Buscar resultados

Keyword: ‘The extraordinary tale’

Jose F. Ortuño, un director a descubrir, nos habla de The Extraordinary Tale

14 febrero 2015 Deja un comentario

the-extraordinary-tale-of-the-times-table-547x600Ya has contado muchas veces que el germen de vuestra película fue una tentativa de catarsis personal, pero ¿por qué precisamente hablar de la paternidad-maternidad en clave de cuento?

Creíamos que contar una historia con ese desenlace, con ese clímax, o se contaba como cuento, envuelto en ese tono, o sería insoportable para el espectador. Esta misma historia contada de forma realista hubiera sido demasiado dura, o eso creemos nosotros. Además, nosotros somos muy fans de los cuentos clásicos.

La película habla también de la complejidad de hacer amigos, todo un acierto de guión expresarlo con la máquina de escribir como vehículo de comunicación, ¿cómo se os ocurrió? ¿Qué queríais expresar?

En efecto, cuando cuentas las cosas en forma de cuento te puedes permitir usar metáforas más o menos elaboradas. Hoy en día los medios de comunicación son infinitos, desde los móviles, a las tablets, chats, ordenadores, etc. ¿Cómo aunarlos todos en un sólo objeto simbólico y atractivo? Fue respondiendo a esta pregunta como se nos ocurrió la idea de la máquina de escribir “vintage”.

Es inevitable pesar en Jeunet y Caro al verla, pero no nos recuerda a Amelie (por mucho que se haya dicho) sino a Delicatessen y concretamente a al modo en el que allí se trataba la historia de amor, ¿qué piensas al respecto? ¿Qué influencias os han inspirado?

Tienes toda la razón. Jamás pensamos en Amelie durante el desarrollo de esta película (a mí personalmente no me entusiasma, la verdad), aunque luego todo el mundo la compara. Y sí, es cierto que Delicatessen es una película que nos fascina y aunque la usamos de referencia sobre todo en el tratamiento fotográfico, es inevitable que el tono burlesco con el que está contada esa historia (también muy oscura, por cierto) nos contagiase.

OrtuñoOtra de las preguntas inevitables, ¿por qué en inglés?

Una cosa que vimos durante el desarrollo de la historia es que queríamos que fuese universal, que no se ubicase en ningún lugar ni tiempo concretos. Por ello los personajes no tienen nombres, ni prácticamente nada lo tiene, ni siquiera la comida. Eso es también fruto de la influencia de los cuentos clásicos, donde los personajes no tienen nombres propios, sino que son “la abuela”, “el lobo”, “el sastrecillo valiente”, de manera que se convierten en símbolos universales de cualidades concretas o de ideas. Eso es lo que pretendíamos con esta historia. Lo mismo con la temporalidad, los cuentos clásicos no empiezan “el 14 de octubre de 1985…” sino con un sencillo “érase una vez”. Y claro, si la cuentas en castellano inmediatamente la estás ubicando, por eso elegimos el idioma más universal que hay. Y es que, nos guste o no, el inglés es el latín de nuestro tiempo.

The Extraordinary Tale es un filme notable, más siendo una ópera prima. Testimonia un elaborado proceso de composición, ¿cómo fue ese proceso? ¿cómo pudisteis rodarla en tan sólo dos semanas?

Aunque el rodaje duró solo dos semanas, nosotros llevábamos un año previo preparándola, detalle a detalle, plano a plano. Con los actores estuvimos ensayando casi tres meses, escena por escena, incluso hicimos que Aïda hiciese un listado de cada acción que llevaba a cabo su personaje, hasta la más mínima. Todo debía estar muy medido y estudiado para después poder rodar de cada plano una o dos tomas únicamente. De hecho, ya desde la escritura de guión se tuvo en cuenta la limitación de tiempo y presupuesto. Así pudimos llevarla a cabo en ese tiempo récord.

En vuestra obra está muy bien trabada la historia y la forma de rodarla, ¿cómo decidisteis expresar la evolución del relato a través del tratamiento del color? ¿y el paso de la cámara anclada a la cámara al hombro? ¿Qué emociones queríais provocar?

La película narra la evolución de una relación de pareja. Y en el cine creemos importante que todo lo que se transmite debe ser expresado a través del lenguaje cinematográfico. Así, si la relación va “de la luz a la oscuridad” eso debía ser expresado  través de todos los recursos posibles. Desde el uso del color, que evoluciona –como la relación- desde lo cálido a lo frío, al uso de la luz, que va de lo luminoso a lo oscuro. Así, si ves un fotograma cualquiera de la película casi puedes adivinar en qué momento se encuentra la relación entre los personajes. Igualmente, a medida que el personaje principal va perdiendo sus “puntos de apoyo” y está cada vez más inestable y desequilibrado, ¿qué hacemos con la cámara? Justo eso, cuanto más desequilibrada está ella, más lo está la cámara, de manera que cuando la relación está bien, estabilizada, la cámara se mueve siempre sobre maquinaria anclada y los movimientos de cámara son suaves. Y cuando pierde el control, usamos más “cámara al hombro” inestable y errática.

Ortuño 3

Se ha hablado del esperpento, pero a mí vuestra película me irradia mucha ternura, ¿cómo habéis conseguido ese equilibrio entre lo grotesco y lo tierno?

Eso debe decidirlo el espectador. Nosotros hemos trabajado muy duro, ensayado mucho con los actores para buscar ese tono que es tan difícil; afortunadamente contamos con actores fabulosos que lo dieron todo y se dejaron la piel ensayando y trabajando intensamente, tanto Ken como Aïda así como Mari Paz y Jane. Pero, como digo, es ahora el espectador el que debe decidir si hemos conseguido ese equilibrio o no.

Sin duda, el personaje mejor desarrollado es el de la chica (así sin nombre) ¿cómo lo fuisteis construyendo? ¿Qué queríais expresar con su vestirse con varias capas de ropa? ¿Por qué las tablas de multiplicar?

La historia es la de ella, todo está focalizado en ella y todo lo vemos a través de sus ojos (y su mente). De hecho, el espectador no ve ni sabe nada que ella no sepa. Por eso el rostro de él no lo mostramos hasta que ella lo ve por primera vez, por ejemplo. Fue complicado dar con la actriz adecuada para retratar a un personaje que, aunque tuviese esas rarezas, pudiese producir empatía en el espectador. Afortunadamente, tras ver cientos (literalmente) de pruebas, apareció Aïda Ballmann, que creímos perfecta para el personaje por su mezcla de candidez y oscuridad. El personaje tiene muchas características, como su ingenuidad o su miedo al contacto con otras personas (por eso no quiere saber nada de los “extraños”), eso está simbolizado con las “capas” que ella viste, como si fuera una cebolla (cuando su vida se descompone, de hecho, la vemos literalmente descomponiendo una cebolla). Estas capas la protegen y la separan de ese mundo exterior que tanto miedo le da. La tabla de multiplicar es su refugio, es el cuento que le contaba su madre y gracias a lo cual podía “descansar” de su “exceso de amor” y recurre a ella cuando quiere sentirse a salvo. Aunque no siempre le funcionará, como vemos en la película.

Aïda rodaje

A vueltas con el personaje femenino, ¿fue difícil el casting? ¿Cuántas pruebas hubo y qué os decidió por Aïda? ¿Cómo fue el trabajo con ella?

Fue complicadísimo. Abrimos el casting al mundo entero, y Laura, directora de casting de la película, tuvo que ver cientos de pruebas de actrices de todo el mundo. Pero no encontrábamos lo que buscábamos. Cuando estábamos a punto de tirar la toalla, e incluso se barajó suspender el rodaje, nos llegó el vídeo Aïda Ballmann. Pero era sólo un vídeo, subido a Youtube, con su nombre y una dirección de email. Por su acento pensábamos que tendríamos que traerla de Alemania o de Austria, y empezamos a echar cuentas de si podríamos permitírnoslo, ya que queríamos ensayar durante al menos dos meses. Pero como era la única actriz que se ajustaba a lo que queríamos y estábamos casi desesperados, decidimos hacer el esfuerzo y traerla de donde hiciera falta. Cuál sería nuestra sorpresa cuando finalmente contactamos con ella y descubrimos que justo en aquel momento estaba viviendo en nuestra misma ciudad. Estaba destinada a ser la protagonista de la película, sin duda.

Ese aspecto general de cartoon, caricaturesco, ¿es una forma de suavizar uno de los dos finales sugeridos?

Entre otras cosas. El tono que buscábamos era una mezcla de esperpento y de cuento tradicional. Y, como decía al principio, el objetivo principal era envolver de realismo mágico un relato que, de haber sido realista, hubiese podido ser insoportable de ver.

¿Ha sido difícil verla estrenada en España? ¿en cuántas salas se ha proyectado? ¿cómo ha respondido el público?

Cuando haces una película independiente sin ayudas ni subvenciones cada paso es una odisea. Por suerte, la película ha ido funcionando bien allí donde ha ido, lo cual ha ido allanando el camino de distribución de la película. Las críticas fueron muy positivas, y que grandes medios como el Hollywood Reporter la recomendaran hizo que distribuidoras de todo el mundo se interesaran en ella. Ortuño 4Así, conseguimos distribución en países como EEUU o Colombia, y eso ayudó a que en España pudiese llegar a los cines, y a partir de octubre a plataformas digitales como Filmin. Además, el año que viene se podrá ver en algunas televisiones. Por ahora está en pocas salas, pero lo bueno es que en las dos semanas que lleva en cartel en lugar de ir reduciéndose el número de copias (que suele ser lo habitual) se han ido aumentando ya que el público está respondiendo bien.

Vosotros mismos sois responsables del guion, la dirección y la producción, ¿cómo os decidisteis a hacerlo todo vosotros solos?  ¿Cuáles son los proyectos de futuro de Acheron Films?

Nosotros habitualmente trabajamos en proyectos de encargo o de otras productoras. Creamos Acheron Films precisamente por la necesidad que teníamos de contar nuestras propias historias, a nuestra manera, como esta película. En estos momentos estamos trabajando en el desarrollo de una serie que rodaremos en Canarias y que probablemente llevaremos a cabo con el mismo equipo de The Extraordinary Tale. Será muy diferente a la película, pues el género será el thriller de acción, pero sí será también una historia muy personal y contada a nuestra manera.

Ortuño 2

 
Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Cameo edita ‘The Extraordinary Tale’, una de las sorpresas de 2014

98a82fd7-f934-4d49-9890-d88489e97bd1Encargarse de un blog de cine te abre las puertas a ver muchas películas, tantas que es difícil juzgarlas en sí mismas, porque, no nos engañemos, la mayoría no son obras maestras ni su absoluto contrario, malas hasta decir basta. Al final llegas a la conclusión de que, en verdad, sólo existen dos categorías: las que prefieres olvidar y las que deseas grabar en tu memoria salvándolas del marasmo de las medianías. Y, sin duda, sólo sobre las segundas apetece escribir. De modo que si estáis leyendo estas líneas es porque he querido que The Extraordinary Tale no se pierda en el mar del olvido, he querido grabarla en el recuerdo mediante la palabra escrita. La ópera prima de José F. Ortuño y Laura Alvea merece que le dedique este espacio.

Nacida como tentativa de catarsis personal, The Extraordinary Tale supone todo un ejercicio de estilo en el que destaca su arriesgada (y a la vez meditada) apuesta estética. Nos encontramos con dos únicos protagonistas (y apenas otros dos figurantes, más el bebé) cuya historia se dejaría resumir en el clásico “chico conoce a chica”, si no fuera por la extravagancia de los personajes y de la construcción narrativa de su peripecia. Tratamiento de los personajes que nos puede recordar a Wes Anderson cuya obra, sin  embargo, no era conocida por los directores antes de producir su película (vistos a posteriori sus filmes, admiten que la referencia es comprensible). También nos viene a la memoria el imaginario de Jeunet y Caro, pero no el de Amelie, como tanto se ha escrito, sino el de Delicatessen (más concretamente al modo que tenía esta de retratar la historia de amor), cuyo director de fotografía, Darius Khondji, sí fue tomado en cuenta por los realizadores sevillanos. Por su colorido y su tono burlesco se aproxima a los primeros trabajos de Javier Fesser, mientras que por su planteamiento temático su antecedente es Cabeza Borradora (y confesaban los autores que habían obligado a los actores a ver esa ópera prima de David Lynch para tomar el pulso de su historia). Y hasta aquí el listado de influencias buscadas (o no) por la película, sirven para situar su marco referencial, pero no la agotan, porque si algo define a The Extraordinary Tale es su carácter de obra personalísima.

the extraordinary

El ‘Tale’ que figura en el título no es un sustantivo elegido al azar, todo lo contrario, esta película pretende (y logra) desarrollarse al modo de los cuentos tradicionales con su atemporalidad y su no ubicación. Por ello los protagonistas no tienen nombre y hay un único decorado (construido en plató) sin ningún plano exterior. También hay que entender su elección del inglés, el latín del mundo contemporáneo, como idioma, en su versión original, en función de esta voluntad de construir una fábula. La exageración es su baza, para hablar del problema de las relaciones, las dificultades para alcanzar la felicidad y, sobre todo, el sentido de la paternidad, fuerza la situación esquemática hasta el esperpento (esa invención tan española). Así, nos enfrentamos a una joven solitaria que para hacer amigos escribe cartas mecanografiadas (todo un acierto de guión esa máquina de escribir que es una auténtica reliquia), unas cartas que nunca obtienen respuesta hasta que otro joven solitario como ella se decide a abrir el buzón (no lo había hecho antes porque no creía que nadie quisiera ponerse en contacto con él). Se conocen, se enamoran y… ella queda embarazada sin haberlo pretendido. El niño será un cuerpo extraño en esa morada y en esa relación. La existencia misma del bebé es la que convierte el idilio en distanciamiento y discordia. Este arco de transformación nos viene contado ya por la paleta de la fotografía y los movimientos de la cámara. Pasamos de la cámara anclada de los inicios del romance, a la cámara al hombro de los momentos de enfriamiento, con el correspondiente viaje de la placidez al desasosiego tanto en lo narrado como en la forma de hacerlo. Esa evolución de la ilusión a la frialdad, viene marcada igualmente por el color: en su arranque dominan los tonos cálidos y una iluminación casi cegadora, luego,  poco a poco van entrando los colores fríos y se va retirando la luz hasta llegar a un fundido en negro, fundido que marcará la elipsis argumental que introduce su final abierto e inquietante (y que no voy a contar porque debéis verlo).

the extraordinary 2

Capítulo propio merece la representación de Aïda Ballmann en el papel de la chica. Canaria de padres alemanes, la actriz vuelca su experiencia de acróbata e interprete teatral en la composición de su personaje al que dota de un aura de ingenuidad y ternura aún siendo como es un esperpento, una deformación de la realidad que paradójicamente Aïda logra hacernosla sentir como auténtica. Con pocas líneas de diálogo, el trabajo recae en la expresión corporal y facial, acercándose así la interpretación al arte de la mímica, arte que ha de dominarse bien si no quiere caerse en lo ridículo, cosa que no ocurre en esta cinta. Es virtud de la actriz conseguir que el personaje goce de un sinfín de matices, como lo es también que nos enternezca esa muchacha entusiasta, tremendamente tímida y poco avezada en las relaciones con los demás, que se refugia en las tablas de multiplicar (the time table) cuando una situación se le desborda. Aïda Ballmann es la artífice que hace posible que acompañemos al personaje en su conflicto y que nos llegue la reflexión sobre el problema de la paternidad al que está enfocada temáticamente la película.

the_extraordinary_tale_-_h_2013

José F. OrtuñoLaura Alvea, además de compañeros de trabajo, son pareja y, como a muchos nos ha ocurrido, pasados los treinta y… todos en su entorno, familia, amigos, conocidos, les asaltaban con la pregunta sobre a qué esperaban para tener hijos. Esa cantinela demuestra que, muchas veces, se accede a la paternidad en un acto irreflexivo marcado por el calendario social (y también biológico).  A nuestra pareja de autores le pareció que era necesario hacer recapacitar sobre ello y pensaron que la mejor manera de hacerlo era llevando a cabo lo que mejor se les da: contar una historia. The Extraordinary Tale está pensada como una reflexión sobre el hecho de tener hijos alegremente sin pensar en las consecuencias y, sobre todo, sin calibrar nuestra capacitación para emprender una aventura tan relevante. Y medita sobre ello en tono de comedia del absurdo que por momentos llega a tener toques de humor negro. De paso, muchos otros temas vinculados a éste quedan igualmente reflejados: el peso de la soledad, la complejidad de las relaciones humanas, la falta de formación emocional, el difícil acceso a la felicidad. Todo ello sin perder nunca su ágil tono caricaturesco, no hay nada como el humor para abordar los temas más serios.

The Extraordinary Tale es una película atípica, quizás no del agrado de todos los paladares, pero que deleitará a quienes gusten de la singularidad narrativa. Intrépida y divertida, extravagante y cautivadora, pero sobre todo, sobre todo, inmensamente tierna. Una delicia que nos descubre el talento de José F. OrtuñoLaura Alvea y que Cameo edita con la calidad a la que nos tiene acostumbrados.

El DVD tiene unos interesantes extras que recorren todo el espectro del rodaje. De forma breve pero completa con imágenes del casting, ensayos, efectos visuales, rodaje y un pequeño making of. Puede disfrutarse tanto doblada, como en la más recomendable versión original. También cuenta el DVD con audiocomentario, en inglés y castellano, de los directores, además de tráiler y fichas. Material inédito y curiosidades que permitirán profundizar en una de las películas españolas más interesantes y premiadas. A  lo que desde Proyecto Naschy también contribuiremos entrevistando a uno de los directores, José F. Ortuño y a su estrella, Aïda Ballmann. Permanezcan atentos a sus pantallas.

 

Sitges 2018: ‘Ánimas’, inaugurando Noves Visions

Hay películas tan redondas en sus giros argumentales que lo mejor que puede decir el crítico de ellas es que son imposibles de comentar si se quiere preservar su magia. Ese es el caso de Ánimas. Así que deberíamos concluir este comentario aquí y dejar que el público la goce sin falsillas, que la goce como experiencia propia sin depender de otro criterio que el suyo. ¿Pero quién puede resistirse a hablar de una obra que nos ha calado hondo por su enorme poder de sugestión?

Hay mucho que decir sobre el segundo largo de ficción del tándem José Ortuño y Laura Alvea, pero hay que hacerlo con la precisión de un cirujano, con incisiones meticulosas que permitan separar sus tejidos sin malograr su cuerpo. Hablar de la maestría con la que se dirige su intriga, pero sin desvelar ni un solo ingrediente de su fórmula. Algo salta a la vista, la clara conciencia de sus autores de que el cine es fundamentalmente imagen, manejan un guion sólido (adaptan la novela del propio Ortuño), sin fisuras, en el que cada detalle está pensado, pero si funciona como película es por el esmero con el que traducen cada palabra en ítem visual.

Quienes sigan un poco la trayectoria de nuestros autores sabrán del trabajo docente de Acheron Films (su sello), de su dominio de la teoría, por tanto, algo que nos demuestra José Ortuño en sus lúdicos #ortuvideos (si no los conocen, ya están tardando en hacerse seguidores de su canal de Youtube), Ánimas confirma lo que ya demostraron con The Extraordinary Tales, que en su salto a la práctica todo ese conocimiento se convierte en oficio. En buen oficio. Cojamos un elemento como muestra: el tratamiento del color. En el arte en general, y en el cine en particular, el uso del color no es casual, es un recurso expresivo con el que el creador nos comunica un concepto, nos hace llegar sensorialmente (y casi sin darnos cuenta) la idea que sobrevuela su obra, por la carga simbólica que pesa sobre los colores y, sobre todo, por el matiz con el que los significa cada artista en particular. Esto es algo que Shyamalan, por ejemplo (un ejemplo brindado por el propio Ortuño), tuvo presente cuando dirigió El sexto sentido, tenía claro que quería asociar el rojo a todo lo que remitiese a lo sobrenatural, de modo que la simple paleta cromática ya transmitiera la atmósfera y el secreto que era clave en el filme. En Ánimas tres son las tonalidades dominantes, el rojo para algunas situaciones, el dorado asociado al personaje de Abraham y, sobre todo, el verde que tiñe todo lo que se refiere a la protagonista, Álex. El verde, con su abultada carga psicológica, tan presente en el cine y que, por el modo de emplearlo en la película de nuestros directores, nos evoca el Vértigo de Hitchcock.

Imposible no ver la alargada (o más bien oronda) sombra del mago del suspense posarse sobre Ánimas, la cinta no esconde, además, su filiación: entre los pósteres que atiborran las paredes de la habitación de Abraham, ocupa un lugar de honor el de Psycho, la película que hizo nacer el cine de terror moderno. No es una cita baldía, además. Ese póster está ahí como pista para el espectador, una pista inteligente, una de aquellas que se quedan en la retentiva y permiten que el espectador, una vez ha descubierto el juego, diga aquello de “¡Ah, claro!”. Todas las alusiones a clásicos del género, que las hay, son significativas. Funcionan como señuelos, nos atraen hacia la formulación de hipótesis que no siempre se cumplirán, pero también (y a la vez) son señales que aportan luz y nos guían por la intrincada gincana cinematográfica que es Ánimas. Como toda intriga que se precie, la de Ánimas se cimienta en capas envolventes y concéntricas, entre ellas no falta el macguffin, uno bien construido que tiene entidad suficiente como para crear una línea argumental desde la que un espectador puede interpretar la cinta; un soporte convenientemente alicatado que permite una lectura superficial perfecta que se basta por si misma para satisfacer al público menos crítico. Nada que envidiarle al uranio de Encadenados. El esqueleto que subyace es un viaje al fondo de la mente que nos lleva hasta allí donde se edifica la identidad, al nido mismo donde incubamos nuestra persona (ya saben, máscara en latín) para enfrentarnos a nuestros traumas. A nuestros temores. Definitivamente, al miedo. Y todo ello en clave de género, pero abordado este desde una perspectiva personal que demuestra que aún se puede innovar en el fantástico sin inventar nada nuevo, tan solo jugando con los recursos clásicos de una forma original.

Dirigir tiene mucho de saber coordinar un equipo, porque el cine es un arte que aglutina el trabajo de un colectivo de artífices movidos desde la batuta del director. Así Ánimas no sería la que es si no hubiera contado con las aportaciones de Fran Fernández Pardo al frente de la dirección de fotografía, de Isabela Pérez a cargo del diseño de vestuario y, por supuesto, de la excelente labor del departamento de efectos especiales. Pero una de las tareas fundamentales es la del casting, la selección de los actores, realizada por la propia Laura Alvea en compañía de Marichu Sanz. Nos cuenta la directora que en sus entrevistas con los actores el criterio para elegirlos era sentir que con ellos entraba el personaje, eso ocurrió con Clare Durant, en ella vieron encarnarse al protagonista, tanto que cambiaron el guion para que el personaje central fuera femenino, y no masculino como rezaba en el original. Y es que esta joven actriz, debutante en cine, tiene una presencia y un arte escénico que llena la pantalla, imposible no enamorarse de su interpretación que nos hace sentir la carnalidad de Álex y su rico universo psicológico. Dándole la réplica nos encontramos con el también debutante en cine Iván Pellicer, excelente en su composición del papel de Abraham, en él vemos materializarse los perfiles de ese adolescente retraído y amante del cine de terror que tiene en Álex su pilar de apoyo. Necesario es mencionar también la aparición de Ángela Molina en un papel secundario, pero de vital importancia dentro de la trama. La veterana demuestra que sigue siendo el mismo animal cinematográfico que era en Bearn o la sala de las muñecas de Jaime Chavarri, probablemente su interpretación más recordada.

Ánimas, una inauguración de gala para la sección Novas Visions del Festival de Sitges. Sin duda una inauguración de gala. Ánimas, una cinta que solo con rememorarla nos provoca el deseo de volver a verla. Y estamos seguros de que en cada nuevo visionado podremos descubrirle nuevos matices, captar nuevos guiños, apreciar mejor la reflexión que comporta. Como ocurre siempre con las grandes obras.

 

El 5 de octubre se estrena el thriller de terror psicológico ‘ÁNIMAS’

El próximo 5 de octubre se estrenará en cines, de la mano de Filmax, Ánimas, un thriller de terror psicológico escrito y dirigido por Laura Alvea y José Ortuño.

La película es una adaptación de la novela homónima escrita por José Ortuño y se adentra en la psique adolescente. Además fue el único proyecto español seleccionado en L’Atelier del Festival de Cannes 2016.
Ánimas está protagonizada por Clare Durant (serie TV ‘Centro médico’), Iván Pellicer(serie de TV ‘Fugitiva’), Luis Bermejo (Magical GirlFe de etarras, serie de TV ‘Amar es para siempre’), Liz Lobato (series de TV ‘La Zona’ y ‘Motivos personales’)Chacha Huang (El hombre de las mil carasPerdiendo el este) y Ángela Molina (Blancanieves, Carne Trémula, La mitad del cielo).

Ánimas es una coproducción hispano-belga de La Claqueta PC, Acheron Films, Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised By Wolves con el apoyo de Eurimages, ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia y la participación de Canal Sur TV.

Para los directores y guionistas Laura Alvea y José Ortuño “estrenar Ánimas es la culminación de un sueño que empezó hace casi veinte años. En ella se retrata de forma muy personal el paso de la adolescencia a la edad adulta y todos los temores que eso implica: el miedo a adquirir la responsabilidad de la vida o a tomar decisiones vitales y las riendas del propio destino. Por eso solemos decir que ésta no es una película de miedo, sino sobre el miedo. En este caso, a crecer”. 

El productor Olmo Figueredo señala que “quien vea esta película encontrará referencias internas al cine de terror slasher de los 70, a Hitchcock o a Lynch, pero la realidad es que “Ánimas” es la mejor representación del universo creativo de sus directores, Laura Alvea y José Ortuño. Y es que, como pasara con su anterior película, ambos nos han regalado una de las películas de terror más personales, psicológicas y originales de los últimos años que, sin duda, no dejará a nadie indiferente”.

Sinopsis
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres.
Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento,  Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.

LAURA ALVEA es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad.
Ha desarrollado su carrera, principalmente, como ayudante de dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting.
Ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto), cortometrajes como Relojes de Arena, y el premiado largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table junto a José F. Ortuño.
Como ayudante de dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, El autor, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Arde Madrid, La trinchera infinita, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes, Flamenco, flamenco, de Carlos Saura, Colorado Avenue o el mediometraje El legado de Munt.
Ha sido directora de producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La isla mínima, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.
JOSÉ ORTUÑO ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez MejíasMás allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España. Mediometrajes como El legado de Muntpara Universal, largometrajes como El Sueño Logrado o Pleno al quince.
Como autor dramático ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos años después volvió a ser nominado por El árbol seco. Sus últimos trabajos han sido escribiendo y codirigiendo el largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table y los documentales La Vida en llamasWay to Jerez Nacido en Siria.
Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Terminó el rodaje de ‘Ánimas’ el nuevo thriller de terror de Laura Alvea y José Ortuño

20 septiembre 2017 Deja un comentario

Ángela Molina y Luis Bermejo forman parte del reparto junto con los debutantes Clare Durant, Iván Pellicer y Chacha Huang. Se trata del segundo largometraje del tandem andaluz Alvea/ Ortuño tras la notable repercusión de su ópera prima “The Extraordinary Tale”.

Tras seis intensas semanas de rodaje el pasado sábado terminó el rodaje Ánimas, un thriller psicológico de terror codirigido por Laura Alvea y José Ortuño con la producción de Olmo Figueredo González-Quevedo. La película ha sido rodada íntegramente en Sevilla y tiene previsto su estreno en 2018.

Jose Ortuño codirector, coguionista y coproductor de la película sobre Ánimas– “Aunque llevamos casi diez años desarrollando Ánimas, en realidad ésta es una película fruto de las vivencias de toda una vida. A través de esta historia sobre la madurez y el paso a la edad adulta hemos exorcisado muchos demonios y traumas de nuestra juventud, transformándolos en un thriller no de terror… sino sobre el terror. El terror a crecer.”

La película supone el debut interpretativo de Clare Durant, Iván Pellicer y Chacha Huang, que se verán arropados por Ángela MolinaLuis Bermejo (“Magical Girl”) y Liz Lobato (“El Alquimista Impaciente”).

Ánimas es el segundo thriller psicológico de terror de Laura Alvea y José Ortuño tras el éxito de su ópera prima The Extraordinary Tale, de la que tanto les hablamos aquí y que obtuvo, entre otros premios, la Biznaga de Plata Premio del Público en el Festival de Cine de Málaga, el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Independiente de Cardiff y Mejor Película de Terror Extranjera en el Atlanta Horror Film Festival.

Ánimas fue el proyecto de ficción mejor valorado el año pasado por la comisión del ICAA y es el único proyecto internacional que ha pasado por las dos incubadoras de proyectos del Festival de Cannes: L’Atelier 2016 y Frontières Market 2017.  Ánimas está producida por La Claqueta PC y Acheron Films, en coproducción con Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised by Wolves (Bélgica). Cuenta con el apoyo del ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia, Belgium Tax Shelter, Canal Sur TV y Eurimages.

SINOPSIS:

Alex es la mejor amiga de Abraham. Ambos comparten estudios, confidencias, miedos y una larga y estrecha amistad. Cuando Abraham empieza a salir con Anchi, una compañera de instituto, comienza a comportarse de manera extraña y a distanciarse de Alex, quién vivirá un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida.

 

LAURA ALVEA – CO-DIRECTORA Y CO-GUIONISTA
Laura Alvea es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad. Ha desarrollado su carrera, principalmente, como Ayudante de Dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting. Además, ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto) y, también, el cortometraje Relojes de Arena junto a José F. Ortuño.
Como Ayudante de Dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, Asesinos Inocentes, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas.
Ha sido Directora de Producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La Isla Mínima, Un Mundo Cuadrado, Asesinos Inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.
JOSÉ ORTUÑO – CO-DIRECTOR Y CO-GUIONISTA
José F. Ortuño ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez Mejías: Más allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España, coescrito La vida en llamas y Nacido en Siria,  y ha realizado mediometrajes como El legado de Munt para Universal, largometrajes como KiaN o Pleno al quince y un largo etcétera.
Como autor dramático, ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Premio Miguel Romero Esteo del Centro Andaluz de Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos años después volvió a ser nominado por El árbol seco.
En 2011 escribe y codirige el largometraje de ficción The Extraordinary Tale y actualmente rueda su nueva cinta de ficción Ánimas.
OLMO FIGUEREDO – PRODUCTOR
Socio fundador y gerente de las productoras La Claqueta PC y Tito Clint Movies, ha producido películas documentales (Nacido en Siria, 2016), cortos documentales (El hombre que estuvo allí, 2014), y series factual (La Vida en Llamas, 2015). El año pasado produjo su primera TV-Movie (La Xirgu, 2016).
Seleccionado como “New Producer To Watch” por el Mip-TV 2013, ha sido nominado a los Latin Grammys (10 años con Bebe, 2015), los RealScreen Awards (Amazonas Clandestino, 2015), y los Premios Goya en cuatro ocasiones (30 años de oscuridad, 2012). Ha recibido además dos Premios Forqué y un Platino a Mejor Película Documental.

Es Licenciado en Comunicación Audiovisual, graduado MEGA, graduado EAVE y miembro de las Academias de Cine Española y Europea.

Hoy comienza el rodaje de ‘Ánimas’ el nuevo thriller de terror de Laura Alvea y José Ortuño

Hoy 7 de agosto ha comenzado el rodaje en Sevilla de Ánimas, un thriller psicológico de terror producido por La Claqueta PC y Acheron Films, en coproducción con Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised by Wolves (Bélgica). Dirección y guion corren a cargo de Laura Alvea y José Ortuño y la producción por parte de Olmo Figueredo González-Quevedo en lo que supone su salto a la ficción tras ganar el Premio Platino y Premio Forqué por el documental Nacido en Siria.  El rodaje se extenderá durante 6 semanas, íntegramente en Sevilla y tiene previsto su estreno en 2018.

Los directores con los-protagonistas Clare Durant e Ivan Pellicer en el set.

La película supone el debut interpretativo de Clare Durant, Iván Pellicer y Chacha Huang, que se verán arropados por Ángela Molina (“Carne Trémula”, “Las Cosas del Querer”, “Blancanieves”), Luis Bermejo (“Magical Girl”) y Liz Lobato (“El Alquimista Impaciente”).

Ánimas es el segundo thriller psicológico de terror de Laura Alvea y José Ortuño tras el éxito de su ópera prima The Extraordinary Tale, que obtuvo, entre otros premios, la Biznaga de Plata Premio del Público en el Festival de Cine de Málaga, el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Independiente de Cardiff y Mejor Película de Terror Extranjera en el Atlanta Horror Film Festival.

Ánimas fue el proyecto de ficción mejor valorado el año pasado por la comisión del ICAA y es el único proyecto internacional que ha pasado por las dos incubadoras de proyectos del Festival de Cannes: L’Atelier 2016 y Frontières Market 2017. Cuenta con el apoyo del ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia, Belgium Tax Shelter, Canal Sur TV y Eurimages.

SINOPSIS:
Alex es la mejor amiga de Abraham. Ambos comparten estudios, confidencias, miedos y una larga y estrecha amistad. Cuando Abraham empieza a salir con Anchi, una compañera de instituto, empieza a comportarse de manera extraña y a distanciarse de Alex, quién vivirá un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida.

LAURA ALVEA – CO-DIRECTORA Y CO-GUIONISTA
Laura Alvea es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad. Ha desarrollado su carrera, principalmente, como Ayudante de Dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting. Además, ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto) y, también, el cortometraje Relojes de Arena junto a José F.
Ortuño.
Como Ayudante de Dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, Asesinos Inocentes, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas.
Ha sido Directora de Producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La Isla Mínima, Un Mundo Cuadrado, Asesinos Inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.

JOSÉ ORTUÑO – CO-DIRECTOR Y CO-GUIONISTA
José F. Ortuño ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez Mejías: Más allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España, coescrito La vida en llamas y Nacido en Siria, y ha realizado mediometrajes como El legado de Munt para Universal, largometrajes como KiaN o Pleno al quince y un largo etcétera.
Como autor dramático, ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Premio Miguel Romero Esteo del Centro Andaluz de Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos
años después volvió a ser nominado por El árbol seco.
En 2011 escribe y codirige el largometraje de ficción The Extraordinary Tale y actualmente rueda su nueva cinta de
ficción Ánimas.

OLMO FIGUEREDO – PRODUCTOR
Socio fundador y gerente de las productoras La Claqueta PC y Tito Clint Movies, ha producido películas documentales (Nacido en Siria, 2016), cortos documentales (El hombre que estuvo allí, 2014), y series factual (La Vida en Llamas, 2015). El año pasado produjo su primera TV-Movie (La Xirgu, 2016).
Seleccionado como “New Producer To Watch” por el Mip-TV 2013, ha sido nominado a los Latin Grammys (10 años con Bebe, 2015), los RealScreen Awards (Amazonas Clandestino, 2015), y los Premios Goya en cuatro ocasiones (30 años de oscuridad, 2012). Ha recibido además dos Premios Forqué y un Platino a Mejor Película Documental.
Es Licenciado en Comunicación Audiovisual, graduado MEGA, graduado EAVE y miembro de las Academias de Cine Española y Europea.

‘Ánimas’, terror español en Cannes

Nos gustó mucho el primer largometraje  de Laura Alvea y José Ortuño, The Extraordinary Tale, así que recibimos con alborozo la noticia de que su segundo proyecto, Ánimas, será un film de terror y que ha sido seleccionado para participar en L’Atelier de la Cinèfondation del Festival de Cannes

Coproducido por La Claqueta PC y Acheron Films, Ánimas es el único proyecto español seleccionado este año en el evento galo. En los últimos 3 años sólo 5 proyectos españoles han participado. “Ánimas” se rodará en inglés y tiene previsto su rodaje para finales de año. Su reparto internacional será anunciado en las próximas semanas.

POSTER-ANIMAS-b-1L’Atelier de la Cinéfondation acoge este año su duodécima edición e invitará al Festival de Cannes a 16 directores cuyos proyectos de película han sido considerados especialmente prometedores para cerrar la financiación durante la celebración del Festival de Cannes. Acompañados por su productor, podrán reunirse con posibles socios, indispensables para finalizar su proyecto y pasar a la fase de realización de su película. L’Atelier abre a sus participantes las puertas a las coproducciones internacionales, lo que permite acelerar el proceso de finalización de la película.

Ánimas’ thriller de terror psicológico, está escrito por José Ortuño basado en su novela homónima. Olmo Figueredo (La Claqueta PC) es productor ejecutivo, la jefa de producción es Marichu Sanz (Acheron Films). ‘Ánimas’ ya fue seleccionado el pasado año entre los seis proyectos españoles de “Small is biútiful”, el prestigioso foro de coproducción celebrado en Paris, además de haber pasado por otros foros y mercados internacionales.

Sinopsis: Cuando su mejor amigo comienza a actuar de manera extraña, Alex -un joven de 18 años- comenzará a vivir un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida. Investigará el origen de todo este tormento hasta lograr averiguarlo en un final tan sorprendente como impactante.

https://www.facebook.com/animasmovie/

file

Aïda Ballmann, nueva estrella en el firmamento del cine

17 febrero 2015 Deja un comentario

Descrita por el crítico de La Vanguardia como pieza para coleccionistas, The Extraordinary Tale ha sido una de las sorpresas más gratas que han llegado a nuestra cartelera en este 2014 y que ahora Cameo ha puesto a nuestra disposición en DVD. Hablamos sobre ella en este blog y entrevistamos a uno de sus directores, Jose F. Ortuño, pero nuestro trabajo no estaría completo si no le dedicásemos un artículo completo a Aïda Ballmann su protagonista y auténtica estrella del filme. Aïda nos enamora en su interpretación de la chica (sin nombre en la película), ella es la auténtica alma del relato presente en casi todos los planos, todo un trabajo actoral de gran calado. Sin duda una actriz que se entrega totalmente a su papel, pero también una mujer interesante en sí misma, Aïda ha tenido la amabilidad de responder a nuestras preguntas, sus propias palabras son su mejor carta de presentación. Os dejamos con ella y sus interesantes respuestas, espero que disfrutéis de su entrevista tanto como lo ha hecho quien escribe.

aida_016Tu infancia transcurrió en el idílico paraje de El Hierro, en un ambiente propicio al arte y la cultura debido al trabajo de tus padres, ¿qué es lo que te marcó más de esa época?

La libertad para desarrollarme tal y como necesitaba, gracias a la educación recibida. Obviamente, no existe nada perfecto y todo tiene sus dificultades o decisiones erróneas que se toman frente a ciertas situaciones en la vida, pero todo depende de cómo uno se las toma: El mayor regalo de mis padres ha sido entender que soy responsable de mi realidad y que, frente a cualquier situación tengo la posibilidad de elegir mi postura (positiva, para encararla y superarla, o negativa y victimista).

Para mí, la sociedad representa muchas veces una cárcel donde las normas sociales, protocolos, etc. no te permiten ser como realmente eres y te tienes que adaptar. Mi infancia, sin embargo, ha sido todo lo contrario: Un camino de descubrimientos. Pude probar muchas disciplinas artísticas, viajar desde muy joven, conocerme, plantearme el por qué de la existencia, etc.

Pronto te revelaste como una auténtica trotamundos, ¿cuántos países has conocido? ¿tu condición de viajera te influyó en tu decisión de ser actriz?

Mis viajes se iniciaron desde muy pequeña con mis padres, a los trece años ya hacía algunos viajes sola a Alemania y por las Islas Canarias.

Al cumplir dieciocho años, necesité volar y descubrir mundo. Había crecido en un entorno muy seguro y paradisíaco, en El Hierro, pero sabía que eso no lo era todo. Cogí la mochila y, junto a mi hermana melliza, me fui a Iglaterra, Irlanda, Holanda e hice el Camino de Santiago. Luego cruzamos el charco y nos introdujimos en la cultura de los países latinos por los que pasábamos (íbamos sin rumbo fijo: Si un lugar concreto nos gustaba, nos quedábamos). Pasamos por Brasil, Paraguay, Chile, Argentina, Bolivia, Perú y México.

En ese año sabático, conocí de cerca ese gran monstruo que azota a gran parte del planeta: La pobreza. Las desigualdades e injusticias que compartí de cerca al integrarme en las diferentes formas de vivir distintos lugares por los que pasaba, me hicieron plantearme cuál podría ser mi misión en este mundo. Sentía la necesidad de aportar algo bueno a la humanidad. De ahí que decidí ser actriz: Mi ilusión es recrear realidades, llamar la atención sobre ellas y hacer que las personas vivan una catarsis a través de ellas, se hagan preguntas e, incluso, busquen sus propias soluciones a ellas.

Aïda primer plano

Nada más volver a España, me matriculé en Gijón en Arte Dramático pero el vicio de viajar no lo perdí nunca pues para mí es muy interesante observar la sociedad de cada cultura, compararla y sacar a relucir lo positivo de cada una. Es casi un defecto profesional el inspirarme en la gente gracias a la observación y el análisis.

Así que, mientras estudiaba o trabajaba, me escapaba siempre que podía a descubrir algún rincón del mundo, como Japón, Colombia, Chile, Perú, Suiza, Estados Unidos, Portugal, Francia, etc.

Espero hacerme un buen mapamundi en mi cabeza antes de morir y entender a la humanidad… Me encanta la diversidad, hace que cada lugar y persona sea único e irrepetible, pero en el fondo todos somos muy parecidos en nuestros funcionamientos. Actuamos por motivación, por amor, por búsqueda de aprecio, por autosuperación, por supervivencia, por curiosidad,… En cualquier caso: Todos merecemos y necesitamos amor.

a004Estudiaste arte dramático en Asturias y Sevilla, tus primeros trabajos, sin embargo, fueron en los espectáculos de Isla Mágica, donde te formaste como acróbata. ¿Cómo conjugaste tu formación teórica y tu experiencia práctica? ¿Cómo han influido tus conocimientos circenses en tu oficio de actriz? ¿Está todo relacionado?

Mis primeros pasos en el mundo laboral fueron realmente en Gijón con la compañía de teatro infantil La sonrisa del lagarto, donde la comicidad y el teatro gestual fueron los pilares de expresión. Ahí me di cuenta de que, aunque con los estudios se aprende mucho, la mejor profesora es la experiencia.

Una vez que comencé a trabajar en Isla Mágica, la mayor parte de la teoría acumulada en mi mente durante años, me sirvió de muy poco para enfrentar un público demandante y cambiante con cada día que pasaba.

Por otro lado, viví la rutina en el arte, la mayor muerte para éste. Pasé por el proceso de convertir mi interpretación en algo mecánico a romperlo de nuevo y recuperar su frescura. Perfilé el arte del engaño a la manera de Al Pacino cuando dice: “Siempre digo la verdad, incluso cuando miento”. Es decir, daba igual cómo me sentía en mi vida personal, al espectador le tenía que transmitir lo que le ocurre al personaje con la mayor veracidad posible, aunque para ello tenga que recurrir a técnicas de interpretación. (Considero difícil hablar sobre técnicas, para mí se trata más bien de buscar caminos para expresar algo y estos “caminos” se pueden analizar y desmenuzar para convertirlo en una expresión consciente. En ese sentido, los cuatro años que me pasé formándome en la escuela, fueron más bien para descubrirme las herramientas que tengo, mis virtudes y defectos y aprender a canalizarlos hacia el resultado deseado).

VueloIsla-Magica

A nivel personal, opino que una persona es más completa cuanto más cosas sabe ya sea a nivel general o en relación a su profesión. Este pensamiento lo llevo a mi trabajo como actriz: Cuantas más disciplinas y habilidades domine, más herramientas tengo para enriquecer mi interpretación. Por suerte, he empezado a desarrollar estas facetas desde muy joven de manera autodidacta. Mientras estudiaba, seguía formándome en cursos puntuales que me interesaban y, durante los años que trabajé en el parque temático, seguía practicando mucho. Pude probar casi todo lo que aprendía con el público… Hasta que llegó el momento en el que me comencé a aburrir porque no sabía qué más hacer para seguir creciendo… Y fue entonces cuando apareció “The extraordinary tale” en mi vida.

Tu primer papel protagonista te llega de la mano de The Extraordinary Tale of the Time Table. ¿Qué te llamó la atención del proyecto? ¿Fue duro el casting?

El casting lo hice como uno más de los muchos que solía hacer, sin esperar ser seleccionada, casi como si formara parte de mi entrenamiento interpretativo. Después de unos meses, me llamaron para un segundo casting junto al que sería mi compañero de reparto, Ken Appledorn.

Tengo que decir que odio los casting, suelo pasarlo fatal porque no me gusta que me analicen de arriba a abajo. Pero en esta ocasión, decidí disfrutarlo y dar lo mejor de mí. Si les gustaba mi trabajo, bien, si no, tampoco perdía nada. Y resultó que les gusté y que decidieron confiar en mí con este gran proyecto.

Cuando leí el guión no entendí mucho: Era un mundo raro en el que sólo alcanzaba visualizar algunas imágenes de escenas concretas. Pero me atrapó y, en los primeros ensayos comencé a vislumbrar el camino a seguir.

aida_018Tu personaje en el filme apenas usa la palabra oral, se comunica escribiendo y, sobre todo, con sus expresiones faciales. ¿Tenías conocimientos sobre el arte de la mímica? ¿Cómo te ayudó tu condición de acróbata en la interpretación?

Sobre el arte de la mímica sabía lo justo que había aprendido en la escuela de arte dramático. Aunque siempre me gustó expresarme con el cuerpo, creía que mi gestualidad era poco precisa y que no transmitía con suficiente claridad el mundo interior de mi personaje. Me obsesioné con esa idea: Durante dos meses no hacía más que pensar en detalles a mejorar en la película desde que me levantaba y hasta que me acostaba y , aunque seguía trabajando en el parque temático, éste dejó de importarme. Lo mismo pasó con mis amistades. Pobres, qué paciencia.

La acrobacia no fue más que un suplemento que introduje aquí y allá en algunas escenas para darle más color al personaje y resultó que calzó muy bien.

Es imposible ver The Extraordinary Tale y no salir enamorado de tu actuación. ¿Cómo preparaste el papel? ¿Hubo alguna escena que te pareciera especialmente complicada? Hay un momento en el filme en el que caes al suelo desde los hombros de tu compañero, ¡¡hace daño verlo!! ¿Fue tan real la caída como lo parece?

La caída fue un accidente. Como rodamos en 13 días no hubo tiempo para la improvisación: Tuve que llevar cada escena ensayada al dedillo para no equivocarme. Pero ésta fue la última que rodamos y me permitieron improvisar. Me dio tiempo de decirle a Ken: “Me voy a subir a tus hombres, me tienes que agarrar de los tobillos y caminar”, no tuve tiempo para decirle más nada porque en medio de los “¿qué, quéeee?” de Ken, escuchamos el “¡acción!” y me subí a sus hombros. Ken hizo todo como ordenado, pero empezamos a tambalearnos. Ken, asustado, no me soltó los tobillos en ningún momento, un compañero muy protector; hizo lo que cualquiera que nunca hubiera hecho acrobacia… Lo correcto hubiera sido que me soltara los pies para saltar, pero, en lugar de ello, fueron mis rodillas lo primero que tocaron el suelo. Me di tal golpe que estuve cojeando durante dos meses. Por supuesto, le resté importancia: Tocaba celebrar el final del rodaje y no tener a todo el mundo preocupado por mi, por mi falta de noción del peligro: Me gusta rozar los límites para que éstos se expandan. Pero ese riesgo a veces supone pequeños accidentes.

El papel me lo preparé de la siguiente forma: Cogí el guión y, tras leerlo varias veces, apunté con un verbo cada acción del personaje. Cuando ensayábamos, uno de los directores me iba leyendo los verbos, yo los iba ejecutando (sin objetos, normalmente, sólo el gesto) neutralmente y el otro director me iba grabando. Luego recibía correcciones y lo repetía hasta dos o tres veces más, empapando cada vez más estas acciones con las emociones y pensamientos del personaje. De ahí fue surgiendo su particular manera de expresarse y de moverse.

CuerdaFloja

Una vez terminado el ensayo, apuntaba hasta el mínimo detalle lo que había hecho para releerlo y practicarlo yo sola.

Prepararme las escenas fue relativamente fácil una vez que entendí cómo era y cómo se expresaba el personaje. En los ensayos tuve tiempo de probar y de desechar lo que no funcionaba. De esta manera, en el rodaje iba a tiro hecho. Pero sí que hubo dos escenas que se me atravesaron: Una en la que Ken y yo nos besamos por primera vez donde, entre el agotamiento y la cara de éste, no podía parar de reírme. Cada vez que giraba la cara hacia él, me quería morir. Verlo tan manchado de chocolate a las cinco de la mañana y con esa cara de inocente era demasiado para mí.

La otra escena que se repitió más veces de la cuenta (normalmente íbamos a toma única o dos tomas) fue aquella en la que recojo la ceniza de mi madre del suelo y la voy colocando en vasos en el borde del fregadero mientras hablaba. La escena en sí no tenía gran dificultad para mí pero o fallaba yo o lo hacía el cámara: Nos costó ponernos de acuerdo para la toma buena.

Zancos1Jose-Wela¿Cómo fue tu relación con la pareja de directores? Rodasteis en apenas dos semanas, ¿Fueron duras las sesiones? ¿Qué anécdotas divertidas nos puedes contar?

Ser dirigida por dos artistas fue sublime: Odio sentirme perdida como actriz con falta de indicaciones. En este caso y, aunque ambos caminaban en la misma dirección, ambos me enriquecían desde su perspectiva.  Generalmente, Laura me daba muy buenas notas sobre el mundo interior del personaje mientras que Ortuño era más técnico.

El rodaje fue duro por las largas jornadas (la primera semana rodamos de noche y la segunda de día) pero, como estaba haciendo lo que más me gusta, se me hizo muy ameno. Una vez finalizado el rodaje, me di cuenta del enorme desgaste que supuso para mí: Lo di todo y me quedé vacía. Durante el rodaje, no me permitía fallar, fueron muchas horas de máxima concentración, tenía que tener la energía justa que requería cada escena aunque mi cuerpo no podía más (durante la primera semana, encima, trabajaba de día en el parque temático), etc.

A todo esto, se sumó una ola de calor. Esto supuso que en plató, hiciera de cincuenta grados para arriba, por los focos. Había que evitar ver los chorros de sudor en cámara y salir a la calle a los 48 grados era “coger el fresco”.

Recuerdo con mucho cariño la noche en que me vistieron de novia para casarme con Ken. Él tenía que cogerme en brazos, conseguir meterme por la puerta de la casa y darme un beso. No lo lograba, me quedaba atascada golpeando con los pies la pared de la casa y haciendo que temblase entera. Ken se fue poniendo nervioso y, en una de esas, me dio un beso con más intensidad de la esperada y mi labio empezó a sangrar con tal ímpetu que me tuvieron que proteger del vestido para no mancharlo.

aida_003

Del rodaje hay poco que contar porque iba todo sobre ruedas y no podíamos perder el tiempo. Pero rodar con el niño de dos años fue una experiencia muy dura: Cada vez que me veía se echaba a llorar y salía corriendo, así que no pudimos grabar juntos casi nada. Al final, optaron por hacerle jugar sólo en plató y, cuando hacía algo que cuadraba con la escena, me lo contaban y yo reaccionaba ante cámara como si lo tuviera delante.

The Extraordinary Tale es toda una prueba de fuego en la que se ve todo el talento que posees, ¿Qué vendrá ahora? Cuéntanos tus proyectos de futuro.

Ahora mismo tengo tres proyectos de películas a rodar de aquí a un año y una serie: Protagonizaré “Muerte Súbita” de Domingo Doreste, así como “El Sendero Bimbache” de Iván López y haré un secundario en Uno de Alejandro Marcos. La serie es “The Holy Fountain” de José F. Ortuño y Laura Alvea.

No puedo imaginarme en otra profesión, así que espero poder seguir desarrollándome como actriz e investigando sobre mis limitaciones para romperlas: Desde la incomodidad y el suelo inestable salen las mejores sorpresas.

1902785_644042142297832_255162962_n

 
Categorías:PIN UP, VAMOS DE ESTRENO

Cameo: Novedades en DVD y Blu- ray para febrero.

cameo

Cameo anuncia unas suculentas novedades para febrero de 2015. Entre ellas una de las películas que más nos sorprendió el año pasado: la deliciosa y perversa The Extraordinary Tale of the Times Table. Pero también un gran clásico que cumple treinta añitos, Sangre fácil de los hermanos Coen, de la que Cameo nos ofrece su Director’s Cut. También más que documentales sobre música, danza y la más terrible actualidad con 20.000 Días en la tierra, Five Days to Dance y Confesiones de un banquero. Sin olvidar el mejor cine europeo y español con títulos como Ida, En un patio de París o Magical Girl.  Todo ello como es habitual editado con los extras disponibles y, por supuesto, opción a disfrutarlo en V. O. subtitulada.

NOVEDADES 4 / 2 / 2015

The extraordinary tale of the times table (DVD)

Fantástico. España, 2014, José F. Ortuño. Con Aïda Ballmann; Ken Appledorn; Mari Paz Sayago
Tras su estreno en EE.UU. y España el pasado verano, The Extraordinary Tale debutó en Filmin, la plataforma de video bajo demanda líder en cine independiente en España, en el puesto número 1. Lo que son excelentes noticias para una película financiada con capital privado y sin subvenciones públicas durante su rodaje. Además, la película será reestrenada en Estados Unidos en la primavera del 2015 tras su  estreno “limited” el pasado verano.   

 The Extraordinary Tale es una comedia negra, “un cuento de hadas macabro” como lo definen sus directores Laura Alvea y José F. Ortuño que ya fueron seleccionados con su cortometraje Relojes de Arena en el Festival de Venecia. Es una película dirigida a un público internacional rodada en inglés y ambientada en ningún lugar concreto del mundo. Por ello, los autores se rodearon de un reparto internacional, empezando por la protagonista, Aïda Ballmann, de origen alemán y el actor norteamericano  Ken Appledorn. 

Sinopsis: Un oscuro cuento de hadas en la que “chico conoce chica, chico se enamora de chica, chica sufre un transtorno obsesivo compulsivo, chico y chica tienen un chiquitín, chicho y chica se deshacen del chiquitín y Chico y  viven felices y comen perdices”.

Extras: Tráiler, casting, efectos visuales, el doblaje, ensayos, imágenes de rodaje, making of, ficha artística, ficha técnica; audio comentario de los directores en versión inglesa y castellana
Sangre fácil (Blood Simple) (DVD)
Thiller, USA, 1984. Joel y Ethan Coen. Con  John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya,  M. Emmet Walsh
Sinopsis: En el corazón de Texas, una joven esposa, guapa y seductora, cae en brazos de Ray, uno de los empleados de su marido. Convencido por un detective de la infidelidad de su mujer y obsesionado por el engaño, Julian se decide a preparar el asesinato de Ray. Desde ese momento, todo se complica y sus planes se truncan. Lo que podía haber sido un asesinato perfecto se vuelve una auténtica pesadilla: el propio detective se convierte en la víctima y los infortunados amantes el blanco de un desesperado y calculador asesino.

20.000 Días en la Tierra (20,000 Days on Earth) (DVD)
Documental, UK, 2014. Ian Forsyth y Jane Pollard. Con  Nick Cave, Susie Cave, Warren Ellis, Darian Leader, Ray Winstone, Blixa Bargeld, Kylie Minogue, Arthur Cave, Earl Cave
Ficción y realidad se combinan en 24 horas en la vida de Nick Cave, músico e icono cultural internacional. Con sorprendentes hallazgos y un íntimo retrato del proceso artístico, 20.000 días en la Tierra examina lo que nos hace ser lo que somos y celebra el poder transformador del espíritu creativo.
Winter Sleep -Sueño de invierno- (Kis uykusu) (DVD)
Drama, Turkía, Francia y Alemania, 2014.  Nuri Bilge Ceylan. Con Haluk Bilginer; Melisa Sözen; Demet Akbag; Ayberk Pekcan
Sinopsis: Aydin, un antiguo actor, regenta un pequeño hotel en Anatolia central con la ayuda de su joven esposa Nihal, de la que se ha distanciado sentimentalmente, y de su hermana Necla, que acaba de divorciarse. A medida que el invierno avanza y la nieve recubre la estepa, el hotel se convierte en un refugio, pero también en un lugar sin salida que sirve para avivar los resentimientos.

Confesiones de un banquero (Der Banker: Master of the universe) (DVD)
Documental, Austria / Alemania. 2013. Marc Bauden.
Sinopsis: Los verdaderos amos del universo no son ni los políticos, ni los ejércitos, ni los gobiernos. Los verdaderos amos del universo son los bancos de inversiones. Un poderoso banquero alemán nos ofrece una inquietante visión de sus emociones, motivaciones y predicciones, mientras nos desvela un universo paralelo de ingresos desorbitados y presión despiadada. Descubrimos un sistema que aísla los banqueros del resto del mundo y los convierte en incapaces de reflexionar sobre su propio trabajo.

Five Days To Dance (DVD)
Documental, España / Alemania, 2014. Rafa Molés y Pepe Andreu.
Sinopsis:Una pareja de bailarines aparece una mañana en el aula de un instituto. Es lunes y anuncian a un grupo de adolescentes que tienen cinco días para subirse a un escenario y bailar. Una semana para cambiar las cosas. Un pequeño plazo pero un gran reto: mover a las personas cuando el mundo nos paraliza. La danza obliga a esos jóvenes a romper sus roles justo en el momento de sus vidas en el que los roles sociales se están forjando. El líder deja de ser el más admirado, el tímido da un paso adelante… Bailar les obliga a tocarse. Se comunican, se igualan. Alguno no se liberará hasta el último instante.

NOVEDADES 18/02/15

Frank (DVD)

Comedia, USA/Irlanda/UK, 2014. Lenny Abrahamson. Con Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Domhnall Gleeson, Shane O’Brien, Scoot Mcnairy
Sinopsis: Jon es un joven aspirante a músico que se une a un grupo pop vanguardista liderado por el misterioso y enigmático Frank: un genio excéntrico que se esconde bajo una enorme cabeza postiza.

Extras: Tráiler, Entrevistas, Ficha artística y Ficha técnica
Zombis nazis 2: Rojos Vs. muertos (Dead Snow 2) Disponible en DVD y Blu-ray
Comedia de terror, Noruega/Irlanda/USA/UK, 2014. Tommy Wirkola. Con Vegar Hoel, Ørjan Gamst, Martin Starr, Jocelyn DeBoer, Ingrid Haas
Sinopsis: La amenaza de los zombis nazis es todavía mayor, pero en esta ocasión las fuerzas aliadas contarán con la ayuda de un comando norteamericano especializado en exterminar muertos vivientes.
 
Magical Girl (Disponible en DVD y Blu-ray)
Drama, España, 2014. Carlos Vermut. Con Bárbara Lennie, José Sacristán, Luis Bermejo
Sinopsis:Alicia, una niña enferma, sueña con el vestido de la serie japonesa “Magical Girl Yukiko”. Luis, su padre, hará todo lo que esté en su mano para conseguirlo. Su destino se cruza con el de Bárbara, una atractiva joven con desórdenes mentales, y con el de Damián, un profesor retirado de todo menos de su tormentoso pasado. Luis, Bárbara y Damián quedarán atrapados en una red de oscuros chantajes, en la que instintos y razón se debatirán en una trágica lucha.

Extras: Tráiler, Making of, ¿Qué es Magical Girl?, Producir en España, Toros, coplas y anime, Ficha artística, Ficha técnica
En un patio de París (Dans la cour) (DVD)
Comedia/Drama, Francia, 2014, Pierre Salvadori. Con Catherine Deneuve, Gustave Kervern, Pio Marmaï
Sinopsis: Antoine es un músico de unos 40 años que de pronto decide abandonar su carrera. Tras deambular sin rumbo durante varios días, lo contratan para que se encargue del mantenimiento de un edificio de pisos. Mathilde, una jubilada que acaba de mudarse, descubre una grieta en la pared del salón y es víctima del pánico. Poco a poco nace una amistad torpe, aunque sólida, entre Antoine y Mathilde.

Betibú (DVD)
Thriller, 2014, Miguel Cohan. Con Alberto Ammann; Daniel Fanego; Jose Coronado
Sinopsis: En una exclusiva urbanización de las afueras de Buenos Aires, el poderoso empresario Pedro Chazarreta es hallado muerto. Para dar cobertura a lo que, sin duda, será la noticia del año, el director del periódico de mayor tirada del país convoca a la prestigiosa novelista Betibú para escribir una serie de columnas sobre el caso. La escritora se involucrará poco a poco en la investigación y, con la ayuda de dos periodstas más, descubrirá que la muerte del empresario es solo el primer eslabón de una serie de asesinatos de hombres poderosos que comparten un oscuro pasado común.

Extras: Tráiler, making of, ficha artística y técnica
Alguien a quien amar (En du elsker) (DVD)
Drama, Dinamarca/Suecia, 2014. Pernille Fischer Christensen. Con Mikael Persbrandt; Trine Dyrhom; Birgitte Hjort Sørensen; Sofus Rønnov; Eve Best
Sinopsis: Thomas Jacob, un cantautor de fama mundial, vive en Los Ángeles. Después de una ausencia de años, regresa a Dinamarca para grabar un nuevo albúm y se reencuentra con la hija de la que se distanció. Esta le presenta a Noa, su hijo de 11 años. A pesar de no conocer al niño, a Thomas no le queda más remedio que cuidar de él. Poco a poco, la música hará que los dos conecten y Thomas se verá obligado a tomar una decisión que cambiará su vida para siempre.
Ida (Sister of Mercy) (Blu-ray)
Drama, Polonia/Dinamarca/Francia/UK,2014. Pawel Pawlikowski. Con Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela, Adam Szyszkowski, Artur Janusiak, Halina Skoczynska, Mariusz Jakus
Sinopsis: Anna es una guapa jovencita de 18 años que se prepara para convertirse en monja en el convento donde vivió desde que quedó huérfana de niña. Un día descubre que tiene una pariente viva a la que debe visitar antes de tomar los votos, su tia Wanda. Ambas se embarcan juntas en un viaje de descubrimiento sobre ellas mismas y de su pasado común. Ida, que en realidad es como se llama Anna, deberá elegir entre su identidad natal y la religión que le salvó de las masacres de la ocupación nazi de Polonia. Y Wanda deberá enfrentarse a las decisiones que tomó durante la Guerra, cuando eligió la fidelidad a la causa antes que a la familia.
Extras: Tráiler, entrevista al director

 

cameo

Categorías:DVD / BLU-RAY

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *

EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE (Jon Mikel Caballero, 2019)

España. Duración: 93 min. Guion: Jon Mikel Caballero Música: Luis Hernáiz Fotografía: Tânia da Fonseca Productora: Montreux Entertaiment / Trepamuros Producciones Género: Drama fantástico

Reparto: Iria del Río, Adam Quintero, Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito,Irene Ruiz, Luis Tosar

Sinopsis: Alba (Iria del Río) acaba de cumplir 30 años y se dispone a disfrutar de un fin de semana en una casa de turismo rural con sus amigos. Sus planes de fiesta pronto se ven frustrados cuando su novio Pablo (Adam Quintero) la deja.
Alba se ve entonces atrapada en un bucle temporal donde los hechos del fin de semana comienzan a repetirse una y otra vez.
Pero algo es diferente, cada repetición dura una hora menos que la anterior. ¿Es el bucle una oportunidad para solucionar sus problemas o un castigo? ¿Qué pasará cuando el tiempo se consuma? ¿Qué pasará cuando todo acabe definitivamente?

Una película pequeña, de poco presupuesto, pero convincente. Buena dirección, buenos actores, buena narración con un guión ingenioso y unas bonitas localizaciones. Su director, Jon Mikel Caballero, demuestra haber tomado buena nota de los diversos trabajos que ha realizado para J. A. Bayona o Kike Maíllo y tras dos cortometrajes, Hibernation (2013) y Cenizo (2016) que suman 55 premios y 300 selecciones internacionales, dirige su primer largo con pulso firme y las ideas muy claras. El increíble finde menguante es un drama fantástico con toques de comedia que no puede negar su clara inspiración en Atrapado en el tiempo y otras cintas con bucles temporales en las que todo se repite una y otra vez pero, en este caso, con una cuenta atrás de por medio: cada repetición se acorta una hora, restando tiempo a la protagonista para resolver sus asuntos pendientes y su atasco vital.  Un tiempo que se acaba, que caduca, como se termina la loca juventud de la joven protagonista, que treintañera, parece no darse cuenta de que hay que madurar y comenzar a plantearse lo que uno desea hacer con el resto de su vida.

Con algunos bonitos detalles, como el de las cápsulas del tiempo enterradas por una Alba niña en el bosque, o el que la pantalla se vaya comprimiendo conforme el tiempo se va acortando, lo que añade urgencia y ahogo a la historia, junto a una excelsas localizaciones naturales, hacen que la película sea algo más que una aventura, una enorme broma de jóvenes borrachos descontrolando en el bosque, a pesar de que Caballero comience su película como si de un clásico slasher se tratara, con los protagonistas llegando a la casa en la que se disponen a pasar un fin de semana etílico que resultará más largo de lo esperado, al menos para su protagonista, encarnada por Iria del Río, que realiza un magnífico trabajo, al igual que el resto del elenco en el que destaca Nadia de Santiago, una de nuestras debilidades, pero también Adam QuinteroJimmy Castro, Irene Ruiz y Adrián Expósito. Sin olvidar la participación de Luis Tosar, como padre de la protagonista.

Por todo ello nos ha convencido El increíble finde menguante, cinta que participó recientemente  en el Festival de Cine de Málaga y en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao- FANT, donde se ha llevado los premios al mejor  guión y director. Buen comienzo.

DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (The Extraordinary Journey of the Fakir, Ken Scott, 2018) 

Francia/USA/Bélgica/Singapur/India Duración: 92 min. Guion: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas) Música: Nicolas Errèra Fotografía: Vincent Mathias Productora: Brio Films / Little Red Car Films Género: Comedia

Reparto: Dhanush, Bérénice Bejo, Erin Moriarty, Barkhad Abdi, Gérard Jugnot,Sarah-Jeanne Labrosse, Seema Biswas, Abel Jafri, Uwamungu Cornelis,Mar Sodupe, Gandharv Dewan, Hearty Singh, Daniele Nisi, Amruta Sant,Omkar Ketkar, Pauline Maréchal, Edwin Gillet

Sinopsis: Aja, un joven que sobrevive en la India gracias a su ingenio y pillería, emprende un viaje a Francia para cumplir un sueño de su madre. En París, con pocos recursos económicos, decide pasar la noche en un IKEA donde conocerá a Marie. Pero sus esperanzas sentimentales se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado al extranjero, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.

Basada en el best seller de Romain Puértolas “El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea”, obra que fue traducida a 37 idiomas, el filme de Ken Scott, a pesar de la inequívoca buena voluntad puesta en él, no termina de ofrecer, bajo nuestro punto de vista, un producto satisfactorio. Si bien se trata de un cuento, una parábola sobre las cosas realmente importantes de la vida mostrado mediante una serie de casualidades y pequeños desastres que transformarán la vida del protagonista, así como su percepción de la existencia, el resultado, que podría haber resultado sanamente delirante, a la manera del realismo mágico, con denuncia incluida a los graves desequilibrios sociales entre clases y las reticencias hacia la emigración del tercer mundo, se queda a medio camino, con mucho de propaganda de Ikea y de recorrido turístico por Europa, ofreciendo de paso un mensaje un tanto equívoco y en ocasiones ofensivo lleno de tópicos. En todo caso no deja de ser un entretenimiento inofensivo, con algún buen gag y que posiblemente funcionará bastante mejor en su versión escrita, pues no en vano su autor ha publicado recientemente su continuación “Las aventuras de un faquir en el país de Ikea”.

LA TRAGEDIA DE PETERLOO (Peterloo, Mike Leigh, 2018)

UK/USA. Duración: 154 min. Guion: Mike Leigh Música: Gary Yershon Fotografía: Dick Pope Productora: BFI Film Fund / Film4 / Thin Man Films. Distribuida por: Amazon Video Género: Drama

Reparto: Rory Kinnear, Maxine Peake, David Bamber, Marion Bailey, Kieran O’Brien,Adam Long, Tim McInnerny, Leo Bill, Nico Mirallegro, Teresa Mahoney, Karl Johnson

Sinopsis: La tragedia de Peterloo’ es la representación épica de los hechos ocurridos en la Masacre de Peterloo de 1819, en la que una manifestación pacífica a favor de la democracia en Manchester se convirtió en uno de los episodios más sangrientos y notorios de la historia británica. Las fuerzas del gobierno británico cargaron contra una multitud de más de 60.000 personas que se habían reunido para exigir una reforma política y para protestar contra el aumento de los niveles de pobreza. La tragedia de Peterloo fue un momento decisivo en la democracia británica y fue el inicio de la fundación del periódico The Guardian.

Minucioso documento, de impecable ambientación y vestuario en el que los diferentes personajes parecen haber sido escogidos uno a uno para ofrecer la máxima verosimilitud con el fin de retratar la época y las costumbres de la Inglaterra de principios del siglo XVIII. El reputado director ingles, Mike Leigh, se toma su tiempo con la acción, cuidando cada una de las tomas, algunas de verdadera calidad pictórica inspiradas en Vermeer. El resultado es delicioso, su acción lenta, se toma su tiempo para llevar al espectador y a los diferentes personajes hasta el clímax. Un clímax que, aún sabido, enerva por lo familiar que resulta. Por mostrar como las guerras las ganan los políticos y los generales y siempre las pierden los trabajadores. Trabajadores que son obligados a pagar precios abusivos por los productos de primera necesidad que venden los terratenientes británicos. La cinta también muestra el comienzo de la industrialización y los inicios del movimiento obrero, y lo hace sin panfletismos ni soflamas. De manera sutil, casi documental. Sin embellecerlo ni magnificarlo. Un tipo de cine que, nos tememos, está condenado a desaparecer más allá del circuito de festivales.

Con un magnífico reparto, en el que no destacan grandes estrellas, La tragedia de Peterloo se presentó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, y en la  sección oficial de la reciente tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest), donde obtuvo el premio Educacine.

STEVE BANNON, EL GRAN MANIPULADOR (The Brink, Alison Klayman, 2019)

USA Duración: 93 min. Música: Ilan Isakov, Dan Teicher Fotografía: Alison Klayman Productora: RYOT Films. Distribuida por Magnolia Pictures Género: Documental

Sinopsis: Crónica sobre la vida personal y la carrera profesional de Steve Bannon, el estratega político responsable de la campaña electoral de Donald Trump, que se marcó como propósito extender por el país y el mundo el nacionalismo ultraderechista.

El que fuera asesor y jefe de estrategia de Donald Trump durante la campaña que le llevó a la Casa Blanca y los primeros meses de su mandato, así como artífice e ideólogo del brexit, ha dedicado los últimos dos años a erigirse en el referente aglutinador de las diversas fuerzas neofascistas que aspiran, este mes de mayo, a entrar con fuerza en el Parlamento Europeo.

Alison Klayman muestra al objeto de su estudio en su salsa: reuniones, entrevistas, conferencias… pero también en la trastienda, devorando comida basura y consumiendo continuamente bebida energética, así como haciéndose multitud de fotografías con “las dos espinas a los lados y la rosa en el medio” (o sea, la mujer entre dos hombres). Steve Bannon, que se considera, textualmente, señalado por la  Divina Providencia, es socarrón, casi simpático. Y vende su proyecto bajo el nombre de nacionalismo económico. Pero no nos engaña: a pesar de que en varios momentos del documental se invita a la directora a salir de diversas reuniones, para que su contenido no transcienda, se incluyen pequeñas y no tan pequeñas muestras de lo que en verdad está sucediendo. Tanto a él como a sus colaboradores se les escapan pequeñas perlas, pistas que retratan la catadura moral y política del personaje. Y es que la referencia que el mismo Bannon hace sobre Leni Riefenstahl no es gratuita, aunque su forma de adecuar su discurso, acomodando en el mismo cuando le conviene la mentira, nos recuerda mucho más a Goebbels. Y es que  Steve Bannon es un alumno aventajado del jerifalte nazi, que tanto sabía sobre el poder de la propaganda sobre la población. Y se comprende que cuando no se está destrozando la salud con bebidas energéticas, Bannon esté siempre pendiente de su teléfono móvil, herramienta que no deja de consultar.

Alison Klayman, Pepito Grillo del ex-asesor muestra sus contactos, además de con líderes ultraderechistas europeos como el ministro del interior italiano Matteo Salvini o el ex líder del UKIP británico Nigel Farage, con políticos pro-brexit, millonarios chinos e incluso sus antiguos compañeros de Goldman Sachs, el banco que gobierna el mundo. Todo lo cual ayuda a desenmascarar al gran manipulador.

Y provocar bastante desazón. 

Pues narra como Bannon y todos esos dirigentes ultraderechistas europeos pretenden dinamitar la Unión Europea. Lo que traman, lo que nos cuenta el documental, es inminente. Por eso nos parece fenomenal y muy oportuno que Filmin, en colaboración con #ConUnPack Distribución, lo estrene antes de las elecciones europeas, objetivo primordial de todas estas maquinaciones -no tan- en la sombra.

La película, que tuvo su premier en la reciente edición del Festival de Sundance, ha recibido el aplauso unánime de la crítica estadounidense y constituye una seria advertencia sobre lo que estamos viviendo, con el resurgir de la ultraderecha en países como Francia, Italia, Hungría, Polonia, Bélgica y, nosotros añadimos, España. Fuerzas que Steve Bannon planea aglutinar con objetivos que, más allá de terminar con la Unión Europea, todavía están por aclarar, pero que se adivinan peligrosos y respaldados por poderosos intereses. Un magnífico documental que debería pasarse en todas las televisiones públicas en horario de máxima audiencia. Quizás todavía estemos a tiempo de pararlo. 

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

III BCN Film Fest: un festival comprometido con su ciudad

Se celebró con gran éxito de crítica y público la tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCNFILMFEST) de nuevo en el incomparable marco de los Cines Verdi del barrio de Gràcia. Si la primera edición se caracterizó por estar realizada con cierta improvisación, obligada en parte por haberse adelantado en un año la fecha prevista de puesta en marcha; y la segunda por un trabajo bien orquestado y afianzado; esta tercera edición ha sido la de la puesta de largo de un renovado equipo comandado por la nueva directora del certamen, la crítica Conxita Casanovas, nombrada en noviembre del pasado año y con los objetivos claros: “teniendo a la literatura como compañera de viaje, hacer una programación de calidad para un público amante de la cultura que, además de divertirse, quiera aprender con el cine”.

El resultado ha sido un serio incremento en los títulos exhibidos: 55 en lugar de los 37 de la edición anterior, repartidos entre Sección Oficial (18); Cinema amb Gràcia (5); Zona oberta (8 largometrajes, además de series de TV y cortometrajes); Art al Cinema (4); Imprescindibles, que en esta ocasión homenajeaba a Charles Chaplin y Buster Keaton (8), y una sección dedicada a las recientes directoras del cine italiano, Femení Plural, que constó de 12 largometrajes. Títulos que se ofrecieron en sesiones populares, a 2,90 euros la entrada cuando no gratis, como fue el caso de las cintas italianas, entre otras. Todo lo cual ha repercutido en la asistencia de público, que incluso en las sesiones matinales se animó a conocer las propuestas de BCN Film Fest, consiguiendo así lo que su directora se proponía: “la consolidación como un festival de referencia en la primavera barcelonesa”.

Demos un somero repaso a lo que ha dado de sí esta tercera edición del BCN Film Fest:

INAUGURACIÓN / CLAUSURA

Para los actos de gala se han escogido dos películas tan diferentes como indicadas. Por un lado la inauguración contó con la producción catalana Litus, de  Dani de la Orden, una comedia que fue presentada por el equipo con todo el glamour, belleza y juventud que muchos buscan en un evento de estas características. Diferente y más interesante resultó la oportunidad de poder ver en pantalla grande La balada de Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs), última cinta de los hermanos Cohen que tras su estreno, en plataformas digitales, ha podido disfrutarse en pantalla grande.

SECCIÓN OFICIAL

La sección oficial constó de 18 películas: 12 de ellas ofrecidas en rigurosa première en España; 4 en première catalana y 2 como estreno mundial. Cinco de ellos fuera de competición.

De entre las propuestas ofrecidas en la sección oficial destacó con brillo propio El secreto de las abejas (Tell it to the Bees, UK, 2018), cinta de Annabel Jankel que aborda con inusitada delicadeza una historia de amor entre dos mujeres que se desarrolla en una pequeña ciudad escocesa a inicios de los cincuenta. Jankel retrata el asfixiante ambiente industrial, con su gris arquitectura, así como la sensación de culpabilidad que sufren ambas mujeres, que contrasta con la hipocresía imperante entre los habitantes de esa pequeña población, que con sus habladurías y rumores acusan a ambas mujeres de estar haciendo algo ‘antinatural’. Tan bien rodada como predecible, la película se beneficia de la participación de sus dos magníficas protagonistas, Anna Paquin y Hollyday Grainger.

Por su parte el biopic El bailarín (The White Crow, UK/FRA, 2018), se centra en un momento muy concreto de la vida de Rudolf Nureyev, cuando tras su estancia en París, junto a los otros miembros del ballet soviético, decidirá pedir asilo político. Dirigida por Ralph Fiennes, que también se reserva un papel como pusilánime maestro del divo, refleja muy bien la época que retrata: inicios de los sesenta en plena Guerra Fría, un escenario en el que se moverá el protagonista, Oleg Ivenko, interpretando convincentemente al temperamental y rebelde bailarín, entre escenas de su pasado, que ayudarán a completar el puzzle que conformará su compleja personalidad. Si algo se echa en falta en la cinta de Fiennes es, precisamente, alguna buena escena de baile, que sin duda hubieran añadido belleza a la propuesta.

Nacido rey, superproducción realizada entre Inglaterra, Francia, España y Arabia Saudita, es una epopeya histórica que se centra, al igual que la cinta de Fiennes, en un punto concreto de la vida del protagonista, en esta caso del príncipe Faisal, hijo menor del que será primer rey de Arabia Saudí, Abd-al-Aziz Ibn Saüd, cuando viaja a Inglaterra en busca de apoyos, por lo que deberá entrevistarse con el rey George V, Wiinston Churchill y Lord Curzon. Deliciosa, cinematográficamente perfecta, denota el amplio presupuesto con el que ha contado, aunque el resultado, con su aroma a cuento de hadas, delata su naturaleza de encargo, que Agustí Villaronga lleva adelante de manera eficiente pero impersonal. Una historia que contiene intrigas y choque cultural, pero también que también muestra las relaciones entre un padre y su hijo pequeño, que sabrá ganarse el respeto de su progenitor mediante el camino de la diplomacia.

Une Intime Conviction (FRA/BEL, Antoine Raimbault, 2018) es, por su parte, un drama judicial basado también en hechos reales,  aunque se ha introducido un personaje, precisamente el de la protagonista, Nora (Marina Fois), que la dota de dramatismo, pero también de irrealidad, al mostrar una obsesión hacia el caso que resulta un tanto fuera de lugar.

El británico Mike Leigh, ganador del Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes por Secretos y Mentiras y responsable de películas como El secreto de Vera Drake o Mr. Turner, visitó el BCN FILM FEST para presentar La tragedia de Peterloo (Peterloo)una reconstrucción fiel y dinámica de la violenta represión policial vivida en Manchester el 19 de agosto de 1819. También durante el festival se presentó el debut en la dirección de Rupert Everett, La importancia de llamarse Oscar Wilde (The Happy Prince), un biopic en el que también se encarga de interpretar al escritor y retratar sus últimos días en Francia. El resultado es algo lento y Rupert Everett, uno de los invitados al BCN Film Fest, finalmente no pudo estar por cuestiones de trabajo.

Sí se contó con la presencia en Barcelona de otros cinco directores, que presentaron su opera prima, con la que  participaban en la Sección Oficial: Agustina Macri, con Soledad (2018), que narra la vida de un icono del movimiento anarquista italiano; el joven dramaturgo Alexis Michalik con Cartas a Roxane (Edmond), que recrea la gestación y escritura de Cyrano de Bergerac; Salvador Simó, que presentó la película de animación Buñuel en el laberinto de las tortugas, que adapta el cómic de Fermín Solís, que versa sobre el rodaje de Las Hurdes, tierra sin pan, mítica y polémica película del director aragonésLaura Jou, que adapta en La vida sense la Sara Amat, la conocida novela de Pep Puig; y Víctor Cabaco, que junto a la actriz Ruth Díaz presentó Vitoria 3 de marzo, una de las más interesantes propuestas que explica los hechos de la masacre del 3 de marzo de 1976 en Vitoria. Entre el resto de la Sección Oficial, destaca la presencia de un único documental, La mirada de Orson Welles (The Eyes of Orson Welles, Mark Cousins).

OTRAS SECCIONES

CINEMA AMB GRÀCIA

Esta sección, dedicada a un género tan poco tratado en festivales como es el de la comedia contó, como en la anterior edición, con cinco títulos: Como pez fuera del agua (Come un gatto in tangenziale, ITA, Riccardo Milani, 2017); De la India a París en un armario Ikea (The Extraordinary Journey of the Fakir, FRA/USA/BEL/SING/INDIA, Ken Scott, 2018); Dulcinea (USA/ESP, David Hebrero, 2018); La biblioteca de los libros rechazados (Le mystère Henri Pick, FRA/BEL, 2019, Rémi Bezançon) y Lola y sus hermanos (Lola et ses Frères, FRA, Jean-Paul Rouve). Como vemos una pequeña pero diversa muestra de como se trata este género en el mundo.

ZONA OBERTA

Esta sección, auténtico cajón de sastre dentro del festival, contó con largometrajes autóctonos como Barcelona, la rosa de foc (2019), de Manuel Huerga, que se ofreció de manera gratuíta y Staff Only (Neus Ballús, 2019), que fue presentado por su directora y el actor Sergi López. También se proyectó la producción polaca Un atardecer en la Toscana (Dolce Fine Giornata, Jacek Borchuch, 2019) y En los 90 (Mid90’s, USA, Jonah Hill, 2018). Así como los  documentales Varda by Agnés (Varda par Agnés, FRA, Agnés Varda, 2019) auténtico testamento de la recientemente fallecida directora; y An Accidental Studio (UK, Bill Jones, Kim Leggatt y Ben Timlett, 2018), dedicado a la productora cinematográfica del ex-Beatle, George Harrison, sin la que no se hubiera rodado La vida de Brian, mítica película de Monty Python. El evento contó con uno de sus directores, Kim Leggatt. En sesión golfa se proyectó la copia restaurada de Tommy (1975) la mítica ópera Rock de The Who que Ken Russell llevó a su particular universo.

Con presencia de sus directores, se mostraron las primeras imágenes de sus próximos filmes, Intemperie (Benito Zambrano, 2019) y Madre (Rodrigo Sorogoyen, 2019), así como La filla d’algú, proyecto dirigido por 11 alumnos de l’Escac protagonizado por Aina Clotet que se presentó recientemente en el Festival de Málaga. También, como celebración de los 25 años de l’Escac, se ofreció una sesión con seis cortometrajes dirigidos por antiguos alumnos como Juan Antonio BayonaJavier Rúiz Caldera y Kike Maíllo, entre otros, que comentaron sus obras.

Aina Clotet y los directores de ‘La filla d’algú‘ (Foto: http://www.elpunt.cat)

El BCN Film Fest tampoco ignora la importancia capital que están adquiriendo las series y los productos dirigidos directamente a televisión como paradigma de entretenimiento entre toda una generación de espectadores y ofreció, de manera gratuita, la serie  de seis episodios (300 minutos), El día de mañana (Mariano Barroso, 2018)

ART AL CINEMA

Esta sección ofreció al espectador tres acercamientos a la vida y obra de tres importantes artistas mediante los documentales: El joven Picasso (Young Picasso, UK, Phil Grabsky, 2019); Klimt & Schiele, eros y psique (Klimt & Schiele, Eros and Psyche, ITA, Michelle Mally, 2018) y Leonardo. V Centenario (Leonardo. Cinquecento, ITA, Francesco invernizzi, 2019). Pero el evento más importante relacionado con el festival, y con esta sección en particular, llegó con Pintores y reyes del Prado (The Prado Museum, ITA, 2019) un documental de Valeria Parisi realizado con motivo del 200 aniversario de la fundación de la pinacoteca nacional conducido por el actor Jeremy Irons y que contó con la presencia de ambos, que además de presentar la película, ofrecieron una rueda de prensa durante su estancia en Barcelona. También los directores de El joven Picasso y Leonardo. V Centenario, estuvieron en el BCN Film Fest presentando su película.

IMPRESCINDIBLES
El BCN Film Fest otorga una importancia capital a la sección retrospectiva, ofreciendo algunos de los clásicos más incontestables del cine. Si en las anteriores edición se centró en cineastas europeos, como René Clément, Jacques Becker, Robert Bresson, Max Ophüls e Ingmar Bergman, en esta ocasión se ha posado la mirada en dos grandes pioneros del cine: Charles Chaplin y Buster Keaton. Del primero se proyectaron La quimera del oro (The Gold Rush, 1925), El gran dictador (The Great Dictator, 1940) y Candilejas (Limelight, 1952). Mientras que de El Gran Cara de Palo se exhibieron El maquinista de la General (The General, 1926), Siete ocasiones (Seven Chances, 1925) y El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr., 1925), así como el documental El gran Buster (The Great Buster), dirigido en 2018 por Peter Bogdanovich con el que ganó el premio al mejor documental en el pasado Festival de Venecia.
FEMENÍ PLURAL. EL NOU CINEMA ITALIÀ
Como novedad de este año, el festival programó una retrospectiva de 12 piezas de cine italiano contemporáneo dirigidos por mujeres que incluyó los títulos Amori che non sanno stare al mondo (Francesca Comencini), Assolo (Laura Morante), Dove cadono le ombre (Valentina Pedicini), Fiore Gemello (Laura Luchetti), Il cratere (Silvia Luzi i Luca Bellino), Latin Lover (Cristina Comencini), Le meraviglie (Alice Rohrwacher), Le ultime cose (Irene Dionisio), Miele (Valeria Golino), Nico 1988 (Susanna Nicchiarelli), Saremo giovani e bellissimi (Letizia Lamartire), Vergine giurata (Laura Bispuri).
II JORNADA DE GUIONISTAS
Un año más, el festival contó con interesantes actividades paralelas y coloquios. La Jornada de Guionistas se organizó alrededor de dos ejes temáticos: “Las mujeres guionistas en el mundo de la ficción audiovisual” −que contó con la participación de Ángeles González-Sinde, Anaïs Schaff, Isabel Peña, Carmen Abarca, Marta Buchaca y Carmen Fernández como moderadora−y “El compositor como parte de la narración cinematográfica”, con la presencia de Benito Zambrano, Rodrigo Sorogoyen, Xavi Capellas, Arnau Bataller, Toni M. Mir y Conrado Xalabarder como moderador.
El festival también organizó una charla para el público con Mike Leigh; dos coloquios, uno sobre Buster Keaton
y otro sobre la relación entre las plataformas, el cine, los festivales y las academias.
PALMARÉS Y CONCLUSIONES

Éste es el palmarés de la III Edición del Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi, otorgado por su jurado compuesto por la actriz Nora Navas, la escritora Pilar Eyre y el dramaturgo Josep Maria Miró.

Premio a la Mejor Película

SOLEDAD de Agustina Macri
———————

Premio de la Crítica ACCEC

LA VIDA SENSE LA SARA AMAT de Laura Jou

*Mención Especial: LA MIRADA DE ORSON WELLES de Mark Cousins

———————

Premio del Público, con el apoyo de TV3, a la Mejor Película Catalana

LA VIDA SENSE LA SARA AMAT de Laura Jou
———————

Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música

EL SECRETO DE LAS ABEJAS (compositora: Claire M. Singer)

*Mención Especial: LA TRAGEDIA DE PETERLOO (compositor: Gary Yershon)

———————

Premio del Público a la Mejor Comedia

DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA de Ken Scott
———————

Premio EDUCACINE

LA TRAGEDIA DE PETERLOO de Mike Leigh

 

En conclusión, esta tercera edición ha estado mejor organizada y ha contado con más títulos, así como con una mayor afluencia de público, lo cual consolida el BCN Film Fest como evento cultural barcelonés que, coincidiendo siempre con la festividad de Sant Jordi, volverá el próximo año con su propuesta de maridar cine y literatura. Así que ya pueden reservar esas fechas en el calendario, pues tienen una cita con la cultura, el entretenimiento, la diversión y el mejor cine en el BCN Film Fest, “donde la película es tan buena como el libro”.

 

Categorías:BCN Film Fest

Toda la programación del tercer BCN Film Fest

El Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que celebrará su tercera edición entre el 22 y el 30 de abril, programará un total de 59 películas en sus distintas secciones, lo que supone un incremento del 59% respecto al año anterior. El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de Sant Jordi, vuelve a ofrecer películas que giran entorno el eje temático Cine-Literatura-Historia, centradas sobre todo en grandes personalidades y eventos históricos de relevancia.

La inauguración del BCN FILM FEST irá a cargo de la cinta LITUS, del catalán Dani de la Orden, que presentará un año más su nuevo trabajo al público del festival. LITUS es una comedia dramática con un reparto de auténtico lujo protagonizada por Quim Gutiérrez (“Primos“, “La gran familia española“), Belén Cuesta (“La llamada“, “Ocho apellidos catalanes“), Adrián Lastra (“Toc toc“, sèrie “Velvet Colección“), Álex García (“Gente que viene y bah“, “Kiki, el amor se hace“), Miquel Fernández (“Durante la tormenta“, “El Guardián Invisible“) y Marta Nieto (series “Vis a vis“, “El ministerio del tiempo“).
LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS (“The Ballad of Buster Scruggs”), la particular y aclamada aproximación al universo del  western de los hermanos Coen, se podrá ver por primera vez en cine en nuestro país en la sesión de clausura.
VISITAS DE LA SECCIÓN OFICIAL

El británico Mike Leigh, ganador del Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes por Secretos y Mentiras y responsable de películas como El secreto de Vera Drake o Mr. Turner, visitará el BCN FILM FEST para presentar LA TRAGEDIA DE PETERLOO (“Peterloo”)una reconstrucción de la violenta represión policial vivida en Manchester el 19 de agosto de 1819. También viajará a Barcelona el protagonista de La boda de mi mejor amigo Rupert Everett, que debuta como director con LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE OSCAR WILDE (“The Happy Prince”), un biopic en el que también interpreta al escritor Oscar Wilde en el final de su vida en Francia, donde intenta recuperar la gloria de los buenos momentos.

Agustí Villaronga visitará el BCN FILM FEST con su nuevo trabajo, NACIDO REY, una superproducción histórica rodada entre Arabia Saudí y el Reino Unido. También estarán en Barcelona 5 directores para presentar su opera prima: Agustina Macri, que debuta como directora con SOLEDAD, la vida de un icono del movimiento anarquista italiano; el joven dramaturgo Alexis Michalik con CARTAS A ROXANE (“Edmond”), que recrea la gestación y escritura de Cyrano de Bergerac; Salvador Simó, que presentará la película de animación BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGASsobre el rodaje de la mítica película de Luis Buñuel, Las Hurdes, tierra sin panLaura Jou, que adapta en LA VIDA SENSE LA SARA AMAT la conocida novela de Pep Puig; y Víctor Cabaco, que junto a la actriz Ruth Díaz presentará VITORIA 3 DE MARZO, una producción sobre los hechos históricos de la masacre del 3 de marzo de 1976 en Vitoria, que inspiraron la canción de Lluís Llach Campanades a mort.

La sección oficial la completan: EL BAILARÍN (Ralph Fiennes), EL EMPERADOR DE PARÍS (Jean-François Richet), EL SECRETO DE LAS ABEJAS (Annabel Jankel), HOTEL MUMBAI (Anthony Maras), LA MIRADA DE ORSON WELLES (Mark Cousins), VIENTO DE LIBERTAD (Michael Herbig), UNE INTIME CONVICTION (Antoine Raimbault), SIR (Rohena Gera), BRECHT (Heinrich Breloer), y ROJO (Benjamín Naishat).

LA COMEDIA Y EL ARTE, TAMBIÉN PROTAGONISTAS
Dentro de la sección “Cinema amb Gràcia”, el BCN FILM FEST ofrecerá una selección de comedias con títulos como COMO UN PEZ FUERA DEL AGUA (“Come un gatto in tangenziale”), la comedia triunfadora de la taquilla italiana, con 2 millones de espectadores; DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (“The Extraordinary Journey of the Fakir”), la adaptación del best seller de Romain Puértolas El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea”, y que visitará el festival; LOLA Y SUS HERMANOS (“Lola et ses frères”), dirigida y protagonizada por Jean Paul Rouve; LA BIBLIOTECA DE LOS LIBROS RECHAZADOS (“Le mystère Henri Pick”), intriga y comedia en una adaptación de la novela homónima de éxito de David Foenkinos y dirigida por el francés Remi Bezançon, que presentará el film en el festival; y DULCINEA, comedia de elementos fantásticos y románticos del joven David Hebrero, que también viajará a Barcelona con su òpera prima.

En cuanto a la sección “Arte en el Cine”, Jeremy Irons visitará el BCN FILM FEST para presentar el documental PINTORES Y REYES DEL PRADO, en el que el británico conduce un  viaje espectacular por la historia a través de las obres de arte del Museo del Prado. El italiano Francesco Invernizzi estará también en Barcelona para presentar LEONARDO, V CENTENARIO, un análisis de las implicaciones modernas del legado artístico de Leonardo Da Vinci.  Phil Grabsky visitará el festival con EL JOVEN PICASSO, un documental imprescindible para entender como Picasso se convirtió en uno de los artistas más importantes del siglo XX, y completará esta sección KLIMT & SCHIELE. EROS Y PSYCHE, la obra, las obsesiones y los sueños de los artistas más importantes de la Viena de las primeras décadas del siglo XX.

REUNIÓN DE TALENTO POR LOS 25 AÑOS DE LA ESCAC 
La ESCAC celebrará sus 25 años en el BCN FILM FEST y lo hará reuniendo algunos de sus alumnos más conocidos- J.A. Bayona, Kike Maíllo, Javier Ruiz Caldera, Àlex Pastor, Mar Coll y Patrícia Font-, que formarán parte de una jornada en la que se proyectarán sus cortometrajes finales de la ESCAC. También se podrá ver LA FILLA D’ALGÚ, proyecto coral de 11 directores de la ESCAC protagonizado por Aina Clotet.

En la “Zona Oberta” también visitarán el festival Manuel Huerga, que presentará su documental BARCELONA, LA ROSA DE FOCNeus Ballús, Sergi López y Elena Andrada presentarán STAFF ONLY; y Rodrigo SorogoyenIsabel PeñaBenito Zambrano viajarán a Barcelona para presentar las primeras imágenes de sus nuevos proyectos, MADRE INTEMPERIE, respectivamente. También se podrá ver EN LOS 90 (“Mid 90s”),debut como director de Jonah HillVARDA BY AGNÈS, la última obra de la gran Agnès VardaUN ATARDECER EN LA TOSCANA (“Dolce Fine Giornata”), una reflexión sobre la identidad europea del director Jacek BorcuchAN ACCIDENTAL STUDIO, el documental sobre la productora de cine de George Harrison; y TOMMY, la versión remasterizada del musical de The Who, coincidiendo con el 50 aniversario del disco homónimo.

CINE FEMENINO ITALIANO Y LOS IMPRESCINDIBLES
Como novedad de este año, el festival programará una retrospectiva de 12 títulos de cine italiano contemporáneo dirigidos por mujeres. La sección de Imprescindibles, que cada año recupera clásicos de la historia del séptimo arte para la pantalla grande, abordará la obra y figura de dos de los pioneros más importantes e innovadores del cine norteamericano, Buster Keaton y Charles Chaplin, y lo hará a partir del documental EL GRAN BUSTER de Peter Bogdanovich.
Femenino Plural, el Nuevo Cine Italiano incluirá los títulos: AMORI CHE NON SANNO STARE AL MONDO (Francesca Comencini), ASSOLO (Laura Morante), DOVE CADONO LE OMBRE (Valentina Pedicini), FIORE GEMELLO (Laura Luchetti), IL CRATERE (Silvia Luzi i Luca Bellino), LATIN LOVER (Cristina Comencini), LE MERAVIGLIE (Alice Rohrwacher), LE ULTIME COSE (Irene Dionisio), MIELE (Valeria Golino), NICO 1988 (Susanna Nicchiarelli), SAREMO GIOVANI E BELLISSIMI (Letizia Lamartire), VERGINE GIURATA (Laura Bispuri).
Imprescindibles programará: EL GRAN BUSTEREL MAQUINISTA DE LA GENERALEL MODERNO SHERLOCK HOLMESSIETE OCASIONESLA QUIMERA DEL OROEL GRAN DICTADORCANDILEJAS CYRANO DE BERGERAC.
II JORNADA DE GUIONISTAS
Un año más, el festival se nutre de actividades paralelas y coloquios. La Jornada de Guionistas se organizará alrededor de dos ejes temáticos: “Las mujeres guionistas en el mundo de la ficción audiovisual” −que contará con la participación de Ángeles González-Sinde, Anaïs Schaff, Isabel Peña, Carmen Abarca, Marta Buchaca y Carmen Fernández como moderadora−y “El compositor como parte de la narración cinematográfica”, con la presencia de Benito Zambrano, Rodrigo Sorogoyen, Xavi Capellas, Arnau Bataller, Toni M. Mir y Conrado Xalabarder como moderador. El festival también organizará una charla para el público con Mike Leigh, un coloquio sobre Buster Keaton y un coloquio sobre la relación entre las plataformas, el cine, los festivales y las academias.
JURADO Y SEMANA DE LAS ESCUELAS

El jurado de este año estará formado por la actriz Nora Navas, la escritora Pilar Eyre y el dramaturgo Josep Maria Miró. Aunque el premio Educacine se mantendrá durante el festival, el III BCN FILM FEST organizará desde el 8 al 12 de abril la SEMANA DE LA ESCUELA, para que profesores y más de 1.100 alumnos puedan disfrutar de un catálogo de películas seleccionadas por su valor educativo.

Todas las sesiones del BCN FILM FEST (excepto inauguración y clausura) tendrán un precio único de 2,90€. Las sesiones Femení Plural, el Nou Cinema Italià serán gratuitas.

Categorías:BCN Film Fest

El Festival Isla Calavera anuncia la programación de su primera edición

4 noviembre 2017 Deja un comentario

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera presenta la programación de su primera edición, que tendrá lugar entre el 15 y el 19 de noviembre con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. La Sección Oficial de Largometrajes fuera de concurso incluirá el thriller psicológico de viajes en el tiempo Black Hollow Cage (2017), del director Sadrac González-Perrellón, quien asistirá como invitado al festival junto al productor Diego Rodríguez para presentar su película y participar en un coloquio posterior a la proyección. Premio del Jurado al Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bucheon (Corea del Sur), Black Hollow Cage participó en sección oficial en los recientes festivales de Sitges y Nocturna Madrid, en el que logró una Mención Especial del Jurado.

También podrán verse dentro de la Sección Oficial de Largometrajes el thriller de terror y humor negro Mom and Dad (Brian Taylor, Estados Unidos), protagonizado por Nicolas Cage y Selma Blair; la épica Pilgrimage (Brendan Muldowney, Irlanda/ Bélgica/ Estados Unidos), con la estrella de Spider-man: HomecominTom Holland encabezando el reparto; y la cinta de ciencia ficción The Osiris Child (Shane Abbess, Australia).

Asimismo, se presentará la película Bajo la rosa (2017), Premio del Público a la Mejor Película en Nocturna Madrid, un original thriller protagonizado por Pedro Casablanc. Se trata del primer largometraje del realizador tinerfeño afincado en Madrid Josué Ramos, quien acudirá al Festival Isla Calavera para dar las claves sobre su opera prima.

De otro lado, se ofrecerá una sesión especial dedicada al largometraje de animación Extraordinary Tales, de Raúl García, primer animador español que ha trabajado en los estudios Disney y ganador de un Premio Goya al Mejor Largometraje de animación por El Lince perdido. Coproducción estadounidense, belga, luxemburguesa y española, Extraordinary Tales consiste en una antología animada de relatos de Edgar Allan Poe con voces de Christopher Lee, Roger Corman, Bela Lugosi y Guillermo del Toro, entre otros.

Estos títulos se suman a los ya anunciados: El Ataúd de Cristal, como película de apertura; The Maus, como película de clausura; el ciclo dedicado al maestro del terror John Carpenter (Christine, La Noche de Halloween y La Cosa); Depredador, con motivo del 30º aniversario de su estreno en cines; Wax, con la presencia de su director Víctor Matellano y los homenajeados, el actor Jack Taylor y el maestro de los efectos especiales y maquillaje Colin Arthur; y el documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror, un recorrido histórico por el fantaterror español también dirigido por Matellano.

El programa se completa con la Sección Oficial de Cortometrajes a competición, que ofrecerá dos sesiones compuestas por siete cortometrajes cada una. Los títulos seleccionados son: Bye Bye Baby(Pablo S. Pastor), Cambio (Daniel Romero), Caronte (Luis Tinoco), El Desconcierto (Alberto Carpintero), El Gigante y la Sirena (Roberto Chinet), Fe (Juan De Dios Garduño), Hay algo en la oscuridad (Fran Casanova), Jules D. (Norma Vila), La Dama de sal (Mario Venegas Lucena), Nouvelle Cuisine (Manuel Reyes Halaby), Redemption (Vasni J. Ramos), Rewind (Rubén Pérez Barrena), RIP (Caye Casas y Albert Pintó) y Ven a mí (Marcos Muñoz Flores).

Las entradas ya se encuentran a la venta en las taquillas de Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna) y a través de la web www.multicinestenerife3d.com.

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera es una iniciativa de la asociación cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta y Multicines Tenerife, con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. Colaboran: Innova 7, Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, la Fundación de Diario de Avisos, la Tenerife Film Commission y el canal Dark, el único en España dedicado íntegramente al terror, en calidad de media partner.

Categorías:w Otros festivales

14 Festival Nits de Cinema Oriental del Vic: la crónica (1ª Parte)

El canto del gallo YouYou, realizado por Xevidom,  ilustrador de cabecera del festival, ha dado puntualmente los buenos días al público de las Nits de Cinema Oriental que de nuevo han llegado a Vic ofreciendo una magnífica selección de largometrajes y actividades, tanto para el público de Vic, como para los que nos desplazamos a esta ineludible cita en la que todos aprendemos a valorar y disfrutar de unas cinematografías y culturas poco o nada conocidas en occidente.

Demos pues un vistazo a lo que dieron de sí estas seis Nits comenzando por su…

SECCIÓN OFICIAL

Al igual que el pasado año, las Nits de Cinema Oriental han otorgado  tres categorías de premio: premio del jurado, premio de la crítica y el habitual premio del público. También los gatos de la suerte han cambiado de diseño  pasando a tener un aspecto más realista.

Las cintas que han tenido acceso a estos premios han sido, como también es casi norma en este festival, de todo género y provenientes de diversos países orientales. Pasamos a comentarlas comenzando por el país anfitrión de este año, China, que participó en el certamen con siete cintas de un total de dieciséis largometrajes a competición.

Mountain Cry (Larry Yang, 2016) es un bello canto al amor, más aún,  al sacrificio por amor. Larry yang nos trae un acendrado relato, aunque no exento de ciertos tintes sórdidos, que se desarrolla en el montañoso condado de Pingshun, un bello marco rural del que el director ha sabido extraer el mayor partido y al que le ha dado sentido narrativo. El paisaje no es solo un marco, es usado también (casi sobre todo) como una expresión de los sentimientos de su protagonista femenina (esos planos de ella entrando en comunión jubilosa con ese entorno montañoso cada atardecer). Yueting Lang compone con su excelente interpretación un personaje complejo y carismático. La actriz figura también en el reparto de la película de clausura, Extraordinary Mission (Alan Mak y Anthony Pun, 2017) y ya pudimos verla en la edición del pasado año en la memorable The Office (Hua li shang ban zu, 2015) de Johnnie To, director con el cual debutó en Blind Detective (Man Tam, 2013) dos años antes. En Mountain Cry tiene el protagonismo absoluto y su trabajo interpretativo es memorable, Lang expresa todo mediante su lenguaje corporal y los matices de su semblante que habla por sí mismo, como una estrella del cine mudo, y es que el trauma que define a su personaje lo dejó sin voz. El único pero  que podría ponérsele a esta película, que retrata tan bien los temores de una comunidad rural china (siempre hostigada por los comisarios políticos), es que el último giro de guión carga excesivamente las tintas del drama. Aunque no fue nuestra favorita,  no deja de ser merecido el premio del jurado con el que se alzó.

Del drama a la comedia con Cook Up a Storm (Jue zhan shi shen, Wai Man Yip, China-Hong Kong, 2017), película que explota la fiebre de los concursos culinarios televisivos que, como podemos comprobar, asola a todas las civilizaciones. Cook Up a Storm parte del enfrentamiento entre dos cocineros, uno representa la cocina tradicional china, el otro, educado en Europa, personifica la innovación, la fusión de oriente y occidente. La rivalidad inicial acabará, como se podía prever, en una amistad que les llevará a competir con el mejor cocinero del mundo, competición en la que estarán en juego no sólo las dotes culinarias sino también los sentimientos. Simpática y muy bien resuelta, aunque predecible, tiene el mérito de conseguir que los combates entre cocineros resulten tan emocionantes y tensos como una lucha marcial. Una película para toda la familia que se ofreció en La Bassa dels Hermanos, sin duda su lugar natural.

Duckweed (Cheng feng po lang, 2017) es la segunda película escrita y dirigida por Han Han y en ella se nos narra el agitado viaje al pasado de su protagonista, interpretado por Chao Deng (reconocido por ser el actor principal de la trilogía de Gordon Chan, The four). Durante su traslación temporal conocerá a su padre joven, a su madre (que había muerto antes de que él tuviera conciencia)  e incluso a sí mismo recién nacido. Junto a su padre y su banda correrán aventuras e intentará, por error, engañar a su padre con su futura madre. Todo ello en una divertida y correcta fantasía de amor y amistad, muy bien diseñada en lo que se refiere a ambientación de los años noventa (acertado resulta ver cómo las expectativas de futuro de aquella década no se corresponden con lo que en verdad llegó) y que, inevitablemente, trae al espectador occidental la memoria de las aventuras de Marty McFly en la seminal Regreso al futuro (Back to the Future, Robert Zemeckis, 1985). En el papel de padre del protagonista tenemos a  Eddie Peng, uno de los intérpretes más solicitados de su país. En España hemos podido verle recientemente en La gran muralla (The Great Wall, Yimou Zhang, 2016) y en la edición de las Nits de 2014 se proyectó la magnífica Umbeatable (Ji Zhan, 2013) de Dante Lam que coprotagonizaba y que ganó el premio máximo en aquella ocasión. Duckweed conquistó a la crítica que la votó como la mejor cinta de esta edición.

Shock Wave (Hong Kong-China, 2017) es un emocionante, aunque algo deshilvanado, thriller de acción dirigido por el prolífico Herman Yau. Su protagonista (encarnado por la estrella Andy Lau) es un artificiero de la policía , blanco de la venganza de un criminal cuyos planes desbarató cuando estuvo infiltrado en su organización. Mucha acción, tiros, emoción y, por supuesto, explosiones, en una película sin final feliz, con un desenlace dramático de rompe y rasga, que busca trasegar las emociones del público. Una cinta perfecta para clausurar las noches en la Bassa dels Hermanos.

La animación china también tuvo su representación a concurso con McDull Rise of the Rice Cooker (Brian Tse, China-Hong Kong, 2016) una película de difícil catalogación. Que conecta con el público infantil pudimos comprobarlo ante el entusiasmo de alguno de los pequeños asistentes, pero también con el adulto a razón del anonadamiento generalizado que dejó en  los que se aventuraron a vivir esta bizarra experiencia. Una ‘extraña película’, tal y como nos la definió Andrew Leavold ¿Culto instantáneo? ¿Pesadilla lisérgica? No sabemos qué decir, pero sin duda es inolvidable y divertida. Estamos seguros de que volveremos a saber del cerdito McDull y el resto de personajes que, surgidos del mundo del Manga, han vivido cuatro aventuras en cine, todas ellas escritas y dirigidas por su creador, Brian Tse.

Por su parte las dos últimas películas del festival, que se ofrecieron en el confortable Cinema Vigatà, fueron el amargo drama One Night Only (Matt Wu, 2016) y la explosiva Extraordinary Mission (Alan Mak, Anthony Pun, 2016). Rodada en régimen de coproduccion con Taiwan, la cinta de Matt Wu se desarrolla en un ambiente nocturno de juego, prostitución y dudosas compañías, en el que todo es posible. Un entorno sórdido cuya sordidez se ve aliviada por el humor que destila el filme. La película pasa de la comedia a la acción más desorbitada, sin olvidar el melodrama que conduce a la redención de la “descarriada” protagonista (aunque después tenga que dejar este mundo, faltaría más). Y si hablamos de acción hay que hablar de Extraordinary Mission, que cerró el festival dejando un magnífico sabor de boca en el público de las Nits,  una película que contaba con la garantía de estar dirigida por el dúo que creó la saga de culto Infernal Affairs.

De China vamos a Hong Kong, que además de con las mencionadas co-producciones junto a China, estuve presente en el festival con tres largometrajes bien diferentes, Mrs. K, The Posterist y Vampire Cleanup Departament.

Mrs. K (Yuhang Ho, Hong Kong-Malasia, 2016) es un producto clásico del cine de Hong Kong, repleto de acción y artes marciales, pero que posee el atractivo adicional de contar con la presencia de varios actores y actrices veteranos, sobre todo su protagonista, Kara Wai, una reconocidísima actriz en activo desde los años setenta, durante los cuales vivió el esplendor de los estudios Shaw, hasta la actualidad. Con una carrera plagada de reconocimientos, ha decidido cerrar su carrera en este género con esta cinta. Con esquema de western, el filme recoge influencias del cine de acción occidental (léase Tarantino), un género, por otra parte, fuertemente marcado por el oriental, toda una paradoja. Aunque las coreografías las pone la cámara, más que los actores, y la tensión la banda sonora más que la construcción de la trama, no deja ser un funcional entretenimiento dirigido por Yuhang Ho. El realizador ya había tenido ocasión de trabajar con Kara Wai en su cuarta película, el drama At the End of the Daybreak (Sham Mo, 2009). A la actriz se suma, en esta ocasión como villano, otro reconocidísimo actor de este género, Simon Yam. Mrs. K se proyectó en programa doble junto a la retrospectiva Las garras de la tigresa (My Young Auntie, Liu Chia-Liang, 1981) protagonizada por la misma actriz, sesión que se había organizado así porque se pensaba contar con la presencia de Kara Wai como invitada en las Nits. Lamentablemente, por compromisos de trabajo, a la actriz le fue imposible estar presente en el festival.

Vampire Cleanup Departament (Gao geung jing dou fu,  Sin-Hang Chiu y Pak-Wing Yan, 2017) es un homenaje a las películas de vampiros chinos saltarines de los ochenta, recuperando incluso a alguno de los participantes de aquellas comedias terroríficas como Chin Shiu-Ho, que si en Mr. Vampire (Geung si sin sang, Ricky Lau, 1985) interpretaba al alumno de un maestro taoísta, aquí ya pasa a encarnar al maestro. También cuenta la película con el veterano cómico Richard Ng, al que pudimos ver en Las garras de la tigresa. La cinta tiene la virtud de contener algunas escenas terroríficas muy atmosféricas, sobre todo la que se desarrolla bajo el agua del lago, sin embargo, está más cerca de la comedia que del terror. Una comedia romántica con vampiros de fondo que tiene como objetivo al público joven. Es merecido destacar a la debutante y expresiva Min Chen Lin como la delicada vampira que, muda, debe expresar todo un arco de sentimientos tan solo con la expresividad de su rostro, cosa que consigue con nota esta actriz a la que esperamos ver en más producciones.

The Posterist es un magnífico documental dirigido por Hui See-Wai, hijo del actor Michael Hui (el Mr. Boo de las comedias de los ochenta), que versa sobre Yueng Tai-Yung, ilustrador de más de 200 carteles de películas durante un período que cubre de 1975 a 1992, la edad de oro del cine de Hong Kong. En el documental, magníficamente estructurado, veremos su trabajo, conoceremos su forma de pintar y la opinión de admiradores, colegas de profesión, actores y directores de la época. Todo ello en una jornada hacia la creatividad de este hacedor de sueños autodidacta, con el que viajaremos al cine de otra época y su estética, de cuyo recuerdo Yueng Tai-Yung es, en gran parte, responsable, pues muchos de sus carteles son más recordados que las películas que anunciaban. Un documental que fue objeto de una merecida mención especial por parte del jurado.

Menores en número, pero no por ello menos importantes, fueron las contribuciones de Japón, India, Corea del Sur y Filipinas. Japón, una de las filmografías más variadas, trajo una comedia: Moriyamachu Driving School; una locura inclasificable, Tetsudon, the Kaiju Dream Match; y la pieza favorita de Serendipia de esta edición, el drama sobrenatural Strange Tales of Love and Strangers.

Moriyamachu Driving School (Moriyama chû kyôshûjo, Keisuke Toyoshima, 2016) es una comedia con tintes negros. En ella unos personajes de lo más variopinto, un aprendiz de yakuza y un joven estudiante que se habían conocido en el instituto, coincidirán en una autoescuela ilegal para sacarse el carnet de conducir, lo que dará pié a situaciones absurdas. Una historia que no deja de ser la (tan recurrida) de aquel verano en el que envejecimos tanto, que significó un punto de inflexión y que marcó la entrada en la madurez.  Relato de crecimiento que no deja de lado los correspondientes amoríos estivales y las amistades (in)quebrantables. Bravo por Keisuke Toyoshima por hacer original algo contado innumerables veces. Una cinta que funciona muy, muy bien. Y hubiera funcionado aún mejor vista al aire libre, opción que tuvieron que descartar los programadores como contamos más adelante.

De Tetsudon, the Kaiju Dream Match no les diremos mucho, tan solo que es una experiencia que hay que vivir, al menos, una vez en la vida. De momento es la segunda ocasión que se celebra en Vic, ambas con el alma mater del asunto, Hoshino Hisao, animando el cotarro que consiste en una recopilación de cortometrajes, a cada cual más loco, y que en esta ocasión tuvo los Kaiju Eiga como nexo temático. Sobrevivir a Tetsudon no está en mano de todos y parece que es un mal que se extiende, pues también el festival Crypthshow se ha sumado a la Tetsudomanía y en la última y reciente edición proyectaron uno de sus dementes recopilatorios, con gran éxito de público, además.

Strange Tales of Love and Strangers (Ren’ai kitanshû, Raita Kuramoto, 2017) fue para nosotros LA película de las Nits, pese a algunas inclemencias que pudieron restarle protagonismo. Y es que mucho nos extrañó que esta intimista cinta se proyectara en la Bassa dels Hermanos pues no es, ni mucho menos, el tipo de película que el público del festival se espera en esa ubicación. Nos hubiera parecido más acertado que  hubiera intercambiado su lugar con la de la tarde en el Vigatà (la comentada Moriyamachu Driving School) Y no andábamos desencaminados, pues tal y como nos aclaró el director del certamen, Quim Crusellas, esa era la intención que tenían los programadores, pero por exigencias del director de Strange Tales of Love and Strangers, Raita Kuramoto, presente en el festival, se proyectaron invertidas (al parecer más tarde el director reconsideró su elección, pero ya era tarde y los programas estaban impresos). De modo que, con una desacostumbrada algarabía infantil que no permitió al público de las primeras filas concentrarse durante la primera media  hora de la cinta, se proyectó al aire libre esta hermosa historia de amor y fantasmas que habría obtenido más reconocimiento de ser mejores las condiciones de su visionado (o eso queremos pensar porque nos enamoró hasta el punto de votar por ella como favorita).  Su joven director, que junto a una de las actrices, Yao Aining, presentó la película en la Bassa, avisó de que era probable que el público se durmiera a tenor del ritmo que había imprimido a su película. Toda una exageración (y una captatio benevolentiae, pues con su hipérbole buscaba la complicidad del público). De ningún modo es una película lenta, su tempo es el preciso y exacto para desarrollar el relato de vidas cruzadas que nos cuenta. Yuwen es una joven taiwanesa que llega a Fukishima gracias a un programa de intercambio para continuar sus estudios. Aunque dice no creer en el amor, mientras va avanzando su dominio del japonés ira aumentando su comprensión de la cultura nipona y de las relaciones sentimentales. Este relato de aprendizaje pone el acento en la extranjería como cualidad y condición de extrañamiento. Así, se puede ser extranjero en tierra propia, vivir extrañado de los supuestamente nuestros, incluso siendo ajeno a todo humano. Ese es el caso de  Meursault, el protagonista de El extranjero de Camus, libro de compañía de Yuri, la única amiga de Yuwen. Yuri es el pivote en torno al que giran todos los personajes, asaetados por la culpa y el dolor. Yuri y su eterno abrigo rojo. Yuri, la fantasma. Yuwen es la única que puede verla, la condición de extranjería las hermana más allá de la muerte, la comunión de ambas jóvenes resultará ser el catalizador que liberará de sus cargos a todos los que la conocieron, haciendo además que les sea más amable la presencia de la muerte. Strange Tales of Love and Strangers funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, nada hay gratuito en sus dos horas de metraje, el tiempo justo y necesario para que se cierren todas las historias paralelas que contiene. Cada una de las acciones de los personajes está íntimamente ligada con las de los demás aunque a simple vista pueda no parecerlo,  casi como un puzzle, o mejor, como esas fichas de dominó que van cayendo unas sobre otras hasta construir un paisaje completo. Delicada como una brizna de hierba en primavera, profunda como el más hondo de los océanos, así es la segunda obra de Raita Kuramoto un director al que habrá que seguir la pista.

Corea del Sur nos ofreció una única película pero… ¡Qué película! Escogida como favorita por el público que le concedió su premio, Fabricated City (2017), segunda cinta de su director, Kwang-Hyun Park, tras 12 años sin volver a ponerse tras la cámara, es un thriller vertiginoso como tan solo parecen saber hacer los coreanos, sólo ellos parecen tener el sentido del espectáculo necesario y el esmerado dominio de los recursos de la intriga necesario para alumbrar filmes electrizantes como el que nos ocupa. En él prima la acción, por supuesto, pero con un argumento salpicado de fantástico, videojuegos, y freaks tecnológicos entre los que no falta el fenómeno, -de momento- mayoritariamente oriental (sobre todo japonés), de los hikikomoris, jóvenes que se han sumido en un aislamiento extremo en sus habitaciones con la única salida de Internet. Todo engarzado en una maquinaria perfecta que in-crescendo va mezclando drama carcelario, ciencia-ficción, comedia y thriller de acción hasta dejar al espectador sin respiración. Sin lugar a dudas uno de los platos fuertes de esta edición de las Nits que el público supo valorar.

Filipinas sorprendió con una propuesta muy occidentalizada que mezclaba animación e imagen real, Saving Sally (Avid Liongoren, 2016), largometraje que fue precedido por Josephine (2017), una magnífica pieza corta de animación perteneciente al mismo director.  Liongoren nos trae en su opera prima un derroche de imaginación con el que nos introduce en la vida de sus imaginativos personajes, Marty, un joven estudiante que dibuja cómics, y su mejor amiga, Sally, un inventora de ingenios. El conflicto nace cuándo Marty se enamora de Sally y… no es correspondido. Al contrario, Marty se vera obligado a hacer de intermediario entre Sally y su enamorado. Un auténtico pagafantas es Marty. A lo que hay que añadir el problema de que los monstruos que dibuja lo acompañan a todas partes. Diez años tardó Liongoren en terminar esta poética combinación de animación e imagen real con toques de alegoría y referencias a la cultura pop, el steampunk y los videojuegos.

Finalizando la sección oficial no nos olvidamos de la India ¡Cómo hacerlo! si ofreció otro trallazo de baile, música, acción, violencia, belleza, músculos, fantásticos escenarios -149 minutos dan para mucho- y… ¿Michael Jackson sin Michael Jackson? Pues si. Munna Michael (2017) está protagonizada por Munna, un joven –interpretado por el mazas Tiger Shorff– fan fatal de Michael Jackson desde la cuna que participará bailando en un concurso televisivo de esos que han invadido las parrillas de todo el mundo. No suena ninguna canción del Rey del Pop, más bien se insinúan, pero… qué más da. Como dice el protagonista: Michael Jackson nunca morirá. Ofrecida en primicia mundial, Munna Michael cuenta, además de con el protagonista de Baaghi (2016), cinta que nos hizo bailar al estilo Bollywood en la anterior edición de las Nits, con el mismo director de aquella, Sabbir Khan un equipo que, por cierto, está preparando la secuela, Baaghi 2. ¡El acabose! Y es que Munna no pelea… ¡Munna pulveriza! 

Como puede verse otra de esas secciones oficiales de lo más completitas a las que nos tiene bien acostumbrados el equipo de las Nits. Pero hubo más: retrospectiva Kung-Fu Girls, animación, sesiones golfas… todo ello y mucho más en la segunda entrega de este artículo.

Festival Nits 2017 – Programación completa

El certamen abre el 18 de julio con la comedia china Cook Up a Storm y dentro de su Sección Oficial incluye títulos como Munna Michael, Duckweed, Extraordinary Mission, Shock Wave, McDull Rise of the Rice Cooker y Fabricated City.

Además de China, país invitado, el Festival Nits de cinema oriental de Vic acoge producciones de Hong Kong, Japón, Filipinas, Malasia, Taiwán y la India. En su 14ª edición presenta 16 títulos en Sección Oficial, 15 de los cuales son estrenos estatales, y se convierte así en una cita obligada para los amantes del cine oriental. Como cada año, su programación de filmes a concurso consigue un equilibrio entre las superproducciones comerciales de calidad y el cine de autor.

El público nitómano vibrará desde la sesión inaugural con la comedia Cook Up a Storm (Ye Wei Min -Raymond Yip-, 2017), en la cual se enfrentan la cocina tradicional y la moderna; el hit de Bollywood de este verano Munna Michael (Sabbir Khan, 2017), sobre un musculado sintecho seguidor de Michael Jackson; la espectacular cinta de ciencia ficción Fabricated City (Park Kwang Hyun, 2017) y la emocionante Extraordinary Mission (Alan Mak, Anthony Pun, 2016), de los creadores de la saga Infernal Affairs. El thriller Shock Wave (Herman Yau, 2017), triunfador en las taquillas de China y Hong Kong, clausurará las Nits en la Bassa.

Por otro lado, la japonesa Strange Tales of Love and Strangers (Raita Kuramoto, 2017) nos habla de las pequeñas grandes historias de amor y Duckweed (Han Han, 2017), éxito del cine de autor chino de 2017, nos invita a un viaje en el tiempo cargado de realismo mágico.
Dos películas se suman también desde la Sección Oficial a la apuesta del Festival Nits por destacar el rol de la mujer en el cine oriental: Mountain Cry (Larry Yang, 2016), un delicado filme chino que condena la intolerancia colectiva, y Mrs K (Ho Yuhang, 2017), el retorno de la femme fatale Kara Wai al cine de acción. Fuera de competición podremos ver los documentales Mira (Lloyd Belcher, 2016) sobre una campeona runner nepalí y Gulabi Gang (Nishtha Jain, 2012), la historia del movimiento de los saris rosas contra la violencia de género en la India.
La anunciada Retrospectiva Kung Fu Girls!, dedicada a las protagonistas del cine de acción de China y Hong Kong, se inaugura este viernes día 30 de junio en la sala Phenomena con la proyección de Royal Warriors (Ultra Force) de David Chung (1986) en una sesión Noodle & Beer Night: KUNG FU GIRLS!

Toda la programación del Festival Nits disponible aquí.

Y todos los detalles aquí.

 

A %d blogueros les gusta esto: