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Conozca a los protagonistas de ‘Fantasmagoría’, el nuevo film de César del Álamo
Sinopsis: El profesor Jorge Ollot y la doctora Iris de Miguel han reunido a un grupo de personas, cuidadosamente escogidas, con las que se aislaran durante una semana en una casa apartada. ¿Su intención? Demostrar que lo paranormal existe, pero que es nuestra propia mente lo que lo provoca. Así, dándose las condiciones adecuadas, está seguros de que crearán un fantasma… Pero el experimento que llevan tanto tiempo preparando no saldrá tal y como ellos esperaban.
Se espera que se estrene en plataformas y en algunas salas escogidas a mediados de año.
Nace una estrella, L’Horror Film Festival, y Silvia García nos lo presenta
Mi amiga Berta, que es uno de esos seres de luz tocados con el don de la creatividad, ha acuñado un nuevo adjetivo, ‘miyazaki’, añadiéndole al apellido del célebre cineasta la acepción: ‘Dícese de todo aquello que desprende una dulzura mágica y conversora capaz de iluminar y transformar el mundo que nos rodea’. En abril, aguas mil. Y entre las miríadas de gotas culturales que nos lloverá el próximo cuarto mes del año, algunas destacan con brillo propio, es el caso de la que será recién nacida muestra de cine de terror con perspectiva de género, L’Horror Film Festival, en L’Hospitalet de Llobregat, un nuevo certamen gestado con mimo y pasión que, estoy convencida de ello, podrá ser calificado de ‘miyazaki’. Hemos hablado de todo lo humano y lo divino en relación al próximo neonato con Silvia García Palacios, una de las mujeres al frente de la iniciativa. Locuaz y entusiasta, contagia su dinamismo y sus ganas de construir nuevos mañanas. También Silvia es ‘miyazaki’. Pero mejor os dejo con lo que ella nos ha contado.
Empecemos parafraseando un título de película de Marco Ferreri, ¿Il futuro è donna?
Buona sera, chi lo sa? Lo que sí sabemos es que el pasado no lo ha sido y sabemos sus consecuencias. Estamos en un momento en el que se escucha la reivindicación de la igualdad y equidad con más fuerza que nunca, por algo será. En realidad, es cuestión de tener mismas oportunidades y derechos. En todo caso, el futuro ha de ser de todas y todos o no habrá futuro, es decir, el futuro es de la humanidad en su más concreto y abstracto significado.
Para continuar, una semblanza. La tuya. ¿Cómo te gustaría ser presentada?
Me gustaría ser presentada como una persona que demuestra su pasión por el cine en su día a día. Como productora, programadora, crítica y activista social, todos mis proyectos se ven impregnados por la inquietud de contribuir a un mundo mejor. Será un granito de arena, pero será.
Despegáis en primavera ¿L’Horror Film Festival nace para ser otro festival más de cine de mujeres? Porque, ¿Es lo mismo una película de mujeres que una película con perspectiva de género? Pensaba, por ejemplo, en Siesta de Mary Lambert, lo dirige una mujer, tiene protagonista femenina, al menos dos personajes relevantes son mujeres que hablan entre ellas de algo distinto a un hombre, y, sin embargo, su concepción global, el universo que refleja, incluida la sensualidad, sigue siendo masculina, ¿Estoy equivocada?
Sí y no. L’Horror Film Festival nace como una muestra de films con perspectiva de género y más que obras dirigidas por mujeres, buscamos esa mirada que tradicionalmente se ha relegado e incluso olvidado, aquella que se aleja de la hegemónica.
Así pues, por un lado, destacar un film dirigido por una mujer o persona con diversidad de género es un hito siempre a celebrar por el mero hecho de la poca representatividad existente -las estadísticas de los ochenta no eran precisamente boyantes y que hoy en día tengamos mejores estadísticas no significa que sean buenas, aun hay mucho trabajo por delante-. Ahora bien, sea del género que sea quien lleva la batuta, esto no determina per se la temática ni el punto de vista de la obra, por lo tanto, podemos encontrarnos, como en cualquier ámbito, casos que contradicen los prejuicios que todas tenemos ante algo. Así pues, por el hecho de no ser un hombre no significa que tengas, hayas podido desarrollar o quieras aplicar una mirada concreta y viceversa. Siesta se ha de contextualizar, como toda obra, dentro de su época, con todo lo que ello conlleva a todos los niveles; como bien dices, parece aprobar algún que otro test de sesgos, cosa que denota ya alguna diferencia con sus coetáneas.
En relación con lo anterior, en la Web del festival enlazáis como herramientas una serie de test, imagino que para orientar sobre qué es una cinta con perspectiva de género, encabeza la lista el más difundido, el test de Bechdel-Wallace, claramente basado en parámetros cuantitativos, ¿Ahora resulta que el tamaño importa? Perdón por el chascarrillo, quiero decir, quizás esas evaluaciones estaban bien para empezar a tematizar la brecha de género en lo fílmico, pero, ¿No empieza a ser necesaria una evaluación que tome en consideración cuestiones cualitativas que definan la naturaleza de una auténtica perspectiva femenina?
Es una pregunta muy interesante sin duda. Y el tamaño claramente aún importa… Para demasiadas personas (risa)
Pensamos que era algo muy positivo que la web tuviera su apartado pedagógico precisamente para ayudar a entender nuestras intenciones. Los test tienen una función de visibilizar e identificar las desigualdades existentes -y evidentemente persistentes-, algo que nuestros sentidos asumen como lo que debe ser, una “normalización” de la que hay que ser consciente para ver sus carencias.
La perspectiva femenina es un constructo social y cultural. Su existencia depende únicamente de ello. Yo no me abanderaré como una experta en el tema, pero, personalmente, tendría serios problemas en encontrar una vía de definición sin caer en inexactitudes de todo tipo, por ejemplo, culturales e históricas. Así pues, es más justo hablar de perspectiva de género en oposición a la visión dominante que mantiene y defiende una diferenciación por cuestiones meramente físicas o fisiológicas.
En todo caso, en cuanto que hablamos de cine, de arte, ya es abrir un melón, pero, por ejemplo ¿Cómo definimos qué es una buena película? Definiciones parametrizadas se traducen en constructos con connotaciones particulares que pueden -y deben?- diferir en tanto que formas culturales, sociales y personales existen. Por lo tanto, a la hora de tocar lo cualitativo se corre el riesgo de caer en un dogmatismo, algo bastante contraproducente.
¿Debiera estar obsoleto el término ‘feminazi’? Recapitulo, que he empezado la pregunta por el tejado. Parece que tampoco lo social se libra de la Tercera Ley de Newton, toda acción genera una reacción de igual intensidad, pero en sentido opuesto. La acción feminista ha seguido una senda ascendente desde que Olympe de Gouges escribiera en 1791 la Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana, pero ese camino no ha estado libre de vaivenes y retrocesos. La pujanza parece haber despertado la aversión, fue en 1992 cuando Rush Limbaugh, locutor y comentarista estadounidense conservador, acuñó y popularizó el término ‘feminazi’ con el argumento de que el feminismo no busca la igualdad entre hombres y mujeres sino una suerte de supremacismo femenino. Internet ha hecho de caja de resonancia ampliando la desconfianza y el malentendido, agrandando la bola de nieve hasta el alud de los discursos de odio. ¿Es necesario hacer más pedagogía? ¿Necesitamos una definición clara del verdadero horizonte de expectativas del feminismo? ¿Cómo pasar a la acción? Por cierto, Olympe de Gouges murió en la guillotina.
A nivel personal, siempre he creído que cuando estás haciendo algo muy bien siempre nace la oposición y su fuerza es proporcional a lo bien que lo hagas. Ahora bien, siempre se avanza, lento, pero se avanza, aunque se hayan segado muchas cabezas por el camino… El terror siempre nos acompaña.
En el caso del movimiento feminista, y desde mi humilde punto de vista, en el momento en que se percibe como una amenaza (de poder, estatus, identidad…), se tiende a contratacar, una reacción que surge de determinadas formas de pensar desde el privilegio (tradicionalmente retrógradas) las cuales, lejos de asumir su desequilibrada posición, mediante autoconciencia o autocrítica, se decantan por el uso de la violencia a través de mentiras, exageraciones y sobre todo utilizando el gran poder que da el miedo.
Recapitulando, el término “feminazi” está obsoleto y carece de rigor desde que se pronunció. Pero en ese sentido, apoderémonos “de alguna forma” del término, aprovecho para recomendar el cortometraje Feminancy de Uxuri Etxegia ;)
Por lo que pasar a la acción se refiere, para mí la pedagogía es precisamente una de las estrategias fundamentales. El cine forma parte de esa pedagogía, con un lenguaje universal, tiene la capacidad de convertirse en una herramienta que aporta nuevos y diferentes enfoques ¡qué maravilla! ¡Siempre más y mejor!
El terror. Género por antonomasia, vive en la actualidad un momento dulce de auge y esplendor, quizás porque siempre florece en los momentos de mayor confusión y convulsión, como si las sociedades necesitaran exorcizar sus miedos, el ejemplo más florido lo tendríamos en el éxito de los monstruos de la Universal en la década de los 30 del siglo pasado. La pregunta es doble (o triple). ¿Puede ser el terror el mejor vehículo para atacar la brecha de género? ¿Y cómo debe hacerlo: resignificando el rol de víctima propiciatoria y reina del grito, creando categorías nuevas, todo un poco a la vez? No hay dos sin tres, históricamente el ascenso de la mujer ha coincidido con la muerte de un mundo conocido, pasó en Grecia, pasó en Roma, en la Baja Edad Media… El ascenso de la ultraderecha, y el quebranto del espíritu del 45, parece ser más que un cambio de ciclo político, ¿Cuál debe ser el papel de la lucha feminista en un momento en el que parece reclamarse el yugo del autoritarismo?
Estoy completamente de acuerdo en que estamos en una época de florecimiento y tengo la esperanza de que gracias a ésta llegaremos a una maduración que transformará la visión peyorativa que acompaña al terror en cuanto a mero divertimento. Precisamente por eso, uno de los pilares del Festival es demostrar eso mismo, que el género de terror es una de las mejores, sino la mejor, herramienta para expresar la perspectiva de género. El terror brinda una gran libertad a la hora de crear y abarcar una historia o tema desde múltiples prismas. Quizás ya no sea necesaria ni pertinente ninguna scream person o la victimización, y sí la creación de nuevos arquetipos. El séptimo arte tiene el poder de abrirnos una ventana de aire fresco directo a nuestro cerebro, y puede convertirse en un instrumento para mejorar nuestra comprensión del mundo, para aprender o para superar el miedo a lo desconocido e ir más allá de lo que nos rodea.
En relación al papel de la lucha feminista frente al autoritarismo, no creo tener la respuesta. Por mi parte, ha sido crear un Festival de cine junto a un excepcional grupo de personas que creen en el proyecto y ven su potencial, un evento para celebrar la diversidad lejos de encorsetarla.
Más breve y concreto: ¿Por qué es necesario, que digo, imprescindible, asistir a la primera edición de L’Horror Film Festival? ¿Qué nos tenéis preparado? ¿Qué visión del cine nos vamos a encontrar?
El origen del proyecto nace por una necesidad, como siempre, por una carencia, si lo queremos llamar así. Conocer el Final Girls Berlin Film Festival me dio a conocer un espacio seguro, libre y fresco dentro y fuera de una sala de cine que no supe, hasta ese momento, que hacía tiempo quería vivir en un Festival. Con esa idea nació L’Horror Film Festival y con ese ánimo de honrar dicha inspiración.
Con eso en mente, L’Horror Film Festival se centrará en dar voz a obras con perspectiva de género en todo su terrorífico y amplio abanico sin olvidar la inclusión de debates que refuercen el análisis del sector aportando un nuevo enfoque. Esperamos añadir al panorama cultural una forma renovadora de plantear la creación y ejecución de un festival, una experiencia única y distintiva.
Para esta primera edición tenemos preparada una excepcional inauguración con proyecciones (por el momento sorpresa) y un encuentro de profesionales y entidades del medio; un meet&greet en el que queremos dar un espacio para conocernos, reconocernos y claro que sí, propiciar sinergias. Para la segunda jornada, tendremos dos pases de cortometrajes y un conversatorio: la Sección Talent Novell formada por obras de cineastas emergentes; una charla en la que tendremos el lujo de contar con la participación de Dones Visuals y la Acadèmia del Cinema Català; y pondremos la guinda con la Sesión especial Final Girls Berlin que contará con una selección de los cortometrajes ganadores de la edición 2024 de este gran Festival dedicado al cine de terror dirigido, escrito o producido por mujeres.
Deseamos que cada proyección, cada evento, sea una invitación para compartir nuestra cinefilia y descubrir nuevos horizontes.
Y última: la tortilla de patatas ¿Con o sin cebolla? No respondas que igual se me cae un mito. En serio, quizás me he enrollado como una persiana y no he incidido en lo esencial. Tómate la libertad: añade las preguntas que hubieras querido contestar.
Te sorprenderás, ¡pre-tortilla! Prefiero y me deleito las papilas con patatas fritas y huevo batido, Crudo, por supuesto.
¡Es hora de romper clichés, redefinir monstruos :)!
Más información: L’Horror Film Festival
Ecoterror en 6 películas: ranas, hormigas, cocodrilos, jabalís y mucho más.
Analizamos un subgénero que nació sin tener constancia de serlo con seis películas representativas del mismo.
FROGS (George McCowan, 1972)
Frogs es una película serie B de American International que no engaña a nadie (bueno, quizás el póster un poco), y aunque se esfuerza en dotar a los personajes de personalidad y dar cierta coherencia a la historia, lo cierto es que esta venganza de la naturaleza resulta algo risible, y las muertes son de campeonato de torpes de lo mal resueltas que están. Protagonizada por un Ray Milland en las últimas haciendo de abuelo malas pulgas y un Sam Elliott lozano como único personaje «normal», lo cierto es que este desastre, no se sabe muy bien porqué, tiene su encanto. Como el de ser una simpática serie B pura y dura que, en forma de slasher, es una clara denuncia ecológica protagonizada por reptiles y otros seres de la ciénaga comandados por unas enormes ranas que parecen vengarse de una familia cuya industria echa pesticidas en su hábitat. Otro personaje colecciona mariposas, y el veterano cabeza de familia es cazador, tal y como demuestra su sala de trofeos. Sam Elliott, interpretando a un fotógrafo, deberá refugiarse en la mansión, de la que serán eliminados ordenadamente uno tras otro todos los miembros de la familia mediante tan mal resueltas como ridículas muertes. Como la tiene lugar en el invernadero o las protagonizadas por arañas, sin ir más lejos.
Como ya hemos comentado, además de Elliott, en la cinta podemos ver al veterano e incansable Ray Milland y a muchos actores eminentemente televisivos ¿Lo mejor? El engañoso póster y el tono irreal con ese cabeza de familia que quiere celebrar su 4 de julio caiga quien caiga, nunca mejor dicho, haya o no cadáveres de por medio.
Todo ello en una película cuyo indudable encanto, en lugar de otorgarle solera, la ha avinagrado.
PHASE IV (Sucesos en la IV fase, Saul Bass, 1974)
Diseño Hard Sci-fi con instalaciones futuristas y destacables imágenes de hormigas rodadas con potentes lentes que las convierten casi en seres de otro planeta en esta cinta de Saul Bass en la que estos pequeños seres se rebelan contra la tiranía del hombre. Todo tan bien llevado que hasta nos ha parecido creíble lo que nos han contado, desde su inicio hasta su extraño final. Se trata de una cinta que el tiempo ha revalorizado, interesante, curiosa y protagonizada por una muy joven Lynne Frederick, actriz a la cual los más jóvenes igual no reconocen, pero que fue una prometedora y bella artista que tuvo un final prematuro y bastante triste. Phase IV también es el único largometraje de Saul Bass, un todoterreno del cine, pero especialmente conocido por los memorables títulos de crédito en películas como Con la muerte en los talones, Vértigo, Psicosis, El hombre del brazo de oro o Anatomía de un asesinato.
Por cierto, el cártel original con una hormiga saliendo de la palma de una mano quedó muy Daliniana. Sin ir más lejos, y prosiguiendo en el cine, una imagen idéntica puede verse en El perro andaluz de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
El título español es similar y quiere aprovecharse del de la popular Encuentros en la tercera fase, (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, 1977), un film posterior al de Saúl Bass, pero cuya coincidencia en el título se explica porque a pesar de ser anterior a esta, Sucesos en la IV fase llegó a nuestras pantallas con retraso, estrenándose en 1980.
DAY OF THE ANIMALS (William Girdler, 1977)
Un pequeño microcosmos humano recibirá el ataque de diversos animales afectados por los rayos solares a causa de la acción humana sobre la capa de ozona.
Deudora del cine de catástrofes que tanto predicamento tuvo durante los años setenta, cuesta ver a Leslie Nielsen, uno de sus protagonistas, como actor dramático, y más cuando pierde la cabeza, también a causa de los rayos gamma, y comienza a hacer de las suyas. Aunque la premisa que denuncia sigue estando más que vigente, la película ha envejecido bastante mal, la verdad.
Day of the Animals cuenta con la participación de otros actores, como Christopher George o Lynda Day, matrimonio en la vida real que más tarde terminaron recalando en el cine de Piquer Simón, para el que protagonizando la, por muchos motivos, mítica, Mil gritos tiene la noche (1982).
LARGO FIN DE SEMANA (Long Weekend, Colin Eggleston, 1978)
Una remarcable película australiana, que mediante dosis de terror clásico refleja la destrucción sistemática de la relación de los protagonistas mientras son atacados por las fuerzas desatadas de la naturaleza. Todo con denuncia ecologista e incluso antiabortista de por medio. Los dos protagonistas, en especial él, consiguen ser dos zoquetes de marca a los que desearemos una muerte lo más dolorosa posible. Maravillosa fotografía y bellos paisajes de la fauna australiana, tan marciana como siempre.
La pareja protagoniza realiza pequeñas acciones inconscientes y cotidianas como usar insecticida, tirar colillas por la ventanilla del coche, llenar todo de basura, cazan y pescan o atropellan incluso un canguro, acciones que, quien más 
quien menos, todos ustedes han hecho alguna vez (bueno, sustituyan canguro por perro o gato o paloma o persona).
Todo ello parece provocar un anómalo y violento comportamiento de los animales, que atacan a la pareja. Como es el caso de una zarigüeya, que atacó realmente al actor. Si, ya les dijimos que los protagonistas eran bastante cretinos. Los sucesos y los ataques se desatan sin justificación aparente, aunque en un momento se habla en la radio de avistamientos de ovnis, extremo este en el que, afortunadamente, no se incide.
Posiblemente Long Weekend es la mejor de esta selección, cuyo guion se debe a Everett De Roche, responsable del libreto de otras producciones australianas de terror como Patrick y Razorback, la siguiente que pasamos a analizar.
RAZORBACK, LOS COLMILLOS DEL INFIERNO (Razorback, Russell Mulcahy, 1984)
En Razorback, los colmillos del infierno el mensaje ecologista, quizás animalista, brilla menos por su ausencia. Se centra en un jabalí enorme que se lleva a las personas e incluso las casas por delante. Con algunos afortunados gags, en esta, su primera película, Russell Mulcahy demuestra su escaso cariño por la fauna humana autóctona del sur de Australia, unos rednecks de mucho cuidado. Incluso utiliza el truco de Hitch de cargarse a la supuesta protagonista cuando ya nos habíamos habituado a ella. Por su parte el monstruo es un animatronic al que apenas se ve. Con cierta ambientación apocalíptica (una de sus actrices participa en Mad Max 2) la película posee un diseño de producción muy de su época (azules, humos…) pues no en vano el director se introdujo en el oficio rodando muchos video-clips en los años ochenta, atmósfera que traslada a su película y que alcanzaría su culmen con Los inmortales (Highlander) en 1986.
LA BESTIA BAJO EL ASFALTO (Alligator, Lewis Teage, 1980)
La historia pone en imágenes la leyenda urbana de que en las cloacas de NY hay caimanes que han crecido tras ser tratados como mascotas y tirados por el retrete al crecer, a lo que los guionistas han sumado un vertido de hormonas de crecimiento a las cloacas, todo lo cual han convertido a un cocodrilo normal en un en una mala bestia gigante. Todo ello mezclado con un relato policial sobre un agente caído en desgracia.
Alligator es una simpática producción protagonizada por el recientemente fallecido Robert Foster, al que Tarantino dotó de nueva vida al ponerlo de co-protagonista en Jackie Brown (1997). Los efectos especiales son imaginativos, con un pequeño caimán andando en cámara lenta por calles en miniatura secundado por los animatronics de turno. A esto se suman unos saludables toques de comedia y un Henry Silva haciendo de cazador chulopiscina.
El director, tres años después rodaría la adaptación cinematográfica de Cujo, la novela de Stephen King, así como Los ojos del gato (Cat’s Eye, 1985), también basada en narraciones de King.
Por cierto, como el final es abierto, once años después un nuevo director tomó el relevo y rodó una secuela: La bestia bajo el asfalto 2 (Alligator II: The Mutation, Jon Hess, 1992).
Novedades Astiberri · Abril de 2025
Anzuelo, Emma Ríos
Color. Cartoné
304 páginas
17 x 26 cm
29 euros
A la venta el 3 de abril
El esperado regreso de la autora es un colosal relato sobre la no violencia como única respuesta a una vida sin esperanza. A través de unas virtuosas acuarelas cuyos colores transitan entre el amanecer y el atardecer, lleva al lector a la orilla del mar para observar una historia de eco-horror postapocalíptico en la que la belleza y lo extraño se entrelazan. Los cuerpos de sus protagonistas, que se van diluyendo como la luz de la acuarela, van perdiendo su forma humana, a la vez que perdura una humanidad empática como única respuesta a una sociedad despojada de futuro.
Versus, Luis Bustos
Edición 10.º aniversario
Blanco y negro. Cartoné
88 páginas
22 x 22 cm
21 euros
A la venta el 3 de abril
Llega la edición 10.º aniversario de Versus, una adaptación libre a partir del cuento Por un bistec, de Jack London, que incluye páginas inéditas, bocetos y apuntes de Luis Bustos sobre el proceso de creación de la obra. Tom King es un boxeador. Tom King es viejo. No siempre lo fue. Hubo un tiempo en que sus puños eran cemento, sus músculos se tensaban como el acero y su corazón bombeaba adrenalina con la potencia de una locomotora. Eran otros tiempos. Pero ahora Tom King es viejo y esta puede ser su última pelea. Su contrincante, Jesse Sandel, es todo lo que Tom fue: joven, fuerte, impulsivo, rabioso, feroz. En esta pelea Tom King se juega más que una bolsa de dinero. Se juega la vida entera…
Ángel Sefija en todoterreno, Mauro Entrialgo
Color. Rústica con solapas
80 páginas
18,5 x 24,5 cm
19 euros
A la venta el 10 de abril
Ya son más de 20 los años que el autor vasco lleva radiografiando la sociedad española a través de Ángel Sefija. En este nuevo volumen recopilatorio de la popular serie de El Jueves, reflexiona sobre grandes y pequeñas inquietudes de nuestro tiempo como la pereza laboral, las costumbres de los taxistas, el lío de las criptomonedas, la política-ficción, el pestiño de los audios de Whatsapp o la moderna afición navideña al panettone. Una vez más, nada se escapa a la tan afilada como peculiar mirada de Ángel Sefija.
La misma diferencia, Derek Kirk Kim
Traducción: Diego García
Blanco y negro. Rústica
144 páginas
16,3 x 22,2 cm
15 euros
A la venta el 10 de abril
Nancy y Simon son dos jóvenes amigos. Un día deciden contarse una historia personal que han sido incapaces de asumir. Estas confidencias los llevarán a hacer un viaje que les permitirá reconsiderar su forma de enfocar la relación con los demás y enfrentarse a sus pequeñas cobardías. La voz distintiva del autor, junto con su arte claro, nítido y expresivo, han convertido esta historia en un clásico. Fue elegido como uno de los mejores libros de 2003 por Publishers Weekly y ganador de los premios Eisner, Harvey e Ignatz en 2004.
Magda, cocinera intergaláctica 2. El duelo de las chefs, Nicolas Wouters y Mathilde Van Gheluwe
Traducción: Alba Pagán
Color. Rústica con solapas
160 páginas
19 x 23 cm
20 euros
A la venta el 17 de abril
La continuación de esta trilogía vuelve a poner sobre la mesa todo lo que nos encantó del primer volumen: en primer lugar, una trama trepidante que sigue el ritmo de las pruebas del concurso y de las revelaciones hasta el cliffhanger final; en segundo lugar, unos concursantes enigmáticos cuyas motivaciones no siempre comprendemos, pero a los que nos encanta ver ocupados en la cocina, picando, flambeando o triturando sus ingredientes al ritmo frenético del cronómetro; y en tercer lugar, una forma deliciosa de ridiculizar la sociedad del entretenimiento y de reflexionar sobre los daños causados por el productivismo y el colonialismo. Ni más ni menos.
Archivos expiatorios, Flavita Banana
Blanco y negro y color
Cartoné
208 páginas
21 x 21 cm
20 euros
A la venta el 24 de abril
Flavita Banana pone el broche final a la celebrada colección de Archivos con un volumen que reúne más de 200 páginas de sus viñetas más recientes. El cómic mantiene intacto su característico estilo gráfico y su capacidad para retratar, con agudeza y frescura, las luces y sombras de la vida cotidiana. Este libro es una culminación y, a la vez, una celebración de su talento. Un recorrido por momentos que despiertan risas inesperadas y reflexiones certeras, con ese ingenio único que ha hecho de Flavita Banana una de las grandes referentes del humor humor gráfico actual.
La última sirena. Libro 1, Derek Kirk Kim
Traducción: Santiago García
Color. Rústica con solapas
184 páginas
21 x 24 cm
21 euros
A la venta el 30 de abril
El autor ganador de los premios Eisner, Ignatz y Harvey regresa con una historia literal de pez fuera del agua que pondrá patas arriba el género postapocalíptico y atraerá las miradas tanto del público juvenil como adulto. Una sirena solitaria vaga por un páramo interminable en una búsqueda más allá de la razón. Acompañada de Lottie, su inseparable ajolote, la sirena deberá escapar de bandas itinerantes de caníbales cibernéticos y temibles bestias mutantes. Pero ¿Qué la impulsa a correr semejante riesgo? ¿Y quién es esa figura encapotada que la observa desde lejos?
Bárbaros a la española: Los Cántabros, Tunka y Hundra
Como todo el mundo sabe Conan era español ¿cómo lo dudan si de pequeño era pastado a Jorge Sanz y su madre era Nadiuska? ¿cómo dudarlo si John Milius lo puso a cabalgar de Almería a Segovia y de Granada a Ávila? Pues por eso, porque Conan era español. Así que no resulta extraño (o no debería parecérnoslo) que una película producida en España, Los Cántabros (Jacinto Molina, 1980) se adelantara, por dos años, a la fiebre por el cine bárbaro que despertó, especialmente en Italia, claro, Conan, el bárbaro (1982), poniendo en marcha la fábrica de las copias en el país transalpino. No debería extrañarnos mucho que tras el éxito del film de Milius, dos nuevas cintas habitadas por héroes y heroínas de mirada torva en ropa interior de piel, se sumaran desde España a ese subgénero de espada y brujería.
Tras ser uno más de los géneros producidos en la España de los sesenta, principalmente en régimen de coproducción con Italia, el peplum, las populares ‘películas de romanos’, hacía tiempo que habían dejado de producirse en nuestras tierras, así que la aventura de rodar un peplum en la España de los ochenta era un anacronismo y toda una aventura. Y de lo más descabellada, por cierto. Pero al guion de Los Cántabros, ideado por Joaquín Gómez Sáinz, tanto Amando de Ossorio primero como Jacinto Molina más tarde, le añadieron salsa, transformando a las tribus cántabras y concretamente a su líder, Corocotta, en todo un sosia de Conan, lo que convirtió esa epopeya seudo histórica en la primera película española con bárbaros de por medio ¿influencia de Conan? posiblemente, pues las novelas y los comics eran editados por entonces con mucho éxito por Fórum y antes por Vértice, pero no de la película de John Milius, que se estrenaría en 1982.
Dan Barry (Joaquín Gómez Sáinz de Rozas) actor, guionista, productor y director cántabro comenzó su andadura, al igual que Paul Naschy, en el mundo del deporte, obteniendo galardones en halterofilia y lucha grecorromana. Su físico le llevó a realizar papeles en el cine como actor y especialista en diversas producciones internacionales y españolas, la mayoría de género, hasta que en 1980 tuvo la oportunidad de poner en marcha un proyecto largamente acariciado, Los Cántabros, que narraba la lucha entre las tribus cántabras acaudilladas por Corocotta y las tropas romanas lideradas por Marco Vespaciano Agripa.
La tesis tradicional presenta a Corocotta como héroe de la resistencia ante Roma, como unificador y caudillo local durante las Guerras Cántabras de Augusto durante los años 29 a 19 a. C., pero la única constancia de la existencia de Corocotta se basa en una cita del historiador romano Dión Casio, que tradujo Adolf Schulten y que hace referencia a uno de los hechos más populares relacionados con el cántabro:
“Irritóse tanto [Augusto] al principio contra un tal Corocotta, ladrón hispano muy poderoso, que hizo pregonar una recompensa de doscientos mil sestercios a quien lo apresase; pero más tarde, como se le presentase espontáneamente, no solo no le hizo ningún daño, sino que encima le regaló aquella suma.”[1]
Este episodio, que naturalmente se muestra en el largometraje, es el que ha creado toda la leyenda sobre el supuesto cántabro Corocotta (hay quien dice que su origen es norteafricano), motivando que su figura sea realzada como símbolo cultural y turístico de Cantabria. Y apoyándose en esta tesis, la más conocida y difundida, Dan Barry quiso inicialmente realizar una serie televisiva, aunque desechó la idea optando por un largometraje, que comenzó a dirigir el veterano Amando de Ossorio, tal y como recuerda el propio Barry:
“Amando de Ossorio, en efecto, incluso llegó a rodar una primera versión, pero cuando acudimos a los lugares de Cantabria que yo había escogido como escenarios del rodaje, como los Picos de Europa y otros, no hubo forma de hacerle llegar a aquellos parajes; siempre quería rodar los planos desde la carretera, por lo que no me quedó más remedio que sustituirle.”[2]
Con Amando de Ossorio fuera del proyecto, hubo que buscar rápidamente un sustituto. Paul Naschy asegura que la dirección del filme se la ofreció Augusto Boué, jefe de producción de Los Cántabros, pero según Dan Barry, fue él mismo quien se lo propuso a Jacinto Molina, por entonces compañero suyo en el gimnasio Guzmán el Bueno. Algo de lo que Barry terminó arrepintiéndose:
“El proyecto de Los Cántabros fue una idea original mía. Durante más de tres años estuve acumulando datos históricos para confeccionar el guion. Cuando ya lo tenía todo dispuesto cometí el error de dárselo a dirigir a Jacinto Molina, que por entonces era compañero de gimnasio. Posiblemente sea, en cuanto al cine se refiere, una de las equivocaciones más grandes que he cometido, ya que además del proyecto le puse al señor Molina en la mano cuarenta millones de la época y me traicionó en todos los sentidos.” [3]
En todo caso Paul Naschy no aceptó utilizar lo rodado por Ossorio, y quiso reescribir el guion de este proyecto, que sin duda le atrajo por las favorables condiciones de rodaje:
“Por primera vez voy a trabajar con un presupuesto por encima de los treinta millones, que no podía ni soñar. Por primera vez dispongo de cinco semanas para rodar.”[4]
Un holgado presupuesto que cuesta apreciar tras ver los resultados en pantalla. Cuestión que también ha sabido ver Adolfo Camilo Díaz al definir Los Cántabros como “un cómic con pocos medios y muchas ideas.”[5] El mismo director narró como se las tuvo que ingeniar para suplir la falta de vestuario:
“Carecíamos de suficientes armaduras y cascos romanos, y logré un ataque de la caballería de Marco Vespasiano Agripa -mi maravilloso personaje- haciendo pasar al mismo grupo de caballistas una y otra vez, emergiendo de un gran montículo.”[6]
Quizás esta pobreza de medios sea la responsable de que una lucha entre gladiadores tenga lugar en el salón del palacio del César y no en el habitual circo romano. O que la batalla final entre ambos ejércitos se represente con un solitario duelo entre Corocotta y Marco Vespasiano en la playa, atmosférico clímax que es, por otra parte, lo mejor de la película.
Y a todas estas carencias cabe añadir los problemas ocasionados por una huelga de extras y el accidentado rodaje a 40 grados bajo cero, que causó la muerte de algunos caballos.
Lo cierto es que con la reescritura del guion el personaje de Marco Vespasiano Agripa, encarnado por Paul Naschy, resultó muy reforzado, erigiéndose en auténtico protagonista de la trama y restando protagonismo al líder cántabro interpretado por Dan Barry. El personaje de Naschy también protagoniza, como es habitual, el romance, en esta ocasión con Elia (Verónica Miriel) la brava hermana de Corocotta. Y aunque se ha comentado que Paul Naschy fue el responsable del giro argumental hacia el subgénero de ‘espada y brujería’, este era un ingrediente supuestamente aportado al libreto por Amando de Ossorio, que declaró su intención de: “(…) hacer una película de ‘espada y brujería’ con druidas, magia, los romanos en contra de todos estos ritos, etcétera.”[7] Aunque naturalmente Naschy dotó al guion de Los Cántabros de elementos fantásticos, así como de pequeñas dosis de dudoso humor, de hecho es posible que el director se dejara influenciar por el Asterix de Uderzo y Goscinny, algo que resalta especialmente en las caricaturas de los romanos, de entre los que destaca un muy improbable Luis Ciges.
Al recaer la dirección en Paul Naschy, este se rodeo de actores y técnicos habituales en sus películas. Como Andrés Resino que intervino en La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971) y Jack el destripador de Londres (José Luis Madrid, 1975), y que en Los Cántabros interpreta eficazmente a César Augusto. Precisamente, sobre el rodaje de este film, el actor comentó un curioso detalle al especialista cinematográfico norteamericano Mirek Lipinski:
“(…) Naschy no se aprendía sus líneas por estar muy ocupado haciendo y planeando esto y aquello, por lo que usaba un apuntador cuando tenía que hablar. Así que uno tenía que esperar a que el apuntador hablara primero y luego Naschy. Esto afectaba al otro actor, pero bueno, si Naschy no memorizaba sus diálogos es porque estaba muy liado con la producción y negociando cosas. Esto es lo único reprochable, pero hay que perdonarle porque tenía muchas cosas que hacer en esta película.”[8]
El film también contó con la ya mencionada Verónica Miriel, una preciosa y aniñada actriz a la que también pudimos ver en La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975); Julia Saly, que mantenía una relación profesional con el actor y director que se extendió durante diez años; la encantadora Blanca Estrada, una de la actrices más populares en la época del ‘destape’ y que intervino junto a Naschy en El francotirador (Carlos Puerto, 1978), El caminante (Jacinto Molina, 1979) y tras Los Cántabros en Misterio en la isla de los monstruos (1981) de Juan Piquer Simón; el veterano Alfredo Mayo, que encarna al druida, uno de los personajes más pintorescos de Los Cántabros, mezcla de Panorámix y Gandalf y el que más frases grandilocuentes declama. Por su parte Pepe Ruiz y Ricardo Palacios representan el contrapunto cómico de la película, realizando un papel similar al que ya realizaron en El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1981).
También intervienen otros actores habituales en el cine de Naschy realizando pequeños papeles, como Antonio Iranzo, Paloma Hurtado, Frank Braña, Mariano Vidal Molina, el ya nombrado Luis Cigés, o Jenny Llada. Así como Antonio Mayans que recuerda que: “gracias a Juana de la Morena y Augusto Boué [Naschy] me volvió a contratar en Los Cantabros. Yo hacía de mensajero que llegaba, entregaba el mensaje y moría.”[9] Y David Rocha, que mantiene un buen recuerdo de su también breve participación en el filme:
“Recuerdo, además de a Paul que la dirigió e interpretó y con el que me sentí muy unido, a otros actores con los que coincidí en alguna otra película y de los que tengo bonitos recuerdos. Por ejemplo Frank Braña, que trabajó en Los Cántabros y en La herencia del mal, que dirigió Dan Barry; Blanca Estrada, con la que coincidí en El Caminante; y a algunos otros actores que trabajaron conmigo en doblaje en diferentes series y películas que dirigí. Pero a quien recuerdo con más cariño es a Antonio Iranzo.”[10].
En la parte técnica también encontramos rostros habituales en las películas de Naschy como el compositor Ángel Arteaga, responsable también de las bandas sonoras de La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz, 1968) y La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972) y al que el propio director confió la de El huerto del francés (Jacinto Molina, 1978); y Alejandro Ulloa, director de fotografía que tanto contribuyó a crear las mágicas atmósferas de El caminante y El retorno del hombre lobo, en la que también participaron el montador Pedro del Rey y León Revuelta diseñando vestuario.
Lamentablemente no hubo un buen ambiente de rodaje, y los dos antagonistas en la ficción también lo fueron en la realidad. Dan Barry se arrepintió de haber contado con Paul Naschy como director, llegando a declarar que “hubiese sido mejor seguir con Ossorio que con Paul Naschy, que a la hora de la verdad rodó casi toda la película en Torrelaguna, en paisajes que nada tienen que ver con los cántabros.”[10] Por su parte Naschy se quejaba de la poca fotogenia de Dan Barry (cuya voz fue doblada por José Guardiola):
“No sé (…) si es que fui muy autoritario en el rodaje y él no estaba acostumbrado o si es que le llegaron unos comentarios del equipo de fotografía sobre que era imposible fotografiarlo de lo feo que era, pero la tomó conmigo y se vengó quitándome el nombre de los carteles.”[12]
El resultado es un filme mayormente destinado a un público infantil, cuajado de luchas descafeinadas, humor chusco y personajes arquetípicos. Según Ángel Sala, para quien Los Cántabros “fue un más que aceptable film de aventuras que recuperaba en parte el espíritu del peplum clásico de los años sesenta[13]”, la película resultó un 
fracaso comercial que “casi no pudo verse en su estreno, lastrada por unos distribuidores y exhibidores que no confiaron en el proyecto[14]”
Para Paul Naschy fue un dignísimo peplum de acción sin buenos ni malos y una muy bella película, rodada en una época en la que Naschy estaba profesionalmente en estado de gracia, ejerciendo como director, guionista y actor en sus películas. Había estrenado poco antes dos de sus mejores títulos: El huerto del Francés y El caminante e iniciaría una relación con una productora cinematográfica japonesa que le llevaría a rodar varios documentales y largometrajes, ofreciéndole unos años de estabilidad y prosperidad que, lamentablemente, se truncaron en 1984 con el fracaso de Operación Mantis.
Por su parte Dan Barry, tras interpretar pequeños papeles en diversas cintas, intervino en 1982 en Estirpe de dioses / Raza de guerreros (Diego Santillán), otro proyecto suyo ahora ya puramente de espada y brujería que por diversos motivos no 
llegaría a estrenarse, a pesar de estar rodado, quedando a falta de montar y sonorizar. Al año siguiente dirigirá él mismo y conseguirá estrenar, aunque tres años después de finalizado, Tunka el guerrero, otra cinta adscrita al subgénero de espada y brujería a la que añadió gotas de cine apocalíptico y que el propio Barry tuvo que dirigir tras 
despedir a José María Zabalza por su problema de alcoholismo. Tunka el guerrero tampoco deja muy alto el listón en cuanto a calidad cinematográfica, con su acabado amateur y alarmante falta de presupuesto y oficio, que repercute en todo, desde los títulos de crédito al ridículo vestuario de los personajes. Tampoco tuvo mucha más suerte Dan Barry con su siguiente proyecto, La herencia del mal, película de terror que tampoco llegará a estrenarse.
Prosiguiendo el tirón iniciado por Conan el bárbaro, aún se rodará en nuestras tierras, concretamente en Tabernas (Almería) escenario de tantos y tantos spaghetti western e incluso del film de John Milius, Hundra 1983), una cinta escrita y dirigida por 
Matt Cimber, director norteamericano que había unido sus fuerzas con la actriz Laurene Landon, con la que rodó, además de Hundra, el western influido por Indiana Jones, Yellow Hair & the Pecos Kid (1984). La película de Cimber, que narra las peripecias de la única superviviente de una estirpe de amazonas es, con diferencia, la mejor de las tres comentadas. Y aunque ni mucho menos pueda calificarse de obra maestra, al menos las luchas están trabajadas, Laurene Landon realiza las escenas de acción con convicción y el presupuesto, aunque se adivina escaso, luce más y llega, al menos, para contratar figurantes.
Tras su periplo español, Laurene Landon participaría en varias producciones del recientemente fallecido Larry Cohen, que también recuperaría a la actriz en 2006, cuando llevaba 15 años retirada del cine.
Con todas sus carencias, Los Cántabros, Tunka y Hundra, nuestra reducida filmografía bárbara, conforma un simpático tríptico de producciones llevadas adelante con más imaginación que medios y en un momento en el que el cine de género en España estaba desapareciendo.
NOTAS
[1] Schulten, A. Fontes Hispaniae Antiquae, vol. V. Emporium, Barcelona, 1940. Pág. 335
[2] Salvador Estébenez, J. L.: Dan Barry, el Conan español. https://cerebrin.wordpress.com/2008/01/07/dan-barry-el-conan-espanol/
[3] Ibídem
[4] Sáinz, S.: ‘Diálogos de la luna llena’. Transilvania Express Nº 2, 1981. Pág. 51
[5] Camilo Díaz, A.: El cine fantaterrorífico español. Santa Bárbara, S.L., Gijón, 1993. Pág. 159.
[6] Molina, J.: Paul Naschy. Memorias de un hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid, 1997. Pág. 132.
[7] Olano, J. y Crespo, B.: ‘Entrevista a Amando de Ossorio’. Cine fantástico y de terror español 1900-1983. Donostia Kultura, S. Sebastián, 1997. Pág. 371
[8] Lipinski, M.: ‘The Andrés Resino Interview’. Latarnia Fantastique International Nº 1, 2010.
[9] Mensaje personal al autor de este artículo.
[10] Mensaje personal al autor de este articulo.
[11] Salvador Estébenez, J. L.: Opus cit.
[12] Agudo, A.: Paul Naschy. La máscara de Jacinto Molina. Scifiworld, Pontevedra, 2009. Pág. 225. Algo que no es del todo cierto. El nombre de Jacinto Molina y Paul Naschy figuran en el cartel, lo que sucede es que el personaje encarnado por Paul Naschy nos da la espalda, en lo que no deja de ser una extraña decisión del, por otra parte, magnífico cartelista Mac.
[13] Sala, A.: Profanando el sueño de los muertos. Scifiworld, Pontevedra, 2010. Pág. 67
[14] Ibídem.
Novedades Diábolo Ediciones * Febrero 2025: Monstruos y Madelman
Este mes Diábolo ediciones nos ofrece otras formas de ver al monstruo: Con C de Cthulhu trae a Lovecraft y su obra para los más pequeños, convirtiendo a los dioses primordiales en graciosas entidades abrazables ¡Tiempo tendrán de enfrentarse a sus propios demonios cuando crezcan! En Historia de los monstruos tenemos todo un catálogo de monstruos provenientes de diversos orígenes: el cine, la literatura, las leyendas… Finalmente, y para reposar de tanto monstruo, Diábolo ofrece un ingenioso libro de fotografía protagonizado por nuestros entrañables Madelman. En él los veremos más en acción que nunca, cobrando vida en cada una de sus páginas ¿Quién dijo que los Madelman no estaban vivos?: En Madelman Toy Photography están todas las pruebas que demuestran lo contrario.
Tráiler y póster de ‘Until Dawn’
Nuevo tráiler y el póster oficial de UNTIL DAWN, la película de acción real basada en el premiado videojuego de terror homónimo creado por PlayStation Studios, que llegará exclusivamente a los cines españoles el 25 de abril.
Sinopsis: Un año después de la misteriosa desaparición de su hermana Melanie, Clover y sus amigas se dirigen al remoto valle donde desapareció en busca de respuestas. Mientras exploran un centro de visitantes abandonado, son acechadas por un asesino enmascarado que las mata una a una de forma horrible… para después despertar y encontrarse de nuevo al principio de la misma noche. Atrapadas en el valle, se ven obligadas a revivir la pesadilla una y otra vez, solo que cada vez la amenaza asesina es diferente y aún más aterradora que la anterior. Con la esperanza menguando, el grupo pronto se da cuenta de que solo les queda un número limitado de muertes y que la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer.
Dirigida por David F. Sandberg (Nunca apagues la luz, Annabelle: Creation), con guion de Blair Butler y Gary Dauberman (Annabelle, La monja, It) y producida por Sandberg y Dauberman, entre otros, está protagonizada por Ella Rubin, Michael Cimino, Odessa A’zion, Ji-young Yoo, Belmont Cameli, Maia Mitchell y Peter Stormare, en su papel original como Dr. Hill.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de febrero de 2025 *
PADDINGTON: AVENTURA EN LA SELVA (Paddington in Peru: Lost in The Jungle, Dougal Wilson, 2024)
UK-Francia-USA-Canadá. Duración: 106 min. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Personaje: Michael Bond. Historia: Mark Burton, Simon Farnaby, Paul King Música: Dario Marianelli Fotografía: Erik Wilson Compañías: Heyday Films, Marmalade Films Ltd., StudioCanal Films, Studiocanal Género: Comedia.
Reparto: Olivia Colman, Antonio Banderas, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Carla Tous, Julie Walters, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Jim Broadbent, Robbie Gee, Joel Fry, Ben Whishaw.
Sinopsis: Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, Paddington: aventura en la selva encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
C.C. Baxter/Jack Lemmon intenta arrancarle una declaración de amor a Fran Kubelik/Shirley MacLaine en el final de El apartamento; ella se limita a decirle: “¡¡Juega!!” Uno de los finales más emotivos de la historia del cine y lo citamos para afirmar que la ternura hay siempre que insinuarla y no proclamarla con fanfarrias. Porque el amor es excelso y revolucionario, pero la ñoñería, la cursilería, es kitsch. Y el kitsch es reaccionario (piensen si no en la bailarinas de Lladró). El cine puede incidir en la realidad del mundo y hacerlo un lugar más ideal. Primera previa que establecemos antes de comentar la tercera entrega de Paddington.
Y segunda previa: en épocas de confusión y zozobra los líderes carismáticos toman la medida del momento y arrastran a las masas a golpe de populismo. Hoy el malismo es tendencia y Elon Musk está a la cabeza del orbe. El patán dueño de SpaceX ha resultado ser el líder carismático capaz de arrastrar al mundo, saludo nazi mediante. Pero, como Giscard d’Estaing supo ver, siempre hay un pero. Y lo vamos a ir viendo al otro lado del punto y aparte.
Es domingo 16 de febrero de 2025, mi madre habría cumplido hoy 99 años, y Enric Juliana habla de huevos en su columna dominical en La Vanguardia, “Un camionero desayunando un revuelto de huevos en una cafetería de carretera, he ahí una imagen de nuestro tiempo. La inflación en Estados Unidos alcanzó el 3% el pasado mes de enero como consecuencia del encarecimiento del alimento más popular. Ese repunte aconsejó a la Reserva Federal a mantener los tipos de interés en pausa. Lo pequeño a veces explica el mundo”, y yo quiero sacar un corolario, quizás espurio, de su escrito: los gestos minúsculos pueden invertir el signo de los tiempos igual que un batallón de mariposas batiendo sus alas en Brasil puede provocar un huracán en Texas. El próximo viernes 21 de febrero de 2025 llega a las pantallas españolas Paddington, Aventura en la selva y yo podría recomendar su visionado con los mismos argumentos que esgrimí para hacerlo con sus precedentes: “Una de las películas más simpáticas de la temporada, que nos invita a dejarnos llevar al mundo de la fantasía sin oponer actitudes escépticas, nos pide que suspendamos la incredulidad y recuperemos nuestro corazón infantil«. Y podría concluir aquí, pero prefiero extenderme.
El inofensivo oso marrón que tomó el té con Isabel II, el mismo que llega sin papeles a Inglaterra, es también un personaje carismático: le define su hilarante torpeza, esa que introduce el tono de slapstick a las cintas que protagoniza, pero también una mirada, que califica de intensa, capaz de hacer enmendarse a los villanos, pues con ella sanciona los valores éticos del actuar humano. Paddington es pura inocencia y corazón. Es el perfecto antídoto contra el malismo imperante. Apostar por él es ponerse del lado de la sensatez y el equilibrio. También de la jovialidad y la paz. Ver Paddington, a día de hoy, es un acto subversivo.
Paddington, aventura en la selva ha tenido una acogida más tibia que sus predecesoras por parte de alguna crítica. Injustamente, afirmamos, porque de una cinta que pretende (y logra) ser para todos los públicos mientras dialoga con Werner Herzog se pueden decir muchas cosas, pero nunca se la debió acusar de ser menos original, menos excéntrica y más infantil. ¿O acaso la primera aparición en pantalla de Antonio Banderas sobre el puente de su embarcación remontando el Amazonas con el gramófono a todo trapo no es una cita directa de Fitzcarraldo? Y no es una mera broma, o una asociación de ideas hueca, se está estableciendo un paralelismo muy consciente. Es una manera de dirigir nuestra mirada hacia el subtexto, en el que está en juego una reflexión sobre el absurdo de la ambición humana, de una parte, y de otra una nueva interrogación sobre qué papel juega la cultura y cuál la naturaleza en la condición humana. Algo en lo que se abunda retorciendo el chiste y haciendo que ese sosias de Fitzcarraldo sea descendiente de un sosias de Aguirre que le habla al primero desde el cuadro que preside su camarote, tal como el fantasma le hablaba a la Señora Muir. Mucha cultura cinéfila hay bordadas en las páginas de un guion que, también hay que destacarlo, funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, logrando ponernos ante una película cebolla con las capas perfectamente ensambladas. Y funciona a diferentes niveles de comprensión, cada espectador encuentra su hueco sin que la película se resienta por ello. Compleja pero de aspecto simple, así es la aventura selvática de nuestro oso favorito. Reveladora y con enseñanza moral, que no moralista.
El mito de la ciudad de oro que estaba ahí para ser descubierta por un conquistador aventurero, la leyenda de El Dorado, encapsula la sed insaciable de los europeos por el metal dorado y el deseo inquebrantable de exprimirle todo el jugo a las nuevas tierras. Herzog supo exprimir la dimensión antiheroica de la gesta hasta destilar de ella la poética de lo baldío. Los guionistas de Paddington toman la cita culta y la apean de su trascendencia, bañan el concepto con la levedad de lo pop y entonan un canto a la bondad de la irrelevancia. En lo pequeño reside la grandeza. El tesoro siempre estuvo en el corazón. Un discurso naif que enaltece el valor de la inocencia. Y en un mundo que hace de la maldad estandarte, apostar por el buenismo más ingenuo es lo más transgresor. Esa y no otra es la sabiduría que contiene un sándwich de mermelada de naranja.
THE MONKEY (Osgood Perkins, 2025)
USA. Duración: 95 min. Guion: Osgood Perkins. Historia: Stephen King Fotografía: Nico Aguilar Compañías: Atomic Monster, Black Bear International, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group. Productor: James Wan. Distribuidora: Neon Género: Terror
Reparto: Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Laura Mennell, Sarah Levy, Colin O’Brien, Kingston Chan, Zia Newton, Danica Dreyer, Rohan Campbell, Osgood Perkins, Christian Convery
Sinopsis: Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.
Tras la prestigiosa Longlegs, Oz Perkins sorprende con una película que, si bien puede enmarcarse dentro del cine de terror, también aceptaría dignamente la clasificación de comedia, pues The Monkey se mueve cómodamente dentro de esos parámetros ofreciendo un salvaje espectáculo gore habitado por esperpénticos personajes y aparatosas muertes. Basada en un relato corto de Stephen King y con producción a cargo de James Wan, The Monkey realiza un retrato de la infancia con la precisión con la que habitualmente lo hace King, pero rápidamente el espectador detectará unos excesos que conseguirán que el terror pase al -salvaje- formato de comedia.
El mono del título será el objeto maldito, un jodido macaco tamborilero que cuando comienza a golpear su tambor, se producirá una bizarra muerte. Muertes que juegan en la misma liga en la que lo hacían las de aquella serie de películas de terror, Destino final, cuyo «encanto» residía en intentar adivinar de que enrevesado y sangriento modo irán cayendo los jóvenes condenados a muerte.
Así que aquí también tendremos un buen número de disparatadas muertes, e incluso Oz Perkins se permitirá jugar al despiste con el espectador sorprendiéndole con el modo escogido de exterminio. Un body count en el que, tal y como se anuncia con escasa sutilidad en el póster, todo el mundo morirá.
Entre los protagonistas, el film cuenta con Theo James, Tatiana Maslany y un Elijah Wood que ejerce de actor invitado. A ellos se sumarán Colin O’Brien, Rohan Campbell, Christian Convery y Sarah Levy.
LA ÚLTIMA REINA (Firebrand, Karim Aïnouz, 2023)
UK. Duración: 120 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Novela: Elizabeth Fremantle Música: Dickon Hinchliffe Fotografía: Hélène Louvart Compañías: MBK Productions, Magnolia Mae Films, Brouhaha Entertainment Género: Drama.
Reparto: Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Simon Russell Beale, Sam Riley, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Edward Harrison, Andy M Milligan, Mina Andala, Paul Tinto
Sinopsis: Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
Enrique VIII fue un pintoresco monarca cuya vida y múltiples matrimonios han sido llevados a la pantalla en diversas ocasiones. En La última reina, el monarca causa pavor a su corte, en especial a su esposa, por sus radicales cambios de humor, pues no en vano ella sabe que no es extraño que en uno de ellos decida terminar con su vida. Nadie se lo va a cuestionar, pues es el monarca máximo de un reino que como buen déspota está para satisfacerlo. Esa última reina, Catalina, interpretada prodigiosamente por Alicia Vikander es la gran protagonista del film. Una mujer inteligente que sabe llevar a su terreno al rey y se sabe amada, pero que sabe que su vida pende, siempre, de un hilo. Vikander trasmite el pavor en el que vive, pero Jude Law, en el rol del monarca, consigue que el espectador olvide al actor y vea al déspota tirano. Un tirano vestido con piel de hombre que también tiene sus debilidades y las muestra en una actuación también excelente que convierte La última reina en toda una perla que convendría que no pasara desapercibida entre la pobre programación semanal.
Con un guion escrito por las hermanas Henrietta y Jessica Ashworth, responsables de los de Night Bus o Tell It to The Bees, y basado en en la novela histórica ’Queen’s Gambit’ de Elizabeth Fremantle, el primer largometraje en inglés del director brasileño Karim Aïnouz se presenta, en palabras del propio realizador, como una reinvención de la película de época que narra los hechos desde el punto de vista de un personaje muy subrepresentado en la historia de Inglaterra, Catalina Parr, la última esposa de Enrique VIII, reina consorte de Inglaterra e Irlanda y responsable de la reconciliación entre Enrique y su hija María, quien más tarde sería la primera soberana de Inglaterra por derecho propio, María I.
‘Americana’: Toda la programación de la duodécima edición
Americana ya tiene programación definitiva. El festival de cine independiente norteamericano se celebrará entre el 11 y el 16 de marzo en los cines Girona, Zumzeig y Texas. La sesión inaugural será el martes 11 en la sala Phenomena y la retrospectiva en la Filmoteca de Catalunya del 12 al 30 de marzo.
Comenzamos la programación con TOPS, que presenta algunos de los títulos más destacados del año. I Saw the TV Glow, sobre adolescentes obsesionados con una serie de terror cancelada, es una de las cintas indies del año, como demuestran sus cinco nominaciones a los Independent Spirit Awards, donde lidera las candidaturas junto a Anora. In the Summers, que ganó mejor película y dirección en Sundance, será nuestra película inaugural, un drama sobre la complicada relación entre un padre y sus dos hija s durante varios veranos con Lio Mehiel, protagonista de Mutt, y el rapero Residente. Griffin in Summer, una mezcla de teatro y amor adolescente que ganó tres premios en Tribeca (película, dirección y guion); Christmas Eve in Miller’s Point, sobre las diferentes historias de una familia durante la noche de Navidad, presentada en la Quincena de Cannes y con un reparto coral de lujo con Michael Cera o los hijos de Spielberg y Scorsese; Familiar Touch, un drama sobre la dignidad y el descubrimiento en la vejez, ganadora de tres premios Orizzonti en Venecia (mejor película, guion y actriz); Harvest, una distopía medieval protagonizada por Caleb Landry Jones; Between the Temples de Nathan Silver, un clásico del festival con Jason Schwartzman protagonizando esta comedia sobre dudas existenciales, aclamada en Sundance, Berlín y SXSW. También vuelven otros clásicos del festival con la nueva joya de animación de Don Hertzfeldt, ME, una odisea musical sobre la retirada de la humanidad en sí misma, finalista al Oscar a mejor cortometraje de animación. Ghostlight (del director de Saint Frances) será la película de clausura, un relato vitalista y tierno con dos nominaciones a los Independent Spirit Awards. Desde Quebec llega Comme le feu, la nueva maravilla de Philippe Lesage, donde unas vacaciones en la casa de un director de cine se convierten en una pesadilla. Desde México, Sujo, la historia de un niño en un entorno complicado, candidata de México al Oscar y ganadora del premio a mejor película en el Festival de Sundance (Sección World), también premiada en el Festival de San Sebastián. Dìdi, ganadora del premio del público en Sundance y con cuatro nominaciones a los Independent Spirit Awards, en la que el director Sean Wan nos presenta una suerte de autobiografía sobre su vida como adolescente inmigrante en la primera década de los 2000. El Jockey, una cinta latina con Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó, premiada en Venecia y San Sebastián y nominada al Goya, una historia sobre identidad y redención tan extraña como cautivadora. Y, finalmente, Saturday Night, que nos transporta al frenético proceso creativo de la primera emisión de Saturday Night Live, con un impresionante reparto coral encabezado por Rachel Sennott, Willem Dafoe y J.K. Simmons, reconocida con nominaciones a los Globos de Oro y los Critics’ Choice Awards.
En NEXT, la sección que apuesta por futuras promesas, comenzamos fuerte con The People’s Joker de Vera Drew, la gran sorpresa indie del año. Estrenada en Midnight Madness de Toronto, ha conseguido nominaciones en los Gotham, los Independent Spirit y la crítica de Nueva York con una historia sobre una joven cómica trans en una Gotham distópica donde la comedia está controlada por un régimen autoritario. Seguimos con visiones queer de iconos americanos con National Anthem, un American Queer Rodeo presentado en SXSW. Sobre otras comunidades, en este caso las fraternidades universitarias, habla The Line, un drama punzante que explora los rituales iniciáticos extremos con actores de Euphoria y John Malkovich. Eephus nos traslada al béisbol con el último partido entre dos equipos amateurs en un campo a punto de ser demolido, presentado en la Quincena de Cannes. Vulcanizadora, de Joel Potrykus, presenta una travesía de amistad y oscuridad protagonizada por el mismo director y su actor habitual, Joshua Burge. Bang Bang narra la historia de un boxeador retirado (Tim Blake Nelson) que envejece solo hasta que le encargan cuidar de su nieto. En clave de thriller, brilla Silver Star, una road movie de atracos con un dúo de personajes antagónicos que recuerdan tanto a Bonnie and Clyde como a las protagonistas de Zola. Adult Best Friends, presentada en Tribeca, trata sobre dos amigas en crisis de confianza, mientras que Rent Free sigue a dos amigos que intentan ahorrar dinero en Nueva York alojándose en casas de conocidos, lo que no les saldrá demasiado bien. En la friend zone del festival, Matt and Mara, estrenada en la Berlinale, reflexiona sobre estabilidad emocional, amistad y deseo. Turn Me On nos presenta una distopía con similitudes a «Un mundo feliz», ganadora del premio del jurado joven en San Sebastián. También en la Berlinale se presentó Janet Planet, sobre la compleja relación entre una madre y su hija, con tres nominaciones a los Independent Spirit y brillantes interpretaciones de Julianne Nicholson y la joven Zoe Ziegler. Finalmente, Problemista es una comedia surrealista con humor absurdo que reflexiona sobre los procesos de regularización de la inmigración en EE.UU., con un reparto de lujo que incluye a RZA y Tilda Swinton.
Americana DOCS presenta cinco documentales: Look into my Eyes se adentra en el oficio de los médiums, mostrando la intimidad de sus conversaciones y explorando el duelo y la esperanza. Nocturnes es una investigación ecológica sobre el cambio climático en el Himalaya, premiada en Sundance. New Wave retrata cómo la comunidad vietnamita en EE.UU. de los años 80 encontró su identidad en la música. Homegrown, premiada en Venecia, describe sin filtros el giro radical del Partido Republicano y el asalto al Capitolio en 2020. Group Therapy muestra una terapia de grupo moderada por Neil Patrick Harris con un elenco de cómicos hablando sobre salud mental.
Completamos la programación con los cortos de SHORTS distribuidos en tres sesiones. En la primera sesión encontramos, entre otros, The Untranslatable Forest de los directores Ivan Miguel y Andy Camou o el nuevo documental Wrecked a Bunch of Cars, Had a Good Time de los directores James P. Gannon y Matt Ferrin, habituales de festivales como Sundance o Slamdance. En Shorts 2 destacan títulos como Tea de Blake Rice, presente en el Festival de Cannes, o The Last Brunch del ya habitual del festival Jim Cummings. Y este año volvemos a dedicar una de las sesiones de cortos a obras de estudiantes de diversas universidades de cine, una selección realizada por los alumnos de crítica de La Casa del Cine.
Por otro lado, como ya anunciamos, el invitado de honor de esta edición será Ira Sachs. El director de obras como Keep the Lights On, Verano en Brooklyn (Little Men) o Passages ha tenido presencia en festivales de la categoría de Cannes, Sundance, Berlín o San Sebastián y se ha convertido en un director clave del cine indie actual, caracterizado habitualmente por su sensibilidad al tratar temáticas LGBTQ+. Como siempre, nuestro invitado especial será objeto de una retrospectiva en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, con todos sus largometrajes del 12 al 30 de marzo. Así, además de los grandes éxitos que ya conocéis, se podrá ver en pantalla grande películas menos conocidas de su filmografía, como su ópera prima The Delta o la ganadora de Sundance Forty Shades of Blue.
Además, estamos encantados de anunciar que Jane Schoenbrun vendrá a presentar I Saw the TV Glow, una de las películas de la temporada de premios y una de las figuras más prometedoras de la escena indie actual.
Más anuncios: este año volveremos a contar con la sesión Una nit d’Stand Up, con Alba Segarra, Alex Vila, Andrea Farina, Arnau Garcia y Oye Sherman, gracias a la colaboración con Hilària Comèdia.
En breve, anunciaremos en redes las sesiones profesionales, como una Masterclass con Ira Sachs en Blanquerna, un encuentro con él en la residencia de guionistas o una charla con guionistas en colaboración con el GAC, así como los jurados habituales del festival, que decidirán cuáles son las mejores películas de esta edición.
Toda la información práctica y la venta de entradas y abonos estarán disponibles en la web a partir de mañana. Mantenemos los precios del año pasado. Recordad: hay descuentos disponibles con el carné de Bibliotecas, el Carnet Jove, el TRESC, y para abonados de los Cines Girona y Zumzeig. El periodo de acreditaciones para prensa y profesionales está abierto desde este lunes 17 y finaliza el 7 de marzo.
‘Peter Pan’s Neverland Nightmare’ destinada a ser el mejor estreno del género de terror de 2025
Una vez estrenada Winnie The Pooh: El Bosque Sangriento, a lo largo de 2025 el Poohniverse seguirá ensangrentando las pantallas y las butacas de los cines con los siniestros retratos de Peter Pan, Bambi o Pinocho, emulando el MCU (Marvel Cinematic Universe), con sus versiones retorcidas de personajes de cuentos clásicos.
Peter Pan’s Neverland Nightmare se ha estrenado en Estados Unidos obteniendo una recaudación de más 230.000 dólares con un número reducido de copias, que la distribuidora va a ampliar debido a su excelente acogida. El film llegará a los cines españoles a lo largo del primer trimestre de este año. Se trata de una adaptación de la obra teatral original, creada por James Matthew Barrie. El escritor escocés estrenó en 1904 el montaje titulado Peter Pan y Wendy, que luego convirtió en novela aunque la edición completa no se publicó hasta 1928.
Peter Pan’s Neverland Nightmare reinventa el cuento clásico de Peter Pan en una versión mucho más oscura y violenta. En esta película de terror, Wendy Darling debe enfrentarse a un retorcido y cruel Peter Pan para salvar a su hermano Michael de las garras de este despiadado villano.
Scott Jeffrey (Firenado, Kingdom of the Dinosaurs, Spider in the Attic), productor de la saga del Poohuniverse junto con Rhys Waterfield y actor de Winnie The Pooh: el bosque sangriento, ha sido el encargado de dirigir la película en cuyo reparto están Megan Placito dando vida a Wendy, Martin Portlock (A Cold Grave, Fluorescent Sky) en la piel de Peter Pan, Kit Green dando vida a Campanilla, Peter DeSouza como Michael, Kierston Wareing interpretando a Roxy y Nicholas Woodeson.
En palabras del director «esta es una película extremadamente oscura al tratar el tema de los niños secuestrados. Todas las películas de nuestro universo Pooh serán diferentes a la anterior. Entonces, si una no es para ti, entonces tal vez la próxima sí lo sea. Peter Pan es el más cruel de todos. Es retorcido, despiadado y astuto”.
Poohuniverse Monster’s Assemble
Según el propio Scott Jeffrey, productor de la saga, el Poohuniverse Monster’s Assemble «se filmará en marzo de 2025 y contará con todos los supervivientes de ‘Winnie de Pooh: el bosque sangriento’, ‘Peter Pan’, ‘Bambi’… y todos los villanos provenientes del Poohuniverse y otros que no han aparecido todavía porque aún no hemos rodado esas películas, todos regresando juntos y básicamente enfrentándose entre ellos, va a ser salvaje.
Toda mi vida he estado obsesionado con las películas de terror y siempre he querido ver una película con los personajes de ‘Scream’, ‘Hellraiser’, ‘Muñeco diabólico’, ‘La matanza de Texas’, en una película matando gente y enfrentándose los unos a los otros. Algo que nunca había ocurrido porque son iconos que pertenecen a diferentes sellos. Así que, ésta es una oportunidad para ver la película que siempre he querido ver. Por supuesto, está ‘Freddy contra Jason’, pero esto es más como una versión de terror de Avengers.»
Jeffrey añade: «el proyecto ‘Poohniverse: Monsters Assemble’ no solo promete ser una revolución en términos de producción y de concepto, sino también en cuanto a trama y personajes. Personajes como Winnie the Pooh, Tigger, Rabbit, Owl y Piglet serán parte de esta nueva historia, al lado de figuras de otras obras clásicas como Pinocho, la Bella Durmiente, Bambi, el Sombrerero Loco, Peter Pan y Campanilla.
“Al director de la película Rhys Frake-Waterfield y a mí nos encantaría ver una película de terror en la que los villanos se agruparan y fueran a por los supervivientes. Tenemos en mente algunos escenarios increíbles, quien inspirado en los crossovers del cine de terror como ‘Freddy vs Jason’ y superhéroes, asegura que será una completa carnicería».
F&P Media estrenará en cines próximamente varias esperadas entregas de la saga del Poohunivese, además del citado Assemble. Las siguientes películas que llegarán a las las pertenecientes al Universo Infantil Retorcido son: Bamby the Reckoning, Pinocho Unstruck y Awakening Sleeping Beauty. #Staytuned
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de febrero de 2025 *
LA TUTORÍA (Armand, Halfdan Ullmann Tøndel, 2024)
Noruega. Duración: 117 min. Guion: Halfdan Ullmann Tøndel Música: Ella van der Woude Fotografía: Pål Ulvik Rokseth Compañías: Eye Eye Pictures, Keplerfilm, ONE TWO Films, Film I Väst, Prolaps Produktion Género: Drama.
Reparto: Renate Reinsve, Ellen Dorrit Petersen, Endre Hellestveit, Øystein Røger, Thea Lambrechts Vaulen, Vera Veljovic-Jovanovic, Loke Nikolaisen, Assad Siddique
Sinopsis: Armand, un niño de 6 años es acusado de traspasar ciertos límites con su amigo y compañero de clase Jon. Nadie sabe exactamente lo que ha ocurrido, así que la dirección del colegio convoca a los padres para discutir el tema, desencadenando un agitado conflicto que pondrá sobre la mesa cuestiones como la sexualidad en la infancia, la culpabilidad o la complejidad de las zonas grises que existen entre la violencia y el juego.
En diciembre de 1871 (aunque en la solapa de la primera edición figure 1872) se publicaba en Leipzig El nacimiento de la Tragedia del espíritu de la música. El genitivo del título es, por supuesto, una referencia a Richard Wagner, por entonces valedor de aquel Friedrich Nietzsche insultantemente joven al que habría acogido con la certeza de que su verbo vehemente iba a retribuirle las atenciones que tuviera con él. El filósofo veía en la obra del músico el renacimiento de la obra de arte total que había sido la Tragedia Ática mientras el propio Wagner sería el genio que iba retornarle el sentido al mundo (siempre simplificando). Quince años más tarde la coletilla que remataba el título en la reedición había cambiado, sustituyéndola por el subtítulo “Helenismo y pesimismo”, clara muestra de que, después del cruce de sables que fue la simultánea publicación del Humano, demasiado humano y el estreno de Parsifal en Bayreuth, Nietzsche volaba con ala propia y ya no fiaba al autor de la Tetralogía el rol de restaurar el espíritu de la Tragedia. Pero aquel referir su nacimiento a la música, también daba cuenta de que el autor defendía que la célula primigenia del arte teatral había sido el coro el cual no era otra cosa que la estilización artística de los comos rituales (κῶμος, kỗmos), los cortejos bulliciosos y festivos de bebedores acompañados de músicos que procesionaban en las fiestas consagradas a Dionisos. Así, aunque para Nietzsche la Tragedia bebe de lo dionisíaco y de lo apolíneo, sentenciaba, en el fondo, que su auténtica carta de naturaleza era lo primero manifestado en esas danzas orgiásticas que se habrían domado dando nacimiento al arte escénico. Bien, pues toda esta excursión la hemos relatado para señalar que lo que, a nuestro entender, da carácter y originalidad al debut de Halfdan Ullmann Tøndel es que con La tutoría devuelve la narrativa escénica al espíritu de la danza (contemporánea, eso sí) del que surgió. Y aún queremos añadir otra comparación. El nacimiento de la Tragedia venía a sustituir la tesis doctoral que no había escrito aún cuando le fue concedida la cátedra de filología clásica en Basilea, pero el libro creció en sus manos y desbordó los límites del estudio filológico para dar a luz a su propio pensamiento filosófico, por eso el propio Nietzsche calificaba a su primara publicación como centauro, y algo de híbrido tiene también la ópera prima del nieto de Bergman y Ullmann, porque su sonda a las profundidades de temas tan peliagudos como pueden ser el de la sexualidad infantil, la violencia como elemento de juego y/o los límites de la verdad, no elige descender por un camino formalmente lineal, al contrario, rompe los esquemas y mezcla, ya no géneros, sino disciplinas artísticas, fundiendo sus códigos. Más que giros de guion, La tutoría tiene directamente fracturas llamadas a despertar al espectador, a incomodarle y obligarle a reprocesar todo lo visto hasta el momento en que lo coreográfico irrumpe volviéndolo todo imprevisible. La tutoría es un debut arriesgado y una primera obra que promete un universo tan personal e intransferible como aquel que anunciaba El nacimiento de la Tragedia en relación a Nietzsche (siempre salvando las distancias).
Ullmann Tøndel y El nacimiento de la Tragedia tal vez solo estén relacionados en esta crónica, pero lo que sí es documentable son las profundas influencias de otras narrativas cinematográficas, de carácter ecléctico, que el propio director confiesa: “Me inspiré mucho en las sátiras de Luis Buñuel. Todas las interrupciones en La Tutoría (la alarma de incendios, los sangrados de nariz, etc.) se inspiran en la cena constantemente interrumpida en El discreto encanto de la burguesía… y cómo la pared invisible en El ángel exterminador se convierte en una verdad establecida también fue una fuente de inspiración. Para la última secuencia coreografiada, me inspiré en Pina Bausch y su trabajo. Vi a David Hockney pintando (California Art Collector) y eso definió la evolución de Sarah en la película (la última imagen de Sarah en la película tiene similitudes con la obra de Hockney). Para el ambiente de la película, me inspiré en la versión de 2018 de Suspiria y Alguien voló sobre el nido del cuco (aunque el final de la película es bastante diferente). Muchas de las composiciones de la película se inspiraron en La doble vida de Verónica (Kieslowski) y Corazón salvaje (Lynch). También me sirvieron de inspiración el carácter juguetón de Empieza el espectáculo (Bob Fosse), la crueldad de Holiday (Isabella Eklöf), la tensión de Celebración (Thomas Vinterberg) y la sinceridad de El hilo invisible (Paul Thomas Anderson)”. Un cúmulo dfe referencias que, sin embargo, no convierten el filme en una especie de monstruo de Frankenstein en el que se adivinen las costuras. Al contrario. El amplio bagaje cinéfilo del nórdico está perfectamente asimilado, tanto, que puede pasarle desapercibido al espectador sin que por ello se resienta su comprensión. Ciento treinta años después de la histórica primera proyección de los Hermanos Lumiere es prácticamente imposible partir de cero a la hora de hacer cine, así, la valía de un cineasta se mide también por su capacidad de almacenar la herencia de quienes le precedieron y saber remodelarla hasta que resulte un producto nuevo y autónomo. Un reto del que Ullmann Tøndel sale plenamente victorioso. En La tutoría lo prestado y lo creado están perfectamente equilibrados, y, en todo caso, si algo decanta por momentos el fiel, es lo segundo. Estamos ante una de esas óperas primas, que tal vez no son impecables, pero si valientes y rebosantes de energía y ganas de experimentar. No tiene nada que envidiarle a Angst de Gerald Kargl ni a Las vírgenes suicidas (Sofia Coppola) tan admiradas por el director novel. Sin duda estamos ante una cinta vigorosa, valiente y arriesgada, que pone muy altas las expectativas ante lo que nos pueda venir de la mano de Halfdan Ullmann Tøndel. Se nota su casta en los genes.
Item más. La tutoría es también un recital interpretativo, todo el elenco brilla, pero, por supuesto, es Renate Reinsve la que destaca de calle. Vital para el proyecto, el director refiere como, la noche en la que Renate ganó el premio a la mejor actriz en Cannes, le mandó un mensaje diciendo: «¡Piensa en lo que nos va a beneficiar para nuestra película!», su talento y su carisma acaban de dar solidez a este proyecto tan valioso. Por lo que supone en la búsqueda de nuevas formas estéticas y de técnicas expresivas renovadoras. Por su colaboración en el debate sobre límites difusos de la verdad, la dificultad por discernirla, pero también la necesidad de esclarecerla. Todo lo que guarde relación con la reflexión sobre la verdad es candente y necesario en este año cero del nuevo imperio Trump-Musk.
Presentación ’43 Comic Barcelona’
El mayor evento nacional dedicado a las viñetas, fortalece su condición de punto de encuentro esencial del arte del cómic, confirmando sus primeras figuras invitadas y exposiciones, con el talento de Pepe Larraz como autor del cartel.
Comic Barcelona, el evento nacional más grande en torno al cómic, celebra su edición número 43 del 4 al 6 de abril de 2025, en Fira Barcelona Montjuic, ampliando un año más su oferta cultural, con nuevas exposiciones de interés y un gran abanico de actividades pensadas para un público variado. El evento se ha afianzado en los últimos años como una cita cultural imprescindible para los amantes del cómic y toda mente inquieta interesada en descubrir nuevos mundos, sin olvidar a ese público ocasional que busca un fin de semana repleto de sensaciones y entretenimiento, incluyendo a los más pequeños, en pleno auge del cómic infantil. Se mantiene el objetivo principal: apostar por una rica forma de expresión artística en constante movimiento, reflejando las numerosas tendencias que lo conforman con una programación donde reina la diversidad. Comic Barcelona es un punto de encuentro esencial para el sector en todas sus variantes.
El cómic es uno de los lenguajes artísticos más populares del siglo XXI. Su iconografía está muy presente en la sociedad, en nuestro día a día. Resulta relevante ensalzar todas las posibilidades de una disciplina efervescente, prestando atención a todos sus agentes. En 2025 cabe resaltar las colaboraciones de Comic Barcelona con diversas instituciones culturales de renombre, con la finalidad de establecer sinergias, generar oportunidades, descubrir nuevos talentos, apuntalar la historia del medio y poner en valor aún más el cómic como interés cultural.
En este contexto, junto a la Beca Comic Barcelona este año se suma la Beca Angoûleme, una nueva iniciativa dirigida a autores/as emergentes que fomenta el intercambio cultural entre las escenas creativas de Francia y España. Este proyecto surge de un esfuerzo conjunto entre el Instituto Français de Barcelona, la Cité de la Bande Dessinée et de la Image y FICOMIC, permitiendo crear valiosas oportunidades de encuentro y colaboración entre los profesionales del cómic de ambos países.
Este año viene especialmente fuerte el apartado de invitados/as, con un listado principal -recordemos que la presencia de grandes figuras se complementa con más nombres con la participación de las editoriales y expositores- que refleja los diferentes formatos, estilos y corrientes que habitan actualmente en el cómic, desde el género de superhéroes a la novela gráfica, los fanzines, el tebeo histórico, la mirada autoral… Atención a los primeros nombres que formarán parte de esta edición, empezando por Chris Ware, referente de muchas generaciones y reconocido por obras como Jimmy Corrigan: el chico más listo del mundo o Rusty Brown. También se suman grandes autores/as como Jaime Hernández, Kate Beaton o el ilustrador John Howe. Pepe Larraz, primer espada del tebeo de superhéroes, ha hecho posible la imagen personalizada del evento, un cartel emotivo, épico y luminoso. En esta edición, presenciamos una obra que representa la desmesurada pasión que compartimos por este mundo impregnado por la fantasía.
Junto a Larraz, Comic Barcelona contará con la presencia de otras figuras esenciales del cómic de grandes sellos estadounidenses como Marvel o DC: Javier Rodríguez, Natacha Bustos, o Carmen Carnero, entre otras. O fenómenos multiventas como Raquel Córcoles, alias Moderna de Pueblo.
Las exposiciones vuelven a ser piezas clave de Comic Barcelona. Un conjunto de propuestas creativas que conforman un engranaje perfecto en la programación de este año. Entre las más destacadas, podemos encontrar a ‘Chris Ware. Dibujar es pensar’, una exposición, coproducida juntamente con el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), que se adentra en la trayectoria del gran genio del cómic. A modo de reconocimiento, se dedicará una muestra a la ganadora del Gran Premio Comic Barcelona 2024, Marika Vila, y contaremos con una llamativa exposición con espectaculares originales del propio Pepe Larraz, autor del cartel. Así como podremos encontrar ‘El laberinto del cuco’, una instalación participativa y un cómic al mismo tiempo. Es una propuesta vivencial, fresca e insólita que reflexiona sobre el impredecible paso del tiempo.
El evento volverá a repartir los Premios Comic Barcelona en una entrega de galardones celebrada para reconocer y remunerar el talento de los autores y autoras del sector. Este año, la ceremonia contemplará una nueva distinción entre cómic infantil y juvenil. A partir del premio al ‘Mejor Cómic Infantil y Juvenil’, se ha llevado a cabo la creación de dos galardones individuales con el fin de dar un doble reconocimiento al cómic dirigido a los lectores más tempranos.
Para los más pequeños/as contaremos con el espacio Comic Kids, dedicado al público infantil para que puedan apreciar todo lo que envuelve el cómic, con talleres, actividades y alguna sorpresa que pronto anunciaremos. También repiten en la programación, las secciones Comic Fantasy, dedicada al rol y los juegos, Comic Vision, sobre la relación de las viñetas con otros medios como el cine o los videojuegos, y, la última incorporación del grupo, la Zona Utopía que seguirá aportándonos su perspectiva más fantástica un año más desde la literatura.
El público entregado que se pueda acercar al 43 COMIC BARCELONA, podrá vivir una edición llena de encuentros, actividades, y sorpresas para disfrutar al máximo del noveno arte. Este año el evento tendrá lugar del 4 al 6 de abril de 2025 en Fira Barcelona Montjuic. A finales de este mes de febrero, se abrirá la venta de entradas.
Tráiler de «Sting, araña asesina», una película no apta para aracnofóbicos.
Sinopsis: Charlotte, una rebelde niña de 12 años, adopta a una pequeña araña como mascota que encuentra en su ruinoso edificio. Esta empieza a adquirir un tamaño gigantesco y su apetito es cada vez más insaciable. Es entonces cuando Charlotte y su familia se ven atrapados y obligados a luchar por su supervivencia.
Se trata de un film de producción australiana, bajo la dirección de Kiah Roache-Turner (saga Wyrmwood) y con Alyla Browne (Furiosa; Sonic 3), Jermaine Fowler (El Rey de Zamunda), Robyn Nevin (Matrix Reloaded; Matrix Revolutions) y Ryan Corr (Holding the man; María Magdalena).
La película se estrenará en salas el 28 de marzo y promete traer angustia, fobia y terror a partes iguales.
San Valentín con las novedades de Ediciones 79
(SALIDA PREVISTA 14 DE FEBRERO, PREVENTA ABIERTA)
OS REVIENTO (Kike Narcea)
Esta comedia de acción española, a medio camino entre Airbag (Juanma Bajo Ulloa) y Transporter (Louis Leterrier), supone la consagración de su protagonista Mario Mayo como el primer héroe de acción patrio a la altura del mismísimo Jason Statham (Crank: Veneno en la sangre, Los Mercenarios).
No te pierdas las mejores hostias nunca rodadas en España que arrasaron en Sitges (premio a mejor película Sección Midnight Extreme), Fantastic Fest (premio del público) y Smodcastle Film Festival de Kevin Smith (doble galardón a Mejor Película y Mejor actor), entre muchos otros festivales de alrededor del mundo. Tarado tiene hostias para todos.
Esta edición limitada a 500 unidades incluye funda, póster exclusivo, minipalet numerado y más de dos horas de extras exclusivos de esta edición.
VORTEX / LUX AETERNA de Gaspar Noé
Este programa doble del enfant terrible Gaspar Noé (Irreversible, Entre the void) retrata algunos de las pasiones encontradas y recurrentes del propio director en su inclasificable cinematografía en un juego de contrastes solo a la altura de los más grandes cineastas: la vida y la muerte, la violencia y el amor, el caos y el orden natural de las cosas.
Vortex es un entrañable y cruel tratado sobre el inexorable paso del tiempo, probablemente la mejor película de su director y a su vez un tête à tête interpretativo del propio Argento y de una magistral Françoise Lebrun (protagonista de la mítica La mamá y la puta de Jean Eustache).
Lux Aeterna protagonizado por la famosa cantautora y actriz Charlotte Gainsbourg y con un (ahora sí) Gaspar Noé desatado es una maravilla sobre la brujería de cine dentro del cine en multipantalla. Verlo para creerlo.
Esta edición limitada incluye funda, póster y carátula alternativa de regalo. Muy pronto lanzaremos nueva edición con ambas películas de Gaspar Noé por separado y en DVD.
TU SANGRE de Guillermo Barreira
Guillermo Barreira (The Invisible Worm) dirige esta película de terror inmisericorde con fantasmas, muertes y sanguinarias sorpresas que deleitarán a los fanáticos del verdadero terror de serie B. Producida por Raúl Cerezo (La Pasajera, Viejos), Helion Ramalho (Magical Girl) y por el propio director, Tu Sangre reafirma la vitalidad del género fantástico en España, sin moderneces y lejos de la cultura woke de postal presente en la mayoría de producciones para plataformas de streaming.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 7 de febrero de 2025 *
FUERA DE LA LEY (Greedy People, Potsy Ponciroli, 2024)
USA. Duración: 110 min. Guion: Mike Vukadinovich Música: Jordan Lehning Fotografía: Eric Koretz Compañías: Boies Schiller Film Group, Hideout Pictures, Limelight Género: Comedia
Reparto: Himesh Patel, Lily James, Joseph Gordon-Levitt, Tim Blake Nelson, Joey Lauren Adams, Simon Rex, Uzo Aduba, José María Yazpik, Nina Arianda, Jim Gaffigan, Traci Lords, Michael Harding, Travis Przybylski
Sinopsis: Will (Himesh Patel) y Terry (Joseph Gordon-Levitt) son dos agentes de policía que se ven envueltos en un escandaloso crimen. Con el descubrimiento de un millón de dólares, los problemas se les multiplican. Los habitantes del pueblo, tan peculiares como codiciosos, también quieren adueñarse del botín. Todos ellos irán tomando una serie de decisiones cada vez más equivocadas y al margen de la ley que pondrá patas arriba toda la hasta ahora pacífica comunidad.
Si Fuera de la ley se mirara en algún espejo, lo haría en la clásica Fargo (1996), de los hermanos Cohen, con ciertas gotas de Un plan sencillo (1998) de Sam Raimi pero en calidad de plato deconstruido a lo Pulp Fiction (1994). Comedia agradable, que se complica y oscurece y termina cerrándose en drama. Repleta, en este caso de mucho humor negro que logra despistar al espectador hasta no saber muy bien hasta donde lo llevará esa larga cadena de situaciones.
El humor siempre ha sido y siempre será la mejor herramienta para la denuncia, esta sátira negra lo viene a demostrar. Y es que, su viaje a la zona oscura de lo humano, tiene un punto de canto fúnebre al American lyfestile, cosa que vista ahora (febrero 2025) cobra incluso más vigencia. Así, aunque no tenga el mismo pulso que el de los autores de Muerte entre las flores, desde aquí celebramos que mantenga su espíritu crítico.
Divertida y bien llevada, aunque se deshinche progresivamente conforme avanza el número de asesinatos, esta comedia negra está dirigida por Potsy Ponciroll y protagonizada por Himesh Patel (La franquicia, Tenet, Yesterday), Josep Gordon-Levitt (Origen, Looper, Puñales por la espalda), y Lily James (Mamma mía: una y otra vez, Cenicienta).
NO HAY AMOR PERDIDO (La Fille de son père, Erwan Le Duc, 2023)
Francia. Duración: 91 min. Guion: Erwan Le Duc Música: Julie Roué Fotografía: Alexis Kavyrchine Compañías: Domino Films, Canal+, Ciné+ Género: Drama
Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Céleste Brunnquell, Maud Wyler, Mohammed Louridi, Mercedes Dassy, Camille Rutherford, Alexandre Steiger, Nicolas Chupin, Philippe Quesne
Sinopsis: Étienne tiene apenas veinte años cuando se enamora de Valérie. Apenas un poco más tarde, nace su hija Rosa. Y luego, un día, Valérie se va y nunca regresa. Él decide no hacer un drama de ello y construye una vida feliz para él y su hija. Dieciséis años después, cuando Rosa está a punto de comenzar su propia vida, Étienne reconoce a su esposa en un reportaje de televisión. El pasado resurge de forma brutal, y padre e hija se ven arrastrados a un último caótico viaje familiar.
Resulta muy sano que, por una vez, sea un padre soltero el protagonista de esta historia de crecimiento que narra como un padre adolescente es abandonado por su loco amor tras dar a luz una hija. Este, tal y como indica, nunca cumplió los veinte años, al verse obligado a madurar a toda velocidad para, con ayuda de sus padres, criar a su inesperada hija. Tan rápido irá todo que de joven promesa del fútbol, pasará a ser entrenador.
No hay amor perdido (La Fille de son père), de Erwan Le Duc, es la segunda película del director tras su singular y sorprendente ópera prima, Perdrix, con la que se dio a conocer en la Quincena de Cineastas del Festival de Cannes de 2019.
Seleccionada como película de clausura de la 62ª edición de la Semana de la Crítica de Cannes y nominada al Premio César a Mejor actriz revelación para Céleste Brunnquell, el film de Le Duc consigue dar muchos tintes de comedia a su historia ofreciendo una divertida a la par que emotiva historia de amor paternofilial cuya conclusión deja abiertos algunos interrogantes que será el espectador el que deberá pronunciarse.
Más cercano al verso que a la prosa, este segundo filme de Le Duc, si destaca por algo, es por su trabajo sobre el punto de vista: el francés huye del realismo a la hora de contar esta historia y recala en lo simbólico. No hay amor perdido tiene el tono de las fábulas, pero sin moraleja. Podría decirse que es el reverso luminoso de Un verano con Mónica, si el clásico de Bergman terminaba cuando el verano era barrido por la realidad, No hay amor perdido levanta el telón justo en el momento en el que se acepta la responsabilidad y se asume la crianza. Si Bergman cierra en negro e invierno, Le Duc avanza diurno y colorido hacia la conclusión de que el amor no se pierde nunca.
No hay amor perdido está protagonizada, además de por la nombrada Céleste Crunnquell, por Nahuel Pérez Biscayart (120 pulsaciones por minuto, Un año, una noche o El Jockey), además de Maud Wyler (Tiempo compartido) y Camille Rutherford (Anatomía de una caída).
Serendipia
Proyecto Naschy 
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