Archivo
Tráiler y póster de ‘Until Dawn’
Nuevo tráiler y el póster oficial de UNTIL DAWN, la película de acción real basada en el premiado videojuego de terror homónimo creado por PlayStation Studios, que llegará exclusivamente a los cines españoles el 25 de abril.
Sinopsis: Un año después de la misteriosa desaparición de su hermana Melanie, Clover y sus amigas se dirigen al remoto valle donde desapareció en busca de respuestas. Mientras exploran un centro de visitantes abandonado, son acechadas por un asesino enmascarado que las mata una a una de forma horrible… para después despertar y encontrarse de nuevo al principio de la misma noche. Atrapadas en el valle, se ven obligadas a revivir la pesadilla una y otra vez, solo que cada vez la amenaza asesina es diferente y aún más aterradora que la anterior. Con la esperanza menguando, el grupo pronto se da cuenta de que solo les queda un número limitado de muertes y que la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer.
Dirigida por David F. Sandberg (Nunca apagues la luz, Annabelle: Creation), con guion de Blair Butler y Gary Dauberman (Annabelle, La monja, It) y producida por Sandberg y Dauberman, entre otros, está protagonizada por Ella Rubin, Michael Cimino, Odessa A’zion, Ji-young Yoo, Belmont Cameli, Maia Mitchell y Peter Stormare, en su papel original como Dr. Hill.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de febrero de 2025 *
PADDINGTON: AVENTURA EN LA SELVA (Paddington in Peru: Lost in The Jungle, Dougal Wilson, 2024)
UK-Francia-USA-Canadá. Duración: 106 min. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Personaje: Michael Bond. Historia: Mark Burton, Simon Farnaby, Paul King Música: Dario Marianelli Fotografía: Erik Wilson Compañías: Heyday Films, Marmalade Films Ltd., StudioCanal Films, Studiocanal Género: Comedia.
Reparto: Olivia Colman, Antonio Banderas, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Carla Tous, Julie Walters, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Jim Broadbent, Robbie Gee, Joel Fry, Ben Whishaw.
Sinopsis: Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, Paddington: aventura en la selva encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
C.C. Baxter/Jack Lemmon intenta arrancarle una declaración de amor a Fran Kubelik/Shirley MacLaine en el final de El apartamento; ella se limita a decirle: “¡¡Juega!!” Uno de los finales más emotivos de la historia del cine y lo citamos para afirmar que la ternura hay siempre que insinuarla y no proclamarla con fanfarrias. Porque el amor es excelso y revolucionario, pero la ñoñería, la cursilería, es kitsch. Y el kitsch es reaccionario (piensen si no en la bailarinas de Lladró). El cine puede incidir en la realidad del mundo y hacerlo un lugar más ideal. Primera previa que establecemos antes de comentar la tercera entrega de Paddington.
Y segunda previa: en épocas de confusión y zozobra los líderes carismáticos toman la medida del momento y arrastran a las masas a golpe de populismo. Hoy el malismo es tendencia y Elon Musk está a la cabeza del orbe. El patán dueño de SpaceX ha resultado ser el líder carismático capaz de arrastrar al mundo, saludo nazi mediante. Pero, como Giscard d’Estaing supo ver, siempre hay un pero. Y lo vamos a ir viendo al otro lado del punto y aparte.
Es domingo 16 de febrero de 2025, mi madre habría cumplido hoy 99 años, y Enric Juliana habla de huevos en su columna dominical en La Vanguardia, “Un camionero desayunando un revuelto de huevos en una cafetería de carretera, he ahí una imagen de nuestro tiempo. La inflación en Estados Unidos alcanzó el 3% el pasado mes de enero como consecuencia del encarecimiento del alimento más popular. Ese repunte aconsejó a la Reserva Federal a mantener los tipos de interés en pausa. Lo pequeño a veces explica el mundo”, y yo quiero sacar un corolario, quizás espurio, de su escrito: los gestos minúsculos pueden invertir el signo de los tiempos igual que un batallón de mariposas batiendo sus alas en Brasil puede provocar un huracán en Texas. El próximo viernes 21 de febrero de 2025 llega a las pantallas españolas Paddington, Aventura en la selva y yo podría recomendar su visionado con los mismos argumentos que esgrimí para hacerlo con sus precedentes: “Una de las películas más simpáticas de la temporada, que nos invita a dejarnos llevar al mundo de la fantasía sin oponer actitudes escépticas, nos pide que suspendamos la incredulidad y recuperemos nuestro corazón infantil«. Y podría concluir aquí, pero prefiero extenderme.
El inofensivo oso marrón que tomó el té con Isabel II, el mismo que llega sin papeles a Inglaterra, es también un personaje carismático: le define su hilarante torpeza, esa que introduce el tono de slapstick a las cintas que protagoniza, pero también una mirada, que califica de intensa, capaz de hacer enmendarse a los villanos, pues con ella sanciona los valores éticos del actuar humano. Paddington es pura inocencia y corazón. Es el perfecto antídoto contra el malismo imperante. Apostar por él es ponerse del lado de la sensatez y el equilibrio. También de la jovialidad y la paz. Ver Paddington, a día de hoy, es un acto subversivo.
Paddington, aventura en la selva ha tenido una acogida más tibia que sus predecesoras por parte de alguna crítica. Injustamente, afirmamos, porque de una cinta que pretende (y logra) ser para todos los públicos mientras dialoga con Werner Herzog se pueden decir muchas cosas, pero nunca se la debió acusar de ser menos original, menos excéntrica y más infantil. ¿O acaso la primera aparición en pantalla de Antonio Banderas sobre el puente de su embarcación remontando el Amazonas con el gramófono a todo trapo no es una cita directa de Fitzcarraldo? Y no es una mera broma, o una asociación de ideas hueca, se está estableciendo un paralelismo muy consciente. Es una manera de dirigir nuestra mirada hacia el subtexto, en el que está en juego una reflexión sobre el absurdo de la ambición humana, de una parte, y de otra una nueva interrogación sobre qué papel juega la cultura y cuál la naturaleza en la condición humana. Algo en lo que se abunda retorciendo el chiste y haciendo que ese sosias de Fitzcarraldo sea descendiente de un sosias de Aguirre que le habla al primero desde el cuadro que preside su camarote, tal como el fantasma le hablaba a la Señora Muir. Mucha cultura cinéfila hay bordadas en las páginas de un guion que, también hay que destacarlo, funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, logrando ponernos ante una película cebolla con las capas perfectamente ensambladas. Y funciona a diferentes niveles de comprensión, cada espectador encuentra su hueco sin que la película se resienta por ello. Compleja pero de aspecto simple, así es la aventura selvática de nuestro oso favorito. Reveladora y con enseñanza moral, que no moralista.
El mito de la ciudad de oro que estaba ahí para ser descubierta por un conquistador aventurero, la leyenda de El Dorado, encapsula la sed insaciable de los europeos por el metal dorado y el deseo inquebrantable de exprimirle todo el jugo a las nuevas tierras. Herzog supo exprimir la dimensión antiheroica de la gesta hasta destilar de ella la poética de lo baldío. Los guionistas de Paddington toman la cita culta y la apean de su trascendencia, bañan el concepto con la levedad de lo pop y entonan un canto a la bondad de la irrelevancia. En lo pequeño reside la grandeza. El tesoro siempre estuvo en el corazón. Un discurso naif que enaltece el valor de la inocencia. Y en un mundo que hace de la maldad estandarte, apostar por el buenismo más ingenuo es lo más transgresor. Esa y no otra es la sabiduría que contiene un sándwich de mermelada de naranja.
THE MONKEY (Osgood Perkins, 2025)
USA. Duración: 95 min. Guion: Osgood Perkins. Historia: Stephen King Fotografía: Nico Aguilar Compañías: Atomic Monster, Black Bear International, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group. Productor: James Wan. Distribuidora: Neon Género: Terror
Reparto: Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Laura Mennell, Sarah Levy, Colin O’Brien, Kingston Chan, Zia Newton, Danica Dreyer, Rohan Campbell, Osgood Perkins, Christian Convery
Sinopsis: Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.
Tras la prestigiosa Longlegs, Oz Perkins sorprende con una película que, si bien puede enmarcarse dentro del cine de terror, también aceptaría dignamente la clasificación de comedia, pues The Monkey se mueve cómodamente dentro de esos parámetros ofreciendo un salvaje espectáculo gore habitado por esperpénticos personajes y aparatosas muertes. Basada en un relato corto de Stephen King y con producción a cargo de James Wan, The Monkey realiza un retrato de la infancia con la precisión con la que habitualmente lo hace King, pero rápidamente el espectador detectará unos excesos que conseguirán que el terror pase al -salvaje- formato de comedia.
El mono del título será el objeto maldito, un jodido macaco tamborilero que cuando comienza a golpear su tambor, se producirá una bizarra muerte. Muertes que juegan en la misma liga en la que lo hacían las de aquella serie de películas de terror, Destino final, cuyo «encanto» residía en intentar adivinar de que enrevesado y sangriento modo irán cayendo los jóvenes condenados a muerte.
Así que aquí también tendremos un buen número de disparatadas muertes, e incluso Oz Perkins se permitirá jugar al despiste con el espectador sorprendiéndole con el modo escogido de exterminio. Un body count en el que, tal y como se anuncia con escasa sutilidad en el póster, todo el mundo morirá.
Entre los protagonistas, el film cuenta con Theo James, Tatiana Maslany y un Elijah Wood que ejerce de actor invitado. A ellos se sumarán Colin O’Brien, Rohan Campbell, Christian Convery y Sarah Levy.
LA ÚLTIMA REINA (Firebrand, Karim Aïnouz, 2023)
UK. Duración: 120 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Novela: Elizabeth Fremantle Música: Dickon Hinchliffe Fotografía: Hélène Louvart Compañías: MBK Productions, Magnolia Mae Films, Brouhaha Entertainment Género: Drama.
Reparto: Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Simon Russell Beale, Sam Riley, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Edward Harrison, Andy M Milligan, Mina Andala, Paul Tinto
Sinopsis: Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
Enrique VIII fue un pintoresco monarca cuya vida y múltiples matrimonios han sido llevados a la pantalla en diversas ocasiones. En La última reina, el monarca causa pavor a su corte, en especial a su esposa, por sus radicales cambios de humor, pues no en vano ella sabe que no es extraño que en uno de ellos decida terminar con su vida. Nadie se lo va a cuestionar, pues es el monarca máximo de un reino que como buen déspota está para satisfacerlo. Esa última reina, Catalina, interpretada prodigiosamente por Alicia Vikander es la gran protagonista del film. Una mujer inteligente que sabe llevar a su terreno al rey y se sabe amada, pero que sabe que su vida pende, siempre, de un hilo. Vikander trasmite el pavor en el que vive, pero Jude Law, en el rol del monarca, consigue que el espectador olvide al actor y vea al déspota tirano. Un tirano vestido con piel de hombre que también tiene sus debilidades y las muestra en una actuación también excelente que convierte La última reina en toda una perla que convendría que no pasara desapercibida entre la pobre programación semanal.
