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Novedades Diábolo Ediciones * Febrero 2025: Monstruos y Madelman
Este mes Diábolo ediciones nos ofrece otras formas de ver al monstruo: Con C de Cthulhu trae a Lovecraft y su obra para los más pequeños, convirtiendo a los dioses primordiales en graciosas entidades abrazables ¡Tiempo tendrán de enfrentarse a sus propios demonios cuando crezcan! En Historia de los monstruos tenemos todo un catálogo de monstruos provenientes de diversos orígenes: el cine, la literatura, las leyendas… Finalmente, y para reposar de tanto monstruo, Diábolo ofrece un ingenioso libro de fotografía protagonizado por nuestros entrañables Madelman. En él los veremos más en acción que nunca, cobrando vida en cada una de sus páginas ¿Quién dijo que los Madelman no estaban vivos?: En Madelman Toy Photography están todas las pruebas que demuestran lo contrario.
Tráiler y póster de ‘Until Dawn’
Nuevo tráiler y el póster oficial de UNTIL DAWN, la película de acción real basada en el premiado videojuego de terror homónimo creado por PlayStation Studios, que llegará exclusivamente a los cines españoles el 25 de abril.
Sinopsis: Un año después de la misteriosa desaparición de su hermana Melanie, Clover y sus amigas se dirigen al remoto valle donde desapareció en busca de respuestas. Mientras exploran un centro de visitantes abandonado, son acechadas por un asesino enmascarado que las mata una a una de forma horrible… para después despertar y encontrarse de nuevo al principio de la misma noche. Atrapadas en el valle, se ven obligadas a revivir la pesadilla una y otra vez, solo que cada vez la amenaza asesina es diferente y aún más aterradora que la anterior. Con la esperanza menguando, el grupo pronto se da cuenta de que solo les queda un número limitado de muertes y que la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer.
Dirigida por David F. Sandberg (Nunca apagues la luz, Annabelle: Creation), con guion de Blair Butler y Gary Dauberman (Annabelle, La monja, It) y producida por Sandberg y Dauberman, entre otros, está protagonizada por Ella Rubin, Michael Cimino, Odessa A’zion, Ji-young Yoo, Belmont Cameli, Maia Mitchell y Peter Stormare, en su papel original como Dr. Hill.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de febrero de 2025 *
PADDINGTON: AVENTURA EN LA SELVA (Paddington in Peru: Lost in The Jungle, Dougal Wilson, 2024)
UK-Francia-USA-Canadá. Duración: 106 min. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Personaje: Michael Bond. Historia: Mark Burton, Simon Farnaby, Paul King Música: Dario Marianelli Fotografía: Erik Wilson Compañías: Heyday Films, Marmalade Films Ltd., StudioCanal Films, Studiocanal Género: Comedia.
Reparto: Olivia Colman, Antonio Banderas, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Carla Tous, Julie Walters, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Jim Broadbent, Robbie Gee, Joel Fry, Ben Whishaw.
Sinopsis: Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, Paddington: aventura en la selva encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
C.C. Baxter/Jack Lemmon intenta arrancarle una declaración de amor a Fran Kubelik/Shirley MacLaine en el final de El apartamento; ella se limita a decirle: “¡¡Juega!!” Uno de los finales más emotivos de la historia del cine y lo citamos para afirmar que la ternura hay siempre que insinuarla y no proclamarla con fanfarrias. Porque el amor es excelso y revolucionario, pero la ñoñería, la cursilería, es kitsch. Y el kitsch es reaccionario (piensen si no en la bailarinas de Lladró). El cine puede incidir en la realidad del mundo y hacerlo un lugar más ideal. Primera previa que establecemos antes de comentar la tercera entrega de Paddington.
Y segunda previa: en épocas de confusión y zozobra los líderes carismáticos toman la medida del momento y arrastran a las masas a golpe de populismo. Hoy el malismo es tendencia y Elon Musk está a la cabeza del orbe. El patán dueño de SpaceX ha resultado ser el líder carismático capaz de arrastrar al mundo, saludo nazi mediante. Pero, como Giscard d’Estaing supo ver, siempre hay un pero. Y lo vamos a ir viendo al otro lado del punto y aparte.
Es domingo 16 de febrero de 2025, mi madre habría cumplido hoy 99 años, y Enric Juliana habla de huevos en su columna dominical en La Vanguardia, “Un camionero desayunando un revuelto de huevos en una cafetería de carretera, he ahí una imagen de nuestro tiempo. La inflación en Estados Unidos alcanzó el 3% el pasado mes de enero como consecuencia del encarecimiento del alimento más popular. Ese repunte aconsejó a la Reserva Federal a mantener los tipos de interés en pausa. Lo pequeño a veces explica el mundo”, y yo quiero sacar un corolario, quizás espurio, de su escrito: los gestos minúsculos pueden invertir el signo de los tiempos igual que un batallón de mariposas batiendo sus alas en Brasil puede provocar un huracán en Texas. El próximo viernes 21 de febrero de 2025 llega a las pantallas españolas Paddington, Aventura en la selva y yo podría recomendar su visionado con los mismos argumentos que esgrimí para hacerlo con sus precedentes: “Una de las películas más simpáticas de la temporada, que nos invita a dejarnos llevar al mundo de la fantasía sin oponer actitudes escépticas, nos pide que suspendamos la incredulidad y recuperemos nuestro corazón infantil«. Y podría concluir aquí, pero prefiero extenderme.
El inofensivo oso marrón que tomó el té con Isabel II, el mismo que llega sin papeles a Inglaterra, es también un personaje carismático: le define su hilarante torpeza, esa que introduce el tono de slapstick a las cintas que protagoniza, pero también una mirada, que califica de intensa, capaz de hacer enmendarse a los villanos, pues con ella sanciona los valores éticos del actuar humano. Paddington es pura inocencia y corazón. Es el perfecto antídoto contra el malismo imperante. Apostar por él es ponerse del lado de la sensatez y el equilibrio. También de la jovialidad y la paz. Ver Paddington, a día de hoy, es un acto subversivo.
