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Archive for the ‘FANTATERROR’ Category

Marc Gras adapta y dibuja ‘Licántropo’, una aventura de Waldemar Daninsky

Como amigo que consideramos a Marc Gras, nos gusta que le vaya bien su trabajo. Y además nos gusta que trabaje porque nos gusta lo que hace. Ya sea editando películas y libros, como escribiéndolos o dibujando comics. Así que cuando nos enteramos que estaba adaptando, ni más ni menos, que una película de Paul Naschy,  nuestra felicidad fue completa y nos prometimos que esto, nos lo tenía que contar. Y aquí está la entrevista que tan amablemente nos ha contestado, con imágenes que les convertirán, también a ustedes, en incondicionales seguidores del trabajo de Marc. 

¿Qué editorial te encargó adaptar Licántropo y cómo nace el proyecto?

La adaptación al cómic de “Licántropo” es un proyecto de Sparkle Comics (dentro de su sello Blood Scream Comics), una pequeña editorial de Dayton, Ohio, especializada en adaptaciones al cómic de pelis de terror de bajo presupuesto y cine underground y otros proyectos independientes.

¿Fue iniciativa tuya adaptar una película de Paul Naschy o parte de una idea del editor americano?

Fue idea de Matthew Brassfield, el editor y co-fundador de Sparkle. Matthew es un gran fan de Paul Naschy y del cine de hombres-lobo y hacer cómics de pelis de Paul Naschy ha sido su sueño durante años.

¿Cómo llegas a esta editorial? ¿Habías trabajado ya con ellos con anterioridad?

Conozco a Matthew desde hace años, desde antes de que fundara Sparkle Comics, ya que él es productor de cine underground de terror y un gran fan de los cómics, del cine fantástico, de la Troma, del heavy rock y de muchas cosas que tenemos en común. Cuando fundó Sparkle simplemente me preguntó si me gustaría dibujar algún cómic para ellos y respondí que encantado. En 2017 hice para ellos la adaptación al cómic de la peli de 1973 “No miréis en el sótano”, que se publicó como número unitario. Luego adapté “La posesión del Diablo” (1972), que todavía no se ha publicado. “Licántropo” es el tercer cómic que hago para Sparkle.

¿Cómo es trabajar para el mercado americano? ¿Cómo entras en ese difícil mercado?

En mi caso me siento súper cómodo. Por el momento no trabajo para grandes editoriales, sino para editores pequeños que me dan mucha libertad y me presionan muy poco, por lo que la mayoría de las veces puedo hacer las cosas al ritmo que necesite. Empecé a trabajar con unos y con otros a través de diferentes vías; a Matthew ya le conocía anteriormente, pero con otros como Broken Icon Comics y su editor, Eric Watkins, fue tras mandar unas muestras a su director de arte. Para Broken Icon estoy realizando dos series. Ahora mismo también estoy dibujando la serie limitada “The Inevitable Silence”, para Pinwheel Press. En este caso fue el editor y guionista, Craig Partin, que se puso en contacto conmigo para ofrecerme el proyecto tras descubrir mi web.

Los guiones son tuyos también o te los enviaron?

Los guiones son míos. Matthew me dice siempre el espacio del que dispongo, si es un solo número unitario o una serie limitada o lo que sea, y yo me lo monto. Hasta ahora todo lo que hecho para Sparkle lo he guionizado yo, además de hacer el lápiz, la tinta y la rotulación, pero de cara al futuro sí que hay proyectos en los que ellos van a facilitarme un guión.

¿Hay en proyecto adaptar en cómic alguna película más de Paul Naschy o de terror español?

Sí, como digo Matthew es un enamorado de Paul Naschy y su objetivo es publicar adaptaciones al cómic de todas las pelis de hombres-lobo de Naschy. Me consta que también le encantaría hacer cómics con los templarios de Ossorio, pero según me ha contado, los derechos para USA, en este caso, son más complicados de obtener.

¿Por qué concretamente ‘Licántropo’?

Le hice esta misma pregunta a Matthew cuando me encargó el proyecto y su respuesta fue muy clarificadora: “Es un punto de inicio genial ya que Licántropo es una de las pelis de Naschy peor valoradas.” Si uno de los objetivos de Sparkle es publicar adaptaciones al cómic de pelis que nadie más haría, seguramente “Licántropo” es una de las mejores opciones.

¿Cómo has afrontado el estilo de dibujo y tu trabajo a la hora de adaptar la película?

He querido mantener un estilo clásico, tanto en el dibujo como en el guión, y he intentado ser lo más fiel posible a la película. La verdad que me lo he pasado genial haciendo este cómic.

¿De cuantas entregas constará la serie? ¿Cuál será la cadencia de salida?

“Licántropo” es una serie limitada de 2 números. El primero sale a la venta en USA a finales de marzo y el segundo, si nada cambia, saldrá a principios de Junio.

¿Sabes si los lectores españoles podrán comprarlo en alguna tienda o mediante Amazon?

Sí, lo pueden comprar directamente a Sparkle Comics mandando un e-mail a asksparklecomics@gmail.com También estará disponible en Ebay y Etsy. La web de Sparkle es sparklecomics.com y también tienen Facebook y Twitter.

¿Sabes si podría haber alguna editorial estatal interesada en traducirlos y editarlos en España?

¡Ojalá! Aunque entiendo que sería un proyecto muy minoritario. El año pasado hice un poco de sondeo con el cómic de “No miréis en el sótano”, pero no hubo interés. Tal vez con “Licántropo” haya más suerte.

¿Personalmente qué opinas del cine de Paul Naschy? Si te gusta ¿Qué es lo que te atrae de él?

El cine de Paul Naschy es inmortal. Como todo el mundo, tengo películas que me gustan más y películas que me gustan menos, pero ver a Paul Naschy en la pantalla es siempre una maravilla.

¿Cómo ves el mercado español del cómic?

Mi relación con el mundo del cómic español, como autor, se limita casi a los fanzines. En el pasado sí que trabajé como editor de cómics aquí y desde esa perspectiva lo veía un mercado muy difícil, en el que se volcaban muchas esperanzas, mucho trabajo, mucho esfuerzo y mucha inversión por parte de autores, editores y distribuidores pero que daba frutos muy escasos. Sobretodo dentro del mundo del cómic independiente, que es el que yo conocí de primera mano. Lamentablemente, pienso que aquí no hay suficientes lectores para mantener una industria que funcione de forma regular; y no tiene nada que ver con que se publiquen unas cosas u otras. Simplemente no hay suficiente público. Una editorial como Sparkle Comics o como Broken Icon, por ejemplo, dudo mucho que pudiera subsistir en España.

¿Tienes algún proyecto más relacionado con el cómic fantástico y de terror que quieras compartir

Tengo mil proyectos entre manos. Solo espero poder tener tiempo para hacer algunos de ellos más pronto que tarde mientras sigo trabajando en diferentes encargos y adaptando pelis al cómic. Me lo paso realmente bien haciendo este tipo de cómics. En cuanto a Sparkle, tengo el calendario lleno para los próximos dos años con adaptaciones al cómic de pelis como “Evil Toons” (1990), “The Barn” (2016), “El Asesino del Taladro” (1979) y un clásico de 1970 escrito por Paul Naschy del que no puedo decir aún el título.

Recomiéndonos un cómic, un libro y una película que te haya agradado

Buf, escoger solo un título de cada es muy difícil, pero uno de los mejores cómics que he leído últimamente es “Paletos Cabrones”, de Jason Aaron y Jason Latour. Una novela que me ha gustado mucho también, y que he descubierto hace poco (aunque ya tiene muchos años), es “Sombras Verdes, Ballena Blanca”, de Ray Bradbury. En cuanto a película, siguiendo con lo de los títulos poco valorados, una que me aterrorizó de pequeño y que no quiero volver a ver por si me llevo un chasco: “El rey de las cobras” (1981). Prefiero recordarla tal como la tengo en mi mente.

Añade lo que quieras.

Tan solo daros las gracias por esta entrevista y animar a todos los fans del cine de terror underground y a los cómics a echar un vistazo a las publicaciones de Sparkle Comics.

Se presenta, con cine, música y dragones, las nuevas Nits de Cinema Oriental de Vic

26 febrero 2018 Deja un comentario

El Festival Nits de cinema oriental de Vic  que se celebrará del 17 al 22 de julio de este año tendrá como eje central el deporte en el cine comercial asiático. Pero no han temer aquellos a los que, como Serendipia, el deporte y en especial el fútbol les resulta bastante indiferentes, pues el cine asiático siempre ha abordado el deporte en el cine como un elemento más en el que desarrollar la más pura acción. Como ejemplo perfecto de lo que queremos explicar tenemos la película que se ha escogido para celebrar el 15º aniversario del festival, que será la misma que se pudo ver en la primera edición del festival, allá por el 2004: Shaolin Soccer (2001) de Stephen Chow, director de grandes producciones de Hong Kong y China al que el festival rendirá homenaje en esta edición. Asimismo, el certamen mantendrá su apoyo a jóvenes cineastas catalanes y ampliará su trabajo con las entidades locales, con la complicidad de Vic Comerç y la Escola d’Art de Vic. Cervesa del Montseny también se suma al proyecto como empresa colaboradora. Sin olvidar la nueva mascota… de todo ello y mucho más se habló durante este pasado fin de semana en Vic. Allí estuvimos y así se lo narramos:                                                    

Nits de Cinema Oriental ha presentado la imagen de la próxima edición y las principales novedades de su programa en una rueda de prensa celebrada el sábado 24 de febrero en el Espai ETC de Vic. Han intervenido Susagna Roura (Regidora de Cultura y Museos, Convivencia y Seguridad del Ayuntamiento de Vic), Javier Orduña (Director de la Fundació Institut Confuci de Barcelona), Marc Carol (Vicepresidente de Vic Comerç) y Quim Crusellas (Director del Festival Nits de cinema oriental de Vic). Todos los participantes se mostraron muy de acuerdo en la importancia que tiene el festival para una ciudad tan heterogénea como es Vic y lo que hace por poner en contacto y hermanar, durante unos días, las diferentes culturas orientales con los naturales del lugar. Una mixtura y una fiesta que se ha celebrado durante quince años gracias al trabajo, el esfuerzo y la ilusión de unos pocos y desinteresados artífices. Tras 15 ediciones parece que algunas entidades locales comienzan a pensar que sería una lástima que por su falta de apoyo o inactividad el festival dejara de celebrarse y es quizás por ello que comienzan a colaborar con el mismo. Aunque sea de una manera un tanto simbólica y por bien de sus propios intereses, su aportación es bien recibida y quizás, si la ayuda se refuerza, permita en un futuro la profesionalización del certamen.

Dicho esto vayamos a por las…

NOVEDADES PARA LAS NITS DE CINEMA ORIENTAL 2018

A partir de la próxima edición, el eje central del festival dejará de ser un país concreto y la programación y actividades girarán en torno a un tema, un hilo conductor que recorrerá todas las secciones e inspirará la imagen del Festival. En el caso de la edición de 2018 será el deporte en el cine comercial asiático y es por ello que  la imagen del Festival Nits 2018, realizada por el ilustrador Xevi Domínguez, será el icono Qiu Qiu (pronunciado ‘chiou chiou’), que significa ‘pelota’ en mandarín. Así, los espectadores de la edición de este año podrán disfrutar de una retrospectiva ‘Asia en forma’, compuesta por filmes asiáticos que tienen el deporte como protagonista.

Asimismo, en su 15º aniversario, el festival rendirá homenaje a Stephen Chow, el director más destacado de Hong Kong y China en la actualidad. Además de proyectar la primera película que pudo verse en la Bassa dels Hermanos en la edición inaugural del Festival Nits, del año 2004,  Shaolin Soccer (Stephen Chow, 2001), se presentará la nueva publicación de la Biblioteca FesNits: ¡Stephen Show! El cine espectáculo de Stephen Chow.

Por otra parte, el homenaje a países de Asia se mantendrá en las Nits a la Bassa, donde cada noche se seguirá dedicando la cena y la película a una cultura específica.

El Festival Nits también mantiene su compromiso con la joven creación cinematográfica en Cataluña y ha anunciado en la rueda de prensa la finalización del filme Meiying MG-01, nuevo cortometraje de Adrià Guxens. El festival es co-productor asociado del proyecto y lo acompañará también en su difusión internacional. La obra de Guxens, que ya presentó su corto Bittersweet Memories en Vic el año 2016, se caracteriza por su carácter onírico y por inspirarse en la estética y la cultura orientales.

El certamen suma nuevas complicidades en el trabajo que realiza habitualmente con entidades y empresas locales: la asociación Vic Comerç, con la participación de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Vic, convertirá las calles cercanas a la Bassa dels Hermanos en una ‘Chinatown’ perfectamente ambientada.
Asimismo, se editará una tarjeta ‘Vic Comerç’ para que los invitados, acreditados y Nitómanos tengan ventajas en los establecimientos de Vic, y se activarán acciones de promoción y participación conjuntas entre Vic Comerç y el Festival Nits. También se incorpora al proyecto como empresa colaboradora Cervesa del Montseny, que lanzará una edición especial para el festival: la Nitòmana.

Javier Orduña (Director de la Fundació Institut Confuci de Barcelona) y Quim Crusellas, director del festival. (Foto: Serendipia)

Durante el mes anterior al festival, el Més Nits llenará de nuevo los Centros Cívicos de Vic y otros espacios con una programación de talleres y actividades. Y, en colaboración con el Consell local de cooperació de Vic, el programa del festival incluirá también este año un ciclo de filmes documentales de temática social y
debates posteriores con expertos.

CINE Y CONCIERTO DE PRIMAVERA

Como viene siendo habitual, además de la rueda de prensa la organización ofreció interesantes actividades para celebrar, además, el Año Nuevo Chino. En el Casino de Vic varias familias chinas enseñaron juegos tradicionales chinos. Posteriormente, delante del propio Casino, el grupo de danza de la Fundació Institut Confuci de Barcelona, formado por el alumnado y profesorado,realizaron la Danza del dragón.

Por la tarde y tras la rueda de prensa llegó el momento para el cine con Paradox (Sha po lang: Taam long), thriller de acción hongkonés dirigido por Wilson Yip, director de la saga Ip Man, cuya acción se desarrolla en Tailandia, lo que da ocasión de contar, además de con unas magníficas localizaciones, con actores autóctonos, como es el caso del celebérrimo Tony Jaa (Ong Bak), que protagoniza la que sin duda es la mejor lucha de la cinta. Con Louis Koo y coreografías marciales de la leyenda Sammo Hung, Paradox es un spin-off totalmente autónomo de la saga SPL que el público disfrutó como es debido. Previamente al film se ofrecieron trailers de algunos de los títulos que podrán verse durante las Nits de este año, entre ellas la india Baaghi 2 (Ahmed Khan), una nueva dosis de mamporros y baile de la mano de Tiger Rhoff, nuestro cara-cartón favorito.

Tras Paradox y la cena de rigor llegó el momento del Concierto de Primavera que con las entradas agotadas y de nuevo en el Casino de Vic ofreció Charleen Cheng, que acompañada de un cuarteto compuesto por piano, violonchelo, guitarra y bajo ofreció una selección de música perteneciente a películas principalmente chinas y de Hong-Kong. Charleen, que ya tuvo ocasión de cantar un tema acompañada de Guillem Roma y su hermana en la anterior edición de las Nits, demostró una gran facultad de conseguir una atmósfera íntima con su voz. Si bien al grupo todavía le falta cohesión y pulir el repertorio, agradaron por la simpatía que desbordaron desde las tablas del escenario mientras sonaban canciones tan evocadoras como Yumeji’s Theme, tema principal de In the Mood for Love que compuesto por Shigeru Umebayashi  abrió el concierto y otras piezas más populares como ‘Quizás, quizás, quizás’ (que se incluye en la banda sonora del mismo filme) o Mad World, perteneciente a la de Donnie Darko (Richard Kelly, 2001). Sin olvidar el tema principal de Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro, Hayao Miyazaki, 1988), canción que contó con la colaboración de dos pequeñas artistas en ciernes. Un encantador broche para tan amena velada.

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(Foto: Serendipia)

Finalmente, el domingo se ofreció la demencial cinta de animación  McDull Rise of the Rice Cooker (Brian Tse, 2016 · China/Hong Kong), película que ya tuvimos ocasión de visionar durante la pasada edición del festival y con la que los motores se dejan en marcha para, en julio, celebrar una nueva y siempre atractiva edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic. Allí nos vemos.

Categorías:FANTATERROR

Javier Botet: de criaturas y hombres

Javier Botet es nuestro Lon Chaney. Dotado con un físico y unas cualidades interpretativas que sobrepasan el maquillaje, su cuerpo característico y especial, sus movimientos y su modo de interpretar le han servido para encarnar a un buen número de terroríficas criaturas. Imposibles seres surgidos de la imaginación de grandes creadores que han sabido ver en el actor al intérprete ideal para encarnarlos. Pero Javier Botet es muchísimo más que un modelo, un cuerpo. Sus facultades interpretativas van mucho más allá demostrando que es un excelente actor, también de comedia, y un ilustrador excepcional. Pero es en el cine fantástico donde está dejando una profunda huella con sus creaciones de pesadilla. Lo vimos como la espectral Mama en la cinta de Muschietti. Pero también como  xenomorfo en Alien: Covenant; Set en La momia; Crooket Man en Expediente Warren: El caso Enfield; Keyface en Insidious: la última llave; Hobo en It; Faceless Man en The Crucifixion; Enola en La cumbre escarlata y, sobre todo siempre será la Niña Medeiros en [Rec].

Ahora, ante el inminente estreno de Slender Man, donde Javier interpreta un terrorífico personaje casi escrito a su medida, entrevistamos a este amable creador de seres, de criaturas. Este, como todos los grandes, humilde tipo del que todos los amantes al cine fantástico y del cine en general deberíamos sentirnos muy orgullosos de tener como vecino. Con ustedes… JAVIER BOTET

EL DESPEGUE: DE LA ILUSTRACIÓN AL CINE

Cuando terminé Bellas Artes (2002) me vine a Madrid y estuve dibujando ilustraciones en editoriales y para una empresa de dibujos animados. Por otro lado, junto a David Pareja, que es un amigo con el que tengo gran cantidad de pasiones en común, comenzamos a darle más vida a una de ellas, el cine, gracias a una nueva cámara que me compré.

Él y yo nos los guisábamos todo. Y pronto comencé a encontrar otra gente a la que apasionaba el cine. Hacían cortos, actuaban… vi que era una opción real de profesión, así que el cine comenzó a tomar más relevancia en mi vida.

Por entonces habíamos montado un estudio de ilustración Carlos Vermut, David Pareja, algún otro amigo y  yo. Carlos Vermut es parte de mi vida profesional y personal. Es un poco familia. Lo conocí en una de esas empresas para las que trabajaba dibujando ilustración. Yo en esa época, como ya he comentado, además hacía muchos cortos por puro placer. Con los amigos rodaba tonterías que luego montaba rapidito con mi Adobe Premiere. Entonces no estaba tan de moda You Tube y lo colgaba en El Rellano. Canal + nos colgaba también tonterías… pura diversión. Y Vermut lo veía y decía “Jolines, Javier, yo quiero hacer esto”. Él ilustraba pero también le llamaba el cine así que le dije: “¡Coño, pues hazlo!”.

Presentó Maquetas (2009) en el Notodofilmfest y el cabrón ganó el premio del jurado, lo que le fue dando confianza así que, con un dinero que ganó como ilustrador decidió liarse la manta a la cabeza y autoproducirse una película, Diamond Flash (2011) en la que salimos algunos amiguetes y yo. Y en la segunda vuelvo a salir así que esperemos que siga contando conmigo en muchas más.

Un día los monstruos, las criaturas que yo había dibujado durante toda mi vida, se me presentaron desde un folleto de un curso de efectos especiales a base de protésicos y tal. En este curso podría aprender a hacerlos y por otra parte, en Madrid, había industria y esta gente también trabajaba, a nivel profesional, en proyectos en los que había que crear criaturas. Pedro Rodríguez, que era el que impartía el curso, había hecho algunas cosas con Alex de la Iglesia y Santiago Segura y vi claro que no solo iba a aprender: también me ofrecí. Le dije “Mira mi cuerpo. Dos metros y tan delgadito. Soy el sueño de cualquier maquillador para crear cierto tipo de criaturas” Y a él le pareció perfecto.

En ese momento él estaba trabajando para Filmax en Bajo aguas tranquilas (Beneath Still Waters, Brian Yuzna, 2005) y casualmente había una criatura, un humanoide, que todavía estaba por definir. Así que entre David y yo hicimos un fotobook para que Pedro Rodríguez lo presentara a Brian Yuzna en una reunión que tenían ese jueves. Y enseguida dieron el visto bueno y así fue, rápido y fácil, como aparecí en mi primera película.

Fue como desvirgarse. Llegué a casa agotado, pero me había colado en un sueño increíble. Había encarnando a una criatura tras seis horas de maquillaje en un día duro y frío, saliendo y entrando en el agua… pero vamos, ¡Yo llevaba un calentón por la pasión…! Además,  ¡con Brian Yuzna! un director con el que había gozado de jovencito con mis amigos comiendo hamburguesas viendo películas como Re-Animator (Stuart Gordon, 1985). Pues yo estaba ahí con Brian Yuzna maquillado por Pedro de Diego, no por Pedro Rodriguez, que fue el que me metió en el proyecto y que a estas alturas tiene como tres Goyas, pero que en aquel momento estaba empezando. Y es que, como siempre he dicho, los maquilladores han sido siempre mis mejores agentes, ellos han sabido ver las posibilidades de crear con la estructura de mi cuerpo, que yo he sabido explotar con mis movimientos.

Aunque soy autodidacta, de siempre he visto mucho cine, he sido analítico y he entendido el proceso de hacer cine por todo el tiempo que he trabajado con mis cortos, así que trabajar frente a la cámara no supuso ningún problema. Todo iba fácil y rápido, así que los propios maquilladores eran los que  me proponían para nuevos proyectos. Uno de los chicos que trabajaba en la película haciendo otros efectos especiales me vio y poco después me ofrecieron [Rec] (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007). Muchos maquilladores cuando tenían una criatura que yo podría encarnar pedían a Javier Botet. Y fue así como empezó a coger impulso mi carrera. Yo seguía dibujando, pero cada vez me llamaban más para el cine y tenía menos tiempo para dibujar.  También era más difícil comprometerme con trabajos que no me permitieran la libertad que necesitaba como actor, que igual debía estar una semana aquí y otra allí. Así que poco a poco fui dejando la ilustración de forma profesional y ahora dibujo a ratos, por placer, pasando a ser mi profesión el cine. Y con mucha suerte, porque con lo poquito de cine fantástico que se hace en España pues…

En los cortos que dirigí había mucha comedia. Me encuentro muy cómodo con mis amigos haciendo cortos cómicos, muchos de los cuales han sido presentados a festivales, pero a nivel profesional tan solo hice un par de cosas cómicas en series como La que se avecina o en Matrimoniadas hasta que Pedro Rodríguez, que trabajaba en la serie Pluton B.R.B. Nero (2009), habló con su director, Alex de la Iglesia,  y le dijo que conocía a un actor que resultaría perfecto para interpretar al alienígena cachondo que estaban haciendo. Me presenté allí y a Alex le parecí perfecto. Rodamos la primera escena y todo el equipo se partió de risa, así que encontraron que tenía una importante vis cómica y Alex finalmente me incluyó en tres capítulos de la serie. Luego también contó conmigo para hacer pequeñas intervenciones en La chispa de la vida (2011), Balada triste de trompeta (2010) y Las brujas de Zugarramurdi (2013)…. Y seguiremos trabajando juntos.

También he trabajado en la serie El fin de la comedia (2014-2017) y Algo muy gordo (Carlo Pardial, 2017), así que sí, la gente ha ido descubriendo esa vis cómica que tengo. Pero lo importante es tener un éxito haciendo un tipo de papel para que mucha gente te vea y más gente abra los ojos y comience a darte más opciones. Eso me ha pasado en el cine de terror. En la comedia no termina de pasar porque es más complejo. Fíjate que todo lo que he hecho con Alex de la Iglesia ha sido siempre súper maquillado y claro, así se pierde la referencia del actor.

A mí me encantaría que me propusieran más proyectos. El terror me encanta, pero me gusta hacer de todo.

CONSTRUYENDO PESADILLAS

Foto de familia: Mama (Javier Botet) y Lilly (Isabelle Nélisse)

Como las criaturas vienen de la nada, no existen, requieren un proceso creativo más original. Para interpretar a una persona deprimida o enfadada dispones de mil referentes, pero cuando es un espectro, un fantasma, una criatura, inventas el origen, las razones, la energía. Intentando hallar algo original en el movimiento si es, por ejemplo, una criatura marina. O si lleva mucho tiempo inmóvil. Hay un trabajo de imaginería que se puede hacer entre todos, aportando todos algo. A veces el director tiene unas ideas preconcebidas sobre lo que quiere, pero me está pasando, cada vez más, que conociendo mi background cada vez los directores conocen más mi trabajo y ven que he compuesto cosas, así que me dan bastante libertad. Me preguntan y me hablan tanto del diseño artístico como del origen, del alma y las motivaciones de las criaturas y sobre qué opino yo de ello, qué puedo aportar. Siempre me dan tiempo para que haga mi trabajo, para que aporte, piense y proponga cosas. Hay películas en las que por tiempo se pueden hacer más cosas y en otras menos, pero hay algunas en las que me han dado tanta libertad que he podido diseñar los movimientos, las trayectorias de los mismos, ocasionando cambios en el escenario planeado por tener que instalar cuerdas. Me dan libertad para, como si fuera un mago, hacer mis trucos.

He encontrado siempre gente muy abierta a escuchar, pues conozco mi cuerpo mejor que nadie y ya que me estoy especializando en esto. Les propongo y me preguntan mucho.

En La cumbre escarlata (Crimson Peak, 2015) junto a Mia Wasikowska.

En el cine de terror una forma clásica de mostrar una criatura es hacerlo poco a poco, insinuando, y las manos son el preludio de esa criatura, como la antesala del terror. Lo primero que vemos de un zombi cuando sale de la tierra es su mano, como adelanto de lo decrépito que va a estar y de las ganas de guerra que traerá.

Por si solas las manos son muy sugerentes a la hora de expresar. Son el preludio de lo que vendrá después.

En los pósteres de, por ejemplo, Insidious:The Last Key (Adam Robitel, 2018) o Don’t Knock Twice (Caradog W. James, 2016), las manos resultan lo suficientemente sugerentes como para atraer al espectador insinuando, sin mostrar más, lo que puede venir luego.

Mis manos son muy expresivas. Las sé explotar pero, por si solas, por ser tan largas y tan delgaditas y tener una propiedad, aracnodactilia, resultan muy expresivas y comprendo que levanten tanta atención para el cine de terror ¡Adoro mis manos!

HACIENDO LAS AMÉRICAS

En Estados Unidos el cine es un gran negocio que mueve mucho dinero y del que vive mucha gente. Allí se respeta y se cuida mucho a la gente. Se entiende y se valora su situación y hay un mayor nivel de respeto a la industria en sí, ya no al arte, esa es otra discusión, pero a la industria sí. Aquí en España el nivel industrial es más pequeño y requiere de más amor y pasión. Y luego, claro, económicamente es diferente. Allí se respeta más la profesión de actor porque hay más trabajo y hay más gente dedicada a ello. Es más respetable y todos son súper profesionales. Y cuando traen a un actor de fuera para unos papeles concretos te tratan como alguien relevante, importante. Te cuidan y están encima. Además del dinero, que marca la diferencia.

Antes de rodar Mamá (2013) con Guillermo del Toro como productor y Andy Muschietti de director hicimos por nuestra cuenta, para ir al rodaje con ideas, un test de movimiento sin ningún tipo de trucaje digital en el que salgo con un vestidito, como muy creepy, muy desagradable, incómodo, extraño, pero un bonito ejercicio de expresión corporal que quedó grabado. Y cuando se estrenó Mama a Guillermo del Toro le decían que estaba muy bien, pero que se trataba de otra criatura creada en 3D. Y lo único que había en 3D era el pelo, así que me preguntaron si me importaba que compartieran en las redes el test de movimiento, en el cual puede verse perfectamente que soy yo y punto. Dije que sí, que no me importaba, y a raíz de ese video, que se hizo viral entre la gente de la industria, fue cuando noté un punto de inflexión en mi carrera y  todo el mundo que hacía cine de terror fuera de España  comenzó a incluir en sus planes criaturas con esas características, por lo que noté un aumento en la cantidad de ofertas de trabajo que me llegaban. Así que durante estos últimos tres años no he parado de trabajar, y todo fuera de España.

Recuerdo estar charlando con Alexandre Aja cuando rodaba The Other Side of the Door (Johannes Roberts, 2016) en la India que me decía, “tengo un montón de amigos que han visto tu video y todos quieren trabajar contigo”. A raíz de ese video vino un cambio y mi nombre, por sí solo, se va defendiendo. Tengo la sensación de que en América y en el resto del mundo han empezado a valorar mi nombre y para este tipo de personajes recibo constantemente ofertas y proyectos. Todo lo cual da una tranquilidad y una felicidad.

Gracias a las redes cuando tienes un nombre deja de ser necesario vivir en Los Ángeles. Bien es cierto que el vivir allí te permite llegar más rápido a depende qué trabajos en los cuales los productores no tienen tan claro el contar contigo. Pero tener un físico y un perfil tan concreto, tan específico, hace que note en qué proyectos el personaje debo de ser yo. Es como que ciertos directores y maquilladores ya piensan en mí. Y me van llamando o escribiendo. Entonces no veo la necesidad de instalarme en Los Ángeles. Primero porque la mitad de las películas las hago en Londres y la otra mitad entre Canadá y Estados Unidos, así que da igual donde esté porque las ofertas vienen de todos lados. Voy allí, trabajo, marcho al otro lado.

Con Sophia Lillis durante el rodaje de It de Andy Muschietti.

El año pasado hice una película en África; otra en Canadá; otra en Los Ángeles; otra en Boston; otra en Londres y un trocito en España. O sea, viva donde viva voy a tener que viajar.

En El renacido (The Revenant, Alejandro G. Iñárritu, 2015), hubo un maquillaje especial que no se incluyó finalmente para una escena que representaba una pesadilla del protagonista. Algo terrorífico y angustioso. Un plano secuencia que estuvimos dos días rodando con la luz exacta del atardecer.  Ese momento justo en el que se ponía el sol. Ya que Inárritu lo quería todo con luz natural y esta escena debía suceder justamente en ese momento de crepúsculo, estuvimos varios días rodando tan solo durante veinte minutos al día porque se rodaban cuatro tomas y cuando la luz ya no era exáctamente la requerida y Emmanuel Lubezki decía “No, ya no” y entonces debíamos esperar a otro día para rodar otras cuantas tomas.

La película estaba prácticamente terminada e Iñarritu estaba experimentando y probando cosas que pensaba que podrían enriquecer la pesadilla del personaje interpretado por Leonardo diCaprio.

Cuando me llamó y me contó lo que pretendía hacer ya me dio la sensación de que estaba experimentando, y fue fantástico estar allí probando cosas y rodando con Leonardo y Tom Hardy, compartiendo escena, ¡la locura! pero al final la escena no se incluyó. Una lástima no compartirla con todo el mundo en la pantalla.

Desde que se dio a conocer el extraño Slender Man por internet mucha gente desde las redes, y yo mismo, pensamos que yo encajaría bien y resultaría ideal, así que no es de extrañar que cuando surgió el proyecto ellos mismos se pusieran en contacto conmigo. Terminamos de rodar Slender Man (Sylvain White, 2018) en Boston hace unos cuatro meses y este año hay una serie de proyectos en los que quieren contar conmigo así que, si Dios quiere, haremos otros cinco o seis pelis, entre otras cosas.

Me gusta la interpretación en general, la dirección… me apetece probar otras cosas y disfruto con la comedia. Me gusta el drama y me apetece hacer de todo. Pero a mí lo que más me ha gustado siempre han sido las criaturas. Me han fascinado desde niño. Mis primeros recuerdos son de verlas en El retorno del Jedi (Richard Marquand, 1983), en la que todo era a base de criaturas y más criaturas: el templo de Jabba; los Ewoks; Chewbacca… era un amalgama de creatividad y de criaturas entrañables que fueron la base de lo que mí me ha motivado e inspirado. Así que tanto en Ciencia-Ficción como aventuras o terror, yo estaba siempre deseando ver criaturas. También quería saber como se hacían, como se diseñaban y cobraban vida así que estoy donde siempre he deseado estar (…) ¿Que me encasillan? ¡Pues benditos sean! ¿Cómo podría quejarme? Mi encasillamiento es una bendición.

Categorías:FANTATERROR

Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo) el 2 de marzo de 2018

24 diciembre 2017 Deja un comentario

El próximo 2 DE MARZO Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo), el debut en el largometraje del director Paul Urkijo Alijo, inspirándose en un cuento tradicional vasco titulado ‘Patxi Errementaria’. Apadrinada por Alex de la iglesia y producida por Luis de Oza, Carolina Bang, Kiko Martínez con las productoras Kinoskopik Film Produktion, Pokeepsie Films, Gariza Films, Nadie es Perfecto, Ikusgarri Films y la productora francesa The project. Distribuida por Filmax. Participan EITB y Euskaltel y cuenta con los apoyos de Gobierno Vasco e ICAA.

Protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre, Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo) el 2 de marzo de 2018, con distribución internacional corre a cargo de FILMAX Internacional.

SINOPSIS

Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

En euskera antiguo

Otra de las singularidades de “Errementari” es su apuesta por realizar el film en euskera. Además de haber elegido la lengua original del relato, sus creadores han dado un paso más allá al elegir darle a la película el aire de un euskalki (variante dialectal del euskera) extinguido: el euskera alavés (arabarra), aspecto del film sobre el que se profundizará en los próximos días.

Para recuperar y hacer comprensible esta variedad lingüística, se ha contado con el apoyo del lingüista e investigador Koldo Zuazo, autor del libro “Arabako Euskara”, que analiza el recorrido histórico y sus diferencias respecto al euskera actual.

‘Paul Naschy: la dualidad de un mito’. Entrevista a José Luis Salvador Estébenez

23 noviembre 2017 Deja un comentario

El coordinador de este proyecto, finalmente convertido en realidad, nos habló hace unos años del titánico trabajo que estaba realizando analizando diferentes guiones de Jacinto Molina en la Biblioteca Nacional.  Los hallazgos que había hecho leyendo las diferentes versiones, además de descubriendo otros muchos no rodados, resultaban apasionante, así que desde que nos lo contara le animamos encarecidamente a hacer algo con todo ello más allá de un artículo en su, por otro lado, magnífico blog La Abadía de Berzano. Lo que gracias a José Luis, los diferentes autores que han colaborado, y los responsables de Vial of Delicatessens se ha publicado como Paul Naschy: la dualidad de un mito, va mucho más allá de lo esperado: es un detallado estudio de cada una de las películas del actor y director, sí, pero también contiene ilustrativos y completos trabajos sobre otras facetas poco o nada tratadas en profundidad  como su labor como autor de bolsilibros, el mencionado apartado de guiones no rodados o su relación con otras cinematografías, además de entrevistas con directores que trabajaron con él y muchas otras aportaciones que convierten este trabajo en un libro de referencia. Uno puedo estar o no de acuerdo con lo opinado por sus muchos colaboradores, pero sin lugar a dudas este es un libro que Serendipia hace mucho tiempo que deseaba leer. Si no lo tienen todavía no tienen porque hacerme caso a mí para convencerles, que sea el propio coordinador, José Luis Salvador Estébenez, el que les explique como nació, se desarrolló y finalmente se publicó este imprescindible trabajo. 

Para comenzar, ¿podrías contarnos cómo nació el proyecto y por qué te decidiste por Paul Naschy a la hora de elegir el tema de tu primer libro como coordinador?

Realmente el origen del proyecto se remonta a un dossier sobre la obra de Naschy que hicimos en mi blog, La Abadía de Berzano, poco tiempo después de que él muriera y a modo de homenaje. Siempre había pensado que en todos los libros que hasta entonces se habían ocupado de Naschy habían pesado más las filias y fobias de los diferentes autores que el análisis serio y riguroso. El tratar de corregir esta circunstancia dentro de mis modestas posibilidades fue lo que me impulsó a poner en marcha aquel dossier para el que conté con un buen número de firmas invitadas con el fin de intentar dar una visión que fuera lo más rica y ajena a subjetividades como fuera posible.

La idea era que aquel dossier con el tiempo se convirtiera en un libro, añadiendo nuevos contenidos exclusivos que evitaran que se tratara una simple repetición de lo ya publicado en el blog. Sin embargo, diversos condicionantes impidieron que en ese momento este proyecto fuera llevado a cabo, por lo que lo dejé en modo standby, aunque sin abandonarlo del todo. No fue hasta que Víctor Olid y Ferrán Herranz, los responsables de Vial of Delicatessens, me ofrecieron la posibilidad de publicar un libro con ellos sobre el tema que yo eligiera. Como la ocasión la pintan calva, que decimos los castizos, decidí recuperar aquel proyecto, tomando como base el dossier publicado en el blog más los contenidos que había ido confeccionando en todo el tiempo transcurrido, ya que, como digo, en ningún momento lo dejé abandonado por completo e iba trabajando en él en tiempos muertos. Con todo, de aquel dossier del blog al libro resultante ha habido muchos cambios, se han corregido todos los textos, muchos se han sustituido… Pero digamos que el espíritu sigue siendo el mismo.

¿En qué crees que se diferencia este volumen de otros que han abordado con anterioridad la figura de Naschy?

Pues como decía en mi anterior respuesta, en el rigor con el que hemos abordado su confección. Esa es la máxima que seguimos tanto yo como el resto de colaboradores que me han acompañado, porque, insisto, esa era la misma esencia del proyecto. Eso en primera instancia. Pero además, hemos cubierto muchas lagunas de la obra de Naschy que rara vez se habían tratado. Por ejemplo, hablamos de su faceta de escritor de bolsilibros o de sus guiones no rodados. También hay análisis de su obra en términos sociológicos y filosóficos, se comenta su relación y la de su cine con terceros países, entrevistamos a diversas personalidades que trabajaron con él… Está feo que yo lo diga, porque al fin y al cabo eso es algo que deben valorar y apreciar los lectores, pero digamos que es muchísimo más completo en todos los sentidos de todo lo que se haya podido publicar sobre Naschy hasta la fecha.

A la hora de establecer el tono del libro, ¿podrías explicarnos qué directrices recibieron los colaboradores a la hora de escribir sus textos?

Pocas. Mi intención era que, aunque yo fuera el coordinador, la visión que se extrajera del libro no estuviera contaminada por la opinión y valoración subjetiva que yo pudiera tener sobre Naschy, para no caer precisamente en aquello mismo que yo critico en los anteriores libros aparecidos sobre su cine. Es por ese motivo por el que traté de contar con un nutrido plantel de colaboradores de lo más heterogéneo en el que hubiera también cabida para autores extranjeros, que pudieran aportar una aproximación a la obra de Naschy que no estuviera tan mediatizada como la que el resto pudiéramos tener al vivir en España. Así que, a la hora de establecer un tono para el libro, preferí que cada uno escribiera acorde a su estilo, con la única directriz del rigor y el respeto sobre nuestro sujeto de estudio.

Paul Naschy/Jacinto Molina: la dualidad de un mito ha contado con la participación de más de una treintena de especialistas, y no solo de nuestro país, sino también de Inglaterra, Italia o Francia. ¿Cuán difícil ha resultado coordinar a tanta gente?

La verdad es que ha sido muy sencillo. Bastante más de lo que puede parecer a primera vista. No sé si será que he tenido la suerte del principiante, pero la verdad es que todos han huido del lugar común, lo que de entrada habla del esfuerzo y profesionalidad con la que abordaron su tarea, evitando de este modo que hubiera duplicidad de datos o reiteración de informaciones. Así que apenas he tenido que intervenir en los textos de los colaboradores, más allá de algunas pequeñas puntualizaciones y/o correcciones.

Sin duda alguna uno de los capítulos más atractivos es el consagrado a la enumeración de los guiones escritos por Paul que jamás llegaron a rodarse. ¿Cómo trabajaste a la hora de indagar en estos proyectos no realizados y cuál destacarías por encima del resto, ya sea por haberte parecido el más relevante y/o el más original?

En principio, mi campo de acción principal fue el archivo de la Biblioteca Nacional. Allí tienen guardados un buen número de guiones que en su momento fueron registrados y no llegaron a rodar, tanto de Naschy como de otros guionistas españoles. Así que, en principio, solo fue ponerme a leer los diferentes guiones que estaban registrados a nombre de Naschy y no coincidían con los títulos de sus películas. Claro que tampoco fue tan fácil. Había casos en los que, a pesar de que el título no coincidía, algunos guiones sí que habían acabado dando forma a películas, como puede ser el caso de uno titulado El cerdo, que tras varias versiones acabaría por convertirse en El carnaval de las bestias. Y otros en los que diferentes guiones no rodados que tenían nombres diferentes acababan formando parte de un proyecto común.

Para complicar un poco más las cosas, cuando ya tenía casi todo el trabajo hecho me enteré gracias al libro de Javier Pulido La década de oro del cine de terror español que en la Filmoteca Española también tenían algunos libretos inéditos. Así pues, una vez pude ponerme a ello, ya que todo este trabajo de investigación lo iba haciendo en mis periodos de vacaciones, visité la Filmoteca y me puse a la tarea. Iluso de mí, pensaba que no sería muy complicado, ya que varios guiones los había leído ya en los archivos de la Filmoteca… Lo que no sabía entonces y pronto descubrí era que, en la mayoría de los casos, se trataba de diferentes versiones, que ampliaban o modificaban sustancialmente los textos que yo había leído con anterioridad, por lo que tuve que empezar de nuevo prácticamente desde cero.

Junto con los archivos de la Biblioteca Nacional y de la Filmoteca Española hubo también algunos guiones no rodados para los que tuve que tirar de otras fuentes, aunque fueron los menos. Así, a voz de pronto, creo que solo fueron el de la acariciada asociación entre Naschy y Amando de Ossorio, y el de la película supuestamente rodada y no finalizada Horror en el museo de cera.

En cuanto a destacar alguno de estos trabajos por encima del resto, creo que sería muy injusto. Por un motivo o por otro todos son muy interesantes. Aunque bueno, sí que puedo decir que dos de los que más me gustaron fueron el de la secuela nonata de El gran amor del conde Drácula, titulada El retorno de la condesa Drácula, y En el nombre del infierno, que debía de haber supuesto la asociación de Naschy con nada menos que Jordi Grau. En otro sentido, también me sorprendió la existencia de El licántropo, un guion sobre hombres lobo anterior a La marca del hombre lobo que, como digo en el libro, de haberse rodado en su momento habría variado sustancialmente la historia de nuestro cine fantástico, y que cuenta con la particularidad además de estar escrito por Paul en compañía de un segundo guionista; y El buque fantasma, una entrega de la saga sobre Waldemar Daninsky donde los motivos propios del hombre lobo polaco se fusionaban con la leyenda del Holandés Errante.

Después de haber pasado tanto tiempo sumergido en la obra y en la vida de Naschy, ¿ha evolucionado a lo largo de estos años tu opinión acerca de su cine y/o su persona?

Lógicamente, aunque no tanto la opinión que pudiera tener de él y de su obra como el conocimiento a un nivel más profundo. A raíz de analizar tantas películas suyas en cortos espacios de tiempo y de forma reiterada, sobre todo, de leer sus guiones, me he ido percatando de su forma de ser, sus obsesiones, sus sueños y sus temores. Y es que, le pese a quien le pese, pocas películas hablan tanto de su autor como lo hacen las de Paul Naschy.

El culto hacia Paul Naschy sigue intacto aun habiendo transcurrido ocho años desde su desaparición, pero, ¿qué lugar crees que ocupa en realidad dentro de la historia del cine (español o mundial) el creador de Waldemar Daninsky?

Puede que quizás no tan importante como la que sus seguidores más incondicionales puedan creer, pero tampoco tan residual como pregonan sus detractores. Hombre, ponerle a la altura de la Hammer, la Universal o, lo que es lo mismo, el cine de James Whale y Terence Fisher, por citar dos ejemplos con los que el propio Paul intentaba equipararse a menudo, me parece bastante apurado. Pero lo mismo me parece compararle con Ed Wood o Al Adamson. Aparte, para valorar el cine de Paul hay que tener muy en cuenta los condicionantes sociales, políticos, económicos y productivos que rodearon al grueso de su filmografía. Películas que en su momento estaban planteadas como poco menos que productos de usar y tirar, ideados para ser rodados con la mínima inversión para que su rentabilidad fuera la máxima posible, y rodados, además, en muy corto espacio de tiempo y casi en serie. Obviamente, estos condicionantes acaban por reflejarse en el acabado de muchos de sus títulos, lo que no ha evitado que algunos de ellos, pese a sus innegables deficiencias, tengan un nivel bastante alto, e incluso se les pueda considerar a día de hoy pequeños clásicos del género. La mejor prueba es que, aún con todo, más de ocho años después de su muerte, lejos de caer en el olvido, su obra sigue siendo estudiada y comentada por aquellos que ya la conocíamos, al tiempo que es descubierta y en algunos casos venerada por nuevas generaciones de espectadores en todo el mundo. Por algo será…

Un proyecto del que estar muy atento: ‘After the Lethargy’ de Marc Carreté

31 octubre 2017 Deja un comentario

Un año después de la presentación del concept teaser del proyecto, y tres meses después de terminar el rodaje de la película, Marc Carreté volvió al Coming Soon de Sitges para presentar el tráiler oficial de After the Lethargy, su regreso a la dirección, tras Asmodexia.

La película está rodada en inglés. Se trata de un relato de temática extraterrestre, a mitad de camino entre el slasher y la monster movie, escrito por el propio director. Encabezan el reparto Andrea Guasch (Cambio de Clase, Submergence), Joe Manjón (El internado, Framed, The Man Who Killed Don Quixote, Campfire Creepers) y Ramon Canals (Castidermia, Asmodexia, Framed). Y les secundan Mark Schardan, Sue Flack, Ben Vinnicombe, Lilliana Cabal, Julius Cottet y Lucy Tillet, entre otros.

Con  After the Lethargy Carreté dice haber recuperado el tono más creepy y gamberro de sus cortometrajes, para rendir tributo a algunas de las películas de terror que más le divertían cuando era un chaval.

SINOPSIS

Sara (Andrea Guasch) viaja al punto caliente en el que supuestamente tuvo lugar uno de los episodios de contacto con extraterrestres más extraordinarios de la historia. El guarda forestal (Joe Manjón) y un siniestro lugareño (Ramon Canals), acompañan a la chica, ayudándola a sortear los peligros que entraña la madre naturaleza. Sin embargo, y a pesar de las buenas intenciones, no tardarán en ser atacados por una criatura que habita en las profundidades del bosque, viéndose obligados a refugiarse en una antigua caserna militar abandonada.

Todo el poder de Mazinger Z, en el Salón del Manga de Barcelona

20 octubre 2017 Deja un comentario

Si hay una serie de animación que ha influido a toda una generación esa es sin duda Mazinger Z. Desde que se emitió su primer capítulo, un lejano 4 de marzo de 1978, a través del primer canal de TVE, y pese a que nunca emitió la serie completa, el robot Mazinger Z y sus compañeros de aventuras deleitaron a una gran parte de los telespectadores de aquella época. No sólo se repetían frases ya míticas como Puños fuera o Planeador abajo, sino que el tema principal de su banda sonora era cantado por todos sus seguidores. El mérito de aquel mítico tema recae en el cantante y compositor bilbaíno Alfredo Garrido García, que junto al cantante (y especialista en Mazinger ZCarlos D. Chardí nos acompañarán en el XXIII Salón del Manga de Barcelona.

Alfredo Garrido García es un cantante y productor artístico con una amplía trayectoria profesional. Durante más de 10 años ha pisado los escenarios de Europa, África y Sudamérica, ha grabado una veintena de discos y durante  dieciocho años ha trabajado como director artístico de Philips-Polygram. También ha sido productor y letrista de grandes cantantes y grupos, como Greta y los Garbo, Los Chichos, Nino Bravo (toda su carrera), Camarón, Paco de Lucía o Plácido Domingo (Canción del Mundial 82), entre otros. Canciones como Yo no sé por qué esta melodía y Cantarédel disco póstumo de Nino Bravo son obra de Alfredo Garrido.

Es autor de las letras de las canciones de la serie infantil Marco y adaptó y colaboró en las canciones de multitud de series infantiles como Mazinger ZTarzánVickie el VikingoEl pequeño CidPippi CalzaslargasLa abeja Maya, así como en algunos títulos de Walt Disney. Como cantante de temas infantiles, además de ser la voz de Mazinger Z, en la serie Marco, (es la voz del hermano mayor en todas sus canciones), canta el tema del gusano Max en La Abeja Maya e interpreta el tema Somos cien de la serie de animación Vickie el Vikingo, todos ellos oficialmente bajo el sello de Philips.

El disco de La Abeja Maya editado en España, es una curiosa mezcla de la música de Svoboda y creaciones autóctonas. José Torregrosa Alcaraz y Alfredo Garrido García, que ya habían participado en las adaptaciones de series como Marco o Tarzán, se encargaron de las adaptaciones al español de los temas de Maya y Flip y, además, compusieron ocho nuevas canciones para otros tantos personajes como Willi, Kassandra, Thekla o el gusano Max (interpretado por el propio Alfredo Garrido). Recibió varios premios en su trayectoria musical, de la que destacamos en la interpretación de música infantil, el Premio Caballero Armado como cantante de los temas de apertura y cierre de la serie Mazinger Z. En 2016, se metió en un estudio para grabar, a sus 83 años, la letra inédita del tema La Gran Batalla de la serie Mazinger Z.

Desde 2014, acompaña con su presencia, la exposición de Mazinger Z, que ha recorrido las ciudades de Madrid, Murcia, Cádiz, Bilbao y actualmente Barcelona. Su web oficial es www.alfredogarrido.com.

                          Alfredo Garrido y Carlos D. Chardí

Por su parte Carlos D. Chardí es el responsable de marketing/branding, y coordinador de eventos nacionales e internacionales en la empresa Wattussi Producciones. También es cantante y estudioso del fenómeno Mazinger Z en España, serie que enamoró a toda una generación. Colaboró directamente con Selecta Visión para conseguir los permisos para que se incluyeran los audios en español de RTVE en la edición de DVD y Blu-ray de Mazinger Z. Actualmente es el mayor conocedor de la historia de la estatua de Mazinger Z oficial que existe en Tarragona, siendo la más antigua y grande del mundo. Pertenece a la asociación Amigos de Mazinger Z, cuyas iniciativas sirvieron para que se restaurara la estatua con los colores originales y se le pusiera el nombre de Alfredo Garrido García a la plaza donde está ubicada la estatua. Por este motivo ha colaborado con productoras japonesas, para difundir la existencia de la misma en uno de los canales más importantes de Japón, Fuji TV. Desde 2014, expone junto a Selecta Visión y Marc Escarrá, una magnífica colección de merchandising y originales de Mazinger Z editados en España. Su web oficial es www.wattussi.com.

Alfredo Garrido García y Carlos D. Chardí participarán en diversas actividades el sábado 4 de diciembre en el XXIII Salón del Manga de Barcelona, gracias a la colaboración de Selecta Visión. Alfredo Garrido García presentará el Especial Anime de Super Robots a las 10:00 horas en el Palacio de Congresos. Allí se proyectará el tráiler de Mazinger Z Infinity, así como el primer episodio del anime Mazinger Z y MazinKaiser. A las 12:30, en el Gran escenario cubierto de la Plaza Univers, contaremos con la actuación de Carlos D. Chardí que realizará un tributo a Alfredo Garrido. Finalmente, a las 19.30 horas, Alfredo Garrido participará en una sesión de firmas en el stand de Selecta Visión situado en el Palacio 2.

El XXIII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del 1 al 5 de noviembre, ocupando los pabellones 1, 2, 2.1, 3.1, 4 y 5 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com.

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