Con un guion escrito por las hermanas Henrietta y Jessica Ashworth, responsables de los de Night Bus o Tell It to The Bees, y basado en en la novela histórica ’Queen’s Gambit’ de Elizabeth Fremantle, el primer largometraje en inglés del director brasileño Karim Aïnouz se presenta, en palabras del propio realizador, como una reinvención de la película de época que narra los hechos desde el punto de vista de un personaje muy subrepresentado en la historia de Inglaterra, Catalina Parr, la última esposa de Enrique VIII, reina consorte de Inglaterra e Irlanda y responsable de la reconciliación entre Enrique y su hija María, quien más tarde sería la primera soberana de Inglaterra por derecho propio, María I.
‘Americana’: Toda la programación de la duodécima edición
Americana ya tiene programación definitiva. El festival de cine independiente norteamericano se celebrará entre el 11 y el 16 de marzo en los cines Girona, Zumzeig y Texas. La sesión inaugural será el martes 11 en la sala Phenomena y la retrospectiva en la Filmoteca de Catalunya del 12 al 30 de marzo.
Comenzamos la programación con TOPS, que presenta algunos de los títulos más destacados del año. I Saw the TV Glow, sobre adolescentes obsesionados con una serie de terror cancelada, es una de las cintas indies del año, como demuestran sus cinco nominaciones a los Independent Spirit Awards, donde lidera las candidaturas junto a Anora. In the Summers, que ganó mejor película y dirección en Sundance, será nuestra película inaugural, un drama sobre la complicada relación entre un padre y sus dos hija s durante varios veranos con Lio Mehiel, protagonista de Mutt, y el rapero Residente. Griffin in Summer, una mezcla de teatro y amor adolescente que ganó tres premios en Tribeca (película, dirección y guion); Christmas Eve in Miller’s Point, sobre las diferentes historias de una familia durante la noche de Navidad, presentada en la Quincena de Cannes y con un reparto coral de lujo con Michael Cera o los hijos de Spielberg y Scorsese; Familiar Touch, un drama sobre la dignidad y el descubrimiento en la vejez, ganadora de tres premios Orizzonti en Venecia (mejor película, guion y actriz); Harvest, una distopía medieval protagonizada por Caleb Landry Jones; Between the Temples de Nathan Silver, un clásico del festival con Jason Schwartzman protagonizando esta comedia sobre dudas existenciales, aclamada en Sundance, Berlín y SXSW. También vuelven otros clásicos del festival con la nueva joya de animación de Don Hertzfeldt, ME, una odisea musical sobre la retirada de la humanidad en sí misma, finalista al Oscar a mejor cortometraje de animación. Ghostlight (del director de Saint Frances) será la película de clausura, un relato vitalista y tierno con dos nominaciones a los Independent Spirit Awards. Desde Quebec llega Comme le feu, la nueva maravilla de Philippe Lesage, donde unas vacaciones en la casa de un director de cine se convierten en una pesadilla. Desde México, Sujo, la historia de un niño en un entorno complicado, candidata de México al Oscar y ganadora del premio a mejor película en el Festival de Sundance (Sección World), también premiada en el Festival de San Sebastián. Dìdi, ganadora del premio del público en Sundance y con cuatro nominaciones a los Independent Spirit Awards, en la que el director Sean Wan nos presenta una suerte de autobiografía sobre su vida como adolescente inmigrante en la primera década de los 2000. El Jockey, una cinta latina con Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó, premiada en Venecia y San Sebastián y nominada al Goya, una historia sobre identidad y redención tan extraña como cautivadora. Y, finalmente, Saturday Night, que nos transporta al frenético proceso creativo de la primera emisión de Saturday Night Live, con un impresionante reparto coral encabezado por Rachel Sennott, Willem Dafoe y J.K. Simmons, reconocida con nominaciones a los Globos de Oro y los Critics’ Choice Awards.
En NEXT, la sección que apuesta por futuras promesas, comenzamos fuerte con The People’s Joker de Vera Drew, la gran sorpresa indie del año. Estrenada en Midnight Madness de Toronto, ha conseguido nominaciones en los Gotham, los Independent Spirit y la crítica de Nueva York con una historia sobre una joven cómica trans en una Gotham distópica donde la comedia está controlada por un régimen autoritario. Seguimos con visiones queer de iconos americanos con National Anthem, un American Queer Rodeo presentado en SXSW. Sobre otras comunidades, en este caso las fraternidades universitarias, habla The Line, un drama punzante que explora los rituales iniciáticos extremos con actores de Euphoria y John Malkovich. Eephus nos traslada al béisbol con el último partido entre dos equipos amateurs en un campo a punto de ser demolido, presentado en la Quincena de Cannes. Vulcanizadora, de Joel Potrykus, presenta una travesía de amistad y oscuridad protagonizada por el mismo director y su actor habitual, Joshua Burge. Bang Bang narra la historia de un boxeador retirado (Tim Blake Nelson) que envejece solo hasta que le encargan cuidar de su nieto. En clave de thriller, brilla Silver Star, una road movie de atracos con un dúo de personajes antagónicos que recuerdan tanto a Bonnie and Clyde como a las protagonistas de Zola. Adult Best Friends, presentada en Tribeca, trata sobre dos amigas en crisis de confianza, mientras que Rent Free sigue a dos amigos que intentan ahorrar dinero en Nueva York alojándose en casas de conocidos, lo que no les saldrá demasiado bien. En la friend zone del festival, Matt and Mara, estrenada en la Berlinale, reflexiona sobre estabilidad emocional, amistad y deseo. Turn Me On nos presenta una distopía con similitudes a «Un mundo feliz», ganadora del premio del jurado joven en San Sebastián. También en la Berlinale se presentó Janet Planet, sobre la compleja relación entre una madre y su hija, con tres nominaciones a los Independent Spirit y brillantes interpretaciones de Julianne Nicholson y la joven Zoe Ziegler. Finalmente, Problemista es una comedia surrealista con humor absurdo que reflexiona sobre los procesos de regularización de la inmigración en EE.UU., con un reparto de lujo que incluye a RZA y Tilda Swinton.
Americana DOCS presenta cinco documentales: Look into my Eyes se adentra en el oficio de los médiums, mostrando la intimidad de sus conversaciones y explorando el duelo y la esperanza. Nocturnes es una investigación ecológica sobre el cambio climático en el Himalaya, premiada en Sundance. New Wave retrata cómo la comunidad vietnamita en EE.UU. de los años 80 encontró su identidad en la música. Homegrown, premiada en Venecia, describe sin filtros el giro radical del Partido Republicano y el asalto al Capitolio en 2020. Group Therapy muestra una terapia de grupo moderada por Neil Patrick Harris con un elenco de cómicos hablando sobre salud mental.
Completamos la programación con los cortos de SHORTS distribuidos en tres sesiones. En la primera sesión encontramos, entre otros, The Untranslatable Forest de los directores Ivan Miguel y Andy Camou o el nuevo documental Wrecked a Bunch of Cars, Had a Good Time de los directores James P. Gannon y Matt Ferrin, habituales de festivales como Sundance o Slamdance. En Shorts 2 destacan títulos como Tea de Blake Rice, presente en el Festival de Cannes, o The Last Brunch del ya habitual del festival Jim Cummings. Y este año volvemos a dedicar una de las sesiones de cortos a obras de estudiantes de diversas universidades de cine, una selección realizada por los alumnos de crítica de La Casa del Cine.
Por otro lado, como ya anunciamos, el invitado de honor de esta edición será Ira Sachs. El director de obras como Keep the Lights On, Verano en Brooklyn (Little Men) o Passages ha tenido presencia en festivales de la categoría de Cannes, Sundance, Berlín o San Sebastián y se ha convertido en un director clave del cine indie actual, caracterizado habitualmente por su sensibilidad al tratar temáticas LGBTQ+. Como siempre, nuestro invitado especial será objeto de una retrospectiva en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, con todos sus largometrajes del 12 al 30 de marzo. Así, además de los grandes éxitos que ya conocéis, se podrá ver en pantalla grande películas menos conocidas de su filmografía, como su ópera prima The Delta o la ganadora de Sundance Forty Shades of Blue.
Además, estamos encantados de anunciar que Jane Schoenbrun vendrá a presentar I Saw the TV Glow, una de las películas de la temporada de premios y una de las figuras más prometedoras de la escena indie actual.
Más anuncios: este año volveremos a contar con la sesión Una nit d’Stand Up, con Alba Segarra, Alex Vila, Andrea Farina, Arnau Garcia y Oye Sherman, gracias a la colaboración con Hilària Comèdia.
En breve, anunciaremos en redes las sesiones profesionales, como una Masterclass con Ira Sachs en Blanquerna, un encuentro con él en la residencia de guionistas o una charla con guionistas en colaboración con el GAC, así como los jurados habituales del festival, que decidirán cuáles son las mejores películas de esta edición.
Toda la información práctica y la venta de entradas y abonos estarán disponibles en la web a partir de mañana. Mantenemos los precios del año pasado. Recordad: hay descuentos disponibles con el carné de Bibliotecas, el Carnet Jove, el TRESC, y para abonados de los Cines Girona y Zumzeig. El periodo de acreditaciones para prensa y profesionales está abierto desde este lunes 17 y finaliza el 7 de marzo.
‘Peter Pan’s Neverland Nightmare’ destinada a ser el mejor estreno del género de terror de 2025
Una vez estrenada Winnie The Pooh: El Bosque Sangriento, a lo largo de 2025 el Poohniverse seguirá ensangrentando las pantallas y las butacas de los cines con los siniestros retratos de Peter Pan, Bambi o Pinocho, emulando el MCU (Marvel Cinematic Universe), con sus versiones retorcidas de personajes de cuentos clásicos.
Peter Pan’s Neverland Nightmare se ha estrenado en Estados Unidos obteniendo una recaudación de más 230.000 dólares con un número reducido de copias, que la distribuidora va a ampliar debido a su excelente acogida. El film llegará a los cines españoles a lo largo del primer trimestre de este año. Se trata de una adaptación de la obra teatral original, creada por James Matthew Barrie. El escritor escocés estrenó en 1904 el montaje titulado Peter Pan y Wendy, que luego convirtió en novela aunque la edición completa no se publicó hasta 1928.
Peter Pan’s Neverland Nightmare reinventa el cuento clásico de Peter Pan en una versión mucho más oscura y violenta. En esta película de terror, Wendy Darling debe enfrentarse a un retorcido y cruel Peter Pan para salvar a su hermano Michael de las garras de este despiadado villano.