Paddington, aventura en la selva ha tenido una acogida más tibia que sus predecesoras por parte de alguna crítica. Injustamente, afirmamos, porque de una cinta que pretende (y logra) ser para todos los públicos mientras dialoga con Werner Herzog se pueden decir muchas cosas, pero nunca se la debió acusar de ser menos original, menos excéntrica y más infantil. ¿O acaso la primera aparición en pantalla de Antonio Banderas sobre el puente de su embarcación remontando el Amazonas con el gramófono a todo trapo no es una cita directa de Fitzcarraldo? Y no es una mera broma, o una asociación de ideas hueca, se está estableciendo un paralelismo muy consciente. Es una manera de dirigir nuestra mirada hacia el subtexto, en el que está en juego una reflexión sobre el absurdo de la ambición humana, de una parte, y de otra una nueva interrogación sobre qué papel juega la cultura y cuál la naturaleza en la condición humana. Algo en lo que se abunda retorciendo el chiste y haciendo que ese sosias de Fitzcarraldo sea descendiente de un sosias de Aguirre que le habla al primero desde el cuadro que preside su camarote, tal como el fantasma le hablaba a la Señora Muir. Mucha cultura cinéfila hay bordadas en las páginas de un guion que, también hay que destacarlo, funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, logrando ponernos ante una película cebolla con las capas perfectamente ensambladas. Y funciona a diferentes niveles de comprensión, cada espectador encuentra su hueco sin que la película se resienta por ello. Compleja pero de aspecto simple, así es la aventura selvática de nuestro oso favorito. Reveladora y con enseñanza moral, que no moralista.
El mito de la ciudad de oro que estaba ahí para ser descubierta por un conquistador aventurero, la leyenda de El Dorado, encapsula la sed insaciable de los europeos por el metal dorado y el deseo inquebrantable de exprimirle todo el jugo a las nuevas tierras. Herzog supo exprimir la dimensión antiheroica de la gesta hasta destilar de ella la poética de lo baldío. Los guionistas de Paddington toman la cita culta y la apean de su trascendencia, bañan el concepto con la levedad de lo pop y entonan un canto a la bondad de la irrelevancia. En lo pequeño reside la grandeza. El tesoro siempre estuvo en el corazón. Un discurso naif que enaltece el valor de la inocencia. Y en un mundo que hace de la maldad estandarte, apostar por el buenismo más ingenuo es lo más transgresor. Esa y no otra es la sabiduría que contiene un sándwich de mermelada de naranja.
THE MONKEY (Osgood Perkins, 2025)
USA. Duración: 95 min. Guion: Osgood Perkins. Historia: Stephen King Fotografía: Nico Aguilar Compañías: Atomic Monster, Black Bear International, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group. Productor: James Wan. Distribuidora: Neon Género: Terror
Reparto: Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Laura Mennell, Sarah Levy, Colin O’Brien, Kingston Chan, Zia Newton, Danica Dreyer, Rohan Campbell, Osgood Perkins, Christian Convery
Sinopsis: Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.
Tras la prestigiosa Longlegs, Oz Perkins sorprende con una película que, si bien puede enmarcarse dentro del cine de terror, también aceptaría dignamente la clasificación de comedia, pues The Monkey se mueve cómodamente dentro de esos parámetros ofreciendo un salvaje espectáculo gore habitado por esperpénticos personajes y aparatosas muertes. Basada en un relato corto de Stephen King y con producción a cargo de James Wan, The Monkey realiza un retrato de la infancia con la precisión con la que habitualmente lo hace King, pero rápidamente el espectador detectará unos excesos que conseguirán que el terror pase al -salvaje- formato de comedia.
El mono del título será el objeto maldito, un jodido macaco tamborilero que cuando comienza a golpear su tambor, se producirá una bizarra muerte. Muertes que juegan en la misma liga en la que lo hacían las de aquella serie de películas de terror, Destino final, cuyo «encanto» residía en intentar adivinar de que enrevesado y sangriento modo irán cayendo los jóvenes condenados a muerte.
Así que aquí también tendremos un buen número de disparatadas muertes, e incluso Oz Perkins se permitirá jugar al despiste con el espectador sorprendiéndole con el modo escogido de exterminio. Un body count en el que, tal y como se anuncia con escasa sutilidad en el póster, todo el mundo morirá.
Entre los protagonistas, el film cuenta con Theo James, Tatiana Maslany y un Elijah Wood que ejerce de actor invitado. A ellos se sumarán Colin O’Brien, Rohan Campbell, Christian Convery y Sarah Levy.
LA ÚLTIMA REINA (Firebrand, Karim Aïnouz, 2023)
UK. Duración: 120 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Novela: Elizabeth Fremantle Música: Dickon Hinchliffe Fotografía: Hélène Louvart Compañías: MBK Productions, Magnolia Mae Films, Brouhaha Entertainment Género: Drama.
Reparto: Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Simon Russell Beale, Sam Riley, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Edward Harrison, Andy M Milligan, Mina Andala, Paul Tinto
Sinopsis: Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
Enrique VIII fue un pintoresco monarca cuya vida y múltiples matrimonios han sido llevados a la pantalla en diversas ocasiones. En La última reina, el monarca causa pavor a su corte, en especial a su esposa, por sus radicales cambios de humor, pues no en vano ella sabe que no es extraño que en uno de ellos decida terminar con su vida. Nadie se lo va a cuestionar, pues es el monarca máximo de un reino que como buen déspota está para satisfacerlo. Esa última reina, Catalina, interpretada prodigiosamente por Alicia Vikander es la gran protagonista del film. Una mujer inteligente que sabe llevar a su terreno al rey y se sabe amada, pero que sabe que su vida pende, siempre, de un hilo. Vikander trasmite el pavor en el que vive, pero Jude Law, en el rol del monarca, consigue que el espectador olvide al actor y vea al déspota tirano. Un tirano vestido con piel de hombre que también tiene sus debilidades y las muestra en una actuación también excelente que convierte La última reina en toda una perla que convendría que no pasara desapercibida entre la pobre programación semanal.
Con un guion escrito por las hermanas Henrietta y Jessica Ashworth, responsables de los de Night Bus o Tell It to The Bees, y basado en en la novela histórica ’Queen’s Gambit’ de Elizabeth Fremantle, el primer largometraje en inglés del director brasileño Karim Aïnouz se presenta, en palabras del propio realizador, como una reinvención de la película de época que narra los hechos desde el punto de vista de un personaje muy subrepresentado en la historia de Inglaterra, Catalina Parr, la última esposa de Enrique VIII, reina consorte de Inglaterra e Irlanda y responsable de la reconciliación entre Enrique y su hija María, quien más tarde sería la primera soberana de Inglaterra por derecho propio, María I.
‘Americana’: Toda la programación de la duodécima edición
Americana ya tiene programación definitiva. El festival de cine independiente norteamericano se celebrará entre el 11 y el 16 de marzo en los cines Girona, Zumzeig y Texas. La sesión inaugural será el martes 11 en la sala Phenomena y la retrospectiva en la Filmoteca de Catalunya del 12 al 30 de marzo.
