harán más que permitir la perpetuación de gobiernos represores, o nos liberamos juntos o podrán con nosotros. Por su parte, en el bando minero, el muestreo recoge tipos que representan las distintas luchas que se mueven bajo la causa aglutinante, como por ejemplo Sian (Jessica Gunning) símbolo de las mujeres que pugnan por obtener un sitio activo en la sociedad; no faltan tampoco las voces discordantes como expresión de que los prejuicios permean todas las capas sociales, ese papel antagonista que es representado por Marion (Monica Dolan) quien, paradójicamente (ya se sabe, contradicción aparente), es una voz influyente en el comité sindical.
La tensión dramática, que tan bien fluye en la primera mitad (la más cómica), se desluce en la segunda (cuando aparecen las nubes negras), ahí la cinta cambia y cae en sentimentalismos innecesarios. Y Pride, así, incurre en un paternalismo que le hace perder su vigor reivindicativo. Con todo es una cinta interesante, aunque sólo fuera ya porque deja entrar en el panorama cinematográfico cuitas de otra calidad que las de la clase media (media alta en muchas ocasiones) que suelen llenar nuestras pantallas. También representa una necesaria lección de solidaridad y lucha. Y eso nunca sobra.
PASOLINI (Abel Ferrara, Francia/Bélgica/Italia, 2014) *****
Duración: 86 min. Guión: Abel Ferrara. Fotografía: Stefano Falivene.
Reparto: Willem Dafoe, Ninetto Davoli, Riccardo Scamarcio, Valerio Mastandrea, Adriana Asti, Maria de Medeiros. Productora: Capricci Films / Tarantula / Urania Pictures S.r.l. Género: Drama biográfico.
En un film visionario y onírico, mezcla de realidad e imaginación, Abel Ferrara reconstruye el último día en la vida de este legendario cineasta y poeta, con su habitual colaborador Willem Dafoe en la piel de Pier Paolo Pasolini.
Pasolini es uno de esos biopics que no causa rubor ver. Lejos de elevar en un altar al protagonista llamando a la emoción al espectador, Abel Ferrara se limita a narrar el último día de vida del director italiano mezclando su vida cotidiana con el último guión que estaba escribiendo, ofreciendo con todo ello un retrato íntimo del polémico y personal director sin ignorar su absurda muerte a manos de unos chaperos, contando para ello con la participación de un estupendo elenco artístico en el que, naturalmente, destaca su camaleónico protagonista, Willem Dafoe, que compone un retrato del director contenido y certero. También participan actores como Ninetto Davoli, que colaboró con Pasolini en algunos de sus filmes, como El Decamerón y Las mil y una noches, o Adiana Asti (Accatone). Además de Riccardo Scamarcio (La mejor juventud), Valerio Mastandrea (La prima cosa bella) y Maria de Medeiros. Ferrara, bastante ignorado por crítica y público, nos parece un cineasta de primera. Excesivo a veces, pero que no duda, a sus 64 años, en experimentar con su forma de rodar y escogiendo temáticas arriesgadas e incómodas (tan solo hay que recordar su anterior Welcome to New York), que denuncian, sin panfletos ni slogans algunos de los más oscuros momentos de la sociedad que nos ha tocado vivir. Si con Ángel de venganza (Mr. 45, 1981), El teniente corrupto (Bad Lieutenant, 1994) o The Addiction (1995), Ferrara consiguió narrar con las tripas causando malestar y desazón en el espectador, hay que celebrar que, todavía hoy, siga ofreciéndonos ese poso de incomodidad con su cine. Al menos nosotros lo celebramos y felicitamos a Good Films / La Aventura por la posibilidad de poder disfrutar con el estreno en salas de películas arriesgadas y atípicas.
HOME (*****)
Año: 2014 País: Estados Unidos Duración: 90 Género: Animación Dirección: Tim Johnson Reparto: im Parsons, Jennifer Lopez, Rihanna, Steve Martin, Matt Jones, Dominique Monfery. Distribuidora: 20th Century Fox Productora: : 20th Century Fox, DreamWorks Animation
Cuando Oh, un adorable inadaptado procedente de otro planeta, aterriza en la Tierra y se encuentra huyendo de su propia especie, entabla una improbable amistad con una muchacha aventurera llamada Tip, que anda metida en una búsqueda exclusivamente suya. A través de una serie de cómicas aventuras junto a Tip, Oh llega a entender que ser diferente y cometer errores forma, todo ello, parte del ser inteligente y juntos descubren el verdadero significado de la palabra HOGAR.