Scott Jeffrey (Firenado, Kingdom of the Dinosaurs, Spider in the Attic), productor de la saga del Poohuniverse junto con Rhys Waterfield y actor de Winnie The Pooh: el bosque sangriento, ha sido el encargado de dirigir la película en cuyo reparto están Megan Placito dando vida a Wendy, Martin Portlock (A Cold Grave, Fluorescent Sky) en la piel de Peter Pan, Kit Green dando vida a Campanilla, Peter DeSouza como Michael, Kierston Wareing interpretando a Roxy y Nicholas Woodeson.
En palabras del director «esta es una película extremadamente oscura al tratar el tema de los niños secuestrados. Todas las películas de nuestro universo Pooh serán diferentes a la anterior. Entonces, si una no es para ti, entonces tal vez la próxima sí lo sea. Peter Pan es el más cruel de todos. Es retorcido, despiadado y astuto”.
Poohuniverse Monster’s Assemble
Según el propio Scott Jeffrey, productor de la saga, el Poohuniverse Monster’s Assemble «se filmará en marzo de 2025 y contará con todos los supervivientes de ‘Winnie de Pooh: el bosque sangriento’, ‘Peter Pan’, ‘Bambi’… y todos los villanos provenientes del Poohuniverse y otros que no han aparecido todavía porque aún no hemos rodado esas películas, todos regresando juntos y básicamente enfrentándose entre ellos, va a ser salvaje.
Toda mi vida he estado obsesionado con las películas de terror y siempre he querido ver una película con los personajes de ‘Scream’, ‘Hellraiser’, ‘Muñeco diabólico’, ‘La matanza de Texas’, en una película matando gente y enfrentándose los unos a los otros. Algo que nunca había ocurrido porque son iconos que pertenecen a diferentes sellos. Así que, ésta es una oportunidad para ver la película que siempre he querido ver. Por supuesto, está ‘Freddy contra Jason’, pero esto es más como una versión de terror de Avengers.»
Jeffrey añade: «el proyecto ‘Poohniverse: Monsters Assemble’ no solo promete ser una revolución en términos de producción y de concepto, sino también en cuanto a trama y personajes. Personajes como Winnie the Pooh, Tigger, Rabbit, Owl y Piglet serán parte de esta nueva historia, al lado de figuras de otras obras clásicas como Pinocho, la Bella Durmiente, Bambi, el Sombrerero Loco, Peter Pan y Campanilla.
“Al director de la película Rhys Frake-Waterfield y a mí nos encantaría ver una película de terror en la que los villanos se agruparan y fueran a por los supervivientes. Tenemos en mente algunos escenarios increíbles, quien inspirado en los crossovers del cine de terror como ‘Freddy vs Jason’ y superhéroes, asegura que será una completa carnicería».
F&P Media estrenará en cines próximamente varias esperadas entregas de la saga del Poohunivese, además del citado Assemble. Las siguientes películas que llegarán a las las pertenecientes al Universo Infantil Retorcido son: Bamby the Reckoning, Pinocho Unstruck y Awakening Sleeping Beauty. #Staytuned
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de febrero de 2025 *
LA TUTORÍA (Armand, Halfdan Ullmann Tøndel, 2024)
Noruega. Duración: 117 min. Guion: Halfdan Ullmann Tøndel Música: Ella van der Woude Fotografía: Pål Ulvik Rokseth Compañías: Eye Eye Pictures, Keplerfilm, ONE TWO Films, Film I Väst, Prolaps Produktion Género: Drama.
Reparto: Renate Reinsve, Ellen Dorrit Petersen, Endre Hellestveit, Øystein Røger, Thea Lambrechts Vaulen, Vera Veljovic-Jovanovic, Loke Nikolaisen, Assad Siddique
Sinopsis: Armand, un niño de 6 años es acusado de traspasar ciertos límites con su amigo y compañero de clase Jon. Nadie sabe exactamente lo que ha ocurrido, así que la dirección del colegio convoca a los padres para discutir el tema, desencadenando un agitado conflicto que pondrá sobre la mesa cuestiones como la sexualidad en la infancia, la culpabilidad o la complejidad de las zonas grises que existen entre la violencia y el juego.
En diciembre de 1871 (aunque en la solapa de la primera edición figure 1872) se publicaba en Leipzig El nacimiento de la Tragedia del espíritu de la música. El genitivo del título es, por supuesto, una referencia a Richard Wagner, por entonces valedor de aquel Friedrich Nietzsche insultantemente joven al que habría acogido con la certeza de que su verbo vehemente iba a retribuirle las atenciones que tuviera con él. El filósofo veía en la obra del músico el renacimiento de la obra de arte total que había sido la Tragedia Ática mientras el propio Wagner sería el genio que iba retornarle el sentido al mundo (siempre simplificando). Quince años más tarde la coletilla que remataba el título en la reedición había cambiado, sustituyéndola por el subtítulo “Helenismo y pesimismo”, clara muestra de que, después del cruce de sables que fue la simultánea publicación del Humano, demasiado humano y el estreno de Parsifal en Bayreuth, Nietzsche volaba con ala propia y ya no fiaba al autor de la Tetralogía el rol de restaurar el espíritu de la Tragedia. Pero aquel referir su nacimiento a la música, también daba cuenta de que el autor defendía que la célula primigenia del arte teatral había sido el coro el cual no era otra cosa que la estilización artística de los comos rituales (κῶμος, kỗmos), los cortejos bulliciosos y festivos de bebedores acompañados de músicos que procesionaban en las fiestas consagradas a Dionisos. Así, aunque para Nietzsche la Tragedia bebe de lo dionisíaco y de lo apolíneo, sentenciaba, en el fondo, que su auténtica carta de naturaleza era lo primero manifestado en esas danzas orgiásticas que se habrían domado dando nacimiento al arte escénico. Bien, pues toda esta excursión la hemos relatado para señalar que lo que, a nuestro entender, da carácter y originalidad al debut de Halfdan Ullmann Tøndel es que con La tutoría devuelve la narrativa escénica al espíritu de la danza (contemporánea, eso sí) del que surgió. Y aún queremos añadir otra comparación. El nacimiento de la Tragedia venía a sustituir la tesis doctoral que no había escrito aún cuando le fue concedida la cátedra de filología clásica en Basilea, pero el libro creció en sus manos y desbordó los límites del estudio filológico para dar a luz a su propio pensamiento filosófico, por eso el propio Nietzsche calificaba a su primara publicación como centauro, y algo de híbrido tiene también la ópera prima del nieto de Bergman y Ullmann, porque su sonda a las profundidades de temas tan peliagudos como pueden ser el de la sexualidad infantil, la violencia como elemento de juego y/o los límites de la verdad, no elige descender por un camino formalmente lineal, al contrario, rompe los esquemas y mezcla, ya no géneros, sino disciplinas artísticas, fundiendo sus códigos. Más que giros de guion, La tutoría tiene directamente fracturas llamadas a despertar al espectador, a incomodarle y obligarle a reprocesar todo lo visto hasta el momento en que lo coreográfico irrumpe volviéndolo todo imprevisible. La tutoría es un debut arriesgado y una primera obra que promete un universo tan personal e intransferible como aquel que anunciaba El nacimiento de la Tragedia en relación a Nietzsche (siempre salvando las distancias).
Ullmann Tøndel y El nacimiento de la Tragedia tal vez solo estén relacionados en esta crónica, pero lo que sí es documentable son las profundas influencias de otras narrativas cinematográficas, de carácter ecléctico, que el propio director confiesa: “Me inspiré mucho en las sátiras de Luis Buñuel. Todas las interrupciones en La Tutoría (la alarma de incendios, los sangrados de nariz, etc.) se inspiran en la cena constantemente interrumpida en El discreto encanto de la burguesía… y cómo la pared invisible en El ángel exterminador se convierte en una verdad establecida también fue una fuente de inspiración. Para la última secuencia coreografiada, me inspiré en Pina Bausch y su trabajo. Vi a David Hockney pintando (California Art Collector) y eso definió la evolución de Sarah en la película (la última imagen de Sarah en la película tiene similitudes con la obra de Hockney). Para el ambiente de la película, me inspiré en la versión de 2018 de Suspiria y Alguien voló sobre el nido del cuco (aunque el final de la película es bastante diferente). Muchas de las composiciones de la película se inspiraron en La doble vida de Verónica (Kieslowski) y Corazón salvaje (Lynch). También me sirvieron de inspiración el carácter juguetón de Empieza el espectáculo (Bob Fosse), la crueldad de Holiday (Isabella Eklöf), la tensión de Celebración (Thomas Vinterberg) y la sinceridad de El hilo invisible (Paul Thomas Anderson)”. Un cúmulo dfe referencias que, sin embargo, no convierten el filme en una especie de monstruo de Frankenstein en el que se adivinen las costuras. Al contrario. El amplio bagaje cinéfilo del nórdico está perfectamente asimilado, tanto, que puede pasarle desapercibido al espectador sin que por ello se resienta su comprensión. Ciento treinta años después de la histórica primera proyección de los Hermanos Lumiere es prácticamente imposible partir de cero a la hora de hacer cine, así, la valía de un cineasta se mide también por su capacidad de almacenar la herencia de quienes le precedieron y saber remodelarla hasta que resulte un producto nuevo y autónomo. Un reto del que Ullmann Tøndel sale plenamente victorioso. En La tutoría lo prestado y lo creado están perfectamente equilibrados, y, en todo caso, si algo decanta por momentos el fiel, es lo segundo. Estamos ante una de esas óperas primas, que tal vez no son impecables, pero si valientes y rebosantes de energía y ganas de experimentar. No tiene nada que envidiarle a Angst de Gerald Kargl ni a Las vírgenes suicidas (Sofia Coppola) tan admiradas por el director novel. Sin duda estamos ante una cinta vigorosa, valiente y arriesgada, que pone muy altas las expectativas ante lo que nos pueda venir de la mano de Halfdan Ullmann Tøndel. Se nota su casta en los genes.
Item más. La tutoría es también un recital interpretativo, todo el elenco brilla, pero, por supuesto, es Renate Reinsve la que destaca de calle. Vital para el proyecto, el director refiere como, la noche en la que Renate ganó el premio a la mejor actriz en Cannes, le mandó un mensaje diciendo: «¡Piensa en lo que nos va a beneficiar para nuestra película!», su talento y su carisma acaban de dar solidez a este proyecto tan valioso. Por lo que supone en la búsqueda de nuevas formas estéticas y de técnicas expresivas renovadoras. Por su colaboración en el debate sobre límites difusos de la verdad, la dificultad por discernirla, pero también la necesidad de esclarecerla. Todo lo que guarde relación con la reflexión sobre la verdad es candente y necesario en este año cero del nuevo imperio Trump-Musk.
Presentación ’43 Comic Barcelona’
El mayor evento nacional dedicado a las viñetas, fortalece su condición de punto de encuentro esencial del arte del cómic, confirmando sus primeras figuras invitadas y exposiciones, con el talento de Pepe Larraz como autor del cartel.
