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Programación de PreNocturna y más novedades
NOCTURNA FAMILY
El 16 de mayo se cumplen 25 años de la triste desaparición de Jim Henson y NOCTURNA 2015 quiere recordarlo con una sesión matinal doblada al castellano de Dentro del Laberinto (Labyrinth, 1986) protagonizada por David Bowie y Jennifer Connelly, que podrá verse en la sala 1 de los cines Palafox el domingo 31 de mayo a las 12.30 de la mañana para el disfrute de toda la familia.
PreNOCTURNA: FANTÁSTICO LATINOAMERICANO
Ya está disponible la programación de FANTÁSTICA LATINOAMERICANA en PreNOCTURNA 2015, que se celebrará del 21 al 24 de mayo en Artistic Metropol (calle Cigarreras 6, Madrid) como aperitivo del festival. Como ya se anunció la semana pasada, todas las películas proyectadas en PreNOCTURNA competirán por el premio Blood Window.
JUEVES 21 DE MAYO:
16.30 horas: 2/11 EL DÍA DE LOS MUERTOS (Argentina/ 2012) de Ezio Massa. Con Juan Gil Navarro, Agustina Lecouna y Carlos Kaspar.
De las profundidades de un bosque, emerge, desnudo y bañado en sangre, Elías, sin un solo recuerdo de lo que le ha ocurrido a él y a sus tres amigos desaparecidos. Su hermano mayor – un agente de policía local, su única familia desde la muerte de sus padres– es el único que puede ayudarlo a resolver el enigma y exculparlo.
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18.15 horas: BUSCANDO LA ESFERA DEL PODER (Argentina/ 2013) de Tetsuo Lumiere. Con Tetsuo Lumiere y Ángeles Olleta.
La nave de una princesa se estrella en el planeta Tierra. Para recuperarse, debe tomar la energía de cuatro seres humanos.
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20.30 horas: REGINA (México/ 2012) de Javier Ávila. Con Miriam García, Gisela Blanco y Jesús Márquez.
Regina tiene 17 años. Hace dos años que nadie la ha visto, lleva ese mismo tiempo viviendo como mascota de Antonio, su padre. Cecilia, la madre de Regina, ciega y frustrada, vive el mismo encierro. En cuatro días Regina cumple 18 y como regalo, su padre la dejará libre.
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22 horas: PURA SANGRE (Colombia / 1982) de Luis Ospina. Con Florina Lemaitre, Carlos Mayolo y Humberto Arango.
Roberto Hurtado padece una rara enfermedad que exige transfusiones masivas de sangre de niños o adolescentes. Él chantajea a tres empleados para que le consigan sangre y éstos recurren a métodos inescrupulosos para conseguirla. En incursiones nocturnas atrapan a sus víctimas y los someten a sus perversiones sexuales antes de asesinarlos. La extraña desaparición de niños y la recurrente aparición de sus cadáveres desnudos en lugares despoblados aterrorizan la ciudad.
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VIERNES 22 DE MAYO:
16 horas. Programa doble: LA PAZ EN BUENOS AIRES (Argentina / 2013) de Marcelo Charras.
Erasmo Chambi es un inmigrante boliviano que sobrevive en los suburbios de Buenos Aires dando espectáculos de lucha libre en clubes de barrio. Carga a cuestas un ring precario hecho con sus propias manos. En su país fue un luchador legendario, existieron álbumes de figuritas, posters y muñecos de su personaje “El Ciclón”, que hoy son solo reliquias en un cajón olvidado. En estos días entrena a su hijo para que sea su sucesor.
+ ARENA AZTECA (México / 2014) de Orlando Jiménez Ruiz.
“Por mi pueblo hablará el deporte”, es el lema de la Arena Azteca Budokan, gimnasio fundado hace 54 años en Ciudad Nezahualcoyotl y donde se forjó la Dinastía Moreno, dirigida por Alfonso –conocido como el “Acorazado”– pero formada en su mayoría por mujeres que han practicado la lucha libre en México y en Japón.
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18.15 horas: ELLOS VOLVIERON (Argentina / 2014) de Iván Noel. Con Lauro Sarmento Verón y Valentina Sartorelli.
El secuestro de tres niños crea una serie de suspicacias y violentas reacciones en su pequeña comunidad.
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22 horas: CARNE DE TU CARNE (1983) de Carlos Mayolo. Con Adriana Herrán, David Guerrero y Santiago García.
Una historia gótica de amor entre un adolescente y su media-hermana durante la dictadura militar de los años 50 en Colombia. A través de la relación incestuosa los amantes son poseídos por los fantasmas de sus antepasados y se convierten en criaturas caníbales y vampíricas que siembran el terror al confundirse con mitos autóctonos. Al tomar como víctima al hijo de un campesino, los hermanos son asesinados y enterrados por este. Los amantes resucitan y salen de su tumba para seguir sembrando el terror.
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SÁBADO 23 DE MAYO:
11 horas. Menú Mexicano:
ALUCARDOS (México / 2010) de Ulises Guzmán.
La película es un largometraje documental que cuenta la historia de Lalo y Manolo, dos fans obsesionados con la película mexicana Alucarda que se entregan a la búsqueda de su director, Juan López Moctezuma, hasta dar con él en un hospital psiquiátrico. Tras raptarlo y hacerle recordar su pasado, el director recuperará su lucidez y les convertirá en custodios de su obra.
NECROS (México / 2013) de Tonatiuh Loza.
Da a conocer la importancia que tiene la labor que desempeñan las personas que trabajan con cadáveres, específicamente las dos últimas instancias legales (servicio médico forense y funerario).
MÉXICO EN CORTO. Selección de cortometrajes de México.
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16.30 horas: PERFIDIA (Chile / 2014) de Lucio Rojas. con Catherine Mazoyer, Iñigo Urrutia y Daniel Antivilo.
Laura y Rubén son una pareja de amantes que tras muchos años se reencuentran. Ella está casada y tiene dos hijas. Él, soltero, nunca ha podido olvidarla. Deciden pasar un fin de semana en una cabaña en una zona cordillerana alejada de la ciudad. En el lugar, una serie de hechos relacionados con la infancia de Rubén, cambiarán sus vidas para siempre, en donde el despertar de unas almas malditas en eterna pena, los llevarán al límite de sus capacidades y a dar por el otro, lo que nunca en su vida habrían hecho.
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18.15 horas: JORGE Y ALBERTO VS. LOS DEMONIOS NEOLIBERALES (Argentina / 2014) de Hernán y Gonzalo Quintana.
Jorge y Alberto, son dos brujos que viven en Buenos Aires. El primero, es uno joven que trabaja en un juzgado como cadete, el segundo, es uno muy poderoso pero completamente acabado, viviendo en una pensión. Un día el destino de los dos los llevará a encontrarse «por casualidad». Todo parece indicar que el eclipse de Saturno, trae malos augurios. Jorge y Alberto son visitados por la mismísima presidenta de la nación Argentina quien les encarga una misión. Rescatar a su hija, secuestrada por el juez Fayó, y evitar el ritual final y que triunfe el neoliberalismo universal. El ritual está en marcha, los demonios neoliberales atacan, y Jorge y Alberto parecen ser los únicos capaces de salvar a la república y a la hija de la presidenta, antes que el reloj, marque la medianoche.
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20 horas: PRESAGIO (Argentina / 2014) de Matias Salinas. Con Javier Valeria Salinas, Manuel Razzari y Julián Landerreche.
Camilo, un joven escritor, despierta de un extraño sueño que le anticipa la muerte de su esposa y su hijo en un misterioso accidente en la ruta. Afrontando su dura situación, intenta refugiarse en la escritura, comenzando una nueva obra literaria que se volverá su verdadera pesadilla cuando un misterioso hombre, que oculta su rostro bajo un paraguas, lo acecha y lo provoca “obligándolo” a terminar su libro, el mismo que Camilo había intentado abandonar por sentirlo dolorosamente autobiográfico.
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22 horas: AS FÁBULAS NEGRAS (Brasil / 2014) de Rodrigo Aragão,
Petter Baiestorf, Joel Caetano y José Mojica Marins. Con Carolina Braga.
Una antología de terror con seis episodios, uno de los cuales es el hilo que une el resto. Cuatro niños pequeños que juegan en el bosque con espadas de madera y hondas al tratar de asustar a los demás con historias macabras. V.O.S.E.
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DOMINGO 24 DE MAYO
20 horas: NECROFOBIA (Argentina / 2014) de Daniel de la Vega. Con Luis Machín, Gerardo Romano y Raúl Taibo.
Dante es un sastre cuya fobia le impide estar en contacto con la muerte. Cada vez que se encuentra frente a un cuerpo muerto, experimenta una sensación espeluznante que le hace perder la cabeza. Su enfermedad se agrava cuando su hermano gemelo muere, y él vé su propio rostro en un ataúd. A partir de este hecho traumático se rompen los muros de su realidad, varias personas cercanas a él son asesinadas y alguien quiere incriminarlo. Dante busca resolver el enigma de las muertes, pero se ve atrapado en una lucha constante entre lo real y no real.
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22 horas: LA MANSIÓN DE ARAUCAIMA (Colombia / 1986) de Carlos Mayolo. Con Adriana Herrán, José Lewgoy y Vicky Hernández.
Una mansión suspendida en el tiempo es habitada por personajes muy particulares, que viven la cotidiana y agradable rutina que les brinda (y se auto-brinda) la Machiche, una hembra blanca y carnosa que va saltando de personaje en personaje para brindarles placer y, de paso, para presentarlos al espectador.
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Todas las sesiones tienes el precio de 6 €. También puede adquirirse un bono para PreNOCTURNA 2015 en la misma sala ARTISTIC METROPOL y a través de este link:
https://www.ticketea.com/nocturna-2015-abono-artistic-metropol-21-22-23-y-24-de-mayo/
Válido para todas las sesiones (Excepto el evento Frankenhooker que es necesaria invitación) de la sala Artistic Metropol los días 21, 22, 23 y 24 de Mayo del 2015.
‘A esmorga’, un reflejo de tiempos oscuros
Para el director de A esmorga, Ignacio Vilar, el cine es intentar llegar a la verdad. Y verdad es lo que refleja su película. Una verdad desagradable. Fea, gris, sin un final feliz con el que volver a casa.
Su conclusión nos deja el estómago encogido. En silencia. Sin palabras. Nos toca. Pero es una verdad necesaria, que grita que no todo en el cine es evasión. Que el cine también tiene que provocar. Y esa sensación es la que produce A esmorga, nueva adaptación del gran clásico de las letras gallegas.