Las películas de animación son una de las mejores herramientas para educar en valores mientras se desarrolla la fantasía. Sus espectros temáticos son muy recurrentes igual que sus esquemas narrativos. Casi siempre nos enfrentan al diferente, al inadaptado y no aceptado por los demás, que acabará por demoler el viejo orden (tras demostrarse que estaba errado) y permitiendo que un nuevo equilibrio resuelva los problemas a los que se haya visto abocada la comunidad. Home no es diferente en esto, pero reviste el esquema básico con una interesante aventura que mezcla géneros diversos desde la ciencia ficción (casi distópica) hasta la novela de crecimiento. Una mezcla sin fisuras que da como resultado un entretenido conjunto.
Así, Tim Johnson, su realizador, la define como la primera “película de animación postapocalíptica, mezcla de comedia de amigos, invasión extraterrestre y road movie”. Aunque, por encima de todo, asegura Johnson, Home gira en torno a dos personajes que no encajan en sus respectivos mundos, pero que unidos descubren el auténtico significado de la aceptación, además de rasgos comunes que no dejan de sorprenderles. “Es en gran medida una película de amigos, pero también trata de un choque de culturas que da lugar a un extraordinario entendimiento y que florece en una divertida y hermosa amistad entre Oh y Tip”, explica.
El viaje de Oh y Tip tiene mucho de iniciático
Sitges 2015: bajo el signo de Seven
Pues, no, si habían pensado que este año el Festival de Sitges sería dedicado a Regreso al futuro, andaban equivocados. La organización ha querido huir de lo obvio para buscar un motivo menos trillado y que fuera, sobre todo, más acorde a las directrices que han venido definiendo las últimas ediciones. Apostando por ampliar los límites del fantástico, el Festival ha ido incluyendo en su programación cintas fronterizas con el género, especialmente thrillers que extiendan su intriga hacia un terror de nuevo cuño, a las que ha llegado a dedicar sección propia, la sección Órbita. Así, se ha decidido homenajear en esta 48 edición al filme que hizo saltar a la palestra a David Fincher (que a día de hoy es uno de los directores más consagrados). Evidentemente hablamos de Seven cuyo vigésimo aniversario se celebra este año (sí, si la viste en sus estreno, puedes confirmar que veinte años han pasado en un soplo). El segundo largometraje de Fincher abría en su momento nuevas perspectivas para la intriga policíaca, acercándola al terror con la creación de uno de los psicópatas más espeluznantes de las últimas décadas. Elegir esta cinta es toda una declaración de principios y una pista clara sobre cuales van a ser los derroteros que circulará el festival.
También el cartel diseñado por la agencia CHINA está pensado como parte de un juego de pistas que el público habrá de ir descubriendo. Tal como los personajes interpretados por Morgan Freeman y Brad Pitt tenían que ir interpretando los indicios que dejaba el asesino sobre todas sus víctimas. La primera pista sobre el cartel es que está dedicado a Seven, así que reproduce uno de los elementos más emblemáticos del filme, la caja que recibe Pitt en su impactante final. Se trata de un cartel que juega a la abstracción, en la línea transitada por Tàpies, y al minimalismo, mostrar lo mínimo para sugerir al máximo. Todo esto lo puedo contar ahora después de haber escuchado las explicaciones de su creador, Miguel Ángel Duo, porque cuando se ha desvelado en la rueda de prensa se me ha quedado cara de WTF??? Lo primero que he visto es lo que nadie ha visto, la iglesia de Sitges deconstruida cual plato de Ferràn Adrià, sólo gracias a mi compañero he comprendido que era una caja manchada de sangre. Pero no andaba yo mal encaminada porque, aunque parezca que no está, está, encontrarla es el primer reto que nos ofrece el cartel. ¿La ven ustedes? Y si la ven, ¿dónde está?
Pero el cartel no ha sido el único secreto revelado, Ángel Sala ha anunciado ya dos de las cintas que podrán verse este octubre. La primera es Knock Knock, película que han dirigido y producido un tándem de buenos amigos del Festival, Eli Roth y Nicolás López. Knock Knock tiene a Keanu Reeves, Ana de Armas y Lorenza Izzo como protagonistas en un thriller donde dos chicas jóvenes irrumpen en casa de un hombre casado para convertir su vida perfecta en un infierno. Después de Aftershock y The Green Inferno, Roth y López volverán a estar en Sitges. En la última edición del Festival, The Stranger, film dirigido por Nicolás López, resultó el primer ganador del sello de cine iberoamericano Blood Window.