Comic Barcelona, el evento nacional más grande en torno al cómic, celebra su edición número 43 del 4 al 6 de abril de 2025, en Fira Barcelona Montjuic, ampliando un año más su oferta cultural, con nuevas exposiciones de interés y un gran abanico de actividades pensadas para un público variado. El evento se ha afianzado en los últimos años como una cita cultural imprescindible para los amantes del cómic y toda mente inquieta interesada en descubrir nuevos mundos, sin olvidar a ese público ocasional que busca un fin de semana repleto de sensaciones y entretenimiento, incluyendo a los más pequeños, en pleno auge del cómic infantil. Se mantiene el objetivo principal: apostar por una rica forma de expresión artística en constante movimiento, reflejando las numerosas tendencias que lo conforman con una programación donde reina la diversidad. Comic Barcelona es un punto de encuentro esencial para el sector en todas sus variantes.
El cómic es uno de los lenguajes artísticos más populares del siglo XXI. Su iconografía está muy presente en la sociedad, en nuestro día a día. Resulta relevante ensalzar todas las posibilidades de una disciplina efervescente, prestando atención a todos sus agentes. En 2025 cabe resaltar las colaboraciones de Comic Barcelona con diversas instituciones culturales de renombre, con la finalidad de establecer sinergias, generar oportunidades, descubrir nuevos talentos, apuntalar la historia del medio y poner en valor aún más el cómic como interés cultural.
En este contexto, junto a la Beca Comic Barcelona este año se suma la Beca Angoûleme, una nueva iniciativa dirigida a autores/as emergentes que fomenta el intercambio cultural entre las escenas creativas de Francia y España. Este proyecto surge de un esfuerzo conjunto entre el Instituto Français de Barcelona, la Cité de la Bande Dessinée et de la Image y FICOMIC, permitiendo crear valiosas oportunidades de encuentro y colaboración entre los profesionales del cómic de ambos países.
Este año viene especialmente fuerte el apartado de invitados/as, con un listado principal -recordemos que la presencia de grandes figuras se complementa con más nombres con la participación de las editoriales y expositores- que refleja los diferentes formatos, estilos y corrientes que habitan actualmente en el cómic, desde el género de superhéroes a la novela gráfica, los fanzines, el tebeo histórico, la mirada autoral… Atención a los primeros nombres que formarán parte de esta edición, empezando por Chris Ware, referente de muchas generaciones y reconocido por obras como Jimmy Corrigan: el chico más listo del mundo o Rusty Brown. También se suman grandes autores/as como Jaime Hernández, Kate Beaton o el ilustrador John Howe. Pepe Larraz, primer espada del tebeo de superhéroes, ha hecho posible la imagen personalizada del evento, un cartel emotivo, épico y luminoso. En esta edición, presenciamos una obra que representa la desmesurada pasión que compartimos por este mundo impregnado por la fantasía.
Junto a Larraz, Comic Barcelona contará con la presencia de otras figuras esenciales del cómic de grandes sellos estadounidenses como Marvel o DC: Javier Rodríguez, Natacha Bustos, o Carmen Carnero, entre otras. O fenómenos multiventas como Raquel Córcoles, alias Moderna de Pueblo.
Las exposiciones vuelven a ser piezas clave de Comic Barcelona. Un conjunto de propuestas creativas que conforman un engranaje perfecto en la programación de este año. Entre las más destacadas, podemos encontrar a ‘Chris Ware. Dibujar es pensar’, una exposición, coproducida juntamente con el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), que se adentra en la trayectoria del gran genio del cómic. A modo de reconocimiento, se dedicará una muestra a la ganadora del Gran Premio Comic Barcelona 2024, Marika Vila, y contaremos con una llamativa exposición con espectaculares originales del propio Pepe Larraz, autor del cartel. Así como podremos encontrar ‘El laberinto del cuco’, una instalación participativa y un cómic al mismo tiempo. Es una propuesta vivencial, fresca e insólita que reflexiona sobre el impredecible paso del tiempo.
El evento volverá a repartir los Premios Comic Barcelona en una entrega de galardones celebrada para reconocer y remunerar el talento de los autores y autoras del sector. Este año, la ceremonia contemplará una nueva distinción entre cómic infantil y juvenil. A partir del premio al ‘Mejor Cómic Infantil y Juvenil’, se ha llevado a cabo la creación de dos galardones individuales con el fin de dar un doble reconocimiento al cómic dirigido a los lectores más tempranos.
Para los más pequeños/as contaremos con el espacio Comic Kids, dedicado al público infantil para que puedan apreciar todo lo que envuelve el cómic, con talleres, actividades y alguna sorpresa que pronto anunciaremos. También repiten en la programación, las secciones Comic Fantasy, dedicada al rol y los juegos, Comic Vision, sobre la relación de las viñetas con otros medios como el cine o los videojuegos, y, la última incorporación del grupo, la Zona Utopía que seguirá aportándonos su perspectiva más fantástica un año más desde la literatura.
El público entregado que se pueda acercar al 43 COMIC BARCELONA, podrá vivir una edición llena de encuentros, actividades, y sorpresas para disfrutar al máximo del noveno arte. Este año el evento tendrá lugar del 4 al 6 de abril de 2025 en Fira Barcelona Montjuic. A finales de este mes de febrero, se abrirá la venta de entradas.
Tráiler de «Sting, araña asesina», una película no apta para aracnofóbicos.
Sinopsis: Charlotte, una rebelde niña de 12 años, adopta a una pequeña araña como mascota que encuentra en su ruinoso edificio. Esta empieza a adquirir un tamaño gigantesco y su apetito es cada vez más insaciable. Es entonces cuando Charlotte y su familia se ven atrapados y obligados a luchar por su supervivencia.
Se trata de un film de producción australiana, bajo la dirección de Kiah Roache-Turner (saga Wyrmwood) y con Alyla Browne (Furiosa; Sonic 3), Jermaine Fowler (El Rey de Zamunda), Robyn Nevin (Matrix Reloaded; Matrix Revolutions) y Ryan Corr (Holding the man; María Magdalena).
La película se estrenará en salas el 28 de marzo y promete traer angustia, fobia y terror a partes iguales.
San Valentín con las novedades de Ediciones 79
(SALIDA PREVISTA 14 DE FEBRERO, PREVENTA ABIERTA)
OS REVIENTO (Kike Narcea)
Esta comedia de acción española, a medio camino entre Airbag (Juanma Bajo Ulloa) y Transporter (Louis Leterrier), supone la consagración de su protagonista Mario Mayo como el primer héroe de acción patrio a la altura del mismísimo Jason Statham (Crank: Veneno en la sangre, Los Mercenarios).
No te pierdas las mejores hostias nunca rodadas en España que arrasaron en Sitges (premio a mejor película Sección Midnight Extreme), Fantastic Fest (premio del público) y Smodcastle Film Festival de Kevin Smith (doble galardón a Mejor Película y Mejor actor), entre muchos otros festivales de alrededor del mundo. Tarado tiene hostias para todos.
Esta edición limitada a 500 unidades incluye funda, póster exclusivo, minipalet numerado y más de dos horas de extras exclusivos de esta edición.
VORTEX / LUX AETERNA de Gaspar Noé
Este programa doble del enfant terrible Gaspar Noé (Irreversible, Entre the void) retrata algunos de las pasiones encontradas y recurrentes del propio director en su inclasificable cinematografía en un juego de contrastes solo a la altura de los más grandes cineastas: la vida y la muerte, la violencia y el amor, el caos y el orden natural de las cosas.
Vortex es un entrañable y cruel tratado sobre el inexorable paso del tiempo, probablemente la mejor película de su director y a su vez un tête à tête interpretativo del propio Argento y de una magistral Françoise Lebrun (protagonista de la mítica La mamá y la puta de Jean Eustache).
Lux Aeterna protagonizado por la famosa cantautora y actriz Charlotte Gainsbourg y con un (ahora sí) Gaspar Noé desatado es una maravilla sobre la brujería de cine dentro del cine en multipantalla. Verlo para creerlo.
Esta edición limitada incluye funda, póster y carátula alternativa de regalo. Muy pronto lanzaremos nueva edición con ambas películas de Gaspar Noé por separado y en DVD.
TU SANGRE de Guillermo Barreira
Guillermo Barreira (The Invisible Worm) dirige esta película de terror inmisericorde con fantasmas, muertes y sanguinarias sorpresas que deleitarán a los fanáticos del verdadero terror de serie B. Producida por Raúl Cerezo (La Pasajera, Viejos), Helion Ramalho (Magical Girl) y por el propio director, Tu Sangre reafirma la vitalidad del género fantástico en España, sin moderneces y lejos de la cultura woke de postal presente en la mayoría de producciones para plataformas de streaming.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 7 de febrero de 2025 *
FUERA DE LA LEY (Greedy People, Potsy Ponciroli, 2024)
USA. Duración: 110 min. Guion: Mike Vukadinovich Música: Jordan Lehning Fotografía: Eric Koretz Compañías: Boies Schiller Film Group, Hideout Pictures, Limelight Género: Comedia
Reparto: Himesh Patel, Lily James, Joseph Gordon-Levitt, Tim Blake Nelson, Joey Lauren Adams, Simon Rex, Uzo Aduba, José María Yazpik, Nina Arianda, Jim Gaffigan, Traci Lords, Michael Harding, Travis Przybylski
Sinopsis: Will (Himesh Patel) y Terry (Joseph Gordon-Levitt) son dos agentes de policía que se ven envueltos en un escandaloso crimen. Con el descubrimiento de un millón de dólares, los problemas se les multiplican. Los habitantes del pueblo, tan peculiares como codiciosos, también quieren adueñarse del botín. Todos ellos irán tomando una serie de decisiones cada vez más equivocadas y al margen de la ley que pondrá patas arriba toda la hasta ahora pacífica comunidad.
Si Fuera de la ley se mirara en algún espejo, lo haría en la clásica Fargo (1996), de los hermanos Cohen, con ciertas gotas de Un plan sencillo (1998) de Sam Raimi pero en calidad de plato deconstruido a lo Pulp Fiction (1994). Comedia agradable, que se complica y oscurece y termina cerrándose en drama. Repleta, en este caso de mucho humor negro que logra despistar al espectador hasta no saber muy bien hasta donde lo llevará esa larga cadena de situaciones.
El humor siempre ha sido y siempre será la mejor herramienta para la denuncia, esta sátira negra lo viene a demostrar. Y es que, su viaje a la zona oscura de lo humano, tiene un punto de canto fúnebre al American lyfestile, cosa que vista ahora (febrero 2025) cobra incluso más vigencia. Así, aunque no tenga el mismo pulso que el de los autores de Muerte entre las flores, desde aquí celebramos que mantenga su espíritu crítico.
Divertida y bien llevada, aunque se deshinche progresivamente conforme avanza el número de asesinatos, esta comedia negra está dirigida por Potsy Ponciroll y protagonizada por Himesh Patel (La franquicia, Tenet, Yesterday), Josep Gordon-Levitt (Origen, Looper, Puñales por la espalda), y Lily James (Mamma mía: una y otra vez, Cenicienta).
