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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 10 de noviembre de 2023 *
Sinopsis: Tras escapar de su agobiante vida en la ciudad, Nat (Laia Costa), treintañera, encuentra refugio en el pequeño pueblo de La Escapa, en lo más profundo de la España rural. En una casa rústica y en ruinas, acompañada de un perro salvaje y tosco, esta joven intenta reconstruir su vida de nuevo. Después de enfrentarse a la hostilidad de su casero y a la desconfianza de los habitantes del pueblo, Nat se descubre a sí misma aceptando una inquietante propuesta sexual de su vecino Andreas (Hovik Keuchkerian). A partir de este extraño y confuso encuentro, surge una pasión devoradora y obsesiva que consumirá a Nat completamente y le hará poner en cuestión el tipo de mujer que cree ser.
Un amor no es, ni mucho menos, una historia de amor al uso. De hecho la única historia de amor compartida que puede verse es la de Nat (Laia Costa) con su perro Sieso. Un amor es más un viaje iniciático, pero un viaje de esos en los que la lección se aprende a base de batacazos. Y varios son los que se lleva su protagonista cuando descubre que la vida no es como pensaba y que no todo el mundo es amable ni las cosas son fáciles. Y que quien algo quiere, algo le cuesta. Y que no todo el monte es orégano.
Natalia ha dejado la vida en la ciudad y su trabajo de traductora simultánea para una ONG de refugiados de conflictos bélicos, atemorizada por los relatos que le cuentan los supervivientes provenientes de África. Huye a lo que piensa es una vida más sana y sencilla. Pero allí aprenderá lo que cuesta vivir. Comprobará lo chismosa que es la gente en un lugar tan pequeño. Desde el inhumano casero (odiosamente interpretado por Luis Bermejo); a un vecino «civilizado» y «agradable», Piter (Hugo Silva), artesano llegado de la ciudad que no cesa de meterse en su vida con la excusa de ayudarla; pasando por una familia que va exclusivamente los fines de semana, ridículos animales de ciudad; y, sobre todo, el alemán (que nadie sabe de donde vino), un huraño y gordo vecino, un hombre en el que ella nunca se hubiera fijado, que le pedirá un trueque a cambio de arreglar su tejado: que le deje entrar en ella. De la repugnancia inicial nacerá una historia de amor que no lo es, una historia de dependencia anti-natura, de la que saldrá más fuerte que nunca, eso sí, a base de fuertes batacazos. Y además de salir más fuerte conseguirá una buena compañía, la de su perro Sieso, un chucho al que nadie quiere, con el rostro marcado de cicatrices del pasado.
Isabel Coixet retrata la dureza del pueblo, el frío, la tormenta y sus habitantes. También se fija en pequeños detalles. Ruinas, carteles arruinados, restos de lo que una vez fueron hogares y vidas. Basada en la novela homónima de Sara Mesa (Un amor, publicada por Anagrama), la película cuenta con guion de la propia Coixet y la escritora, periodista y guionista Laura Ferrero. Un amor tuvo su estreno mundial en la 71ª edición del Festival de Cine de San Sebastián dentro de la Sección Oficial a Concurso y recibió el Premio Feroz Zinemaldia 2023. Además de Laia Costa y Hugo Silva, el film está protagonizado por Hovik Keuchkerian (fue galardonado con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación de Reparto), Hugo Silva, Luis Bermejo, Ingrid García-Jonsson y Francesco Carril.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 1 de noviembre de 2023 *
VIDAS PASADAS (Past Lives, Celine Song, 2023)
USA/Corea del Sur. Duración: 106 min. Guion: Celine Song Música: Christopher Bear, Daniel Rossen Fotografía: Shabier Kirchner Productoras: 2AM, A24, CJ Entertainment, Killer Films. Distribuidora: A24 Género: Drama romántico
Reparto: Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro, Jonica T. Gibbs, Isaac Cole Powell, Jane Yubin Kim, Kristen Sieh, Nathan Clarkson, Keelia, Federico Rodriguez, Moon Seung-ah, Nadia Ramdass, Emily Cass McDonnell, Skyler Wenger, John-Deric Mitchell, Bob Leszczak
Sinopsis: Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia con una fuerte conexión, se separan cuando la familia de Nora emigra desde Corea del Sur. Dos décadas más tarde, se reencontrarán en Nueva York durante una semana que les enfrentará al amor, el destino y las elecciones que componen una vida.
¿Es la lengua en la que hablamos en sueños la que expresa nuestro yo más íntimo? Nora (o Na-Young como se la conocía en Corea) lo hace en coreano, a pesar de que su lengua de uso habitual en los últimos 24 años ha sido y es el inglés. Su marido, Arthur, se lo hace saber mientras le confiesa que para él ese misterio da miedo. Se lo da a él porque no se siente merecedor de su amor, ella que es ese ser tan especial, Nora le tranquiliza aclarándole que su vida actual está con él en Nueva York y no en Corea. Pero la imagen de ellos dos hablando en la cama da paso a otra del carrusel bajo el puente al que han solido acudir en sus momentos especiales, todo está iluminado con una luz dorada, hasta que el carrusel se apaga y queda en sombras. Vidas pasadas es una película que mima los detalles hasta el punto de que nada es meramente estético en sus encuadres, es ese buen hacer con lo sutil lo que permite que sea mucho más que una película bonita. El debut de Celine Song es un bella reflexión sobre las relaciones sentimentales en nuestro presente, un análisis que, además, trasciende la coyuntura y se eleva hasta lo que el amor tiene de universal. Nos sitúa ante un triángulo equilátero en el que todos sus integrantes nos dan motivos para ponernos en su piel, así, la cinta nos mantiene sumidos en un estado de emoción intensa en el que nuestro corazón se parte de igual modo que el de los protagonistas. Song se adentra en la senda del melodrama con pulso firme y no cae nunca en los sentimentalismos. Su premisa nos cala como una fina lluvia, una llovizna que nos habla de cómo la afinidad y la fatalidad nos une a, o nos separa de, nuestro sujeto amoroso como si hubiera una fuerza superior que determinase nuestros destinos.
Nombrado en coreano, esa fuerza es el in yeon, una suerte de providencia que nos marca el camino y funde nuestros karmas si se han tejido 8000 capas a través de nuestras vidas pasadas. Un concepto religioso que añade una dimensión casi trágica a la relación de Nora con Hae-Sung, su amigo de la infancia y tercer vértice de ese triángulo que se mueve entre dos ciudades y dos mundos. Dos sensibilidades. La vida les ha puesto en contacto y les ha distanciado, los ha unido y los ha separado a lo largo de los meandros del tiempo. Vidas paralelas, sus caminos se aproximan en tres momentos separados por doce años cada uno: se conocen de niños, son los mejores de su clase y, él uno por la otra, sienten esa atracción intensa que sólo puede experimentarse la primera vez que se ama y que se vuelve aún más intensa cuando Na-Young emigra de Corea con sus padres; doce años después Na-Young ya es Nora, una joven escritora que se abre camino en Nueva York y, porque Hae-Sung la busca y porque el azar es rey, contactan de nuevo en las redes sociales, pero una relación a distancia que no llega a nombrarse como unión en pareja es difícil de mantener, el hilo vuelve a quebrarse; aún doce años más tarde, Hae-Sung vuelve a luchar por su primer amor y recorre kilómetros de tiempo para visitarla en su ciudad de acogida, que ya es su ciudad de vida. Vidas pasadas no es, sin embargo, un mero Waht if…?, porque de lo que nos habla es de lo ineluctable, de la irreversibilidad de los ríos en los que los amores y las renuncias navegan. La vida que es y la que pudo ser comparten el mismo canal con todo lo que ello supone. Celine Song nos mantiene con el corazón en un puño incluso después de finalizar la proyección.
Vidas pasadas es uno de los debuts más vibrantes del año. La novel directora se muestra experta en el manejo de los tiempos, en el dibujo de los personajes a través de la imagen, planos y encuadres plenamente significativos que vienen perlados con unos diálogos que no los empañan sino que los realzan. Pocas veces una opera prima resulta tan madura. La crítica ha sido unánime y no ha vacilado en poner a Song a la altura de artistas consagrados como Woody Allen, Noah Baumbach o Richard Linklater. Recién llegada al cine, su voz es firme y se nos presenta como una autora que maneja a la perfección el arte de capturar el fondo de las relaciones humanas. Que es lo que más nos mueve. Que es lo que más nos emociona.
Esta producción de A24 habría merecido mayor confianza por parte de los exhibidores españoles, pero así es el mercado. Así que felicitamos a los pocos que puedan verla y puedan sentir que este presente que nos sume es, quizás, sólo una vida pasada que trae la promesa de reunirnos de nuevo con nuestros mayores sueños.
SABEN AQUELL (David Trueba, 2023)
España. Guion: David Trueba, Albert Espinosa Música: Andrea Motis Compañías: Ikiru Films, Atresmedia Cine, La Terraza Films, Movistar Plus+, TV3. Distribuidora: Warner Bros. España Género: Biopic
Reparto: David Verdaguer, Carolina Yuste, Pedro Casablanc, Marina Salas, Ramón Fontserè, Boris Ruiz, Matt Lo Cascio, Matilde Muñiz
Sinopsis: Barcelona, finales de los 60. Eugenio Jofra, un joven joyero, conoce a Conchita en un autobús de línea. El flechazo es instantáneo y los dos comienzan la historia de amor de sus vidas. Eugenio aprende a tocar la guitarra para acompañar a Conchita, para lo que tendrá que luchar contra el miedo escénico. Empieza así la carrera musical de ‘Els dos’. Cuando Conchita se tiene que ausentar durante dos semanas de Barcelona, convence a Eugenio de que lleve las actuaciones a cabo él solo. Cuando vuelve, Eugenio se ha convertido en un fenómeno del humor underground de la ciudad. Poco a poco, entre los dos irán construyendo al personaje: las gafas, la camisa negra, el taburete, los cigarrillos y el vaso de tubo, que se convertirá en un éxito inesperado en una España deprimida que busca desesperadamente reírse con ese singular cómico que empieza todos sus chistes con ‘Saben aquell…‘.