Comenzamos la programación con TOPS, que presenta algunos de los títulos más destacados del año. I Saw the TV Glow, sobre adolescentes obsesionados con una serie de terror cancelada, es una de las cintas indies del año, como demuestran sus cinco nominaciones a los Independent Spirit Awards, donde lidera las candidaturas junto a Anora. In the Summers, que ganó mejor película y dirección en Sundance, será nuestra película inaugural, un drama sobre la complicada relación entre un padre y sus dos hija s durante varios veranos con Lio Mehiel, protagonista de Mutt, y el rapero Residente. Griffin in Summer, una mezcla de teatro y amor adolescente que ganó tres premios en Tribeca (película, dirección y guion); Christmas Eve in Miller’s Point, sobre las diferentes historias de una familia durante la noche de Navidad, presentada en la Quincena de Cannes y con un reparto coral de lujo con Michael Cera o los hijos de Spielberg y Scorsese; Familiar Touch, un drama sobre la dignidad y el descubrimiento en la vejez, ganadora de tres premios Orizzonti en Venecia (mejor película, guion y actriz); Harvest, una distopía medieval protagonizada por Caleb Landry Jones; Between the Temples de Nathan Silver, un clásico del festival con Jason Schwartzman protagonizando esta comedia sobre dudas existenciales, aclamada en Sundance, Berlín y SXSW. También vuelven otros clásicos del festival con la nueva joya de animación de Don Hertzfeldt, ME, una odisea musical sobre la retirada de la humanidad en sí misma, finalista al Oscar a mejor cortometraje de animación. Ghostlight (del director de Saint Frances) será la película de clausura, un relato vitalista y tierno con dos nominaciones a los Independent Spirit Awards. Desde Quebec llega Comme le feu, la nueva maravilla de Philippe Lesage, donde unas vacaciones en la casa de un director de cine se convierten en una pesadilla. Desde México, Sujo, la historia de un niño en un entorno complicado, candidata de México al Oscar y ganadora del premio a mejor película en el Festival de Sundance (Sección World), también premiada en el Festival de San Sebastián. Dìdi, ganadora del premio del público en Sundance y con cuatro nominaciones a los Independent Spirit Awards, en la que el director Sean Wan nos presenta una suerte de autobiografía sobre su vida como adolescente inmigrante en la primera década de los 2000. El Jockey, una cinta latina con Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó, premiada en Venecia y San Sebastián y nominada al Goya, una historia sobre identidad y redención tan extraña como cautivadora. Y, finalmente, Saturday Night, que nos transporta al frenético proceso creativo de la primera emisión de Saturday Night Live, con un impresionante reparto coral encabezado por Rachel Sennott, Willem Dafoe y J.K. Simmons, reconocida con nominaciones a los Globos de Oro y los Critics’ Choice Awards.
En NEXT, la sección que apuesta por futuras promesas, comenzamos fuerte con The People’s Joker de Vera Drew, la gran sorpresa indie del año. Estrenada en Midnight Madness de Toronto, ha conseguido nominaciones en los Gotham, los Independent Spirit y la crítica de Nueva York con una historia sobre una joven cómica trans en una Gotham distópica donde la comedia está controlada por un régimen autoritario. Seguimos con visiones queer de iconos americanos con National Anthem, un American Queer Rodeo presentado en SXSW. Sobre otras comunidades, en este caso las fraternidades universitarias, habla The Line, un drama punzante que explora los rituales iniciáticos extremos con actores de Euphoria y John Malkovich. Eephus nos traslada al béisbol con el último partido entre dos equipos amateurs en un campo a punto de ser demolido, presentado en la Quincena de Cannes. Vulcanizadora, de Joel Potrykus, presenta una travesía de amistad y oscuridad protagonizada por el mismo director y su actor habitual, Joshua Burge. Bang Bang narra la historia de un boxeador retirado (Tim Blake Nelson) que envejece solo hasta que le encargan cuidar de su nieto. En clave de thriller, brilla Silver Star, una road movie de atracos con un dúo de personajes antagónicos que recuerdan tanto a Bonnie and Clyde como a las protagonistas de Zola. Adult Best Friends, presentada en Tribeca, trata sobre dos amigas en crisis de confianza, mientras que Rent Free sigue a dos amigos que intentan ahorrar dinero en Nueva York alojándose en casas de conocidos, lo que no les saldrá demasiado bien. En la friend zone del festival, Matt and Mara, estrenada en la Berlinale, reflexiona sobre estabilidad emocional, amistad y deseo. Turn Me On nos presenta una distopía con similitudes a «Un mundo feliz», ganadora del premio del jurado joven en San Sebastián. También en la Berlinale se presentó Janet Planet, sobre la compleja relación entre una madre y su hija, con tres nominaciones a los Independent Spirit y brillantes interpretaciones de Julianne Nicholson y la joven Zoe Ziegler. Finalmente, Problemista es una comedia surrealista con humor absurdo que reflexiona sobre los procesos de regularización de la inmigración en EE.UU., con un reparto de lujo que incluye a RZA y Tilda Swinton.
Americana DOCS presenta cinco documentales: Look into my Eyes se adentra en el oficio de los médiums, mostrando la intimidad de sus conversaciones y explorando el duelo y la esperanza. Nocturnes es una investigación ecológica sobre el cambio climático en el Himalaya, premiada en Sundance. New Wave retrata cómo la comunidad vietnamita en EE.UU. de los años 80 encontró su identidad en la música. Homegrown, premiada en Venecia, describe sin filtros el giro radical del Partido Republicano y el asalto al Capitolio en 2020. Group Therapy muestra una terapia de grupo moderada por Neil Patrick Harris con un elenco de cómicos hablando sobre salud mental.
Completamos la programación con los cortos de SHORTS distribuidos en tres sesiones. En la primera sesión encontramos, entre otros, The Untranslatable Forest de los directores Ivan Miguel y Andy Camou o el nuevo documental Wrecked a Bunch of Cars, Had a Good Time de los directores James P. Gannon y Matt Ferrin, habituales de festivales como Sundance o Slamdance. En Shorts 2 destacan títulos como Tea de Blake Rice, presente en el Festival de Cannes, o The Last Brunch del ya habitual del festival Jim Cummings. Y este año volvemos a dedicar una de las sesiones de cortos a obras de estudiantes de diversas universidades de cine, una selección realizada por los alumnos de crítica de La Casa del Cine.
Por otro lado, como ya anunciamos, el invitado de honor de esta edición será Ira Sachs. El director de obras como Keep the Lights On, Verano en Brooklyn (Little Men) o Passages ha tenido presencia en festivales de la categoría de Cannes, Sundance, Berlín o San Sebastián y se ha convertido en un director clave del cine indie actual, caracterizado habitualmente por su sensibilidad al tratar temáticas LGBTQ+. Como siempre, nuestro invitado especial será objeto de una retrospectiva en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, con todos sus largometrajes del 12 al 30 de marzo. Así, además de los grandes éxitos que ya conocéis, se podrá ver en pantalla grande películas menos conocidas de su filmografía, como su ópera prima The Delta o la ganadora de Sundance Forty Shades of Blue.
Además, estamos encantados de anunciar que Jane Schoenbrun vendrá a presentar I Saw the TV Glow, una de las películas de la temporada de premios y una de las figuras más prometedoras de la escena indie actual.
Más anuncios: este año volveremos a contar con la sesión Una nit d’Stand Up, con Alba Segarra, Alex Vila, Andrea Farina, Arnau Garcia y Oye Sherman, gracias a la colaboración con Hilària Comèdia.
En breve, anunciaremos en redes las sesiones profesionales, como una Masterclass con Ira Sachs en Blanquerna, un encuentro con él en la residencia de guionistas o una charla con guionistas en colaboración con el GAC, así como los jurados habituales del festival, que decidirán cuáles son las mejores películas de esta edición.
Toda la información práctica y la venta de entradas y abonos estarán disponibles en la web a partir de mañana. Mantenemos los precios del año pasado. Recordad: hay descuentos disponibles con el carné de Bibliotecas, el Carnet Jove, el TRESC, y para abonados de los Cines Girona y Zumzeig. El periodo de acreditaciones para prensa y profesionales está abierto desde este lunes 17 y finaliza el 7 de marzo.
‘Peter Pan’s Neverland Nightmare’ destinada a ser el mejor estreno del género de terror de 2025
Una vez estrenada Winnie The Pooh: El Bosque Sangriento, a lo largo de 2025 el Poohniverse seguirá ensangrentando las pantallas y las butacas de los cines con los siniestros retratos de Peter Pan, Bambi o Pinocho, emulando el MCU (Marvel Cinematic Universe), con sus versiones retorcidas de personajes de cuentos clásicos.
Peter Pan’s Neverland Nightmare se ha estrenado en Estados Unidos obteniendo una recaudación de más 230.000 dólares con un número reducido de copias, que la distribuidora va a ampliar debido a su excelente acogida. El film llegará a los cines españoles a lo largo del primer trimestre de este año. Se trata de una adaptación de la obra teatral original, creada por James Matthew Barrie. El escritor escocés estrenó en 1904 el montaje titulado Peter Pan y Wendy, que luego convirtió en novela aunque la edición completa no se publicó hasta 1928.
Peter Pan’s Neverland Nightmare reinventa el cuento clásico de Peter Pan en una versión mucho más oscura y violenta. En esta película de terror, Wendy Darling debe enfrentarse a un retorcido y cruel Peter Pan para salvar a su hermano Michael de las garras de este despiadado villano.
Scott Jeffrey (Firenado, Kingdom of the Dinosaurs, Spider in the Attic), productor de la saga del Poohuniverse junto con Rhys Waterfield y actor de Winnie The Pooh: el bosque sangriento, ha sido el encargado de dirigir la película en cuyo reparto están Megan Placito dando vida a Wendy, Martin Portlock (A Cold Grave, Fluorescent Sky) en la piel de Peter Pan, Kit Green dando vida a Campanilla, Peter DeSouza como Michael, Kierston Wareing interpretando a Roxy y Nicholas Woodeson.
En palabras del director «esta es una película extremadamente oscura al tratar el tema de los niños secuestrados. Todas las películas de nuestro universo Pooh serán diferentes a la anterior. Entonces, si una no es para ti, entonces tal vez la próxima sí lo sea. Peter Pan es el más cruel de todos. Es retorcido, despiadado y astuto”.
Poohuniverse Monster’s Assemble
Según el propio Scott Jeffrey, productor de la saga, el Poohuniverse Monster’s Assemble «se filmará en marzo de 2025 y contará con todos los supervivientes de ‘Winnie de Pooh: el bosque sangriento’, ‘Peter Pan’, ‘Bambi’… y todos los villanos provenientes del Poohuniverse y otros que no han aparecido todavía porque aún no hemos rodado esas películas, todos regresando juntos y básicamente enfrentándose entre ellos, va a ser salvaje.
Toda mi vida he estado obsesionado con las películas de terror y siempre he querido ver una película con los personajes de ‘Scream’, ‘Hellraiser’, ‘Muñeco diabólico’, ‘La matanza de Texas’, en una película matando gente y enfrentándose los unos a los otros. Algo que nunca había ocurrido porque son iconos que pertenecen a diferentes sellos. Así que, ésta es una oportunidad para ver la película que siempre he querido ver. Por supuesto, está ‘Freddy contra Jason’, pero esto es más como una versión de terror de Avengers.»
Jeffrey añade: «el proyecto ‘Poohniverse: Monsters Assemble’ no solo promete ser una revolución en términos de producción y de concepto, sino también en cuanto a trama y personajes. Personajes como Winnie the Pooh, Tigger, Rabbit, Owl y Piglet serán parte de esta nueva historia, al lado de figuras de otras obras clásicas como Pinocho, la Bella Durmiente, Bambi, el Sombrerero Loco, Peter Pan y Campanilla.
“Al director de la película Rhys Frake-Waterfield y a mí nos encantaría ver una película de terror en la que los villanos se agruparan y fueran a por los supervivientes. Tenemos en mente algunos escenarios increíbles, quien inspirado en los crossovers del cine de terror como ‘Freddy vs Jason’ y superhéroes, asegura que será una completa carnicería».
F&P Media estrenará en cines próximamente varias esperadas entregas de la saga del Poohunivese, además del citado Assemble. Las siguientes películas que llegarán a las las pertenecientes al Universo Infantil Retorcido son: Bamby the Reckoning, Pinocho Unstruck y Awakening Sleeping Beauty. #Staytuned
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de febrero de 2025 *
LA TUTORÍA (Armand, Halfdan Ullmann Tøndel, 2024)
Noruega. Duración: 117 min. Guion: Halfdan Ullmann Tøndel Música: Ella van der Woude Fotografía: Pål Ulvik Rokseth Compañías: Eye Eye Pictures, Keplerfilm, ONE TWO Films, Film I Väst, Prolaps Produktion Género: Drama.
Reparto: Renate Reinsve, Ellen Dorrit Petersen, Endre Hellestveit, Øystein Røger, Thea Lambrechts Vaulen, Vera Veljovic-Jovanovic, Loke Nikolaisen, Assad Siddique
Sinopsis: Armand, un niño de 6 años es acusado de traspasar ciertos límites con su amigo y compañero de clase Jon. Nadie sabe exactamente lo que ha ocurrido, así que la dirección del colegio convoca a los padres para discutir el tema, desencadenando un agitado conflicto que pondrá sobre la mesa cuestiones como la sexualidad en la infancia, la culpabilidad o la complejidad de las zonas grises que existen entre la violencia y el juego.
En diciembre de 1871 (aunque en la solapa de la primera edición figure 1872) se publicaba en Leipzig El nacimiento de la Tragedia del espíritu de la música. El genitivo del título es, por supuesto, una referencia a Richard Wagner, por entonces valedor de aquel Friedrich Nietzsche insultantemente joven al que habría acogido con la certeza de que su verbo vehemente iba a retribuirle las atenciones que tuviera con él. El filósofo veía en la obra del músico el renacimiento de la obra de arte total que había sido la Tragedia Ática mientras el propio Wagner sería el genio que iba retornarle el sentido al mundo (siempre simplificando). Quince años más tarde la coletilla que remataba el título en la reedición había cambiado, sustituyéndola por el subtítulo “Helenismo y pesimismo”, clara muestra de que, después del cruce de sables que fue la simultánea publicación del Humano, demasiado humano y el estreno de Parsifal en Bayreuth, Nietzsche volaba con ala propia y ya no fiaba al autor de la Tetralogía el rol de restaurar el espíritu de la Tragedia. Pero aquel referir su nacimiento a la música, también daba cuenta de que el autor defendía que la célula primigenia del arte teatral había sido el coro el cual no era otra cosa que la estilización artística de los comos rituales (κῶμος, kỗmos), los cortejos bulliciosos y festivos de bebedores acompañados de músicos que procesionaban en las fiestas consagradas a Dionisos. Así, aunque para Nietzsche la Tragedia bebe de lo dionisíaco y de lo apolíneo, sentenciaba, en el fondo, que su auténtica carta de naturaleza era lo primero manifestado en esas danzas orgiásticas que se habrían domado dando nacimiento al arte escénico. Bien, pues toda esta excursión la hemos relatado para señalar que lo que, a nuestro entender, da carácter y originalidad al debut de Halfdan Ullmann Tøndel es que con La tutoría devuelve la narrativa escénica al espíritu de la danza (contemporánea, eso sí) del que surgió. Y aún queremos añadir otra comparación. El nacimiento de la Tragedia venía a sustituir la tesis doctoral que no había escrito aún cuando le fue concedida la cátedra de filología clásica en Basilea, pero el libro creció en sus manos y desbordó los límites del estudio filológico para dar a luz a su propio pensamiento filosófico, por eso el propio Nietzsche calificaba a su primara publicación como centauro, y algo de híbrido tiene también la ópera prima del nieto de Bergman y Ullmann, porque su sonda a las profundidades de temas tan peliagudos como pueden ser el de la sexualidad infantil, la violencia como elemento de juego y/o los límites de la verdad, no elige descender por un camino formalmente lineal, al contrario, rompe los esquemas y mezcla, ya no géneros, sino disciplinas artísticas, fundiendo sus códigos. Más que giros de guion, La tutoría tiene directamente fracturas llamadas a despertar al espectador, a incomodarle y obligarle a reprocesar todo lo visto hasta el momento en que lo coreográfico irrumpe volviéndolo todo imprevisible. La tutoría es un debut arriesgado y una primera obra que promete un universo tan personal e intransferible como aquel que anunciaba El nacimiento de la Tragedia en relación a Nietzsche (siempre salvando las distancias).
Ullmann Tøndel y El nacimiento de la Tragedia tal vez solo estén relacionados en esta crónica, pero lo que sí es documentable son las profundas influencias de otras narrativas cinematográficas, de carácter ecléctico, que el propio director confiesa: “Me inspiré mucho en las sátiras de Luis Buñuel. Todas las interrupciones en La Tutoría (la alarma de incendios, los sangrados de nariz, etc.) se inspiran en la cena constantemente interrumpida en El discreto encanto de la burguesía… y cómo la pared invisible en El ángel exterminador se convierte en una verdad establecida también fue una fuente de inspiración. Para la última secuencia coreografiada, me inspiré en Pina Bausch y su trabajo. Vi a David Hockney pintando (California Art Collector) y eso definió la evolución de Sarah en la película (la última imagen de Sarah en la película tiene similitudes con la obra de Hockney). Para el ambiente de la película, me inspiré en la versión de 2018 de Suspiria y Alguien voló sobre el nido del cuco (aunque el final de la película es bastante diferente). Muchas de las composiciones de la película se inspiraron en La doble vida de Verónica (Kieslowski) y Corazón salvaje (Lynch). También me sirvieron de inspiración el carácter juguetón de Empieza el espectáculo (Bob Fosse), la crueldad de Holiday (Isabella Eklöf), la tensión de Celebración (Thomas Vinterberg) y la sinceridad de El hilo invisible (Paul Thomas Anderson)”. Un cúmulo dfe referencias que, sin embargo, no convierten el filme en una especie de monstruo de Frankenstein en el que se adivinen las costuras. Al contrario. El amplio bagaje cinéfilo del nórdico está perfectamente asimilado, tanto, que puede pasarle desapercibido al espectador sin que por ello se resienta su comprensión. Ciento treinta años después de la histórica primera proyección de los Hermanos Lumiere es prácticamente imposible partir de cero a la hora de hacer cine, así, la valía de un cineasta se mide también por su capacidad de almacenar la herencia de quienes le precedieron y saber remodelarla hasta que resulte un producto nuevo y autónomo. Un reto del que Ullmann Tøndel sale plenamente victorioso. En La tutoría lo prestado y lo creado están perfectamente equilibrados, y, en todo caso, si algo decanta por momentos el fiel, es lo segundo. Estamos ante una de esas óperas primas, que tal vez no son impecables, pero si valientes y rebosantes de energía y ganas de experimentar. No tiene nada que envidiarle a Angst de Gerald Kargl ni a Las vírgenes suicidas (Sofia Coppola) tan admiradas por el director novel. Sin duda estamos ante una cinta vigorosa, valiente y arriesgada, que pone muy altas las expectativas ante lo que nos pueda venir de la mano de Halfdan Ullmann Tøndel. Se nota su casta en los genes.
Item más. La tutoría es también un recital interpretativo, todo el elenco brilla, pero, por supuesto, es Renate Reinsve la que destaca de calle. Vital para el proyecto, el director refiere como, la noche en la que Renate ganó el premio a la mejor actriz en Cannes, le mandó un mensaje diciendo: «¡Piensa en lo que nos va a beneficiar para nuestra película!», su talento y su carisma acaban de dar solidez a este proyecto tan valioso. Por lo que supone en la búsqueda de nuevas formas estéticas y de técnicas expresivas renovadoras. Por su colaboración en el debate sobre límites difusos de la verdad, la dificultad por discernirla, pero también la necesidad de esclarecerla. Todo lo que guarde relación con la reflexión sobre la verdad es candente y necesario en este año cero del nuevo imperio Trump-Musk.
Presentación ’43 Comic Barcelona’
El mayor evento nacional dedicado a las viñetas, fortalece su condición de punto de encuentro esencial del arte del cómic, confirmando sus primeras figuras invitadas y exposiciones, con el talento de Pepe Larraz como autor del cartel.
Comic Barcelona, el evento nacional más grande en torno al cómic, celebra su edición número 43 del 4 al 6 de abril de 2025, en Fira Barcelona Montjuic, ampliando un año más su oferta cultural, con nuevas exposiciones de interés y un gran abanico de actividades pensadas para un público variado. El evento se ha afianzado en los últimos años como una cita cultural imprescindible para los amantes del cómic y toda mente inquieta interesada en descubrir nuevos mundos, sin olvidar a ese público ocasional que busca un fin de semana repleto de sensaciones y entretenimiento, incluyendo a los más pequeños, en pleno auge del cómic infantil. Se mantiene el objetivo principal: apostar por una rica forma de expresión artística en constante movimiento, reflejando las numerosas tendencias que lo conforman con una programación donde reina la diversidad. Comic Barcelona es un punto de encuentro esencial para el sector en todas sus variantes.
El cómic es uno de los lenguajes artísticos más populares del siglo XXI. Su iconografía está muy presente en la sociedad, en nuestro día a día. Resulta relevante ensalzar todas las posibilidades de una disciplina efervescente, prestando atención a todos sus agentes. En 2025 cabe resaltar las colaboraciones de Comic Barcelona con diversas instituciones culturales de renombre, con la finalidad de establecer sinergias, generar oportunidades, descubrir nuevos talentos, apuntalar la historia del medio y poner en valor aún más el cómic como interés cultural.
En este contexto, junto a la Beca Comic Barcelona este año se suma la Beca Angoûleme, una nueva iniciativa dirigida a autores/as emergentes que fomenta el intercambio cultural entre las escenas creativas de Francia y España. Este proyecto surge de un esfuerzo conjunto entre el Instituto Français de Barcelona, la Cité de la Bande Dessinée et de la Image y FICOMIC, permitiendo crear valiosas oportunidades de encuentro y colaboración entre los profesionales del cómic de ambos países.
Este año viene especialmente fuerte el apartado de invitados/as, con un listado principal -recordemos que la presencia de grandes figuras se complementa con más nombres con la participación de las editoriales y expositores- que refleja los diferentes formatos, estilos y corrientes que habitan actualmente en el cómic, desde el género de superhéroes a la novela gráfica, los fanzines, el tebeo histórico, la mirada autoral… Atención a los primeros nombres que formarán parte de esta edición, empezando por Chris Ware, referente de muchas generaciones y reconocido por obras como Jimmy Corrigan: el chico más listo del mundo o Rusty Brown. También se suman grandes autores/as como Jaime Hernández, Kate Beaton o el ilustrador John Howe. Pepe Larraz, primer espada del tebeo de superhéroes, ha hecho posible la imagen personalizada del evento, un cartel emotivo, épico y luminoso. En esta edición, presenciamos una obra que representa la desmesurada pasión que compartimos por este mundo impregnado por la fantasía.
Junto a Larraz, Comic Barcelona contará con la presencia de otras figuras esenciales del cómic de grandes sellos estadounidenses como Marvel o DC: Javier Rodríguez, Natacha Bustos, o Carmen Carnero, entre otras. O fenómenos multiventas como Raquel Córcoles, alias Moderna de Pueblo.
Las exposiciones vuelven a ser piezas clave de Comic Barcelona. Un conjunto de propuestas creativas que conforman un engranaje perfecto en la programación de este año. Entre las más destacadas, podemos encontrar a ‘Chris Ware. Dibujar es pensar’, una exposición, coproducida juntamente con el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), que se adentra en la trayectoria del gran genio del cómic. A modo de reconocimiento, se dedicará una muestra a la ganadora del Gran Premio Comic Barcelona 2024, Marika Vila, y contaremos con una llamativa exposición con espectaculares originales del propio Pepe Larraz, autor del cartel. Así como podremos encontrar ‘El laberinto del cuco’, una instalación participativa y un cómic al mismo tiempo. Es una propuesta vivencial, fresca e insólita que reflexiona sobre el impredecible paso del tiempo.
El evento volverá a repartir los Premios Comic Barcelona en una entrega de galardones celebrada para reconocer y remunerar el talento de los autores y autoras del sector. Este año, la ceremonia contemplará una nueva distinción entre cómic infantil y juvenil. A partir del premio al ‘Mejor Cómic Infantil y Juvenil’, se ha llevado a cabo la creación de dos galardones individuales con el fin de dar un doble reconocimiento al cómic dirigido a los lectores más tempranos.
Para los más pequeños/as contaremos con el espacio Comic Kids, dedicado al público infantil para que puedan apreciar todo lo que envuelve el cómic, con talleres, actividades y alguna sorpresa que pronto anunciaremos. También repiten en la programación, las secciones Comic Fantasy, dedicada al rol y los juegos, Comic Vision, sobre la relación de las viñetas con otros medios como el cine o los videojuegos, y, la última incorporación del grupo, la Zona Utopía que seguirá aportándonos su perspectiva más fantástica un año más desde la literatura.
El público entregado que se pueda acercar al 43 COMIC BARCELONA, podrá vivir una edición llena de encuentros, actividades, y sorpresas para disfrutar al máximo del noveno arte. Este año el evento tendrá lugar del 4 al 6 de abril de 2025 en Fira Barcelona Montjuic. A finales de este mes de febrero, se abrirá la venta de entradas.
Tráiler de «Sting, araña asesina», una película no apta para aracnofóbicos.
Sinopsis: Charlotte, una rebelde niña de 12 años, adopta a una pequeña araña como mascota que encuentra en su ruinoso edificio. Esta empieza a adquirir un tamaño gigantesco y su apetito es cada vez más insaciable. Es entonces cuando Charlotte y su familia se ven atrapados y obligados a luchar por su supervivencia.
Se trata de un film de producción australiana, bajo la dirección de Kiah Roache-Turner (saga Wyrmwood) y con Alyla Browne (Furiosa; Sonic 3), Jermaine Fowler (El Rey de Zamunda), Robyn Nevin (Matrix Reloaded; Matrix Revolutions) y Ryan Corr (Holding the man; María Magdalena).
La película se estrenará en salas el 28 de marzo y promete traer angustia, fobia y terror a partes iguales.
San Valentín con las novedades de Ediciones 79
(SALIDA PREVISTA 14 DE FEBRERO, PREVENTA ABIERTA)
OS REVIENTO (Kike Narcea)
Esta comedia de acción española, a medio camino entre Airbag (Juanma Bajo Ulloa) y Transporter (Louis Leterrier), supone la consagración de su protagonista Mario Mayo como el primer héroe de acción patrio a la altura del mismísimo Jason Statham (Crank: Veneno en la sangre, Los Mercenarios).
No te pierdas las mejores hostias nunca rodadas en España que arrasaron en Sitges (premio a mejor película Sección Midnight Extreme), Fantastic Fest (premio del público) y Smodcastle Film Festival de Kevin Smith (doble galardón a Mejor Película y Mejor actor), entre muchos otros festivales de alrededor del mundo. Tarado tiene hostias para todos.
Esta edición limitada a 500 unidades incluye funda, póster exclusivo, minipalet numerado y más de dos horas de extras exclusivos de esta edición.
VORTEX / LUX AETERNA de Gaspar Noé
Este programa doble del enfant terrible Gaspar Noé (Irreversible, Entre the void) retrata algunos de las pasiones encontradas y recurrentes del propio director en su inclasificable cinematografía en un juego de contrastes solo a la altura de los más grandes cineastas: la vida y la muerte, la violencia y el amor, el caos y el orden natural de las cosas.
Vortex es un entrañable y cruel tratado sobre el inexorable paso del tiempo, probablemente la mejor película de su director y a su vez un tête à tête interpretativo del propio Argento y de una magistral Françoise Lebrun (protagonista de la mítica La mamá y la puta de Jean Eustache).
Lux Aeterna protagonizado por la famosa cantautora y actriz Charlotte Gainsbourg y con un (ahora sí) Gaspar Noé desatado es una maravilla sobre la brujería de cine dentro del cine en multipantalla. Verlo para creerlo.
Esta edición limitada incluye funda, póster y carátula alternativa de regalo. Muy pronto lanzaremos nueva edición con ambas películas de Gaspar Noé por separado y en DVD.
TU SANGRE de Guillermo Barreira
Guillermo Barreira (The Invisible Worm) dirige esta película de terror inmisericorde con fantasmas, muertes y sanguinarias sorpresas que deleitarán a los fanáticos del verdadero terror de serie B. Producida por Raúl Cerezo (La Pasajera, Viejos), Helion Ramalho (Magical Girl) y por el propio director, Tu Sangre reafirma la vitalidad del género fantástico en España, sin moderneces y lejos de la cultura woke de postal presente en la mayoría de producciones para plataformas de streaming.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 7 de febrero de 2025 *
FUERA DE LA LEY (Greedy People, Potsy Ponciroli, 2024)
USA. Duración: 110 min. Guion: Mike Vukadinovich Música: Jordan Lehning Fotografía: Eric Koretz Compañías: Boies Schiller Film Group, Hideout Pictures, Limelight Género: Comedia
Reparto: Himesh Patel, Lily James, Joseph Gordon-Levitt, Tim Blake Nelson, Joey Lauren Adams, Simon Rex, Uzo Aduba, José María Yazpik, Nina Arianda, Jim Gaffigan, Traci Lords, Michael Harding, Travis Przybylski
Sinopsis: Will (Himesh Patel) y Terry (Joseph Gordon-Levitt) son dos agentes de policía que se ven envueltos en un escandaloso crimen. Con el descubrimiento de un millón de dólares, los problemas se les multiplican. Los habitantes del pueblo, tan peculiares como codiciosos, también quieren adueñarse del botín. Todos ellos irán tomando una serie de decisiones cada vez más equivocadas y al margen de la ley que pondrá patas arriba toda la hasta ahora pacífica comunidad.
Si Fuera de la ley se mirara en algún espejo, lo haría en la clásica Fargo (1996), de los hermanos Cohen, con ciertas gotas de Un plan sencillo (1998) de Sam Raimi pero en calidad de plato deconstruido a lo Pulp Fiction (1994). Comedia agradable, que se complica y oscurece y termina cerrándose en drama. Repleta, en este caso de mucho humor negro que logra despistar al espectador hasta no saber muy bien hasta donde lo llevará esa larga cadena de situaciones.
El humor siempre ha sido y siempre será la mejor herramienta para la denuncia, esta sátira negra lo viene a demostrar. Y es que, su viaje a la zona oscura de lo humano, tiene un punto de canto fúnebre al American lyfestile, cosa que vista ahora (febrero 2025) cobra incluso más vigencia. Así, aunque no tenga el mismo pulso que el de los autores de Muerte entre las flores, desde aquí celebramos que mantenga su espíritu crítico.
Divertida y bien llevada, aunque se deshinche progresivamente conforme avanza el número de asesinatos, esta comedia negra está dirigida por Potsy Ponciroll y protagonizada por Himesh Patel (La franquicia, Tenet, Yesterday), Josep Gordon-Levitt (Origen, Looper, Puñales por la espalda), y Lily James (Mamma mía: una y otra vez, Cenicienta).
NO HAY AMOR PERDIDO (La Fille de son père, Erwan Le Duc, 2023)
Francia. Duración: 91 min. Guion: Erwan Le Duc Música: Julie Roué Fotografía: Alexis Kavyrchine Compañías: Domino Films, Canal+, Ciné+ Género: Drama
Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Céleste Brunnquell, Maud Wyler, Mohammed Louridi, Mercedes Dassy, Camille Rutherford, Alexandre Steiger, Nicolas Chupin, Philippe Quesne
Sinopsis: Étienne tiene apenas veinte años cuando se enamora de Valérie. Apenas un poco más tarde, nace su hija Rosa. Y luego, un día, Valérie se va y nunca regresa. Él decide no hacer un drama de ello y construye una vida feliz para él y su hija. Dieciséis años después, cuando Rosa está a punto de comenzar su propia vida, Étienne reconoce a su esposa en un reportaje de televisión. El pasado resurge de forma brutal, y padre e hija se ven arrastrados a un último caótico viaje familiar.
Resulta muy sano que, por una vez, sea un padre soltero el protagonista de esta historia de crecimiento que narra como un padre adolescente es abandonado por su loco amor tras dar a luz una hija. Este, tal y como indica, nunca cumplió los veinte años, al verse obligado a madurar a toda velocidad para, con ayuda de sus padres, criar a su inesperada hija. Tan rápido irá todo que de joven promesa del fútbol, pasará a ser entrenador.
No hay amor perdido (La Fille de son père), de Erwan Le Duc, es la segunda película del director tras su singular y sorprendente ópera prima, Perdrix, con la que se dio a conocer en la Quincena de Cineastas del Festival de Cannes de 2019.
Seleccionada como película de clausura de la 62ª edición de la Semana de la Crítica de Cannes y nominada al Premio César a Mejor actriz revelación para Céleste Brunnquell, el film de Le Duc consigue dar muchos tintes de comedia a su historia ofreciendo una divertida a la par que emotiva historia de amor paternofilial cuya conclusión deja abiertos algunos interrogantes que será el espectador el que deberá pronunciarse.
Más cercano al verso que a la prosa, este segundo filme de Le Duc, si destaca por algo, es por su trabajo sobre el punto de vista: el francés huye del realismo a la hora de contar esta historia y recala en lo simbólico. No hay amor perdido tiene el tono de las fábulas, pero sin moraleja. Podría decirse que es el reverso luminoso de Un verano con Mónica, si el clásico de Bergman terminaba cuando el verano era barrido por la realidad, No hay amor perdido levanta el telón justo en el momento en el que se acepta la responsabilidad y se asume la crianza. Si Bergman cierra en negro e invierno, Le Duc avanza diurno y colorido hacia la conclusión de que el amor no se pierde nunca.
No hay amor perdido está protagonizada, además de por la nombrada Céleste Crunnquell, por Nahuel Pérez Biscayart (120 pulsaciones por minuto, Un año, una noche o El Jockey), además de Maud Wyler (Tiempo compartido) y Camille Rutherford (Anatomía de una caída).
Primeras imágenes de ‘La Vida de Chuck’, la increíble historia de un hombre que dejó su huella en el universo
Es inevitable ver esta película y decidir, al instante, que se ha convertido en una de tus películas favoritas. Y es que lo tiene todo: universos que explotan, clases de baile, una habitación misteriosa a la que jamás en tu vida deberás entrar bajo ninguna circunstancia…y por supuesto una historia de amor. No podía faltar el amor en una película como esta.
Y, a no ser que seas uno de los privilegiados que ya pudo verla en el Festival de Toronto (en el que, por cierto, se llevó el premio del público), seguro que estarás pensando que no puede ser para tanto, así que vamos a darte no uno, ni dos, ni tres, sino cinco motivos por los que La Vida de Chuck es una película maravillosa:
1. Está basada en un relato de Stephen King del mismo nombre, publicado en su libro La sangre manda (If it bleeds)
2. Está dirigida por Mike Flanagan, responsable de maravillas como La maldición de Hill House, Doctor Sueño o Misa de medianoche.
3. Está protagonizada por Tom Hiddleston (Los Vengadores, Thor, Loki…), Mark Hamill (La guerra de las galaxias), Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud; Love Actually), Karen Gillan (Guardianes de la galaxia; Vengadores: Endgame), Jacob Tremblay (La habitación; Wonder), entre otros muchos grandes artistas.
4. Es una película multigénero. Sí, a nosotros también nos encantan. Estarás un buen rato sin entender absolutamente nada, pero todo cobrará sentido al final.
5. Ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Toronto 2024. Sí, ya lo hemos dicho, pero es que el premio del público es el premio del público…
¿Pero de qué trata La vida de Chuck?
Es una historia dividida en tres actos, narrados en orden inverso, que explora la vida de Charles Krantz, un hombre común (de profesión contable) cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo.
La historia comienza con un mundo a punto de desaparecer: mientras las estrellas explotan, las ciudades se desmoronan y las tecnologías dejan de funcionar, aparecen misteriosos anuncios con la frase «¡Gracias, Chuck, por 39 grandiosos años!».
A medida que esta historia retrocede, descubrimos fragmentos clave de la vida de Chuck: su trabajo, su amor por la música, sus luchas personales… Un relato que entrelaza elementos realistas, con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo.
Tráiler de ‘M3GAN 2.0’: el retorno de la muñeca diabólica
Disponible el teaser tráiler en español de M3GAN 2.0, la nueva entrega de la exitosa película de Blumhouse que cautivó al público en 2023. La icónica muñeca asesina regresa a la gran pantalla en una salvaje cinta que vuelve a contar con la dirección de Gerard Johnstone. M3GAN 2.0 se estrena en España el 27 de junio, exclusivamente en cines.
Sinopsis:Dos años después de que M3GAN, un auténtico prodigio de la inteligencia artificial, fuera finalmente destruida tras perder totalmente el control y dar rienda suelta a sus tendencias asesinas (siempre con una coreografía impecable), su creadora Gemma (Allison Williams) se ha convertido en una prominente autora y defensora de que el gobierno supervise todos los avances en esta materia. Entretanto, su sobrina Cady (Violet McGraw), ya con 14 años, es una adolescente que se rebela contra las sobreprotectoras reglas de Gemma. Lo que ellas no saben es que una poderosa compañía de desarrollo de defensa ha robado la tecnología empleada para M3GAN y la ha usado para crear un arma militar conocida como Amelia (Ivanna Sakhno; Ahsoka, Pacific Rim: Insurrección), la espía asesina definitiva. Pero, a medida que Amelia va cobrando conciencia propia, pierde interés en recibir órdenes de los humanos. Y en convivir con ellos. Con el futuro de la humanidad pendiendo de un hilo, Gemma se da cuenta de que no hay más opción que resucitar a M3GAN (Amie Donald, con voz en VO de Jenna Davis) e implementar a su creación unas cuantas mejoras para hacerla más rápida, más fuerte y más letal. Cuando sus caminos se cruzan, la macabra muñeca original tendrá que enfrentarse a una rival a su altura.
El original equipo creativo tras el fenómeno de la primera entrega —encabezado por los pesos pesados de la industria del terror James Wan para Atomic Monster, Jason Blum para Blumhouse y el director Gerard Johnstone— lanza ahora una nueva y salvaje entrega de IA desatada con M3GAN 2.0.
M3GAN 2.0 está dirigida de nuevo por el cineasta Gerard Johnstone y cuenta otra vez en su reparto con Brian Jordan Alvarez y Jen Van Epps interpretando a los leales compañeros de Gemma, Cole y Tess, a los que se suman ahora Aristotle Athari (Saturday Night Live, Hacks), Timm Sharp (Apples Never Fall (Un revés inesperado), Percy Jackson y el ladrón del rayo) y el ganador de un Grammy y nominado en 11 ocasiones a los Emmy Jemaine Clement (Avatar: El sentido del agua, Lo que hacemos en las sombras).
La película está producida por James Wan, Jason Blum y Allison Williams, y la producción ejecutiva corre a cargo de Gerard Johnstone, Adam Hendricks, Greg Gilreath, Michael Clear, Judson Scott y Mark D. Katchur.
La primera película de M3GAN reventó los récords de taquilla con una recaudación de 30,4 millones de dólares en Estados Unidos, marcando el fin de semana de estreno más taquillero para una película de terror clasificada para mayores de 13 años desde Un lugar tranquilo 2. La película alcanzó una recaudación de más de 180 millones de dólares en todo el mundo.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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