NO HAY AMOR PERDIDO (La Fille de son père, Erwan Le Duc, 2023)
Francia. Duración: 91 min. Guion: Erwan Le Duc Música: Julie Roué Fotografía: Alexis Kavyrchine Compañías: Domino Films, Canal+, Ciné+ Género: Drama
Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Céleste Brunnquell, Maud Wyler, Mohammed Louridi, Mercedes Dassy, Camille Rutherford, Alexandre Steiger, Nicolas Chupin, Philippe Quesne
Sinopsis: Étienne tiene apenas veinte años cuando se enamora de Valérie. Apenas un poco más tarde, nace su hija Rosa. Y luego, un día, Valérie se va y nunca regresa. Él decide no hacer un drama de ello y construye una vida feliz para él y su hija. Dieciséis años después, cuando Rosa está a punto de comenzar su propia vida, Étienne reconoce a su esposa en un reportaje de televisión. El pasado resurge de forma brutal, y padre e hija se ven arrastrados a un último caótico viaje familiar.
Resulta muy sano que, por una vez, sea un padre soltero el protagonista de esta historia de crecimiento que narra como un padre adolescente es abandonado por su loco amor tras dar a luz una hija. Este, tal y como indica, nunca cumplió los veinte años, al verse obligado a madurar a toda velocidad para, con ayuda de sus padres, criar a su inesperada hija. Tan rápido irá todo que de joven promesa del fútbol, pasará a ser entrenador.
No hay amor perdido (La Fille de son père), de Erwan Le Duc, es la segunda película del director tras su singular y sorprendente ópera prima, Perdrix, con la que se dio a conocer en la Quincena de Cineastas del Festival de Cannes de 2019.
Seleccionada como película de clausura de la 62ª edición de la Semana de la Crítica de Cannes y nominada al Premio César a Mejor actriz revelación para Céleste Brunnquell, el film de Le Duc consigue dar muchos tintes de comedia a su historia ofreciendo una divertida a la par que emotiva historia de amor paternofilial cuya conclusión deja abiertos algunos interrogantes que será el espectador el que deberá pronunciarse.
Más cercano al verso que a la prosa, este segundo filme de Le Duc, si destaca por algo, es por su trabajo sobre el punto de vista: el francés huye del realismo a la hora de contar esta historia y recala en lo simbólico. No hay amor perdido tiene el tono de las fábulas, pero sin moraleja. Podría decirse que es el reverso luminoso de Un verano con Mónica, si el clásico de Bergman terminaba cuando el verano era barrido por la realidad, No hay amor perdido levanta el telón justo en el momento en el que se acepta la responsabilidad y se asume la crianza. Si Bergman cierra en negro e invierno, Le Duc avanza diurno y colorido hacia la conclusión de que el amor no se pierde nunca.
No hay amor perdido está protagonizada, además de por la nombrada Céleste Crunnquell, por Nahuel Pérez Biscayart (120 pulsaciones por minuto, Un año, una noche o El Jockey), además de Maud Wyler (Tiempo compartido) y Camille Rutherford (Anatomía de una caída).
Primeras imágenes de ‘La Vida de Chuck’, la increíble historia de un hombre que dejó su huella en el universo
Es inevitable ver esta película y decidir, al instante, que se ha convertido en una de tus películas favoritas. Y es que lo tiene todo: universos que explotan, clases de baile, una habitación misteriosa a la que jamás en tu vida deberás entrar bajo ninguna circunstancia…y por supuesto una historia de amor. No podía faltar el amor en una película como esta.
Y, a no ser que seas uno de los privilegiados que ya pudo verla en el Festival de Toronto (en el que, por cierto, se llevó el premio del público), seguro que estarás pensando que no puede ser para tanto, así que vamos a darte no uno, ni dos, ni tres, sino cinco motivos por los que La Vida de Chuck es una película maravillosa:
1. Está basada en un relato de Stephen King del mismo nombre, publicado en su libro La sangre manda (If it bleeds)
2. Está dirigida por Mike Flanagan, responsable de maravillas como La maldición de Hill House, Doctor Sueño o Misa de medianoche.
3. Está protagonizada por Tom Hiddleston (Los Vengadores, Thor, Loki…), Mark Hamill (La guerra de las galaxias), Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud; Love Actually), Karen Gillan (Guardianes de la galaxia; Vengadores: Endgame), Jacob Tremblay (La habitación; Wonder), entre otros muchos grandes artistas.
4. Es una película multigénero. Sí, a nosotros también nos encantan. Estarás un buen rato sin entender absolutamente nada, pero todo cobrará sentido al final.
5. Ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Toronto 2024. Sí, ya lo hemos dicho, pero es que el premio del público es el premio del público…
¿Pero de qué trata La vida de Chuck?
Es una historia dividida en tres actos, narrados en orden inverso, que explora la vida de Charles Krantz, un hombre común (de profesión contable) cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo.
La historia comienza con un mundo a punto de desaparecer: mientras las estrellas explotan, las ciudades se desmoronan y las tecnologías dejan de funcionar, aparecen misteriosos anuncios con la frase «¡Gracias, Chuck, por 39 grandiosos años!».
A medida que esta historia retrocede, descubrimos fragmentos clave de la vida de Chuck: su trabajo, su amor por la música, sus luchas personales… Un relato que entrelaza elementos realistas, con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo.
Tráiler de ‘M3GAN 2.0’: el retorno de la muñeca diabólica
Disponible el teaser tráiler en español de M3GAN 2.0, la nueva entrega de la exitosa película de Blumhouse que cautivó al público en 2023. La icónica muñeca asesina regresa a la gran pantalla en una salvaje cinta que vuelve a contar con la dirección de Gerard Johnstone. M3GAN 2.0 se estrena en España el 27 de junio, exclusivamente en cines.
Sinopsis:Dos años después de que M3GAN, un auténtico prodigio de la inteligencia artificial, fuera finalmente destruida tras perder totalmente el control y dar rienda suelta a sus tendencias asesinas (siempre con una coreografía impecable), su creadora Gemma (Allison Williams) se ha convertido en una prominente autora y defensora de que el gobierno supervise todos los avances en esta materia. Entretanto, su sobrina Cady (Violet McGraw), ya con 14 años, es una adolescente que se rebela contra las sobreprotectoras reglas de Gemma. Lo que ellas no saben es que una poderosa compañía de desarrollo de defensa ha robado la tecnología empleada para M3GAN y la ha usado para crear un arma militar conocida como Amelia (Ivanna Sakhno; Ahsoka, Pacific Rim: Insurrección), la espía asesina definitiva. Pero, a medida que Amelia va cobrando conciencia propia, pierde interés en recibir órdenes de los humanos. Y en convivir con ellos. Con el futuro de la humanidad pendiendo de un hilo, Gemma se da cuenta de que no hay más opción que resucitar a M3GAN (Amie Donald, con voz en VO de Jenna Davis) e implementar a su creación unas cuantas mejoras para hacerla más rápida, más fuerte y más letal. Cuando sus caminos se cruzan, la macabra muñeca original tendrá que enfrentarse a una rival a su altura.
El original equipo creativo tras el fenómeno de la primera entrega —encabezado por los pesos pesados de la industria del terror James Wan para Atomic Monster, Jason Blum para Blumhouse y el director Gerard Johnstone— lanza ahora una nueva y salvaje entrega de IA desatada con M3GAN 2.0.
M3GAN 2.0 está dirigida de nuevo por el cineasta Gerard Johnstone y cuenta otra vez en su reparto con Brian Jordan Alvarez y Jen Van Epps interpretando a los leales compañeros de Gemma, Cole y Tess, a los que se suman ahora Aristotle Athari (Saturday Night Live, Hacks), Timm Sharp (Apples Never Fall (Un revés inesperado), Percy Jackson y el ladrón del rayo) y el ganador de un Grammy y nominado en 11 ocasiones a los Emmy Jemaine Clement (Avatar: El sentido del agua, Lo que hacemos en las sombras).
La película está producida por James Wan, Jason Blum y Allison Williams, y la producción ejecutiva corre a cargo de Gerard Johnstone, Adam Hendricks, Greg Gilreath, Michael Clear, Judson Scott y Mark D. Katchur.
La primera película de M3GAN reventó los récords de taquilla con una recaudación de 30,4 millones de dólares en Estados Unidos, marcando el fin de semana de estreno más taquillero para una película de terror clasificada para mayores de 13 años desde Un lugar tranquilo 2. La película alcanzó una recaudación de más de 180 millones de dólares en todo el mundo.
Fernando Colomo presentará en el festival CUTRECON de Madrid la proyección de su película “El Caballero del Dragón” en una nueva versión restaurada en 4K
La película de ciencia ficción y fantasía medieval “El Caballero del Dragón” (1985), una de las producciones más ambiciosas y a la vez fallidas de la historia del cine español, se proyectará el próximo 5 de febrero a las 16:30 horas en la Facultad de Ciencias de la Información (Av. Complutense, 3) de la Universidad Complutense de Madrid. La sesión, que contará con la presencia de su director, Fernando Colomo, forma parte de la programación de la decimocuarta edición de CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, patrocinado por Kitchen 154. Además, la entrada será libre hasta completar aforo y el largometraje podrá verse en una nueva restauración en 4K realizada por Mercury Films.
«Es una de las grandes películas malditas del cine español, un delirio visual y narrativo que desafía cualquier etiqueta y que merecía ser reivindicado en un festival como este», afirma Carlos Palencia, director de CUTRECON. Y añade que “a pesar de sus errores y desvaríos, tiene un encanto hipnótico, no hay nada parecido; se trata de una obra osada, inclasificable y, sin duda, digna de disfrutarse en todo su esplendor gracias a esta nueva restauración.»
En 1985, el cine español intentó hacer historia con una superproducción de fantasía y ciencia ficción, protagonizada por estrellas internacionales, con efectos especiales ambiciosos y un presupuesto récord. El resultado fue una de las películas más insólitas en la filmografía de Fernando Colomo. Con Harvey Keitel, Klaus Kinski y un Miguel Bosé convertido en alienígena cuya interpretación sigue siendo lo más recordado -y ridiculizado-, la cinta prometía revolucionar la industria… Pero acabó estrellándose contra la crítica y el público.
Con los años, el filme ha sido objeto de revisiones que destacan su intento de fusionar géneros y su carácter adelantado a su tiempo. Para hablar sobre los entresijos de su producción, Colomo, al finalizar el filme, participará en un coloquio donde responderá las preguntas de los asistentes.
Además, al inicio de la sesión, el director recibirá el Premio CONFISLAB Sah-Di-A, que le será entregado por Ramón Saldías, director de “Karate Contra Mafia” (1980), una de las primeras películas de artes marciales del cine europeo. El galardón, bautizado con el seudónimo que Saldías utilizó en su ópera prima, distingue a cineastas que, sin haberse prodigado en el llamado “cine cutre o trash”, han firmado obras que se han convertido en hitos dentro del fenómeno.
EXPOSICIÓN: «EL CABALLERO DEL DRAGÓN: LA ÉPICA SUICIDA DE FERNANDO COLOMO»
CUTRECON también sacará a la luz los restos de aquella batalla que fue el rodaje de “El Caballero del Dragón” con una exposición de acceso libre, titulada «El Caballero del Dragón: La Épica Suicida de Fernando Colomo«, que podrá visitarse del 29 de enero al 28 de febrero en la Facultad de Ciencias de la Información.
La muestra reúne materiales originales que revelan cómo se gestó esta odisea cinematográfica, desde storyboards y bocetos hasta guiones anotados y fotografías del rodaje. Todo ello ha sido posible gracias a los archivos de Mercury Films, Fernando Colomo, el coleccionista Fernando Abril y el equipo del festival.
Nacido en Madrid en 1946, Fernando Colomo es uno de los cineastas más influyentes de la comedia española y un referente de la llamada comedia madrileña de La Movida. Con más de cincuenta años de trayectoria, ha dirigido títulos como “Tigres de papel” (1977), “La vida alegre” (1987), “Bajarse al moro” (1989) o “Los años bárbaros” (1998).
LA EDICIÓN MÁS GRANDE DE CUTRECON
Kitchen 154 – CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, celebrará su decimocuarta edición del 5 al 9 de febrero de 2025 en tres sedes de la capital: la Facultad de Ciencias de la Información (Av. Complutense, 3) de la Universidad Complutense, el céntrico mk2 Cine Paz (C/ de Fuencarral, 125) y los multicines mk2 Palacio de Hielo (Centro Comercial Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77). En esta ocasión, se programará “una hilarante selección de las peores películas de fantasía épica”, según han adelantado sus organizadores.
El público podrá disfrutar de hasta 25 títulos —la cifra más alta en la historia de CUTRECON—, muchos de ellos rescatados del olvido o duramente castigados por la crítica en su estreno, pero que «merecen una segunda oportunidad por lo involuntariamente divertidos que resultan en su mayoría», afirma Carlos Palencia, director del certamen.
ENTRADAS Y ABONOS YA A LA VENTA
Las entradas individuales y los abonos para CUTRECON 14, ya están a la venta en los enlaces habilitados en www.cutrecon.com.
El festival está patrocinado por la franquicia de restaurantes de comida especiada y picante Kitchen 154, la gestoría Confislab, el servicio de hosting Cdmon, la plataforma de streaming centrada en cine de terror Shadowz, la distribuidora Ediciones Setantanou, la editorial Apache Libros, la productora Arkham Contents, los comercios La Mansión del Terror y El Templo del Arcade y los portales web Moviementarios.com y ConCdeCultura.es.
Organizan los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, la cadena de cines mk2, la Universidad Complutense de Madrid y su Facultad de Ciencias de la Información, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.
Paul Urkijo Alijo rueda «GAUA», su tercer largometraje
Fotografías: David Herranz
Nos complace anunciar el inicio de rodaje de Gaua (‘Noche’ en castellano), el tercer largometraje de Paul Urkijo Alijo tras las exitosas Errementari e Irati (película en euskera más taquillera de la historia). Como en trabajos anteriores del cineasta, Gaua transita entre los códigos de la fantasía y la realidad histórica, pero en esta ocasión se sumerge en el mundo nocturno de la mitología vasca, ambientado en el siglo XVII. La película combina el inquietante mundo mitológico de los seres nocturnos con el imaginario de la superstición rural creandoun universo lleno de misterio, emoción y épica.
Gaua, está protagonizada por Yune Nogueiras (La infiltrada, Akelarre) acompañada por Ane Gabarain (20.000 especies de abejas; Patria), Elena Irureta (Patria, Flores de otro mundo) e Iñake Irastorza (Ventajas de viajar en tren, Todos estamos invitados). Completan el reparto Xabi Jabato (Sin cobertura, Valle salvaje), Erika Olaizola (Los últimos románticos; Los tontos y los estúpidos), Manex Fuchs (20.000 especies de abejas) y Elena Uriz (Akelarre; Irati), entre otros.
La película se rueda en euskera durante 7 semanas en diversas localizaciones del País Vasco.
Sinopsis: Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin sale del caserío en mitad de la noche huyendo de su marido. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino se topa con tres afables mujeres que mientras lavan la ropa comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para el asombro de Kattalin, ella misma acabará formando parte de dichas historias.
Paul Urkijo Alijo explica así el origen del proyecto: «desde niño me han fascinado las historias relacionadas con la noche que hay en la mitología de nuestro país. Cuentos con los que se educaba a los más jóvenes a tenerle respeto a los peligros de la oscuridad, así como las leyendas sobre espíritus, demonios y brujas que se crearon a raíz de las persecuciones del siglo XVII y que hoy en día han derivado en figuras de empoderamiento femenino. Es un tema que siempre me ha interesado y que con Gaua pretendo llevar de manera espectacular, inquietante y épica a la gran pantalla. Escenas más terroríficas, pero a la vez bellas de las leyendas nocturnas de nuestra tradición oral».
Es la primera vez que Paul Urkijo Alijo y la productora Irusoin trabajan juntos. Ander Sagardoy, uno de los productores de Irusoin, valora así esta unión: «la alianza de Irusoin con Paul llega de una manera muy natural. Es un cineasta al que admiramos desde hace años y con el que estábamos deseando colaborar. La autenticidad y ambición que desprenden todas sus obras lo convierten en un talento único».
Las dos películas previas del director, Irati y Errementari, destacan como ejemplos exitosos de historias que fusionan elementos de fantasía y mitología rural. Precisamente Irati se ha convertido en la película más taquillera de la historia rodada en euskera y Errementari ha obtenido resultados excepcionales a nivel mundial en Netflix.
Gaua es una producción de Irusoin (Marco), Ikusgarri Films (Irati), Vilaüt Films (Alcarràs) y Gaua AIE. Cuenta con el apoyo de EITB, Prime Video, RTVE, ICAA, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y Diputación Foral de Álava. Filmax se encarga de su distribución en cines de España y de las ventas internacionales.
PAUL URKIJO ALIJO (Vitoria-Gasteiz, 1984)
Apasionado del cine de género, la mitología y los cuentos tradicionales, en 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari. Una película de género fantástico basada en el cuento del folklore vasco “Patxi Errementaria”. En 2023 estrena Irati, la película en euskera más vista hasta la fecha en salas de cine. Las películas que ha escrito y dirigido han ganado más de 130 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones en todo el mundo.
Presentación y primeras novedades del 9 BCN Film Fest
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) ha presentado esta mañana el cartel oficial de su 9ª edición y las primeras películas confirmadas para su programación. El evento se celebrará del 24 de abril al 2 de mayo de 2025 en los Cines Verdi de Barcelona como sede principal. La presentación ha ido a cargo de la directora del BCN FILM FEST, la periodista y crítica de cine Conxita Casanovas.
CARTEL OFICIAL
El BCN FILM FEST 2025 rinde homenaje a Marcello Mastroianni en el centenario de su nacimiento, dedicándole su cartel oficial. La imagen central del cartel, una de las más icónicas de su carrera, que corresponde a un fotograma de la película “Fellini 8 ½”, captura la esencia del actor que se convirtió en un símbolo del cine italiano y mundial. Su carrera, que abarcó más de cinco décadas, dejó un legado de personajes inolvidables que exploraron con profundidad las complejidades humanas. Este tributo celebra no solo al actor, sino también al hombre que marcó una época en el séptimo arte.
«Aprovechando la icónica imagen de Mastroianni, alter ego de Fellini en «Fellini 8 1/2″, nos permitiremos reflexionar sobre el cine dentro del cine, con los “Diamanti”de Ferzan Özpetek, o la creación y la interpretación con “La divina Sara Bernhardt”. Pondremos sobre la mesa un amplio argumentario con temas de gran actualidad, como afrontar una separación, la precariedad económica o la paternidad. Reforzamos nuestro vínculo con la literatura y entre obras de Jane Austen o Nabokov y consejos del Dalai Lama, recordaremos la importancia de la educación y la cultura para mejorar nuestras vidas», comenta Conxita Casanovas
«Después del alto nivel de la edición anterior con el éxito de “Casa en flames”,vamos a por la novena, con la incorporación de nuevos partners con los que esperamos ampliar horizontes«, añade Casanovas
AVANCE DE LOS PRIMEROS TÍTULOS DEL BCN FILM FEST 2024
La 9ª edición del festival contará con alrededor de 75 títulos en sus distintas secciones. Un festival que mantiene y refuerza el vínculo con la Literatura y la Historia, como lo vuelven a demostrar las películas de la Sección Oficial, basadas en adaptaciones literarias o basadas en hechos y personajes reales.
A continuación, un primer avance de la programación:
SECCIÓN OFICIALADORABLE
de Lilja Ingolfsdottir/ Con Helga Furen, Oddgeir Thune
Noruega / Première española
CUATRO PAREDES
de Ibon Comenzana / Con Manuela Vellés, Sofía Otero
España / Première mundial
LA DIVINA SARAH BERNHARDT
de Guillaume Nicloux / Con Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte
Francia / Première española
LA FURGO
de Eloy Calvo / Con Pol López, Aimar Vega, Carmela Poch
España / Première mundial
MISS VIOLET
de Éric Besnard / Con Alexandra Lamy, Grégory Gadebois
Francia / Première española
READING LOLITA IN TEHRAN
de Eran Riklis / Con Golshifteh Farahani, Zar Amir-Ebrahimi
Italia, Israel / Première española
SMALL THINGS LIKE THESE
de Tim Mielants / Con Cillian Murphy, Emily Watson
Irlanda / Première española
THE QUIET SON
de Delphine Coulin, Muriel Coulin / Con Vincent Lindon, Benjamin Voisin
Francia / Première española
SECCIÓN OFICIAL (FUERA DE COMPETICIÓN)
DIAMANTI
De Ferzan Özpetek / Con Jasmine Trinca, Luisa Ranieri, Stefano Accorsi
Italia / Première española
LA MERCANCÍA MÁS PRECIOSA
De Michel Hazanavicius
Francia / Première catalanaWISDOM OF HAPPINESS
De Barbara Miller, Philip Delaquis / Con Dalai Lama
Suiza / Première española
CINEMA AMB GRÀCIA
BOB TREVINO LIKES IT
De Tracie Laymon / Con Barbie Ferreira, John Leguizamo
Estados Unidos / Première catalana
JANE AUSTEN ARRUINÓ MI VIDA
De Laura Piani / Con Camille Rutherford, Pablo Pauly
Francia / Première española
ASIAN MUSIC BY CINEASIA
BELLE (2022) de Mamoru Hosoda
JapónBLUE GIANT (2023) de Yuzuru Tachikawa
JapónCHUNGKING EXPRESS (1994) de Wong Kar-Wai
Hong KongOFFICE (2015) de Johnnie To
China, Kong KongPERFECT DAYS (2023) de Wim Wenders
JapónSYMPATHY FOR LADY VENGEANCE (2005) de Park Chan-wook
Corea del SurIMPRESCINDIBLES
CENTENARIO MARCELLO MASTROIANNIEn el marco del centenario del nacimiento de Marcello Mastroianni, el BCN FILM FEST 2025 dedica su retrospectiva a este icono del cine, con una selección de sus títulos más representativos, que incluyen:
LA SENDA DE LA ESPERANZA (1953)
RUFUFÚ (1958)
LA DOLCE VITA (1960)
LA NOCHE (1961)
FELLINI 8 1/2 (1963)
EL EXTRANJERO (1967)
LOS GIRASOLES (1970)
UN ITALIANO EN CHICAGO (1971)
LA GRAN COMILONA (1973)
UNA JORNADA PARTICULAR (1977)
ENRIQUE IV (1984)
OJOS NEGROS (1987)
MARCELLO, UNA VITA DOLCE (2006)
JURADO DE LA NOVENA EDICIÓN
El Jurado de esta próxima edición estará formado por: la actriz y directora Silvia Munt (que ejercirá de presidenta del Jurado), el dramaturgo Sergi Belbel y el actor y director José Corbacho.
PREMIOS
En esta 9ª edición del BCN FILM FEST se incorpora un nuevo galardón: el Premio al Mejor Montaje. Con este reconocimiento, el festival quiere destacar la importancia de esta disciplina en el proceso cinematográfico, subrayando cómo el montaje puede transformar una película, aportando ritmo, emoción y cohesión a la narrativa. Este premio será otorgado por el Jurado oficial y nace de la colaboración del festival con la AMMAC (Associació de Muntadores i Muntadors de Catalunya).
Esta edición seguirá contando con el «Screen International Award for Catalan Producer of the Year», un galardón otorgado por la prestigiosa revista de cine internacional Screen International que reconoce al productor de cine catalán más destacado del año.
NUEVOS PATROCINADORES Y NUEVAS COLABORACIONES
El festival agradece a todas las empresas e instituciones que siguen, un año más, apoyando al BCN FILM FEST y da la bienvenida a MOVISTAR PLUS+ que se incorpora como Media Partner y al Festival de Jazz de Barcelona que será un nuevo Partner Especial.
Además, para este 2025, la colaboración con el ESCAC será más estrecha con los CINEMA TALKS by ESCAC, charlas de profesionales de la industria del cine, pensadas y enfocadas a estudiantes de cine.
NOUS TALENTS
La sección Nous Talents del BCN FILM FEST 2025 presentará una selección de 21 cortometrajes escogidos por siete universidades de Catalunya con estudios cinematográficos y centros de formación académica equivalente: ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya), Blanquerna Universitat Ramon Llull, FX Barcelona Film School, Universitat de Vic-Universitat Central de Catalunya, La Casa del Cine, Bande à Part Escuela de cine Barcelona y Barcelona Cinema School & Actors Studio.
Cada centro seleccionará tres cortometrajes que competirán por el Premio al Mejor Cortometraje – Nous Talents, otorgado por un jurado compuesto por periodistas de la Associació Catalana de Crítics i Escriptors Cinematogràfics (ACCEC). El galardón incluye un premio en metálico de 3.000 euros para el director o directora ganadora, además de un trofeo oficial. Como novedad de esta edición, se suma un segundo premio de 2.000 euros, destinado a la escuela del cortometraje ganador, reforzando así el apoyo a las instituciones educativas.
La sección Nous Talents del BCN FILM FEST refleja el doble propósito del festival: ser una plataforma esencial para el descubrimiento de nuevos talentos en la industria cinematográfica y reafirmar su compromiso con la educación y la formación audiovisual. Estos aspectos pedagógicos, que han sido un sello distintivo del certamen desde sus inicios, consolidan al festival como un espacio clave para impulsar a las futuras generaciones de creadores mientras fomenta el aprendizaje y el desarrollo artístico.
LA QUINCENA DE LA ESCUELA DEL BCN FILM FEST
La Quincena de la Escuela se celebrará en los Cines Verdi del 31 de marzo al 11 de abril. Este programa incluirá una programación variada con algunas de las películas nacionales más destacadas de 2024, como “El 47”, “Marco” o “Guardiana de Dragones (Dragonkeeper)”. También se ofrecerán dos dramas históricos sobre los peligros de los extremismos, “El Ministro de Propaganda” y “Los Niños de Winton”. Los asistentes podrán disfrutar de secuelas de grandes títulos como “Mufasa: El Rey León” y “Bitelchús, Bitelchús”, además del drama de época “El Profesor de Esgrima”, que aborda cómo una joven rompe con los estereotipos de su tiempo.
Asimismo, se ofrecerán sesiones gratuitas en lengua de signos española para escuelas con alumnos con discapacidad auditiva de las películas “Guardiana de Dragones (Dragonkeeper)”, “El Ministro de Propaganda” y “El Profesor de Esgrima”.
SEDES Y ENTRADAS A PARTIR DE 4,90€
Las proyecciones tendrán lugar en varios espacios de la ciudad de Barcelona, como los CINES VERDI, CAIXAFORUM, CASA SEAT, INSTITUT FRANÇAIS, ATENEU BARCELONÈS, LA PERLA 22 y en esta edición, también se une el DISSENY HUB BARCELONA.
El festival, como en ediciones anteriores, también realizará proyecciones en varios centros cívicos de Barcelona (con sesiones gratuitas) y en más de una veintena de cineclubs de nuestro país.
Las entradas estarán disponibles a partir de 4,90€.
EVA MILLER, EL ESPECTÁCULO EN LA SANGRE
Artista circense, vedette (en lugares como el Follies Bergère y en los Casinos de París y Niza), cantante (con un EP publicado en 1964 en su Francia natal) y, como veremos, actriz, Eva Miller, de origen franco-canadiense, debutó en España en octubre 1966 con la revista De Madrid al cielo protagonizada por Marujita Díaz. Tras casarse con el que fuera su representante y personalidad del mundo del circo, Vicente Herrera, Eva se instala en Valencia, recorriendo muchos países bajo diferentes carpas (Universal, Mundial, Americano, Williams, Bouglione, Price, Amar, Togni, Pinder o Jean Richard, entre otros), con su número de cowgirl amazona junto a su caballo Furia, domadora de rodeo, lanzadora de puñales, tiradora y experta en el manejo del látigo, pero también como malabarista, payaso o trapecista, todo lo cual la hicieron merecedora de un Oscar Mundial del Circo Price en 1970. Elegida en 1972 Miss Costa Azul en Niza, su creciente fama la llevó a las televisiones de todo el mundo, incluida TVE, participando en 
programas como Estudio Abierto, 300 millones y, sobre todo, en el popular concurso Un, dos, tres… responda otra vez a principios de los años ochenta, en el que realizó diversas disciplinas que incluyeron lanzamiento de puñales (sobre una espantada Silvia Marsó), habilidades con el látigo y como amazona con su caballo Furia. Fueron varios programas, lo que incluso le dio oportunidad de cantar un tema en francés en el que fue dedicado a Las Vegas.
Pero hablemos de cine.
A pesar de que como experimentada amazona ya había doblado a Brigitte Bardot y a Claudia Cardinale, Eva Miller debuta en el cine con El Padre Manolo (1967), una película realizada a mayor gloria de su protagonista, la estrella del Desarrollismo, Manolo Escobar, que como puede intuirse interpreta a un cura que, además de repartir la Eucaristía, ejerce de mago para los niños y tiene una carrera 
discográfica. Todo “un cura ye-ye”, vamos, como lo define uno de sus feligreses, pero un cura como Dios manda, ajeno al Concilio Vaticano Segundo, pues no se quita la sotana ni para conducir su Lambretta. El Padre Manolo se verá envuelto en un caso de. asesinato que la policía cerrará como accidente, así que decidirá investigar por su cuenta y demostrar que fue un crimen con la colaboración de su tío, el Padre Pepe (interpretado por el inefable Miguel Ligero), y el chofer del autobús escolar (Ángel de Andrés). Y entre medio: canciones, el malencarado asesino interpretado por Antonio Sánchez Polack, más canciones, un Juan Luis Galiardo imberbe haciendo bulto y Eva Miller como Isabel, amiguita de uno de los sospechosos. Un papel diminuto en el que tendrá ocasión de lucir sus innegables encantos y poco más.
Resulta, cuanto menos curioso, que las habilidades de la artista no fueran requeridas para el cine por ninguno de los numerosos directores que realizaban westerns en Almería, Madrid o Esplugues, pero afortunadamente el sello barcelonés Profilmes, sí que había echado el ojo a Eva Miller.
Lo primero que hizo el entrañable director Miguel Iglesias Bonns cuando Josep Antón Pérez Giner, uno de los responsables de Profilmes, le propuso rodar una película de Tarzán, fue pedir 24 horas para pensárselo. Bonns era un enamorado del género policíaco, tal y como había demostrado en cintas como El fugitivo de Amberes (1955) o El cerco (1955), afición que compartía con su compañero y coguionista ocasional, Juan Bosch, así que la oferta de Pérez Giner le pilló por sorpresa. El veterano León Klimovsky, director escogido para hacerse cargo de Tarzán y el misterio de la selva, había declinado la oferta al no agradarle la idea de ir a rodar a África, algo que sí resultaba atractivo para el realizador catalán. Además del monto monetario, pues cobraría 250.000 pesetas de la época por cada película, así que aceptó, aunque finalmente no se llegaron a rodar exteriores en Uganda, pues la situación política no invitaba a ello. Iglesias Bonns tuvo que conformarse con recrear la selva africana en las montañas de Collserola (Barcelona), añadiendo algunas imágenes rodadas en 16 milímetros por un amigo suyo durante unas vacaciones en África. En todo caso la aventura resultó lo suficientemente satisfactoria como para que Miguel Iglesias rodara varias películas más para Profilmes, tres de ellas en la misma línea de aventuras, La maldición de la bestia (1975) con Paul Naschy, la estrella de la casa; y el díptico protagonizado por Eva Miller, La diosa salvaje (1975) y Kilma, reina de las amazonas (1976).
La acción de La diosa salvaje, que se inicia tras unos títulos de crédito de lo más pop, se desarrolla también en la selva africana, así que al igual que ya se hiciera en el filme de Tarzán, se buscaron localizaciones en diversos puntos de Catalunya y Madrid[1], contado además con una acertada ambientación africana realizada por el polifacético Tunet Vila, actor y dibujante[2], que contó con atrezzo y vestuario presumiblemente heredado de los tarzanes de la 
casa. También se recurrió a las consabidas imágenes de archivo, necesarias para mostrar algo más fiero que Bibí[3], el simpático chimpancé que acompaña a Kilma. La acción de La diosa salvaje es bien sencilla: la avioneta en la que van un millonario que transporta una maleta llena de diamantes y su hija se estrella en el corazón de África, muriendo todos en el percance excepto la niña, que quince años después y criada en la selva se ha convertida en Kilma, la diosa salvaje, temida y respetada por las tribus aborígenes. El rumor de su leyenda llega a los oídos de Albert, un aventurero, que emprenderá una expedición que contará con el apoyo de la madre de la niña desaparecida (Maria Perschy) a la que se sumará Joham, el tío de la niña, (Paul Naschy), cuyo objetivo personal es entorpecer la búsqueda para atajar su probabilidad de heredar parte de la fortuna familiar. También unos traficantes buscarán a Kilma, pues sospechan que en su territorio podría haber una mina de diamantes.
