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Keyword: ‘Gustavo Hernández La casa muda’

Gustavo Hernández dirige el remake del título Israelí “Big Bad Wolves”

25 febrero 2021 Deja un comentario

Dirigida por Gustavo Hernández (La casa muda, No dormirás), de quien ya les hablamos hace muuuchos años, estos días se rueda en la provincia de Cádiz Lobo feroz, un thriller asfixiante y oscuro, no exento de un ácido humor y ambientado en algún punto recóndito Andalucía.

Lobo Feroz será una visión renovada del film israelí Big Bad Wolves (Aharon Keshales y Navot Papushado, 2013), cinta alabada en su día por Quentin Tarantino como mejor película del año y ganadora del premio a la mejor dirección en Sitges entre numerosos festivales internacionales.

Adriana Ugarte, Javier Gutiérrez y Ruben Ochandiano protagonizan esta dura historia de venganza y atroces crímenes sin resolver, en la que los personajes se mueven al filo de la ley. Junto a ellos, Juana Acosta, Manu Vega y Antonio Dechent completan el reparto principal de la película

SINOPSIS

Un policía al borde de la ley y una mujer en busca de venganza, cruzan sus caminos obsesionados con descubrir al asesino que se esconde tras los brutales crímenes de varias niñas. Ambos están dispuestos a hacer lo que sea necesario para lograr su confesión, aunque para ello tengan que tomarse la justicia por su mano. Una modélica detective luchará contra el reloj evitar que se cometan errores irreparables y que esa desesperada búsqueda de la verdad se convierta en el más feroz de los lobos.

La película es una producción de Bowfinger International Pictures, con María Luisa Gutiérrez al frente, responsable de las películas más taquilleras en España de los últimos años (Padre no hay más que uno y Padre no hay más que uno 2) y Lobo Feroz AIE,  en coproducción con la empresa uruguaya  Mother Superior liderada por el reconocidísimo Ignacio Cucucovich (La Casa Muda), Film Shark de Guido Rud,Esto También Pasará de Alvaro Ariza y Basque Films con Carlos Juarez (que recogió en Toronto el Premio del Público en la Sección Midnight Madness con El hoyo)

El rodaje llega a Andalucía de  la mano del coproductor gaditano de la ecuación, Alvaro Ariza con ESTO TAMBIÉN PASARÁ (La Casa del Caracol).  Un rodaje que, tomando San Fernando como base de operaciones con la estrecha colaboración del ayuntamiento de la ciudad, se desarrolla en diversos puntos de la provincia con localizaciones en San Fernando, Barbate, Vejer de la Frontera, Chiclana, Sancti Petri o la propia ciudad de Cádiz. El rodaje ha contado con el apoyo de la Diputación de Cádiz.

En la coproducción encontramos también a Film Shark, que se encargará de las ventas internacionales.

La película cuenta con el apoyo del ICAA y la participación de NETFLIX que la estrenará en su plataforma tras el paso por las salas con la distribución de FILMAX.

Lobo feroz llegará a los cines de toda España la próxima temporada.

Sobre Gustavo Hernández

Dirigió su primer largometraje en el año 2010, “La Casa Muda”, película de terror narrada en un único plano secuencia que obtuvo una gran repercusión internacional, con estreno mundial en el festival de Cannes y seleccionada por Uruguay en la carrera de los Oscar. La película se convirtió en un suceso de críticas y ventas en el mundo y logró la realización, por primera vez en el cine uruguayo de una remake en Hollywood: Silent House.

En el 2014 realiza su segundo largometraje, “Dios Local”, estrenada en el Fantastic Fest de USA para luego seguir una extensa gira en prestigiosos festivales como Sitges, Bifán, Río, Ithaca New York.

En 2018 estrena “No Dormirás”, una coproducción con Argetina, España y Uruguay y distribución de FOX. En enero de 2018 se convirtió en la película de género de terror Argentina más taquillera de la historia del cine argentino.

¡¡¡Lo conseguimos!!! La Casa Muda llegará a los cines

Hace unos meses supimos de esta interesante película uruguaya, antes incluso de que su productor, Gustavo Rojo, se pusiera en contacto con nosotros. Estaba en fase de postproducción pero quedamos entusiasmados con ella y decidimos colaborar creando nuestra particular campaña para que llegase a la gran pantalla. Gustavo Rojo apostó por la gran capacidad de Internet para lograr difusión y fuimos muchísimos bloggers los que nos pusimos a su servicio, como podréis comprobar en su página en Facebook.

Todos celebramos la primera gran noticia: La Casa Muda fue seleccionada para exhibirse nada menos que en Cannes“Hernández (Director) habilidosamente utiliza el género de horror para comunicar una emoción única, miedo, tan realista cómo es posible” Deborah Young THE HOLLYWOOD REPORT. “El horror cobra un nuevo significado con el director uruguayo Gustavo Hernández en un impresionante debut… Al igual que los mejores ejemplos del género utiliza el suspenso por encima de la sangre para crear la tensión… Haber realizado todo esto en una sola toma es impresionante; haberlo hecho todo en una sola toma con una cámara digital es poco menos que milagroso” Lee Marshall SCREEN DAILY. “El film tiene un increíble sentido climático y juega bien con la oscuridad y los pequeños espacios.” Peter Sciretta SLASH FILM. “Hay mucho talento desplegado aquí” Todd Brown TWITCH FILM. “Esta entrada impresionante desde Uruguay tiene éxito manteniendo el suspenso y haciéndote saltar de la butaca… Es una película absolutamente excepcional que te sorprenderá” Eftihia Stefanidi THE QUIETUS. “Fue un logro técnico y visual nunca antes alcanzado… Si eres fanático del horror o crees haber visto cinematografía increíble, sólo espera a ver esta película… Mírala cuanto antes!” Alex Billington FIRST SHOWING. Estas y otras tantas buenas críticas, hicieron que La casa muda se convirtiera en una de las sorpresas del pasado Festival de Cannes, con sus dos primeras presentaciones a nivel mundial absolutamente repletas de un público deseoso por ver una película de terror en tan prestigioso festival.

Miedo real en tiempo real porque el tiempo de proyección coincide con el tiempo de acción.  Rodado en un sólo plano secuencia de 78 minutos con una cámara fotográfica Canon EOS 5D Mark II (técnica de rodaje de la que sólo existe un precedente, siendo la primera vez que se aplica al cine de terror). Esa es la apuesta arriesgada que lleva a cabo su joven director, Gustavo Hernández, para contar una historia basada en hechos reales plasmados a través del relato de ficción de Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) que se internan en una lejana casona de campo con el fin de reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán allí la noche, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre…. Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay, “La casa muda” centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto.  Y ya podemos ofreceros su primer teaser trailer.

Su novedoso planteamiento le valió la buena acogida en Cannes aunque no se llevara el premio.  Pero el premio ha venido en forma de estreno en salas comerciales en 16 países en el correr del año. Reino Unido, Alemania, Francia, Australia, Suecia, México, Argentina, Chile, Perú, Ecuador, Bolivia, Paraguay, Brasil, Colombia, la lejana Taiwan y Uruguay fueron los lugares donde se animaron a confiar en el trabajo realizado por Gustavo Hernández.

También en España podremos verla aunque aún no se hayan comprado los derechos para su distribución comercial: estará presente en Sitges enmarcada en la apuesta por difundir el cine de autor más sorprendente que está abriendo nuevas vías de expresión. Podéis consultar el avance de la programación en la página de Scifiworld.

Y serán más los festivales prestigiosos que la incluirán en su programación. Mientras se está terminando el diseño de sonido Dolby Digital y se realiza el pasaje a 35mm, La casa muda ya ha sido confirmada en varios festivales alrededor del mundo, tal es el caso del Festival de Cine Latinoamericano en Sao Pablo, Brasil; el Festival de Cine de Lima, Perú; el Festival de cine de Estocolmo, Suecia, y el Festival de Cine de Melbourne, Australia.

Agradecemos a Gustavo Rojo que nos vaya informando personalmente de cada nueva buena noticia, novedades que seguimos con gran interés.  Nos sentimos un poco artífices, aunque sea sólo con un pequeño granito de arena, de la suerte, merecida, que está teniendo el film.  Y cada vez son más las ganas que tenemos de poder disfrutarla en pantalla grande, ahora ya sabemos que nuestro deseo lo podremos ver cumplido en Sitges y esperamos que nadie se lo pierda.

¡Desde aquí os animamos a que no faltéis a la cita!

¡¡¡La Casa Muda llega a Cannes!!!

Venid y vamos todos, venid y vamos todos, con flores a María que madre nuestra es.  Eso nos hacían cantar durante el mes  de mayo porque nos decía que era el mes de la Virgen.  Después descubrimos que, en verdad, mayo es el mes de Cannes y su festival de cine, probablemente el que más prestigio tiene. Todos estarán pendientes de quién recibe la Palma de Oro, que desde 1955 es el premio más reputado con el que pueden ser galardonados los cineastas. Pero no hay que dejar de seguir la pista a las secciones paralelas (e independientes de la organización oficial): la Semana Internacional de la Crítica creada en 1962 y la Quincena de Realizadores que viene celebrándose desde 1962.  Y en este blog estaremos especialmente de esta última.

La Quincena de los Realizadores tiene por objetivo descubrir la obra de jóvenes realizadores, amén de homenajear a algunos de los más reconocidos. Entre sus descubrimientos figuran nombres tan importantes como Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder, Nagisa Oshima, George Lucas, Martin Scorsese, Ken Loach, Jim Jarmusch, Michael Haneke, Chantal Akerman, Spike Lee, Luc et Jean-Pierre Dardenne, Sofia Coppola, …  Este año puede suponer el salto a la popularidad de Gustavo Hernández el joven director de La Casa Muda, película de terror uruguaya de modesto presupuesto económico y alto valor artístico, de la que Frédéric Boyer, director de la Quincena, afirmaba: Con “La Casa Muda” realizaron un film único e increíble, horrorífico y a la vez poético, una manera original de dirigir y de jugar con el miedo, como la música, la película tiene un humor muy creativo.


Que una cinta de terror llegue a una de las secciones de Cannes es una gran noticia para todo el fandom y que esta sea La Casa Muda es para nosotros gran motivo de mayor celebración puesto que ya apostamos por ella hace unos meses abriendo nuestra pequeña campaña para lograr verla en pantalla grande. Queremos felicitar a todo el equipo por este logro y desearles que ojalá se alcen con el premio Cámera d’Or para que el éxito sea completo.


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Queremos ver La Casa Muda en pantalla grande

10 febrero 2010 Deja un comentario

Si tuviera que decir cuál ha sido el mayor adelanto de las últimas cuatro décadas, no vacilaría ni un instante: sin duda, Internet. Y no es que no hayan habido otros progresos científicos y tecnológicos igual de importantes, pero es que la clave para la supervivencia, desde que aparecieron los primeros microorganismos unicelulares, ha sido la información acompañada de la comunicación cuando la perpetuación de la vida optó por la vía sexual.  Tanto la información como la comunicación han visto su máximo desarrollo hasta el momento gracias a la red.  Gracias a Internet llegamos a conocer lo que nunca habríamos soñado: ¿cómo habríamos podido saber si no de las interesantes propuestas de terror que se nos ofrecen desde Uruguay?

Internet nos ha permitido informarnos sobre La Casa Muda y comunicarnos con su productor, Gustavo Rojo, sin salir de nuestro estudio: La red está siendo la gran aliada de “La casa muda”. Hemos logrado despertar el interés de muchísimas personas con el teaser tráiler y una mínima información a lo largo y ancho del planeta, y todo gracias a internet. Sabíamos que iba a resultar intrigante para el espectador, pero nunca imaginamos la repercusión que ha tenido y los diferentes lugares que han informado acerca del film. Muchísimos países de América incluido Estados Unidos, España, Dinamarca, Francia, Inglaterra, Italia, Polonia, Rusia, Japón, por nombrarte los países más importantes que han hablado de “La casa muda”. ¡Es realmente increíble! Gracias a internet muchísimas distribuidoras importantes se fijaron en nosotros, que hubiese sido imposible llegar de otra forma. También nos sucedió algo parecido con los festivales. Hemos recibido invitación de festivales en los cuales creíamos que iba a ser muy difícil ingresar.

Gustavo Rojo es un reputado productor de la televisión uruguaya cofundador de Contenidos TV al lado de Fernando Laureiro y Conrado Polvarini, juntos se han enfrentado a los problemas de hacerse un lugar en la televisión, es difícil, sobre todo por el bajo costo con el que se cuenta. Eso te lleva a tener que buscar un camino más original para poder producir;la televisión uruguaya es un complemento de los programas argentinos. La mayoría de los éxitos televisivos provienen de Argentina, ya que ellos cuentan con un presupuesto absolutamente superior al que nosotros contamos, y por lo tanto les permite realizar grandes shows y ficción sin ningún tipo de problemas. Entre sus trabajos destacan Cámara testigo, Fuera de Foco, Ciudad Oculta y,  sobre todo, VidasOrgulloso me siento de todas las producciones que hemos realizado. Junto con mis dos socios en Contenidos TV (mi productora de televisión), Fernando Laureiro y Conrado Polvarini, hemos recorrido un largo camino de programas exitosos a nivel local. En estos seis años hemos ganados importantes premios a nivel local, y sobre todo la fidelidad de la audiencia y de los sponsor. Logramos imponer la marca “Contenidos” en un país donde es difícil imponer una empresa de comunicación. Si tengo que destacar alguno en particular seria el docu-reality llamado “Vidas”, ya que logró un hito en nuestra televisión como lo fue ingresar al catálogo latino de la cadena Turner, algo que me llena de orgullo, sin dudas. Esperando repetir el éxito de Vidas la productora se halla inmersa en el proyecto de una serie de ficción titulada  Adicciones como su nombre lo indica, será un ciclo unitario que en cada capítulo, hasta un total de 13,  abordará una historia vinculada a determinada adicción, pero sin dudas que el gran proyecto para el 2010 es dar el salto al exterior. El ejemplo de “Vidas” es un aliciente para intentar que Contenidos TV pueda internacionalizarse. Pero son más los proyectos ahora que su acción se ha extendido al cine: A nivel cinematográfico “La casa muda” me quita la mitad del año, ya que estamos planeando una estrategia de festivales para lograr sacarle el mejor rédito al film. También estamos trabajando junto a Gustavo Hernández en un proyecto bastante parecido a “La casa muda”, pero intentaremos lograr un film más real, más crudo. La Casa Muda no ha salido del laboratorio de Contenidos TV, sin embargo, sino de Tokio FilmsTokio nació con la doble necesidad, por un lado yo junto a mis socios de Contenidos TV teníamos la necesidad de crear un departamento publicitario ya que basado en el éxito como productores televisivos comenzaban a aparecer diferentes posibilidades de hacer publicidad. Y por otro lado, Gustavo Hernández ya tenía una vasta carrera como director de diferentes productoras del Uruguay y quería comenzar un camino propio. Se juntaron ambas necesidades y nació Tokio Films.

Y Tokio Films ya se ha hecho con un lugar en el mundo de la publicidad con videoclips  como Las decimas de la banda La Trampa:

O Un Frasco de La Vela Puerca:

Justo es que ahora les llegue el éxito en el cine sobre todo por haberse atrevido a debutar con un proyecto arriesgadamente vanguardista: Hay quien cree que es mejor estar establecido para comenzar a experimentar. Yo creo que hay que hacer lo que a uno le haga feliz, mas allá del momento en donde se encuentra. Nosotros decidimos experimentar olvidándonos de que era nuestra primer película, simplemente lo hicimos por el placer de filmar. De lo contrario, no hubiese sido placentera.

Desde aquí brindamos nuestro modesto apoyo a La Casa Muda que se nos anuncia con este prometedor teaser trailer:

Una cinta de terror innovadora que nos llega desde una país en el que apenas hay tradición en el género. Aquí en Uruguay no hay tradición de hacer cine de género, básicamente las películas que se producen se ubican dentro del llamado “Cine latinoamericano”con todo lo que ello conlleva. Los pocos intentos que ha habido han sido de manera demasiada amateur. El caso de Federico Álvarez es un caso muy particular. Hay personas que tienen la suerte de estar en el momento justo y en lugar indicado.  Pues un poco de eso creo que le paso. Sin dudas que el corto es maravilloso y cuenta con efectos increíbles, pero he visto resultados tan o más imponentes que el de “Ataque de pánico” y no pasó nada. Sin embargo, es algo sumamente positivo lo ocurrido, ya que ubicó a Uruguay en el mapa cinematográfico mundial por primera vez, y no es poca cosa. Gustavo Rojo se confiesa fanático del género desde su adolescencia, recuerdo con mucho cariño películas como la saga de Friday the 13th, o “A Nightmare On Elm Street”,  u otras menos conocidas como “Slaughter High” o “Children of the corn”. Por esos años los videoclubes manejaban el formato VHS, y recuerdo haber visto todas las películas que se encontraban en las góndolas del género terror. Luego, con el tiempo dejé el terror de un lado para centrarme en otro tipo de cine, mas de autor. Pero en los últimos años, retomé las películas del género (sobre todo del cine asiático), y sin proponérmelo volví a consumir mucho terror.  En estos momentos estoy fascinado con el terror francés,   con la corriente denominada Nouvelle Horreur Vague, que maneja una nueva escala de terror, dejando de lado lo sobrenatural, o los locos con motosierras y máscaras, para transitar por un miedo más perverso y actual: el del intruso. Su película ha tenido un coste de producción de aproximadamente 6000 dólares y está basada en hechos reales acontecidos en la década de los 40.  En el año 1944 en el poblado de Godoy, cercano a Montevideo, se hallaron en un caserón solitario los cuerpos de dos hombres atrozmente mutilados.  El caso no fue resuelto y aumenta su misterio la presencia de varias fotografías , tomadas con una Polaroid, junto a los cadáveres. La prensa se hizo eco de la noticia y con el tiempo derivó en leyenda urbana de transmisión oral. Mas allá de mi afición con el cine de terror, también soy una persona que le gusta mucho escuchar cuentos sobre sucesos extraños, y más si se desarrollaron en Uruguay. Esa pasión es compartida con Gustavo Hernández (director), y en más de una ocasión hemos pasado horas compartiendo diferentes relatos del estilo. En una de esas oportunidades, recuerdo que me contó la historia en la cual basamos la película. No se me ocurrió a mi solo, se nos ocurrió a los dos. Yo hacía tiempo que le insistía a Gustavo que teníamos que hacer una película de terror. Lo conozco desde hace años, y sabía que podíamos hacer algo sumamente interesante, ya que él cuenta con un talento innato que no había sido explotado en un largometraje. Y el terror permite, por encima del resto de los géneros, experimentar, y con ese argumento traté de convencerlo para que su debut sea con un film de terror. A él siempre le gustó esa historia, y a partir de ese momento nos sentamos a escribirla.

Una doble afición está detrás de esta incursión en el terror, pero también las ganas de experimentar de su director, Gustavo Hernández,

Pedro Luque, director de Fotografía y Gustavo Hernández, director

como nos informa su productor: Yo soy fanático del género y Hernández quería experimental. Y que mejor genero para experimentar que el del terror. Gustavo Hernández es egresado de la Escuela de Cine del Uruguay en el año 2002 como Realizador Cinematográfico. Se distingue por un ágil manejo narrativo y visual, destacando una sutil elaboración de los personajes en el campo actoral. Dirigió una decenas de cortometrajes, que fueron premiados en distintos festivales del mundo por sus síntesis narrativa y el empleo del humor (La Carta, Informes, El Corazón Delator, etc). Declaraba recientemente al blog Tengo Boca y no puedo gritar sobre el rodaje: Fueron cuatro días de rodajes muy intensos, donde cada uno de nosotros pasó por distintas emociones, desde la frustración a la alegría. La idea del plano secuencia surge por lo limitado del presupuesto (6.000 dólares americanos). Un amigo del fotógrafo tenía esa cámara y la prestaba para el rodaje. Entonces empezamos a estudiar sus tributos y los resultados fueron sorprendentes. Todo un hallazgo que nos simplificó el trabajo, ya que por las dimensiones de la cámara se podía mover fácilmente de un lugar al otro. Nos daba mucha libertad y su sensibilidad nos hacía gastar mucho menos dinero en luces. La película fue fotografiada por Pedro Luque con dos faroles y unos pocos tubos de luz, logrando un look fantástico. Así nos cuenta una de las innovaciones que nos hace tener deseos de ver la película y analizar sus resultados: está integramente rodada con una cámara de fotos (Canon EOS 5D MarkII) con capacidad para grabar en HD a 30 fotogramas/segundo lo que la convierte en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo, en grabarse con este método. Ni que decir tiene que con este recurso se abaratan los costes y abre un camino que pueden recorrer los jóvenes realizadores, pudiendo así redundar en un aumento de la producción con la consecuente repercusión sobre los aficionados al género.  Por otra parte el uso de una cámara fotográfica es el que ha permitido consumar el viejo sueño de Hitchcock, que en La Soga (Rope, 1948) trató de narrar la historia en un sólo plano, esa es la mayor apuesta de Hernández: ha construido La Casa Muda con un sólo plano secuencia de 78 minutos, siendo la primera vez que esta estrategia se usa en una película de terror.

Lo que hace atractiva La Casa Muda es esta identidad absoluta entre el tiempo de acción y el tiempo de proyección cosa que implica que las imágenes estén en presente única y exclusivamente. El presente, en opinión de Deleuze  (La Imagen tiempo, Paidós Comunicación, Barcelona, 1987), es el tiempo de la imagen cinematógrafica, pero la coincidencia entre acción y proyección logra que ese presente sea también el de los espectadores.  El pánico que va experimentando el personaje es el que en tiempo real experimenta el público. Rodar en un solo plano sin cortes exige un exhaustivo trabajo de planificación previa de la secuencia y se convierte en todo un reto interpretativo, pocos actores podrán ser capaces de sostener su interpretación durante tanto tiempo en una toma (en los cuatro días que duró el rodaje se rodaron hasta 14 tomas) de ahí que el trabajo de casting fuera especialmente importante: Fue un proceso difícil, en el cual tuve muchas dudas, pero me dejé llevar por la intuición de Gustavo Hernández, y la verdad es que no se equivocó. Florencia Colucci (la protagonista) hace un trabajo magnifico en el film, al igual que Gustavo Alonso y Abel Tripaldi, que son excelente profesionales, y lo demostraron en el rodaje. Florencia Colucci confesaba en una entrevista  haber llegado a sentir miedo de verdad y refería la anécdota de que ese mismo miedo acabó afectando a algunos miembros del equipo quienes no se atrevían a subir solos al primer piso del que, se supone en la ficción,  procede la amenaza.  La Casa Muda pues no es una cinta más sobre el viejo tópico de la casa encantada, es un thriller de terror piscológico que va a ser compartido en todo momento por el espectador en el propio tiempo vital que pase en la sala, es un rizar el rizo del concepto de catarsis y comunión con la obra contemplada.

Queremos ver La Casa Muda en pantalla grande, ya lo anunciamos en el título y pensamos que una buena manera de lograrlo es usar la red como amplificador del antiguo boca a boca, si los señores de Dreamwork lo inventaron y nos lo hiciero tragar para Paranormal Activity, ¿por qué no orquestar uno de verdad aprovechando la fuerza que a todos los usuarios nos da la Web 2.0? Así nos alienta Gustavo RojoAntes quiero agradecer a la infinidad de blogs y websites que ya han confiado en nosotros, como vosotros. Sin todos ustedes todo esto que nos está sucediendo hubiese sido imposible. Y nos pusieron en tamaña responsabilidad!! Sobre todo decirles que “La casa muda” es una nueva experiencia cinematográfica, Intentamos que el espectador comparta los sentimientos de la protagonista y logre sentir el mismo miedo al mismo tiempo. MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, después no digan que no se lo advertimos!!



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Finaliza el rodaje del oscuro thriller “Lobo feroz”

Tras más de cinco semanas, el pasado sábado finalizó el rodaje de “LOBO FEROZ“, un thriller asfixiante y oscuro con toques de humor ácido, protagonizado por Adriana Ugarte, Javier Gutiérrez y Ruben Ochandiano y dirigido por Gustavo Hernández (La casa mudaNo dormirás). Una dura historia de venganza y atroces crímenes sin resolver, en la que los personajes se mueven al filo de la ley. Junto a ellos, Juana Acosta, Manu Vega y Antonio Dechent completan el reparto principal de la película al que se incorpora también Fernando Tejero con un personaje muy diferente al que nos tiene acostumbrados.

SINOPSIS

Un policía al borde de la ley y una mujer en busca de venganza, cruzan sus caminos obsesionados con descubrir al asesino que se esconde tras los brutales crímenes de varias niñas. Ambos están dispuestos a hacer lo que sea necesario para lograr su confesión, aunque para ello tengan que tomarse la justicia por su mano. Una modélica detective luchará contra el reloj evitar que se cometan errores irreparables y que esa desesperada búsqueda de la verdad se convierta en el más feroz de los lobos.

Con guion de Juan Manuel Foode y Conchi del Río, “LOBO FEROZ” será una visión renovada del film israelí “Big Bad Wolves” (Aharon Keshales y Navot Papushado, 2013), cinta alabada en su día por Quentin Tarantino como mejor película del año y ganadora del premio a la mejor dirección en Sitges entre otros reconocimientos en numerosos festivales internacionales.

La película es una producción de Bowfinger International Pictures, con María Luisa Gutiérrez al frente, responsable de las películas más taquilleras en España de los últimos años (Padre no hay más que uno y Padre no hay más que uno 2) y Lobo Feroz AIE,  en coproducción con la empresa uruguaya  Mother Superior liderada por el reconocido Ignacio Cucucovich (La Casa Muda), Esto También Pasará de Alvaro Ariza y Basque Films con Carlos Juarez (que recogió en Toronto el Premio del Público en la Sección Midnight Madness con El hoyo). En la coproducción encontramos también a Film Shark de Guido Rud, que se encargará de las ventas internacionales. La película cuenta con el apoyo del ICAA y la participación de NETFLIX que la estrenará en su plataforma tras el paso por las salas con la distribución de Filmax.

Con la historia ambientada en algún punto recóndito de Andalucía,  el rodaje se ha desarrollado íntegramente en la provincia de Cádiz, recorriendo buena parte de la misma. La producción, que se ha desarrollado cumpliendo estrictos protocolos sanitarios anti Covid y ha contado con un gran número de componentes andaluces en su equipo, tanto técnico como artístico, ha generado un importante volumen de negocio para la provincia con una inversión directa de 1.610.000 euros que conlleva la creación más de 100 puestos de trabajo de personal de la región y la contratación más de 770 pernoctaciones en hoteles locales, así como numerosos servicios de diferente índole, desde restauración a transportes, logística o material técnico.

Tomando San Fernando como base de operaciones donde desde hace algunos meses se estableció la oficina de producción local con la estrecha colaboración del Ayuntamiento de la ciudad, la película ha contado con localizaciones en la provincia que incluyen espectaculares parajes naturales como el Pinar de La Breña en Barbate; el alojamiento rural de la Reserva Ecológica de las Lomillas, en pleno corazón del Parque Natural de los Alcornocales de Alcalá de los Gazules; o las marismas del Guadalquivir en las compuertas del Albur en Trebujana. También en la provincia se han situado decorados interiores, en diversos puntos de Vejer de la FronteraSancti Petri o Chiclana, enclaves urbanos de San Fernando, El Puerto de Santamaría y el corazón mismo de la capital gaditana, donde el rodaje situó diversas escenas en el emblemático Parque Genovés o en la Alameda de Apodaca y construyó una de las localizaciones principales en el interior del histórico taller Velasco en la Cuesta de las Calesas.

Un periplo que no habría sido posible sin las facilidades recibidas desde los diferentes municipios, como el Ayuntamiento de Cádiz a través de su Film Office y especialmente el apoyo de la Diputación de Cádiz que desde el primer momento entendió el proyecto, que llegaba a la provincia de la mano del coproductor gaditano Alvaro Ariza en su empeño por contribuir a generar un tejido industrial cada vez más sólido que coloque a Cádiz como un plató natural de referencia para las producciones audiovisuales.

“LOBO FEROZ” llegará a los cines de toda España la próxima temporada.

Sobre Gustavo Hernández

Dirigió su primer largometraje en el año 2010, La Casa Muda, película de terror narrada en un único plano secuencia que obtuvo una gran repercusión internacional, con estreno mundial en el festival de Cannes y seleccionada por Uruguay en la carrera de los Oscar. La película se convirtió en un suceso de críticas y ventas en el mundo y logró la realización, por primera vez en el cine uruguayo de una remake en Hollywood: Silent House.

En el 2014 realiza su segundo largometraje, Dios Local, estrenada en el Fantastic Fest de USA para luego seguir una extensa gira en prestigiosos festivales como Sitges, Bifán, Río, Ithaca New York.

En 2018 estrena No Dormirás, una coproducción con Argentina, España y Uruguay y distribución de FOX. En enero de 2018 se convirtió en la película de género de terror Argentina más taquillera de la historia del cine argentino.

VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 15 de junio de 2018

NO DORMIRÁS (Gustavo Hernández, 2018)

Uruguay/Argentina/España. Duración: 105 min. Guion: Juma Fodde Música: Alfonso González Aguilar Fotografía: Guillermo Nieto Productora: Pampa Films / FilmSharks International / Gloriamundi Producciones / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) / Bowfinger International Pictures / Tandem Films / Mother Superior / ICAA / ICAU / Tieless Media Género: Terror 

Reparto: Belén Rueda, Eva De Dominici, Natalia de Molina, Germán Palacios, Eugenia Tobal, Susana Hornos, Juan Manuel Guilera, Joche Rubio, María Zabay, Miguel Angel Maciel

Sinopsis: En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro vanguardista experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra creada veinte años atrás por un grupo de pacientes. Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar. Cuando Bianca (Eva De Dominici), una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco, en competencia por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, al trágico desenlace de la puesta en escena original

Belén Rueda parece haberse aficionado al cine de terror, tanto como los directores a contar con ella en sus pesadillas cinematográficas. Y es que la actriz brilla especialmente en estas producciones y particularmente aquí, en la tercera película del uruguayo Gustavo Hernández, quien ya despertó nuestro interés con su primera obra, La casa muda (2010). Tras Dios Local Hernández nos presenta una historia que bucea en las consecuencias que sufre la mente y el cuerpo por la falta de sueño durante una vigilia prolongada, en un episodio de insomnio extremo. Un guión de Juma Fodde sobre una idea del director. “El proyecto nació a raíz de una experiencia personal por algunas noches de insomnio, donde mis sentidos se pusieron más alerta y la percepción de mi entorno se volvió más aguda.”

Locura, suciedad, ambiente de pesadilla, la historia está situada en un manicomio abandonado, marco perfecto para las alucinaciones que sufrirán los personajes ante las largas horas de vigilia y algo que dará alas al director para experimentar con el terror en casas abandonadas. Algo que ya hizo, de alguna manera, en su ópera prima. Belén Rueda dirigirá en tan lúgubre lugar con mano férrea, un experimento teatral para el cual contará con un reducido número de actores, que no podrán dormir en ningún momento, dando pié a  una intriga bien construida en la que se mezclarán las alucinaciones producidas por la falta de sueño, con los fantasmas del pasado; la realidad con la ficción; y en donde la locura se asomará desde los miedos atávicos de cada personaje.

Junto a Belén Rueda, destaca la presencia de las jóvenes Natalia de Molina y, sobre todo, Eva de Dominici, auténtica protagonista de la función en este reparto, mitad español, mitad argentino, que también incluye actores tan reconocidos como Germán Palacios y nos descubre un nuevo perfil de la polifacética modelo y periodista María Zabay, en su debut cinematográfico.

El éxito la precede. Estrenada el pasado mes de febrero en Argentina donde se ha convertido en todo un fenómeno de público, siendo la película “de género” de producción argentina más vista de la historia, el thriller de terror psicológico de Gustavo Hernández ha sido vendida ya en una multitud de países.

Un ejercicio de locura, actuación y destrucción repleto de claves, detalles y escondrijos. No se duerman. No pierdan detalle.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Disponible el tráiler de “No dormirás”, con Belén Rueda y Natalia de Molina

El éxito la precede. Estrenada el pasado mes de febrero en Argentina donde se ha convertido en todo un fenómeno de público,siendo la película “de género” de producción argentina más vista de la historia, el thriller de terror psicológico de Gustavo Hernández ha sido vendida ya en una multitud de países. En su presentación en España, No dormirás, ha obtenido además dos premios del Jurado en el Festival de Cine de Málaga. El galardón al Mejor Montaje y a la Mejor Fotografía, que acreditan también su excelente factura.

“Una estupenda pieza de terror psicológico que vuelve a demostrar que los directores latinoamericanos se encuentran abordando el género desde una perspectiva muy original y nada complaciente.

Lo mejor: El clima alucinógeno que alcanza la película y el trabajo del director tras la cámara. La presencia de la magnética Eva de Dominici y la agradecida presencia de las siempre estupendas Belén Rueda y Natalia de Molina.”

(Beatriz Martínez – Fotogramas.es)

De este modo, el próximo 15 de junio No dormirás llegará por fin a las pantallas de toda España de la mano de Filmax.

Belén Rueda regresa a un género que domina y donde brilla con luz propia para interpretar a una reconocida y misteriosa directora teatral, obsesionada por alcanzar la verdad absoluta en la escena y por obtener el realismo extremo de los actores a los que dirige con mano férrea. Junto a ella, las jóvenes Natalia de Molina y Eva de Dominici serán las jóvenes actrices que se pondrán en sus manos para un montaje teatral que cambiará sus vidas para siempre. El reparto, mitad español, mitad argentino, incluye actores tan reconocidos como Germán Palacios y nos descubre un nuevo perfil de la polifacética modelo y periodista María Zabay, en su debut cinematográfico.

Sinopsis

“En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro radical experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra.  Con el paso de los días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción que los enfrentan a energías e historias ocultas en el antiguo hospital donde se albergan.

Cuando Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco compitiendo por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y de la relación con sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, a un trágico desenlace.”

Con sólo dos largometrajes, el uruguayo Gustavo Hernández es ya todo un referente del cine de terror y fantástico iberoamericano, quien despertó el interés de la crítica con su primera obra, “La casa muda” (2010), seleccionada por la Quincena del Festival de Cannes y numerosos festivales de referencia internacional como el Festival de Sitges, donde repetiría con su segundo largo “Dios Local”. Gustavo Hernández presenta ahora su tercer largometraje, NO DORMIRÁS, una historia que bucea en las consecuencias que sufre la mente y el cuerpo por la falta de sueño durante una vigilia prolongada, en un episodio de insomnio extremo. Un guión de Juma Fodde sobre una idea del director. “El proyecto nació a raíz de una experiencia personal por algunas noches de insomnio, donde mis sentidos se pusieron más alerta y la percepción de mi entorno se volvió más aguda.” Indica Gustavo Hernández en sus notas.

Con triple nacionalidad española, argentina y uruguaya en su ADN, la producción de “NO DORMIRÁS” cuenta con el sello de Pablo Bossi, uno de los grandes productores argentinos afincado en nuestro país, responsable de títulos como “Nueve Reinas” o “El hijo de la novia” y su socia en Tandem Films, Cristina Zumárraga. Junto a ellos, la productora más activa del momento en la industria española, María Luisa Gutierrez, responsable de Bowfinger International Pictures (aún con Sin Rodeos en cartel y con títulos como “Ola de Crímenes”, “Qué te Juegas” o “Jefe”, pendientes de estreno) componen la producción española. La argentina Pampa Films y la uruguaya Mother Superior completan la coproducción internacional.

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El Buque Maldito inicia 2015 con empuje: vuelven las proyecciones con invitados y nuevo número de la publicación

31 diciembre 2014 Deja un comentario

10881947_1015830801775808_1044917815401080500_nSe echaban en falta los pases que El Buque Maldito realizaba regularmente en Barcelona. Una oportunidad única para que el aficionado disfrutara de títulos raros o reverenciados del cine de terror contando, además, con la presencia de algunos de los protagonistas del filme: directores, actores… Así que su retorno es una gran noticia y más si es a lo grande, ya que tras una larga pausa de 18 meses debido a diversos motivos, y tras abandonar el Espai Jove Garcilaso, pasarán a realizarse, gracias al realizador Nacho Cerdà, en la nueva sala de Phenomena | the ultimate cinematic experience, ¡un marco espectacular para reanudar los pases!

Ventajas: una sala espectacular en la que ver los filmes con la calidad requerida. Cómoda, fresca en verano y caliente en invierno.
Inconvenientes: que han dejado de ser gratuitos pero… sin duda se sale ganando con la calidad del entorno.
Ruego: que se mantenga lo que daba tanta calidad a los pases en el Garcilaso: la cercanía y el acceso personal al  invitado por aquello de saludarlo personalmente o  conseguir una firma en el póster atesorado, o la fotografía de rigor… en fin, el calor que hacía entrañable estos encuentros con los cineastas y que se perdería si se dificultase y únicamente pudieran acercarse a ellos los elegidos y amiguetes…
El primero será el sábado 17 de enero a las 18h. con la proyección en 35mm del film insignia del realizador valenciano Juan Piquer Simón, Mil gritos tiene la noche (1982), proyección que contará con la presencia del mítico Jack Taylor, uno de los actores más importantes del cine fantástico y de terror español. Las entradas saldrán a la venta en los próximos días. ¡En breve más información!
El Buque Maldito _22 (2)Pero si esta no fuera suficiente noticia bomba para los aficionados, también está disponible el número 22 del fanzine El Buque Maldito, número enmarcado dentro del décimo aniversario de la publicación y como es habitual por estas fechas, centrando gran parte de sus contenidos en las últimas ediciones de los diversos festivales nacionales de género fantástico y de terror.
En el marco de la crónica del SITGES 2014 nos encontramos con las entrevistas a los realizadores Gustavo Hernández (La casa mudaDios local), Adam Brooks & Matthew Kennedy (The Editor), Manuel Ortega Lasaga (Dientes de otro), Luigi Cozzi (Contaminación: Alien invade la TierraStar El Buque Maldito _22Crash), Hermanos Prada (Queridos monstruosVicente Aranda. 50 Años de cine), Nicolas KleimanRob Lindsay & Tal Zimerman (Why Horror?), junto a las entrevistas con las actrices María Kosty y Montserrat Prous.

Además de una entrevista a Rob Zombie acerca de su nueva película, 31 y con el director chileno Alejandro Jodorowsky con motivo del 25 aniversario de Santa Sangre.

Un total de 47 páginas disponibles con dos portadas a escoger por 3,50 euros + gastos de envío a: elbuquemaldito_zine@hotmail.com   

Disponible también en las siguientes tiendas de Barcelona:

FREAKS. C/. Ali Bei, nº10
ARKHAM COMICS. C/. Xuclà, nº16
CINEMASCOPE. C/. Torrent de l’olla, 101
THE MONSTER MUSEUM (Interior Flamingos Gallery). fC/. Tallers, nº68

 

Buen cine de género desde el otro lado del Atlántico: 11 edición del BARS

27 octubre 2010 4 comentarios

En el pasado Festival de Sitges podíamos ver un interesante documental rodado con ocasión de la décima edición del Buenos Aires Rojo Sangre, celebraba esos diez años a todo género que han podido disfrutar nuestros amigos argentinos. Ahora, casi coincidiendo con el Día de Difuntos nos llega de nuevo esta gran fiesta de cine de terror y bizarro que es el BARS.

Como siempre el núcleo del festival estará en la Sección Internacional Competitiva, la cual incluirá tres producciones nacionales: Incidente (Mariano Cattaneo) una asfixiante película filmada en un único plano-secuencia, siguiendo los pasos de Gustavo Hernández en La Casa MudaNunca mas asistas a este tipo de fiestas, la ultima obra de Farsa Producciones, secuela de una anterior presentada en el primer BARS; MyM Matilde y Malena(Victor Curay Fernandez), una extraña y misteriosa cinta filmada en Córdoba Capital. La sección se completa con producciones muy variadas, como Death Kappa, el desopilante retorno al kaiju-eiga con un terrible monstruo que invade tierras niponas; del mismo origen es Yakuza-Busting Girls: Final Death-Ride Battle, un sushi western protagonizado por la delicada pornostar Asami y con FX del maestro Yoshishiro Nishimura (premiado en el BARS 2008 por Tokyo Gore Police, que pudo verse en este Sitges presentada por su director con una divertida perfomance).

Desde Europa llegarán Nelle fauci di Ubaldo Terzani, una sangrienta producción que emula el splatter tano de los ´80; las polémicas pueden llegar de Serbia con la explícita The Life and Death of a Porno Gang (¿pasará en Argentina igual que en España a raíz de un film serbio?) o de estados unidos con el desquicio de violencia gratuita de PIG. Por el lado hispanoamericano compiten la diminuta y eficiente película española Mi y Molina’s Ferozz, la revisión de caperucita roja en manos del cineasta de culto cubano Jorge Molina.

La Sección Iberoamericana refleja la producción ultra independiente de género en toda iberoamérica. Allí se verá Empusa, un film maldito que se convirtió en el legado de los míticos pilares del fantaterror español Carlos Aured y Paul Naschy (del que hemos hablado largo y tendido en este blog); Barricada la primer película portoriqueña de zombies; Beyond the Grave un apocalipsis místico llegado de Porto Alegre, Brasil; En esta sección habrá también películas nacionales: como Ramanegra (Camila Toker), Trash(Alejo Rébora), Marihuana Radioactiva Interplanetaria (Marcelo Leguiza) y Muelle Islandia(Fernando Basile).

La Sección Panorama incluye, entre otras, varias novedades como La epidemia (The Crazies) sobre una temible infección bacteriológica. El Bosque, una opresiva producción nacional que ya tiene lista su copia en 35mm; Donde duerme el horror donde los viejos amigos del BARS, Adrián y Ramiro García Bogliano, tuvieron el curioso honor de rodar la primera película de horror costarricense. De este film podemos mostrar un curioso vídeo sobre la importancia de la dirección a la hora de rodar desnudos (suertudos los hermanos García Bogliano):

El ya tradicional espacio Lovecraftiana propone un acercamiento a las adaptaciones cinematográficas de las obras del mítico autor estadounidense H.P. Lovecraft. Se verán la reconocida película española La Herencia de Valdemar (Jose Luis Alemán) y la divertida comedia norteamericana The Last Lovecraft: Relic of Cthulhu (Henry Saine).

Como siempre los cortometrajes tendrán un espacio destacado, proyectándose más de un centenar en diferentes secciones. Además de producciones nacionales, se verán cortos de Chile, Uruguay, Brasil, España, Francia, Alemania, Portugal, México, Venezuela, USA y Canadá.

Clásicos y Homenajes: se recordará a Maria Aurelia Bisutti con la proyección de la mítica El Inquisidor en su momento prohibida por el censor Miguel Paulino Tato. Se verá La Sonámbula, de Fernando Spiner, cinta que en los 90 imaginó como sería el famoso bicentenario de 2010. Se hará una función homenaje a Farsa Producciones, que esta cumpliendo sus primeros veinte años de vida.

Otras actividades


También habrá actividades con entrada libre y gratuita como la ZombieWalk (caminata de zombies para el 31 de octubre), la presentación del libro “Guerreros del cine: argentino, fantástico e independiente”, de Matías Raña (Fan Ediciones) y las charlas “Mi primera película”, con los realizadores Fernando Spiner, Laura Casabé y Ayar. B; y Efectos Especiales en Argentina, por Ger Bernstein de la academia Metamorfosis FX.

El festival entregará diferentes premios tanto por voto del público, como por un jurado de especialistas presidido por Horacio Maldonado, que incluye realizadores, críticos y escritores (Javier Diment, Diego Trerotola y Luciano Saracino, entre otros).

El BARS es organizado por QuintaDimension.com y 1971cine con la colaboración de Videoflims. Es apoyado por el Instituto Nacional de Cinematografía y Artes Audiovisuales (INCAA) y fue declarado de interés por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Serendipia se queda aquí envidiando a sus amigos argentinos, pero prometiéndos a su realidad dual que llegará un octubre en que visitará Buenos Aires para disfrutar de este interesante festival.

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El Sitges 2010 más brutal: A Serbian Film versus Secuestrados

23 octubre 2010 5 comentarios

Los paladares más ávidos de sangre esperaban con impaciencia hincarle el diente a A Serbian Film (Sprski Film, 2010, Srdjan Spasojevic) película que contaba con el estímulo añadido de que Ángel Sala, director del Festival de Sitges, había confesado públicamente que no sería capaz de verla por segunda vez. Ahora A Serbian Film se ve envuelta por el escándalo tras el demoledor artículo que le dedicó El Mundo y el debate que, basado en ese artículo, se produjo en el programa Las mañanas de Cuatro (cuidado con el vínculo que contiene spoilers), pronto se olvidan las diferencias ideológicas cuando se trata de jugar a defensor de los buenos modos.  Se trata de cumplir con la hipocresía, porque tiene miga que en una emisora que nos ofrece realitys como Callejeros tilden de delictiva una película de FICCIÓN. ¡¡¡Película que ni siquiera han visto!!!  Viva la desfachatez informativa de algunos “profesionales” de la prensa.

Nadie se escandalizó durante los diez años que duró la guerra en Serbia ni se escatimaron imágenes  de aquellos crímenes contra la humanidad por los que se juzgaría a Slobodan Milosevic.  Imágenes que no son representación como sí lo es la pipa de Magritte.  Kevin Carter se suicidó porque no pudo soportar su conciencia, pero ganó el Pulitzer por su fotografía más célebre:

Y así debe ser, porque el mal no está en  el arte del fotógrafo sino en la realidad que da a conocer.

En verdad esos mojigatos de salón no sabían que estaban linchando la obra de un moralista. Srdjan Spasojevic quería explicar al mundo lo que ha sido la historia reciente de Serbia y esa mezcla ambivalente de sentimiento de víctima más complejo de verdugo. Pero no se queda ahí, en su propia coyuntura, sino que eleva su reflexión al universal, a la estructura innata que conduce a los humanos a practicar la destrucción y el mal.  Y para hacerlo acude al campo del arte donde Tanathos es la inevitable  pareja de baile de Eros. Spasojevic elige la esfera más baja de lo artístico para ilustrar su discurso, el mundo de la pornografía, quizás porque de ese modo nos resultan más obvios los límites.  En su película nos cuenta la peripecia ficticia de un actor legendario del cine porno casi retirado, Milosh (Srdjan Todorovic), vive apaciblemente junto con su esposa (Jelena Gavrilovic) e hijo. Pero las penurias económicas le llevarán a aceptar la oferta de un enigmático individuo para protagonizar una película de “pornografía artística”. Milosh sospecha que puede haber algo muy turbio en ello, pero cuando intente renunciar será demasiado tarde. Spasojevic no deja lugar a la esperanza ni la muerte nos puede poner a salvo del horror, esa es su sentencia moral y eso lo que denuncia.

Milosh protagoniza un verdadero descenso al infierno, podría decirse que Spasojevic retoma el tema del pacto mefistofélico.  Mefistófeles ha ido haciéndose cada vez más humano según se ha ido retomando el mito de Fausto: en Marlowe (The Tragicall History of Dr. Faustus) Fausto encarna al hombre universal del Renacimiento que vende su alma a cambio de tener la sabiduría absoluta con la que ser emperador del mundo, aquí Mefistófeles es prácticamente el horrísono demonio medieval; la versión más célebre (y la que fue llevada al cine por Murnau) es la de Goethe (Faust: der Tragödie), Fausto aparece como ingeniero y acude al pacto para lograr el saber técnico con el que llevar al mundo a su progreso, ahora Mefistófeles se convierte ya en alter ego, en el reverso irremediable de fausto, monstruo que es despertado por el sueño de la razón; un paso más da Thomas Mann (Doktor Faustus), convierte el drama en novela y Fausto es ahora el artista que busca componer la obra de arte total, Mefistófeles es ya casi él mismo Fausto desdoblado. Spasojevic nos traería un Fausto obrero, un trabajador del porno, y Mefistófeles (aquí Vuknir interpretado por Sergej Trifunovic) ya no es un diablo sino un humano perverso  capaz de saltarse todos las contenciones, capaz de sacar el animal que hay en los demás para su propio lucro, tentándoles con contratos millonarios (y no es casual que haya trabajado para los servicios secretos serbios pues ejemplifica la corrupción humana más abstracta, pero también aquella más concreta y dañina que se dio en el país balcánico).

Milosh firmando el contrato con el que perderá el alma

Milosh no busca imperios, no pretende crear la máxima obra de arte aunque Vuknir le hable de ello, no quiere ordenar el mundo, sólo quiere conseguir el dinero suficiente para dar una vida mejor a su familia fuera del país; así de sencillo y humano es todo y por ello mismo resulta más terrorífico. Escandalizarse con A Serbian Film sólo es posible si uno no se ha parado a pensar en esta vida más de dos segundos seguidos, porque la película nos habla del drama humano, del drama del hombre moderno que aunque viva sin dioses debe seguir enfrentándose a la decisión moral de hacer el bien, de poner en jaque sus impulsos más bestiales que aflorarían al mínimo descuido. Y en la sexualidad es donde más puede verse el litigio entre razón e instinto, por eso nos dice Antonio José Navarro en su crítica (página 7):

De ahí que A Serbian Film no sea película sórdida, violenta, nihilista, por el simple afán de escandalizar. A Serbian Film, cinta sadiana que no sádica, tiene la clarividencia de ver la sexualidad humana como una despiadada forma de poder, misterioso, demoníaco, capaz de empujarnos a la realización de deseos prohibidos y peligrosos, íntimamente ligados a la anulación de la personalidad, a la falta de libertad.

Para caer en la maldad basta con dejarla salir, en cambio la bondad requiere esfuerzo. Y Milosh sigue esforzándose aun cuando está bajo los efectos de la droga, pero su lucha es vana, Vuknir ha sacado de él el monstruo que reside en

todo humano y nada puede hacer Milosh contra ello. Spasojevic no deja lugar para la esperanza, decíamos ya, lo corrupto siempre podrá más que lo noble; ese es el pesimista mensaje moral/político que nos remite el serbio.

¿Siempre triunfa el mal?

Pero mis otras dos manos están a punto de arañar a estas con las que escribo, mientras mis otros cuatro ojos se clavan en los míos con la mirada más asesina que he visto nunca, cansados ya de tanto onanismo mental.  Y no le falta razón, porque si A Serbian Films funciona es porque todo este discurso permanece en el fondo, cuidadosamente envuelto por un guión con la dosis suficiente de intriga como para que el film sea disfrutable para los que buscan en el cine divertirse (aunque sea sufriendo) con una historia bien contada.

 La película avanza dosificando la violencia, al principio es secundaria, apenas una anécdota en la vida de Milosh y su familia, un simple degotar. Durante esa mitad casi se diría que estamos viendo un melodrama familiar salpicado de misterio, nos vamos haciendo con los personajes porque Spasojevic nos los muestra en su cotidianidad: esos padres enamorados que cuidan de su hijo, familia feliz ejemplar. Sin embargo, el extraño trabajo que se le pide a Milosh va sembrando el desconcierto y, si hubiera algún espectador que no supiera nada de la película antes de verla, se sobrecogería con los momentos de brutalidad tal como se sobrecoge el propio Milosh.  Para cuando queremos darnos cuenta ya es demasiado tarde, Milosh no tiene retroceso ni salida y los espectadores quedamos pegados a nuestras butacas (bueno, cuatro jovencitas abandonaron la sala, una haciendo evidentes esfuerzos por contener el vómito), aplastados por esa violencia desbocada que cada vez es más demoledora desde la explosión de la primera escena extrema que, aunque parezca fuerte, no es más que el primer grado de una atrocidad que casi parece no conocer límite. La estética tenebrista de A Serbian Film nos encoge por dentro, y ese  scope, inteligentemente utilizado en unos planos de fondo casi vacío y amplios escenarios, vuelve a las imágenes más amenazadoras aún.  Desde el estallido que marca la inflexión, A Serbian Film no nos da más tregua y su director juega con nosotros dilatando el final cuando ya todos deseamos que termine para volver a nuestra civilizada rutina.

Escalofriante versión de la Piedad

Algunos acusan a Spasojevic de ser poco imaginativo a la hora de contar el descenso al infierno de Milosh, construido mediante flashbacks y elipsis, pero para nosotros es un acierto total porque esos son los mecanismos de la memoria, sobre todo al despertar de un estado de shock .  A Serbian Film noqueó nuestra conciencia, pero, a diferencia de Ángel Sala, si queremos volver a verla para empaparnos aún más de su puesta en escena, de sus efectos de sonido, de sus claroscuros y de esa música desasosegante (dusbtep, no tecno) que cuadra perfectamente con esas imágenes desgarradas.

La conmoción de A Serbian Film era esperada, la de Secuestrados (2010, Miguel Ángel Vivas) fue una sorpresa, una grata sorpresa. Serendipia no escuchó mayor ovación al final de una pase, ni batió sus cuatro manos con más fuerza, que la que siguió a los créditos finales de esta segunda película de Miguel Ángel Vivas. Todos los medios se hicieron eco de la buena acogida que tuvo, tanto por el público como por la crítica, esta película que explora los mecanismos y expresiones del miedo en toda su amplitud. Luego ese éxito no quedó recogido en el palmarés, dicen las malas lenguas que fue debido a los premios que obtuvo en Austin, mejor película y mejor dirección, pues parece que a Sitges le gusta que su máximo galardón recaiga sobre una película que no entré en las quinielas para así presentarse en la escena de festivales como uno de los que más visión tiene a la hora de descubrir talentos. Con todo, lo que nadie comprende es que Manuela Vellés no se hiciera con el premio a Mejor Actriz porque sin duda la suya fue la mejor interpretación femenina que pudo verse en el festival.

Secuestrados es otra de esas películas de escenario único y reducido, en este caso el chalet recién habitado por una familia acomodada, familia que será víctima de un secuestro exprés por parte de tres hombres encapuchados. El film no se separa de ellos en ningún momento. No hay tramas externas como sí las había en 37 horas desesperadas (1990) de Michael Cimino, película de la que se afirma deudor Vivas, al contrario somos espectadores de excepción de ese allanamiento, testimonios únicos del horror que viven las víctimas y la violencia salvaje de los secuestradores. En verdad, Secuestrados es mucho más extrema que A Serbian Film, la experiencia del espectador es mucho más sangrante, porque los personajes de la cinta española son nuestros semejantes, cada uno de nosotros sabe que podría pasarle lo mismo a él y todos los mecanismos de transferencia se encienden: sufrimos el mismo miedo y la misma angustia que ellos padecen. Esa empatía se da gracias al enfoque que da Vivas quien busca ponernos cara a cara con el terror en directo porque más que historia hay acción y nosotros podríamos ser sus sujetos. En palabras del director:

El tema de esta película es el terror, el miedo absoluto y la violencia que lo genera. Normalmente en una película contamos una historia; mi idea en ésta es no tanto contar una historia sino mostrar unos acontecimientos. En ese sentido intento desnudar tanto el guión como la propia situación parta entrar en la verdad de esa violencia.

Para sumergirnos en la acción como si formáramos parte de la misma, Vivas recurre al verismo que imprime el plano secuencia (tal como hace Gustavo Hernández en La Casa Muda). Doce planos secuencia encadenados son los que se utilizan en Secuetrados, y se divide la pantalla cuando estamos ante dos acciones paralelas que confluyen en un punto. Para aumentar la fisicidad se prescinde de la música y los efectos de sonido, nada subraya el dramatismo, sólo el trabajo interpretativo de los actores que nace del corazón y no de la intelectualización de la escena, por eso Manuela Vellés quiso huir de los estándares, estudió los momentos del pánico y esos son los que nos comunica en su actuación.  Vivas ha querido huir del espectáculo, lo que ocurre en el plano es lo que podemos imaginar que ocurriría si la situación fuese real y nos nos captura el morbo de ver como sufren otros sino que lo que nos cautiva es la emoción de imaginarnos a nosotros mismos viviendo ese episodio. Pocas son las escenas de exteriores, esos hechos que se dan en pocas horas de una misma noche casi siempre dentro de la casa, eso permite jugar con el claroscuro y hacer que la atmósfera proceda del contraste de los puntos de luz reales que hay en la casa, usando en la fotografía tonos cálidos para los fondos y muy fríos para los personajes.

En Secuestrados Miguel Ángel Vives se muestra como un virtuoso, pero no se limita a un ejercicio de estilo que puedan gozar cahieristas y animales de ese pelaje, porque Vivas demuestra igualmente ser un excelente contador de historias. Eso es lo que le diferencia de Gaspar Noé con el que algunos se empeñan en compararle.  Irreversible (Irréversible,2002, Gaspar Noé) su ópera prima era igualmente un ejercicio de estilo, pero a nosotros nos transmitió la impresión de que primero había ideado el mecanismo narrativo (planos secuencia montados a la inversa de la secuencia temporal de los hechos) y luego pensó qué contar.  A la parte racional de Serendipia no le impresionó siquiera la violación de la Belluchi contada en un plano fijo de una duración que le pareció insoportable, no por la pretendida brutalidad (que ya estamos curtiditos en esto del cine) sino por el tedio que siempre siente cuando un director presume de epatador. Opinamos como Paco Limón que el director es quien debe estar al servicio de la historia y no la historia al servicio del lucimiento del director (os hablaremos de este director, más conocido en el extranjero que en España, en breve).  Y esa es la diferencia que separa a Vivas del argentino aficando en Francia: tenía un qué contar y luego buscó el cómo.

Otra influencia que se ha señalado es la de Michael  Haneke, reconocida por el propio Vivas. Es fácil que asociemos Secuestrados a Funny Games, pero si la segunda apuesta por una reflexión en abstracto sobre la violencia y su sentido, Secuestrados nos muestra lo concreto, si Funny Games le habla a nuestro cerebro, la película de Vivas nos golpea el estómago. En la contemplación abstracta podemos obtener un placer intelectual, pero frente a lo concreto lo que se estimula es nuestro pánico más visceral.  Con Secuestrados gozamos sufriendo.

Sitges 2010 ha sido una de las experiencias más intensas que ha vivido Serendipia (y así os lo hemos contado) no sólo por lo que pudo ver en las salas oscuras, pero también en ellas y A Serbian Film y Secuestrados fueron los bocados que más la deleitaron. ¿Será que Serendipia además de un ente casi mitológico es también un ser depravado? Se lo preguntaremos a la Señora Campoy :p

Categorías:Sitges Film Festival

Sitges 2010: Una crónica algo caótica.

22 octubre 2010 4 comentarios

Aunque las dos partes de Serendipia somos algo más que veteranos en el tema de visitar el Festival de Sitges, este año por fin hemos visto cumplida la esperanzada promesa que nos  hicimos un año atrás: que en 2010 estaríamos acreditados en el festival.

En todo caso tras casi un año de trabajo en este blog,  pudimos acceder a la ansiada acreditación que nos diera acceso a todos los sueños y… la cosa no pudo marchar mejor, amiguitos:

Sesiones descarnadas de cine, modorra, apetito, exceso de bocadillos a mil por hora, oasis de cerveza fría para el camino de cine a cine, correrías de sala a sala, algunas bajo la lluvia, saludos en “carne y hueso” a esos amigos virtuales, trato de tú a tu con directores y actores, montones de películas, gofres… todo ello en unos poquitos días y con economía de guerra -ya saben, el paro- pero resultando de todo ello un auténtico paraíso al que  ya tenemos ganas de volver….

Pero  pasen, pasen, les prometo entretenimiento y  alguna gota de erudición:

JUEVES 7 DE OCTUBRE: LA NOVATADA

Producto de nuestra inexperiencia y la información algo ajustada por parte del Festival,  tuvimos que improvisar un viaje relámpago a Sitges para formalizar los pases de prensa y los tickets de acceso a las proyecciones del día siguiente, ya que estos tickets debían recogerse el día anterior, así que tras preguntar hasta por el sentido de la vida llegamos a prensa, donde tras pasar por la consiguiente cola nos dispusimos a recoger las acreditaciones (¡¡Sí, realmente estábamos acreditados!!)  y al poco de estar en la cola recibimos la primera señal: vimos y pudimos saludar a Mike Hostench,  subdirector del festival y viejo conocido de ambos desde los tiempos de  la entrañable tienda Gorgon, pero lo más curioso y a lo que voy es que  en sus manos llevaba cuidadosamente el trofeo Waldemar Daninsky, que tuve ocasión de tocar… Serendipias, serendipias…que continuaron, ya que tras obtener las acreditaciones, junto a un impecable bolso y un libro sobre el festival magníficamente presentado, nos sentamos a descansar y una presencia conocida se detuvo ante mí: se trataba de Tom Savini, que me preguntó donde estaba el gimnasio, algo que yo ignoraba, pero aproveché para inaugurar mi libreta de autógrafos, que tras el festival se incrementaría con 17 rúbricas más.

Ahora ya comenzábamos a quedarnos con la mecánica del festival,  y antes de partir hicimos una visita al Brigadoon, donde Chaparra Entertainment, unos de los más madrugadores, montaba el stand, estando en ello Dani Moreno, alma matter de Chaparra y ahora también jurado de cortometrajes de Brigadoon. Así que tras saludarle abandonamos Sitges dispuestos a volver e iniciar nuestro particular festival al día siguiente. ¡Definitivamente esto promete!

VIERNES 8 DE OCTUBRE: NASCHY LIVES!

L.A. ZOMBIE

¡Qué difícil es cubrir tantos títulos y que ganas de verlos todos!  pero hay que centrarse e intentar seleccionar los más interesantes, dejando también algo a la intuición y cuidando que los horarios no se pisen, ya que, una vez comenzadas las proyecciones no se podía entrar en la sala. Entre los títulos de la agenda de Proyecto Naschy teníamos El Exorcista (The Exorcist, 1973 William Friedkin), que siempre apetece ver, L. A Zombie, una bizarra película porno gay con zombies del irreverente Bruce LaBruce que, según nos dijeron se pasó en su versión Softcore, de ahí posiblemente su corta duración (62′); Golden Swallow (Jin yan zi, 1968 Chang Cheh) una de esas películas de espadachines protagonizadas por el maravilloso Wang Yu, intérprete de la espectacular El luchador manco (Du bei chuan wang, 1973 Wang Yu) y de su secuela, además de otras que no me perdí en mi infancia como Caza desesperada (Zhui ming qiang, 1971 Pao-Shu Kao) y Wang Yu el invencible. También parecía interesante Ip Man 2, la segunda parte de la trilogía sobre el maestro de Wing Chum Yip Man, que pasará a la historía por el ser el primer y único maestro marcial de Bruce Lee, algo que se verá en la tercera parte de la historia. Interesante,  pero nos decidimos por cuestión de horario por Confessions (Kokuhaku, 2010 Tetsuya Nakashima), un buen drama de venganzas japonés que prometía mucho pero… las largas colas a la hora de solicitar pases para el día siguiente hizo imposible llegar a tiempo de ver este film, circunstancia esta que también sucedió a otros de los resignados feligreses que formaban parte de la cola.

Serendipia se impacienta, ya que lleva unas horas en Sitges y el cine, aunque se respira en el ambiente, no lo hemos tastado. La primera de la selección es definitivamente Life 2.0 (USA, Jason Spingarn-Koff)  film que selecciono dado el gran interés de una parte de Serendipia por el mundo virtual, inversamente proporcional al desinterés de la otra parte. En definitiva resulta ser un escalofriante documental que podéis ver analizado haciendo CLICK! aquí.

Satisfechos por haber visto al fin cine, nos preparamos para el maratón con tres películas que se celebra esa noche, uno que nos hace especial ilusión, ya que se trata de un homenaje a Paul Naschy en el Prado, viejo y entrañable cine testigo de todos los festivales desde el lejano 1968. Ya al entrar, la sala desprende un olor de esos que únicamente se notan al entrar en algunos museos, bibliotecas  y tiendas de anticuarios. Todo un marco perfecto para ver un film que ya se proyectó en su época en Sitges: El gran amor del conde Drácula (1972, Javier Aguirre), un clásico del actor que,  si bien no es de las mejores, reúne todos los encantos del fantaterror, a lo que hay que añadir la posibilidad de verla en celuloide, aunque diese algunos problemillas. La copia que nos ofrecieron fue la española, así que no contenía los insertos de desnudos que si se vieron en el extranjero. También pudimos ver el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein, un correctísimo documental rodado por Ángel Agudo,  autor del muy recomendable  libro,  Paul Naschy , La Máscara de Jacinto Molina. El film, producido entre Scifiworld, La Cruzada Entertainment (productora de José Luis Alemán, director del díptico La Herencia Valdemar) y Waldemar Media,   está repleto de entrevistas con colegas, amigos y familiares del actor, que nos cuentan sus recuerdos. Entre los entrevistados: Javier Aguirre, Antonio Mayans, Laura de Pedro, Caroline Munro, Miguel Iglesias Boons, Nacho Cerdá  y naturalmente su esposa y sus dos hijos. En resumen, todo un  festín para fans y seguidores del Fantaterror en general y de Naschy en particular. Conocimos y pudimos felicitar personalmente al director del documental, conocer  a Sergio Molina y Elvira Primavera, hijo y viuda de Jacinto Molina, que fueron muy amables con nosotros. Fue emocionante saber por Sergio que tanto  a Naschy como a él mismo le gustaba nuestro blog y

Guía de La Sombra prohibida dedicada por José Luis Alemán, Ángel Agudo, Elvira Primavera y Sergio Molina.

piropeó nuestros artículos, cosa que nos anima a seguir adelante.

El tercer film de la noche fue  la segunda parte de La Herencia Valdermar, La Sombra Prohibida (José Luis Alemán), un intento loable de hacer cine de terror gótico puro y sobrenatural, empleando grandes referencias de la talla de Lovecraft, Bram Stoker o Aleister Crowley; unos sorprendentes efectos especiales que dejan ver el presupuesto que hay detrás y un ramillete de conocidos y populares actores que no logran empañar la pequeña y emocionante  intervención de Naschy.

Paul Naschy como Jervás en La Sombra Prohibida.

Todos estuvieron cercanos y amables, incluidos el director del díptico, José Luis Alemán, Kike Cripta y Luis Rosales, editor de Scifiworld, que junto a los familiares nombrados y el director del documental,  formaban   parte de esa pequeña comitiva a la que tuvimos la suerte de conocer y unirnos en este homenaje al actor que dio todo por el Fantaterror. Únicamente se echó en falta que se hubiera incluido el corto Los Árboles, de Joan Vall que se proyectó el día de la inauguración y que por desgracia no pudimos ver. Agotados y satisfechos emprendimos el camino de vuelta  al pequeño apartamento  a las seis de la madrugada…  y eso solo era el principio.

SABADO 9 DE OCTUBRE: CÁMARA EN MANO.

Savini y Nicotero dando una clase magistral.

Mientras Savini daba una clase magistral en la sala Tramontana del hotel, nosotros hacíamos cola para ver una de las grandes esperadas del festival (y de la parte femenina de Serendipia) la uruguaya La Casa Muda, de Gustavo Hernández,  proyección que había agotado las entradas y en la que se contó con la presencia del director que dio unas pocas palabras antes del pase. Previamente se proyectó un corto sobre el interesante cineasta  Val del Omar, y a pesar del resultado, no restó interés por la obra del director, del que pronto saldrá un triple DVD de la mano de Versus/Cameo, que los directores tuvieron a bien anunciar ante el público del Auditorium.

Gustavo Hernández dejó la sala muda de expectación.

ººRespecto a  La Casa Muda les recomiendo la opinión que leerán aquí, un film que teníamos muchas ganas de ver y que en gran parte no nos ha decepcionado, aunque la resolución del mismo hizo que Serendipia se enfrascara en una agria y violenta discusión que terminó en comisaría… bueno, no tanto. No había tiempo de tanto, ya que la segunda propuesta de día nos esperaba tras una laaaaaaarga cola en el cine Retiro. Se trataba de Somos lo que hay, film mexicano de Jorge Michel Grau que la  parte más cinéfila de Serendipia  se esfuerza en disfrazar bajo la etiqueta de “Nuevo Cine Mexicano”, pero que a mi me volvió a llevar a los mismos ambientes, algo más edificados pero igualmente desolados de Los Olvidados (1950, Luis Buñuel) con sus miserias y falta de esperanza. Canibalismo, miseria, complejos, lucha de poder, horror primigenio y… humor negro, muy negro, todo ello en un recomendable cóctel que no dudo en recomendarles y que , todavía sin haber podido comer abrió, aún más, el apetito de Serendipia, que sin opción para más que un poco de cebada líquida por el camino,  nos disponemos a un cambio radical en el programa adentrándonos en otros horrores tan reales como los anteriores pero, paradójicamente virtuales con la nueva propuesta del popular Hideo Nakata, creador de The Ring (1998) y Dark Water (2002)   que en esta ocasión rueda en Londres la  atractiva Chatroom, un juego impecable que recibió una buena y merecida respuesta, lo que vaticina su inminente estreno en salas. Si la ven no se la pierdan. Pero no pierdan el tiempo conmigo y mis sandeces y hagan más caso del análisis que hace la parte más inteligente de mí aquí.

Loco fín de semana largo repleto de gente. Detalle de la zona del Brigadoon durante el día de la Zombie Walk

Mientras tanto arrancaba la Zombie Walk, ofrenciendo como el año anterior maquillaje gratuito a todo el que pudo y que en esta ocasión se adentraría en la ciudad  terminando en fiesta en la playa o en la maratón zombie que se celebró esa misma noche.

Como de nuevo estamos en la otra punta de Sitges y hay que ir al Auditori, nos encontramos corriendo otra vez sin tregua y parando únicamente para comprar un bocadillo. No éramos los únicos estresados, ya que hay que decir que los bares de los alrededores de las salas estaban repletos de personal, aunque la plantilla no había sido reforzada para la ocasión, así que los pobres empleados iban de boli, siendo Serendipia testigo incluso de una espectacular y dolorosa caída de camarero (mientras el menos estresado jefe cobraba en caja).

Bocata en mano y tras una larguísima cola nos disponemos a ver desde la segunda fila del enorme  Auditori, The Last Exorcism (USA, Daniel Stamm), ingenioso falso documental producido por Eli Roth repleto de humor y terror del que, a pesar personalmente de estar ya hasta las narices de films rodados “cámara en mano” , hay que decir que mola, ya que es un trabajo repleto de ironía y mala leche con grandes dosis de american gothic y bastante más que otra película de exorcismos al uso. Desde luego, las películas que habíamos seleccionado realmente estaban resultando una delicia, y no lo fue menos el MARAVILLOSO corto de genio de los FX Greg Nicotero, The United Monster Talent Agency,  que completó el programa de esa noche y que era  un extraordinario homenaje a los entrañables monstruos de Universal repleto de humor, de esos que saben mal que sean tan cortos. Además cuenta con cameos de Eli Roth y Jeffrey Combs. Tanto el film de Nicotero como el de Stamm  fueron presentados por sus creadores, que quedaron estupefactos ante una traductora  que resumía las explicaciones de ambos casi a la mínima expresión.

Satisfechos, agotados y con dos autógrafos más,  marchamos habiendo dejado pendientes (otra vez será ya que todo no se puede acaparar)  la maratón zombie que se proyecto en el Retiro y que constó de tres interesante propuestas, sobre todo The Dead (Howard J. Ford y Jon Ford)inspirada visualmente por el Fulci de Nueva York Bajo el terror de los Zombies (1979)pero… otra vez será.

L'Auditori.

DOMINGO 10 DE OCTUBRE: SECUESTRADOS, LA SORPRESA

Madrugamos para meternos dos dosis matinales de cine (parece que le vamos cogiendo el tranquillo al festival después de soportar las enormes colas del día anterior) y abordamos el título del director más reputado que se presenta en el festival, The Ward de John Carpenter, película que ha desatado controversias, ya que por un lado se acusa de ser un film anticuado pero, no sé, me parece que el viejo maestro ha jugado bien las cartas ofreciéndonos un slasher convencional que al final da un sorprendente giro que lo transforma en algo bien distinto. Entretenida y correcta (¡¡¡Por fin cine rodado de forma convencional sin cámara en mano ni nada de eso!!!) es de esos filmes que se saborean a posteriori y que terminan dejando un buen saber de boca, y eso que a mí Carpenter no me va mucho (excepto las que todos sabemos, claro) pero siempre es agradable ver una película ambientada en un cotolengo con adolescentes descerebradas (como casi todas wau, wau, wau) y de buen ver (como casi todas, juo, juo, juo) y todo ello en una película realmente inteligente.

A continuación nos embarcamos en una propuesta española, Secuestrados de Miguel Ángel Vivas, que realmente fue para quien esto escribe la sorpresa del festival, perfectamente construida, tensa, mal rollista, pesimista, bien interpretada y dirigida no nos ahorra ningún mal trago y eso, se agradece. Y todo ello impecablemente interpretada destacando Manuela Vellés, a la que recordamos en un registro totalmente opuesto como hermana de Camino (2008, Javier Fesser). Espero que oigan hablar más de este film porque pienso que se lo merece ya que es una propuesta valiente que nos lleva a films como La Ultima casa a la izquierda (1972, West Craven) o  Funny Games (1997, Michael Haneke) por ponerles unos ejemplos para que se hagan una idea.

Tras la película una visita a la cafetería de l’Auditori para ver a Luis Rosales, que tuvo a bien adelantarnos el libro Profanando el Sueño de los Muertos escrito por Ángel Sala, director del festival.  Nos interesaba hacernos con él, ya que lo presentarían el jueves siguiente, día que no íbamos a estar

Manuela Vellés no lo pasa tan bien en Secuestrados.

presentes en el festival. También tuvimos las suerte de conocer cara a cara al amigo David de Monster World y engrosar la libreta de autógrafos con los de Caroline Munro, Macarena Gómez (una debilidad personal) , Mick Garris y Paco Plaza.

Tras ello nos metimos un vaso de gazpacho entre pecho y espalda (no dio tiempo a más) y nos fuimos al Prado a ver el documental Los perversos rostros de Víctor Israel de nuestros amigos Diego López y David Pizarro, documental redondo donde los haya y que contó con Mike Hostench de maestro de ceremonia, que presentó a los directores del documental y tambien al del segundo pase de la tarde, Eugenio Martín, del que se proyectó Una vela para el diablo (1973) película que cuenta con las magníficas interpretaciones de dos grandes damas del cine: Aurora Bautista y Esperanza Roy, respaldadas por las no menos grandes Judy Geeson, Lone Fleming, Blanca Estrada y Loreta Tovar, todo ello en una película que fue todo un privilegio ver con una copia impecable.

El documental dedicado a Victor Israel  tiene una factura clásica  y su duración ajustada, con muchos amigos y colegas que hablan sobre el actor y la persona que conocieron. La película se distribuye en temáticas (humor, erótico, aventuras y por supuesto, terror) con unos  atractivos títulos de crédito y mención especial al cartel. Hay que felicitar a sus directores, ya que el film inicia su marcha por festivales y la próxima parada será en el XXIX Festival de cine de Terror de Molins de Rei.

Diego López, David Pizarro y Eugenio Martín en el Prado.

Sobre Una Vela para el diablo poco se puede decir (pero algo sí), únicamente que es vergonzoso que no esté editada correctamente en DVD ahora que ya existe una buena copia recuperada. Maravillosas Aurora Bautista y Esperanza Roy con los cuchillos bien afilados a la caza de la indecente sueca que profanen  su pensión. Bellamente rodada, fue todo un lujo contar con la presencia de Eugenio Martín, que leyó un bonito pasaje sobre el origen del film, y también de su esposa y actriz Lone Fleming , recordada protagonista de La noche del terror ciego (1971, Amando De Ossorio) que también hace un papel en esta. Martín no pudo finalizar la proyección de su film porque esa misma tarde recibia el merecido premio Nosferatu en el Brigadoon.

Finalizado el pase de ambos films nos dispusimos, tras las consultas a Internet de rigor, a darnos una cena homenaje con toda la tranquilidad del mundo lejos del cine (que también hay que descansar un poco y… al día siguiente había que madrugar), aunque lamentablemente nos tuvimos que dejar algunas pelis que realmente abrían el apetito como las japonesas Mutant Girls Squad (Noboru Iguchi) y AliensVs. Ninja (Seiji Chiba) y si no me creen vean, vean los trailers, son magníficos, nosotros nos quedamos con las ganas…

Luis Rosales (Scifiworld) y Mick Garris.

 

 

 

Pues, sí, si que ha crecido Ivana.

LUNES 11 DE OCTUBRE: IVANA Y PAUSA

 

 

 

El lunes había que volver a casa y  a la “realidad”, pero aún nos dio tiempo a ver  La otra hija,(The New Daughter, Luis Berdejo) que si bien es correcta no nos pareció gran cosa. Las actuaciones están muy ajustadas, pero quizás en el guión hay algo que hace que no acabe de cuajar. Ivana Baquero ha crecido desde que se escapó de las garras del fauno, así que en esta película la quieren desvirgar unos repugnantes seres salidos de la profundidad de la tierra, pero su padre, Kevin Costner está ahí para intentar evitarlo. No les cuento si lo conseguirá, ya que a pesar de todo se deja ver con agrado.

SABADO 16 DE OCTUBRE: LET ME IN Y VUELTA  AL FESTIVAL

De nuevo en Sitges, con un síndrome de abstinencia que nos lleva a darnos el gran madrugón e iniciar nuestra segunda estancia en el festival con el pase matinal de la versión americana de  la sueca Déjame entrar (Lat den rätte komma in, 2008 Tomas Alfredson), película que teníamos muchas ganas de ver, primero por la odiosa comparación con la versión nórdica, de hipnótica visión y segundo por la presencia de nuestra admirada Chloe Moretz de la que nos enamoramos desde que la vimos como Hit Girl en la fantástica Kick-Ass (2010, Matthew Vaughn). Si bien la película nos agradó en general, Serendipia no estaba del todo de acuerdo entre sí: la parte femenina prefería sin discusión la versión europea, por su envolvente atmósfera y por la interpretación más sensual de ambos niños, más romántica e idealizada en la versión de Matt Reeves . Yo por mi parte he visto mucho más ágil esta versión, mejor resuelta y Chloe esta rompedora, pero a pesar de ello hay que reconocer que siempre tendrá más valor la versión original con unos hallazgos visuales que el director americano ha calcado en su versión.

Chloe Moretz se dejó ver menos que el director y el compañero de reparto.

Let Me In es la  primera producción de la renacida Hammer Films, y como punto de partida resulta más que válido. Y hablando de Hammer, la productora fue presentada en rueda de prensa por algunas presencias de lujo, como fueron el propio Matt Reeves, el escritor Roberto Cueto (que sustituyó en el último momento a José María Latorre) y el también escritor David Pirie, un personaje entrañable para el que esto escribe,  ya que a finales de los setenta y  gracias a su libro El Vampiro en el cine, pudimos tener acceso a una preciosa información en uno de los escasos tomos que se publicaron en plena sequía de libros sobre cine de terror en el mercado español. Durante la rueda de prensa se aprovechó también para presentar Pesadillas en la Oscuridad, libro editado por Valdemar sobre el terror gótico. Estas son algunas de las cosas que se pudieron escuchar durante la rueda de prensa:

Presentando el libro Pesadillas en la Oscuridad y la nueva Hammer Films.

Matt Reeves recordó que comenzó a ver producciones Hammer a los diez años y que Christopher Lee le provocaba pesadillas. En cuanto a Let me in, procuró conservar la tradición Hammer mezclándola con influencias de películas como El Resplandor y El Exorcista.

David Pirie por su parte habló sobre la nueva Hammer, comprada por el multimillonario holandés John de Mol (¡¡uno de los creadores del concurso Gran Hermano!!) que  evitará caer en copias de los viejos éxitos o vuelta al pasado. Aunque  protegiendo su legado. Sobre Let me in y su director opinó que su elección fue perfecta. Hammer, cuenta con distribuidora propia, New Market, algo por lo que “James Carreras habría matado” y  tiene como próximo lanzamiento Woman in Black dirigida por James Watkins según la novela de Susan Hill y The Resident (Antti Jokinen)una historia de terror psicológico ambientada en el siglo XIX, que Pirie define como todo un tributo a Christopher Lee, su protagonista. También está entre los proyectos  retomar la clásica saga Quatermass, aunque naturalmente desde una nueva óptica, “ya que los tiempos cambian y no se pueden usar los mismos elementos”.

Cueto, después de resaltar lo que significó el libro de Pirie para los aficionados españoles del género, explicó un poco sobre Pesadillas en la Oscuridad, obra que ha prologado reflexionando sobre lo gótico, el adjetivo y su uso a través de los tiempos y sus reencarnaciones en los años treinta en Estados Unidos, en los cincuenta y sesenta en Inglaterra y posteriormente en, por ejemplo el  American Gothic, abordando a personalidades como David Lynch y Tim Burton. Una obra que tal y como indicó no pretende ser definitiva, sino un punto de partida para futuros estudios.

Nos desalojaron rápidamente de la sala de prensa, ya que a continuación le tocaba el turno a la rueda de prensa de Let me in, que contaría con el director y el protagonista masculino Kodi Smith-McPhee, aunque, ante nuestra desilusión, Chloe se había escaqueado y no se presentó. Pero yo no me quedé sin abordar a Matt Reeves para seguir incrementando mi libreta de autógrafos y  a Pirie con mi ejemplar de El vampiro en el cine para que me lo dedicara.

Durante esa mañana aún nos dio tiempo de ver un film más, Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010, Apichatpong Weerasethakul) una coproducción entre Inglaterra, Tailandia, Francia, Alemania y España que es tan rara como el nombre del director y que a pesar de todo obtuvo la Palma de Oro en Cannes. Joe Dante estaba viéndola junto a su señora en una fila cercana a la nuestra. Me hubiera gustado saber su opinión. Yo, aprovechando que Jesús Palacios andaba por ahí le pregunté su opinión: “Enigmática…” “agradable de ver”. En cuanto a mí no me pregunten que opino, yo es que soy un ignorante y un ser primigenio al que gustó una película como A Serbian Film (pero de eso ya hablaremos luego) y que no salió de la sala antes de que finalizara por no dejar sola a la otra parte de Serendipia.

Esa tarde-noche nos dedicamos a pasarnos por Brigadoon y ojear el especial de Imagen Death que ofreció nuestro amigo Javier Perea en el que se presentó el libro La plaga de los zombies y otras historias de muertos vivientes, impecable libro editado, de nuevo, por Valdemar con extenso prólogo de Jesús Palacios, que lo presentó junto Rafael Díaz, a uno de los responsables de la editorial. También se pasaron cortos, La Raíz del Mal (2010, Adrián Cardona), que ya se encontraba a la venta en su stand y Daimon (2010, Javier Perea). Para el año que viene Javier nos confirmó que estará disponible a la venta el documental La sonrisa del Lobo, que como ya sabréis está interpretado por Paul Naschy y en el que, paseando por lugares emblemáticos de Toledo se repasa la filmografía sobre Waldemar Daninsky.

SÁBADO 16 DE OCTUBRE: METROPOLIS

 

 

 

 

 

 

Otro madrugón después de una noche loca (y es que ya no tenemos edad…) y nos plantamos en el Prado para ver Manicomio, de Luis María Delgado y Fernando Fernán Gómez, una rara avis que teníamos ganas de ver, cosa nada fácil. Magnífica comedia incomprendida en su momento que mereció  más suerte de la que tuvo y que fue un buen punto de partida para el intenso día que nos esperaba.

Tras comer nos preparamos para ver en pantalla grande la versión del súper-clásico Metropolis (1927, Fritz Lang) en su versión más cercana y completa a la del estreno. Una delicia recompuesta con 25 minutos inéditos encontrados en una copia Argentina de 16 milímetros en bastante mal estado, todo hay que decirlo. Tras dos años de trabajo se ha montado añadiendo las escenas faltantes a la reconstrucción que realizó la Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung en 2002  y  que dejó como  resultado una copia prístina del inmortal film de Fritz Lang declarado Patrimonio de la Humanidad. Se ha hecho lo que se ha podido y los segmentos nuevos se pueden distinguir perfectamente dado el contraste con la reconstrucción.que realizó la Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung en 2002  y  que dejó como  resultado una copia prístina del inmortal film de Fritz Lang declarado Patrimonio de la Humanidad. Desde luego más completa sí que está, pero los segmentos añadidos contrastan tanto que desfavorecen la labor de remasterización fotograma a fotograma que ya se realizó. Eso sí, contiene algunos fragmentos más que interesantes, como el rescate de los niños en la ciudad inundada o nuevas escenas que enriquecen a personajes como el trabajador 11811, Josaphat y la tirante relación entre Fredersen y Rotwang.

En todo caso, el 16 de noviembre Kino lanza el film en doble DVD y Blu-ray en Estados Unidos, con contenidos extras tan interesantes como Voyage to Metropolis, un documental de 50 minutos sobre la restauración y una entrevista con Paula Felix-Didier, responsable del Museo de Cine  Pablo Ducrós Hicken de Buenos Aires donde se encontró la copia de 16 milímetros. Se puede dar casi por seguro que Divisa la editará aquí.

Este sin duda es el gran clásico que a Serendipia le  hacía falta meterse entre pecho y espalda ¡¡¡Había tantas ganas de verla!!! …y lo mejor es que nunca pensé que acabaría disfrutándola en tan perfectas circunstancias de imagen y sonido.

Una de las "Marias" que decoran los laterales de L'Auditori.

Ya se acercaba el final del Festival pero a nuestros amiguitos les quedaban todavía varias aventuras que pasar, ya que esa noche verían una de las películas más polémicas que se han presentado este año en Sitges, A Serbian Film de Srdjan Spasojevic, película que mezcla el mundo del porno con las snuff movies sin evitar escenas extremas que son las que han causado la polémica de marras en los medios de comunicación sensacionalistas -y no sensacionalistas- de turno, que se han escandalizado, en casi todos los casos sin haber visto la película. Curiosamente otra propuesta serbia tocaba el mundo del porno y las películas snuff, The Life and Death of a Porno Gang de Mladen Djordjevic, director que ya hizo un acercamiento al mundo del porno aunque en forma de documental en su film Made in Serbia.

Sorprendente, bueno, quizás no tanto el trato en programas matinales de esos que igual te hablan (y en el mismo tono) de asesinatos reales, abuelitas longevas que cumplen años, casos de síndrome de Diógenes o recetas de pollo al chilindrón,  en la que tertulianos profesionales critican sin saber ni haber visto siquiera la  película. Quedándose en la superficie y acusando a los aficionados al cine de terror de pederastas y criminales. Pasen y vean si no. http://www.youtube.com/watch?v=nADar7UHgpY

También en una emisora de radio que hablaba prodigiosamente de Herois, film proyectado también en Sitges con entrevista “maravillosa”  en la que se vuelve a sacar esa nostalgia clónica de los años 80 : Heidi, D’Artacan, Verano Azul…  todo cambió cuando alguien sacó el tema de A Serbian Film, haciendo que, el locutor, que no la había visto, especificara aquello de “Yo no estoy a favor de prohibir por prohibir pero…” dejando el film a la altura del betún como producto de baja estofa “Que igual no era necesario en un festival como el de Sitges“. Mientras, los dos críticos de cine se cargaban la más que correcta factura técnica del film, incluso uno de ellos dijo algo sorprendente, ya que se quejó de lo poco realista que era el feto de la escena que tanto les había ofendido… Yo solo recuerdo el silencio reverencial que había en la sala durante la proyección del film, un silencio por una historia que estaba llegando al espectador y que no le causaba ningún regocijo (excepto en puntuales momentos de humor), un público que sabe perfectamente diferenciar entre la violencia “divertida” de una película de zombies exagerada o la  venganza extra sangrienta de la protagonista de I Spit on your Grave, films bien diferentes. Estos temas tan serios, exentos de humor siempre han dolido y sí, creado controversia. Bien es cierto que uno se revuelve en su butaca en ciertas escenas, pero nadie está obligado a verla y  también hay películas que a buen seguro a  este buen periodista radiofónico le habrían molestado y que ya se prohibieron en su momento como Saló o los 120 dias de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975  Pier Paolo Pasolini), que se estrenó en España cinco años después con la clasificación “S”, y que también contiene escenas de altos voltaje pero que nadie hoy se plantearía prohibir ni, por supuesto, criticar.

Y corriendo de sala en sala nos disponemos a despedir el festival de Sitges 2010 viendo algunas películas en el entrañable Prado. El equipo de I Spit on your Grave (Steven R. Monroe) presenta la nueva versión del clásico de 1978 de Meir Zarchi que aquí se conoció como La violencia del sexo,  interpretado por Camille Keaton (nieta de Buster) y presentado en la edición de Sitges de ese año. Entre los asistentes la productora, Daniel Franzese, que interpreta a uno de los rednecks y sobre todo Sarah Butler, la minúscula actriz de la que ya nos advirtió la productora que era muy peligrosa. Todo un festival que gustó y divirtió a grandes y pequeños. Intentamos aguantar hasta cerca de las 6 de la madrugada para ver Empusa, el último film dirigido por Paul Naschy pero… el cansancio pudo con nosotros a pesar de las ganas de verla que tenemos y tras una cerveza decidimos marchar y dar por finalizado un festival que ha tenido de todo, como en botica,  con un muy buen nivel de calidad.

El cartel de adelanto y el original del 74, en el que se ha basado el definitivo de 2010.

Y esto es todo, amigos, Sitges 2010 ha terminado y el festival lo hemos vivido de una forma más cercana y emocionante, dentro de nuestras posibilidades. El Festival está impecablemente organizado y ha habido una selección tan grande de películas que no hemos podido ver que nos habría hecho falta un mes para cubrirlo entero. En todo caso pienso que hemos aprovechado el tiempo lo mejor posible y esperamos que el próximo año podamos permitirnos vivirlo en su totalidad.

Y ahora unos cuantos souvenirs:

Sergio Molina, Elvira Primavera, Caroline Munro y Mick Garris homenajeando a Paul Naschy.

La sorprendente recreación de The Creature of the Black Lagoon en el corto The United Monster Talent Agency de Gregg Nicotero.

Caroline Munro con su Maria.

Jorge Grau también tuvo su premio.

Rebecca de Mornay bajo el sol de Sitges.

Roger Corman su esposa y Ángel Sala.

Las fans esperando al niño bonito de Eclipse.

Manuela Vellés.

Macarena Gomez.

¡¡¡Hasta Sitges 2011!!!

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Sitges 2010: terror emergente en Latinoamérica

19 octubre 2010 1 comentario

Una de las líneas de la recién finalizada 43ª edición del Festival de Sitges fue mostrar ese cine de terror emergente que está naciendo en Latinoamérica. Que el cine de terror en esas latitudes goza de buena salud la tenemos en el cada vez más importante Buenos Aires Rojo Sangre y en Sitges se festejaba la suerte del festival argentino con el pase del documental Rojo Sangre, 10 años a puro género (2009, Elián Aguilar) que se estrenó en Argentina el 30 de noviembre del año pasado coincidiendo con el décimo aniversario del festival.  El documental repasa las dificultades y compensaciones que supone realizar cine de género a través de los principales artífices argentinos.

Además del documental, el cine argentino se hizo presente en Sitges con la película Fase 7 dirigida por Nicolás Goldbart, una comedia apocalítica que toma como base la epidemia de gripe A y cuenta con la presencia del mítico Federico Luppi.  Se la ha definido como un Rec pasado por el ácido humor bonaerense y a Serendipia se le quedó pendiente porque pese a ser un ente casi mitológico aún no ha desarrollado la capacidad de ser ubicua. Si tuvimos la inmensa suerte de poder ver las otras dos películas latinoamericanas, la uruguaya La Casa Muda (2010, Gustavo Hernández) y la mexicana Somos lo que hay (2010, Jorge Michel Grau).

Hemos ido siguiendo todo lo relacionado con La Casa Muda desde que estaba en fase de postproducción.  En Febrero iniciábamos nuestra campaña de apoyo para que llegara a los cines, en abril anunciábamos su presentación en Cannes y celebrábamos más tarde que hubiera sido seleccionada en Sitges y hubiera vendido su distribución comercial en 16 países, finalmente el 8 de octubre teníamos el placer de verla en pantalla grande tal como deseamos que se exhibiera. Porque la película vale la pena y mucho empezaremos destacando lo más negativo de modo que se valoren aún más los aciertos. La película avanza sumergiéndonos en el terror que viven los personajes en un caserón abandonado, su largo plano secuencia nos provoca una sensación de inmediatez, sabemos lo mismo que sabe la protagonista y pasamos miedo con ella; se logra ese terror real en tiempo real que se había propuesto Gustavo Hernández en esta su ópera prima.  La tensión y su crescendo nos mantienen pegados a la butaca y se crea entre la película y nosotros un acuerdo tácito: nos creemos la historia que nos cuenta y hasta nos sobresaltamos cuando la protagonista lo hace.  Eso se mantiene así durante casi todo el metraje, hasta que de pronto nos sentimos traicionados en nuestra credulidad: un giro inesperado nos saca de la historia. Lo peor de La Casa Muda es que su final está dudosamente resuelto. ¿Por qué puede pasar eso? Hernández parte de hechos reales, un doble asesinato no resuelto en el que aparecieron dos cadáveres mutilados junto a una serie de fotografías, el suceso es enigmático y a un amante de las historias de miedo no puede por más que resultarle atractivo. Hernández se propuso narrarlo buscando una hipótesis que explicara el misterio y se exigió desafiar un reto: igualar el tiempo de proyección y el tiempo de acción para intensificar el terror.  Esa exigencia funciona al modo de las contraintes que se imponen los oulipianos, las trabas, al contrario de lo que pueda parecer, enriquecen los relatos.  Hernández quería contarnos la historia sin salir del mismo escenario de la acción, no hay flashbacks ni acciones paralelas, si seguimos comparando la película con la literatura obtenemos que el plano secuencia funciona al modo en que lo hace el narrador semiomnisciente, narrador que no anticipa sino que va mostrando lo que acontece en su misma sucesión temporal, y ahí viene el problema del final de La Casa Muda: no se han mostrado los elementos que pudieran darle sentido lógico al desenlace, al contrario, cae en el error de no mostrar si no decir, un decir que es puesto en boca de la protagonista justo en el momento en que se produce el giro.  De ese modo el final se nos antoja sacado de la manga y eso es lo que empaña una película que hasta entonces había sido excelente. Excelente porque la planificación juega con el encuadre para hacer ir avanzando la trama, la cámara en ningún momento es subjetiva pero no se separa de la protagonista, una Florencia Colucci en estado de gracia, los fuera de campo actúan como intensificadores y los montajes internos permiten mostrar otros ángulos sin renunciar en ningún momento al punto de vista elegido; así consigue el objetivo que se propone: pasamos el mismo miedo que el personaje porque prácticamente estamos en sus mismas condiciones. Otro acierto es la banda sonora.  La música de la película es casi un personaje más, con la peculiaridad de que es el único que sabe lo que está pasando, el único que posee toda la información y nos la va destilando de modo que aún nos hacemos más sujetos de la narración. Gracias a la banda sonora no somos meros espectadores sino parte integrante de la película la cual consigue de ese modo cumplir magistralmente la función catártica.  Eso es lo que supieron ver los críticos que asistieron a su estreno en Cannes y que elogiaron la cinta uruguaya con afirmaciones como las siguientes: “El horror cobra un nuevo significado con el director uruguayo Gustavo Hernández en un impresionante debut… Al igual que los mejores ejemplos del género utiliza el suspenso por encima de la sangre para crear la tensión… Haber realizado todo esto en una sola toma es impresionante; haberlo hecho todo en una sola toma con una cámara digital es poco menos que milagroso” Lee Marshall SCREEN DAILY; “El film tiene un increíble sentido climático y juega bien con la oscuridad y los pequeños espacios.” Peter Sciretta SLASH FILM;“Fue un logro técnico y visual nunca antes alcanzado… Si eres fanático del horror o crees haber visto cinematografía increíble, sólo espera a ver esta película… Mírala cuanto antes!” Alex Billington FIRST SHOWING. Coincidimos con la opinión de estos críticos y al igual que ellos consideramos que la película nos muestra el talento de su joven director al que le deseamos la mejor de las suertes y de cuya carrera vamos a estar pendientes desde ya.

Más redonda resulta la película mexicana.  Somos lo que hay nos cuenta la historia de una familia que sobrevive en México DF comiendo seres humanos a los que antes sacrifica a modo de ritual, la película arranca con la muerte del padre, a partir de ese momento el mayor de los hermanos habrá de esforzarse en ser el nuevo líder con una cierta oposición de su madre y su hermano; todo se complicará  cuando la policía siga su rastro.

Se trata de una película compleja que podría definirse como drama de terror salpicado de descripción costumbrista más unas gotas de crítica social. Si alguna ciudad ejemplifica la sentencia de Hobbes, el hombre es un lobo para el hombre (homo homini lupus), esa es la capital mexicana, daba cuenta de ello Buñuel de modo realista en Los Olvidados (1950) y se hace eco ahora  Jorge Michel Grau con está fábula, ácida y perturbadora, que es su primera película y cuyos protagonistas son una familia de desheredados que se comporta como una manada de depredadores aunque en verdad sean ellos las presas.  Esta es una película de atmósferas que nos remite a su origen literario, un relato escrito por el propio director, se desarrolla como un cuento en el que los ogros fueran los protagonistas, los malos son los buenos; la propia madre se define a ella y a sus hijos como monstruos, palabras destinadas a no olvidar su realidad aberrante que en la batalla por la supervivencia ha degenerado en atrocidad y locura. La cinta, sin escatimar hemoglobina, huye del efectismo gore en su paseo por lo sórdido dando así tintes más realistas a la historia. Y es que no está contándonos únicamente una ficción, no sólo porque pueda estar inspirada en casos de canibalismo real en México como los de José Luis Calva Cepeda o Gumaro de Dios, sino porque Jorge Michel Grau está haciendo una radiografía de los males que aquejan a México y que tan bien retrató Octavio Paz en El Laberinto de la Soledad. México y su grito “Hijo de La Chingada” alusión a la Malinche (esa india que traicionó a Moctezuma, de la que son descendientes) en el que se expresa su orgullo de pueblo derrotado por el invasor, contradictoria afirmación de sí mismos y su peculiar idiosincrasia que muestra y a la vez esconde sus miserias. Será por ello que esta película, que llegó a La quincena de los realizadores de Cannes y ha sido recientemente premiada con el Silver Hugo Special Jury Prize  del Festival Internacional de Chicago, ha tenido una dispar acogida en México. Algunos críticos, como Carlos Bonfil de La Jornada, arremeten contra ella por considerarla un drama tremendista que únicamente retrata lo disfuncional y ansían un cine que se haga eco de aspectos más amables de su país aunque lo reconozcan colapsado.  Pero los cineastas responden a la crítica que esto es lo que hay, Somos lo que hay titula Jorge Michel Grau a su ópera prima de impecable factura porque así ve su realidad y así la plasma en su metáfora. Ahora bien, quedarse en que muestra sólo lo más sórdido es no ser capaz de ver la película en toda su profundidad, tiene mucho de burla contra la autoridad y contra la cultura de depredación que sufren los mexicanos, pero no deja de hacernos sentir su admiración por sus raíces, ese rico folklore capaz de embellecer hasta la misma muerte. Porque la familia protagonista no es una más en largo listado de familias de psicópatas que nos ha regalado el cine, no aman el asesinato son más bien supervivientes en un mundo que se les antoja apocalíptico y en el que para perpetuarse han ideado una ceremonia ritual en la que practicar la comunión con la carne. No viven su hacer como un asesinato sino como una ofrenda.  No sólo está en juego su manutención, el ritual es el que les da sentido como familia, lo único que a su parecer podrá evitar su descomposición. De ahí que tras la muerte del padre haya una lucha por decidir quién ha de ser el nuevo líder, esa muerte saca a la luz las rivalidades y las alianzas; la película desciende hasta el mundo del incesto no consumado con esa hermana que hace de bisagra entre los dos hijos varones y los usa como escuderos para sentar su primacía frente la madre. Todo esto nos lo cuenta Grau con una preciosista planificación que juega con toda la profundidad de campo y el desenfocado parcial para transmitir la intensidad del drama en sus magistrales encuadres.  A ello contribuye igualmente la oscura banda sonora y el esmerado diseño de sonido (el opresivo ruido de los relojes que aventura su clímax es sencillamente abrumador). Serendipia salió del cine Retiro con la certeza de que esta receta de cocina canibal propia de Topor iba a ser uno de los mejores platos que le iba a permitir degustar ese gran banquete que es el Festival de Sitges. Esperamos que esta breve crónica os haya despertado las ganas de catarla.

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Exorcismos, Vampiros, Zombies, Artes Marciales y litros de sangre en Sitges 2010

17 septiembre 2010 Deja un comentario
La 43 edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 17 de octubre, presenta la programación, con algunos títulos aún por confirmar, de las secciones siguientes:
SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓN – SITGES 43
La sección oficial por excelencia ofrecerá un repertorio donde destaca la variedad de nacionalidades  (Bulgaria, Japón, Francia, Suecia, Uruguay,…), el impacto del nuevo cine sudamericano, el renacimiento del cine oriental y la mezcla del cine de terror sobrenatural con exorcismos, vampiros y mutantes y del terror más cotidiano con una violencia real extrema.
13 ASSASSINS (Takashi Miike, Japón)
14 DAYS WITH VICTOR (Román Parrado, España)
A WOMAN, A GUN AND A NOODLE SHOP (Zhang Yimou, China, Hong Kong)
BEDEVILLED (Jang Cheol-soo, Corea del Sur)
BLACK DEATH (Christopher Smith, Alemania)
LA CASA MUDA (Gustavo Hernández, Uruguay)
CONFESSIONS (Tetsuya Nakashima, Japón)
DREAM HOME (Pang Ho-cheung, Hong Kong)
FASE 7 (Nicolás Goldbart, Argentina)
KABOOM (Gregg Araki, EUA, Francia)
KOSMOS (Reha Erdem, Turquía, Bulgaria)
THE LAST EXORCISM (Daniel Stamm, EUA)
LEGEND OF THE FIST: THE RETURN OF CHEN ZHEN (Andrew Lau, Hong Kong,China)
MONSTERS (Gareth Edwards, Reino Unido)
MY JOY (Sergei Loznitsa, Ucraina, Alemania)
LES NUITS ROUGES DU BORREAU DE JADE (Julien Carbon y Laurent Courtiaud, Francia)
THE PERFECT HOST (Nick Tomnay, EUA)
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE (Jalmari Helander, Finandia, Noruega, Francia, Suecia)
RUBBER (Quentin Dupieux, Francia)
SECUESTRADOS (Miguel Ángel Vivas, España)
SOMOS LO QUE HAY (Jorge Michel Grau, México)
SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC PANORAMA COMPETICIÓN
Por primer año, la SOF Panorama tendrá una subsección competitiva con títulos muy esperados y controvertidos que refuerzan las temáticas de la SOF Competición SITGES 43.
LES 7 JOURS DU TALION (Daniel Grou, Canadá)
A SERBIAN FILM (Srdjan Spasojevic, Serbia)
ATROCIOUS (Fernando Barreda Luna, México, España)
L’AUTRE MONDE (Gilles Marchand, Francia, Bélgica)
CAPTIFS (Yann Gozlan, Francia)
COLD FISH (Shion Sono, Japón)
DIE TÜR (Anno Saul, Alemania)
HELLDRIVER (Yoshihiro Nishimura, Japón)
OUTRAGE (Takeshi Kitano, Japón)
RED HILL (Patrick Hughes, Australia)
THE REEF (Andrew Traucki, Australia)
STAKE LAND (Jim Mickle, EUA)
TUCKER & DALE vs EVIL (Eli Craig, Canadá, EUA)
SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC PANORAMA ESPECIALES
Esta sección fuera de competición está dedicada a ese público más fanático y completivo.
14 BLADES (Daniel Lee, Hong Kong, China, Singapur)
AFTER LIFE (Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, EUA)
BESOURO (João Daniel Tikhomiroff, Brasil)
BLACK LIGHTNING (Dmitriy Kiselev y Alexandr Voytinskiy, Rusia)
BODYGUARDS AND ASSASSINS (Teddy Chen, Hong Kong, China)
LA DOPPIA ORA (Giuseppe Capotondi, Italia)
FROZEN (Adam Green, EUA)
INSIDIOUS (James Wan, EUA)
JONAH HEX (Jimmy Hayward, EUA)
LA MEUTE (Franck Richard, Francia, Bélgica)
MONGA (Doze Niu, Taiwán)
LA POSESIÓN DE EMMA EVANS (Manuel Carballo, España)
PROWL (Patrik Syversen, EUA)
LA SOMBRA PROHIBIDA (José Luis Alemán, España)
THE STORM WARRIORS (Pang Brothers, Hong Kong)
SUCK (Rob Stefaniuk, Canadá)
ZEBRAMAN: ATTACK ON ZEBRA CITY (Takashi Miike, Japón)
SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC GALAS
El festival proyectará títulos de máxima actualidad, tanto nacionales como internacionales, que han estado galardonados en otros festivales y que son esperados con ansia por el gran público.
AGNOSIA (Eugenio Mira, España)
CARNE DE NEÓN (Paco Cabezas, España, Argentina, Suecia)
DE MAYOR QUIERO SER SOLDADO (Christian Molina, España, Francia)
EASY MONEY (Daniel Espinosa, Suecia)
LET ME IN (Matt Reeves, EUA, Reino Unido)
THE NEW DAUGHTER (Luis Berdejo, EUA)
NOTRE JOUR VIENDRA (Romain Gavras, Francia)
SUPER (James Gunn, EUA)
UNCLE BOONMEE WHO CAN RECALL HIS PAST LIVES (Apichatpong Weerasethakul, Reino Unida, Tailandia, Francia, Alemania, España)
VANISHING ON 7TH STREET (Brad Anderson, EUA)
THE WARD (John Carpenter, EUA)
El próximo lunes 20 saldrá a la venta la Butaca VIP, la manera más cómoda de no perderte ninguna película y siempre desde tu butaca preferente por 295€, y el Abono Matinée, válido para acceder a las sesiones del Auditori en la franja de las 10h, 12h y 15h (con algunas excepciones) por 99€.
El lunes encontraréis toda la información en www.telentrada.com y www.sitgesfilmfestival.com.
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Ya se acerca… Sitges 2010

Si el año pasado el motivo principal del cartel del festival de Sitges estaba basado en los huevos de la reina Alien, en esta ocasión tenemos a unas inquietantes gemelas como homenaje a El Resplandor (The Shining, 1980 Stanley Kubrick), uno de esos films que no te cansas de ver una y otra vez, y más ahora que puedes, con el Dvd, saltarte el horripilante doblaje que tuvimos que sufrir por estas latitudes y verla com il faut: en su versión original.  En rueda de prensa, la organización adelantó el programa, que os ofrecemos a continuación. Un muy  suculento y no definitivo programa al que habrá que sumar un recordatorio a los 25 años de Regreso al futuro (Back to the future, 1985 Robert Zemeckis); a los muy bien llevados 50 años de Psicosis (Psycho, 1960 Alfred Hitchcock) y, al menos dos piezas relacionadas con Paul Naschy: el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein (2010), que ya os anunciamos, y  O Apostolo, (2010, Fernando Cortizo) un film de animación stop motion  muy especial.

Entre la selección oficial, la versión americana de Déjame entrar (Lat den rätte komma in, 2008 Tomas Alfredson), que dudamos que sea muy necesaria, pero que al menos cuenta para el papel de la niña vampira Eli, con la fantástica Hit-Girl de Kick-Ass (2010, Matthew Vaughn), Chloe Moretz. Sin olvidarnos del curioso experimento La Casa Muda (2010, Gustavo Hernández), que tenemos ganas de ver y lo último de Takeshi  Kitano,  Outrage (Autoreiji, 2010).

 ADELANTO PROGRAMACIÓN SITGES 2010

Inauguración : “Los Ojos de Julia”

Sección Oficial Fantástic : “Let me in” – “Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives” – “Outrage” de Takeshi Kitano – “A woman, a gun, and a noodle shop” de Zang yi mu – “The new daugter” de Lluiso Berdejo – “A Serbian Film” de Srdjan Spasojevig – “Easy money” de Daniel Espinosa – “Dream Home” de Pang Ho-Cheung – “Kosmos” de Reha Erdem – “The Last Exorcism” de Daniel Stamm – “Kaboom” de Gregg Araki – “Rubber” de Quentin Dupieux – “Somos lo que hay” de Jorge Michel Grau – “La casa muda” de Gustavo Hernández – “Agnosia” de Eugenio Mira – “14 días con Victor” de Roman Parrado

Sección Noves Visions : “Catfish” de Ariel Schulman y Henry Joost – “Trash Humpers” de Harmony Korine – “Finisterrae” de Sergio Caballero – “The people vs. George Lucas” de Alexandre O. Philippe – “La bocca del lupo” de Pietro Marcello – “Vampires” de Vincent Lannoo – “Tony” de Gerard Johnson – “Sound of noise” de Johannes Stjärne Nilsson – “Red, White and Blue” de Simon Rumbley – “La doppia ora” de Giuseppe Capotonbi – “Strayed” de Akan Satayev – “Chatroom” de Hideo Nakata – “Life 2.0” de Jason Spingarn-koff

 Sección Casa Asia (antes Orient Xpress) : “IP Man 2” de Wilson Yip – “Clash” de Le Phanh Son

Cine en 3D : “O Apostolo” de Fernando Cortizo

Sección Anima’t : “Welcome to the Space Show” de Koji Masunari

Sección Midnight X-Treme : “Slice” de Kongkiat Khomsiri – “Primal” de Josh Reed – “The violent kind” de The Butchers Brothers – “Norweigan Ninja” de Thomas Cappelen Malling

Sección Seven Chances : “L’enfer d’Henri-Georges Clouzot” de Serge Bromberg y Rouxandra Medrea

Retrospectivas / Sitges Clàssics : Los otros fantásticos donde se estrenará una nueva copia de “El bosque del Lobo” de Pedro Olea – Cinema y Tiempo que pasará “El tiempo en sus manos” de George Pal – “Suspiria” de Dario de Argento – Sesiones dobles de cine Italiano con explotation de los 70 y 80.  También se anuncian pases de films de Carlos Saura (¿?) y Eugenio Martín (¡¡¡Fantástico!!!)

ACTOS PARALELOS – Jornada Videojuegos (15 de octubre)

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