El otro título anunciado se incluye en la cuota de cine de género producido en Cataluña que siempre tiene presencia en el Festival, se trata de la polémica e inquietante The Corpse of Anna Fritz, de Héctor Fernández Vicens, que ha participado en el prestigioso certamen norteamericano SXSW de Austin (Texas) y que, también estará presente en la Sección Oficial Fantàstic de Sitges 2015. Una actriz joven y famosa aparece muerta en su habitación de un hotel. Tres chicos consiguen colarse en el depósito de cadáveres para poder verla desnuda y, fascinados por su belleza, fantasean con la idea de hacerle el amor por última vez. Una historia interpretada por Alba Ribas, Cristian Valencia, Bernat Saumell y Albert Carbó.
No se han podido anticipar más pues algunas iniciarán su carrera en el certamen de Cannes y no pueden ser divulgadas antes de su premiere mundial. Otro hecho que impide asegurar más títulos es la apuesta de la organización por programar cintas de reciente creación muchas de las cuales todavía están en fase de postproducción. Una sana voluntad de estar a la última y difundir lo novísimo.
También es demasiado pronto para avanzar nombres de invitados, pero los cazadores de autógrafos ya pueden ir preparando sus materiales para conseguir la preciada firma del director de Drive. La 48ª edición del Festival reconocerá con el premio Màquina del Temps la trayectoria del director, guionista y productor danés Nicolas Winding Refn, viejo conocido del certamen.
Con 162 películas, sólo 22 de ellas a competición, esta edición promete ser heterogénea y aspira a superar a las pasadas. Una gran novedad, que desarrollaremos conforme vayamos teniendo más información, es el anuncio de una cuarta sala de proyecciones que vendrá a sumarse a las tradicionales, Prado, Retiro y Auditorio, y permitirá ajustar mejor la parrilla personal puesto que hará posible que hayan más pases de las cintas. La nueva sala estará muy, muy, cerca del Auditorio y hasta aquí podemos leer. Este será el principal cambio, aunque no el único, porque habrán modificaciones en algunas de las secciones. Así Noves Visions pierde las subdivisiones internas, se potenciará aún más Órbita y Focus Asia se convierte en sello transversal, de modo que las películas asiáticas se incluirán en las restantes secciones. Por otro lado, la sección Anima’t también fortalecerá su oferta de películas de animación, a fin de que el Festival sea referencia también en ese apartado.
Faltan aún siete meses, pero el esqueleto de la 48 edición ya está perfectamente diseñado, de modo que comienza la cuenta atrás. ¡Hay ganas!
The Spirit regresa al Salón del Cómic
The Spirit es una de las grandes series de género negro que ha dado el cómic. Fue creada por Will Eisner (1917-2005), uno de los grandes maestros de la novela gráfica estadounidense. The Spirit celebra su 75 aniversario con una gran exposición de originales donde se podrán ver páginas de Will Eisner, así como de otros autores que también han dibujado el personaje, como los españoles Jordi Bernet y Daniel Torres. La muestra se titula The Spirit: 75 años en Central City y contará con unas 40 páginas originales.
Nacida en las páginas de un suplemento de prensa el 2 de junio de 1940, la serie narra las aventuras de Denny Colt, un detective privado que colabora con la policía. Se le da por muerto tras enfrentarse con el doctor Cobra, el primer villano de la serie, pero su fallecimiento es aparente y literalmente sale de la tumba para convertirse en The Spirit, un justiciero enmascarado que vive de cobrar recompensas. A partir de ese momento, su verdadera identidad sólo se la revela al comisario Dolan, con quien sigue colaborando. Una inteligente mezcla entre humor y género policiaco, unido a una innovadora narrativa gráfica, ha hecho The Spirit un referente de los cómics.
The Spirit fue publicada originalmente entre 1940 y 1952, aunque regresaría en diversos momentos con nuevas historietas, realizadas por el propio Eisner y otros autores. Desde finales de la década de los años 80 del siglo pasado, han aparecido nuevas aventuras del héroe de Central City realizadas por, entre otros, Alan Moore, Dave Gibbons, David Lloyd, Neil Gaiman, Kurt Busiek, Mike Allred, Eddie Campbell o los mencionados Daniel Torres o Jordi Bernet
Will Eisner siempre tuvo una gran relación con el Salón del Cómic de Barcelona. Ya estuvo como invitado en el primer Salón del Cómic que se celebró en 1981 y desde entonces, siempre que su agenda se lo permitía, regresaba regularmente al certamen. Esta exposición The Spirit: 75 años en Central City, centrada en el aniversario del popular héroe enmascarado, también tiene por objetivo reivindicar la figura de Eisner, uno de los maestros del cómic.