En Saben aquell, la película de David Trueba que cuenta los primeros años de carrera artística de Eugenio Jofra, Eugenio, se cumple la máxima del payaso trágico de la ópera de Ruggero Leoncavallo, que hace reír al público mientras porta una tristeza eterna en su interior. El film, que cuenta con un guion escrito por su director y Albert Espinosa, está basado en las memorias y libros de Gerard Jofra, hijo mayor del artista y albacea de la obra de su padre, y se inicia justo cuando, en la Barcelona de los sesenta Eugenio trabaja en un taller de joyería y está a punto de contraer matrimonio con su primera novia. Es entonces cuando conoce a la cantante Conchita Alcaide, con la que su vida dará un giro de 360 grados, y con la que formará el dúo artístico Els Dos (Los Dos, cuando graban en castellano).
Pronto tendrán descendencia, mientras actúan en diversos locales sin que Eugenio pueda permitirse dejar, del todo, su trabajo como joyero. Será en estas actuaciones cuando, entre canción y canción, Eugenio comenzará a contar acudits, de tal modo que, cuando Conchita se ausenta para cuidar a su moribunda madre, se negará a cantar solo y actuará, con todas las reticencias por parte de su empresario y de él mismo, contando chistes. Ahí comenzará la leyenda de un humorista cuyo genio ha sobrevivido a la muerte del artista en 2001. Un personaje enjuto, de gesto impasible, vestido de negro, siempre sentado en un taburete con un vodka con naranja y fumando sin pausa. Un personaje que, tal y como sugiere el film de Trueba, fue creado en su mayor parte por Conchita, el gran amor del humorista, que lo dejó viudo en 1980 y cuya ausencia el cómico nunca pudo superar.
La película de Trueba realiza un impecable recorrido por aquella Barcelona de los sesenta y setenta, que retrata cuidadosamente, con aquellos pequeños artistas ‘de la legua’, que se trasladaban con su propio vehículo y cuyas obras se vendían en cintas de casete en gasolineras y bares. En el caso de Eugenio, a millares. Pasa de refilón, pero elegantemente, por las infidelidades y adicciones del humorista y finaliza su itinerario en 1980, con el fallecimiento de Conchita.
Saben Aquell, a pesar del trasfondo trágico de su historia de amor, no puede dejar de verse con una sonrisa e incluso alguna carcajada causada, sobre todo, al escuchar nuevamente aquellos chistes y acudits, que, aunque conocidos, narrados por Eugenio se convertían en oro puro y que llegaron a nuestros hogares gracias al boca-oreja de amigos, vecinos y padres. La cinta cuenta con música original de Andrea Motis, que ha adaptado los temas que interpretan Carolina Yuste y David Verdaguer en el film y que realizan un gran trabajo encarnando al dúo artístico y que en el caso de David Verdaguer es fundamental para que no quede como una burda imitación. Completan el reparto Pedro Casablanc, Marina Salas y Ramon Fontserè junto a varios personajes que formaban parte del entorno profesional de Eugenio y que se interpretan a sí mismos.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de octubre de 2023 *
MAMACRUZ (Patricia Ortega, 2023)
España. Duración: 84 min. Guion: Patricia Ortega, José F. Ortuño Música: Paloma Peñarrubia Fotografía: Fran Fernández Pardo Compañías: La Claqueta PC, Pecado Films Género: Comedia dramática
Reparto: Kiti Mánver, Pepe Quero, Inés Benítez, Silvia Acosta, Loles Gutiérrez, Mari Paz Sayago, María José Mariscal, Paula Díaz, Úrsula Díaz Manzano
Sinopsis: Cruz (Kiti Mánver) es una abuela que lleva muchos años, décadas ya, sin saber lo que es un orgasmo. Ella, devota de sus creencias religiosas, no le daba importancia ni tampoco se lo había planteado… hasta que un día navegando por Internet empieza a sentir de nuevo deseos y sensaciones que ya creía extinguidas. Pero, ¿Cómo compaginar sus creencias con este nuevo despertar sexual y sensual que ha llegado de pronto a su vida?
Cuando decimos de algo o de alguien que es una cruz, nos referimos a que resulta una pesada carga que nos toca soportar y sufrir. Obviamente, en esta aplicación del término pervive la raíz cristiana de nuestra cultura: la cruz por excelencia es aquella en la que fue clavado el Cristo hasta su muerte y, como tal, es sinónimo de dolor y sufrimiento. O, lo que es lo mismo, de Pasión. Pero Mamacruz, que es como se presenta la protagonista a sí misma porque así es como la llama su nieta, no es una carga para nadie (quizás sí para ella misma), al contrario, es una mujer humilde que ha consagrado su vida al cuidado de los suyos y que, como única distracción, se dedica a vestir los santos de su parroquia gracias a sus dotes con la costura. Ahora, ya abuela, con su hija viviendo en Viena (donde ha ido a labrarse una carrera como bailarina), aunque está al cargo de su nieta y sigue ocupándose de su marido, algo empieza a moverse en ella, se diría que un aburrimiento doméstico que se ve acompasado por los pertinaces ronquidos de su esposo. Cuando una noche, sin pretenderlo, acaba en una Web porno, todo su microcosmos girará, sin vértigo pero sin pausa, emprendiendo un viaje de autorreconocimiento que la llevará a encontrar su cuerpo y a liberar su alma.
Mamacruz, la tercera película de Patricia Ortega, es el retrato de una de esas tantas mujeres buenas que han vivido una vida entera con la sensualidad dormida. Pintado, además, con el trazo fino del intimismo bien entendido y rematado con el delicado barniz de un humor costumbrista e inteligente. El guion, coescrito con José Ortuño (Ánimas, The Extraordinary Tale), mima la construcción psicológica de sus personajes, ninguno queda sin al menos ser bosquejado, y eso mismo permite rebasar el límite de lo individual para remontar el relato hasta la crónica social y cultural. Mujer de misa diaria y altar en la mesilla, esta “mamacruz” expresa el sentimiento de aquellas que, tocadas con una devoción genuinamente ingenua, se han dejado guiar por otros que establecen las pautas y valores que ocultan las inquietudes personales de su alma, igual como el corsé oculta las curvas de su cuerpo. Porque la cruz como signo apunta al sufrimiento, pero, en verdad, morir en ella fue, sobre todo, un acto de amor; tomar la comunión es recibir la calidez de un cuerpo en nuestro seno; y ser fiel de la pasión de Cristo es rendirse a un abrazo como la sunamita, y sus pechos como dos corzos, se rinde a los brazos de Salomón según el Cantar de los cantares. Ortega sabe extraer todo el sensualismo que subyace a la imagenería cristiana, o mejor católica, para armar un retablo que ilustra cómo lo que encarcela no es el canon sino quienes lo dispensan, y deciden, así, que una Dolorosa no puede tocarse con flores ni perfilar sus labios con carmín. Lo que es bueno para la mismísima Santa María, es extensible a toda madre. Y es que Mamacruz es también un ensayo sobre lo que supone la maternidad, sobre cómo, de generación en generación, las madres han inculcado en sus hijas la misma abnegación que han ejercido sobre sí mismas. Como si estuviera escrito que las mujeres deben renunciar a sus deseos para cumplir con sus deberes. Como si toda mujer-madre tuviera que atar en corto a toda mujer-hija. Sólo la reconciliación con el propio cuerpo, permite la reconciliación con la propia hija. Y a la inversa. Mamacruz es un canto a esa liberación que libera a todos a su paso: la protagonista con su crecimiento devuelve el ánimo a sus allegados, incluido ese marido que también parecía haber enterrado su deseo en el desaliño cotidiano. Nunca es tarde para descubrirse. Para destaparse.
Kiti Mánver pone su cuerpo al servicio de la trama, es por ello por lo que construye un personaje con el que podríamos mismamente tomar un café. O varias rondas de chupitos. Un cuerpo no lozano, pero que igualmente merece ser lucido. Como el de Emma Thompson en Buena suerte, Leo Grande de Sophie Hyde. En ambas películas se explora la sexualidad madura de la mujer y en ambas se canta a la libertad que nos deja la aceptación afirmante de nuestro propio físico. La Mamacruz de Mánver vive la adolescencia que, seguramente, no pudo tener y nos enternece con su capacidad de absorber cada nuevo estímulo. Primero con reservas, si no con auténtico remordimiento. Poco a poco aprende a irse soltando, a desviarse de la senda que había seguido, hasta que culminará gloriosa mientras repican las campanas para llamar a misa. No hay más ni mejor templo que nuestro yo carnal. Mamacruz camina hacia la autonomía y Mánver nos la dibuja feliz en su proceso, aunque sepa llorar cuando es debido. Tanto la actriz como la película nos dan noticia de que, mientras nos quede tiempo, por poco que sea, vale la pena gozar la vida.
Y así es Mamacruz, una comedia sin momento dramático. Porque la vida los tiene, pero cosidos a los episodios ordinarios e incluso a los felices. Una película que sabe hacer de la mujer el centro sin enarbolar banderas ni pronunciar soflamas. Atípica como todo aquello que se aparta de los modelos fijados. Un trabajo personal y auténtico que merece la mejor de las suertes. ¡Que el boca oreja cumpla su misión!