Eduardo Blanco Amor escribió en 1959 y en su idioma gallego A esmorga desde su exilio en Argentina. En el libro describió su Galicia tal y como la tenía presente desde la distancia, ofreciendo un relato trágico que narra el autodestructivo viaje a ninguna parte de sus tres protagonistas: Cibrán el castizo, el Bocas y Milhomes que pasan 24 horas de esmorga[1] en los arrabales de la ciudad de Auria, trasunto literario de Ourense en el que los tres hombres se beberán la vida en un acto de rebeldía contra aquella sociedad que les tocó vivir y el puesto que se les ha reservado en ella. Una carrera en la que se llevarán todo por delante sin posibilidad de dar marcha atrás.
Esta, una de las novelas capitales de la cultura gallega que recientemente ha reeditado, completa y sin censura, Editorial Galaxia dentro de su sello Mar Maior, es ampliamente conocida en su lugar de origen. Lectura obligatoria de Bachillerato allí durante los años ochenta, es tan popular, que ha batido todos los récords de taquilla.
Y es que hay otros relatos ebrios, pero pocos retratan la locura del espirituoso y ese itinerario hacia el infierno como lo muestra el filme de Vilar. Mérito que hay que reconocer en su justa medida a sus magníficos protagonistas: Castizo (Miguel de Lira), el Bocas (Karra Alejalde) y Milhombres (Antonio Durán ‘Morris’), que saben introducirse en esa atmósfera líquida, densa como la lluvia que moja a los personajes por fuera como el aguardiente los abrasa por dentro.
A bote pronto uno recuerda otros descensos etílicos que nos ha ofrecido el cine, como Despertar en el infierno (Wake in Fright, Ted Kotcheff, 1971) o la alucinógena y atmosférica Dementia (John Parker, 1955), que para el que esto escribe retrata la soledad y la atmósfera de pesadilla en la que puede desembocar una intoxicación etílica o de barbitúricos. Historias que no buscan redimir a sus protagonistas como Días sin huella (The Lost Weekend, Billy Wilder, 1945) o Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, Blake Edwards, 1962).
A esmorga llega más lejos. La rebelión de sus protagonistas tiene más alcance que el que tiene una simple juerga. Se trata de toda una rebelión. Cierran puertas tras de sí con tanta facilidad como cierran bares y burdeles. Queman barcos, huyen del claustrofóbico ambiente que conforma esa Auria gris, fría y lluviosa, cuarto protagonista de un filme y representación de la sociedad española de la época a la que los protagonistas plantan cara. Reflejo de tiempos oscuros en el que no están ausentes otros temas como la conciencia de clase y la homosexualidad.
La obra de Campo Amor ha sido adaptada para teatro y televisión. Gonzalo Suárez rodó en 1977 Parranda, que inicialmente era un proyecto del orensano Eloy Lozano con guión del propio Blanco Amor, pero al pasar a manos de Gonzalo Suárez, reescribió el guión añadiendo unos cambios que no acabaron de agradar al escritor, que tras ver el filme, quedó con la esperanza de que algún día se hiciera una película sobre su obra en Galicia, con actores gallegos y en gallego, algo que ha sucedido por fin a los 35 años de la muerte del escritor. Localizada en Asturias, Parranda contó con José Sacristán, José Luis Gómez y Antonio Ferrandis, para los tres papeles protagonistas, además de todo un reparto de campanillas. De lo subversivo que puede ser el mensaje de esta historia, sobrevive la anécdota de que la película fuera en su día prohibida por la junta militar en Argentina. El filme «Tuvo una excelente acogida de la crítica, aunque luego su trayectoria comercial no fue muy buena, yo creo que porque se estrenó en plenas elecciones, las primeras, y en un cine de segunda categoría. Pero ha quedado como una película de la que todo el mundo habla con respeto. No se va a pedir, encima, que sea un éxito de público«[2].
La película de Ignacio Vilar es una mirada personal a la obra de Campo Amor con profundo respeto al espíritu de la novela y especial cuidado en la elección de los actores que interpretan a los tres protagonistas, ya que Vilar describe su filme como una película de personajes, y en la búsqueda de estos actores idóneos se embarcó durante tres meses. Tras encontrarlos se encerró –casi incomunicó- junto a ellos en una residencia de Orense que bautizaron como ‘El resplandor’ en la que durante doce horas diarias, crearon, vivieron y hablaron sobre sus personajes. Cuidando todos los detalles de la caracterización, incluido el lenguaje, con gallego de los años cincuenta que incluía palabras en desuso y transformando el lenguaje literario de la novela en cinematográfico, cambiando texto por miradas, gestos … examinando el interior de sus personajes y consiguiendo unas creaciones que guiaron totalmente la acción, ya que la cámara seguía a los actores y no al contrario consiguiendo, en palabras de Miguel de Lira, un tratamiento casi documental de la acción, a medio camino entre el nuevo y el viejo cine. La forma de hacer cine en Galicia. Honesta y brutal.
Para ‘Morris’, si la película fuera sobre borrachos resultaría muy aburrida. Pero ‘A esmorga’ no es una borrachera, es un estado de ánimo. La vida entera es una ‘esmorga’ con ese componente trágico. Una última explosión antes del fatalismo, como el aguardiente es la última explosión en la elaboración del vino.
Además de los tres protagonistas, los otros personajes del filme son el fatalismo latente, la lluvia constante, el frío, que cala también a los espectadores, y el idioma. Todo contribuye a dotar de autenticidad a una historia en la que tanto el frío, como la desnudez y el cansancio de sus protagonistas es real. Hasta el estercolero por el que escalan en una de sus últimas escenas esta compuesto por basura orgánica. Por eso, y para ser partícipes de toda esa autenticidad, aunque la película se estrena también en versión doblada por los mismos actores, háganse un favor y disfrútenla en su gallego original subtitulado.
[1] Algo que podría, más o menos, traducirse como parranda, bacanal, juerga.
[2] Torres, M.: «Gonzalo Suárez: ‘Aunque pueda parecer un exabrupto, ‘Parranda’ es una película equilibrada’ «. El País, 11 de diciembre de 1983.
Amazing Monsters celebra sus 15 años con una doble entrega
Creo que fue en Freaks, claro. Entonces cobraba cada mes, era soltero y no tenía más preocupación que comprarme lo que quisiera (juos, juos, juos). Y allí, en una mesa lo encontré. Amazing Monsters. Lo primero que me llamó la atención fue ver a Lon Chaney como el fantasma de la ópera en su portada, que tenía un diseño muy, muy vintage, como dicen ahora los modernos. Me recordaba a Famous Monsters y además, regalaban un CD (por eso iba metido en una bolsa de plástico), así que me hice con él. Y con los siguientes. Excepto con el primero, que se me escapó. De esto han pasado 15 años… ¡15 años!
Muchos años, sí. Ahora soy amiguete del tipo que dirige este invento y el imperio Chaparra, hago mi propio blog, y sí, soy (somos) 15 años más viejos ¡¡¡Urg!!! Y hay menos cabello, menos dinero y estoy casado… Pero, ¡Qué diablos! seguimos viendo buen cine y comprando, año tras año, Amazing Monsters. Así que celebrémoslo, y qué mejor forma que con ración doble, ya que ‘The 8chenter Monster Culture Magazine’ ha editado dos…¡DOS! números para celebrar esos 15 años con unos contenidos increíbles:
El número doce nos dice todo lo que siempre quisiste saber (y lo que no) sobre las tortugas ninja en un número que, aunque no te interesen demasiado estos quelonios, como es mi caso, ofrece unos irresistibles artículos a base de copias burdas, exploitation y baratijas de bazar chino totalmente descacharrantes de estas tortugas y de otros artilugios como el entrañable Mazinger Z, además de psicotrónicas colecciones de cromos de monstruos en un artículo gentileza del amigo Jesús Bernal. Pero por si esto no fuera suficiente, el siguiente número, también disponible, es un especial hombres-lobo que no tiene desperdicio con incursiones también en el terror made in Italy y el recuerdo a nuestro Paul Naschy con dos artículos, uno de ellos la extensa entrevista con Iván Cardoso, director de Um Lobisomem na Amazonia, que le realizó el que todo esto les está contando.
Así que no sean bobos y háganse con estas dos nuevas entregas de Amazing Monsters. Y si les falta alguno de los primeros números, aprovechen el pedido, ya que van quedando pocas copias, tal y como avisa Mr. Moreno himself!
Cita obligada y puntual en el Salón del Cómic de Barcelona
Más información: http://www.chaparraentertainment.com/
Novedades sobre ‘Cortos con K’ Festival de cortometrajes de Terror y Fantástico KlownsAsesinos.com
Ya está listo el cartel de la tercera edición de CORTOS CON K. Festival de cortometrajes de Terror y Fantástico KlownsAsesinos.com, en el que podemos ver a unos simpáticos y siniestros payasos preparados para rodar su propio cortometraje. La ilustración ha sido realizada por Juan Rubí, creador de la firma DkillerPanda, que ya ha publicado más de 20 libros llenos de historias y personajes nacidos desde su particular estilo.
También se sabe quienes serán los miembros del jurado que este año decidirán los ganadores de los diferentes premios y menciones del certamen. Un jurado compuesto por Marc Carreté, productor, guionista y director de varios cortos, que el año pasado dio el salto al largometraje con la cinta de posesiones y exorcismos Asmodexia. David Jordán, fundador y director de programación del Cardoterror, festival de cine de terror de Cardedeu, que este año celebrará su décima edición. Y Juan Rubí, ilustrador y creador de la peculiar firma DkillerPanda, y encargado del cartel de esta edición.
CORTOS CON K 2015, cuenta con otras interesantes propuestas, y volverá a ofrecer un sentido nostálgico en la sección ‘Retrospectiva en Corto’, donde recuperamos los primeros trabajos de directores ya consagrados en el mundo del cine. Una sección que el año pasado tuvo una gran acogida y donde proyectamos trabajos como Evilio de Santiago Segura, Amor de madre de Koldo Serra, o El ciclo de Víctor García, entre otros.
Este año, el festival contará con una nueva sección dedicada a la promoción y difusión de las webseries y miniseries de género de nuestro país, obras que no cuentan con la atención que se merecen dentro del circuito de festivales, donde proyectaremos los primeros capítulos de algunas de las webseries más destacadas como muestra de la calidad, la dedicación y el buen trabajo que éste formato audiovisual ofrece a los espectadores en la red.
Entre ellas, podemos adelantar que proyectaremos los tres episodios que componen la miniserie Todos son iguales, un intenso, irónico y crítico slasher dirigido por Dídac López; los primeros capítulos de la serie valenciana de zombies Cabanyal Z, una feroz crítica social sobre el barrio de Cabanyal dirigida por Joan Alamar; o los tres capítulos hasta la fecha de la oscura y gamberra comedia dirigida por Jordi A. Romero The Waiter. Dentro de ésta sección, también contaremos con la oportunidad de proyectar al completo, la primera temporada de la webserie lanzada a través de Vimeo on demand Aula de castigo, seis capítulos de terror y misterio dirigidos por varios realizadores noveles, entre los que destaca Mikel Alvariño (Oscar Descafeinado). Próximamente más detalles del contenido de ésta sección.
39 Escalones: Centenario de Orson Welles, Jesús Franco y series clásicas españolas
Suculentas novedades y reediciones en DVD de 39 Escalones. Que recupera el Quijote de Orson Welles, así como un inédito de Jesús Franco muy, muy temprano. Toda una rareza del cine policíaco español. También pone a nuestra disposición unas series españolas recordadas por los más veteranos con actores clave del cine español.
Coincidiendo con el centenario del nacimiento de Orson Welles, 39 Escalones reedita su pieza inacabada con un montaje de Jesús Franco y Lina Romay.
DON QUIJOTE DE ORSON WELLES (2 DISCOS)
DVD 1: DON QUIJOTE DE ORSON WELLES (Con Francisco Reiguera, Akim Tamiroff y Orson Welles). 116 min. Dirigida por Jesús Franco.
Película inacabada de Orson Welles, en versión restaurada, dedicada a la gran obra de nuestra literatura.
DVD 2: ORSON WELLES Y GOYA (Con Orson Welles). 51min. Dirigido por Emilio Ruiz Barrachina y que establece paralelismos entre las inquietudes de dos genios atemporales: el pintor Francisco de Goya y el cineastan Orson Welles. Las imágenes que vertebran la película están consideradas como una joya, no sólo por su cuidada belleza, sino porque forman parte del material inédito que Welles rodó en nuestro país mientras seguía la temporada taurina de su amigo Antonio Ordóñez. El ojo del cineasta muestra escenas costumbristas de las fiestas y la vida cotidiana, no exentas de tópicos, pero también cuadros del pintor aragonés, del que se confiesa ferviente admirador. Todo ello conforma una mirada diferente de España durante unos años de oscurantismo político y social.
IDIOMAS: CASTELLANO 2.0./ INGLÉS 2.0 SUBTÍTULOS: CASTELLANO
… Y hablando de Jesús Franco:
LABIOS ROJOS (Jesús Franco, 1960) Con Isana Medel, Javier Armet, Lina Canalejas, Manolo Morán, Ana Castor y Félix Dafauce.
La segunda película de Jesús Franco y la primera de género que hizo. Inédita en formato DVD. Un policíaco desenfadado con dos chicas como protagonistas, Lola y Mari, dos jóvenes investigadoras que se dedican en secreto, bajo el seudónimo de “Labios rojos”, a ayudar a la policía deteniendo a criminales. Como prueba de sus acciones siempre dejan una carta firmada con un beso de carmín. Pero un día, tras uno de sus servicios, son acusadas de asesinato…
Castellano 2.0, Fullscreen 1:33.1, blanco y negro.
También otra versión del inmortal clásico de Cervantes:
EL CABALLERO DON QUIJOTE (Manuel Gutiérrez Aragón, 2002)
117 min. Castellano 5.1, Subtítulos: Inglés, Francés, Italiano.Widescreen 1:85.1 – 2003. COLOR. Con Juan Luis Galiardo, Carlos Iglesias, Santiago Ramos, Fernando Guillén Cuervo, Manuel Manquiña, Manuel Alexandre, Juan Diego Botto y Emma Suárez.
Después de que un viejo soldado llamado Miguel de Cervantes recogiera las aventuras de Don Quijote y su escudero Sancho, éstos se han hecho famosos. Tras saber que el Turco baja por la costa con una peligrosa armada, Don Alonso Quijano, el caballero don Quijote de la Mancha, saldrá, una vez más, y con la oposición de su sobrina y de su ama, a una nueva batalla que empezará en la Mancha y terminará en la costa. Vestido con su armadura de estilo renacentista, bastante anticuada para la época -1625-, el “loco” caballero andante del que todos se burlan emprenderá sus aventuras con su fiel escudero.
“No sólo la más original e importante de todas las versiones fílmicas de la obra cervantina, sino también una soberbia, emocionante película.” – CARLOS F. HEREDERO
“Una de las más arriesgadas y sagaces conversiones en cine de la novela de Cervantes. Las interpretaciones de Juan Luis Galiardo y Carlos Iglesias asombran por su pericia y precisión.” – ÁNGEL FERNÁNDEZ SANTOS
“Gutiérrez Aragón filma un Quijote desolado y hermoso.” –CARLOS BOYERO
Y para terminar tres series clásicas españolas:
LOS TRES MOSQUETEROS (1971)
20 EPISODIOS de 25 minutos. Castellano 2.0, Fullscreen 1:33.1, blanco y negro. Con Sancho Gracia, Víctor Valverde, Joaquín Cardona, Mónica Randall y Ernesto Aura.
Es el año 1625 cuando D’Artagnan, un joven gascón muy hábil con la espada, viaja a París para convertirse en mosquetero, al servicio del rey Luis XIII. En su periplo para conseguir su objetivo se ganará la amistad de Athos, Portos y Aramis y juntos se verán inmersos en un complot que les enfrentará al cardenal Richelieu que, junto a Milady de Winter y el conde de Rochefort, quieren acabar con el honor de la reina Ana de Austria.
EL CONDE DE MONTECRISTO (Pedro Amalio López, 1969)
17 EPISODIOS (444 minutos). 3 DISCOS. Castellalno 2.0, B/N. 4/3 IMAGEN RESTAURADA. Con Pepe Martín, Emma Cohen, José María Escuer, Pablo Sanz, Fiorella Faltoyano .
Edmundo Dantès, un joven marinero, es traicionado por los que cree sus amigos y, a causa de una acusación falsa, arrestado el día de su boda. Encarcelado en el castillo de If, un día se le presenta la oportunidad de escapar de él…
En 1969, TVE emitió el primer episodio de la serie El conde de Montecristo, basada en la novela homónima de Alejandro Dumas, y dirigida por Pedro Amalio López. Su estreno supuso un éxito tan tremendo y fulminante que encumbró tanto a la serie como a su actor principal, Pepe Martín.
PLINIO (Antonio Giménez-Rico, 1971)
13 EPISODIOS. 2 DISCOS. Castellano 2.0, COLOR, Imagen restaurada.
La serie Plinio, fue un excelente trabajo realizado para la televisión española en el año 1971, por Antonio Giménez Rico, basado en los relatos de Francisco García Pavón, publicados en los años 50 y 60. El guión de la serie estuvo elaborado por José Luis Garci, la producción corrió a cargo de José Antonio Zaplana, la fotografía de José Luis Alcaine y la música de Carmelo Bernaola.
El personaje principal de la serie, jefe de la policía local de Tomelloso, Ciudad Real, fue interpretado por Antonio Casal, que junto a su amigo Don Lotario, papel que interpretaba Alfonso del Real resolvían delitos y crímenes que suceden en el la ciudad. Era toda una novedad en la televisión española encontrarnos con un policía español, que nada tenía que ver con el clásico policía americano que entonces triunfaba en las pequeñas pantallas.
La serie se emitía los lunes por la noche, en lo que llamaríamos ahora horario de prime time, a las diez de la noche y tuvo un éxito arrollador.
Listado de episodios:
13/03/1972 Los carros vacíos (parte 1).
20/03/1972 Los carros vacíos (parte 2).
27/03/1972 El hombre lobo.
03/04/1972 El Carnaval (parte 1). El Carnaval (parte 2).
10/04/1972 Las hermanas coloradas (parte 1). (parte 2). (parte 3).
17/04/1972 El charco de sangre (parte 1). El charco de sangre (parte 2).
24/04/1972 Fusiles en Tampico.
01/05/1972 Tras la huella de un desconocido.
08/05/1972 El huésped de la habitación número cinco.
Soul Man: el crowdfunding
Soul Man, reboot en forma de largometraje del mediometraje de Chema Ponce rodado en 2002, ha puesto en marcha su crowdfunding. Os damos algunas claves del proyecto:
¿Qué es Soul Man?
Soul Man es una película totalmente independiente impulsada por Chema Ponze y Ana Malia, con su productora Back to Life Films.
¿De qué va Soul Man?
¿Por qué quieren rodar Soul Man?
Pues porque tiene un guión maravilloso que debe ser llevado a la gran pantalla y a un plantel de actores y técnicos de primer nivel. Por si todo esto fuera poco, contamos con dos personajes Otis e Iris llamados a convertirse en auténticos iconos del cine de justicieros. Thriller, drama, acción y un toque de humor para contar una historia diferente. ¿Se puede pedir más?
¿Quienes son los responsables y protagonistas de Soul Man?
CHEMA PONZE: Comenzó su andadura en el mundo del cortometraje en 1991. Escribe, dirige, edita y actúa. Ha rodado desde entonces aproximadamente unos 70-80 trabajos entre cortos, medios, largometrajes, documentales y spots. Los más destacados son: Peter Parker es Spider-man (1996), MoviliNación (2000), Fernando project (2001), Soulman (2002), Martians go home! (2006) o Mindundis a granel (2013). Ha participado en el programa de cine La hora de Ving Rhames durante un par de años y desde 2008 tiene el blog de Cine Los Chistes de Chema y en Facebook Chistes de Cine.
ANA MALIA: Bailarina profesional, coreógrafa y profesora de danza, comenzó los estudios de ballet clásico a los seis años, formándose principalmente en el Conservatorio Superior de Alicante y en el Centro de Artes Escénicas Víctor Ullate. Desde 2012 forma parte de la compañía de ballet clásico «Las Artes», con quienes ha interpretado obras como «Romeo y Julieta», «Buscando la felicidad» o «Carmen suite». Con la compañía teatral Calidoscopio, dirigida por David Merlo ha interpretado entre otras, las obras «La casa de Bernarda Alba» y «Maribel y la extraña familia». Es graduada en Historia, especializada en Gestión Cultural por la UCM.
Además de Chema Ponze y Ana Malia ¿Qué otros actores formarán parte del reparto de Soul Man?
Mario Espinosa, Julián Valcárcel, Pascual Belastegui, Jesús Águila, Txabi Franquesa, los veteranos actores de culto Lone Fleming y Antonio Mayans y la colaboración de Juan Muñoz, antiguo componente junto a José Mota del dúo cómico Cruz y raya.
Todo ello en un largometraje dirigido por Chema Ponze. Más información en su enlace de Verkami.
No hagan enojar a Harry Palmer y adquieran ‘Cine-Bis’ Nº 4
Con cada nuevo número de Cine-Bis, publicación hermana y multigénero de Quatermass, la sonrisa se nos hace más y más amplia. Y no por el humor que destilan sus páginas (que lo hay), ni por la calidad de sus artículos (que la tienen), ni tan siquiera por su magnífico diseño, sino porque esta publicación ya tiene una periodicidad regular y la vamos teniendo disponible cada cinco meses, lo que es un gran consuelo para los que hemos seguido Quatermass desde sus inicios y hemos sufrido las bien recompensadas esperas.
Cine-Bis se erige como una lectura necesaria y (esperemos) puntual. Y es que viendo los contenidos de su cuarta entrega no podemos más que celebrarlo. Lean si no:
Pablo Herranz, el entrañable ‘Piedras Blancas’ de 2000 Maníacos, consigue que la epopeya del cine musical soviético resulte interesante y amena. Otro cantar es que apetezca revisar estas cintas, pero el artículo es de lo más refrescante e informativo. Y es que en el cine hay mucho a descubrir como 
para tener que seguir reincidiendo en tantos lugares comunes. Hay que escarbar e investigar, sin que ello signifique quedarse únicamente con la basura. Con las rarezas infumables. No todo está dicho, las perlas existen y Cine-Bis nos lo demuestra en cada nuevo número.
Más cerca, por conocido, nos queda el completo dossier sobre el denominado cine Decamerótico italiano de los setenta, una fiebre que desató Passolini en 1971 y que en la España del destape tuvo su trascendencia.
Thriller coreano; filmes extraños y poco (o nada) conocidos tratados en profundidad como Kaidan Semushi Otoko, un extraño híbrido entre el terror occidental y el japonés; un exhaustivo repaso a la carrera del cineasta Cy Endfield, refugiado en Inglaterra por la caza de brujas de McCarthy; un necesario artículo sobre la trilogía del agente Harry 
Palmer; y tres expléndidas entrevistas: una a Howard Vernon realizada por Carlos Aguilar, amigo personal del actor, y dos del director de la publicación, Javier G. Romero: a Manuel Valencia, alma mater del imprescindible fanzine 2000 Maníacos y al cineasta, recientemente fallecido, Raúl Artigot. Una extensa y muy interesante conversación con la que podremos abrir boca a la espera del libro que el propio Javier G. Romero va a publicar sobre este director y hombre de cine, auténtica caja de vivencias de nuestra cinematografía.
Así que si no lo han hecho ya, háganme caso y no enojen al frío Harry Palmer y adquieran esta cool e imprescindible publicación. 132 páginas repletas de buenos textos y una magnífica selección de imágenes a todo grooby color.
CINE BIS Nº 4. ABRIL 2015. 8,75 €
VAMOS DE ESTRENO (O no) *Viernes 8 de mayo de 2015*
MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS PERDIDAS (Minuscule: La vallée des foumis perdues, Thomas Szabo y Hélène Giraud, 2013) *****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Thomas Szabo, Hélène Giraud. Música: Lavandier. Productora: Futurikon Films. Género: Comedia de animación.
Combinando animación e imagen real, Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas nos relata la peripecia de una mariquita cuya curiosidad la aleja de su familia y acaba implicada en la guerra de dos comunidades de hormigas, que pugnan por hacerse con los restos de un pícnic abandonado (más concretamente por una caja de azucarillos). Con esta excusa argumental la película nos narra todo un poema épico a escala microscópica.
Si hace unas semanas llegaba a nuestras pantallas La oveja Shaun, ahora nos llega (con dos años de retraso) el trabajo de Thomas Szabo y Hélène Giraud, el cual también apuesta por darle todo el protagonismo a la imagen, a la que hay que sumar la banda sonora, por tratarse de una película muda (los insectos protagonistas se comunican mediante zumbidos). Otro paralelismo con la cinta de los Estudios Aardman, es que en ambos casos el largometraje proviene de una serie televisiva previa. Y hasta aquí las comparaciones, porque los recursos de animación de cada película son muy distintos entre sí, la británica es un prodigio de la claymation, mientras que Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas combina la imagen real y la animación sobrepuesta sobre ese fondo real. Con esta opción narrativa Szabo y Giraud consiguen retratar el microcosmos de los insectos como si el relato estuviese contado a escala de los propios protagonistas.
Que los personajes sean insectos nos hace recordar producciones anteriores como son Bichos, una aventura en miniatura, de Pixar y AntZ de DreamWorks, pero la verdad es que son pocas las semejanzas que puedan compararlas. Minúsculos tiene ritmo y vida propios, y aunque se les asignen a los personajes algunos caracteres humanos es mucho menor la antropomorfización que en sus predecesoras. Esta circunstancia hace que nos encontremos ante una cinta menos infantil de lo que es habitual en el género y que no pueda recomendarse a los más pequeños (niños menores de seis años) porque se perderán en las elipsis y no empatizarán con los momentos de humor que perlan todo el metraje.
EL VIAJE MÁS LARGO (The Longest Ride, George Tillman Jr., 2015) *****
USA. Duración: 139 min. Guión: Craig Bolotin (Novela: Nicholas Sparks). Música: Mark Isham. Fotografía: David Tattersall. Productora: Fox 2000 Pictures / Temple Hill Entertainment. Género: Drama romántico.
Reparto: Scott Eastwood, Britt Robertson, Alan Alda, Oona Chaplin, Jack Huston, Melissa Benoist, Lolita Davidovich, Amber Chaney.
Sinopsis: Historia de amor entre Luke (Scott Eastwood), un antiguo campeón de rodeo y Sophia (Britt Robertson), una estudiante a punto de embarcarse en su sueño de trabajar en el mundo del arte en Nueva York. Según van poniendo a prueba su amor con sus diferentes ideales y visiones de la vida, Sophia y Luke establecen una conexión inesperada con Ira (Alan Alda), cuyas memorias de su amor vivido hace décadas con su maravillosa mujer (Oona Chaplin), inspirará profundamente a la joven pareja. Saltando generaciones e intercalando dos historias de amor, El viaje más largo explora los retos y las infinitas recompensas del amor duradero.
Dos historias de amor en una (aunque los 139 minutos dan para eso y mucho más), en un filme que no me resisto en definir, a pesar de poder herir sensibilidades y ser tachado de lo que no soy, como ‘para mujeres’. No en vano está basado en una novela de Nicholas Sparks, escritor de la exitosa El cuaderno de Noah y Lo mejor de mí, cuya adaptación cinematográfica se estrenó recientemente y comentamos aquí. Tenemos un irresistible y musculado galán ‘Old School‘. Un patán de delicados modales que representa el paradigma del príncipe azul por el que suspiran muchas féminas y que está materializado en el vástago de Clint Eastwood. Y debemos suspender la incredulidad. Cuando se estrenó la estupenda Superman (Richard Donner, 1978) en su cartel una frase promocional aseguraba que ‘Usted creerá que un hombre puede volar’, pues bien, si aceptan y entran en el juego que El viaje más largo les propone (y para hacerlo, desde luego tendrán que ser tan crédulos como si de la más inverosímil película de ciencia ficción se tratara) podrán pasar hasta un buen rato con todos los tópicos y lugares comunes de este tipo de historias y con las actuaciones de los veteranos Alan Alda y Lolita Davidovich, además de Oona Chaplin y Jack Huston (aquí con su cara completa tras Broardwalk Empire). Sin olvidar a los protagonistas, la agradabla Britt Robertson y Scott Eastwood, que ha decidido incluir el apellido paterno en su nombre artístico tras iniciar su carrera con el materno como Scott Reeves, nombre con el que intervino en sus primeros filmes, como Gran Torino (2008) y Banderas de nuestros padres (2006), dirigidos ambos por ya saben quien. Eso sí, no me quedaría tranquilo si no recomendara desde esta pequeña tarima que se me brinda el recomendar a los diabéticos precaución al visionar este filme, pues su exceso de melaza puede causarles estragos.
SWEET HOME (Rafa Martínez, 2015) *****
Duración: 80 min. Guión: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo, Ángel Agudo. Música: Ginés Carrión Espí. Fotografía: Antonio J. García. Productora: Castelao Pictures / Filmax / Film Produkcja. Género: Terror
Reparto: Ingrid García Jonsson, Bruno Sevilla, Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, Mariona Perrier, José María Blanco.
Sinopsis: Una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semiabandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
A CAMBIO DE NADA (Daniel Guzmán, 2015) *****
España. Guión: Daniel Guzmán. Fotografía: Josu Inchaustegui. Productora: El Niño Producciones / La Competencia / La Mirada Oblicua / Ulula Films. Género: Drama.
- Reparto: Miguel Herrán, Antonio Bachiller, Luis Tosar, María Miguel, Antonia Guzmán, Felipe García Vélez, Patricia Santos, Miguel Rellán, Manolo Caro, Mario Llorente, Carlos Olalla, Sebastían Haro, Beatriz Argüello, Iris Alpáñez, Adelfa Calvo, Luis Zahera.
A cambio de nada, el primer largometraje de Daniel Guzmán como director, se ha convertido en el gran triunfador del Festival de Cine de Málaga. La película, que se ha hecho con la Biznaga de oro a la mejor película, la Biznaga de plata a 
la mejor dirección, la Biznaga de plata al mejor actor de reparto (Antonio Bachiller) y la Biznaga de plata premio especial del jurado de la crítica, se estrena de la mano de Warner Bros.
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A cambio de nada cuenta la historia de Darío, un chico de dieciséis años que disfruta de la vida junto a Luismi, su vecino y amigo del alma. Mantienen una amistad incondicional, se conocen desde que tienen uso de razón y juntos han descubierto todo lo que saben de la vida. Darío sufre la separación de sus padres y se escapa de casa, huyendo de su infierno familiar. Comienza a trabajar en el taller de Caralimpia, un viejo delincuente con envoltura de triunfador, que le enseña el oficio y los beneficios de la vida… Darío conoce a Antonia, una anciana que recoge muebles abandonados con su motocarro y junto a ella descubre otra forma de ver la vida. Luismi, Caralimpia y Antonia se convierten en su nueva familia en un verano que les cambiará la vida…
El filme pretende retratar la vida de forma realista, aunque la línea tremenda que va tomando su trama termina deshinchándose hacia el final, dejando un rastro de esperanza en los personajes, pero de incredulidad en el espectador. Otros directores nos han mostrado la parte menos favorecida de la sociedad de forma más cruda y veraz. Sin ser exhaustivos y tan solo en España, este universo nos los mostró Carlos Saura en Los golfos (1960), Eloy de la Iglesia de forma más tremenda y pesimista en películas como Colegas (1982). Y más recientemente Fernando León de Aranoa en Barrio (1998) o Achero Mañas en El Bola (2000), pero siempre es importante retratar esta realidad menos brillante y luminosa, el drama cotidiano en el que sus protagonistas no trabajan en una oficina o son artistas o escritores con crisis de inspiración. A lo que hay que sumar la frescura que destila el filme, ópera prima del actor Javier Guzmán, que escribe y dirige este filme contando con un elenco de actores veteranos y experimentados como un perfecto Felipe García Vélez o el siempre eficaz Luis Tosar, que contrastan y complementan a los jóvenes protagonistas debutantes, Antonio Bachiller, Miguel Herrán, e incluso Antonia Guzmán, abuela del director, que realiza una entrañable actuación como Antonia, la anciana que acoge a Darío en su casa. Aunque con algún paso en falso en su guión, A cambio de nada podría ser una sorpresa para el público al igual que lo fue para el jurado del Festival de Málaga.
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A ESMORGA (Ignacio Vilar, 2014) *****
Galicia (España). Duración: 111 min. Guión: Carlos Asorey, Ignacio Vilar (Novela: Eduardo Blanco Amor). Música: Zeltia Montes. Fotografía: Diego Romero. Productora: Vía Láctea Filmes / Editorial Galaxia / TVG. Género: Drama. http://aesmorgafilme.com/es/
- Reparto: Karra alejalde, Miguel de Lira, Antonio Durán ‘Morris’, Ledicia Sola, Sabela Arán, Monti Castiñeiras, Mela Casal, Santi Prego, Alfonso Agra, Patxi Bisquert, Mónica García, Pepo Suevos, Elena Seijo, Covadonga Berdiñas, Yago López, Lois Soaxe.
Sinopsis: Crónica tensa e intensa de 24 horas en la vida de tres compañeros de juerga que van dejando un reguero de destrucción, de sexo equívoco y reprimido, y también cerrando puertas tras tirar las llaves, como si de manera deliberada buscarán la perdición.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
LA CANCIÓN DEL MAR (Song of the Sea, Tomm Moore, 2014)*****
Irlanda/Dinamarca/Bélgica/Luxemburgo/Francia. Duración: 93 min. Guión: Will Collins. Música: Kila. Productora: CartoonSaloon / Big Farm / Digital Graphics. Género: Animación.
Sinopsis: Ben y Saoirse viven en un faro, en la parte más altqa de una pequeña isla, con su padre, que para protegerlos de los peligros del mar los envía a vivir con su abuela a la ciudad. Allí Ben descubre que su hermana pequeña es una Selkie, un hada del mar, una niña-foca que con su canción puede liberar a los seres mágicos del hechizo que les hizo la Bruja de los búhos.
En el mundo de la animación hay mucha vida más allá de Disney, vida que parte de otras tradiciones más minimalistas en cuanto a dibujo y que huye de la voluntad de realismo en los movimientos para llevarnos a un universo en el que prima la imaginación y la magia. Este es el caso de La canción del mar, segundo largo de Tomm Moore que viene a consagrarlo como uno de los nombres destacados dentro del género. Las imágenes de Moore consiguen un impacto visual hipnotizador que las convierte en el vehículo perfecto para adaptar al cine las viejas leyendas celtas y escandinavas, como lo son los relatos concernientes al pueblo de las Selkies, esas hadas que alternan su efigie humana con su apariencia de foca. De la mano de Moore nos sumergimos en el interior de un cuento ilustrado que va cobrando vida y movimiento conforme se desarrolla, estamos ante planos bidimensionales que cobran fuerza narrativa gracias al uso del color, los efectos de iluminación y el diseño de personajes y escenarios.
Como cuento que es, la trama de La canción del mar está asentada sobre las estructuras propias de los cuentos maravillosos tal como fueron catalogadas por Vladimir Propp en su Morfología del cuento. El estructuralista ruso enumeró hasta treinta y un puntos recurrentes en los relatos tradicionales, que no necesariamente se han de dar todos en todos los textos. Así, en La canción del mar, nos encontramos con el tópico del alejamiento del héroe, quien habrá de someterse a una prueba cuya superación será necesaria para obtener la ayuda mágica que resuelva el conflicto. Por su fidelidad a las formas clásicas, su mensaje será menos plano y más universal que el de otras cintas animadas más apegadas a los valores de nuestras coyunturas actuales.
Este segundo trabajo de Moore es una auténtica filigrana repleta de secuencias bellísimas, una de las mejores cintas que podrá verse en nuestras salas este año. Estamos ante un título imprescindible se sea aficionado o no a la animación.
- Premios:
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– Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación– Premios César: Nominada a Mejor film de animación– Festival de Gijón: Mejor largometraje de animación– Premios Annie: 7 nominaciones, incluyendo Mejor película– Satellite Awards: Mejor largometraje de animación
GÜEROS (Alonso Ruizpalacios, 2014)*****
México. Duración: 107 min. Guión: Alonso Ruizpalacios, Gibrán Portela. Música: Tomás Barreiro. Fotografía: Damián García (B&W)Productora: Catatonia Films / Conaculta / Difusion Cultural UNAM. Género: Comedia dramática.
Reparto: Tenoch Huerta, Leonardo Ortizgris, Sebastián Aguirre, Ilse Salas, Sophie Alexander-Katz.
Sinopsis: “Güeros” narra el encuentro entre Sombra y su hermano menor, Tomás, quien lo visita en la Ciudad de México tras algunos sucesos desafortunados en casa de su madre. La llegada del joven Tomás imprime energía a la monótona vida de Sombra y su amigo Santos, la cual parece estar en pausa tras la huelga de la UNAM. Juntos, deciden 
emprender un viaje para encontrar a un legendario músico que escuchaban de niños, y cuyo paradero es desconocido desde mucho tiempo atrás. Esta búsqueda, atravesando las fronteras invisibles de la Ciudad de México, los llevará a descubrir que no pueden huir de sí mismos.
Güeros nos muestra el viaje iniciático de Sombra, con el que saldrá de su indolencia, de su huelga de la huelga, para adentrarse en el camino, encontrarse a sí mismo y descubrir sus objetivos. Crudamente rodado en bello blanco y negro. Bello porque está repleto, al igual que la historia misma del filme, de una rica gama de grises que resaltan el tenebrismo de los bloques y los barrios de extrarradio. Y crudo porque a ratos recuerda los experimentos narrativos y visuales de la Nouvelle Vague, del Cinema Novo Brasileiro y, ¿porqué no?, del Jodorowsky menos extremo, no vacilando en servirse del lenguaje del documental y del metacine.
Güeros materializa con buen ritmo las palabras que dijo Salvador Allende y que se recuerdan durante el filme, ‘Ser joven y no ser revolucionario es una contradicción hasta biológica’. Amen.
– Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014: Mejor Película (Horizontes Latinos) y Premio de la Juventud
– Festival de Cine de Tribeca 2014: Mejor Fotografía y Mejor Nuevo Director
– Premios Ariel 2015: 12 Nominaciones incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Actor revelación.
– Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya 2015: Mejor Película
– Festival de Cine de Jerusalén 2014: Premio FIPRESCI
– AFI Fest (Los Ángeles) 2014: Premio del Público – Festival Internacional de Cine de Los Cabos 2014: Mejor Película – Festival Internacional de Cine de Bombay 2014: Gran Premio del Jurado – Festival de Cine de Morelia 2014: Mejor Opera Prima, Mejor Actor, Premio de la Crítica y Premio del Público.
Home… ¿Sweet Home?
SINOPSIS:
Simon (Bruno Sevilla) y Alicia (Ingrid García Jonsson) deciden pasar una noche romántica en un edificio semiabandonado. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… Ahora ellos se convertirán en su nuevo objetivo.
El viejo caserón victoriano ha dejado de estar embrujado. El terror moderno se materializa en los baldíos polígonos industriales o en destartalados bloques de extrarradio, donde más que el acecho de espectros y fantasmas, podemos sufrir el acoso de vecinos 
desagradables, caseros dementes (Para entrar a vivir) o porteros desquiciados (Mientras duermes), auténticas pesadillas a las que se les suman terroríficos especuladores del suelo, que no dudan en utilizar cualquier sistema para desalojar a inquilinos con contratos de renta antigua. Ese es el ingenioso punto de partida de Sweet Home, debut en el largometraje de Rafa Martínez, director de los exitosos cortos Zombies & Cigarettes (2009) y Halloween Before Christmas (2010).
Si bien no puede decirse que su argumento sea innovador (basta recordar la olvidada parodia El cuchitril de Joe [Joe’s Apartmen, John Payson, 1996]), si que representa una base social de actualidad en la que situar la acción:
Para hacer Sweet Home aún más realista, nos planteamos una temática de actualidad, el mobbing inmobiliario. Ésta realidad es tan frecuente en nuestro país, que resulta realmente aterradora. Así que nos pareció perfecto como tema detonador de una historia de género. No hay nada más terrorífico que el que no puedas estar seguro ni en tu propia casa. (Rafa Martínez)
En Sweet Home, la mano ejecutora encargada de los desahucios pasa a ser mucho más despiadada, sobre todo cuando del trabajo se encarga ‘el liquidador’ (Oriol Tarrida ‘Tarro’) un brutal y eficiente empleado encargado de limpiar los errores cometidos por otros empleados de la inmobiliaria, bastante menos eficaces en su labor.
Es remarcable, asimismo, la importancia en la historia del destartalado bloque de pisos: un lugar claustrofóbico repleto de oscuridad y rincones en los que esconderse, que resulta ser también una ratonera de la que casi es imposible escapar al tener sus ventanas tapiadas y sus puertas cerradas. Desarrollándose así un juego del gato y el ratón en el que los protagonistas deberán recurrir al ingenio para sobrevivir:
Cuando los tres guionistas nos planteamos escribir Sweet Home lo que más nos apetecía era situar la acción en un entorno cotidiano, muy cercano al espectador. Queríamos hacer una película realista y claustrofóbica, sin perder de vista la parte lúdica del terror que más nos interesa. Queríamos llevar el miedo a un lugar terrorífico, pero muy reconocido por todos; un portal, una escalera, un ascensor, en definitiva, nuestra casa… y convertir un edificio del centro de una gran ciudad, en un tren de la bruja lleno de sustos, aventuras y sorpresas (Rafa Martínez)
Filmax (en esta ocasión en coproducción con la compañía polaca Film Produkcja SP. ZO.O.) vuelve a apostar por el fantástico con un lote compuesto por Summer Camp (Alberto Marini), todavía a la espera de estreno y Sweet Home. En su guión, escrito por el propio director junto a Teresa de Rosendo y Ángel Agudo, biógrafo de Paul Naschy, no han querido dejar cabos sueltos, mimando las pistas de lo que acontecerá sin caer en inútiles subrayados. La historia, ambientada en Barcelona parte, como ya hemos señalado, de una problemática social muy real, la de la especulación, los desahucios y la precariedad laboral, no para hacer una crónica sobre ello, sino como marco que desatará la acción. Una acción que en sus poco más de 80 minutos no dará respiro al espectador, pero que sabrá detenerse lo suficiente como para presentarnos a los personajes principales dotándoles de perfil psicológico, remarcando asimismo los momentos más dramáticos. Un filme emocionante rodado con buen pulso, con buenos efectos de maquillaje de David Ambit, actuaciones competentes, un eficaz uso de los medios con los que ha contado y una historia si no innovadora, si eficazmente narrada.
El aspecto lúdico de Sweet Home está muy estudiado para que el ritmo no decaiga en ningún momento. Una vez que la película se pone en marcha ya no hay manera de pararla. En este sentido Sweet Home busca seguir los pasos de películas como The descent (2005), The Crazies (2009), [REC]2, Wolf Creek (2005) o Las colinas tienen ojos (2006) (Rafa Martínez)
El papel protagonista, al igual que pasara en la inaugural [Rec], recae en una mujer, Alicia, decidida y valiente, pero más frágil que la Ángela Vidal de Manuela Velasco, con la que comparte coincidencias en su vestuario. Ingrid García Jonsson, una jovencísima actriz que despuntó en Hermosa Juventud (2014) de Jaime Rosales, papel que le mereció su nominación al Goya, cambia totalmente de
Rafa Martínez dirigiendo a Ingrid García Johsson.
registro para meterse de cabeza en el cine de género aprobando con nota. Su compañero de fatigas, Simón, está interpretado por Bruno Sevilla, actor que dentro del género fantástico interpretó un pequeño papel en la interesante Mindscape (Jorge Dorado, 2013) y al que podremos ver próximamente en el filme de ciencia ficción Project Lazarus, de Mateo Gil. Completan el reparto Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón y Luka Peros, como los malvados matones de la inmobiliaria, además de los veteranos José María Blanco y Mariona Perrier, como sufridos inquilinos. Precisamente esta última nos comentó que su papel fue más desagradable de rodar de lo que podría pensarse por el resultado en pantalla, ya que tuvo que hacerlo rodeada de cucarachas, llegando a aplastar una con el trasero…
Sweet Home hará pasar un buen rato a base de adrenalina al límite, sustos (algunos previsibles y otros no tanto) y un villano despiadado a añadir al pequeño altar de psycho killers cañís: El liquidador.
PRESENTACIÓN EN BARCELONA DE SWEET HOME (30/04/2015) (Fotos: Serendipia)
Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson y Rafa Martínez
Oriol Tarrida, Miguel Ángel Alarcón, Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson, Mariona Perrier, Rafa Martínez y Eduardo Lloveras
Ingrid García Jonsson
‘Horms’ inaugurará Nocturna 2015 y Alexandre Aja recogerá el Nocturna Visionary Award
Horns, la esperada película de Alexandre Aja, es la elegida para la inauguración de NOCTURNA 2015. Esa misma noche, Aja recogerá el nuevo galardón de festival, NOCTURNA Visionary Award, que homenajea la carrera de los jóvenes cineastas que marcan el devenir del fantástico presente y futuro y que Aja representa a la perfección. Las Colinas Tienen Ojos, Piraña 3D y Reflejos son algunos de los títulos que forman parte de su filmografía.
Sinopsis: Acusado del brutal asesinato de su novia de toda la vida (Juno Temple), un hombre (Daniel Radcliffe) que vive en una pequeña ciudad se despierta una buena mañana y descubre que le crecen un par de cuernos en la cabeza.
Un extraño thriller sobrenatural protagonizado por un reparto de lujo: Daniel Radcliffe, Juno Temple, Max Minghella, Joe Anderson, Kelli Garner, Heather Graham, David Morse, Kathleen Quinlan y James Remar.
Horns se estrenará en España el 5 de junio del 2015.
México, país invitado en el Festival Nocturna 2015
Una de las novedades de NOCTURNA 2015 es Focus, una sección que traerá cada año al Festival la cinematografía de un país concreto. Este año el invitado es México. En colaboración con el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Embajada de México en España, Fundación Santillana y el Instituto de México en España, el fantástico mexicano estará presente en NOCTURNA y PreNOCTURNA en cortos, documentales y largometrajes.
PreNOCTURNA, este año volverá a acoger una selección de películas procedentes de Latinoamérica que competirán por el premio Blood Window a la mejor película latinoamericana, que se entrega en colaboración con FERATUM Film Fest de México y Zinema Zombie Fest de Colombia.
Los trabajos que formarán parte de Focus este año son:
LARGOMETRAJES FICCIÓN
MÉXICO BÁRBARO (2014), de Lex Ortega, Ulises Guzmán, Isaac Ezban, Gigi Saul Guerrero, Edgar Nito, Aarón Soto, Laurette Flores
La rica tradición mexicana, repleta de mitos y figuras fantásticas, como el día de los muertos o los sacrificios aztecas se ven representadas en esta antología que reúne a ocho de los más prometedores talentos del cine de género del país.
PACIENTE 27 (2014), de Alex Alegre
Después de aceptar trabajo temporal en un laboratorio, Cesar comienza a notar sucesos extraños relacionados con el tratamiento de un paciente de numero 27, esto lo perturba al grado de causarle insomnio y provocarle visiones.
NO DE ESTE MUNDO (2015) de Paco Castillo
Un joven retraído llamado Samuel vive en un mundo de fantasía y pesadillas creado por su abuela. El mundo de Samuel está en peligro ya que su padre piensa que él es el mal encarnado. Una eterna lucha entre el bien y el mal que hará que los dos mundos choquen.
VISITANTES (2014) de Acán Coen
Ana Moreno, una escéptica cirujana que sufrió una dolorosa infancia a causa de su madre esquizofrénica, trata de olvidar su pasado y vivir feliz junto a su familia. Pronto su estabilidad comenzará a desmoronarse a causa del acecho de tres espíritus atormentados. Ana deberá luchar por su familia y dejar atrás su escepticismo para librarles de la maldición.
EL SANTOS VS. LA TETONA MENDOZA (2012) de Alejandro Lozano y Andrés Couturier
Película de animación en la que conocemos a El Santos, un luchador retirado, con sobrepeso y depresión que se ha divorciado recientemente de la Tetona Mendoza, una voluptuosa y salvaje mujer luchadora. Para salir de la depresión El Santos comienza una campaña para ayudar a los zombies de Sahuayo…
REGINA (2012) de Javier Ávila
Regina es una joven de 17 años, que no ha sido vista en los últimos dos años. Ha estado viviendo como la mascota de su padre Antonio. Cacilia, la madre de Regina, es una ciega y deprimida mujer que vive encerrada en su casa. En cuatro días Regina cumplirá los 18 y su padre, como regalo, la dejará libre.
SOMOS LO QUE HAY (2010) de Jorge Michel Grau
Cuando el patriarca de la familia muere, los hijos adolescentes deben asumir la responsabilidad, preparar los rituales, la caza y poner la carne sobre la mesa. Estas responsabilidades son aún más desalentadoras cuando vives en la ciudad y eres parte de una familia de caníbales.
DE DÍA Y DE NOCHE (2010) de Alejandro Molina
Cuando la superpoblación del planeta hizo imposible la convivencia, el gobierno dividió a la ciudadanía con una enzima implantada en el ADN humano que regula sus cuerpos por la luz solar o la oscuridad de la noche, dividiendo a la humanidad en diurnos y nocturnos.
LARGOMETRAJES DOCUMENTALES
ALUCARDOS (2011) de Ulises Guzmán
Este documental nos cuenta la historia de Manolo y Lalo, fans de Alucarda, película de Juan López Moctezuma con quien entablan una amistad después de sacarlo de un hospital psiquiátrico y recordarle su trabajo.
NECROS (2013) de Tonatihu Loza
Documental sobre la importancia que tiene la labor que desempeñan las personas que trabajan con cadáveres, específicamente en los servicios de medicina forense y funerario.
ARENA AZTECA BUDOKAN (2014) de Orlando Jiménez Ruiz
Cada rincón de la arena-gimnasio “Azteca Budokan” en Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México está construido con las manos, sangre, sudor, lágrimas e increíbles vivencias alrededor del mundo de la familia Moreno, Dinastía de exitosos gladiadores mexicanos reconocidos internacionalmente por su calidad atlética, quienes cuentan cómo han construido a base de trabajo, tesón y sacrificio no solo su propio hogar sino también un sitio para la convergencia social y el desarrollo deportivo y comunitario en Ciudad Neza.
CORTOMETRAJES
– EL REGRESO DEL VAMPIRO (2014), de Christian Alain Vázquez
– EL RELOJERO (2014), de Alfonso Coronel
– EL MODELO DE PICKMAN (2014), de Pablo Ángeles
– LA HIERBA DEL DIABLO (2014) de Gastón Andrade
– LOS CAMINOS DEL SEÑOR (2014), de Eduardo M. Clorio
– MI VANIDAD (2014), de Érika Ávila
– MONSTRUO (2014), de Luis Mariano García
– MATADOR (2014), de Gigi Saul Guerrero
– JUEGOS DE LA MENTE (2014) de Hugo Félix Mercado
– PROTOCOLO (2013), de Rodrigo Hernández
– MARIACHI LOCO (2013), de Oliver Izquierdo
– BENDICIÓN DE MADRE (2013), de Lex Ortega
Spot de oficial de NOCTURNA 2015, realizado por el artista Manuel Bejarano:
Spot conmemorativo de NOCTURNA 2015, realizado por Sergio Morcillo:
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.
Temática y cartel del Festival Cryptshow 2015
El Cryptshow Festival ha decidido dedicar su novena edición a la distopía, ese lugar imaginario en el que todo es opuesto al ideal. Las distopías describen sociedades indeseables que nacen de tendencias sociales contemporáneas. Son obras de advertencia, sátiras que ponen de manifiesto hasta dónde pueden llevarnos las injusticias de nuestro tiempo.
Un mundo feliz de Aldous Huxley, 1984 de George Orwell, y Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, están consideradas como las tres obras fundacionales del género distópico. Más recientemente, estos relatos han evolucionado hacía el ciberpunk, un subgénero que utiliza la distopía para denunciar los peligros de un mundo dominado por las grandes multinacionales y la tecnología.
En una sociedad como la actual, en la que se habla de nuevos paradigmas y se suceden a velocidad de vértigo los avances tecnológicos, la distopía resulta más necesaria que nunca. Por eso la temática del Cryptshow Festival 2015 está dedicada a reflexionar sobre las sociedades de ficción que esta nos plantea. No solo se proyectarán algunas películas sobre este género, sino que también podremos ver una amplia exposición colectiva dedicada a la materia. El certamen de relatos, que este año presenta importantes novedades, está centrado también en las distopías. Además, en el marco del festival se presentará la novela de David G. González No estoy aquí ahora, que retrata una sociedad distópica peligrosamente parecida a la nuestra.
Como siempre, el cartel está relacionado con la temática y es obra de Toni Benages i Gallard. El Festival se celebrará del 1 al 5 de Julio.
Nuevas noticias sobre Nocturna 2015
Tras los anuncios de INDIGENOUS, INFINI, JUNE, KILL ME THREE TIMES y LIZA, THE FOX FAIRY , NOCTURNA 2015, Festival de Internacional de Cine Fantástico de Madrid completa su Sección Oficial Fantástico con dos nuevas películas:
DARK WAS THE NIGHT (USA, 2014)
Tras cosechar espectaculares críticas en varios festivales norteamericanos, el film dirigido por Jack Heller (Bicho Malo), con Kevin Durand (The StraKin) y Lukas Haas (Origen) encabezando su reparto, nos contará como un antiguo mal se despierta en los bosques cercanos al remoto pueblo de Maiden Woods, a causa de los trabajos de una compañía maderera en el lugar. Aislados y amenazados, el sheriff Paul Shields (Durand) deberá superar los demonios de su pasado para proteger las vidas de las personas que ama.
EXETER (USA, 2015)
También conocida como Backmask, el nuevo trabajo de Marcus Nispel nos mostrará como cuando una pandilla de adolescentes encuentran un viejo disco de vinilo durante una fiesta, desatan un espíritu que se infiltra en el grupo poseyendo un cuerpo tras otro. Pronto descubrirán que el espíritu trata de transmitirles un mensaje y que la verdadera fuente del mal está muy cerca…
SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES
En NOCTURNA 2015 también podrá verse una amplia representación del fantástico más breve con la proyección de una selección de cortometrajes nacionales e internacionales que competirán por el premio Shots:
– 2037 (España, 2014), de Enric Pardo
– A TRAVÉS DEL ESPEJO (España, 2014), de Iván Mena
– AÚN HAY TIEMPO (España, 2014), de Albert Pintó
– BE AFRAID OF THE DARK (España, 2014), de Bruno Llopis
– BIENVENIDOS AL FIN DEL MUNDO (España, 2014), de Manu Carbajo
– CAPTCHA (Reino Unido, 2014), de Edward Tracy
– CHROMOSOME 4 (USA, 2014), de Daniel Diosdado
– CLARKE’S THIRD LAW (España, 2014), de Javier Valenzuela
– DERNIÈRE FORMALITÉ (Bélgica, 2014), de Stéphane Evaraert
– EL VIDENTE (España, 2015), de Roberto Suárez
– FERDINAND KNAPP (Francia, 2014), de Andrea Baldini
– FLEXIBILITY (España, 2014), de Remedios Crespo
– FORMOL 105 (España, 2014), de Martín Rodríguez
– HAPPY FACE (España, 2014), de Marc Juvé
– HIDE AND SEEK (USA, 2014), de Carles Torrens
– HYBRIS (Francia, 2014) de Benjamin Gros, Margaux Le Gall, Océane Nguyen, Audrey Serre
– LA BUENA MUERTE (CRISTO DE) (España, 2015), de Suda Sánchez
– LA HORA DEL BAÑO (España, 2014), de Eduardo Casanova
– LAST MEMORY (España, 2015), de Juan Luis Moreno
– LESSONS LEARNED (USA, 2014), de Toby Froud
– MANÍAS (España, 2015), de Santiago Capuz
– PHOENIX (Alemania, 2014), de Florian Frerichs
– SHINER (Reino Unido, 2014), de David Lilley
– THALION LTD. (España, 2015), de Diego Arjona
– THE FISHERMAN (España, 2015), de Alejandro Suárez
– THE PERIPHERAL (USA, 2014), de JT Seaton
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 30 de abril de 2015*
MANDARINAS (Mandariinid, Zaza Urushadze, 2013) *****
Estonia / Georgia. Duración: 87 min. Guión: Zaza Urushadze. Música: Niaz Diasamidze. Fotografía: Rein Kotov. Productora: Allfilm / Georgian Film. Género: Drama.
Reparto: Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass.
Sinopsis: En 1990 estalla la guerra en una provincia georgiana que busca la independencia. Ivo, un estonio, decide quedarse, a diferencia del resto de sus compatriotas, para ayudar a su amigo Margus con la cosecha de mandarinas. Durante un combate que se produce cerca de su granja, sobrevivirán dos combatientes, que pertenecen a distintos bandos y de cuyos cuidados se hará cargo Ivo.
Que la guerra es una estupidez y una estéril lucha de intereses disfrazada con el llamativo color de las banderas y otros cantos de sirena, es algo que el cine ya nos viene recordando desde sus inicios. Tan solo cabe recordar obras de arte como Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, Lewis Milestone, 1930) o Senderos de gloria (Paths of Glory, Stanley Kubrick, 1957), por citar tan solo dos. Pero nunca está de más recordarlo. Y eso es lo que propone, desde la sencillez, Mandarinas, film que nos narra como las obligada convivencia entre enemigos puede terminar rebelando que es más lo que nos une que lo que nos separa. ¿Recuerdan Infierno en el Pacífico (Hell in the Pacific, John Boorman, 1968) o la mucho más reciente Perdidos en la nieve (Into the White, Peter Naes, 2012)?, pues por ahí van los tiros pero poniendo hincapié en el personal civil. En esos héroes cotidianos a los que no se les erigen monumentos si se les otorgan condecoraciones.
Y no se espanten ante la procedencia del filme, ya que Mandarinas, a pesar de su sensibilidad eslava, no está exenta de sutil humor, a pesar de no sortear cuestiones como la luche de religiones. Y todo ello sin recurrir a huecos sentimentalismos. Totalmente recomendable.
- Premios
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2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2014: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa
DIFRET (Zeresenay Mehari, 2014) *****
Etiopía / Estados Unidos. Duración: 99 min. Guión: Zeresenay Mehari. Música: David Schommer, David Eggar. Fotografía: Monika Lenczewska. Productora: Haile Addis Pictures. Género: Drama.
Reparto: Meron Getnet, Tizita Hagere, Haregewine Assefa, Brook Sheferaw, Mekonen Laeake, Meaza Tekle.
Sinopsis: En Adis Abeba, la abogada Meaza Ashenafi (Meron Getnet) ha creado una red de ayuda a mujeres y niños pobres que necesiten la ayuda de un letrado. Se enfrenta a un hostigamiento constante por parte de la policía y del gobierno. Aun así, se atreve a defender a Hirut (Tizita Agere), una chica de 14 años a la que secuestraron y violaron cuando regresaba del colegio y que consiguió matar a su raptor antes de escapar. A pesar de haber actuado en defensa propia, Hirut puede ser condenada a la pena de muerte, ya que en la Etiopía rural sigue existiendo el “telefa” o matrimonio por rapto.
DIFRET es la primera película del realizador etíope Zeresenay Berhane Mehari y trata sobre una de las tradiciones más ancestrales de Etiopía, el “telefa” o la costumbre de raptar a niñas para casarse con ellas. Ganó el Premio del Público de la sección Panorama del Festival de Cine de Berlín y previamente, el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Sundance. Fue precisamente poco antes del estreno de DIFRET en el Festival de Sundance 2014, cuando el director y los productores recibieron la gran noticia de que Angelina Jolie se había unido a los productores ejecutivos. Por mediación de amigos comunes, la actriz vio la película sin terminar, le encantó y llamó al director para decirle que quería ayudarles como fuera. De esta manera, se convirtió en productora ejecutiva durante la postproducción.LECCIONES DE AMOR (Words and Pictures, Fred Schepisi, 2014)
*****
USA, 111 min. Guión: Gerald DiPego. Música: Paul Grabowsky Fotografía: Ian Baker. Productora: Latitude Productions / Lascaux Films. Género: Comedia.
Reparto: Clide Owen, Juliette Binoche, Keegan Connor Tracy, Bruce Davison, Adam DiMarco, Janet Kidder, Valerie Tian, David Lewis, Eva Bourne.
Sinopsis: Jack (Clive Owen) es un carismático profesor de inglés que tiene problemas de alcohol y ha perdido su capacidad de escribir. Dina (Juliette Binoche) es una artista reconocida que lucha contra una enfermedad, que le impide pintar. Ambos ejercen de profesores en una institución elitista en Croyden (Nueva Inglaterra). Entre ambos se enciende una pequeña chispa, que pasará a ser pasión cuando se enfrenten para dirimir si son más importantes las palabras o las imágenes.
La cinta nos habla sobre la falta de inspiración y la imposibilidad de crear. Pero sobre todo nos muestra una historia de amor entre seres desencantados con aires de screwball comedy, mérito de los dos protagonistas, Owen y Binoche, que salvan al filme de naufragar. Y todo ello a pesar de que el personaje que encarna Juliette Binoche resulta a veces un tanto antipático. La película se atasca en algún momento cercano a su desenlace, pero no deja de ser un agradable entretenimiento gracias a sus dos protagonistas.
POS ESO (Sam, 2014) *****
España. 81 min. Guión: Samuel Ortí Martí (AKA Sam), Rubén Ontiveros. Música: Aritz Villodas. Fotografía: Nestor De Les. Productora: Basque Films / Conflictivos Productions. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: La Trini, bailaora mundialmente conocida, abandonó los tablaos sumida en una gran depresión desde que su esposo, el gran mataor de toros Gregorio, muriese en un 
accidente doméstico. Damián, su hijo de 8 años, ha empezado a dar signos de una rebeldía que roza la demencia. Ningún médico, psicólogo o psiquiatra puede explicar el comportamiento del crío, conducta que irá empeorando hasta tal extremo que será necesaria una explicación sobrenatural a su estado. Esta situación pone a la Trini al borde de los nervios, quien decide contactar con el Padre Lenin, cura vasco repudiado por la Iglesia que está atravesando una crisis de fe; pero tal como todas las señales indican, es él la única esperanza de devolver la tranquilidad a tan maltrecha familia.
Pos Eso es el primer largometraje de animación stop motion de Sam tras el exitoso corto Vicenta (2010), que llegó a estar nominado a los Goya. Un detallado trabajo de artesanía que cuida tanto los fondos como a los personajes principales, a los que prestan su voz, entre otros, Santiago Segura, Carlos Areces, Álex Angulo, Anabel Alonso y Mariví Bilbao. Exorcismos, folklore, toreros y mucho humor con gotas de actualidad bizarra y guiños cinéfilos para un apabullante film repleto de humor que obtuvo una merecida mención especial del jurado en el Festival de Sitges.
WALKING ON SUNSHINE (Max Giwa y Dania Pasquini, 2014) *****
UK. Duración: 97 min. Guión: Joshua St Johnston. Música: Anne Dudley. Fotografía: Philipp Blaubach. Productora: Vertigo Films / IM Global. Género: Musical.
Reparto: Greg Wise, Joelle Koissi, Leona Lewis, Annabel Scholey, Adrian Palmer, Hannah Arterton, Shane Salter, Val Monk, Terry Noble, Susan Fordham, Katy Brand.
Sinopsis: Maddie (Annabel Scholey) está decidida a organizar su boda con Raf (Giulio Berruti), su prometido e invita a su hermana Taylor (Hanna Arterton) sin saber que ambos tuvieron una relación amorosa tiempo atrás.
Otro musical llegado de Inglaterra repleto de hits de los ochenta pero que no pasa de sonrojante. Tan solo recomendable para completistas del género y masoquistas que quieran pasar un buen e intenso rato.
ASTÉRIX: LA RESIDENCIA DE LOS DIOSES (Astérix: Le domaine des dieux, Louis Cliché y Alexandre Astier, 2014)*****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Alexandre Astier (Cómic: Rene Goscinny, Albert Uderzo) Música: Hubert Cornet. Productora: SND / M6. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Estamos en el año 50 A.C. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y detienen siempre al invasor. Exasperado por la situación, Julio César decide cambiar de táctica: como sus ejércitos han sido incapaces de imponerse por la fuerza, será la misma civilización romana la que se encargará de seducir a los bárbaros galos. Para ello, ordenará construir al lado de la aldea una lujosa residencia para romanos: “la residencia de los Dioses”. ¿Podrán nuestros amigos galos resistirse a la tentación del dinero y el confort romano? Astérix y Obélix tendrán que esforzarse para frustrar los planes del César.
Tras producciones de dibujos animados e imagen real, las aventuras de Astérix vuelven a la pantalla en animación 3D, un formato ideal para este tipo de adaptaciones basadas en personajes de cómic, como han demostrado los recientes estrenos de Doraemon e incluso Mortadelo y Filemón en este tipo de animación.
Astérix. La residencia de los dioses, adapta con éxito el cómic original de Uderzo y Goscinny, manteniendo el humor y el encanto de los personajes con una animación nada apabullante, limpia y brillante. No en vano Louis Cliché, uno de sus directores, proviene del mundo de la animación habiendo trabajado en reconocidos éxitos como Up (2009) y Wall-e (2008). Sin duda se trata de un plan ideal para el público de todas las edades, que no enfurecerá a los puristas de los personajes originales.
Vértigo, fascinación por el abismo y lo nocturno
«Sorprende en este filme la partitura musical hasta el punto de que no se sabe muy bien si la película es una evocación de esta prodigiosa banda musical o ésta constituye el entramado fílmico y melódico que concede al filme su verdadero armazón»[1]. No exagera Eugenio Trías al hablar así de la relevancia de la música de Bernard Herrmann en Vértigo: la trabazón entre la música y la imagen es tal que no puede comprenderse la una sin la otra. Es en la composición donde se enuncian los motivos temáticos de la película, las notas musicales son las encargadas de nombrar la pasión (mejor obsesión) y de dar o quitar voz a los personajes. Así el tema de Judy Barton sólo se escucha durante la escena de la carta pues ese es el único momento en que el personaje de Kim Novak tiene vida propia en el filme. El fantasma de Madeleine ( la falsa Madeleine de hecho) lo inunda todo y su leit motive musical corona buena parte del metraje siendo sólo superado en peso e importancia por el tema de amor, un tema en el cual puede rastrearse la herencia de Wagner pues la música de Herrmann evoca el Liebestod de Tristán e Isolda, se nos habla así desde la melodía del tópico cultural de la muerte de amor y de eso nos habla Vértigo de la orientación tanática del Eros. La película lleva a su límite absoluto el gran tema del amor-pasión entretejido con la pulsión de muerte, el vértigo que le da título es una mezcla de miedo a la caída y atracción por el abismo. El obsesionado Scottie necesita recuperar a su amada y actuará como un auténtico Pigmalión, cuando encuentre a Judy no cejará hasta volverla idéntica a esa amada muerta. La muerte de amor en Vértigo es mucho más perversa que en Tristán e Isolda, nadie muere por la ausencia del otro, la pasión toma otro camino, «para decir las cosas de una manera simple, este hombre quiere acostarse con una muerta; es pura necrofilia»[2]. En este, su aspecto necrófilo, es en el que vamos a insistir.
Sobre Vértigo se han derramado ríos de tinta. Incomprendida en su momento, hoy es vista como obra maestra indiscutible, tanto es así que la revista Sight&Sound del British Film Institute, la ha elevado a “mejor película de todos los tiempos», desbancando a Ciudadano Kane que llevaba 50 años ininterrumpidamente en ese trono. Inclasificable por género, su escaso éxito en su estreno se debió en gran medida a su renuncia a la sorpresa. La carta de la que hablábamos al referirnos al tema musical de Judy rompe el enigma generado hasta ahí, pues revela la verdadera identidad de la joven y el engaño del que ha sido víctima Scottie a fin de poder encubrir el asesinato real. Toda la trama policíaca inicial se manifiesta como un auténtico MacGuffin y el público se ve obligado a revisar sus hipótesis[3]. Hay que entender que para Hitchcock el verdadero suspense no estaba en la trama sino en la relación que se establece entre los personajes. Desvelar que Madelein en verdad no fue más que la recreación que hizo Judy de ella aumenta el dramatismo de su conversión en manos de Scottie, a diferencia de lo que ocurría con la novela que adapta el guión (De entre los muertos de Pierre Boileau y Thomas Narcejac): «En el libro el lector descubría a una chica que no quería transformarse, nada más. En la película un hombre se encuentra con una mujer que se da cuenta de que ese hombre poco a poco la desenmascara».[4] Sabe que la desenmascara y sabe también que la lleva a la muerte, pues dejarse transformar supone una renuncia a sí misma: aunque no perdiese la vida, habría perdido su yo. Scottie la conduce , por tanto, a una doble muerte, «(la literal y la figurativa de la falsa Madeleine), pues Judy está obligada -por su propia pasión- a convertirse, de nuevo, en una persona inexistente y por lo tanto, tendrá lugar la muerte de una persona real y de una persona irreal, de la auténtica Judy y de la falsa Madeleine»[5]. La búsqueda de ser amada la lleva a sacrificarse como persona cayendo en una autodestrucción dirigida por la voluntad de Scottie, en la que Judy se abisma emotiva y físicamente.
Vértigo trata sobre una obsesión, sobre volver una y otra vez al mismo punto. Así la primera parte viene marcada por el deambular en círculo de los dos personajes por las calles de San Francisco y la segunda es un volver a reproducir punto por punto lo amado. La espiral, que aparece ya en los famosos créditos de Saul Bass, tiene carácter de estructura en el filme (y domina igualmente a la partitura). Espiral es el recogido que lleva Madeleine y circular será el beso que consumará el rencuentro con su efigie cuando Judy haya accedido a peinarse igual. Ese momento en que su vestirse, que es un desnudarse, alcanza la desnudez total como cuenta el propio Hitchcock: «Todos los esfuerzos de James Stewart para recrear a la mujer, cinematográficamente, está presentados como si quisiera desnudarla en vez de vestirla. Y la escena de más intensidad es cuando la chica vuelve después de haberse teñido de rubia. James Stewart no está completamente satisfecho porque no se ha hecho el moño. ¿Qué quiere decir eso? Eso quiere decir que está casi desnuda ante él, pero todavía se niega a quitarse las braguitas. Entonces James Stewart se muestra suplicante y ella acepta y vuelve al cuarto de baño. James Stewart espera que vuelva esta vez desnuda, preparada para el amor». Scottie ha sido incapaz de tocar a Judy hasta que ella accede a fundirse con la imagen de Madeleine, porque él espera que aparezca de nuevo la amada muerta y en esa secuencia crucial cuando Judy entra en la habitación lo hace envuelta de un alo que realmente la hace parecer surgida de entre los muertos, «(…) elegí que residiera en el Hotel Empire de Post Street porque tiene en la fachada un anuncio de neón verde en constante intermitencia. Aquello me permitió provocar sin artificio el efecto de misterio sobre la chica»[6]. Scottie ya ha recreado a Madeleine, pero no le basta con ello, necesita el imposible de que sea la propia Madeleine, por eso tendrá que retornar al escenario primordial donde todo ocurrió: la torre en la que no pudo alcanzarla. Tiene que repetir esa escena (la trama le brinda la excusa del descubrimiento del engaño) para curar su obsesión, aunque eso vaya a sellar definitivamente la tragedia de Judy.
Toda la trama del filme, en la que «cada frase del diálogo, cada color, cada elemento de decoración, cada pieza de vestuario, cada nota musical, cada ángulo de la cámara, cada mirada, mantiene una relación orgánica con el conjunto»[7], resulta ser un tránsito hacia la sublimidad de las grandes tragedias y ello es posible por el hermanamiento del amor-pasión de ambos con la muerte. Su desenlace es demoledor[8]: Judy, transformada en una muerta Madeleine, cae al vacío; Scottie, curado de su acrofobia, se queda contemplándola mientras abre sus brazos como si abrazara el vacío, como si abrazara la muerte definitiva de su amor, perdido ya indefinidamente en la melancolía.«Él descubre, como Nietzsche, que si uno lucha con monstruos puede acabar convirtiéndose en uno de ellos. Y que si uno contempla largo tiempo a un abismo, el abismo acaba mirando dentro de ti»[9].
[9] López Pulido, R.: VÉRTIGO: EL ABISMO QUE SUBE Y SE DESBORDA.
HOMENAJE A EUGENIO TRÍAS, http://www.educa.madrid.org/web/ies.jaimeferran.colladovillalba/revista32/10-Vertigo%20MQ.pdf
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