Vuelve el cine de terror a Badalona de la mano de Cryptshow Festival
Los productores de The Lords of Salem, Paranormal Activity, Insidious, The Conjuring y Sobrenatural nos traen esta adaptación de un cuento de Stephen King
Cryptshow Festival y La Cooperativa Cor de Marina recuperan el cine en Badalona de la mano de Stephen King. Mercy está basada en el cuento Gramma del maestro del terror, y creador de The Shining o Carrie. Nos narra la historia de dos niños que junto a su madre marchan a cuidar de la abuela, que sufre demencia senil. Poco a poco irán descubriendo que la señora oculta un tenebroso secreto ya que años atrás firmó un pacto con un espíritu oscuro.
Dirigida por Peter Cornwell (Exorcismo en connecticut), y protagonizada por Mark Duplass y Dylan McDermott, Mercy está producida por Jason Blum (The Lords of Salem, Paranormal Activity, Insidious o The Conjuring) i McG (Sobrenatural)
Cinema Experence es una iniciativa de Cryptshow Festival y La Cooperativa Cor de Marina que quiere recuperar les clásicas sesiones de cine de terror que durante los años 80 llenaban las salas de Badalona.
Ya podéis enviar vuestro corto al festival ‘Cortos con K 2015’
Se abre la inscripción para participar en CORTOS CON K – 2015. 3er Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico KlownsAsesinos.com, certamen que sigue apostando por difundir la enorme calidad del cine breve realizado en nuestro país.
A través de la web podéis acceder a las bases de participación y la ficha de inscripción del concurso, donde también encontraréis las plataformas de envío en las que el festival está inscrito, Uptofest, Movibeta, Festhome y Click for festivals. El plazo para presentar las obras a concurso terminará el 31 de mayo de 2015, y el festival se celebrará los días 26 y 27 de junio , en la S.C. L’Espiga de Les Corts. c/Joan Gamper, 30. Les Corts (Barcelona)
En las próximas semanas comunicaremos los miembros del jurado de ésta edición, quienes decidirán los ganadores de los diferentes premios entre las obras seleccionadas por la organización como finalistas, e iremos anunciando las diferentes propuestas que éste año tendrá el festival, así como los horarios definitivos y la programación completa del festival.
El concurso está subvencionado por el Ayuntamiento de Barcelona – Distrito de Les Corts y el apoyo de la S.C L’Espiga de les Corts.
Accede desde aquí a las bases de participación
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Ya está disponible Klowns Horror Fanzine 4: Rape & Revenge
Ya está a la venta el KLOWNS HORROR FANZINE #4 revista temática publicada por KlownsAsesinos.com que en ésta ocasión está dedicada enteramente a un subgénero polémico, incómodo y morboso como el ‘Rape & Revenge’ o ‘violación y venganza’, vertiente cinematográfica que nació en los EEUU en la década de los 70 de la mano de directores como Wes Craven o Meir Zarchi, y representativos títulos como La última casa a la izquierda o I Spit on your Grave entre otros. Analizamos 32 títulos en orden cronológico a través de críticas, artículos y entrevistas, que componen una guía indispensable para entender el subgénero.
CONTENIDO
Artículos.
-’El dolor de la violación, el placer de la venganza’. Introducción a la temática y repaso a más de 80 títulos que desde 1960 hasta nuestros días han dado diferentes enfoques sobre el tema.
-’I spit on your grave. An act of revenge’. Amplio análisis a la obra de Meir Zarchi, una de las más representativas del subgénero. Anécdotas, curiosidades y secuelas.
Entrevistas.
Con el director argentino Adrián García Bogliano charlamos sobre la intensa No Moriré Sola (2008);entrevistamos a Mathew A. Brown sobre uno de los últimos referentes del subgénero Julia (2014); y Guillermo Martínez nos habla de la desgarradora Cuando tu Carne Grite ¡Basta! (2015), cinta que este año comienza su andadura por los festivales.
Críticas.
Más de 30 reseñas de las películas más destacadas sobre la temática que abordan el tema desde diferentes puntos de vista, como El Manantial de la doncella, Perros de paja, La última casa a la izquierda, Thriller. A cruel picture, Violación en el último tren de la noche, Death wish, Ms 45, Coto de caza, Irreversible o En la afueras de la ciudad, entre otras.
También encontraréis los dos relatos ganadores del concurso temático Deuteronomio 28 y Café cortado (con final feliz).
FICHA TÉCNICA: Formato: Din A5, nº de páginas: 84, Color: Blanco y negro (portadas en color), Fecha de lanzamiento: Marzo de 2015, PVP: 3,50€ + gastos de envío.
Pedidos: klownshorrorfanzine@gmail.com
También disponible:
FREAKS. C/. Ali bei, nº10 (Barcelona)
ARKHAM COMICS. C/. Xuclà, nº16 (Barcelona)
MONSTER MUSEUM. C/Tallers, nº68. Flamingos Gallery
Serendipia
Proyecto Naschy 
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