Con un guion escrito al alimón por Iglesias Bonns y Miguel Cussó[4], Kilma no es otra cosa, tal y como vemos ya desde su origen, que un tarzán femenino,[5] que defenderá celosamente su territorio y el respeto a los animales, pero que caerá bajo las garras del amor con Albert (Ricardo Merino). Eva Miller, además de lucir palmito, demostrará ser ideal para el papel, pues además de su atlética complexión física, lanza puñales, maneja el látigo con gran destreza y está habituada a tratar con animales debido a su trabajo en el circo.
Entre los actores, además de los nombrados Naschy, Perschy y Ricardo Merino, La diosa salvaje contó con la participación de eficaces característicos como Luis Induni y Gaspar ‘Indio’ González, con los que Bonns contará para el resto de sus películas en Profilmes. Por cierto, y a modo de curiosidad, señalar que puede verse al propio director al comienzo de la cinta despidiendo la avioneta.
Kilma, reina de las amazonas resulta algo más infantil que la anterior, y aunque el personaje que interpreta Eva Miller conserva el nombre que tenía en La diosa salvaje, no hay relación entre ambos personajes. Aquí se ofrecerá al espectador una cinta de aventuras ambientada a principios del siglo XIX en Batavia, isla imaginaria 
situada en el Océano Pacífico en la que viven las amazonas, custodias del Templo de la Luz Eterna, una enorme piedra preciosa que fue a ellas entregada por “los dioses de las estrellas”. Guardianas celosas, se enfrentarán a todo varón que se acerque a su dominio, ya sean los risibles nativos que se aventuran a navegar hasta la isla, como los pendencieros piratas comandados por Jack, el tuerto (Luis Induni), que buscan las joyas que poseen las amazonas. Para enfrentarse a estos piratas y sus armas de fuego, las amazonas contarán con la ayuda de Dan Robinson, uno de los miembros de la tripulación, interpretado por Frank Braña en uno de sus escasos papeles de galán. Las aguerridas amazonas lucharán armadas de lanzas y flechas y Kilma podrá demostrar su pericia con el lanzamiento de cuchillos. También contará con su fiel caballo Furia, todo un liante que, se lo crean o no, hará lo imposible para unir a Kilma y Dan, que como pueden suponer, terminará quedándose a vivir en la isla ‘como un señor’, con todas las amazonas a su servicio, tal y como vemos en el desenlace. Todo un final ‘feliz’ a la española
Bien localizada en bellos parajes de Catalunya (Cadaqués, Altafulla, Garraf y La Roca, entre otros), parece que esta segunda aventura de Kilma contó con más presupuesto que la anterior, repitiendo algunos de sus actores, como el mencionado Luis Induni y Gaspar ‘Indio’ González, a los que se les unirán Luis Ciges, Verónica Miriel y el ya nombrado Frank Braña. Por cierto, la voz de Eva Miller fue doblada por la actriz María Luisa Solá, dobladora habitual de Sigourney Weaver.
Al igual que La diosa salvaje, el guion fue escrito por Iglesias Bonns y Miguel Cussó, adaptando en esta ocasión uno que Boons tenía preparado y registrado para una segunda cinta de Tarzán que no llegó a rodarse, Tarzán y las mujeres pantera[6].
En Barcelona, tanto las dos cintas de Iglesias Boons como otras producciones Profilmes, fueron estrenadas en el cine Capitol (el popular Can Pistoles). En el caso de Kilma, reina de las amazonas en programa doble con la producción mexicana de aventuras Los jaguares contra el invasor misterioso (Juan Manuel Herrera, 1975), mientras que La diosa salvaje se exhibió junto a la también producción Profilmes, Robin Hood nunca muere (Francesc Bellmunt, 1975).
Mientras la crítica barcelonesa trató bien ambas películas, destacando la labor del director y de su estrella: “Todas estas peripecias han sido muy bien llevadas a la pantalla, con emoción y brío y una destreza técnica que revela el buen pulso del realizador. Eva Miller en el papel de reina está no sólo atractiva y arrogante sino muy eficaz en el terreno artístico.”[7] La crítica madrileña, en cambio, se mostró menos entusiasmada con el filme que con los encantos de su protagonista: “Esta película, de tono menor y dirigida a un vasto público, entretiene y divierte. Los ‘ingenuos’ destapes de la ‘diosa’ puede que le den más atractivo de cara al público en general.”[8]
Ambos filmes se estrenaron, asimismo, en diversos países, entre ellos Italia, Noruega, Portugal, Inglaterra, Turquía y Estados Unidos, lugares en los cuales, al igual que otras películas de Profilmes, tendrían una segunda vida durante los años ochenta en el mercado doméstico con la irrupción de los video clubes.
Según escribe Àngel Comas[9], “inmediatamente después de sus dos películas, y quizá por su carácter inquieto, (Eva Miller) probó fortuna como estrella de espectáculos eróticos. En España actuó en el J’Hay de Madrid con un 
show propio titulado La diosa salvaje y en Barcelona en solitario en la sala Starlettes. Su aspecto era ya mucho más sofisticado y lo había transformado en consonancia con su nueva carrera”.
Ya en los años ochenta y tras tener un tanto abandonado el cine, Eva entra a formar parte del reparto de Estirpe de dioses (Diego Santillán, 1982), cinta de espada y brujería escrita por Dan Barry (Joaquín Gómez Sáinz), actor que ya tendría problemas para sacar adelante su anterior proyecto, la accidentada Los Cántabros (Jacinto Molina, 1980) y que no tendría mejor suerte con esta, pues a pesar de estar totalmente rodada y a falta tan solo de montar y sonorizar, no llegaría a estrenarse nunca. Afortunadamente, Dan Barry dirigirá y conseguirá estrenar, aunque con tres años de retraso, Tunka el guerrero (1984), otra cinta adscrita al subgénero de espada y brujería a lo que añadió gotas de 
cine apocalíptico y de cuya dirección tuvo que hacerse cargo el propio Barry tras despedir a José María Zabalza por sus problemas de alcoholismo. Tunka el guerrero tampoco es que deje muy alto el listón en cuanto a calidad cinematográfica, pero corrió mejor suerte que su siguiente propuesta, La herencia del mal (1987), película de terror protagonizada por David Rocha y Frank Braña que tampoco llegaría a estrenarse y de la que el propio director vendería copias en formato DVD. Finalmente, ya en 1996 y con su nombre real, Joaquín Gómez Sáinz, dirigirá un documental en video, Aquel lugar de La Mancha que, al tener partes ficcionadas, contará con la participación de varios actores, entre los que se cuentan, además de Eva Miller, Jack Taylor, Tony Isbert, Mónica Molina, José Luis Ayestarán (Tarzán en la producción Profilmes Tarzán y el misterio de la selva) y el boxeador ‘Dum Dum’ Pacheco.
En algunas reseñas sobre Eva Miller también hemos leído que actuó en una serie televisiva, Senderos de añoranza, pero no hemos podido encontrar ningún dato más al respecto.
Siempre en activo, en 2011 participa en el cortometraje Punto Rojo, dirigido por Darío J. Ferrer y Carlos Sánchez Arévalo que cuenta, en clave de humor surrealista, el origen de la tomatina de Buñol. Allí coincide con el entrañable Pepe Carabias, apoyo cómico de Eva en algunos de sus números en el programa concurso de Chicho Ibáñez Serrador. Ese mismo año, David Molina Pérez rueda un documental de veinte minutos sobre la vida y carrera artística de la polifacética actriz, todavía vinculada al mundo del espectáculo, concretamente del circo, y que mantiene las ganas de seguir dando guerra mientras le queden energías.
NOTAS
[1] O mucho nos equivocamos o el río Tanganika del filme es la playa de Alberche en Aldea de Fresno, utilizada también por Amando de Ossorio en La noche de los brujos, otra producción Profilmes.
[2] ¿Recuerdan ‘Tumbita’ en las tiras cómicas de los cómics Marvel editados por Vértice? Pues son obra suya.
[3] Posiblemente Lucy, chimpancé que acompañaba a la artista en algunos de sus números circenses y que al igual que su caballo, Furia, participó en las actuaciones de la artista en cine y televisión.
[4] Escritor de novelas románticas y del oeste, así como guionista de cómic y colaborador habitual en las películas de Alfonso Balcázar.
[5] De extensa tradición, especialmente en el campo del cómic y cine, los conocidos como tarzánidos, son personajes masculinos o femeninos similares al creado por Edgar Rice Burroughs. Nacidos a expensas de su éxito, tienen en común el ser un personaje blanco (másculino o femenino) que vive de forma solitaria en la selva, donde se desarrollan sus aventuras y que comprende y es comprendido por los animales. Pero más que las novelas, fue el éxito de las tiras de prensa de Tarzán, surgidas en 1928, las que propiciaron el nacimiento de varias heroínas como Sheena, Queen of the Jungle creada por Will Eisner y Jerry Iger en 1937 y que sin duda es la más famosa con su bikini de piel de leopardo, algo que se tornaría en cliché en este tipo de personajes, que comprende otros como Rima, The Jungle Girl, Camilla, Queen of the Lost Empire, Lorna, The Jungle Girl, ya en los años cincuenta o Shanna, personaje Marvel, publicado a partir de los años setenta.
Algunos de estos personajes inevitablemente pasaron a la pantalla, como Nyoka en el serial de 15 episodios de la Republic Los peligros de Nyoka (Perils of Nyoka, William Witney, 1942) o Sheena, que contó con una serie televisiva de 26 episodios emitida entre 1955 y 1956 que más tarde fue retomada para el cine con Sheena, la reina de la selva (Sheena, John Guillermin, 1984) y que retornó al medio catódico en el año 2000 con una nueva serie cuyas dos temporadas constaron de 35 episodios.
[6] Pulido, Javier: La década de oro del cine de terror español 1967-1976. T&B Editores, Madrid, 2012. Pág. 72.
[7] M. T. “Kilma, reina de las amazonas”, en La Vanguardia, 15 de abril de 1976, pág. 38.
[8] A. C. “La diosa salvaje”, en ABC, 23 de mayo de 1975, pág. 67.
[9] Comas, Ángel: Miguel Iglesias Bonns. “Cult Movies” y cine de género. Cossetània Edicions, Tarragona, 2003
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios