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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 1 de enero de 2025 *
HERETIC (Scott Beck y Bryan Woods, 2024)
USA. Año: 2024. Duración: 110 min. Guion: Scott Beck, Bryan Woods Música: Chris Bacon Fotografía: Chung Chung-hoon Compañías: Beck Woods, Catchlight Studios, Shiny Penny Productions. Distribuidora: A24 Género: Terror.
Reparto: Hugh Grant, Sophie Thatcher, Chloe East, Elle McKinnon, Carolyn Adair, River Codack
Sinopsis: Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el diabólico Sr. Reed (Hugh Grant). Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.
Scott Beck y Bryan Woods proponen al espectador un retorcido juego que se desarrolla en un único tablero contando con tan solo tres piezas: «Con Heretic, queríamos provocar a nuestro público. Pensamos que sería especial escribir un guion estremecedor donde el miedo y el terror surgen del diálogo, a través de las palabras y los conceptos que se exponen [···] Si hemos hecho bien nuestro trabajo, el público aportará sus propias ideas sobre la religión al discurso de la película: ¿Qué creemos y qué no creemos?».
Un diálogo sobre la religión y la fe protagonizado por dos caperucitas magistralmente encarnadas por Sophie Tatcher y Chloe East, como dos misioneras que llaman a la puerta equivocada en su afán por evangelizar y un estupendo Hugh Grant como elegante y perverso lobo. «Lo que hace a Hugh Grant tan perfecto para el papel del Sr. Reed», comenta la productora Stacey Sher, «es que, en Heretic, le vemos en un registro que no se parece a nada que haya hecho antes, pero a su vez, el actor utiliza todas las técnicas y trucos que nos encantan y nos son familiares para darles una vuelta macabra».
El terror de Heretic no está en los monstruos o en los sustos fáciles, lo inquietante se halla en los diálogos, en lo que propone. También en los sonidos y la atmósfera aterradora, que contrasta con lo que sucede en la pantalla. Lo inesperado, la confusión. El horror. Tan hermética como angustiosa y con tres interpretaciones brillantes, Heretic (Hereje) es una experiencia aterradora que una vez finalizada deja un poso en el espectador que invitará al diálogo.
QUEER (Luca Guadagnino, 2024)
Italia/USA. Duración: 135 min. Guion: Justin Kuritzkes. Novela: William S. Burroughs Música: Trent Reznor, Atticus Ross Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Compañías: The Apartment, Frenesy Film Company, Fremantle Media North America, Cinecittà, Frame by Frame Género: Drama
Reparto: Daniel Craig, Drew Starkey, Jason Schwartzman, Henry Zaga, Omar Apollo, Lesley Manville, David Lowery, Ariel Schulman, Gilberto Barraza, Drew Droege, Lisandro Alonso, Andrés Duprat, Andra Ursuta
Sinopsis: En 1950, William Lee, un expatriado estadounidense en la Ciudad de México, pasa sus días casi completamente solo, excepto por algunos contactos con otros miembros de la pequeña comunidad estadounidense. Su encuentro con Eugene Allerton, un exsoldado expatriado nuevo en la ciudad, le muestra, por primera vez, que puede ser posible establecer una conexión íntima con alguien.
Es Capricornio y mide 1.78 metros. Prefiere hacer teatro. Sus ojos son en realidad azules con un gran iris color avellana, lo que les da una apariencia «verde» falsa. Así podríamos describir a Timothée Chalamet si jugamos con los destacados aleatorios que señala el algoritmo de Google como respuesta a la búsqueda “Timothée Chalamet críticas y elogios”. Auténtico icono de estilo, el actor es carne de club de fans, pero también pasto fresco para haters, despierta admiración y odio casi a partes iguales, tal vez, lo uno y lo otro, porque su presencia y su posicionamiento ante el mundo le convierten en encarnación de esa nueva masculinidad que unos reivindican, mientras otros la ven como concesión a la denostable corrección política. Lo que nadie podrá negarle a Chalamet es que es uno de los actores más relevantes de su generación, antes de cumplir lo 30 ya tiene a sus espaldas una carrera prolífica y varios galardones de reconocimiento, incluida la nominación al Óscar a mejor actor. Su talla interpretativa quedó probada y puesta a prueba en ese largo primer plano fijo que se centra en su rostro expresivo en el cierre de Call me by your name. Chalamet cumple la exigencia que requiere ese plano tanto como Daniel Craig hace lo propio en el punto central de Queer. Y este era el destino que queríamos alcanzar con nuestra excursión introductoria, detrás de ese reto actoral hay un nombre, Luca Guadagnino, el director que mejor ha combinado en su cine lo sensorial y lo conceptual. Someter a sus protagonistas al desafío de sostener el plano, no hieráticos o circunspectos, sino evidenciando el torbellino de sensaciones que recorre a sus personajes, casi lo podríamos considerar una constante autoral en el cine de Guadagnino, que es el que nos convoca a escribir este artículo a tenor del estreno español de Queer, obra que supone, a nuestro juicio, la consagración de su estilo.
Luca Guadagnino figura como atracción en la guía online de la Toscana, donde se le describe como “artista polifacético, es diseñador gráfico, pintor y escenógrafo (diseñó el decorado de “A Bigger Splash”), pero su mayor talento puede ser su insaciable curiosidad por todo y todos los que lo rodean, lo que lo llevó al cine. Más allá del cine, Guadagnino es un creador de tendencias que dirige óperas y ballets, ayuda a crear objetos de diseño y mobiliario y asesora a jóvenes 
creativos. Luca, que invitaba a todos los actores y al equipo a su casa para una gran barbacoa después de un rodaje, también es un chef consumado”. Casi un hombre del Renacimiento, su cine es absolutamente personal, el siciliano es uno de esos directores que imprimen carácter a su obra, pues siempre parecen estar indagando, estética y conceptualmente, los temas que más les describen y obsesionan. En activo desde 1997, el éxito le llega a raíz de la llamada (por la crítica) Trilogía del deseo: Io sono l’amore (2009); Cegados por el sol (2015); Call me by your name (2017). En estas tres piezas es donde más se reconocen sus estilemas, los principales serían: el meticuloso diseño de la estética visual, definida ésta por imágenes sensoriales, ricas en color, textura y simbolismo; su capacidad para explorar la complejidad de la identidad humana a través de unos personajes que se desarrollan y transforman mientras interactúan con su entorno, sus relaciones y, sobre todo, consigo mismos; y el esmero puesto en envolver sus cintas con una significativa atmósfera musical, la banda sonora juega un papel crucial a la hora de establecer el tono emocional y la atmósfera de sus historias. Estos rasgos principales se suman dando a su cine un carácter de sinestesia, pues, su trabajo rebasa los meros límites de lo visual haciendo que recibamos las imágenes usando la confluencia de nuestros cinco sentidos. Son constantes más formales que de contenido, por eso Guadagnino ha podido adentrarse en otros géneros, como ha sido su excursión por el fantástico con dos títulos muy a considerar como son Suspiria (2018) y Hasta los huesos (Bones and all) (2022). Con Queer regresa a la esfera del deseo y este su último trabajo enlaza directamente con Call me by your name, casi como si se continuara, pero incorporándole toda su experiencia con lo que le ha dado de sí el fantástico. Posiblemente ha sido esa fusión de estilemas la que le ha puesto en las mejores condiciones para trasladar al cine el universo de William Burroughs.
Novelista, artista visual, ensayista, crítico social, miembro destacado de la generación beat, padre del movimiento, de hecho, aunque él siempre renegara de tal consideración, Burroughs es uno de esos autores en las que la circunstancia personal supera el peso de su obra en el imaginario colectivo. Toxicómano, homosexual en una época en la que todavía pesa la repulsa social sobre quienes no se ajustan al patrón heteronormativo, homicida por accidente (mató a su esposa en un alarde de ingenio transgresor en el que pretendió hacer la gracia de emular la puntería de Guillermo Tell), en su capacidad de renovar el lenguaje narrativo tuvo mucho peso su aptitud para integrar y modelar su propia peripecia vital en sus creaciones. Buen ejemplo de ello es Queer, novela temprana (1952) de publicación tardía (1985), un trabajo en el que da cuenta de su aventura mexicana. México resultó para los artistas americanos, durante el siglo XX, una meca del exotismo casi en la misma medida que lo había sido América para los europeos en los momentos de la conquista. Para el 
alter ego de Burroughs y protagonista de Queer, la Ciudad de México era aquel lugar donde la muerte coqueteaba con lo cotidiano, pero también era un lugar de libertades alcohólicas y sexuales en donde nadie se involucraba en juzgar lo que cada uno hacía con su existencia. Pieza casi íntima y confesional, Luca Guadagnino reconoce que la obra de Burroughs le encandiló cuando era joven: «Leí el libro con 17 y era un chico solitario. Diverso. Sentí muy cerca la profunda conexión que describe entre los dos personajes, la falta de juicio, la idea del romance como una aventura… me transformó y cambió para siempre. Quería ser leal con ese chico joven llevándolo a la gran pantalla”.
Y el director se ha sido leal a sí mismo y honesto con la novela, aunque su adaptación no sea literal sino que le haya servido de base para profundizar sus propias reflexiones y su imaginario. Ya decíamos que viene a ser una continuación de Call me by your name, pero en este caso, el affaire entre Guadganino y Burroughs nos lleva al reverso oscuro, crepuscular y salvaje de aquel luminoso despertar romántico y sensual que nos hechizó en su película de 2017. Estamos ante otro análisis del deseo, mucho más universal que los discursos sobre la identidad tan en boga, “Lo que más me conmueve creo que es el deseo del individuo, me interesa más el inconsciente de los personajes que describo. Lo que queda fuera, lo que no sabes que sabes. O lo que sabes que no sabes. No creo que se trate de identidad. Creo que las políticas sobre la identidad son moda para el consumo”. Y en Guadagnino el deseo apunta más allá del goce inmediato, como si profundizándolo encontráramos una llave hacia el sentido. No es de extrañar que el director se sintiera atraído por la novela que ahora adapta, en su protagonista el deseo de las relaciones sexuales apunta al deseo de amar, al ansia de fusión total que acabe por hacer prescindible incluso al lenguaje. Dos son las ambiciones del personaje: el encuentro con cuerpos de su mismo sexo y conseguir algún reconocimiento social, y aquí entra en juego un tercer afán que los aglutina, la búsqueda de experimentar la ayahuasca como droga a la que se atribuye el don de hacer posible la telepatía, la comunicación extrasensorial de alma a alma. Guadagnino hace suyo el planteamiento de la novela y, diríamos, lo lleva más allá: la sexualidad apunta al amor como si estuviésemos ante un camino de ascesis desde la carnal hasta la espiritualidad más trascendente. Por nuestra propia formación y equipaje teórico, no podemos dejar de apreciar que el Burroughs de Guadagnino casi se convierte en un neoplatónico del amor humano. En la intensidad de las imágenes eróticas que envuelve los lances en un onirismo surrealista, casi nos parece leer un soneto de Francisco de Aldana:
«¿Cuál es la causa, mi Damón, que estando
en la lucha de amor juntos, trabados
con lenguas, brazos, pies y encadenados
cual vid que entre el jazmín se va enredando,
y que el vital aliento ambos tomando
en nuestros labios, de chupar cansados,
en medio a tanto bien somos forzados
llorar y sospirar de cuando en cuando?»
«Amor, mi Filis bella, que allá dentro
nuestras almas juntó, quiere en su fragua
los cuerpos ajuntar también, tan fuerte
que no pudiendo, como esponja el agua,
pasar del alma al dulce amado centro,
llora el velo mortal su avara suerte» (XVIII)
Un neoplatonismo pasado por psicotrópicos y sentimiento de fatalidad, sin embargo, sería el de Queer. La unión prístina espanta y lo crepuscular invade la trama. No ha sido posible sostener tanta belleza. Al éxtasis le ha seguido el quebranto. Pero ese no es el final, Guadagnino inventa un epílogo que nos convoca dos años más tarde y que supone un viaje visual que podría haber salido del mejor Lynch. Desenlace enigmático que nos deja el sabor de una gota de esperanza en la amargura.
Y podríamos dejarlo en nuestra conclusión igualmente enigmática, pero si empezábamos hablando de Timothée Chalamet, justo es dedicarle unas palabras a Daniel Craig para cerrar el círculo. Durante quince años, su metro setenta y ocho, sus ojos azules, su cabello rubio y su interpretación oscura, han dado cuerpo al agente con licencia para matar por antonomasia: Bond, James Bond. Comparado con el estilo clásico de sus antecesores, Craig interpreta a un Bond mucho más rudo y frío, menos formal y menos dado a las conductas de etiqueta; mucho más proclive a mostrar escenas crudas y de agilidad casi sobrehumana que, paradójicamente, se contraponen con una visión más humana y real de la clase de persona que podría ser un agente de este tipo. Y el acierto de saber convertir en el objeto sexual que emerge de las aguas a él mismo, en vez de Ursula Andress o a Halle Berry. El suyo ha sido un 007 adaptado a los tiempos sobre el que el actor afirmaba: “El papel de Bond, después de todo, se puede reducir al de un asesino básicamente. Nunca he interpretado un papel en el que el lado oscuro de una persona no deba ser explorado. No creo que deba ser confuso para la conclusión final de la película, pero durante la misma, debe hacer que te preguntes quién es él realmente.” En manos de Craig el propio Bond se convierte casi en antihéroe, por eso ha podido afrontar el desafío de demostrar su versatilidad interpretativa encarnando al solitario Daniel Lee de Burroughs para Guadagnino. El británico muda su piel para abandonar al icono heterosexual y abrazar un papel profundamente humano, lleno de matices y marcado por una época difícil para la comunidad homosexual. Del espía que asesina, pasa a ser un hombre atrapado entre el anhelo de amor y la frustración de no poder alcanzar la conexión que tanto desea. Lo que más conmovió a Craig fue la soledad inherente a William Lee. En su visión del personaje, vio a un hombre que, a pesar de vivir en una sociedad que lo marginaba, aún luchaba por encontrar un sentido de pertenencia y amor. También Craig como Chalamet, a su manera y ya desde su Bond, nos deja toda una gama de nuevas maneras de entender lo masculino.
Il futuro è donna, rezaba el título de la película de Marco Ferreri en 1984, cuarenta años después el enunciado parece haber sido toda una premonición, pero ese futuro en el que la mujer compita a pie de igualdad, no se puede dar sin la asunción proactiva de la relevancia de apostar por formas de masculinidad que entierren para siempre a la figura del macho alfa. Y el cine de Guadagnino, abrumador, sinestésico y subyugante, contribuye a enunciar esas nuevas formas de vivir lo masculino, con historias de amor alejadas de los convencionalismos románticos. Cantos a la libertad desde la reivindicación de la fragilidad. El futuro será de todos.
Oh, Canadá: el tiempo recobrado
“Me gusta el olor a napalm por las mañanas” es la expresión que ha invadido mi mente tras ver, por primera vez, en sesión matinal, Oh, Canadá Y no porque haya confundido a su director con Francis Ford Coppola, de hecho no le confundo siquiera con Martin Scorsese, aunque el italoamericano haya sido su mejor pareja de baile, porque Paul Schrader es un cineasta singular con una voz autoral personal e inconfundible. Una voz estimulante que apela directa al intelecto sin dejarse atrás la estética y los sentidos. Una voz que me sacude y me hace fruir en su dureza. Pero quizás no haya sido azaroso que mi mente haya viajado hasta el Vietnam de Coppola, porque Apocalypse Now no es una cinta bélica más, lo que la hace inigualable es el peso de su calado filosófico: adaptación espuria de El corazón de las tinieblas, usa la falsilla de la guerra de Vietnam para adentrarse en el terreno de lo ontológico, el río que se remonta es el de la pregunta por el sentido. La de Coppola es una película ensayo y Oh, Canadá también lo es. Salvo que la de Schrader, en lugar del Ser, sobre lo que se interroga es sobre el Yo, en un ejercicio en el que se pone en juego el valor de la memoria y la definición de la verdad. Quizás, además y también, sea una película sobre Vietnam, pero esto lo dejamos sólo apuntado como sugerencia.
Película de breve sinopsis argumental (un afamado documentalista, en estado terminal, concede, a dos de sus exalumnos más brillantes, su última entrevista, con la única exigencia de que esté presente su esposa), el objeto de análisis de Oh, Canadá es la conciencia. Decíamos el Yo en el párrafo anterior, y aunque no vamos a desarrollar los matices que emparentan y separan ambas nociones, sí queremos incidir en la dimensión religiosa que connota a la conciencia frente a su sinónimo más genérico. Así, Leonard Fife, el protagonista, acepta la entrevista de sus alumnos con el afán y objetivo de recibir la confesión. Confesar es, en su sentido amplio, exponer la verdad de nuestros actos, ideas o sentimientos, pero, si nos ceñimos más estrictamente, a lo que se apunta es a ponerse a bien con Dios mediante la declaración como penitentes de nuestras faltas. Obviamente, nuestro calvinista favorito tiene esta acepción en mente. La penitencia es un sacramento ajeno a las iglesias reformadas, lo que más las separa del catolicismo, y uno de los puntos que más fascina a los fieles protestantes. Quizás también lo que más les envidian: esa posibilidad liberadora de descargar los pecados en el confesor con el fin de expiarlos. No es de extrañar que sea, precisamente, en tierras protestantes donde más predicación y arraigo 
tuvieron (y tienen) las tesis de Freud. Si a falta de pan buenas son tortas, prohibida la confesión, bien nos sirve un psicoanálisis, después de todo el propio Freud definió a su método como curación por la palabra. Este magma se agita en la coctelera de Schrader cuando adapta al cine la última novela de Russell Banks, la crepuscular Foregone (título traducido al español como Los abandonos), y aproxima el rol del entrevistador al terapeuta, pero también al confesor. Sentarnos frente a una cámara, deslumbrados por los focos, nos procura la misma intimidad que la rejilla que vela el rostro del sacerdote en el confesionario. La confesión y el psicoanálisis tienen también en común la escenificación, en su vertiente más clásica, el terapeuta se sitúa detrás del paciente, el cual, tumbado en el diván, no tiene plena dimensión de su presencia. La penitencia y el psicoanálisis nos llevan a una especie de monólogo sanador, porque estamos ante Dios, según la primera, o ante el doctor de la mente, en el segundo. En Oh, Canadá Fife sitúa en el puesto del clérigo, término que en la Edad Media era sinónimo de docto (y este último término, obviamente, está en la etimología de doctor), primero al cineasta y luego a la (última) esposa. Sí el reverendo nos da la absolución y el analista extiende el certificado de nuestra sanación, con Schrader la redención-salvación viene desde el principio femenino. Una concepción muy romántica, en referencia, claro está, al movimiento filosófico-literario del XIX (El eterno femenino nos eleva, escribe Goethe en el Fausto), pero que siempre estuvo en la tradición occidental. Penélope siempre fue el destino y la meta de Ulises.
Hablando de monólogos y de Penélope(s), no está de más recordar que una de sus máscaras más relevantes es la de Molly Bloom. También el Ulises de Joyce es una obra de breve sinopsis argumental, Leopold Bloom se levanta una mañana de junio, la del 16 concretamente, filosofa en el retrete, come unos riñones en el pub, se masturba en un parque viendo las bragas manchadas de sangre menstrual de una adolescente, deambula todo el día por Dublín y al final de la noche, en la madrugada del 17, ya en la cama, Molly le arrebata el protagonismo y su voz interior es la que cierra la novela. Se nos acaba de ocurrir que, si el Ulises es también (y entre otras muchas cosas) un repaso a la historia de las letras irlandesas, el capítulo XVIII es el que expresa la creación más personal del autor, ese monólogo interior es por su concepción y su desarrollo el capítulo más innovador, el más original en el sentido de que no existe propiamente un modelo previo. Continuando con los paralelismos, también se nos ocurre que Oh, Canadá, partiendo de material ajeno, es la más personal de las películas de Schrader. El americano también elige darle a su filme carácter de flujo de pensamiento y, como en su día el irlandés, le da un tratamiento formalmente moderno, ambos están cerca del vanguardismo, Joyce porque lo precede y anticipa, y Schrader porque lo sucede y lo culmina. El monólogo de Molly contraviene todas las normas narrativas, todos sabemos sobre él, al menos, que se caracteriza por haber suprimido casi todos los signos de puntuación; la confesión de Fife también rompe contra toda secuenciación lógica y les crea a algunos la sensación de que los constantes saltos temporales impiden generar verdadera tensión dramática (véase sin ir más lejos la crítica de Nando Salvá para El Periódico). En la época, la publicación del Ulises llegó a estar prohibida en Estados Unidos por obscena, y Virginia Wolf dijo de la más relevante novela del Siglo XX, que era una auténtica tontería. También el tiempo pondrá a Oh, Canadá en el lugar que merece librándola de los desmanes y exabruptos con los que parte de la crítica la ha maldecido. No pretendemos decir que sea fundacional como lo fue el Ulises, pero sí que es un buen broche de oro para cerrar una carrera. Y, no, no enterramos al cineasta, es que algunas cintas tienen la propiedad de ser últimas palabras aunque las sucedan otras tantas. Cine dentro del cine, Oh, Canadá es una película póstuma sobre una película póstuma.
No sabemos si Schrader tuvo en mente a Molly Bloom, en todo caso, nos parece, como analistas, suficientemente pertinente la puesta en relación entre las dos obras. Sí que podemos afirmar que la otra gran novela del siglo pasado está presente en la mente del autor. Cita explícita a la madalena, mediante, Oh, Canadá se pone voluntariamente en diálogo con La recherche de Proust. No podía ser de otro modo cuando los mimbres que la tejen son una reflexión sobre el papel y el valor de la memoria como albacea de la verdad. Uno de los conceptos nucleares de Proust es el de “memoria involuntaria”, esa que surge como efecto del estremecimiento sensorial que se produce cuando desde una sensación presente se desata la evocación, ejemplos serían mojar la madalena en el primer volumen o tropezar en el pavimento desigual del patio de los Guermantes en El tiempo recobrado, último tomo de los siete que componen la novela y que fue escrito por el galo a renglón seguido del capítulo que cierra el primero. La memoria involuntaria tiene valor de verdad revelada, la que viene a permitir la recuperación-redención del tiempo, y se manifiesta bajo la forma de experiencia presente con un objeto del pasado, a través de la cual la vivencia de la pérdida nos sacude. El narrador entonces decide ir en busca del tiempo ya vivido. El tiempo perdido. Por dos veces, Schrader nos pone ante la cita explícita de la madalena detonante del recuerdo vívido, y en ambas ese asalto supone un punto de inflexión y ruptura para Leo Fife. Un Fife que busca hacer las paces con lo que ha sido, en un ejercicio de desgarro y exhibición que pretende desfacer entuertos: eliminar de lo real aquello que lo ha embellecido falseándolo, viajando con su mente ya agónica al momento inicial de la mentira, ese 1968 tan emblemático. En 1968 Eddie Adams ganaba el Pulitzer por su fotografía de la ejecución sumaria en Vietnam de un prisionero desarmado y maniatado de un tiro en la cabeza por parte del general de brigada Nguyen Ngoc Loan. Aunque parezca que una imagen vale más que mil palabras porque no puede mentir, el fotógrafo confesó que su instantánea no era más que una verdad a medias y defendería al general Nguyen, al que calificaría de “producto del Vietnam de su tiempo” e incluso de “héroe”. Fife es un hombre reputado, un genio en lo suyo, el cine documental, pero también todo un héroe símbolo de la lucha pacifista por haber sido objetor de conciencia en ese mismo 1968 (¿recuerdan que les decíamos en el primer párrafo que, después de todo, también Oh Canadá es una película sobre Vietnam?). Volvamos a Proust, la conclusión más célebre de La recherche es que el escritor afirma la superioridad de la literatura sobre la vida: “comprendí que todos esos materiales de la obra literaria eran mi vida pasada (…) la verdadera vida es la literatura”. Una conclusión muy propia de una cumbre literaria del Siglo XX. Oh, Canadá es también una película del siglo pasado, pero llegada desde mediados los años veinte 
del Siglo XXI, por eso su inferencia cuestiona un tanto el corolario de Proust. Es cierto que sólo el arte permite trascender la experiencia individual, comunicar nuestro yo a los demás, pero ello no lo vuelve más verdadero que a la vida auténtica y sin filtro. Oh, Canadá es la deconstrucción del héroe, un poco equiparable a ese Desmontando a Harry de Woody Allen. Todo en la vida de Fife ha sido una verdad a medias, más fruto del azar que del arbitrio. Más que un héroe, ha sido un traidor. Pero, siempre la adversativa por delante, como habría sentenciado Borges, la infamia y la valentía están tan indisociablemente unidas que la una es la otra. Así qué, después de todo, sí podemos dar la razón a Proust y concluir que, el arte en general y el séptimo en particular, tiene la virtud de reconciliarnos con la existencia. Gracias al cine, el tiempo pasado, el tiempo perdido, es tiempo poseído, tiempo recobrado.
Fue un auténtico placer despertarse con una cinta tan lúcida el día del pase de prensa. Una de esas películas que, siendo mucho de su autor, desde que me captan, pasan a ser una de mis películas. Otra de Schrader que se suma a mi colección. Y es que Schrader siempre me ha parecido un valor a considerar, uno de esos cineastas que no llegan a defraudar ni siquiera con sus obras menores. Quizás porque su imaginario es muy rico, tanto que puede dar vueltas en torno a sí mismo sin ser nunca una repetición. En el olímpico 1992 se estrenaba Posibilidad de escape, Schrader dirigiendo a un Defoe en alza y altamente inspirado, no le pasó desapercibido a la crítica que en John Le Tour, camello de lujo, había un auténtico sosias de Travis Bickle, salvo que veinte años más maduro y con un final en el que cabía la esperanza. Entre ambos personajes podríamos situar a Julian Kay, el gigoló americano que tan bien compuso Richard Gere, un eslabón hacia el camino de posible redención del anti-héroe, ahora con treinta años confesos. El mismo Richard Gere es ahora Leo Fife, casi cuarentaicinco años después y con los ochenta ya a tocar. También Fife es una apostilla de Bickle, ahora a punto de sucumbir por razón de edad, y, sin embargo, con la capacidad suficiente como para redimir todas las encarnaciones con las que Schrader ha ido extendiendo a su personaje seminal. El propio director, más cercano a los ochenta que el actor, mira cara a cara a la muerte y, respetándola y aceptándola, la vence con la ilusión que sólo el cine puede generar. Al menos en lo que el cine fue en el siglo pasado, el de su nacimiento y esplendor. Pero más sabe el diablo por viejo que por diablo, Schrader goza todavía de buenos reflejos y no se ha descolgado del presente, y al presente le lanza una crítica y una advertencia: en tiempos de pantallas omnipresentes, tal vez no quede espacio para lo íntimo, para la existencia sin filtro, lo cual no sólo supondría la negación de la vida, sino también la muerte del arte, en general, y en particular del cinematográfico, que siempre se alimentó de su tensión dialéctica con el vivir. Schrader lo afirma de primera mano, porque también él tiene perfil en Facebook. Y nosotros le seguimos.
Las lecturas de Serendipia: ‘The Haunt of Fear’ Vol. 2
THE HAUNT OF FEAR VOL. 2
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura.
Formato magazine, 216 páginas a todo color
Llega una nueva entrega de la lujosa e imprescindible edición de los clásicos EC que realiza Diábolo Ediciones. Tras completarse Tales from the Crypt, Weird Science, Impact y Shock SuspenStories, vuelve el terror puro y duro con The Haunt of Fear, la colección de la vieja bruja (The Old Witch) pero que, al igual que sucedía con Tales from the Crypt y pasará con The Vault of Horror, contiene historias presentadas por los otros dos incendiarios host: The Vault-Keeper y The Crypt-Keeper.
Como es habitual, Al Feldstein se corona como el guionista casi exclusivo de este tomo, que reúne los números que van del 7 al 12. La plantilla de dibujantes es desigual, pero todos los números los abre el inefable Graham Ingels y los cierra, en su mayoría, el gran Jack Davis, contando con los dibujos de Johnny Craig, el único artista que guioniza sus historietas, además de Jack Kamen, George Roussos, Ed Smalle y Joe Orlano. Las portadas tampoco tienen un ilustrador exclusivo, así que las hay tanto de Al Feldstein como Johnny Craig y Graham Ingels.
Por cierto, acompañando a las imágenes de las portadas de cada número, se ha intentado incluir el habitual dibujo original a tinta. Cuando no ha sido posible, se ha incluido la prueba de color realizada por Marie Severin que se utilizaba como guía en la imprenta.
Y hablando de los Severin…
John Severin (1921-2012)
John Severin nació en Jersey City , Nueva Jersey y era un adolescente en Bay Ridge, Brooklyn , Nueva York, cuando comenzó a dibujar profesionalmente. Mientras asistía a la escuela secundaria, contribuyó con caricaturas para The Hobo News en 1932, recibiendo un pago de un dólar por caricatura.
Asistió a la High School of Music & Art en la ciudad de Nueva York, junto con los futuros artistas de EC Comicsy Mad Harvey Kurtzman , Bill Elder , Al Jaffee y Al Feldstein. Después de graduarse trabajó como aprendiz de maquinista y luego se alistó en el Ejército , sirviendo en el Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial.
En 1947 se integró con los profesionales de Crestwood y allí cruzó su camino con el de los grandes demiurgos del cómic de superhéroes yanqui Joe Simon y Jack Kirby. Junto a ellos desarrolló un estilo siempre amigo del realismo, prodigándose más en historias de corte costumbrista que de tipo fantástico. Sus primeros trabajos de cierta importancia aparecieron en Prize Comics Western, historietas de indios y vaqueros protagonizadas por Lazo Kid, Black Bull, American Eagle y otros del estilo.
En EC Comics debutó en el cómic bélico Two-Fisted Tales #19 (febrero de 1951), y continuó trabajando en equipo con su amigo Elder como entintador, en particular en historias de ciencia ficción y guerra. Cuando Kurtzman abandonó los cómics de guerra para dedicar más tiempo a Mad , Severin se convirtió en el único artista de Two-Fisted Tales durante cuatro números, escribiendo también el guion de algunas historias antes de pasar a trabajar en Mad.
A mitad de los años cincuenta EC se vino abajo y John se buscó el pan por otras casas editoriales, como Atlas, en la que ya trabajaba Stan Lee. Cuando éste creo Marvel Comics, John Severin fue uno de los elegidos para dibujar a uno de los personajes emblemáticos del sello: The Hulk. Su hermana, Marie, se fue con él.
Entre Marvel y DC pasaron los Severin los años sesenta, dibujando de todo. Primero muchos soldados y cow-boys: Sgt. Rock, Kid Colt, Ringo Kid, Combat Casey, Billy the Kid, Gunsmoke Western, Battle, Captain Savage o el famoso Sgt. Fury, pero también participaría con portadas y caricaturas para la revista Cracked. No dejó de lado John Severin los mundos de fantasía, pues dibujó varias veces para comic books como Journey into Mystery, Strange Talesy, asimismo, un nutrido número de historietas para las revistas de horror de Warren Publishing, comoEerie, Creepyo el título bélico de la misma casa Blazing Combat.
A comienzos de los años setenta formó equipo con su hermana Marie para dibujar otro cómic fantástico, Kull the Conqueror, lo cual hicieron tras un ejemplar de otro clasicazo del cómic americano, Wally Wood, compañero de fatigas de Severin en EC, Warren y las editoriales de superhéroes. Su hermana Marie también tenía experiencia, había coloreado en EC y desde 1966 dibujó para Marvel títulos como Dr. Strange, Incredible Hulko Namor, the Sub-mariner. Ambos hermanos colaboraron en varios títulos de Marvel, él como dibujante invariablemente, ella como colorista por lo general, aunque siempre fue una excelente caricaturista y también una buena dibujante y entintadora, así como una poco reconocida directora artística. Juntos, terminaron ocho ejemplares de Kull the Conqueror(más algunas cubiertas) en los que lograron una atmósfera muy especial.Posteriormente a este trabajo, aparte de dos portafolios excelentes
que hicieron sobre este mismo personaje, los Severin separarían sus carreras. Marie se integraría para siempre en el bullpen de Marvel realizando la función principal de colorista, aunque se recuerda mucho sus cómics para Tales to Astonish and Not Brand Echh. Su hermano seguiría dibujando viñetas destacando por sus trabajos para Thrilling Adventure Storiesen 1975, Amazing High Adventureen 1985, cómics para la resucitada cabecera Savage Tales a partir de 1986, o la serie bélicaSemper Fi ya cerca de su jubilación. Se vio su nombre en los créditos de Ckacked, Heavy Metaly What the?! durante los años noventa, pero ya no se prodigó demasiado.
En 2002, el escritor Jeff Mariotte recordó que, hacia el año 2000, Severin llamó por teléfono a Scott Dunbier, editor de grupo del sello WildStorm de DC Comics , «y le dijo que estaba buscando volver a hacer cómics«. Esto llevó a Severin a dibujar la miniserie secuela Desperadoes: Quiet of The Grave. Más
tarde se encargó de la controvertida serie limitada de Marvel de 2003 The Rawhide Kid , un western desenfadado de universo paralelo que reimaginó al héroe forajido como un hombre gay, aunque todavía formidablemente pistolero. Severin, ya había dibujado al personaje para Atlas en la década de 1950. También en la década de 2000, Severin contribuyó a The Punisher de Marvel ; Suicide Squad , American Century , Caper y Bat Lashde DC Comics ; y Conan , BPRDy Witchfinderde Dark Horse Comics.
Los miembros de la familia de Severin que trabajan en los campos editorial y de entretenimiento incluyen a su hermana Marie Severin , que como ya vimos, fue artista de cómics y la colorista de los cómics de EC; su hijo John Severin, Jr., director de Bubblehead Publishing; su hija, Ruth Larenas, productora de esa compañía; y su nieto, John Severin III, productor musical e ingeniero de grabación.
(Fuentes: Wickipedia y Tebeosfera)
Un repaso pormenorizado de los contenidos de The Haunt of Fear Vol. 2:
THE HAUNT OF FEAR #7: mayo-junio de 1951.
Tras una estupenda portada de Johnny Craig, tenemos las habituales cuatro historietas, que abre Ingels con ¡Sitio para 
uno más! (Room for one More!) en la que la vieja bruja 
invita al lector a conocer la historia de Rodney Whitman, un joven huérfano obsesionado en reposar, cuando muera, en el mausoleo familiar. Cuando tan solo hay un hueco, buscará la forma de hacer desaparecer a todos los familiares que le quedan para que ese hueco le pertenezca pero… naturalmente las cosas no saldrán como él desea. La previsible ¡La cesta! (The Basket) está dibujada por Jack Davis y tiene, para aquellos que no se lo vean venir, una sorpresa final de infarto. Horror en el aula (Horror in the School Room) esta realizada por la reconocible pluma de Jack Kamen y protagonizada por un niño con mucha fantasía en su cabeza… o no. Cierra Johnny Craig con su historieta ¡La Banshee aullante! (The Howling Banshee!), en la que el folklore irlandés sirve de excusa para que corra la sangre.
THE HAUNT OF FEAR #8: julio-agosto de 1951.
Nada nos gusta más que un dibujo de Al Feldstein. Y si nos regala una cabeza reducida, ¡mucho más! Abre Graham Ingels con ¡La jauría de la muerte!(Hounded to Death!) una historieta a la medida de Ghastly con celos y venganzas de ultratumba. ¡Una momia muy extraña! (The Very Strange Mummy) esta ilustrada por George Roussos con un no muerto por partida doble en la que es otra vuelta de tuerca a las maldiciones egipcias. El poco conocido Ed Smalle se ocupara en ¡Beneficios decrecientes! (Diminishing Returns!) de llevar al lector al corazón de África, donde además de diamantes, esperan desagradables sorpresas a los protagonistas. Sí, es la historieta a la que hace referencia la portada. Y cierra Jack Davis con ¡Un yerro mortal! (The Irony of Death!) donde tendrá lugar una extrañísima venganza más allá de la muerte.
En la sección de correo del lector, El nicho de la vieja bruja, los lectores escogen la historieta favorita de cada número, y mientras unos, los que más, lanzan flores a los editores de E.C. Comics, otros demuestran su disgusto hacia ellos y de paso el despiste que llevan encima: «No sé por qué todo el mundo habla maravillas de los cómics de E.C. ¡En mi opinión son horribles! ¿Qué tienen sus cómics de cómicos? No me gustan los cómics de terror. No me gustan los cómics de ciencia ficción. No me gustan los cómics de crímenes. Y no me gustan los cómics bélicos«. Entonces… ¿por qué diablos los compra?
THE HAUNT OF FEAR #9: septiembre-octubre de 1951.
¡La verruga es bella! (Warts so Horrible?) es la historieta que abre este número de The 
Haunt of Fear. Ilustrada por Ghastly, nuevamente, y en la que el hedor de la tumba asaltará al lector no avisado. Forbidden Fruit (Fruta Prohibida) es un remedo del viejo testamento protagonizado por dos náufragos en busca de alimento en la isla donde les ha llevado el mar a la deriva ¿comerán de la fruta prohibida? ¡Pueden apostar que si! y Joe Orlando nos lo traduce en imágenes. Jack Kamen ilustra ¡Una vieja historia! (The Age-Old Story!) donde hay experimentos de longevidad humana y una aventajada busca fortunas sin escrúpulos. Finalmente, ¡La pata del gorila! (The Gorilla’s Paw!) que, bueno, sí, tiene bastante que ver con el clásico relato de W.W. Jacobs La pata del mono, sólo que en versión un tanto más salvaje. Y más si la dibuja Jack Davis.
THE HAUNT OF FEAR #10: noviembre-diciembre de 1951.
Una portada de lo más torera realizada por Al Feldstein y que guarda relación con ¡Una 
mala faena! (Bum Steer!) la historieta de Jack Davis que cierra en número y que contará con una folklórica venganza ultraterrena. ¡Oooole! Pero antes llega Graham Ingels y el hedor de la tierra del cementerio con ¡Un negocio de mala muerte! (Grave Business!) en la que un propietario de empresa funeraria pagará duro por todas las estafas y trucos que utiliza para engañar a sus afligidos clientes. Johnny Craig dibuja y escribe ¡La vampiresa! (The Vamp!) en la que el protagonista deberá escoger entre dos mujeres muy diferentes entre ellas… o no tanto. Acabamos con Jack Kamen y ¡Mi tío Ekar! (My Uncle Ekar) una historia protagonizada por un niño de lo más raro.
THE HAUNT OF FEAR #11: enero-febrero de 1952.
Ghastly no se conforma con abrir cada uno de los cuadernos de esta serie, ilustrará la 
portada de este y el siguiente con su pútrida pluma. ¡Un sótano asqueroso! (Ooze in the Cellar?) no podría haber sido dibujada por otro. En ella su protagonista tiene un severo caso de Diógenes que le obliga a guardar todo en su sótano…incluso los cadáveres. ¡La prueba del ácido! (The Acid Test!) está ilustrada por Jack Kamen y es una historieta protagonizada por dos enamorados cuyo amor se unirá aún más gracias al ácido, con una conclusión ciertamente sádica. George Roussos dibuja Exterminio (Extermination) una historieta en la que cucarachas, chinches y termitas campan a sus anchas. Finalmente, ¡Abono de primera! (Ear Today…Gone Tomorrow!) la historieta que cierra el cómic y que ilustra Jack Davis, lo dice todo en su título. En ella los fabricantes de abono se las ingeniarán para encontrar huesos con el que fabricarlo.
THE HAUNT OF FEAR #12: marzo-abril de 1952
Y llegamos al último número de este segundo tomo de The Haunt of Fear, el 12, que como el anterior, cuenta con portada de Ghastly, que también se encarga de realizar la primera historieta, para el que el hedor del cementerio se nos meta bien en los huesos. ¡Justicia poética! (Poetic Justice!) es otra nueva historia de venganza de ultratumba. Por su parte Johnny Craig escribe y dibuja ¡Sobre el pecho de un muerto! (…On a Dead Man’s Chest!) protagonizada por un tipo que adora los tatuajes y a su joven mujer, a la que desea un amigo y que…En ¡Hasta que la muerte nos separe! (Till Death Do We Part!), Joe Orlando dibuja una ingeniosa historia que sorprende bastante en su conclusión. Finalmente, Jack Davis realiza ¿Qué se cuece? (What’s Cookin’?) una historia con la que hacer una buena digestión y esperar la próxima entrega de The Haunt of Fear.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 25 de diciembre de 2024 *
NOSFERATU (Robert Eggers, 2024)
USA. Duración: 132 min. Guion: Robert Eggers. Libro: Bram Stoker Música: Robin Carolan Fotografía: Jarin Blaschke Compañías: Focus Features, Stillking Films, Studio 8. Distribuidora: Focus Features Género: Terror
Reparto: Lily-Rose Depp, Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Willem Dafoe, Simon McBurney, Ralph Ineson, Paul A Maynard, Stacy Thunes
Sinopsis: El agente inmobiliario Thomas Hutter (Nicholas Hoult) acude a Transilvania para encontrarse con el Conde Orlok (Bill Skarsgård), un posible cliente vampírico. Durante su ausencia, Helen (Lily-Rose Depp), con la que se acaba de casar, se queda con un matrimonio amigo, Friedrich y Anna Harding (Aaron Taylor-Johnson y Emma Corrin). Perseguida por visiones y un creciente temor inexplicable, Ellen se enfrenta a una fuerza que no puede controlar.
Cuando supimos que se pergeñaba una nueva versión de la icónica película muda de F.W. Murnau, no pudimos menos que fruncir el ceño, pero nos sentimos aliviados al saber que como director estaría Robert Eggers. Y fue así porque Eggers nos parecía el más indicado para abordar esta delicada labor. La razón de ello nos las daba el propio realizador con sus obras anteriores, todas ellas lo suficientemente destacables como para vaticinar que el Nosferatu que se iba a realizar un siglo después, estaba en buenas manos.
En todo caso, es tan ridículo como inevitable visionar el Nosferatu de Robert Eggers comparándola con el de Murnau. Sencillamente, para los que la hemos visto tantas y tantas veces, el clásico nos asalta en cada fotograma de la nueva versión, pues ha sido tratado con un respeto y esmero que ha llevado a Eggers a casi reproducir algunas escenas. Se adivina una labor de amor.
Pero eso no significa que no haya cambios o se hayan potenciado algunos aspectos de la historia original, dejando otros en segundo plano.
Eggers mantiene y aumenta esta atmosférica pesadilla sobre todo en sus primeras escenas. Respeta y comparte el carácter pictórico que Murnau dio a varias de sus escenas y escenarios. Y cuenta con una magnífica banda sonora de Robin Carolan y una fotografía en color que recordaremos, para siempre, en blanco y negro, pues así de leve es su tintura.
El deseo femenino será el hilo conductor responsable de que el horror visite Wisborg. El sexo está muy presente y explica la presencia del aterrador ser. Un ser cuyo aspecto ha sido el secreto mejor guardado desde la imagen de Erik (Lon Chaney) en la cartelería y promoción de El fantasma de la ópera (1925). Y es en este punto en el que el espectador debe ser más tolerante, pues Eggers ha cambiado a su gusto al icónico vampiro de Murnau. También el episodio de la epidemia está más diluido y la plaga causada por la presencia del vampiro es tratada de pasada.
En su proyecto, que Eggers lleva acariciando desde su infancia, el director quería mostrar ese vampiro con olor a podredumbre, que «no es un elegante seductor vestido de esmoquin, ni tampoco es un atractivo y tenebroso héroe. El vampiro folclórico encarna la enfermedad, la muerte y el sexo brutal, despiadado. Y este era el vampiro que deseaba exhumar para un público actual.» Y lo ha conseguido plenamente, añadimos.
Durante el largo desarrollo de Nosferatu, Eggers tuvo la oportunidad de dar muchas vueltas a su guion, de aprender como director y productor, así como de reunir a un notable equipo de colaboradores tanto delante como detrás de la cámara. Contando con un ajustado reparto encabezado por un aterrado Nicholas Hoult, Bill Skarsgård (al que mejor no se molesten en reconocer), Lily-Rose Depp, Willem Dafoe, Emma Corrin y Aaron Taylor-Johnson, entre otros.
Pero pese a estos cambios, o quizás gracias a esas mismas variaciones, Nosferatu es aterradora, y con el film, el viejo cine de terror puede seguir sobrecogiendo a los espectadores un siglo después, tal y como vaticinó Bela Lugosi cuando exclamó «Dracula never ends«.
Las lecturas de Serendipia: ‘Shock SuspensStories’ Vol. 3
SHOCK SUSPENSTORIES VOL. 3
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura.
Formato magazine, 216 páginas a todo color
Con este tercer tomo se completa la colección Shock SuspenStories, una de las mejores series editadas por E.C. Comics. Esta última entrega, publicada en un momento en el que los guardianes de la moral ya acosaban a la editorial, tiene varias historietas de impacto social y artículos que explican a los lectores la situación que estaban viviendo y que no tardaría en terminar con la editorial.
Shock SuspenStories contaba con uno de los equipos artísticos más destacados de los cómics E.C. y en estos últimos números se lucieron especialmente. Las portadas las realizaron Jack Kamen y George Evans con una excepcionalmente dibujada por Wally Wood. Casi ninguna guarda relación con ninguna de las historietas contenidas, cuyos guiones mayoritariamente están escritos por Al Feldstein, junto a otros realizados por Otto Binder y Carl Wessler. El equipo artístico cuenta con grandes favoritos como Jack Kamen, Wally Wood, Reed Crandall y George Evans, a los que se les suman o sustituyen eventualmente Bernie Krigstein, Joe Orlando y el gran Frank Frazetta, que junto a Al Williamsson realizará el único cómic que publicaría en E.C., Con el agua al cuello (Squeeze Play).
Conviene no perder de vista especialmente historietas como Hermanos de sangre (Blood-Brothers), La paliza (The Whipping), El confidente (The Confidant), Cierta justicia (A Kind of Justice) o La iniciación (The Hazing), por sus alegatos anti racistas y a favor de la libertad y contra los totalitarismos. También cabe destacar La huerfanita (The Orphan), por su argumento especialmente sádico y su final inesperado así como En su papel (In Character) y Tú, asesino (You, Murderer) por sus destacables conexiones cinematográficas.
Finalmente, todos los números traen una de sus planchas dedicadas a promocionar las publicaciones de humor que edita E.C. como Mad o Panic mediante divertidos juegos ilustrados por Will Elder y Jack Davis.
Bill Elder (1921-2008)
William Elder, nacido como Wolf William Eisenberg en el Bronx , Nueva York, asistió a la High School of Music and Art de Nueva York junto con los futuros artistas de Mad Harvey Kurtzman, John Severin, Al Jaffee y Al Feldstein. Tras la II Guerra Mundial, donde formó parte de la 668.ª Compañía de Ingenieros (Topográficos), adoptó el nombre de Will Elder.
A finales de la década de 1940, Elder y su ex compañero de clase Kurtzman se asociaron con Charles Stern para formar el Charles William Harvey Studio, creando cómics entre 1948 y 1951 para Prize Comics y otras editoriales. En EC Comics entintó los lápices de Severin en historias para Weird Fantasy, Two-Fisted Tales, Frontline Combat y otros títulos.
Cuando Kurtzman creó Mad en 1952, los extravagantes paneles de Elder atrajeron inmediatamente la atención, pasando a dibujar en la mítica publicación y para el otro cómic humorístico de EC, Panic. Una labor que le iba como anillo al dedo, pues Elder era conocido por ser un bromista empedernido.
Colaboró frecuentemente a lo largo de su carrera con Kurtzman. Después de dejar
Mad en 1957, los dos trabajaron juntos en una serie de revistas de humor de corta duración: Trump , Humbug y Help!. Hugh Hefner, declarado fan del trabajo de Kurtzman y Elder, les encargó que crearan una tira para Playboy. El resultado fue Little Annie Fanny, serie protagonizada por una exuberante e inocente joven de corazón puro que se despojaba de su ropa con regularidad. La serie Annie Fanny (107 historias en total) se publicó irregularmente en la parte posterior de Playboy durante más de un cuarto de siglo desde octubre de 1962 hasta septiembre de 1988.
Elder murió el 15 de mayo de 2008 por complicaciones debidas a la enfermedad de Parkinson, en Rockleigh, Nueva Jersey, y fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama de los Premios Harvey en 2019 durante la Comic Con de Nueva York , junto con sus compañeros colaboradores de Mad Jack Davis, Marie Severin, John Severin y Ben Oda.
Un repaso pormenorizado de los contenidos de Shock SuspenStories Vol. 3:
SHOCK SUSPENSTORIES #13: febrero-marzo de 1954. Todos los guiones Al Feldstein.
Una estupenda portada de Jack Kamen que hace referencia a la última de las historietas abre el número 13 de esta colección, cuya primera historia también se encarga de ilustrar Kamen. A Flor de piel (Only Skin-Deep) cuenta con un plan ¿perfecto? pergeñado por dos amantes para deshacerse del tercero en discordia. Hermanos de sangre (Blood- Brothers) ilustrado por Wally Wood es un alegato anti racista de hondo calado. Al protagonista de Acto reflejo (Upon Reflection), la historieta ilustrada por Reed Crandall, los remordimientos y los nervios le juegan una mala pasada. Y en Con el agua al cuello (Squeeze Play) un prófugo se librará de la justicia haciéndose pasar por bañista en una playa, pero con lo que no cuenta es con el entusiasmo de unas jovencitas que lo invitarán a bañarse con ellas.
La acostumbrada sección de correo de la publicación, Shock Talk, está capitalizada por diversas opiniones sobre El asalto (The Assault!) la historia más comprometida publicada en Shock SuspenStories Nº 8, protagonizada por una turba que se toma la justicia por su cuenta. Como concluyen los editores tuvieron «muchos quebraderos de cabeza tanto con el guion como con las ilustraciones para asegurarnos de que la historia fuese de «buen gusto». Los niños pequeños, inocentes e ingenuos no han podido entender la historieta. Por lo tanto, las cartas que nos acusan de obscenidad necesariamente deben haber venido de personas que tienen, como se dice en la jerga de nuestros tiempos, «la mente sucia»» Y es que se acercaban muy malos tiempos para E.C. Comics.
SHOCK SUSPENSTORIES #14: abril-mayo de 1954.
Quizás una de las más retorcidas historietas editadas por E.C Comics sea La huerfanita (The Orphan) con la que Jack Kamen y Al Feldstein abren este número de Shock SuspenStories. Está protagonizada por una madre que no quiere serlo y un padre alcohólico que a la primera de cambio pega a su hija. Afortunadamente la pequeña terminará a cargo de su dulce tía… previa muerte de sus padres, claro. La paliza (The Whipping) es otro cómic de contenido anti racista, con un vecino que no solo no quiere que su hija vaya con un hispano que se ha mudado al barrio, también quiere que la familia recién llegada marche, pues piensa que vendrán más y el barrio se echará a perder ¿solución? vestirse con blancas túnicas y bien encapuchados atacar al indeseable. Pero, claro, algo no va bien y todo se vuelve en contra del agresor…En Tú, asesino (You, Murderer) tenemos un guion que resulta familiar. Si El gabinete del Dr. Caligari, (Das Cabinet des Dr. Caligari, 1919) film expresionista de Robert Wiene fue visto como una premonición del nazismo, con un sonámbulo actuando bajo el poder de Caligari, un taumaturgo que lo tiene hipnotizado bajo su poder como una marioneta a la que obliga a hacer lo que mande, en esta ocasión un nigromante hace que un inocente individuo al azar mate como venganza a un inocente acusándolo falsamente de ser un espía comunista. Para que no haya ninguna duda de donde ha llegado la inspiración a Feldstein para esta historieta, está firmada por Krigstein y Dr. Caligari en su primera plancha. En Quien siembra vientos… (As Ye Sow…) tendremos una historia de celos y venganza en la que, como es marca de la casa, las cosas terminarán fatal. Finalmente Shock Talk estará centrado en diversas opiniones a favor y en contra de las historietas más comprometidas publicadas en Shock SuspenStories. Con mayoría de opiniones a favor y agradeciendo los contenidos adultos, se leen perlas como las de una adolescente de 14 años que piensa que «Es hora de que el gobierno de este país apruebe una ley que prohíba la venta de esta basura«.
SHOCK SUSPENSTORIES #15: junio-julio de 1954.
Tras la contundente portada de Jack Kamen, una historieta dibujada por él abre el número, La cruda realidad (Raw Deal), una alimenticia historia sobre una pareja, últimos supervivientes de un buque que se quedan perdidos 
en el mar en un bote a la deriva. El confidente (The Confidant) tiene como protagonistas a los habitantes de un pequeño pueblo que se tomarán la justicia por su mano. ¡A voz en grito! (For Cryin’ Out Loud!) está ilustrada por Reed Crandall y es la historia a la que se hace referencia en portada. Protagonizada por un asesino cuya conciencia no le deja en paz y se siente observado y acusado por todo aquel con el que se cruza. Cierra el cuaderno La única vía (Well Trained) un cómic realizado por George Evans con un protagonista obsesionado con que un asesino muera electrificado en la silla eléctrica… o donde sea, pero bajo el efecto de los voltios. En Shock Talk la polémica y el grueso del correo está centrado en la historieta Hermanos de sangre, que como hemos visto se publicó en el número 13. Como suele suceder, la mayoría de cartas felicitan a la editorial por editar este tipo de historias con fondo abiertamente anti racista, pero siempre hay quien disiente de ello. Se hace referencia a una carta que escribió un militar en aquel mismo número quejándose del contenido de otra historieta anti racista: «Me pareció muy buena hasta que leí una historia sobre el amigo negro de un soldado. Esta historia apesta tal y como la escribieron, y me gustaría que la persona que la escribió tuviera que dormir, comer y convivir con negros o negratas. Estoy de servicio y no me gustaría que un negrata comiera en la misma mesa que yo...», una carta que levantó en general las iras del resto de lectores, pero que se encontró también con apoyos, como estas que reproducimos aquí: «Hermanos de sangre es estrictamente para los negratas. ¿Qué vais a hacer, dedicar vuestra revista a los negros?» o «Estoy llorando a lágrima viva por ese pobre negrata después de leer la última tontería pro-negros de Wood (y Feldstein)«. Como vemos la mala sangre no es un privilegio de las actuales redes sociales. Ya en los años cincuenta había este tipo de reacciones no muy diferentes a las que se pueden encontrar hoy escarbando por internet.
SHOCK SUSPENSTORIES #16: agosto-septiembre de 1954.
En este número George Evans realiza portada y abre el número con …El guardián de mi hermano (…My Brother’s Keeper), una historia con un final algo predecible para los que ya estamos muy versados en esto del terror, 
pero que sorprenderá a más de uno. The Hazing (La iniciación) es una propuesta ilustrada por Joe Orlando que tiene como protagonistas las falsas acusaciones y las habladurías. En este caso las cosas se complicarán cuando un profesor universitario sea falsamente acusado de comunismo. En Cierta justicia (A Kind of Justice) el mal corre por todos los lados y cualquiera puede ser el culpable aunque la multitud termina con el que piensa que se acerca más al perfil del agresor que están buscando. El poder de las palabras (The Pen is Nightier) es una de esas historietas en las que el criminal se libra mientras hace caer a todo aquel que si interpone ante él. En cuanto a Shock Talk, prosigue la polémica que abrió el militar con su carta, en esta ocasión otros militares escriben para disculparse en nombre de su compañero de armas, mientras otros lectores comentan La paliza, otra polémica historia publicada, en este caso, en el número 14.
A pesar de los problemas por los que está pasando la editorial, o precisamente por eso mismo, las historietas-denuncia están muy presentes en Shock SuspenStories, cuya voz no tardaría en acallarse. A este respecto no se nos escapa la primera plancha del cómic que se sitúa tras la portada ¿Eres un papanatas rojo? (Are You a Red Dupe?) en la que parecen querer dejar claro que las historietas que publican y los dibujantes y guionistas que las hacen no tienen nada que ver con el comunismo, que ya es lo último de lo que se les podría acusar.
SHOCK SUSPENSTORIES #17: octubre-noviembre de 1954.
Nueva portada de George Evans que vendrá en concordancia con la historia que abre el número, Triángulo 
cuadrilátero (4-Sided Triangle) en la que veremos de los que es capaz un tipo por ser acariciado por una bella joven. En su papel (In Character) es una interesante historieta realizada por Reed Crandall y Al Feldstein protagonizada por Bela Kardiff, un actor especializado en cine de terror. Un actor que se lamenta de haber sido encasillado en cine fantástico y cuyo aspecto recuerda a la criatura de Frankenstein que encarnó Boris Karloff, con cuyo apellido componen el de Kardiff, eso sí, poniéndole el nombre de la otra super estrella del género, Bela Lugosi. El asesino (The Assassin) está ilustrada por George Evans y es una historieta que no cuenta con diálogos y en la que serán los carteles explicativos los que contendrán los pensamientos del propio protagonista: el asesino. Precisamente en cine se había hecho recientemente, tan solo dos años antes, un experimento de cine sin diálogos, El espía (The Thief, Russell Rouse) que muy posiblemente influyera en Carl Wessler, guionista de la historieta. La operación (The Operation), con dibujo de Joe Orlando, cuenta un plan infalible para entrar diamantes y otras mercancías sin peligro al atravesar la aduana. La sección Shock Talk reincide en felicitaciones a la editorial por publicar historias comprometidas: «(…) vosotros, los editores de Shock SuspenStories, habéis iniciado algo maravilloso, una bofetada al prejuicio».
SHOCK SUSPENSTORIES #18: diciembre-enero de 1955.
Nuevamente Evans realiza portada y primera historieta en el que será último número de Shock SuspenStories. ¡La fiebre del Cadilla! (Cadillac Fever!) es una historieta con cierto trasfondo de humor sobre un tipo que tiene un deseo que parece imposible que se vaya a cumplir y que su hija ayudará a materializar con la mejor intención. Y ya se sabe que el infierno está repleto de buenas intenciones…La trampa (The Trap) sobre un plan urdido para cobrar el seguro de fallecimiento sin haber muerto. Un plan aparentemente perfecto pero…La bolsa (In the Bag) es una apasionante y cinematográfica historieta dibujada por Bernie Krigstein con guion de Karl Wessler. En la cuneta (Rundown) está dibujada por Reed Crandall y nos muestra a un tipo que después de cometer un asesinato quiere desprenderse del cadáver y todo serán problemas. Será esta historia la que cierre la colección, que en este número no tendrá correo con el lector, sino un comunicado de la editorial explicando lo que les está sucediendo y piden que los lectores manden una carta o postal al Subcomité del Senado que está investigando el supuesto efecto pernicioso de los cómics en los niños indicando si piensan que los cómics son un entretenimiento inofensivo y por qué y animando a hacerlo con sus propias palabras, con una carta amable y educada. «Lo importante es que la Subcomisión escuche a los lectores reales de los cómics y/o a sus padres, y no a personas que, sin haber leído un cómic en su vida, quiere destruirlos».
MÁS INFORMACIÓN Y PEDIDOS: DIÁBOLO EDICIONES
Ediciones 79: Novedades diciembre 2024
Llega la sangrienta Navidad al 79 y lo hace cargada de muchas novedades. Pasen y vean:
LA MATANZA DE TEXAS (VHS LIMITADA A 100 COPIAS)
Sinopsis: Texas, 1974. Cinco jóvenes van a visitar la tumba del abuelo de uno de ellos en una vieja camioneta. El lastimoso camino será accidentado, sobre todo tras recoger a un siniestro autoestopista. Poco después, en busca de gasolina descubren una sucia casa en medio del páramo y su viaje se convertirá en el inicio de la peor pesadilla de todas sus vidas… Si sobreviven a la familia de dementes caníbales y a su sanguinario e implacable matarife, Cara de cuero.
Tenemos el placer de presentaros una de las grandes joyas atemporales del cine de terror, indiscutible obra de culto y la primera iteración de la saga de las motosierras por antonomasia: La matanza de Texas de Tobe Hooper, en esta edición ultralimitada y conmemorativa en glorioso VHS.
Formato: 4:3 /Audio: Castellano /Duración: 100 min
THE COLLECTION (Blu Ray)
Sinopsis: Elena (Emma Fitzpatrick) se va de fiesta rave con sus amigos. Una vez allí descubre un extraño baúl rojo con alguien dentro… Y un psicópata asesino, conocido como “El Coleccionista”, masacra al resto de los invitados. Poco después ella despierta dentro de otro baúl rojo en un extraño hotel para formar parte, sin saberlo, de una macabra colección. La última esperanza para salvar Elena será la única persona que ha logrado escapar del sádico coleccionista: el ladrón Arkin (Josh Stewart).
Segunda parte de la saga The Collector que supera desde el minuto cero el nivel de gore y de sadismo de la primera. Marcus Dunstan dirige y guioniza de nuevo (junto a Patrick Melton) esta truculenta fiesta del torture porn que escandalizaría al propio Jigsaw. Juegos macabros, mutilaciones y mucha acción en esta secuela que deleitará a todos los fans de la saga
¿Quieres formar parte de La Colección?
Formato: 2,35:1 /Audio: Inglés 5.1 DTS-HD y castellano 2.0 DTS-HD /Subtítulos: Castellano y catalán /Duración: 82 minutos /Nacionalidad: Estados Unidos /Extras: Tráiler
WAX (DVD limitado a 300 unidades)
Sinopsis: Mike (Jimmy Shaw) acepta la propuesta de una productora (Geraldine Chaplin) de pasar la noche en un museo de cera, a fin de documentar con su cámara los extraños fenómenos que, al parecer, ocurren allí. Mike acabará descubriendo el terror personificado en el siniestro Doctor Knox (Jack Taylor), un sádico cirujano que tortura, trocea y devora a sus víctimas mientras aún están vivas.
10 años después de su estreno, redescubre la primera película de ficción de Víctor Matellano (“Zarpazos”, “Vampyres”) con multitud de contenido extra alrededor de la diabólica figura del Doctor Knox, interpretada magistralmente por el legendario Jack Taylor (“Mil Gritos Tiene la Noche”, “Conan el Bárbaro”). Y con la voz del enorme Paul Naschy en el personaje de un autómata.
Formato: 1,85:1 /Audio: Castellano e inglés 2.0 DD /Subtítulos: Castellano /Duración: 80 min /Nacionalidad: España Extras: Mysteries of the wax museum (22 min), entrevista inédita a Jack Taylor (9 min), teaser previo (5min), teaser internacional (1 min) y trailer USA (1 min).
CITADEL (DVD limitado a 300 unidades)
Sinopsis: Tommy (Aneurin Barhard) es testigo impotente de la salvaje agresión de un grupo de niños encapuchados contra su mujer embarazada. El bebé logra sobrevivir, pero ella queda en coma. Tras esto, Tommy desarrolla una agorafobia aguda, y empieza a sospechar que los niños le están siguiendo y que lo vigilan. Un cura (James Cosmo), que va siempre acompañado de un extraño niño ciego, le advertirá de forma críptica que vigile: es muy posible que estos “niños” quieran arrebatarle también a su hija.
Ópera prima de Ciarán Foy (“Sinister 2”, “Eli”), “Citadel” convierte los paisajes desolados dejados por la crisis (barrios desiertos, edificios desahuciados) en un escenario de horror puro. Thriller fantástico angustioso y terrorífico hasta lo inimaginable cuyos claros referentes (alguna de las obras cumbre de David Cronemberg o del Wes Craven más en forma) serían un spoiler imperdonable al citarlos. En la línea de la genial “Barbarian” de Zach Cregger pero a la irlandesa. Esta película aporta una significativa dosis de crítica social y un tono mucho más sádico, que la convierte en una joya del cine de terror moderno que el gran público aún tiene por descubrir.
Formato: 1,78:1 /Audio: Inglés 5.1 DD y castellano 2.0 DD /Subtítulos: Castellano y catalán. /Duración: 82 min / Nacionalidad: Irlanda Extras: “Mr Dentonn” de Iván Laimiel, “Dolores” de Aída Cordero y Erika Nieto y “Leviticus” de Paco Torres.
EL ASESINO DE DÜSSELDORF (DVD limitado a 300 unidades)
Sinopsis: Düsseldorf, años 30. Peter (Robert Hossein) es un trabajador a quien su trastornada imaginación le juega malas pasadas. Cada vez que es rechazado por una mujer, se convierte en un sádico psicópata homicida. Una joven cantante de cabaret (Marie-France Pisier) se enamora de Peter, pero ella desconoce la terrible verdad de su enigmático comportamiento.
Robert Hossein (“Rififí”, “Hasta que llegó su hora”), mítico y prolífico actor tanto del Polar francés como de la Nouvelle Vague, dirige, guioniza y protagoniza esta notable versión de los atroces asesinatos y crímenes sexuales de Peter Kürten, más conocido como “El Vampiro de Düsseldorf”, que inmortalizó Fritz Lang en una de las mayores joyas del séptimo arte: M, el vampiro de Düsseldorf (1931)
Esta producción franco-española, que merece formar parte de la colección de todo cinéfilo que se precie, sigue en primera persona al maníaco homicida en su día a día en una convulsa Alemania durante el auge del nazismo como telón de fondo.
Formato: 16:9 /Audio: Castellano y francés 2.0 DD. /Duración: 90 min / Nacionalidad: Francia / Extras: Trailers nazisploitation
SHARKANSAS (DVD limitado a 300 unidades)
Sinopsis: Un equipo de perforación ha penetrado el manto de la Tierra de forma accidental y permite a un grupo de feroces tiburones prehistóricos mutantes salir hacia la superficie desde un océano subterráneo en busca de nuevas víctimas. Cinco jóvenes prisioneras con poca ropa, que realizaban trabajos comunitarios en una cárcel de baja seguridad de Arkansas, se enfrentarán a esta horda de escualos sedienta de sangre por humedales y cuevas.
Dominique Swain (“Lolita”, “Cara cara”) y la diosa del porno ochentero Traci Lords (“Cry Baby”, “Blade”) protagonizan esta divertidísima sharksploitation dirigida por el gran Jim Winorsky (“Robots asesinos”, “Pirañaconda”).
Sangre, amputaciones, chicas sexys y tiburones del pleistoceno os harán pasar un muy buen rato si no echáis de menos un guion tan inexistente como innecesario.
Formato: 1,78:1 /Audio: Inglés y castellano 5.1 DD /Subtítulos: Castellano y catalán. /Duración: 81 min /Nacionalidad: Estados Unidos Extras: Warm up with Traci Lords (1988)
Diario de Serendipia en Sitges 2024: nuestro álbum fotográfico
Y tras ponerle a la crónica su punto final, llega el momento de pegar con cuidado al álbum de los recuerdos las mejores imágenes que registraron nuestras retinas. Acompáñennos en nuestro recorrido sentimental. [Todas las fotos son originales de Serendipia, menos la acreditada a otros autores]
Invocado el espíritu de los Freaks de Browning, comienza la 57 Edición:
un poco más allá de la King Kong Área se detiene lo real y lo imposible…
Art the clown es rey y señor, siempre preparado para saciar la sed de sangre…
…de un público que aguarda fiel y con ansia del siempre más extremo todavía.
Desde el escenario, el maestro de ceremonias…
…y el gran rey Kong, atemperan una atmósfera…
…que el fan se apresura en atesorar.
Extrañas criaturas saltan de la pantalla…
…milicianos zombis…
…y hasta angelicales trabajadoras del Fnac.
Porque bajo cielos henchidos de sol…
…o cubiertos por las más negras nubes,
Sitges siempre promete la mejor oferta…
…para disfrutarla en sus mágicas salas…
…que nos hacen sentir auténticos VIP.
Siempre hay un espacio para alternar con las estrellas bajo la atenta mirada de la novia…
…o para adquirir nuevos fetiches para nuestras colecciones.
Disfrutando de viejos amigos célebres…
…o descubriendo jóvenes y prometedores cineastas.
Sitges no morirá nunca, porque cultiva su cantera…
…y hasta las mascotas no quieren perderse detalle. (Foto de @sitgesfestival)
Cuando toca a su fin, ya empieza a renacer.
¡¡¡Preparen sus mejores camisetas que el Festival vuelve en 2025, entre el 9 y el 19 de octubre!!!!
Gastón, que tiene tantos años como ediciones lleva Serendipia viviendo el festival (16), lo sabe. Y también ha prometido que hará todo lo posible por volver a vernos el próximo octubre, cuando renazca todo.
Tráiler y póster de ‘Novocaine’
#Novocaine
Solo en cines 14 marzo
SINOPSIS:
Cuando la chica de sus sueños (Amber Midthunder) es secuestrada, Nate (Jack Quaid), un chico corriente, convierte su incapacidad para sentir dolor en una fuerza inesperada en su lucha por recuperarla.
PARAMOUNT PICTURES Presenta
En asociación con INFRARED PICTURES
Una Producción de SAFEHOUSE PICTURES / CIRCLE MANAGEMENT + PRODUCTION
Una película de DAN BERK & ROBERT OLSEN
“NOVOCAINE”
Productores Ejecutivos
Paul Barbeau, Glen Basner, Josh Adler, Lars Jacobson, Alison Cohen
Productores
Drew Simon, Tory Tunnell, Joby Harold, Sam Speiser, Matt Schwartz, Julian Rosenberg
Guion
Lars Jacobson
Director
Dan Berk & Robert Olsen
Reparto
Jack Quaid, Amber Midthunder, Ray Nicholson, Betty Gabriel, Matt Walsh, Lou Beatty Jr., Van Hengst, Conrad Kemp y Jacob Batalon
PENDIENTE CALIFICACIÓN POR EDADES
Tráiler de ‘Bodegón con fantasmas’ de Enrique Buleo
Tráiler oficial de ‘Bodegón con fantasmas‘, dirigida por Enrique Buleo, que recientemente ha sido nominada a Mejor Película de Comedia en los Premios Feroz.
Sinopsis: Rodeados por viñedos y tierras de cereales, los habitantes de un pueblo de La Mancha pasan sus días con normalidad. Unos, los vivos, luchando contra los aprietos de la vida. Otros, los fantasmas, lidiando con los sinsabores de la muerte
La cinta cuenta con una trayectoria impecable que arrancó con el estreno mundial en la Sección Oficial a competición del Festival de Sitges, cosechando las primeras grandes críticas y recibiendo una calurosa acogida por el público. El estreno internacional tuvo lugar en el Festival de Varsovia para volver de nuevo a España como película de inauguración de Abycine y recibir allí el Premio Asociación de Periodistas. Posteriormente se alzó con el Premio Blogos de Oro al mejor largometraje en la Semana del Cine Fantástico y de terror de San Sebastián y recientemente en Rizoma recibió la Mención especial del jurado compuesto por la Ana Rujas, Jaume Ripoll y José Manuel Zamora, tras su paso por El Festival de Gijón (FICX).
Buleo escribe y dirige una comedia absurda, con tintes macabros y fantásticos, para hablarnos de como afrontan la vida y la muerte sus personajes, tan singulares como entrañables, de su Manchuela. Una historia poliédrica con una estética muy kitsch protagonizada por Consuelo Trujillo, Pilar Matas, Fernando Sansegundo, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Jordi Aguilar, Nuria Mencía, Pepe Carabias, Bianca Kovacs y Patty Bonet, entre otros.
Bodegón con fantasmas es una producción de AmoraFilms (Alejandra Mora), Cuidado con el perro (Alicia Yubero, Juan Cavestany, Alvaro F. Armero), en coproducción con Sideral (Roberto Butragueño, Nuria Landete) y This and That (Snezana van Houwelingen).
Bodegón con fantasmas formó parte de la Incubadora de la ECAM y está recién aterrizada del First Look del Festival de Locarno. Cuenta con la financiación de Media, ICAA e IVC, la participación de À Punt Mèdia, CLM Media, CREA SGR, la colaboración de la ECAM y fue el ganador del Segundo concurso de Producción de Largometrajes y Series de TV, E Turia CLM promovido por Castilla la Mancha Film Comission y La Junta de Comunidades de CLM.
Tras el éxito de ‘La casa’, Álex Montoya adaptará para cine ‘El abismo del olvido’, la última novela gráfica de Paco Roca.
Tras el éxito conseguido con la adaptación cinematográfica de ‘La casa‘, Nakamura Films y Raw Pictures han adquirido los derechos de adaptación para llevar al cine ‘El abismo del olvido‘, la nueva novela de Paco Roca.
Escrita por Paco Roca y Rodrigo Terrassa y editada por Astiberri, El abismo del olvido se ha convertido en todo un fenómeno editorial en 2024. Publicado en diciembre de 2023, El abismo del olvido ha sido el libro de no-ficción más vendido en España durante más de 20 semanas, permaneciendo cerca de 50 semanas en el top20 y vendiendo más de 60.000 ejemplares. Los derechos de la novela han sido vendidos a EEUU, Francia, Alemania, Italia, Polonia, Portugal, Turquía y Brasil.
El equipo de La casa, encabezado por el director y guionista Álex Montoya, y los productores Jordi Llorca, Sofía López y Araceli Isaac, empezará a trabajar en la nueva adaptación del proyecto cinematográfico.
El director y guionista, Álex Montoya, dice sobre el nuevo proyecto: «Llevar a la pantalla ‘El Abismo del Olvido’ es un gran reto, tanto por la escala del proyecto como por la responsabilidad y la sensibilidad que requieren su tratamiento. Nunca es fácil trasladar la lírica que envuelve las historias de Paco; pocos como él reflexionan sobre el paso del tiempo y la inevitabilidad del olvido. Traducir todo esto a cine requerirá de mucho trabajo y de una buena dosis de ingenuidad, pero sin duda será un viaje emocionante«.
Los productores, cuentan: «Empezamos a hablar con Paco Roca y su editor sobre la posibilidad de adaptar El abismo del olvido en el estreno de La casa en el Festival de Málaga. Ellos estaban muy contentos con el resultado y nosotros teníamos claro que, al igual que en aquella, en la última novela podía estar el germen de una gran película. Han sido meses de negociación y conversaciones, pero hoy, por fin, ponemos la primera piedra de este camino junto a Alex y Paco que estamos deseando descubrir a donde nos lleva».
Para Paco Roca: «A Rodrigo y a mi nos hace mucha ilusión que este cómic se convierta en una película y más de la mano de Nakamura y Raw, y de Álex que hicieron un gran trabajo con ‘La casa’. Fueron capaces de captar en la película el tema y el tono del cómic y, además, Álex lo hizo con una gran sensibilidad y aprovechando el lenguaje del cine para transmitir esa historia, así que tenemos como mucha confianza en que esta película no solamente sea una buena adaptación del cómic sino que sea una gran película que sirva, además yo creo que como el cómic, para llegar al gran público y que haga reflexionar sobre el asunto de las fosas comunes y de que debemos intentar que todas esas familias recuperen los restos de sus familiares que, como decía antes, un derecho humano al que nadie se podría oponer».
©Sofía López
Producida por Raw Pictures , Nakamura Films y Haciendo la casa AIE, la película cuenta con la financiación del ICAA, del Institut Valencià de Cultura y del Instituto de Crédito Oficial, con la participación de Radio Televisión Española, À Punt Mèdia y CREA SGR y con la colaboración de FGV: Ferrocarrils de la Generalitat Valenciana. La distribución en cines corre a cargo de A Contracorriente Films.
Tráiler de ’28 años después’: prosigue la saga zombi de Danny Boyle
Tráiler de ‘28 años después’, la nueva y aterradora historia ambientada en el mundo creado en ‘28 días después’, en la que se unen de nuevo el ganador del Oscar® a mejor director Danny Boyle (Slumdog millionaire, 127 horas) y Alex Garland (Civil War, Men) nominado al Oscar® a mejor guion, que llegará en exclusiva a todos los cine el 20 de junio de 2025.
Sinopsis: Han pasado casi tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas, y ahora, todavía bajo una cuarentena brutalmente impuesta, algunos han encontrado formas de existir en medio de los infectados. Uno de estos grupos de supervivientes vive en una pequeña isla conectada al continente por una única carretera fuertemente defendida. Cuando uno de los miembros del grupo abandona la isla para adentrarse en el oscuro corazón del continente, descubre secretos, maravillas y horrores que han mutado no sólo a los infectados, sino también a otros supervivientes.
Primer póster de ‘Ballerina’, el spin-off de John Wick, con Ana de Armas
Una nueva máquina de matar en forma de rostro angelical, la mismísima Eve Macarro, que está furiosa y busca venganza ¡qué otra cosa si no!
¿Quién es Eve Macarro?
El personaje de Ballerina, que interpretará Ana de Armas, ya fue introducido brevemente en John Wick: Capítulo 3 – Parabellum, aunque entonces no nos dimos cuenta. Este nuevo miembro de la franquicia, que forma parte de un grupo de asesinos que se entrenan en la disciplina de la danza y el combate, representa una fusión de elegancia y letalidad. La historia de la película se centrará en su búsqueda de venganza (como no podía ser de otra manera) adentrándonos en un viaje de redención y ajustes de cuentas personales.
¿Y de qué trata Ballerina?
Sinopsis: Eve Macarro (Ana de Armas) es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick (Keanu Reeves). En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.
Primer tráiler
La película llegará a nuestros cines en junio de 2025.
‘En las tierras perdidas’, la nueva película basada en el relato de George R. R. Martin
Dirigida por Paul W.S. Anderson, responsable de la saga Resident Evil, y protagonizada por Milla Jovovich (El quinto elemento; Residen Evil) y Dave Bautista (Guardianes de la galaxia; Dune: parte 2), En las tierras perdidas nos trae una historia de acción y aventura fantástica basada en el relato corto In The Lost Lands, extraído del libro Amazons II, escrito por George R. R. Martin y otros autores y publicado en 1982.
Sinopsis: Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que, cada deseo que se concede, tiene consecuencias inimaginables.
La historia se centra en Asha, una joven guerrera que es enviada a unas Tierras Perdidas con un propósito en particular. En este territorio misterioso, lleno de peligros sobrenaturales y criaturas que amenazan su vida, Asha debe enfrentarse a varios desafíos relacionados con la magia oscura, la supervivencia, la ambición y el poder.
El relato en que se basa la película tiene un tono oscuro con una atmósfera tensa y peligrosa. A lo largo de su travesía, Asha no solo lucha contra las amenazas externas, sino que también tiene que lidiar con cuestiones internas de poder y sus propias decisiones morales. Una historia que comparte muchos de los temas característicos de Martin, como la complejidad de los personajes, las motivaciones contradictorias y la lucha por la supervivencia en un mundo cruel y peligroso.
En resumen, In the Lost Lands combina elementos de fantasía, aventura y magia, con la exploración de personajes fuertes que deben enfrentar situaciones extremas, todo dentro de un entorno oscuro y lleno de incertidumbre, algo muy típico de la escritura de Martin.
La película llegará a los cines en España el 25 de abril.
VAMOS DE ESTRENO * Jueves 5 de diciembre de 2024 *
HERE (Aquí) (Here, Robert Zemeckis, 2024)
USA. Duración: 104 min. Guion: Eric Roth, Robert Zemeckis. Novela gráfica: Richard McGuire Música: Alan Silvestri Compañías: ImageMovers, Playtone, Miramax. Distribuidora: Sony Pictures Género: Drama
Reparto: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Michelle Dockery, Beau Gadsdon, Leslie Zemeckis, Dexter Sol Ansell, Jonathan Aris, Ben Wiggins, Lilly Aspell, David Fynn, Lauren McQueen
Sinopsis: Varias familias de diferentes generaciones formaron su hogar en una única habitación. Una historia de amor, pérdida, risas y vida, desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Un viaje a lo largo de cientos de miles de años que transcurre, de principio a fin, en un solo lugar: aquí.
Resulta original el enfoque que se ha buscado para narrar una historia convencional. Tan convencional como la nuestra. Con pequeños acontecimientos privados y compartidos con la Humanidad. Robert Zemeckis ha reproducido la estructura del cómic original Here de Richard McGuire y se ha centrado en un punto de la geografía norteamericana en el cual un enorme dinosaurio deja su huella y que, pasados los siglos, será la salita de estar de diversas generaciones de anodinos estadounidenses, con sus pequeños dramas y alegrías. La cámara no se moverá de ahí, de ese único escenario. Como en el teatro, y el cine primigenio, serán los actores los que se interactuarán ante el objetivo. Así, el espectador será testigo de excepción de los cambios que afectan al rincón que luego se convertirá en una sala de estar. Lugar en el que la historia con mayúsculas también se desarrolla, ya sea como escenario de la Guerra Civil o como el nacimiento de la Beatlemanía, con la televisión en todos los hogares y la actuación de los Beatles en el Show de Ed Sullivan.
Durante el film (y el cómic) se mezclarán épocas pretéritas y presentes, aunque la historia principal será la de la pareja interpretada por Tom Hanks y Robin Wright, a los que veremos nacer, formar una familia y envejecer en ese único escenario. El film, 30 años después del estreno de Forrest Gump, vuelve así a reunir a su director (Robert Zemeckis), guionista (Eric Roth) y dos de sus protagonistas (Tom Hanks y Robin Wright) en la gran pantalla donde, gracias a la magia de la tecnología, los veremos deambular de adolescentes a ancianos interpretados por los propios actores. Zemeckis, gran apasionado de la tecnología y los efectos visuales ha recurrido a Methaphysic Live, una innovadora herramienta que, mediante tecnología hiperrealista, permite crear efectos de rejuvenecimiento en directo y en tiempo real en la cara de los actores sin necesidad de usar efectos especiales.
El círculo de la vida y la muerte se desarrollará en la pantalla en un continum que no dejará ni un momento para mirar el reloj. Personajes que parecen salidos de una película de Frank Capra, con todo el buenismo imaginable, pero sin la magia de aquellos, mostrarán todo lo bueno del norteamericano medio, trabajador y fiel a las tradiciones, sea de la raza que sea.
Además de Hanks y Wright, el film cuenta con la participación de, entre muchos otros, Paul Bettany (Mi tío Frank, Vengadores: Infinity War), Kelly Reilly (Yellowstone, El vuelo) y Michelle Dockery (The Gentlemen: Los señores de la mafia, Downtown Abbey: Una nueva era). Y el célebre y multipremiado compositor Alan Silvestri (Polar Express, Forrest Gump) es el responsable de la deliciosa partitura original.
Novedades Diábolo Ediciones: Diciembre 2024
Llega diciembre y con el él el frío, las Navidades y las novedades de Diábolo llenas de buen cómic y literatura. Cómic añejo, pura historia con ‘Bringing Up Father‘ de George McManus, serie de la que comienza su edición a todo lujo desde la primera a la última tira sin saltarse las planchas dominicales. De momento este primer tomo recopila todas las tiras y planchas de 1939 a 1940, además de numerosos extras como artículos sobre el autor. Un manjar para eruditos. Más cómic histórico y de categoría con el segundo tomo de ‘The Haunt of Fear’, dentro de la imprescindible reedición de los clásicos EC. Horror para estas fiestas. Y como no solo de cómic vive el buen aficionado, Diábolo ofrece un tomo dedicado al universo literario de Sherlock Holmes escrito por Javier Jiménez Barco y profusamente ilustrado. Sin duda un estudio que pedía a gritos su publicación. Finalmente terminamos con la ¡octava edición! del que es ya todo un clásico sobre el Anime y que está dedicado íntegramente a ‘El viaje de Chihiro‘, un volumen imprescindible en todo hogar de bien. Importantes novedades que llegan estas Navidades de la mano de Diábolo Ediciones.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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