HYPNOTIC (Robert Rodriguez, 2023)
USA/UK. Duración: 92 min. Guion: Robert Rodriguez, Max Borenstein Música: Rebel Rodriguez Fotografía: Pablo Berron, Robert Rodriguez Compañías: Solstice Studios, Studio 8, Double R Productions, Hoosegow Productions, Ingenious Media Género: Thriller.
Reparto: Ben Affleck, Alice Braga, William Fichtner, Hala Finley, JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey, Tony Amendola, Stacey Travis, Cristian de la Fuente, Kelly Frye, Derek Russo, Jackie Earle Haley
Sinopsis: Decidido a encontrar a su hija desaparecida, el detective Danny Rourke (Ben Affleck) se ve inmerso en un laberinto mientras investiga una serie de asaltos a bancos que desafían la realidad y que le harán cuestionarse sobre todo y todos los que le rodean. Con la ayuda de Diana Cruz, una vidente superdotada, Rourke persigue y, al mismo tiempo, es perseguido por un espectro letal, el único hombre que él cree que tiene la clave para encontrar a su hija. Pero acabará descubriendo mucho más de lo que esperaba.
Hypnotic deja bien claro que es una película de Robert Rodríguez. Es cine fantástico, terreno en el cual el director se mueve como pez en el agua y, como en otros de sus films, reivindica, sin soflamas ni (demasiados) folklorismos, su sangre mexicana y la de buena parte del reparto. Un país que también sirve de marco para la acción. Así que, por esa parte, lo cierto es que sale bien parada. Y es que el cine norteamericano parece asumir que, además de diversidad sexual, es un país multiétnico y que los norteamericanos de origen hispano (casi el 20%), también necesita ver modelos de su propia raza en la pantalla.
Ben Affleck está como se espera, armado con una mandíbula calcárea de tipo duro, pero también de buen padre, pues será la desaparición de su pequeña hija la que servirá como arranque para la acción, en la que tendrá un gran protagonismo la manipulación de la voluntad mediante los poderes hipnóticos.
En definitiva, sencillo y efectivo, Hypnotic es un agradable, y a veces un tanto enrevesado, thriller de carácter fantástico que requiere atención por parte del espectador, sobre todo en su segunda parte, durante la cual la acción, con sus giros y tirabuzones, se precipitará hasta su, -al tanto-, escena post-créditos.
RETRIBUTION (Nimród Antal, 2023)
USA/España. Duración: 91 min. Guion: Andrew Baldwin, Chris Salmanpour. Historia original: Alberto Marini Fotografía: Flavio Martínez Labiano Compañías: Studiocanal, Kismet Media, Atresmedia Cine, Ombra Films, The Picture Company, Vaca Films Género: Thriller.
Reparto: Liam Neeson, Jack Champion, Embeth Davidtz, Matthew Modine, Arian Moayed, Emily Kusche, Lilly Aspell, Noma Dumezweni, Jerry Kwarteng, Christian Koerner, Nedy John Cross, Michael S. Ruscheinsky
Sinopsis: Matt Turner (Liam Neeson) es un exitoso hombre de negocios americano que vive en Berlín y hace lo que puede para conciliar su flamante carrera financiera con sus responsabilidades familiares. Al llevar a sus hijos a la escuela una mañana, Matt recibe una llamada telefónica de una voz misteriosa: hay una bomba bajo su asiento que detonará a menos que complete una serie de labores específicas, y lo haga rápido. Atrapado en el coche en una carrera a toda velocidad por la ciudad, Matt ha de seguir las instrucciones de este desconocido, que cada vez entrañan más peligro, en una carrera a contrarreloj para proteger a su familia y resolver el misterio que se extiende a lo largo de un día.
Sin resultar especialmente original, nos llamó la atención el argumento de este thriller por ser similar al de una producción española de reciente factura, El desconocido (2015), primer largometraje de Dani de la Torre con Luis Tosar al volante. Y no es casualidad pues, efectivamente, Retribution se basa en la misma historia, escrita por Alberto Marini, que se utilizó en la cinta de de la Torre, solo que se sustituye Berlín por Madrid y Liam Neeson por Luis Tosar. Pero ya les adelantamos que el espectador no gana con el cambio. Muy al contrario, lo que en el film de Dani de la Torre es virtud, en el de Nimród Antal se torna en torpeza. Mientras la original nos resultó interesante y eléctrica, esta nos ha parecido aburrida y sin gancho.
Retribution está protagonizada por Liam Neeson, que de un tiempo a esta parte ha apostado por el cine de acción con trepidantes y entretenidas películas como Sin identidad (2011), Non-Stop (2014), Una noche para sobrevivir (Run all Night, 2015) o El pasajero (The Commuter, 2018), todas ellas dirigidas por el catalán Jaume Collet-Serra, que aquí ejerce de productor.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 6 de octubre de 2023 *
CHINAS (Arantxa Echevarría, 2023)
España Guion: Arantxa Echevarria Musica: Marina Herlop Compañías: Hojalata Films, Lazona Producciones, Movistar Plus+, RTVE, Tvtec servicios audiovisuales Género: Drama
Reparto: Shiman Yang
Arantxa Echevarría debutó en la dirección de ficción con el cortometraje Panchito (2010), una película protagonizada por actores no profesionales en la que se acercaba a la vida de las personas extranjeras en España. Una temática a la que retorna con Chinas, una necesaria cinta nacida de la propia experiencia de la directora (de hecho, ella está representada por el personaje interpretado por Carolina Yuste), tras coincidir durante meses con Lucía, la hija de los dueños de un bazar de su barrio regentado por chinos. A raíz de estos encuentros, la cineasta empezó a interesarse e investigar sobre cómo es la vida de los chinos de segunda generación en Madrid; personas que deben luchar contra la tradición, las normas y la cultura de un país de origen que apenas conocen, pero al mismo tiempo son rechazados en su país de nacimiento por sus ojos rasgados.
Chinas nos cuenta la historia de dos niñas chinas de 9 años que coinciden en un colegio al comienzo de curso. Todo el mundo da por hecho que se harán amigas, pero absolutamente nada las une. Lucía, es segunda generación de inmigrantes. Se siente absolutamente española y solo piensa en integrarse con el resto de sus amigas del colegio. Desearía tener unos padres “normales” como el resto de sus amigas, pero los suyos le avergüenzan constantemente porque no hablan español, trabajan más de 14 horas en el bazar y ni siquiera le permiten celebrar su cumpleaños en el Burger King. La otra niña es Xiang. Es adoptada y con su rostro delata allá donde va que no es hija de sus padres. Xiang se pregunta por su familia biológica; ni se siente china ni se siente aceptada ante los demás niños en el colegio. Las dos niñas se cruzarán, separarán y acabarán siendo vitales la una para la otra en la búsqueda de su identidad. También se focaliza el film en la hermana mayor de Lucía, que comienza a salir con chicas y chicos de su edad, pero no encaja con ellos. Es diferente y su forma de afrontar la amistad y el sexo es culturalmente distinta.
Chinas se rodó entre los meses de julio y agosto de 2022 en Usera, el barrio de Madrid con mayor presencia de esta comunidad, y está protagonizado por Shiman Yang, Ella Qiu y Xinyi Ye además de Leonor Watling, Pablo Molinero, con la colaboración especial de Carolina Yuste y con numerosos actores no profesionales seleccionados a través de un largo proceso de casting, destacando sobre todo el reparto la desarmante naturalidad de sus pequeñas actrices.
De la sensibilidad de Echevarría, que debutó a lo grande estrenando mundialmente su primer largometraje en la Quincena de Realizadores de Cannes – siendo la primera directora española en ser seleccionada para competir en esta sección – y con el que consiguió 8 nominaciones a los Goya, de los que ganó el de mejor directora novel y el de mejor actriz secundaria para Carolina Yuste, de su delicadeza en el tratamiento de los dramas identitarios y su respeto y defensa del “diferente”, sale una obra que busca romper los estereotipos que han lesionado la imagen que existe de lo chino en nuestra cultura, en general, y en el cine, en particular. Con su naturalismo y su buen pulso habrá de nacer una lectura que alumbre las aristas del conflicto e invite a reflexionar y a poner una piedra fundacional en la resolución de este.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 29 de septiembre de 2023 *
MONSTRUO (Kaibutsu, Hirokazu Kore-eda, 2023)
Japón. Guion: Yuji Sakamoto Música: Ryuichi Sakamoto Fotografía: Ryûto Kondô Compañías: Toho, Gaga Communications Inc, AOI Pro, Fuji TV, Bun-Buku. Productor: Genki Kawamura. Distribuidora: Gaga Communications Inc, Toho Género: Drama
Reparto: Soya Kurokawa, Hiiragi Hinata, Sakura Andō, Eita, Mitsuki Takahata, Akihiro Kakuta
Sinopsis: Cuando su joven hijo Minato empieza a comportarse de forma extraña, su madre siente que algo va mal. Al descubrir que el responsable de todo ello es un profesor, irrumpe en la escuela exigiendo saber qué está pasando. Pero a medida que la historia se desarrolla a través de los ojos de la madre, el profesor y el niño, la verdad va saliendo a la luz, poco a poco…
Monstruo es un viaje elemental desde el fuego hasta el agua. Del principio solar, motor de vida y transformación, a su opuesto líquido, que comparte la misma condición primordial como fuente de todo lo vivo. El fuego renueva y el agua transfigura. Pero igual que son origen creador, pueden ser fuerzas que destruyen: un aparatoso incendio o un tifón feroz se igualan en capacidad de desolación. No hay contradicción entre ambos sentidos de su poder, sin embargo. Porque devastan, regeneran. La última cinta de Hirokazu Koreeda es una historia de quebrantos y renaceres.
Lo que desafía al orden y la norma es lo anómalo, otro modo, el monstruo. En nuestra lengua, este término procede de la alteración del latín ‘monstrum’, originariamente era voz religiosa que designaba un prodigio que reflejaba la voluntad de los dioses, de ahí pasó a aplicarse a todo objeto o ser de carácter excepcional. El monstruo es lo digno de ser visto porque excede los límites de lo regular. Su desmesura puede provocar admiración y horror a partes iguales. Con el ‘kaibutsu’ japonés ocurre algo similar, es lo raro, lo inusual. En ambos idiomas nos estamos refiriendo a lo que no se ajusta al patrón consensuado (y arbitrario) que llamamos normalidad, es decir, y también en ambas lenguas, a la excepción. Tanto nuestro ‘monstruo’ como su ‘kaibutsu’ son nombrados desde la mirada ajena, pero este rasgo es más marcado en la lengua nipona pues el apelativo se refiere a cosas que parecen extrañas siempre, remarcamos, siempre desde la perspectiva de un observador concreto. Una película titulada Monstruo (Kaibutsu), no podía ser narrada desde un único punto de vista, pues la respuesta a “¿Quién es el monstruo?” está ligada al ángulo de visión de quien aplica la definición.
El cine de Koreeda tiene unas constantes claras, sus películas exploran temas tales como la memoria, la muerte y el asumir la pérdida de un ser querido. También son centrales, para este director que quiso ser novelista, los vínculos familiares, sobre todo, la importancia de los modelos parentales, con padres o madres ausentes muchas veces, sobre los hijos. Y por extensión la fuerza de la presión social (y nacional, tal vez) sobre los actos individuales. Un cromatismo temático que aborda con pinceladas de costumbrismo, pero también, y no pocas veces, con trazos de intriga, así llegó a convertir un drama judicial en un thriller en El tercer asesinato (Sando-me no satsujin). Y mencionamos su película de 2017 porque tiene más en común de lo que podría parecer con su último trabajo, si en 2017 Koreeda nos invitaba a reflexionar sobre el puzle de la verdad desde la orilla del cine negro, ahora en clave de drama preadolescente nos lleva a valorar las múltiples aristas que descuadran nuestras íntimas convicciones. No se trata sólo de hablar del mentir (aunque también), sino de mostrar cómo nuestros relatos se asientan en nuestras pruebas y por ello los tomamos y vendemos como ciertos. El problema es que cada percepción individual es meramente particular y no logra vislumbrar el tablero de lo universal. Todas nuestras verdades no son más que fabulaciones incompletas expuestas en primera persona. Sobre la parcialidad, los intereses creados, y la falta de certezas firmes, no cabe narración omnisciente, Koreeda lo sabe y por ello renuncia a ella legándonos a cambio su particular “Rashomon”. Monstruo es su relato más poliédrico, seguramente porque es contado desde el testimonio de cada personaje, cada uno con su propio retal de realidad. El juego de las perspectivas va a ser el único capaz de acercarnos a algo parecido a un sentido y significado último.
Nunca la ruptura de la linealidad temporal estuvo tan justificada, ya desde el propio título ¿Quién es el monstruo? Es la pregunta que nos formulan, y ahí no podemos dejar de tener un recuerdo para Mantícora de Carlos Vermut, nuestro director más nipón. Acabaremos sabiendo que ese interrogante no es más que la entradilla de un juego infantil, pero antes se habrá desplegado todo el drama. Dos hechos objetivos presiden la función, un incendio en el centro de la ciudad y un tifón por todo el territorio, de su valor metafórico podría hablarse largo y tendido, pero sólo lo insinuamos mimetizándonos con el director. Porque si algo domina magistralmente Koreeda es el lenguaje de la insinuación. Más allá de su poderío alegórico, las dos catástrofes pautan el tiempo, como aquel tren de Jim Jarmusch en Mystery Train (1989), su carácter absoluto (no dejan lugar a dudas) hace saber al espectador la simultaneidad de los relatos que nos son contados secuencialmente, todo está ocurriendo a la vez. El incendio y el tifón suplen y ejercen el papel de lo omnisciente. En el lapso que va de uno a otro, una madre acusará de malos tratos a un profesor, el profesor acusará de abusador a un hijo y dos niños, simplemente, verán florecer su amistad. Una amistad más íntima de lo que aceptan los estándares. El kaibutsu se renombra desde cada perspectiva y la fuerza insinuante del arte del director nos llenará de sospechas, para dejarnos la dura tarea de aceptar que nadie es plenamente culpable. Tarea dura porque es tanto como aceptar que tampoco nadie es completamente inocente.
Esta película cebolla esconde bajo sus capas un relato de autodescubrimiento que en su belleza aborda la abrumadora naturaleza del mundo. Y todo en medio de la incertidumbre. Monstruo explora las luchas internas de la aceptación de uno mismo y la búsqueda de significado en un mundo complejo y a menudo confuso. Hilando estas hebras sólo podía llegarse a ese final, quizás abierto, en el que habremos encontrado una única respuesta: todos tenemos derecho a ser felices en algún plano de la realidad. De las cenizas de la combustión y los sedimentos de la inundación, siempre habrá de brotar la posibilidad de regeneración. Monstruo nos renace.
SAW X (Kevin Greutert, 2023)
Vuelve John Kramer (Tobin Bell), el arquitecto original de la serie Saw que, cual profesor Franz de Copenhague pero con mucha más mala sombra, vuelve a la carga con sus ingeniosos artilugios y dispositivos con los cuales hacer sufrir a sus víctimas y, de paso, poner los nervios del espectador a flor de piel ofreciéndole el placer culpable de ser partícipe de la sesión de tortura. Y es que, definitivamente, los tipos que deciden estafar a John Kramer en esta cinta, escogen muy mal al anciano al que hacerle el tocomocho.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 15 de septiembre de 2023 *
EL SOL DEL FUTURO (Il sol dell’avvenire, Nani Moretti, 2023)
Italia. Duración: 95 min. Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella Fotografía: Michele D’Attanasio Música: Franco Piersanti Compañías: Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema Género: Comedia
Reparto: Nanni Moretti, Margherita Buy, Mathieu Amalric, Silvio Orlando, Barbora Bobulova, Jerzy Stuhr, Benjamin Stender, Elena Lietti, Blu Yoshimi, Francesco Rossini, Flavio Furno, Beniamino Marcone, Rosario Lisma, Francesco Brandi, Laura Nardi, Enrico Cerretti
Sinopsis: Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película. Pero entre su pareja en crisis (Margherita Buy), su productor francés al borde de la quiebra (Mathieu Amalric) y su hija que no le hace caso (Blu Yoshimi), ¡todo se ha puesto en su contra! Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.
Que el pesimista es sólo un optimista bien informado, nos lo dijo Benedetti desde su rincón de haikus, haciendo una finta entre los extremos que los psicologismos de hoy no alcanzan a vislumbrar. Visto desde el ángulo del uruguayo, el pesimismo no es sino una forma de optimismo, la que baraja mejor información y, por tanto, puede afrontar la adversidad con mejores sustentos. Ya Nietzsche había reunido en una misma oración pesimismo y fortaleza al hablar del héroe trágico, el único capaz de mantenerse jovial sabiendo que el destino siempre vence y corta el hilo. Y que por ello, precisamente, hay que enfrentarlo. Porque perdemos, luchamos. La larga ristra de alter egos con los que se ha desplegado Nanni Moretti a lo largo de sus filmes encajarían perfectamente entre las huestes de los optimistas informados.
Moretti es un trágico. Siempre lo ha sido, pero en El sol del futuro va un paso más allá y se arroga la capacidad de subvertir la lógica del acontecer. Su historia se acabará sustentando en las suposiciones, “y si…”, en un ejercicio de auténtica vida-ficción. Un final apoteósico que le ajusta las cuentas a la realidad al son de una tonadilla, más que circense, felliniana. Un pasacalle jubiloso que venga a Trotsky de la ruindad de Stalin y que hermana esta cinta con la tarantiniana Érase una vez en Hollywood (Once Upon a Time in Hollywood, 2019). Cine dentro del cine para poner en jaque(mate) lo real, lo dado, lo que fue, porque sólo usando el arte como herramienta con la que transmutar el pasado, podremos dejar paso a la promesa de futuro. Moretti, más subversivo que nunca, decide no hacer un filme sobre la muerte del cine, la muerte del arte, la muerte del amor, haciéndolo. Pero para fugarse por la escuadra. Él es el autor, él decide. Y quizás se va, pero lo hace con una amplia sonrisa.
Desde la secuencia de los créditos iniciales sabemos que estamos ante un monumento al cine clásico. Moretti se nombra (y se acepta) heredero de toda la tradición italiana, en especial de Fellini, y se lee la cartilla a sí mismo, con acidez vitriólica y autorrespeto a partes iguales. El sol del futuro es un auténtico repaso de esos que no dejan títere con cabeza. Por sus fotogramas desfilan los problemas del cine hoy, desde la zafiedad de algunas propuestas que no hacen más que repetir esquemas que no aportan, hasta el imperio Netflix que se extiende sobre 190 países, pasando por la llegada de capital oriental. La muela del director sigue sacándole punta a todo. Revisa que revisa, parece poner en entredicho sus propios principios. Y, sin embargo, el italiano gira y gira, ahora en patinete eléctrico, por las calles de Roma. Todas sus películas tienen algo de diario íntimo. Su querido diario. Ese que confiesa seguir escribiendo a su edad. Moretti continúa siéndose fiel a sí mismo, ahora con una mirada más humanista que nunca, la edad es un grado, con la misma vis cómica que le caracteriza y con un vigor que no languidece. Como en Palombella rossa (1989), se arranca por Battiato mientras ilumina un ideario para el futuro. “E gira tutto intorno alla stanza mentre si danza”. Danza.
Parece que con El sol del futuro Moretti consigue cumplir su sueño de Aprile (1998), ante una situación política crítica, filma un musical, aunque su protagonista no es un panadero trotskista sino un director maduro que elige situar su relato en el momento seminal en el que la historia podría haber enfilado otro rumbo: la Europa de 1956 con los tanques soviéticos sofocando la revuelta en Hungría. Y si… Pudo ser y, si existió la posibilidad, nada impide que la ficción dé la razón a Hegel cuando remata que todo lo racional es real. En la Italia de Meloni, sacar a bailar a Trotski es un acto de valentía política y estética. El sol del futuro es una de esas cintas que merecen el calificativo de necesarias. Poliédrica y precisa. Clásica y actual. Una pieza madura de un director que a sus setenta años alcanza un verdadero estado de gracia. Si el viaje del nadador de Cheveer se da en el tiempo y no en el espacio, también Giovanni, el director de la ficción de Moretti (que en realidad es él mismo) se desplaza en esa coordenada, pero no para llegar al vacío, sino para decidir poner lo pleno. Tras el ácido retrato de lo actual, llega la decisión, como Deus ex Machina, de fabular la utopía risueña. La voluntad de crear ha de ser capaz de doblegar al ser y, así, que donde habría de haber estado lo descarnado, tome su lugar lo solar. Es hora de bailar.
Cuando vi El rey pescador en su estreno en cines, al llegar la escena del baile en la estación central, deseé que aquello que contemplaban mis ojos no cesase nunca. Era joven. Ahora ya no lo soy, sin embargo, todavía guardo intacta la capacidad de arrobarme ante la belleza de una obra que por un momento se me antoja perfecta. Y desearía poder seguir escribiendo sobre El sol del futuro sin término. De su acendrado apartado actoral, su brillante dirección, degustar algunas secuencias que pueden llegar a figurar en las antologías, entretenerme en su banda sonora. Sobre todo su score, obra de un inspirado Franco Piersanti, que musicó el primer largo de Moretti y le ha ido acompañando desde entonces, y que en este su último filme muestra como nunca su carácter de discípulo (y asistente) de Nino Rota. Y seguiría y seguiría dando vueltas sobre mi columna como un derviche giróvago. Pero es hora de terminar con una recomendación encarecida: róbenle una hora y media a su vida y déjense seducir por la magia danzante de El sol del futuro. Me lo agradecerán.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 25 de agosto de 2023 *
NINJA TURTLES: CAOS MUTANTE (Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem, Jeff Rowe y Kyler Spears, 2023)
USA. Duración: 99 min. Guion: Seth Rogen, Evan Goldberg, Dan Hernandez, Benji Samit Música: Trent Reznor y Atticus Ross Fotografía: Kent Seki Compañías: Point Grey Pictures, Nickelodeon Animation Studios, Image Comics, Nickelodeon Movies, Paramount Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures Género: Comedia
Reparto: Micah Abbey, Shamon Brown Jr., Hannibal Buress, Rose Byrne, Nicolas Cantu, John Cena, Jackie Chan, Ice Cube, Natasia Demetriou, Ayo Edebiri, Giancarlo Esposito, Post Malone, Brady Noon, Seth Rogen, Paul Rudd, Maya Rudolph
Sinopsis: Después de pasar años apartados del mundo humano, los hermanos Tortuga se proponen ganarse el corazón de los habitantes de Nueva York y que les acepten como quinceañeros normales, llevando a cabo actos heroicos. Su amiga April O’Neil les ayuda a enfrentarse a un misterioso sindicato del crimen, pero pronto se ven superados ante el ataque de un ejército de mutantes que se abalanza sobre ellos.
Las Teenage Mutant Ninja Turtles aparecieron por primera vez en forma de cómic en 1984, de la mano de Kevin Eastman y Peter Laird, que tuvieron que financiar de su propio bolsillo la impresión del primer número. Eran unos personajes más adultos y violentos, que con su paso, primero a la televisión en forma de serie de animación y más tarde al cine, ya en imagen real, pasaron a ser aptos para todos los públicos, especialmente para los niños, que llenaron los cines y agotaron el merchandising que la franquicia generó. Pues bien, uno de esos niños, seguidor de las Tortugas desde que en 1990, con tan solo ocho años, viera la primera película, es Seth Rogen, productor y coguionista de Ninja Turtles. Caos Mutante, la nueva incursión cinematográfica de estos galápagos luchadores. No menos fan fue el director, Jeff Rowe, cuya infancia estuvo presidida por estos personajes, ya que como rememora, «pasaba mucho tiempo solo en mi habitación con esos juguetes. Eran una invitación a adentrarse en un mundo”. También Yashar Kassai, el diseñador de producción, recuerda que «Yo tenía sábanas y fiambreras. Estaba totalmente obsesionado”.
Así que, raro sería que con estos antecedentes, el film resultante fuera poco fiel al espíritu Turtle. Tanto es así que el resultado es una divertida película en la que los cuatro protagonistas son y se comportan como auténticos adolescentes, con sus problemas habituales, pero con la particularidad de tener caparazón y ser especialistas en lucha oriental. Y todo ello sin olvidar valiosos mensajes que nunca está de más recordar, como el valor de la amistad y el respeto al diferente.
El film, con aspiraciones a convertirse en serie, posee una animación realmente sorprendente y que, lejos de ser la habitual generada por ordenador, ha sabido resultar innovadora retornando a la fuente, a los cómics, tal y como deseaba su director, ofreciendo «la sensación de cómic dibujado a mano”. Con ese estilo los animadores disfrutaron de libertad extrema, pero también tuvieron que superar un inmenso reto: evitar la perfección. “Al principio, el comentario de Jeff [Rowe] que recibíamos más frecuentemente era: ‘Esto está bien, pero parece generado por ordenador’“, dice Anne-Claire Leroux. “Teníamos que salir de ese molde”, añade Jacques Daigle, jefe de animación de personajes “Con algo tan rígido como un ordenador, ¿cómo se crea algo que parezca natural y espontáneo? Teníamos que eliminar todo rastro de ‘animación’ de las elecciones que tomábamos”. Y lo han conseguido. El resultado posee una estética personal que sigue la estela de otros films de animación como la aplaudida Spider-Man: Across the Spider-Verse, consiguiendo extraer magia de la pantalla y algo, muy cercano al arte, en sus imágenes.
NO TENGAS MIEDO (Cobweb, Samuel Bodin, 2023)
USA. Duración: 88 min. Guion: Chris Thomas Devlin Música: Sofia Hultquist Fotografía: Philip Lozano Compañías: Lionsgate, Vertigo Entertainment, Point Grey Pictures. Distribuidora: Lionsgate Género: Terror.
Reparto: Lizzy Caplan, Antony Starr, Woody Norman, Cleopatra Coleman, Steffanie Busey, Anton Kottas, Debora Zhecheva, Jay Rincon, Luke Busey, Aleksandra Dragova
Sinopsis: Peter, de ocho años, vive atormentado por culpa de los misteriosos golpes provenientes del interior de la pared de su dormitorio. Sus padres insisten en que sólo están en su imaginación. A medida que el miedo de Peter se intensifica, empieza a creer que sus padres podrían estar escondiendo un terrible y peligroso secreto… y ¿Qué hay más aterrador para un niño que dejar de confiar en su familia?
Un niño retraído, posible víctima de malos tratos en casa y víctima de acoso escolar comienza a escuchar voces y ruidos en las paredes del antiguo caserón en el que vive. ¿Terrores nocturnos? ¿Fantasmas? ¿un amigo imaginario? Todo eso y mucho en No tengas miedo, un cuento perverso que es el primer largometraje dirigido por Samuel Bodin, creador, director y coguionista de Marianne, la serie de terror francesa que triunfó entre los fans del género. Con mucha influencia de los clásicos relatos de fantasmas victorianos y deudor del Poe de El corazón delator, en la que dice inspirarse, y La caida de la casa Usher, está escrito por Chris Thomas Devlin, responsable también del guion del denostado remake de La matanza de Texas (David Blue Garcia, 2022).
Con una primera parte soberbia. Profunda y sugerente, plena de sutilezas abiertas a diversas hipótesis, decae en su muy diferente parte final en la que, al parecer, resulta obligado dar forma y mostrar todo lo sugerido. Ganando en acción y perdiendo gran parte de su poder de sugestión. En todo caso se trata de una atmosférica cinta de terror que se encuentra algo por encima de la media y que además cuenta con un pequeño gran protagonista.
VAMOS DE ESTRENO *Viernes 18 de agosto de 2023 *
MI NOMBRE ES ALFRED HITCHCOCK (My Name Is Alfred Hitchcock, Mark Cousins, 2022)
UK. Duración: 120 min. Guion: Mark Cousins. Música: Donna McKevitt Compañía: Hopscotch Films Género: Documental
Sinopsis: Reexamen de la vasta filmografía y el legado de uno de los cineastas más grandes del siglo XX, Alfred Hitchcock, a través de la propia voz del director.
Como toda la obra de los genios y grandes creadores, siempre, por mucho que se conozca sobre ella, se descubre algo nuevo, un detalle, puede que definitivo o banal, pero en todo caso algo que siempre añade más riqueza. Mi nombre es Alfred Hitchcock no busca hacer grandes descubrimientos, pero su repaso de la obra del cineasta, ordenada en torno a seis constantes: la evasión, el deseo, la soledad, el tiempo, la plenitud y la altura; tiene la virtud de ilustrar esos lugares comunes mediante el análisis de las propias imágenes de sus filmes. Seis diferentes capítulos que surcan la obra del director británico desde sus inicios en el cine mudo, hasta su final en los años setenta, en una carrera que cubre la práctica totalidad de la historia del cine durante el siglo XX. Detalles, curiosidades y retazos biográficos analizados por la voz del propio director, bueno, no del todo, pues si bien la narración, en su versión original, está realizada como si fuera el propio mago del suspense el comentarista, pronto descubriremos que en realidad se trata de la voz de un actor imitándola, eso sí, con observaciones y declaraciones realizadas por el cineasta durante su abultada carrera.
Todo ello en un ameno documental, necesario para las nuevas generaciones que no conocen al creador de Psicosis; interesante para el que la conoce y, en todo caso, una buena excusa para revisar la carrera de Hitch, o lo que es lo mismo, de revisar la evolución del lenguaje cinematográfico desde sus albores mudos hasta el «glorioso» Technicolor, pasando por (falsos) plano-secuencia y experimentos en 3-D. Pues todo, absolutamente todo, ya lo hizo Alfred Hitchcock antes y todo, absolutamente todo, lo hizo mucho mejor. Ofreció en sus películas varias capas de lectura que convertian sus obras en las favoritas de todo tipo de público: una más superficial y directa, puro disfrute cinéfago y otra más oculta, reservada a los más observadores, puro placer cinéfilo.
VAMOS DE ESTRENO * Jueves 20 de julio de 2023 *
OPPENHEIMER (Christopher Nolan, 2023)
USA. Duración: 180 min. Guion: Christopher Nolan basado en el Libro ‘American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer’ de Kai Bird, Martin J. Sherwin Música: Ludwig Göransson Fotografía: Hoyte van Hoytema Productoras: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Syncopy Production, Gadget Films. Distribuidora: Universal Pictures Género: Drama
Reparto: Cillian Murphy, Emily Blunt, Robert Downey Jr., Matt Damon, Florence Pugh, Kenneth Branagh, Rami Malek, Casey Affleck, Ben Safdie, Josh Hartnett, Dane DeHaan, Jason Clarke, Jack Quaid, Alden Ehrenreich, David Krumholtz, Matthew Modine
Sinopsis: Biopic que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja que atravesó el físico J. Robert Oppenheimer, desarrollador de la bomba atómica, un enigmático personaje que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.
La pregunta que más odia Cristopher Nolan es aquella que le pide opinión sobre qué es el cine. El británico-estadounidense considera que sólo se la formulan quienes quieren negar la esencia del séptimo arte, y él les niega la mayor: ni siquiera las generaciones más jóvenes ignoran qué es el cine. “Todos sabemos exactamente lo que son las películas igual que sabemos lo que es el teatro, o lo que es un disco y un tocadiscos. Claro que todos sabemos lo que es el cine. Algunos sólo quieren negar lo que es el cine porque quieren robar parte de su magia y vendértela de otra manera” Así lo afirma categóricamente ante la prensa y concluye: “tengo mucha fe en el atractivo a largo plazo del cine porque es un medio único”. El cine es una experiencia íntima que se vive en compañía. Un espectáculo que apela a la empatía, al contagio de emociones, al goce colectivo, por eso hay que vivirlo en la sala y por ello, él, Nolan, hace películas pensadas directamente para ser vistas en esas condiciones. Oppenheimer vuelve a confirmarlo.
Tan admirado como odiado, este realizador no deja a nadie indiferente, con un cine que es show, pero que también obliga a la reflexión, pone a prueba nuestra atención y no nos lo hace fácil. Quizás no esté hecho para todos (de hecho en EE.UU. ha recibido la calificación R) y se diría que él es consciente de que algunos querrán ponerle en la picota (de nuevo) y otros, simplemente, no sabrán qué han visto. Christopher Nolan no conoce el término medio, que es tanto como decir que no entiende de medianías. Por eso busca crear con la mayor libertad posible (esa es la razón de que haya abandonado a Warner) y hasta ahora siempre se ha podido dar el gusto. Ha rodado Oppenheimer buscando la máxima espectacularidad con las cámaras de mayor resolución disponibles: una combinación de IMAX 65 milímetros y Panavisión 65 milímetros que posteriormente se proyecta en 70 milímetros. No ha buscado la simplicidad de un relato lineal, la secuencia temporal está siempre fragmentada (esto es marca de la casa, por lo menos, desde Memento). En el apartado visual cada fotograma de tiene unos 18.000 píxeles de resolución, diez veces más que nuestras pantallas HD, ha prescindido en la medida posible de los CGI, mientras que los efectos prácticos salpican aquí y allá la narración aportando significado a un relato que se cuenta desde dos perspectivas, la subjetiva y la objetiva, con la única pista del tratamiento del color para diferenciarlas. Si hay que usar el Blanco y Negro, se usa. Una estructura compleja que barrerá a muchos, de entre los que no faltarán los que volverán a hablar de su carácter megalómano, como si no estuviera justificado cada recurso que emplea. Pero es que la de Nolan no ha sido nunca una narrativa sencilla, su última cinta no iba a ser una excepción, de algún modo vuelve a parecer que todo su cine conducía a ella. Y dura tres horas, todo un reto para el espectador. Porque también la duración está pensada para abrumar.
Cillian Murphy as J. Robert Oppenheimer (This still is an 11K scan of a 70mm B&W IMAX film frame)
Tres intensas horas que pasan volando, eso sí, pues todo está medido para que así sea en este biopic, con ritmo de thriller, que capta la atención del espectador y ya no la suelta hasta su conclusión. Entraremos (o creeremos entrar) en la mente de este moderno Prometeo. Y lo haremos yendo hacia adelante y hacia atrás, partiendo de una investigación encubierta del Comité de Actividades Anti-americanas, que tantos dolores de cabeza dio a los intelectuales de izquierda durante el Macartismo. Una época oscura, ideal, también, para la venganza personal. También asistiremos al nacimiento, con su trágica culminación, del Proyecto Manhattan. Por su estructura y por su nivel de penetración en la biografía personal y científica del protagonista, requiere de atención para desentramar la maraña de intrigas política y diplomáticas que se organizarán alrededor del protagonista para neutralizar su molesta influencia: la de un hombre que se sabía creador de una fuerza que lejos de traer el equilibrio, inició una carrera entre las potencias protagonistas de la nueva contienda que se inició tras las dos explosiones en Japón (esto es, la Guerra Fría). No es un retrato hagiográfico, pues también veremos los claroscuros de su personalidad, seremos testigos de la facilidad que el “padre de la bomba atómica” (tal y como los bautizaron en la portada de Time) tenía para atraer a mujeres brillantes, pero mentalmente inestables. Y es que no estamos ante una obra triunfalista, la guerra se venció por intimidación y a costa de generar la capacidad de autodestrucción real para nuestra especie. Es, eso sí, un film de redención, género al que tan aficionado parece ser Hollywood y en general Estados Unidos: Oppenheimer, tras ser elevado a los altares y posteriormente crucificado por el Congreso bajo la sospecha de ser comunista, obtendrá al final de su vida el reconocimiento merecido. Como hicieran con Chaplin y tantos, tantos otros.
Oppenheimer cuenta con un impresionante plantel artístico. Como si ningún actor, por minúsculo que fuera su papel, fuese capaz de rechazar formar parte de este proyecto, que en diversos casos, convierte el físico del actor, en una irreconocible máscara. Todos ellos están magníficos: desde los protagonistas, Cillian Murphy y Emily Blunt, al resto del reparto, cargado de veteranos como Kenneth Branagh, Robert Downey Jr., Matt Damon y Gary Oldman, pero también con parte de la más brillante hornada de actores modernos, como la estupenda Florence Pugh, Jason Clarke, Rami Malek o Casey Affleck, que hace una inquietante aparición. Nolan siempre ha sabido, como guionista, dibujar personajes matizados y redondos y, como director, ha sabido sacar siempre lo mejor de sus actores. Y en su último trabajo, que él define como un cuento con moraleja muy instructivo sobre muchas cosas que están pasando ahora mismo, ha vuelto a conseguirlo.
Oppenheimer es una cinta oportuna (que no oportunista), vivimos inmersos en una atmósfera de crisis e incertidumbre, asediados por el calentamiento global, inquietos por el desarrollo de la IA que, de momento, ya ha sido responsable de la mayor huelga de guionistas y actores en Hollywood y que ha sembrado sospechas entre los expertos y divulgadores científicos. Son problemas emergentes que todavía pueden paliarse (al menos Nolan tiene un cierto optimismo hacia ello). La fuerza atómica, no. La Guerra de Ucrania y el ascenso de los nuevos fascismos, esos movimientos ultras de los que ni siquiera la democracia estadounidense está a salvo (ahí está el asalto al Congreso), han dibujado un paisaje en el que la amenaza atómica vuelve a remontar y ya no es improbable. Oppenheimer mira hacia otro momento en el tiempo, pero porque sobre ese pasado se movían ya algunas de las dialécticas de nuestro presente, y, así, pone al descubierto la relación entre la ciencia, el Gobierno y los medios de comunicación, ese triángulo profano, esa alianza profana; la del físico americano es una historia sobre la responsabilidad (de los individuos y de las instituciones) y nuevamente estamos en ese debate. Para Nolan, “vivimos un ‘momento Oppenheimer’. De nuevo, estamos ante un problema de responsabilidad. Como creadores, como científicos y como tecnólogos la pregunta que debemos hacernos es: ¿cuáles son nuestras responsabilidades?” Y ahora ya sabemos que tenemos a nuestro alcance los recursos para autodestruirnos si no frenamos la crispación reinante. Oppenheimer hizo una apuesta, aceptar desarrollar la madre de todas las bombas con la esperanza de que, un arma con potencial suficiente para aniquilarnos, seria suficientemente disuasiva y supondría, paradójicamente si se quiere, el fin de la devastación mortífera, el fin de las guerras. Una ilusión que duró poco: “no ha sido así ni lo será. Se puede aducir en contra que significó el fin de la Segunda Guerra Mundial, pero ese escenario donde solo una potencia tiene la bomba ya no existe. Y es ahora cuando volvemos al mito de Prometeo. Robar el fuego a los dioses lleva consigo una tortura por toda la eternidad. Y ahí estamos. Como se suele decir, no se puede volver a meter la pasta dentro del tubo”.
Todo esto es lo que se baraja en el subtexto de una película que ya ha levantado grandes expectativas entre el público por su colosalismo. La emoción del cine de feria la rodea, pero Oppenheimer quiere además hacernos pensar. Y lo hace, pero sin dar lecciones. Lo primero y más importante en el cine es contar una gran historia, Nolan lo tiene claro. Y Oppenheimer es, probablemente, la más dramática que el director nos ha contado. Cine inmersivo. Cine reflexivo. Cine.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 12 de Julio de 2023 *
MISIÓN: IMPOSIBLE- SENTENCIA MORTAL PARTE I (Mission: Impossible – Dead Reckoning – Part One, Christopher McQuarrie, 2023)
USA. Duración: 156 min. Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen Música: Lorne Balfe Fotografía: Fraser Taggart Compañías: Bad Robot, Paramount Pictures, Skydance Productions, New Republic Pictures, TC Productions Distribuidora: Paramount Pictures Género: Thriller
Reparto: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt, Cary Elwes, Mark Gatiss, Indira Varma, Rob Delaney
Sinopsis: Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI, se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.
Hubo una época en la que las películas del agente británico con licencia para matar eran lo más de lo más en cuanto a persecuciones, emoción y, en definitiva, en llegar más lejos que nadie y en hacerlo todo más difícil y espectacular. Eso terminó cuando llegó Misión: Imposible.
Inspiradas en una de las grandes series de los años sesenta, la franquicia cinematográfica Misión: Imposible, que se inició hace casi 20 años, en 1996 con una primera entrega dirigida por Brian de Palma, no ha hecho más que superarse hasta llegar a esta séptima y espectacular Sentencia mortal de casi 3 horas y primera de una historia dividida en dos.
Para los que son seguidores de la serie poco puede añadirse. Misión: Imposible. Sentencia Mortal es puro cine de entretenimiento, pero no unicamente de mamporros, se toma la molestia de ofrecer una trama, una intriga que hace falta seguir y que, junto a la espectacularidad de sus escenas, consigue que el espectador no quite ojo de la pantalla y pase una buena tarde en el cine durante la cual, incluso, y a pesar de su duración, nada perturbará su atención. Incluida su castigada vejiga.
Para otro lugar quedan las suposiciones y teorías sobre el pacto diabólico de eterna juventud que parece haber realizado Tom Cruise y su participación en las escenas de acción, todo lo cual, la verdad, no influye en la que tiene todos los números de ser la película de este verano. O mejor dicho, la película que inaugura este verano.
Vamos de estreno * Viernes 7 de julio de 2023 *
REPOSO ABSOLUTO (Bed Rest, Lori Evans Taylor, 2022)
USA. Duración: 90 min. Guion: Lori Evans Taylor Música: Chris Forsgren Fotografía: Jean-Philippe Bernier Compañías: BondIt, Buffalo 8 Productions, Project X. Distribuidora: STXfilms Género: Terror
Reparto: Melissa Barrera, Guy Burnet, Kristen Harris, Erik Athavale, Kristen Sawatzky, Frederick Allen, Lorrie Papadopoulos, Edie Inksetter, Paul Essiembre, Marina Stephenson Kerr, Stephanie Sy
Sinopsis: Tras años luchando por formar una familia, Julie Rivers (Melissa Barrera) está embarazada de nuevo y se muda a una nueva casa con su marido. Al recibir la orden del médico de guardar reposo absoluto, Julie comienza a sufrir unas aterradoras experiencias fantasmales que despertarán sus demonios del pasado y le harán preguntarse si su casa está embrujada o está todo en su cabeza. Atrapada y obligada a enfrentarse a su pasado y a lo sobrenatural Julie tendrá que luchar por protegerse a sí misma y a su bebé a punto de nacer.
Desde siempre el cine de terror ha capturado pequeños y grandes dramas femeninos cotidianos y los ha convertido en aterradores thriller psicológicos. Vienen a la memoria obras de tan profundo calado como La semilla del diablo o Repulsión, de Polanski, en las cuales el trasfondo sicológico de la torturada protagonista sirve para construir una historia de terror que podría, o no, ser real o, tan solo, estar en la mente del personaje.
Reposo absoluto, de la directora y guionista neoyorquina Lori Evans Taylor (Wicked Wicked Games), podría enmarcarse en esta catogoría, pues partiendo de un embarazo complicado que inmoviliza en cama a la protagonista, construye una atmosférica e íntima historia de terror que no duda en utilizar recursos habituales en las películas de fantasmas y casas embrujadas.
En palabras de la directora: “El género de terror siempre ha sido una parte importante de mi vida. Hace unos años, mi marido y yo sufrimos una trágica pérdida. Aunque tuve la suerte de recoger los pedazos, mi experiencia finalmente me puso en contacto con otras mujeres que habían sufrido tragedias similares. Este fue el origen de ‘Reposo absoluto’. En su esencia, es una historia sobre la naturaleza enloquecedora y tóxica del dolor y cómo tiene la capacidad de destruir… o empoderar. En lugar de explorar el tema a través del drama, me fuí al género que conozco y amo mejor: el terror. Está inspirada en clásicos thrillers de terror psicológico como La Semilla del Diablo (1968), El Orfanato (2007), Los Otros (2007) o Cisne Negro (2010).”
Protagonizada solventemente por Melissa Barrera (En un barrio de Nueva York, Scream), si de algo peca el film es de su piadoso final, esperanzador y bello, desde luego, pero algo rebuscado que lleva al espectador a otros filmes como Mamá (Andy Muschietti, 2013), y a su, mucho mejor resuelta, conclusión.
Vamos de estreno * Jueves 6 de julio de 2023 *
TE ESTOY AMANDO LOCAMENTE (Alejandro Marín, 2023)
Reparto: Ana Wagener, Omar Banana, Alba Flores, Jesús Carroza, Lola Buzón, Mari Paz Sayago, La Dani, Pepa Gracia, Carlos Bernardino, Alicia Moruno, Ignacio de la Puerta, Eloína Marcos, Enara Prieto
Te estoy amando locamente, primer largometraje que dirige Alejandro Marín tras la reconocida serie Maricón perdido, aborda el nacimiento del movimiento LGTBIQ+ en la Sevilla de los años setenta, y lo hace desde dos frentes, por un lado un adolescente (Omar Banana), que ve confirmada su identidad de género cuando entra en contacto con otros activistas, y su madre (Ana Wagener), a la que le costará aceptar la sexualidad de su hijo, a pesar de saber perfectamente cual es su naturaleza.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de junio de 2023 *
UNICORNIOS (Unicornis, Àlex Lora, 2023)
España Duración: 93 min. Guion: Pilar Palomero, María Mínguez, Àlex Lora, Marta Vivet Música: Isabel Latorre Fotografía: Thais Català Compañías: Inicia Films, Jaibo Films, TV3 Género: Drama
Reparto: Greta Fernández, Nora Navas, Elena Martín, Alejandro Pau, Pablo Molinero, Lídia Casanova, Eudald Font, Christian López Lamelas, Emma Arquillué, Melissa Fernández
Sinopsis: Isa lo tiene todo. Es inteligente, guapa y segura de sí misma. Feminista y poliamorosa, defiende su vida con pasión. Cuando Guillem le propone ser una pareja monógama, Isa no está segura de querer cambiar su vida y, ante su falta de decisión, Guillem decide romper la relación. Viviendo en un mundo de apariencias y comodidades, sus contradicciones salen a la luz y su universo se va desmoronando a golpe de ‘likes’ y juicios morales en esta telaraña en la que se han convertido las redes sociales.
Confieso que lo que más me atrajo de Unicornios era, como un, más o menos, retrato generacional, que me ayudara a intentar comprender cómo piensa la actual juventud, totalmente dominada por las redes sociales y su presencia constante en ellas. Y lo que me he encontrado no me ha sorprendido: hedonismo, narcisismo, poliamor, egoismo vital y adolescencia eterna. Falta de compromiso y una protagonista, sobriamente interpretada por Greta Fernández, que lo quiere todo, a la vez, y sin privarse de nada. Con una acción que se desarrolla en universos creativos de diseño como de ciencia-ficción en los que el alcohol, el sexo y las drogas campan a sus anchas y en los que la libertad y el feminismo se mide por la embergardura del vello subaxilar. Todo un mundo de pose aliñado con términos tan habituales como sostenible, vegano o vintage…
Pero, una vez vista, casi se diría que el mensaje que trasmite o quiere trasmitir el director, Àlex Lora en su primera película, es moralizante. Con su protagonista recibiendo varias bofetadas de realidad, ciertamente, eso sí, necesarias. Como el mismo Lora destaca, su film explora «a través de los ojos de Isa –y de su particular mirada- las limitaciones de una urbanita Millennial en una realidad inagotable. El sin fin de posibilidades que se abren frente a ella y la oportunidad de prácticamente probarlo todo, quizás la lleve al borde de quedarse sin nada.»
Aún ando buscando al unicornio al que hace referencia el título de este film que tuvo su première en el Festival de Cine de Málaga y que, además de Greta Fernández, cuenta con la participación de Elena Martín, Alejandro Pau, Nora Navas, Pablo Molinero y Lidia Casanova. Producida por Inicia Films (‘20.000 especies de abejas’, ‘Las niñas‘, ‘Uno para todos‘, ‘Estiu 1993‘) y Jaibo Films (‘Espíritu Sagrado‘), la película cuenta con una banda sonora compuesta por temas de Marina Herlop, C. Tangana, Myoboku, Novedades Caminha y AphexTwin entre otros.
VAMOS DE ESTRENO * VIERNES 16 DE JUNIO DE 2023 *
UPON ENTRY (LA LLEGADA) (Juan Sebastián Vázquez y Alejandro Rojas, 2022)
España. Duración: 77 min. Guion: Alejandro Rojas, Juan Sebastián Vásquez Fotografía: Juan Sebastián Vasquez Compañías: Zabriskie Films, Basque Films, Sygnatia, TV3 Género: Drama
Reparto: Alberto Ammann, Bruna Cusí, Laura Gómez, Ben Temple, Gerard Oms
Sinopsis: Diego (Alberto Ammann), urbanista venezolano, y Elena (Bruna Cusí), bailarina de Barcelona, se mudan a Estados Unidos con sus visados aprobados para empezar una nueva vida. Su intención es impulsar sus carreras profesionales y formar una familia en «la tierra de las oportunidades». Pero al entrar en la zona de inmigración del aeropuerto de Nueva York son conducidos a la sala de inspección secundaria, donde serán sometidos a un desagradable proceso de inspección.
Upon Entry es un perfecto thriller psicológico. De esos que saben jugar con el espectador, que irá averiguando los secretos y miedos de los dos protagonistas, retenidos en el aeropuerto de Nueva York comprobando como el infierno se puede desatar, por ejemplo, en una ventanilla de visados. Con un agotador crescendo, la acción se desarrolla en diferentes dependencias del aeropuerto en las cuales los protagonistas, pero también los espectadores, entrarán en constante tensión gracias a un tan implacable como bien medido ritmo, con el cual el director ha sabido contar una historia que no sería creíble de no contar con la impecable labor de la pareja protagonista, formada por Alberto Ammann y, sobre todo, Bruna Cusí, que consiguen trasmitir los cambios que van sufriendo sus personajes, su descenso a los infiernos.
En esta película, con la que debutan brillantemente ambos directores, todo está medido, también la duración del film, cuyos agradecidos 82 minutos demuestran ser perfectos para narrar la terrorífica peripecia, sin que haga falta incidir en los excesos tan en boga en el cine actual, con duraciones, en su mayor parte innecesarias, que tan solo consiguen agotar al espectador… y poner a prueba la resistencia de su vejiga.
EL FANTÁSTICO CASO DEL GOLEM (Burnin’ Percebes, Nando Martínez, Juan González, 2023)
España. Duración: 95 min. Guion: Burnin’ Percebes, Nando Martínez, Juan González Música: Sergio Bertran Fotografía: Ion De Sosa Compañías: Aquí y Allí Films, Sideral Films. Distribuidora: Elamedia Estudios Género: Comedia
Reparto: Brays Efe, Bruna Cusí, Luis Tosar, Anna Castillo, Javier Botet, Roger Coma, Nao Albert, Roberto Álamo, David Menéndez, Tito Valverde, Clara Sans, Vanessa Castaños, Mario Mayo, Héctor Abad
Sinopsis: Tras una noche de fiesta, David (David Menéndez) se precipita borracho desde una terraza ante la impotente mirada de su amigo Juan (Brays Efe). El cuerpo de David impacta contra el capó de un coche desintegrándose en mil pedazos, pero como nadie parece escandalizarse, Juan se propone descubrir qué ha pasado. Y así, se ve inmerso en un laberinto de amores fugaces, amistades irrompibles y pianos que caen del cielo.
De nuevo Bruna Cusí es protagonista, aunque en esta ocasión de una propuesta totalmente alejada de la anterior, con un film que en la pasada edición del Festival de Málaga irrumpió en la sección oficial con un post humor, no apto para todos los públicos, pero ciertamente refrescante y que no dejó indiferente a nadie.
La que sin duda será la comedia más original del verano cuenta con un espectacular reparto encabezado por Brays Efe, Bruna Cusí, Javier Botet, con la colaboración de Anna Castillo, Luis Tosar, Roberto Álamo y Tito Valverde. Completan el elenco Roger Coma (‘La Reina de los Lagartos’), Nao Albet (‘La Ruta’), David Menéndez (‘Antidisturbios’), Clara Sans (‘Cardo’) y Aimar Vega (‘Modelo 77’).
Repetimos, un film agradable pero con un humor muy personal con el cual el espectador podrá, o no, conectar y que sus directores han rodado en 16 milímetros (recordemos que el anterior largometraje de Burnin’ Percebes, La Reina de los Lagartos, además de estar protagonizado también por Bruna Cusí y Javier Botet, se rodó íntegramente en súper-8).
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 9 de junio de 2023 *
EL MAESTRO JARDINERO (Master Gardener, Paul Schrader, 2022)
USA. Duración: 111 min. Guion: Paul Schrader Música: Devonte Hynes Fotografía: Alexander Dynan Compañías: Kojo Studios, Curmudgeon Films Género: Thriller.
Reparto: Joel Edgerton, Sigourney Weaver, Quintessa Swindell, Esai Morales, Eduardo Losan,Victoria Hill, Esai Morales, Rick Cosnett, Rick Cosnett, Amy Le, Erika Ashley
Sinopsis Narvel Roth (Joel Edgerton) es el meticuloso horticultor de Gracewood Gardens. Está tan dedicado a cuidar los jardines de esta maravillosa e histórica finca como a complacer a su jefa, la rica viuda Sra. Havernhill (Sigourney Weaver). Muy pronto, el caos se apodera de la ordenada existencia de Narvel cuando la Sra. Havernhill le exige que tome como aprendiz a su rebelde y problemática sobrina nieta Maya (Quintessa Swindell). Esta nueva situación va a sacar a la luz oscuros secretos de un pasado violento que también es una amenaza para todos.
la nueva película de Paul Schrader es una de esas películas que pueden calificarse como de otra época. Reina la paz, la belleza y la parsimonia. Algo que parece irritar o aburrir al espectador actual. En El maestro jardinero hay un orden natural y una cadencia regular. Es lo que tiene la jardinería, que puede ser terapéutica. Pero como todo, no está exenta de sombras. Así que progresivamente aflorarán (continuamos en el jardín), oscuros secretos del pasado. Como purgones en los tallos.
El film de Scharder nos conquistó desde los títulos de crédito. Ya el que los tenga, en estos tiempos veloces puede ser calificado de raro. Como de otra época. Al igual que la forma de narrar del director, que se detiene en captar todos los detalles de ese enorme jardín, en el que conviven diferentes especies en completa armonía.
El maestro jardinero contiene los conceptos que tan bien maneja el guionista y realizador: la culpa y la redención, pero con la novedad de que los años parecen haber suavizado el carácter negativo y pesimista de sus personajes y, por ende, de Schrader. Protagonizado por Joel Edgerton, Sigourney Weaver y la joven actriz Quintessa Swindwell (Euphoria), El maestro jardinero culmina la involuntaria trilogía de películas que comenzó en 2017 con El reverendo y siguió con El contador de cartas (2021).
El film tuvo su estreno mundial durante la última edición de la Mostra de Venecia, donde Schrader recibió un más que merecido León de Oro honorífico por toda su carrera.
LA DESCONOCIDA (Pablo Maqueda, 2023)
- España. Duración: 88 min. Dirección: Pablo Maqueda Guion: Pablo Maqueda, Haizea G. Viana, Paco Bezerra Música: Elena Hidalgo Fotografía: Santiago Racaj Compañías: Formula Cine, Elamedia Estudios, La Fragua Audiovisual, ICAA, Telemadrid, ECAM. Distribuidora: Filmax Género: Thriller
- Reparto: Laia Manzanares, Manolo Solo, Eva Llorach, Blanca Parés, Vega Céspedes, Inés Fernández
De origen teatral, algo que resulta obvio, La desconocida, segunda cinta de Pablo Maqueda (Madrid, 1985), se adentra en el oscuro mundo de la pederastía, del abuso de menores mediante internet. Concretamente del denominado grooming, nombre, precisamente, de la obra de teatro original de Paco Bezerra en la que se basa el film. En La desconocida asistiremos a un intenso juego de poder entre el acosador y la acosada que tendrá lugar en un único escenario: un paradojicamente claustrofóbico bosque, en el cual pronto surgirán nada gratuítas referencias a Alicia en el país de las maravillas y al universo cinematográfico de Hitchcock.
Nada será lo que aparenta y todos los personajes tendran su propio misterio, mientras surgen extrañas parafilias y aumenta la incomodidad del espectador… Y hasta ahí podemos contar, pues como advierte la promoción del film, muy influida también por el mago del suspense, no conviene desvelar la trama ni los secretos de sus personajes.
Protagonizada por Laia Manzanares (El reino), Manolo Solo (ganador del Goya al mejor actor de reparto por Tarde para la ira) y Eva Llorach (ganadora del Goya a la mejor actriz revelación por Quién te cantará), La desconocida, rodada entre Madrid y Albacete, fue premiada en el Mercado Audiovisual de Cine Independiente Abycine y llega a nuestras pantallas tras su paso por la Sección Oficial del Festival de Málaga y el BCN Film Fest.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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