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Keyword: ‘Fede Álvarez’

La maratón de Sants celebra sus bodas de plata

8 noviembre 2013 Deja un comentario

MaratoCinemaTerrorPues sí, amigos,  la Maratón de Sants, conocida por los fans como “cotxeres” cumple veinticinco años. Todo un clásico para el fandom barcelonés famoso por su público guasón y sus raudales de cine de estricto género. Un festín para aquellos de paladar más gamberro. Y este próximo lunes día 11 llega entre nosotros para acompañarnos hasta el 16.

Desde el lunes hasta el jueves se podrá disfrutar de una amplísima muestra de cortos entre lo que estará lo mejor de la escena más actual. Muestra que tendrá su colofón el viernes en la gala de finalistas. Pero el plato fuerte es sin duda la noche más larga, noche de sábado que acoge no una sino dos maratones en dos salas respectivas. Si el auditori está destinado a películas de actualidad, entre las que destacan Iron man 3 y Posesión infernal (la de Fede Álvarez), la sala de conferencias ofrece un plantel de filmes delirantes con toques bizarros y ochenteros en un ambiente de jolgorio puro. Y todo ello a precios de crisis!!

Ya lo sabéis, toda una semana  de terrorífica diversión, apta especialmente para los que disfrutan la vertiente más juguetona del cine.

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Evil Dead 2013: más sangre y menos humor

Cuando los amiguetes Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert, tras rodar varios cortos, se emperraron en sacar adelante su Book of the Dead (previamente  convertido en 1978 en un corto de 30 minutos, Within the Woods,  que sirvió como muestra para conseguir financiación) seguro que no sabían hasta donde podría llegar su alocada aventura. De una forma u otra Book of the Dead se convirtió en 1982 en Posesión infernal (Evil Dead), una película rodada en 16 mm. que mezclaba en principio un cóctel nada original: adolescentes, posesiones demoníacas, sangre y mucho speed. Pero no era así, ya que contaba con un añadido que la hacía (y hace) más atractiva: grandes dosis de comedia hasta el punto de transformar a su protagonista, Bruce Campbell en un personaje de dibujos animados. Y todo ello, no hay que olvidarlo, sin dejar de ser un atmosférico y terrorífico film.

Posesión infernal triunfó en los video-clubs de medio mundo y posibilitó que Raimi pasara a la primera división de su profesión. Esa bienvenida incluyó que rodara una secuela de su film, naciendo Evil Dead 2 (Terroríficamente muertos, 1987) que no  resultó ser finalmente una secuela sino un remake con todas las de la ley, aunque más loco si cabe, con más medios y mejores resultados en los maquillajes y efectos especiales (cosa en la que tuvieron mucho que ver la santa trinidad Berger, Kurtzman y Nicotero). Ese primer remake daría pie a (ahora sí) una secuela, El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, 1993).

No acaba ahí la historia, en mayo del 2012 se iniciaba el rodaje de un nuevo remake, el que este viernes llega a nuestras pantallas. Esta vez Raimi no está al frente de la dirección, el equipo inicial (Raimi, Tapert y Campbell) ha preferido ocuparse únicamente de la producción y dar la alternativa al joven debutante Fede Álvarez, del que ya os hablamos en este blog. El propio Fede Álvarez, junto a Rodo Sayagues (colaborador suyo desde los tiempos de Ataque de Pánico, corto con el que se dieron a conocer) se ha ocupado de adaptar el guión, así que nos ofrece una relectura personal de la obra de Raimi. Rodada en Nueva Zelanda, algo habitual en Raimi, el reparto de esta nueva Posesión Infernal está compuesto por eficientes actores jóvenes: Jane Levy (Mia), Shiloh Fernández (David), Lou Taylor Pucci (Eric), Jessica Lucas (Olivia) actriz ya conocida para los productores por Drag me to hell (2009) y Elizabeth Blackmore (Natalie). Protagonismo tienen también los 25.000 litros de sangre artificial que han sido necesarios para el filme, muuuuuucha hemoglobina, pues, es la que nos ofrece esta nueva versión.

Esta Posesión Infernal de 2013 no es una mera repetición sino toda una reinterpretación del tópico de la cabaña en el bosque parodiado en la de 1981 (en puridad más que un remake es un reboot). Sin renunciar a los elementos fundamentales (la cabaña, el libro de los muertos o Necronomicón) Álvarez ha pretendido dotar a los personajes de una mayor profundidad psicológica, ya no son unos jóvenes cuasiadolescentes que van al bosque en busca de experiencias etílicofestivas sino un grupo de amigos que se han reunido para ayudar a Mia, la protagonista, a desengancharse de la droga (en el extremo opuesto, pues). Hay también drama familiar, el hermano de Mia es uno de los integrantes del grupo, cosa que supone un reencuentro entre ambos después de que él la hubiese dejado pasar sola el trance de la muerte de la madre en un centro psiquiátrico. No hay que esperar un análisis exhaustivo de los recovecos de las relaciones, sólo un esbozo que sirve al fin de explicar el porqué de sus conductas cuando se haga manifiesta la presencia (así, por ejemplo, la primera en tener evidencias de la fuerza que les acosa será Mia y los demás creerán que son causadas por su síndrome de abstinencia). Ocurre que este mayor naturalismo de los personajes no se ha dado sin eliminar esa comicidad cartoonesca que tenía la original y que, en nuestra modesta opinión es lo que la hacía especial. En la película de Ávarez no hay apenas lugar para el humor, todo está tratado con seriedad, y a nosotros se nos antoja que eso supone una pérdida del remake frente a la original. Podemos decir que, al tratar de darle alma a los personajes, es la película la que se ha quedado huérfana de ella. Esto no significa que a nuestro juicio sea una mala película, simplemente opinamos  que el remake no consigue superar al original.

Así pues, aún sin tener el carisma que identificaba a la saga Evil Dead, la Posesión Infernal de Álvarez cautivará a los aficionados al género. A los conocedores de las de Raimi porque está repleta de guiños a elementos del  guión que las caracterizaban. Ahí están esos bellos travellings subjetivos desde el punto de vista de la presencia atravesando al bosque; la violación en el bosque y por el bosque; la amputación de la mano; y, cómo no, la motosierra. Pero creemos que sobre todo gustará a los más jóvenes que quizás ni siquiera hayan conocido sus precedentes, por su factura, su ritmo trepidante por momentos y esos miles de litros de sangre y gore bien entendido. Tanto los iniciados como los neófitos agradecerán que no se haya abusado de la imagen digital, al contrario Álvarez se ha inclinado por conseguir los efectos con la cámara siempre que le ha sido posible y dejar a los de maquillaje hacer el resto. Y mención de honor merecen estos últimos junto a la banda sonora del español Roque Baños. En suma, puede decirse que Fede Álvarez no defrauda las esperanzas depositadas en él.

La pregunta del millón sería responder a si era necesario este remake (o reboot) tratándose como se trata de una película de correcta ejecución. Para quien esto escribe no se trata de una revisión que aporte ingredientes relevantes al original, como sí podía darse en el Maniac de, ni sirve para darle mayor actualidad (después de todo la original sigue igual de vigente que en su presente), de modo que no podemos considerarlo como necesario. Ahora bien, la buena factura del filme evita que se le pueda tildar de prescindible y, sobre todo, muestra las dotes de su joven director, más elogiable él que su propia ópera prima. Deseamos ver pronto a Fede Álvarez al frente de una obra personal que no se deba ya a ningún trabajo previo.

Fede Álvarez en el rodaje de Posesión Infernal

Fede Álvarez en el rodaje de Posesión Infernal

Siguen los remakes, esta vez Evil Dead

25 octubre 2012 Deja un comentario

Si habéis pinchado en el vídeo habréis visto casi cinco minutos de un sorprendente ataque extraterrestre en Montevideo y habréis engrosado la ya abultada lista de visitantes. Se trata de Ataque de pánico, el  corto de Fede Álvarez, cineasta experto en efectos especiales, que le llevó a ver cumplido su sueño. Veamos cómo.

La idea del corto le sobrevino en su periodo de estudios en Amsterdam viendo la cuña de un videojuego. Después, regresado a Montevideo llevo a cabo su ídea con un equipo de producción limitado y un presupuesto aún más exiguo. La mayor parte del trabajo la ocupó la postproducción, esos efectos especiales que él y su equipo elaboraron durante seis meses dilatados a lo largo de dos años, con una colección de programas muy conocidos, sin ningún poderoso ordenador como los que destruyeron el mundo en 2012 (Roland Emmerich): 3dMax, FumeFx, Glu3d, AfterEffects, Photoshop y Premiere. Como todos los que empiezan todo ese trabajo lo hicieron gratis, con la dedicación de quienes hacen aquello que les ilusiona, todo el presupuesto, menos de 500 dólares, se invirtió en la contratación de los cincuenta extras que corren aterrados. Concluido el filme, un jueves lo subía a Youtube. Al lunes siguiente (en sólo tres días de exhibición) su correo estaba invadido con propuestas de los grandes estudios de Hollywood. Casi un cuento de hadas.

De todas las ofertas la que acabó cuajando fue la que le lanzó Ghost House Pictures, la productora de Sam Raimi.  A cambio de darle la exclusividad, Raimi se comprometía a invertir 30 millones de dólares para que rodase un largo sobre una invasión extraterrestre. En esa película iba a gozar de total libertad y podría filmarla en Uruguay y Argentina.

No sabemos que fue de ese proyecto. Los sueños a veces no son perfectos. Pero la historia tiene, a pesar de todo, un final feliz: Fede Álvarez ha sido elegido por Raimi para dirigir el remake de Evil Dead. Y a juzgar por las primeras imágenes la cinta promete. Acaba de filtrarse el primer trailer y tiene muy buena pinta:

Últimamente parece que la industria cinematográfica se ha vuelto pusilánime y no se atreve a apostar por nuevos proyectos, estamos viviendo años de precuelas, secuelas y remakes, con distinto acierto. Algunos remakes han sido reconocidos como superiores a la cinta original, sería el caso de Las colinas tienen ojos de Alexandre Aja; otros no han sido tan afortunados, no aportan nada y son absolutamente prescindibles, ese es el caso de Juego de niños (Makinov) que tuvimos ocasión de ver en la última edición del Festival de Sitges. Temor nos produce qué vaya a ocurrir con Carrie, aunque en el reparto esté Clhoe Moretz. Pero desde luego habrá que darle una oportunidad, aunque sólo sea porque otro de los remakes que nos producía mieditis ha resultado ser un film más que notable, se trata de Maniac (Franck Khalfoun). Pero estábamos con Evil Dead, ¿tiene sentido volver a rodar el ya clásico de 1981 del que el mismo Reimi nos ofreció en 1987 otra versión, con más medios, disfrazada de secuela como Terroríficamente muertos (Evil Dead II)?

Evil Dead fue bien acogida por el público y también por la crítica, Variety, por ejemplo,  destacó la atmósfera lograda por el director y elogió el trabajo de cámara. Y Stephen King se refirió a ella como «la película de terror más original del año», cosa que en su día ayudó a lanzarla todavía más. Sin duda son muchos los aspectos destacables en ella, pero no es el menor la suma de comicidad que se unía a las violentas imágenes, eso se convirtió en sello de fábrica de la saga que arrancó con ella. Si hay que ponerle algún  pero al trailer del anunciado remake es que no permite colegir en él esas muestras de humor, quizás sea pronto para decirlo de todas maneras, y desde luego este anticipo la hace ver apetitosa.

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Pesadillas de unas noches de verano

Cuando hace unos meses entró en erupción ese volcán islandés de nombre impronunciable, agencias meteorológicas estadounidenses pronosticaron el verano más frío del siglo.  Poco después AEMET, la agencia española, predijo que este sería el más caluroso desde 2003 (verano que sólo con recordarlo te sofocas incluso en la Antártida).  Y por una vez nuestros especialistas han superado a los yankis en capacidad.   Así que este verano sólo lo podrán disfrutar los vampiros y otros reyes de la noche, porque hacen su vida cuando los calores remiten y ya se puede respirar.  Pero vivir la noche es algo que ya les gusta a los aficionados al fantaterror y en verano es cuando más platos suculentos se ofrecen a modo de pases nocturnos.  Esta semana tenemos dos citas importantes que nos permitirán incluso dejar atrás el bochornazo de la Ciudad Condal para disfrutar de pueblos vecinos.

Quienes quieran montarse unas mini vacaciones para degustar buenos embutidos, refrescar la vista viendo las aguas del Pantano de Sau y el verde que las rodea o contemplar el arte de Sert, pueden dirigirse el jueves a la capital de Osona donde empieza la séptima edición de las Nits de Cinema Oriental cuyos organizadores han creado este bonito trailer promocional en el que se van ensamblando las imágenes de las películas que nos va a traer la muestra:

Desde este jueves y hasta el sábado 24 Vic se pinta colores asiáticos para ofrecer para desplegar ante nosotros lo mejor de la cinematografía de ese lejano continente, desde los sones de Bollywood hasta la magia de la animación de Miyazaki, pasando por el homenaje coreano al spaghetti Western El Bueno, el Feo y el Malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966, Sergio Leone) con la película El bueno, el malo y el raro de Kim Ji-woon, en esa línea nos traen el ya clásico Sukiyaki Western Django de Miike con la dosis de violencia habitual en este director, y sin faltar cintas de terror como la tailandesa Phobia 2 (Ha PrangG, Songyos Sugmakanan, Banjong Pisanthanakun, 2009, Parkpoom Wongpoom, Visute Poolvoralaks i Paween Purijitpanya), o la japonesa Vampire Girl vs Frankenstein Girl (2009, Yoshihiro Nishimura i Naoyuki Tomomatsu) que ya pudo verse en la Semana de Donosti.  Las Nits se inauguran con un estreno al que nos gustará hincarle el diente: ¡¡¡la última película china del mismísimo Jackie Chan!!! Little Big Soldier (2009, Ding Sheng).

Y todo esto gratis, lo que es todo un aliciente en estos tiempos, y acompañado de otras muestras de la cultura asiática, incluida su gastronomía que se podrá degustar esta sí pagando pero a precios módicos para proletarios en crisis.  Aquí os dejamos el programa completo:

Dijous 15 de juliol. Inauguració

Activitat realitzada amb la col·laboració d’IMPEVIC (Institut Municipal de Promoció i Economia)

 

20.30. Sopar tradicional xinès

Lloc: Edifici el Sucre

Sopar amb plats típics de la cuina xinesa, amb acompanyament musical. Reserva prèvia al telèfon 93 886 20 27

22.30. Projecció de la pel·lícula Little Big Soldier

Lloc: Edifici el Sucre

Dirigida per Sheng Ding. V.O. en mandarí amb subtítols en català

 

 

Divendres 16 de juliol. Poriental

22.00. Projecció de tràilers i curtmetratges asiàtics de terror

Projecció de la pel·lícula PHOBIA 2

Dirigida per Songyos Sugmakanan, Banjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom, Visute Poolvoralaks, i Paween Purijitpanya. V.O. en tailandès amb subtítols en català

Lloc: Pati posterior de la Biblioteca Joan Triadú i del Museu de la Pell

 

Projecció del migmetratge Hard Revenge Milly

Dirigida per Takanori Tsujimoto. V.O. en japonès amb subtítols en català. Servei de begudes i menjars orientals durant tota la sessió

Lloc: Pati posterior de la Biblioteca Joan Triadú i del Museu de la Pell

 

 

Dissabte 17 de juliol. Vic s’escriu amb “B” de Bollywood

Organitzat conjuntament amb el Pla de Barris, l’Associació de Veïns Barri d’Osona i la Comunitat de propietaris de la Plaça d’Osona

 

18.00. Taller de dansa de Bollywood amb Sara Barrera

Lloc: Plaça d’Osona

Inscripció gratuïta a la Biblioteca Joan Triadú i a l’Oficina Municipal del Remei. Tel. 93 883 67 76

 

19.00. Tallers de henna, de braçalets i de complements

Lloc: Plaça d’Osona

A càrrec de l’Associació Social i Cultural de l’Índia de Vic

 

20.30. Sopar indi

Lloc: Plaça d’Osona

Sopar amb plats típics de la cuina índia, preparats pels membres de l’Associació Social i Cultural de l’Índia de Vic

 

21.30. Projecció d’espots de la TV índia

Lloc: Plaça d’Osona

 

22.00. Musical Bolly Elliot

Lloc: Plaça d’Osona

Estrena del nou musical de les Bollywood Diamonds produït per les Nits de Cinema Oriental. Narra la història d’un jove que vol triomfar al món de la dansa malgrat l’oposició del seu pare

 

22.30. Projecció de la pel·lícula Love Aaj Kal

Lloc: Plaça d’Osona

Dirigida per Imtiatz Ali. V.O. en hindi amb subtítols en català

 

 

Diumenge 18 de juliol. Sessió infantil i juvenil

12.00. Projecció de la pel·lícula Nicky, l’aprenent de bruixa

Lloc: Centre Cívic del Remei-Estadi

Dirigida per Hayao Miyazaki. V.O. en japonès amb subtítols en català

Sorteig de pel·lícules de la col·lecció Studio Ghibli-Aurum

En finalitzar la sessió, pica-pica oriental per als assistents

 

17.00. Projecció de la trilogia completa 20th Century Boys

Lloc: Centre Cívic del Remei-Estadi

Dirigides per Yukihiko Tsutsumi. V.O. en japonès amb subtítols en castellà.

Sorteig de pel·lícules de la distribuïdora Media3 Estudio

 

 

Dimarts 20 de juliol. Indonèsia

21.00. Sopar indonesi

Lloc: Bassa dels Hermanos

Sopar amb plats típics de la cuina d’aquest país. Preus populars

 

21.30. Evasió i victòria

Lloc: Bassa dels Hermanos

Conferència audiovisual sobre el delirant cinema d’evasió del sud-est asiàtic a càrrec de Domingo López, redactor de la revista Scifi-World

 

22.00. Projecció de la pel·lícula Merantau Warrior

Lloc: Bassa dels Hermanos

Dirigida per Gareth Evans. V.O. en indonesi amb subtítols en català

 

 

Dimecres 21 de juliol. Bollywook + Corea

19.00. Presentació del llibre Bollywood, a càrrec de les autores Sara Barrera i Carolina Velasco

Lloc: Biblioteca Joan Triadú

 

21.00. Sopar coreà

Lloc: Bassa dels Hermanos

Sopar amb plats típics d’aquest país. Preus populars

 

21.30. Exhibició de tai-txi-txuan

Lloc: Bassa dels Hermanos

Demostració de tai-txi-txuan a càrrec de l’escola L’Indret de Vic

 

22.00. Projecció de la pel·lícula The good, the bad and the weird

Lloc: Bassa dels Hermanos

Dirigida per Kim Ji-woon. V.O. en coreà amb subtítols en català

Sorteig de pel·lícules de la distribuidora MEDIATRES

 

 

Dijous 22 de juliol. El Rei Mico + Miike

19.00. La llegenda del Rei Mico

Lloc: Biblioteca Joan Triadú

Teatralització d’un fragment de l’obra Viatge a l’Oest amb dibuixos, llums i ombres a càrrec d’ Anna Obiols, Subi i Xevidom

 

20.00. Projecció de la pel·lícula Rebombori al cel

Lloc: Museu de l’Art de la Pell

Dirigida per Wan Laiming. V.O. en mandarí amb subtítols en català

 

22.00. Projecció de la pel·lícula Sukiyaki Western Django

Lloc: Pati posterior de la Biblioteca Joan Triadú i del Museu de la Pell

Dirigida per Takashi Miike. V.O. en japonès amb subtítols en castellà. Servei de begudes i menjars orientals

 

 

Divendres 23 de juliol. Sessió especial

22.00. Projecció de la pel·lícula Mother

Lloc: Pati posterior de la Biblioteca Joan Triadú/Museu de la Pell

Dirigida per Bong Joon-ho. V.O. en coreà amb subtítols en castellà. Servei de begudes i menjars orientals

 

 

Dissabte 24 de juliol. L’altre rei mico

22.00. Projecció de la pel·lícula Iron Monkey.

Lloc: Pati posterior de la Biblioteca Joan Triadú/Museu de la Pell.

Dirigida per Yuen Woo-ping. V.O. en cantonès amb subtítols en castellà Projecció en alta definició d’aquest clàssic de les arts marcials.

 

 

Dissabte 24 de juliol. Nit golfa

24.00. Projecció de tràilers i videoclips freaks.

Projecció de la pel·lícula Vampire Girl vs Frankenstein Girl

Lloc: Pati posterior de la Biblioteca Joan Triadú i del Museu de la Pell

Dirigida per Yoshihiro Nishimura i Naoyuki Tomomatsu. V.O. en japonès amb subtítols en català. Servei de begudes i menjars orientals durant tota la sessió


 Desde aquí queremos darles las gracias por esta iniciativa a dos de sus promotores principales, Quim Crusellas y Domingo López (responsable de Asian Trash Cinema/Trash Collectors a quien tuvimos el honor de entrevistar) y os invitamos a seguir todas las novedades en la página de Facebook.

Pero hay más.  Otra cita veraniega obligada para los que apostamos por los jóvenes cineastas que se inician en el oficio del cine de terror es acudir al Cryptshow Festival que alcanza ya su cuarta edición y demuestra que su carrera es ascendente, este año habrá sala y pantalla de lujo la del Ateneu Adrianenc a tiro de piñón de la estación de metro de la Línea 2 Artigues-Sant Adrià.  En San Adrián del Besós, que tantos recuerdos de adolescencia dejó adheridos a una de las cabezas de Serendipia, tiene lugar por cuarta vez uno de los mejores festivales de cortometrajes de terror que existen por estos lares y que nos trae un cartel y un spot promocional inspirado en el poster de Tarántula (1955, Jack Arnold) en el que la araña es sustituida por un  pulpo, ¿será el vidente Paul?

En esta edición podremos gozar de una buena muestra de trabajos patrios, allí estará el Frente Gótico de Jaume Rofes, el Torbellino de Hostias de Adrián Cardona, el  Yo fuí un Fredi Kruger Novato Adolescente de La Oscura Ceremonia, el Space Monsters de Jordi O. Romero, o Container de David Muñoz, que destacamos porque hemos podido disfrutarlos en otros certámenes y quedamos encantados.  Pero también habrá obras de allende las fronteras, aquí queremos resaltar la presencia de Ataque de Pánico el celebérrimo corto del Uruguayo Fede Álvarez, que le valió a este joven cineasta llamar la atención nada más y nada menos que de Sam Raimi quien le está produciendo con una suma millonaria  su conversión en largometraje, el gran sueño de cualquier autor novel que está ahí como muestra de que a veces los sueños se hacen realidad.  Y como no sólo de cortos se alimenta un buen festival, no falta en el Cryptshow la presencia de clásicos, la obertura será de lujo con  Godzila King of the monsters  (1956) de Ishiro Honda y Terry O. Morse, versión americanizada de la original del primero, luego será el maestro Bava el protagonista, de quien podremos ver sus célebres Operazione Paura (1966) y Bahía de Sangre,(1971, Reazione a Catena) pero la proyección más entrañable para nosotros será la de La Maldición de la Bestia (1975, Jacinto Molina)ofrecida en memoria de Paul Naschy y de Víctor Israël y con la presencia de su director, Miguel Iglesias Bonns, a quien le será entregado el Premio Honorífico Serra Circular, director que tuvimos el gusto de conocer en las proyecciones de El Buque Maldito en el Centro Garcilaso.  Y hablando de El Buque Maldito tendremos ocasión de asistir a la presentación del último número del fanzine editado por Diego López, un ejemplo de las actividades paralelas dentro del propio festival, entre las cuales nos ilusiona especialmente la presentación del último Ep de Motorzombies, The Curse of Spanish Horror Movies, la formación musical de nuestro amigo Dani Moreno.

Aquí os va la programación completa:

DIA 1: Dimecres 14

Sessió de tarda: entrada lliure

 

17’00 Obertura del festival

17’05 Presentació de l’exposició de EL TAMANY SÍ QUE IMPORTA i del llargmetratge GODZILLA, KING OF THE MONSTERS

17’10 Projecció del llargmetratge GODZILLA, KING OF THE MONSTERS, d’Ishiro Honda i Terry O. Morse

 

Sessió de nit: 3 euros

 

18’30 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 1

18’35 Projecció de la SECCIÓ OFICIAL 1

SHROVE TUESDAY

TURNO DE NOCHE

THE GROWTH

UN CHICO RARO

NOBLEZA GORILA

BABYLON 2084

 

20’02 (descans)

 

20’20 Presentació del número 13 del fanzine EL BUQUE MALDITO

20’30 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 2

20’35 Projecció de la SECCIÓ OFICIAL 2

BARCELONA-VENECIA

THE DEAFGAME

FRENTE GÓTICO

MASACRATOR

SPACE MONSTER

LOVELEY DINNER

PAPÁ WRESTLING

NOT EVEN DEATH

 

21’35 Presentació del llargmetratge MALDITO BASTARDO

21’40 Projecció del llargmetratge MALDITO BASTARDO, de Javi Camino

23’10 Tancament

 

DIA 2: Dijous 15

Sessió de tarda: entrada lliure

 

17’00 Presentació del llibre CRYPTONOMIKON 3, III Premi Cryptshow Festival de Relat de Terror, Fantasia i Ciència Ficció

17’15 Presentació de la línia de terror de MINOTAURO i TIMUNMAS, i del nou web LITERATURA DE TERROR, amb el seu editor José López Jara

18’00 Presentació del llargmetratge MI, amb la presència del director César del Álamo

18’05 Projecció de del llargmetratge MI, de César del Álamo

19’35 Presentació de la plataforma TAC: TERROR ARREU DE CATALUNYA

 

Sessió de nit: 3 euros

 

19’45 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 3 i del curt SUBNORMAL ACTIVITY

19’50 Projecció del curt SUBNORMAL ACTIVITY, de David González (fora de competició)

20’00 Projecció de la SECCIÓ OFICIAL 3

LO SIENTO, TE QUIERO

LÉGENDE DE JEAN L’INVERSÉ

LE CYCLE

CRÓNICAS

ARENA

CONTAINER

BURDEN

 

21’30 (descans)

 

21,45 Presentació de la sèrie d’animació THE MONSTER HUNTER, de DKILLER PANDA

22’00 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 4

22’05 Projecció de la SECCIÓ OFICIAL 4

OUT OF OUR MINDS

OLD NUMBER SEVEN

LOS QUE VIGILAN

DESCENTE

JUAN CON MIEDO

FALLOW

 

23’45 Tancament

 

DIA 3: Divendres 16

Sessió de tarda: entrada lliure

 

17’00 FET A EUROPA:

– Projecció del llargmetratge OPERAZIONE PAURA, de Mario Bava

– projecció del documental FET A EUROPA

– Taula rodona

 

Sessió de nit: 3 euros

 

19’30 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 5 i del curt COSA DOLENTA, FORA DEL VENTRE

19’35 Projecció del curt COSA DOLENTA, FORA DEL VENTRE (fora de competició)

19’40 Projecció de la SECCIÓ OFICIAL 5

A TRAVÉS DEL OCASO

GÉNIO Y FIGURA

LA LEYENDA DEL CAMINO DEL CARANCHO

HOMELAND

INGRAVIDO

SAM’S HOT DOGS

PROTOPARTÍCULAS

THE TERRIBLE THING OF ALPHA 9

ROAD TO MOLOCH

 

21’25 (descans)

 

22’00 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 6

22’05 Projecció de la SECCIÓ OFICIAL 6

TORBELLINO DE OSTIAS

NELLY AND LIO

YO FUI UN FREDY…

SATAN JESUS ELVIS

THE AUBURN HILLS BREAKDOWN

DELANEY

THE HORRIBLY SLOW MURDERER

 

23’45 Presentació del curt CAMPAMENTO SANGRIENTO 3

23’50 Projecció del curt CAMPAMENTO SANGRIENTO 3, de James J. Wilson (fora de competició)

00’20 Tancament

 

DIA 4: Dissabte 17

Sessió de tarda: entrada lliure

 

17’00 PREMI HONORÍFIC SERRA CIRCULAR al director MIGUEL IGLESIAS BONNS

– Projecció del llargmetratge LA MALDICIÓN DE LA BESTIA, en record a PAUL NASCHY i VÍCTOR ISRAEL.

– Xerrada amb MIGUEL IGLESIAS BONNS (director) i TOMÀS PLADEVALL (director de fotografia)

 

Sessió de nit: 3 euros

 

19’00 presentació de la SECCIÓ OFICIAL 7

19’05 projecció de la SECCIÓ OFICIAL 7

ATAQUE DE PÁNICO

DANSE MACABRE

KABARET KADNE

ZIGURATE

HOLD YOUR FIRE

MILBE

DEAD WALKERS

 

20,10 (descans)

 

20’45 Presentació del nou EP de MOTORZOMBIES, THE CURSE OF SPANISH HORROR MOVIES

20’50 Presentació de la SECCIÓ OFICIAL 8

21’00 Projecció de la SECCIÓ FICIAL 8

SNIP

LA BATTUE

LA TERRIBLE MALEDICTION

LANGLIENA

ZOMBIE: LE DOCUMENTAL

PARIS BY NIGHT OF THE LIVING DEAD

 

22’25 Presentació del llargmetratge RED VELVET

22’30 Projecció de RED VELVET, de Bruce Dickson

00’00 LLIURAMENT DE PREMIS

00’30 THE CRYPTSHOW PARTY, festa de disfresses amb dj Wilson i premi per al rei i la reina del ball


 

DIA 5: Diumenge 18

Sessió de tarda: entrada lliure

 

17’00 SHOTS 2, projecció d’una selecció dels millors curtmetratges del festival SHOTS 2

 

Sessió de nit: 3 euros

 

18’00 Presentació de LA MARATÓ

18’05 Projecció del premi del jurat del CRYPTSHOW FESTIVAL’10

18’20 Projecció del llargmetratge VORACIDAD, d’Anthony M. Dawson (Antonio Margheriti)

19’50 Projecció del llargmetratge BAHÍA DE SANGRE, de Mario Bava

21’10 Projecció del llargmetratge LOFT, de Kiyoshi Kurosawa

23’10 Projecció del premi del públic del CRYPTSHOW FESTIVAL’10

23’30 Acaba el CRYPTSHOW FESTIVAL’10: ROAD TO THE CRYPSHOW’11

Hay que destacar la presentación oficial de la plataforma TAC, Terror Arreu de Catalunya, iniciativa que aúna a cuatro de los festivales más célebres, el Cardoterror de Cardadeu, el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, el Festerror de Lloret de Mar y el propio Cryptshow.  El objetivo es promover el intercambio de recursos y público y ser, a la vez, una herramienta conjunta para nuevos creadores catalanes.  Para ello  han creado el Premio TAC al Mejor Cortometraje Catalán de Terror, el cual recaerá sobre uno de los cinco finalistas seleccionados de entre todos los cortos recibidos en los diferentes festivales durante 2009.

Los cortos que optan a dicho galardón son:

  • Mama de Andy Muschietti
  • Lazarus Taxon de Denis Rovira
  • Verónica de Manuel León
  • Hearttrack de Rafa Dengrá
  • Box de Octavi Espuga.

El ganador se dará conocer en Cardedeu durante la edición del Cardoterror de 2010 los dias 21, 22 y 23 de octubre.

Mucho y bueno nos trae, pues, este tórrido julio, ya que a lo que acabamos de comentar hemos de añadir un nuevo evento de La Oscura Ceremonia que acabamos de conocer y que os transmitimos calentito tal y como nos ha llegado al correo:

¡DIA ZOMBIE, DIA ZOMBIE, GENIAL, SENSACIONAL!!

Los días 14, 15 y 16 de Julio (miércoles a viernes),

descuento en todos los productos que puedas

relacionar con los zombies. Válido para los socios.

Si aún no eres socio, te puedes hacer socio el día

zombie que vengas.

¡¡DIA ZOMBIE, DIA ZOMBIE, GENIAL, SENSACIONAL!!

VIERNES 23 DE JULIO

21:30 h

SLASHER PARTY

(Psychokiller vs. Screaming Queen)

Entrada Gratuita

¡Si piensas que estas a salvo,

eres un muerto equivocado!

Con las BSO de las pelis de psychokillers, rock&roll,

psychobilly, garage, surf de la mano de

Dj DON DIABLO y J.OSKURA

Presentado por nuestra invitada deluxe Rakel Mandela

Proyección del video de Kikol Grau: TOTAL JASON MASSACRE.

Performance Monster a Go Go con Rosita la PinUp:

“Tu Psychokiller Ideal”, Kilian Leatherface recien llegado desde Festerror,

y el espectaculo de killerklowntolin: Victim Surprise.

Concurso con premios al mejor disfraz de Psychokiller

y de Screaming Queen.

Espai Jove La Fontana

Gran de Gracia 190, metro fontana

Entrada gratuita

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No nos queda más que desearos unas felices pesadillas de verano con todas estas ensoñadoras propuestas.


 

Dani Moreno:¡¡¡Psychobilly Movie Maker from Outer Space!!!

5 julio 2010 2 comentarios
 

 

 

Dani moreno 80’s Teenager en su santuario particular rodeado de fetiches.

Tenía ganas de publicar una entrevista con Dani Moreno, la verdad, ya que para mí se trata de un personaje del todo interesante, con gran imaginación, estilo y ganas de hacer cosas.  Pienso que es obligatorio que de una vez por todas se reconozca su trabajo y despegue su carrera como merece  ya que se lo está trabajando y a base de bien. Solo tienen que leer esta entrevista para dar fe de ello.

Películas de luchadores, de extraterrestres con cabeza de pene en 3-D, marcianos, asesinos con máscaras de latex, gore, cultura trash de los 80, fanzines, Rock & Roll, fanzines, arte, Fantaterror español… todo ello y mucho más amueblan, además de su tupé, la cabeza de Dani Moreno.

Así que no me extrañó nada que esta entrevista se retrasara. Pero la espera ha valido la pena ya que después de ver la indecente cantidad de preguntas que le envié, que Dani ha contestado extensamente, se entiende que se le hiciera cuesta arriba.

DE COMO COMENZÓ TODO:INICIOS Y PRIMEROS CORTOS

¿Cuando descubres que vas a ser director de cine? De muy pequeño quería ser dibujante de tebeos, actor, inventor y payaso. En ese orden. Con los años descubrí que el oficio que engloba todas esas dispares disciplinas es el de director de cine. Pero entonces yo no sabía nada sobre estos seres, creía que las películas sencillamente “ocurrían” y que eran los actores los que las creaban de la nada. Yo dibujaba y dibujaba tebeos todo el día. Uno de mis personajes era “Tornon el Indestructible: Escenas Sádicas” (con dos cojones) un refrito de “Ator el poderoso” “Tarzán” y “Rambo” bastante heterogéneo (¡!). Luego, reproducía lo dibujado con los muñecos de Masters del Universo. He-Man pasaba a ser “Tornon” como si de un exploit de serie z se tratara… Reventaba bolígrafos color rojo sobre sus cabezas a modo de sangre, (ahora me maldigo por ello!) y recuerdo

Cuidando su alimentación.

que hasta hacía fundidos a negro cerrando lentamente los párpados. Recuerdo jugar a que mi cabeza era como una especie de canal de Televisión que emitía “pelis chulas” todo el tiempo. Si mi hermano pequeño o mi madre me interrumpían, solo tenía que… ir a publicidad! Recuerdo que en ocasiones me cabreaba de verdad cuando me molestaban en algún momento de clímax “¡¡que estoy haciendo una película!!” decía. Según yo, no jugaba a muñecos, hacía “pelis”!. Pasé gran parte de mi infancia dentro de mi cerebro. Pronto empezaría a montar “el tren de la bruja” en el garaje de casa, donde no había ni tren, ni bruja, pero sí arañas movidas por hilos, esqueletos, un sangriento “Macario” decapitado (¡si, el de José Luis Moreno!), que resucitaba de su tumba, una pared que se desprendía, botes de conserva rellenos de cosas asquerosas y sanguinolentas… Mi padre, preocupado, me decía: “¡Sal fuera a jugar a la pelota!” Ya os podéis imaginar, el niño obeso en la oscuridad de un garaje iluminando muñecos mutilados con flexos y lucecitas de Navidad! Recuerdo estar orgulloso de crear atmósferas verdaderamente terroríficas… pues los niños del barrio llegaban a pasar miedo de verdad!! Luego mi padre compró una videocámara cansado de oír mis súplicas…y bueno, eso ya fue la ostia para mí. En definitiva, hoy sigo haciendo lo mismo, pero de otro modo. Tengo esa sensación… siempre he hecho lo mismo… y no creo que sepa hacer nada más. Tal vez si hubiese hecho caso a mi padre, y hubiese salido a jugar al futbol, hoy en día no sería obeso… pero posiblemente tampoco me dedicaría a algo tan maravilloso como es hacer pelis!

¿Cual es la película de terror que te dejó marcado en tu niñez/juventud? Hubo varias. Y recuerdo muy bien cuales fueron, pues solían venir acompañadas de largas épocas de pesadillas. Recuerdo que soñaba con la cabeza cortada de Drácula (¡?!) que se acercaba volando hasta mi, en medio de la oscuridad… con un puñal clavado en el poco cuello que le quedaba! Siempre he estado seguro que aquel retorcido sueño recurrente era debido a Christopher Lee, pero hace un tiempo descubrí que era nada menos que Frank Langella! El Dracula de John Badham (1979) a día de hoy me provoca una inmensa sensación de dejá vu, y creo que fue eso lo que me perturbó cuando aún dormía en la cama de mis padres. La otra película que me marcó literalmente fue El Señor de las Bestias de Don Coscarelly. La fotografía agresiva de John Alcott me provocó lo que los pediatras denominaron “Terrores Nocturnos”. Me despertaba por la noche gritando y sudando. Aseguraba que veía extraños colores, mis manos se

Con el loco Xe Do Caixao.

arrugaban y había ojos en ellas!! Los médicos aconsejaron a mi madre que no me dejara ver la tele hasta tan tarde. La verdad es que aquellos dos rombos rojos que salían después del “Casimiro” formaban parte de mi rutina. Nunca quería ir a dormir, la tele era demasiado fascinante! Y yo bastante desobediente… Mi tercera y última pesadilla recurrente era el que yo llamaba “el contorsionista hindú”! Un terrorífico personaje fruto del visionado (creo) de Noche de Miedo 2. El vampiro de los patines me impactó sobremanera, así como el personaje del Dr. Pretorius de Re-Sonator! Son imágenes que te marcan para siempre porque no las acabas de comprender, y crean en ti una inquietud, un terror “puro” que, a mi parecer, son beneficiosos para el desarrollo creativo de un niño. Ya consciente, me obsesionaron películas como Los Goonies (época donde creía que habían tesoros escondidos por doquier), Teen Wolf (me maquillaba de hombre lobo cada sábado con el lápiz de cejas de mi madre) Piraña (Metía rotuladores “carioca” de color rojo en la piscina “Toy” y peces de plástico… molaba mazo!) El Chico de Oro (me la sabía de memoria, la veía cada semana dos veces y quería ser negro como Eddie Murphy!!) y Furia de Titanes (Me pasé todo un verano montado sobre un caballito de juguete subido en la mesa del jardín, haciendo de Perseo sobre Pegaso mientras tarareaba la pegadiza música de los créditos!) Total, tenía graves problemas sociales y mis vecinos lo sabían…

Cuéntanos un poco de esos videos de niñez. ¿Porqué dejaste de filmar a los 15 años con precisamente, un corto de terror? (Video Zombies)? A los 15 empiezas a ser demasiado mayor para jugar como un niño y demasiado niño para ser mayor… me explico: Nunca me interesaron ni los coches (solo los chulos de verdad, como el de Herman Munster!!) ni el futbol, ni la liga, ni las bambas de marca ni la ropa de moda. Mis amigos empezaban a hablar de “currar” o de ir a discotecas… Y yo me veía haciendo cortos caseros y cutres con los amiguetes de mi hermano pequeño, (que les chiflaba hacer pelis!!). Supongo que me sentía bastante “miserable” (como diría el Sr. Fiol). Tengo un grato recuerdo de todas aquellas filmaciones de infancia y a día de hoy las conservo en su formato original (VHSC). Empecé con ellas a los 10 años, con La Momia del Mar horrible!! (Lo mejor del corto es que mi hermano mata al monstruo con la técnica que Ralph Maccio usa en Karate Kid!) Eran improvisadas, frescas, graciosas, aburridísimas y terribles al mismo tiempo, pero les tengo cariño, pues creo que están suficientemente bien explicadas, que ya es algo! Hice unas 14 peliculillas, algunas inacabadas… Entonces decidí centrarme en buscar una salida “profesional” a mi ostracismo: Estudiaría para dibujar cómics!! Que ingenuo!

En principio estudias diseño e ilustración y tienes gran afición por la pintura. ¿Te planteaste seriamente dedicarte a dibujar comics? Pues sí. Quería ser ilustrador. Estudié en la Escola Llotja de Barcelona del 97 al 2001 y fueron unos años magníficos! Vivía en un local del Raval que mi madre quería convertir en galería de arte. Mi vida olía a aguarrás, escuchaba a los Stranglers, me alimentaba de pizzas que rebullía en el microondas, y rociaba mis calcetines a menudo con desodorante… Qué tiempos aquellos! Malvivia feliz. Aproveché para retomar las filmaciones ya que algunos trabajos de la escuela eran la excusa ideal para rodar!! Así nació Purulental Masticator!

Mi madre era pintora. Siempre me inculcó el amor por el arte y me apoyó cuando decidí estudiar dibujo. Ella siempre decía que “las cosas sin una utilidad práctica (el arte) en el fondo eran lo más importante” y creo fervientemente en ese razonamiento. Ella estaba a punto de morir, y en ese momento supongo que ves claramente qué es lo superfluo y que es importante de verdad. El arte es importante. Esa es la conclusión. Me siento muy atraído por la obra de artistas que ensalzan “lo subjetivo”. Odio a los impresionistas (lo siento) me aburren. Pero me fascina el arte Simbolista: Moreau, Rossetti, Chavannes, Thoorop, Boöcklin, Munch… Y sus precedentes románticos: Füsly, Delacroix, Fiedrich… Es una cuestión ideológica. El Romanticismo supuso el cuestionamiento total del raciocinio humano. Una crisis. El Simbolismo fue el ensalzamiento casi paramilitar de la subjetividad. El lenguaje de la pintura de ese período es muy semejante al lenguaje del cine. Sus composiciones, sus elementos (de atrezzo!) que sugieren ideas complejas, su atmósfera, sus claroscuros… Es puro cine estático!! O podríamos llamarla también “Pintura de Género” ya que los temas principales de esas pinturas suelen ser monstruos, fantasmas, la muerte… Seres que viven en la profundidad de la mente humana.

CHAPARRA ENTERTAINMENT

 

 

 

 

El fanzine Amazing Monsters, pura nostalgia 80’s

¿Como, donde y cuantos paren Chaparra Entertainment?

En 1997, después de rodar Purulental Masticator con mil pesetas. Queríamos editar el fanzine Amazing Smokers. Decidimos dar continuidad a todo ello bajo un mismo sello. Aitor Macías, (más conocido como Rötor, tatuador en Aloha Tatoos de Barcelona) fue uno de los primeros implicados, actuando y dibujando comics para el Amazing. Luego, David Abellán, (Más conocido como “Dave, el Difunto” cantante de Motorzombis o el Asombroso Luchador de Amazing Unmasked!) es la estrella indiscutible de Chaparra Entertainment, siempre pariendo comics e historias aberrantes y con su peculiar e inimitable manera de actuar y de dibujar. Jairo Moreno, mi hermano, (más conocido como J.R.Werewolf, contrabajista de Motorzombis!) me ha ayudado en todo desde siempre y ha editado mil cortos y compone las bandas sonoras de todo lo que hacemos. Los escritos de Roger Maese, los carteles de Alex Noriega, los chistes de Dani Pérez o las cucamonas de Juan Ortiz Y Xavi Llopart forman parte de los orígenes de Chaparra Entertainment.

 

Al principio fueron los fanzines: ¿Cuando empieza Amazing Smokers y que contenía?¿Por qué se decidió tras dos números continuar como Amazing Monsters? El Amazing Smokers era una gamberrada insultante. Sus páginas estaban cargadas de sexo vomitivo, humor negruzco, risa gorda… El AMAZING MONSTERS nació de combinar todo ello con apología del cine de terror y fantástico; mayormente el de la década de los 80. Tal vez elegimos esos años porque nos evocan a nuestra infancia y el Amazing es sobre todo un fanzine creado desde la nostalgia. Sigue siendo insultante y gamberro, pero además puedes conocer o recordar cosas molonas relacionadas con la cultura Monster!

¿Que media de números salían al año? La periodicidad no era nuestro fuerte… no sé… salían cada cuando nos apetecía! Del Amazing Smokers sacamos dos números… tiradas pequeñas, y los iba reeditando a medida que lo creía conveniente. Total, eran cuatro fotocopias chungas… El material para el Amazing Smokers 3 se aprovechó para el que fue el primer Amazing Monsters. Bueno… a excepción de algunos fotomontajes guarros y artículos chungos por los que hoy en día seguramente estaríamos en la cárcel. Del Amazing Monsters llevamos publicados siete números y los hago una vez al año para el saló del cómic de Barcelona. Si tuviera medios las publicaría con más asiduidad!

El año pasado saqué una reedición de los dos primeros, tenía ganas de hacerlo, es uno de mis favoritos ahora, pero es una reedición limitada con material adicional, es como un número nuevo. Y por supuesto que van a seguir publicándose! El Amazing Monsters nunca morirá. (Nota de Serendipia: Para confirmarlo tenemos el radiante número 7 todavía calentito a su disposición en su proveedor habitual)

Si lo encuentras… ¡Hazte con él! (y dime donde encontralo)

¿Que fanzines compras habitualmente? Hay una especie de regla de oro entre los piratas que facturamos estos engendros llamados fanzines… Intercambiamos nuestros productos de manera obsesiva. Al final del Saló acabo con una montaña de maravillosas delicias que degustar con los ojos! De todos los tipos; clásicos como el videointrospectivo Suburbio del prolífico creador Naxo Fiol, el mítico Me gusta más que Desayunar un Herpe de LuisL y Kol o nuevas y fantásticas infrapublicaciones como el Zerebros del Dr. Chainsaw o el Guns ‘n Dynamite de los Teenage Mutant Psychobillyes de Salou.

DE PURULENTAL MASTICATOR (1997) A BRUTAL DOGO (2002)

Coméntame algunos trabajos anteriores a Purulental Masticator Buff! Creo que os he hablado de mi pubertad… sé que no hacía falta, pero lo he hecho. Antes de Purulental Masticator venían Videozombies del año 95, rodado en Playa de Aro (donde vivía entonces) adaptación infantiloide del videojuego de Sega Megadrive “Zombies ate my Neighbors” donde empecé a usar gore de manera rudimentaria (más, si cabe). Anterior a esta está Sombra Salvaje del 94, sobre naves espaciales y hombres lobo mutantes del espacio! Super Mario World del 93, basada en el conocido videojuego… y mogollón más. Pero después de inacabar Videozombies y tras haber probado la fiesta que es hacer Gore, me enfrasqué en Purulental Masticator. Los FX que hice para Videozombies fueron reciclados para Purulental Masticator y Brutal Dogo!  

 

 

 

 

Dani Moreno haciendo amigos (con David Abellán).

 

¿Purulental Masticator se puso a la venta? ¿Tuvo buena acogida? Sí, pero solo se vendía en una tienda de breve existencia llamada Overlook situada en la calle del Carme de Barcelona. Mi sueño de entonces era venderla en Gorgon Video, pero la tienda ya había cerrado cuando la acabamos. Purulental Masticator tuvo su momento de máximo esplendor en un pase que organizaban en las Cotxeres de Sants, no sé si capitaneado por Kikol Grau o por Naxo Fiol. Obtuvo el beneplácito del feroz público de Sants!

Tu primer trabajo de renombre fue Brutal Dogo. ¿La exhibiste en pantalla grande? Si, la exhibimos por pura casualidad en las 12 Horas de terror de Martorell. Yo iba con un previo del corto bajo el brazo grabado en un VHS donde había grabado de la tele Pesadilla en Elm Street! No sé cómo, accedieron a pasar Brutal Dogo y cuando quise darme cuenta había un cine con una pantalla enorme proyectando la aberración de marras en una sala repleta de gremlins. La sensación fue tan intensa que aún hoy la recuerdo vivamente. Luego la distribuí mangurrinamente en vhs, posteriormente la edité artesanamente en dvd junto con Purulental Masticator y extras… Brutal Dogo llegó a proyectarse en el CINEMAD del 02 y gano el premio “Chicha Cutre” en les Cotxeres de Sants, máximo galardón a una infraproducción de tales características! A la gente le gustaba! Hasta la he visto reseñada en páginas web chungas de europa del este. Soy consciente de que es un corto atroz, pero le tengo un cariño especial.

AMAZING UNMASKED (2004)

 

 

 

 

 

Chiquilicuatres: Jairo Moreno, Amazing Mask Jr. y Dr. Calavera.

Sorprende leer en Amazing que desde Brutal Dogo tenías bien claro los siguientes proyectos,que en principio se cumplieron. El primero fue Amazing Unmasked vs. el  Doctor Calavera Maligna, un film de luchadores mexicanos y tu primer acercamiento al tema después de dibujarlos en Gallito. Gracias al premio Super Chicha Cutre de las Cotxeres de Sants puedes rodar Amazing Unmasked, una película que homenajea las clásicas cintas de luchadores. ¿

 Me gusta mucho Santo y Blue Demon contra los Monstruos, Santo contra la hija de Frankenstein, las de las Momias de Guanajuato, La llorona… El folclore terrorífico mexicano con todos sus tópicos, ya sean autóctonos o combinaciones demenciales de elementos americanos y referencias a los clásicos de la literatura es fascinante. Esas películas eran chaladuras geniales!Cuales son tus películas de luchadores preferidas?

 

El proyecto al principio iba a ser dirigido por su protagonista David Abellan ¿A qué vino el cambio? Mi idea de Chaparra Entertainment en un origen es que fuera una infraproductora con un catálogo de filmes dirigidos por distintos directores. Pero la cabra tira al monte. David Abellán es un actor/showman con una gracia innata para actuar y las labores farragosas de la dirección no le iban. Cada uno se dedicó a lo que la vocación le dictara. Poco a poco todo fue cogiendo su rumbo y el corto llegó a hacerse. David Abellán es un actor y humorista de putamadre, es mi actor fetiche! de verdad es muy bueno.

Amazing Unmasked tuvo muy buena acogida! Primero hicimos un pase para amigos y allegados, y a todo el mundo le gustó mucho. Hay que decir que después de Brutal Dogo, Amazing Unmasked era un paso adelante en cuanto a lenguaje, técnica, guión… Entremedio había hecho unos cuantos cortos más tales como Turtle Soup, Ein Atrox Visionen o Carnevil (que poca gente ha visto)… pero Amazing Unmasked estaba más elaborado, más personajes, más localizaciones… Luego lo presenté como ejercicio de escuela de final de segundo curso en el CECC, y a pesar de ser una temática con la que no comulgan, fue un éxito entre alumnos y profesores! Luego vino lo del premio en Sitges y la verdad, fue algo increíble… Era mi primer corto en el festival de Sitges y nunca me imaginé poder ganar.

 

 

 

 

Con el gran Paul Naschy.

Gracias a este film y al premio Valdemar Daninsky (2004) que el mismo Paul Naschy te concedió en Sitges tienes oportunidad de conocerlo. ¿Cómo recuerdas el momento en el que te concedieron el premio? Cuéntanos algo sobre Paul Naschy.

Fue maravilloso, pero lo recuerdo como si hubiese pasado en una décima de segundo. Paul Nashy era un icono vivo del terror, lo que hizo por el género aquí en España no tiene precio. Su trabajo constante y sus joyas fílmicas nos fascinaban ya entonces y conocerle fue algo muy grande. Recuerdo que un año en Sitges le pasé el tratamiento de Attack of the Motorzombies donde él hacía uno de los papeles protagonistas. Al día siguiente me dijo que se lo había leído y que le había gustado mucho! Si hubiese tenido los medios en aquel entonces, estoy seguro que Paul hubiese accedido gustosamente a protagonizar esa película. Me entristece sobremanera pensar que eso ahora será imposible… En el Saló del comic del 2008 fue la última vez que le vi. Me firmó un ejemplar del cómic de Javier Trujillo sobre su película. Yo siempre le daba la chapa con lo de que me molaría tenerle en toooodas mis películas! En la dedicatoria escribió esto: “Para Monica y Dani, esperando trabajar algún dia juntos… Todo es posible mientras brille la luna llena.” Cada vez que lo leo se me pone un nudo en la garganta. Paul Naschy siempre será la luna llena que alumbre nuestro camino, y el Fantaterror nuestro estandarte.

Por esta época te pones a estudiar dirección en CECC Durante tres años. ¿Fue provechosa la experiencia? ¿Cómo decides hacerlo? ¿Como diablos eran tus compañeros?¿Había mucho “genio”? Bueno, estudiar siempre es provechoso, y más en un oficio tan complejo como el del cine. El cecc no está mal, hay buenos profesores y no me puedo quejar, ya que siempre han sido muy buenos conmigo. Pero lo cierto es que de uno mismo depende el provecho que le saques. No basta con aprenderlo todo y ya está, hay que canalizarlo hacia una búsqueda… un intento de responder a miles de interrogantes que se interponen entre tú y tus películas. Por eso decidí estudiar cine. En un principio me interesé por ir a la Escac, pero quedé horrorizado por los precios de los cursos y me decanté por una opción más acorde con mi poder adquisitivo. Recomiendo a todo aquel jovenzuelo que quiera hacer cine que vaya a la escuela, que aprenda las leyes… luego que se las pase por el forro y ruede más y más. En la escuela te muestran lo que debes aprender y en los rodajes lo aprendes. En cuanto a mis compañeros de clase, allí conocí a grandes amigos con los que hoy en día seguimos haciendo burradas, como el gran J.O.Romero creador de Los Cocos Andantes. La frase de “Dios los cría y ellos se juntan” es del todo cierta! La gente de mi clase era de putamadre… por supuesto también había algunos “Goddards” con objetivos más elevados, pero nunca más he vuelto a saber de ellos…

La gran fan del fantaterror Olvido (Alaska) Gara.

 

MARTIANS GO HOME (2005)

¿Como recibes la subvención del ICAA que te permite rodar Martians Go Home (2005)? Pues preparando un dossier más gordo que yo. La verdad es que me sorprendió bastante que le dieran una subvención, por la temática alocada del corto y por que guarda un trasfondo un poco misántropo. Pero no hay nada como poder rodar con medios óptimos para contar la historia que tienes entre manos!

¿Como fue tener más medios y profesionales ayudando? ¿Te quitó libertad? Recuerdo lo que soñaba días antes del rodaje, eran sueños angustiosos muy extraños donde aparecía gente del equipo y les pasaban cosas absurdas… Luego mis temores subconscientes se disiparon, pues el rodaje fue muy bien aunque llegó a ser duro y agotador para todos. Pensad que mis rodajes anteriores eran cuatro flexos iluminando pelucas, máscaras, dientes postizos, y cerveza y ganchitos como único catering! No es lo mismo poner dos flexos y decir: “mmm… ahora di esto mirando aquí, ahora mira allí…” que tener 20000 vatios de chicha iluminando toda una calle! Cuando ruedas con medios es todo mucho más complejo. La libertad que pierdes es la que te roba el poner especial atención en lo que no has experimentado antes. Controlar algo mucho mayor de lo que te hayas enfrentado jamás. Estar rodeado de grandes profesionales es la clave, y en MARTIANS lo estaba.

Dani y Chema Ponce (¡¡¡Peter Parker!!!)

¿Que era Grup Cinema Art? Es la productora del Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (el CECC) con la que tramitamos la subvención y produjo el corto. También colaboró una de las mayores empresas de animación 3D de Catalunya en la actualidad, KOTOC, que hicieron un magnífico trabajo.

¿En que sistema estaba rodada esta y las siguientes? La rodé en digital, hubiese sido un suicidio rodar MARTIANS en 35mm. Luego se hinchó a ese formato. Hoy en día rodar en cine es inviable. Por supuesto que me gustaría rodar en cine, sobretodo en 16mm, la textura es alucinante y melancólica, el simple grano de la película te transporta. Pero solamente rodar ya es costoso… y en la era del FullHD y en plena crisis económica rodar en 35 resulta una opción un poco gilipollas. Piensa que lo tienes que meter en la nevera para que se conserve! Que mierda es esta? Es como ir en Tronco móvil.

¿Como involucraste a Alaska? Le hice llegar un guión mediante el gran Borja Crespo, que había dirigido alguno de los videoclips de Fangoria. Meses después Alaska vino a tocar a Castelldefels. Hablamos con ella en las pruebas de sonido y nos las ingeniamos para entregarle el dossier completo del proyecto entre una avalancha de Fans! Fue inolvidable rodar con Alaska y lo hizo genial. Además, yo de pequeño estaba enamorado de ella!

 

 

 

 

Pervirtiendo la cándida mente de Edu… ¡Aquí no hay quien viva!

¿Fue terrible rodar con Edu García?¿Como fue que se te ocurrió contar con él?

Terrible? que va! Edu es supermajo! Es tremendo, y estoy muy contento de que salga en Martians. Cuando rodamos en mi casa había decenas de vecinos aglomerados para ver al “niño de la tele”! Edu era justo lo que imaginaba para el personaje y además mediático a tope!

 

¿Que tal fue el rodaje?.El Theremin.                                                                                Fueron doce días de rodaje en el mes más frio del 2005 con lo cual todo fue bastante durillo e inclemente. Pero el ambiente en el set era inmejorable y todo el mundo se lo curró mucho. Chema Ponze estuvo excepcional en el papel de Franky, yo le había visto en cortos de Naxo Fiol y en Soulman, dirigido por él mismo… tenía ganas de trabajar con él y para ese papel era perfecto. El pequeño cameo que hago yo en el cementerio en principio estaba pensado para que lo interpretara Bernardo Cortés, ese señor que cantaba eso de “Me gusta cuando bala la ovejita, beeee” pero se le fue la olla y al final me pedía 200.000 pesetas, que hubiese pagado gustoso de haber tenido entre manos otro tipo de producción. Mi sueño es poder pagar a todos los actores y equipo técnico que trabajan en mis películas, pero para ello es necesario una financiación potente y poder llevar a cabo un producto con una mínima salida comercial, y eso significa hacer un largometraje! y no hay largo sin financiación… es un pez que se chupa la polla. En cuanto al theremin, es un instrumento fascinante y mi hermano Jairo es uno de los mejores thereministas de España, y lo digo sin despeinarme el tupé. Construyó un theremin casero para grabar la banda sonora de Amazing Unmasked, y eso me inspiró la idea de Martians Go Home. La idea del theremin como instrumento para generar el sonido de lo desconocido, lo extraterrestre, lo terrorífico… me alucina! y martians es un homenaje a muchas cosas, pero sobretodo a este inquietante instrumento y a su máximo estandarte, la virtuosa Clara Rockmore. Jairo y yo siempre utilizamos este instrumento en las bandas sonoras.

ATTACK OF THE MUTANT DICK FROM OUTER SPACE (2007)

 

 

 

 

¡¡¡Amazing 3-D!!!

 

¿Martians ganó un premio en Vigo que contribuyó a subvencionar Attack of the Mutant Dick from Outer Space (2007)?¿no?Equilicuá. Mil euros tuvieron la culpa.

¿Como se te ocurrió lo de incluir descacharrantes escenas en 3D? ¿Fueron difíciles de rodar los efectos? El Stop-Motion es un proceso muy laborioso y delicado, pero si a eso le sumas el haber de hacerlo en dos cámaras dispuestas de cierto modo, aumenta la dificultad. Aunque yo siempre he estado muy tranquilo en relación a ese tema pues mi bella esposa Mónica se encarga siempre de estos menesteres, es una reina de la plastilina! Podéis visitar su blog PLASTICINE FIENDS donde expone una galería de alucinantes figuras hechas en ese material. Es una modeladora excepcional y junto con el maestro Gustavo Melella y Marc Velasco queremos montar CHAPARRA FX, nuestro propio departamento de efectos especiales! que también colaborará con otras producciones de género fantaterrorífico.  

¿Quedó en segundo lugar en Sitges 2007, no? El Ataque del pene Mutante del Espacio se estrenó en Sitges, en el marco del premio Brigadoon. Ese año el nivel era muy alto y debía competir con un gran amigo y genial director: Adrián Cardona. Su Bricokiller es una obra maestra del cortometraje sanguinolento y al final se llevó la preciada estatuilla. Recuerdo esa noche como algo muy barroco: Primero, la retrospectiva del 10º aniversario de CHAPARRA ENTERTAINMENT donde un Brigadoon a reventar pudo fagocitarse enterita toda la mierda realizada por nuestra infraproductora en forma de espectáculo bizarro llamado VideofeastEvil. Luego, MOTORZOMBIS tocamos en el ruta 66 de Sitges, un concierto memorable! Ken Foree (el poli negro de “Zombie” de Romero!) le tiró los trastos a nuestras novias! Jajaja! Tras ese sexy percance, volvimos al festival donde ya se sabía el veredicto del “premio Paul Naschy”. Allí estuvimos con Adrián Cardona y toda su troupe echando unas risas y hablamos con Juanma Pastor y los miembros del Jurado. En ese momento me comunicaron que El Pene Mutante había quedado en segunda posición. El simple hecho de poder participar en el festival de Sitges es ya un premio.

¡¡¡El pene mutante del espacio exterior!!!

ALGUNOS PROYECTOS PENDIENTES

¿Que fue de algunos proyectos anunciados pero todavía no realizados como Attack of the Motorzombies y Brutal Trash: Chainsaw Nightmare (¿El retorno de Brutal Dogo?) Todo ello está a la espera de poder llevarse a cabo. Attack of the Motorzombies es una película compleja e imposible de realizar con los medios de los que dispongo ahora mismo. Tengo claro que será una especie de homenaje a Paul Naschy en forma de road movie de zombies… y me molaría que los monstruos fueran los mismos miembros de mi banda de Psychobilly! Brutal Trash es la segunda parte de BRUTAL DOCTOR, un producto que estoy escribiendo y que espero poder realizar en breve. El retorno del Doctor Arnoff Von Dogo! Debemos buscar maneras de poder llevar a cabo proyectos de bajo coste sin depender de nadie! “Los proyectos PENDIENTES pasarán a ser INDEPENDIENTES” una de nuestras normas de oro.

AMAZING MASK : LA SERIE (2009…)

¡Mucha Dunia!

¿Como se te ocurre volver otra vez al tema de los luchadores? Pues porque AMAZING MASK es una fuente inagotable de aventuras! Tengo mogollón de ganas de rodar la próxima temporada: Amazing Mask contra el Chupacabras!

¿Como va la serie?¿Se ha realizado algún episodio completo? Si, tenemos montados los tres primeros episodios. Son un total de cinco episodios para web o un único capítulo piloto para tv. Los rodamos con Pretoblanc Producciones, la productora de Xavi García, buen amigo que hizo de jefe de producción en Martians Go Home!. De Amazing Mask está todo rodado, pero la pospo es lenta y laboriosa, pues está rodado por capas sobre cromas y debe ser ensamblado en un programa de composición como After Effects. Espero tenerla pronto!

¿Como se te ocurrió contratar a la actriz X Dunia Montenegro? ¿Qué tal fue el rodaje con ella? Dunia es una mujer encantadora, el rodaje fue de maravilla. Pensé que una pornostar de su categoría podía dotar al personaje de la carga de sensualidad que requería. Solo ella podía interpretar a la bella Sugar Brown y lo hizo genial!. Sugar es un personaje inspirado en las blaxplotations de los 70 y 80. Es una mezcla entre Foxy Brown y Sugar Hill. Es una hechicera del Voodoo reina de la “mafia funky” de Ciudad Capital, a medio camino entre villana sexy y eficaz vengadora. Mantendrá una relación de amor y muerte con Amazing Mask, su enemigo y a la vez su anhelado príncipe azul. Tengo pensado un Spin off de su personaje en La Sobrenatural Mujer Voodoo una serie que cuando llegue el momento me gustaría desarrollar, está hablado con Dunia y ella está dispuesta a protagonizarla. (Aquí su blog amigo la entrevistó y puede dar fé de que esta mujer vale mucho)

… ¡Ese endiablado rodaje!

PRÓXIMOS PROYECTOS

EMBRYOIDS: ¿En que consiste este proyecto? ¿Piensas contar con Diana Peñalver y Jack Taylor? Embryoids es el próximo corto. De momento está en fase de postproducción y está pensado para ser rodado en noviembre. Será rodado en hd e

Simpatiquísima Peñalver: de “Chica de hoy en día” a “Braindead”.

hinchado a 35mm bajo el amparo de la productora “Grup Cinema Art”. En un origen era una idea de largometraje pero me surgió la ocasión de rodarlo como corto y suprimí todas las subtramas. Solo conservé la de Diana Peñalver, porque me parece una grandísima actriz, y además muy simpática. Es la protagonista absoluta de una de las películas gore más acojonantes de la historia. De hecho, y sin que se entere Peter Jackson, el papel que Diana interpreta en Embryoids es una versión libre del personaje de Paquita en Braindead. Jajaja! Que ocurrió con Paquita años después? Tengo muchas ganas de rodarlo y ya tengo la confirmación de Diana para participar en el proyecto. Me encantaría trabajar con ella en mogollón de películas! El tema es que Jack Taylor está muy atareado y nos dijo que le será imposible actuar. Es una lástima, el papel del Padre Downey lo escribí especialmente para él, con su estilo, sus gestos, su mirada, su acento de señor inglés… Pero hay que tirar “p’adelante” y ya tengo un posible nuevo Padre Downey que de seguro no decepcionará a nadie.

¿Algún nuevo proyecto en cartera a corto y largo plazo? Pues ahora mismo estoy con el videoclip de Los Tiki Phantoms una de las bandas de música surf más geniales y conocidas de Barcelona. El videoclip será muy guapo, es una especie de “remake” del Acorazado Potemkin versión steampunk! También estoy con un par de videoclips de mi banda, MOTORZOMBIS que rodaré seguidamente. Mientras tanto, voy montando Amazing Mask, escribiendo el guión de Brutal Doctor y Ghouls Night Out y preproduciendo Embryoids. No tengo tiempo de aburrirme!!

DE LO INHUMANO Y LO DIVINO

¿Es tu intención dedicarte plenamente al cine? Por supuestísimo! No quiero hacer otra cosa que cine. Estoy consciente de que no he nacido en una familia adecuada para tener acceso a este mundillo elitista que es el cine comercial en nuestro país… De todos es sabido que unos lo tienen más sencillo que otros, pero es absurdo pensar en eso (aunque siempre acabo pensándolo!!). Tengo algo muy claro: Nadie lo hará por ti y además no hay vuelta atrás. Aunque suponga una inestabilidad odiosa, un extenuante trabajo no remunerado, noches sin dormir, y el fantasma del fracaso acechando en cada esquina, hay que seguir. Como diría mi buen amigo James J. Wilson, estamos “Condenados a Luchar”!

Rozando la gloria: con el mismísimo Joselito, El Pequeño Ruiseñor (es el de la izquierda)

¿Cual es el momento más feliz que te ha dado el hacer cine? Cualquiera de los momentos que os he comentado a lo largo de la entrevista! Desde rodar a dos renacuajos disfrazados de Supermario, a proyectar Martians en el auditori de Sitges, pasando por bombear champú con colorante rojo por un tubo de goma.

¿Te planteas cambiar de género o hacer algo “serio”? De momento no. El género de terror es algo muy serio para mí, es a lo que he decidido dedicar mi vida y así lo haré. Hay mucho que contar dentro de este género! De momento no me interesa hacer nada que no sea fantástico y terror. Lo que sí he observado es la posibilidad de desarrollar algún proyecto desde un prisma más crudo, oscuro y malrollero como Brutal Doctor o Ghouls Night Out. Pero será terror… y del que da grima!

¿Por qué has decidido poner todo tu trabajo en la red? ¿Qué te parece la red como medio de difusión y promoción? Si no los hubiese puesto, tal vez no existiría esta entrevista… La posibilidad de mostrar tu trabajo en internet hace que llegue a un número inimaginable de personas. Eso debo agradecerlo a Xavi Llopart, un gran amigo que interpretó al Sargento Wild Bill en El Pene Mutante y al “Der Big Machoten” de Brutal Dogo. Xavi fue quien empezó a subir los trabajos de CHAPARRA a la red. Sin duda es un medio de difusión de putamadre, de hecho AMAZING SMOKERS fue uno de los primeros fanzines con página web del país! En el 98 teníamos una página que diseñó mi hermano mayor Álvaro y que era genial! Daba hasta mal rollo de lo demencial que llegaba a ser!

(Toda la obra de Dani Moreno se puede ver en:  

 

 

 

¿Que te parece el caso de Fede Álvarez (Ataque de Pánico), cortometrajista uruguayo que de Youtube va a llegar a verse producido por Raimi? De putamadre, ese corto tiene un curro de fx3d alucinante, espero que a Fede le vaya muy bien. Es un trabajo fetén. Esto es un poco como el cuento de la cenicienta, no el corto, sino la situación en sí en la que se encuentra el director. “Algún pez gordo te descubre y te catapulta a la fama”. Mucha gente cree que esto funciona así, y de hecho funciona así, pero solo en un 1% de los casos. Siempre digo que es contraproducente esperar a esa varita mágica que toque nuestras cabezas. Este chico seguro que ha trabajado duro durante mucho tiempo y eso es lo que vale. Puedes tener un golpe de suerte, un hada madrina, pero si no hay una constancia y un trabajo detrás eso no sucederá… podríamos correr el riesgo de convertirnos en calabaza!!

Algunas pelis favoritas / Y algunas odiadas Uy, las películas no deberían odiarse jamás! Por malas que fueran! Jaja… sé que eso suena muy naíf… En cuanto a pelis favoritas, yo que sé, hay tantas!! Desde el Dracula de Terence Fisher pasando por Donde Viven Los Monstruos de Spike Jonze hasta las pesadillas de Ze Do Caixao o Jan Svankmajer… desde Return of the Living Dead del grandísimo Dan O’Bannon a El hombre con rayos X en los Ojos del maestro Roger Corman… Cualquier película donde aparezcan Vincent Price, Bela Lugosi, Lon Chaney o Boris Karloff, pasando por cualquier aventura onírica de Freddy Krueger o los Cazafantasmas.

Y POR SI TODO ESTO FUERA POCO AÚN LE QUEDA TIEMPO PARA TOCAR LA GUITARRA EN MOTORZOMBIS

Grupo al  que, por cierto,  defines como Monster Locobilly MOTORZOMBIS es una banda de psychobilly que reivindica el cine de terror y monstruos en cada canción. Sobre todo nos gusta hablar del cine de terror autóctono. Por eso lo de Locobilly. Nuestro primer EP ha salido recientemente y se llama The curse of Spanish Horror Movies y está dedicado a Paul Naschy y al cine de terror español. Contiene cuatro temas: “La Marca del Hombre Lobo”, “Horror Express”, “El Espanto Surge de la tumba” y “La Llorona”. Si se vende, nos gustaría editar varios EPs de diversas temáticas terroríficas. De momento tocamos en mogollón de sitios, si queréis venir a alguno de nuestros bolos solo tenéis que consultar nuestro Myspace. Tocamos casi cada semana!!

…Y finalmente si quieres añadir alguna cosa más… Muchas gracias por vuestra atención, espero no haberos aburrido con mis batallitas! No dejéis de caminar por el lado oscuro, y recordad que CHAPARRA ENTERTAINMENT sigue trabajando para generar esa deliciosa porquería que tanto gusta fagocitar a Necrofanáticos como vosotros. Stay Sick!

Poco más. Únicamente agradecer mucho la atención de Dani con nosotros  al tener taaaaanta paciencia para contestar tan larga entrevista y a vosotros a animamos a visitar su página en YouTube y a estar informado en su facebook:

 http://www.facebook.com/profile.php?id=1515950424&ref=ts

Migoya o revienta: la entrevista (casi) definitiva

22 noviembre 2019 Deja un comentario

Foto: Johanna Valcárcel

Hernán Migoya nace en Ponferrada en 1971, pero pronto se deja caer por Barcelona y estudia periodismo en Bellaterra. En 1992 y por tanto con tan solo 20 años entra en La Cúpula, refugio de dibujantes y/o crápulas, algunos de los cuales, como Mariscal, había ascendido a los infiernos del diseño con su Cobi, que ese mismo año sobrevolaría el mundo. Hernán es contratado con la delicada misión de reflotar El Víbora, que atraviesa un bajón de ventas. Y lo que hace es renovarla buscando nuevos talentos y dando así la oportunidad a, por ejemplo, Miguel Ángel Martín, Javier Rodríguez, María Colino, Iron, Mauro Entrialgo, Álvarez Rabo, Gat, etc. También se encarga de otras cabeceras de la casa como Kiss Comix y lanza la colección Brut Comix, con la que pone a disposición de los lectores los talentos de Peter Bagge, Daniel Clowes o Chester Brown, además de nuestros Martín, Sequeiros o Juaco Vizuete. Si han leído algo de todos estos, que deseamos pensar por su salud mental que así ha sido, fue gracias a la visionaria iniciativa de Hernán, al que con todo ese lío aún le quedó tiempo para ver muchas películas… ¡cientos!… ¡miles! y realizar un extenso listado alfabético de actrices señalando todas las escenas de sus películas en las que se les puede ver un pecho o algo más, recopilando ese tórrido inventario en ¡Desnudas!, editado por Midons. Una empresa que en tiempos del VHS y, recuerden, sin internet, tenía mucho mérito.

El libro se publica en 1996 y dos años después decide abandonar La Cúpula para dedicarse exclusivamente a escribir. En 2002 obtiene el premio del Salón del Cómic al mejor guión por El hombre con miedo, con dibujo de Manolo Carot y a partir de ahí es un no parar, ya sea publicando con La Cúpula o Norma Comics, entre otras editoriales.

Realiza sus primeros pinitos en el cine rodando cortometrajes, el primero de los cuales es D.N.I en 1998. Escribe su primera novela. Y se lía parda. Todas putas, que reúne una colección de relatos que publica la editorial El Cobre, de la que era copropietaria Miriam Tey, directora del Instituto de la Mujer, recibe todos los bofetones, puñetazos y el fuego cruzado por parte de feministas y partidos de izquierda, culminando con su retirada después de que la Asociación de Mujeres Juristas Themis pida su secuestro por vía judicial. Algo escaldado escribe ensayos sobre el escritor Charles Williams y una biografía de la stripper Chiqui Marti, entre otros. Cuando salta el escándalo por su libro Hernán trabajaba en la sección Brigadoon del Festival de Sitges, que dirigió durante cuatro años y también había autoeditado la revista Ojalatemueras junto a Rubén Lardín, que publicó tres sicalípticos números centrados en cine, cómic, literatura, música, mocedades, ocio tonto y paparruchas. Así que quieto, lo que se dice quieto, no ha estado nunca nuestro amigo, que probó también a rodar un largometraje, que bautizó con un más que premonitorio título, Soy un pelele. Sucedió en 2008 y ocasionó un nuevo escándalo en su haber que culminó cuando denunció a sus productores en los medios con una carta abierta por los trapicheos realizados con su película. Unos arreglos con los que estos buscaban forrarse a base de subvenciones.

¿Y después de eso creen que Hernán tuvo suficiente?¿Piensan acaso que se estuvo quieto? Pues no, ha seguido publicando buenos comics y libros y en 2013 se instaló en Lima (Perú), donde continuó trabajando compaginando su actividad entre España, Francia, Lima y donde le llamaran. Eh…también secuestraron a su compañera durante tres días al llegar a Perú, tal y como relató exhaustivamente en la novela gráfica Plagio: el secuestro de Melina, pero oigan, aquí hemos venido a escucharle hablar a él, que para eso le hemos interrogado durante casi dos horas con la excusa de Nuevas Hazañas Bélicas, el lujoso libro que ha editado Norma Editorial del que ya les hablamos detenidamente aquí. Así que, sin más dilación, con ustedes… ¡Hernán Migoya: la entrevista!

De dónde surgió la idea de resucitar Hazañas Bélicas.

Siempre me gustaron los tebeos, también los tebeos españoles. De niño veraneaba en Villagarcía de Arosa y me pasaba horas leyendo los cómics de mi tío Juan Luis y las novelas policíacas de mi tía Mita. Él tenía muchos ejemplares de Hazañas bélicas, El pequeño luchador, Purk, el hombre de piedra… y yo de niño leía eso, en cuanto a historietas se refiere. En casa, algún retapado del TBO de los 70, en plena etapa dorada del equipo El Habichuelo, que tanto me influyeron con sus deliciosas absurdeces, y alguno yanqui a cuentagotas. Mi primer cómic no lo compré conscientemente hasta los 14 años, que ya comencé a coleccionar series Marvel contemporáneas.

Pero no sé por qué casi siempre he leído cosas pertenecientes a una generación anterior a la mía, por lo menos veinte años anterior, porque El Coyote lo leía a los doce años, en la edición de Fórum de 1983. Y de mi generación y entorno sólo he encontrado a otra persona que lo haya leído, el coordinador editorial Alejandro Viturtia. Y mi libro sobre el autor clásico de novela negra Charles Williams suele ser valorado por personas quince o veinte años mayores que yo, porque El arrecife del Escorpión y otros títulos señeros del género que sacó Bolsilibros Bruguera y El Club del Misterio los leían adultos: yo en cambio los leí desde los 10 a los 13 años, básicamente. O El increíble hombre menguante y Soy leyenda, la cumbre cincuentera de Richard Matheson, antes de los quince tuve la suerte de que cayeran en mis manos: para mí eran libros juveniles. Así que sí, creo que tengo una sensibilidad especial hacia la cultura popular añeja: siento más curiosidad por lo que existía que por lo nuevo que llega, porque además con el tiempo por medio es más fácil diferenciar el oro de la morralla, así como

“Foto con Will Eisner tomada en 1992 en la ComiCon de San Diego. Llevo una camiseta de El Mazas, personaje del autor Gambarte que guionicé para él una temporada para el Makoki y que significó mi primer guion profesional publicado”

contextualizar la obra. ¡Y el pasado cultural olvidado es una mina inagotable! La gente que sólo consume obras de su época termina creyendo que la moral predominante es cosa de siempre. Pero lo malo de mi formación cultural es que casi todos mis héroes y heroínas ya están muertos… Por cierto, llevo especialmente fatal la ausencia reciente de dos grandes de la cultura pop como George Michael y Tony Scott, no me acostumbro a vivir en un mundo sin nuevas obras suyas. Solía creer que los profesionales del cómic son olvidados antes, y me fuerzo a mencionar siempre que puedo a guionistas de referencia como Carlos Trillo y artistazos como Didier Comès, pero en realidad nos acabamos olvidando de todos por igual, independientemente de la mayor proyección que haya tenido su medio o carrera (Brian Clemens es otro héroe personal caído hace poco, el guionista televisivo de las series Los vengadores y Tensión), porque lo que conservamos muchas veces de ellos no es su obra, sino solamente una cáscara. La sociedad ni siquiera lee a los clásicos, sólo respeta su reputación: pero la mayoría no están vivos dentro de sus urnas. Por eso le tengo más pánico al olvido que a la muerte. Cuando era niño y quería ser escritor, creía que la obra quedaba: pero la obra también se esfuma. La vida es un continuo insoportable que borra los pasos de nuestros maestros con una celeridad de vértigo.

Siempre  los clásicos: Galería de personajes de una precuela del Corsario de Hierro que nunca salió adelante: ‘El Corsario de Hierro: los años dorados’, con dibujo de César Carpio.

Y finalmente en eso coincidía con el editor de Nuevas Hazañas Bélicas, Joan Navarro: cuando comencé a colaborar con Glénat vimos que ahí compartíamos una afinidad de gustos por el tebeo antiguo. Yo había coleccionado de adolescente la etapa de El Capitán Trueno que él coordinó, la dibujada por el grandioso Luis Bermejo. En folclórico contraste con sus convicciones independentistas, considero que Joan Navarro es la persona que más sabe de tebeo español y al que más le apasiona: siempre me gustaron las personas así, con rasgos chocantes en su personalidad, y adoro esas particularidades en él. Así que juntos empezamos a soñar a inicios de esta década con la idea de remozar viejos éxitos tebeísticos, como hacen los yanquis, e intentar ponerlos de nuevo de moda, o al menos darles nueva carta de vigencia para que las generaciones de hoy los conozcan, no dejarlos como anécdotas de un pasado que en nuestro país siempre cae en el limbo antes de tiempo.

En realidad mi primera idea como editor para Navarro fue proponerle un equipo artístico con el que resucitar El cachorro de Iranzo, que de niño era mi personaje favorito de los tebeos. De hecho siempre me ha sorprendido que Iranzo no esté superreeditado, es un autor muy interesante y está demasiado sepultado en nuestro presente cultural. Entonces organicé un pequeño equipo con Santiago Arcas al frente, pues es uno de los pocos guionistas, más o menos de mi generación, con cuyas inquietudes me identifico de pleno. Y me hubiera encantado que hubiéramos editado El Cachorro con su concepto y guion, pero el propietario de los derechos del personaje pedía una barbaridad de dinero, una suma absolutamente ridícula en comparación con la demanda que hay de tebeos de El Cachorro en la sociedad española (risas). Río por no llorar. No se pudo hacer y fue una lástima, pero vimos que Hazañas Bélicas era mucho más factible, así que se lo propuse a Navarro.

Una de las primeras ideas “goyescas” de Daniel Acuña para la portada de ‘Nuevas Hazañas Bélicas’

¿Y por qué la particularidad de situar la nueva etapa en la guerra civil española?

Comencé a releer los viejos Hazañas Bélicas y repasando e investigando los números de Boixcar pensé que lo que molaría sería situar la nueva versión en nuestra guerra civil. Ese fue el germen. El concepto real. Primero escribí dos álbumes situados en el contexto de la II Guerra Mundial pero con protagonistas españoles: una monja catalana que se alista en la División Azul para encontrar a sus violadores (Unidos en la División, con dibujo de Bernardo Muñoz) y un republicano asturiano que va a Hendaya a matar a Franco y Hitler (Dos águilas de un tiro, con dibujo de Beroy, Joan Fuster y Perro). Esos dos álbumes ya incluían de regalo los dos primeros cuadernos apaisados, que contaban el origen de los personajes, con dibujo de Diego Olmos y Joan Marín, respectivamente. Y entonces me puse a escribir más tebeos apaisados para su propia colección.

La idea de partida para Dos águilas de un tiro procede de la historia real de mi tío abuelo Vicente García, quien presenció el fusilamiento de su padre -mi bisabuelo- y su hermano por los franquistas y se pasó ocho años preso en un campo de concentración en el Bierzo; Unidos en la División, en cambio, nació de una anécdota extrañísima que me sucedió en Barcelona hace diez años: un día ejercí de guía nativo para un amigo estadounidense y, al cruzar de camino hacia las Ramblas frente a la Parròquia de Betlem de la calle del Carme, decidimos entrar y me agencié un folleto municipal para explicarle sobre la historia particular de esa iglesia, historia que yo desconocía. El folleto, impreso por el ayuntamiento, destacaba las riquezas artísticas, retablos y pinturas de la iglesia, para a continuación informar de que “lamentablemente, un incendio en los años 30 destruyó ese patrimonio por completo”. Yo le traduje la explicación a mi amigo yanqui al pie de la letra y, hasta varios minutos después de leído el folleto, cuando ya andábamos tan campantes por la estatua de Colón por lo menos, no caí en la cuenta de que ese “incendio en los años 30” no podía ser más que un pillaje en toda regla típico de los disturbios de la guerra: ¡en plena democracia, mi ayuntamiento había convertido un acto de violencia en un accidente! Ahí comprendí que el veneno de la mentira histórica y el embellecimiento del pasado puede ser un vicio inoculado en todos. Y de resultas empecé a coquetear con darle el protagonismo de mi segundo álbum “bélico” a una monja barcelonesa. Y así nació Àngels, uno de mis personajes favoritos de la colección.

Decidí situar las Nuevas Hazañas Bélicas en ambos bandos porque tal premisa me ofrecía una ocasión única de bucear y explorar sin miedo en todas las motivaciones bajo el manto de la guerra: y como autor que juega limpio, honestamente no puedes resignarte a que los individuos de un bando sean buenos sin matices y todos los otros caricaturas. En mi infancia me impresionó muchísimo El puente, la película de Bernhard Wicki: me dejó muy tocado esa historia real de unos chicos alemanes enrolados a la fuerza en su escuela para suplir las cuantiosas bajas de su ejército. Me parecía insólito poder asomarme a sus tragedias entra tanta película bélica y tópica de Hollywood. También me acordaba de cuando vi de niño El fuera de la ley [1], la película de Clint Eastwood en la que hacía de forajido confederado enfrentado a un grupo de yanquis que viola y mata a toda su familia: la novela, por cierto, publicada recientemente por Valdemar en su colección Frontera, que tan brillantemente coordina Alfredo Lara, es buenísima.

Entiendo que cualquier autor, cualquier artista, narrador o escritor tiene que ponerse en la piel de todo tipo de personaje sin cosificarlo ni deshumanizarlo de partida, da lo mismo que este personaje vista un uniforme sudista o yanqui, sea franquista o etarra: lo entiendo así y lo veo natural. Hasta Marlon Brando hizo en 1958 de militar nazi en El baile de los malditos y los sectores más retrógradas le reprocharon que su retrato era demasiado “simpático”: como si, para empezar, un monstruo no pudiera ser simpático en apariencia (lo más denunciable de su actuación en realidad era ese horrible teñido rubio que se hizo…).

Tampoco he sentido nunca que un personaje esté obligado a representar a todo un grupo: soy demasiado individualista para eso, igual que no me siento parte de ningún colectivo. Digo anecdóticamente que soy charnego porque me siento mestizo de muchas culturas y porque abogo por el mestizaje cultural y social: el mestizaje es mi única causa. Pero en cualquier caso, supone un reto para un autor que el lector entienda cualquier personaje suyo y comprenda sus motivaciones internas, si son dignas de comprender; o comprenda lo abominable de su interior, cuando es el caso, sin necesidad de darlo por sentado al recurrir a clichés: mi ficción apunta de entrada a que el germen de la monstruosidad está dentro de todos nosotros. Y que los monstruos conviven con nosotros como personas normales. Por eso la era de las redes sociales significa el momento dorado para todos los lobos con piel de cordero, donde fingir que eres buena persona y estás del lado correcto es lo único que importa.

Así que para mí fue un ejercicio lógico desde el punto de vista creativo fabular historias con protagonistas desde ambas perspectivas. Ya lo volvió a hacer el propio Eastwood en su díptico sobre la II Guerra Mundial, desde la óptica gringa y la japonesa; o uno de mis cineastas favoritos, Paul Verhoeven, contando una historia de amor entre una miembro judía de la Resistencia holandesa y un oficial alemán en la extraordinaria El libro negro. Además, en las Hazañas originales había una Serie Azul y una Serie Especial, que era de color rojo, así que en nuestro caso tenía todo el sentido. Recordé las novelas que me impresionaron de niño de Sven Hassel y Tom T. Chamales sobre lo que era la guerra y cómo ellos escribían desde el punto de vista de los pacifistas, de los excluidos, de los parias, y eso me sirvió también. O el Tuareg de Vázquez-Figueroa, que es una maravilla.

Escribiste dos guiones por mes para Nuevas Hazañas Bélicas durante todo un año.

Resultó una experiencia muy interesante, porque fue a partir de ahí cuando comencé a documentarme y leí el que para mí es un libro fundamental sobre la Guerra Civil, El laberinto español de Gerald Brenan, que nos retrata como si nos hubiera parido. Debería ser lectura recomendada en los institutos, puesto que prevé muchos de nuestros futuros tics de conducta. Ahí te das cuenta de que obtener la visión de una sociedad desde fuera siempre resulta un ejercicio muy sano: ese ensayo entiende muy bien lo que nos sucede y cómo los extremos en España no solo se tocan, sino que en ocasiones también se merecen el uno al otro. Brenan hace hincapié en hasta qué punto estamos marcados por el catolicismo, por la noción interiorizada del bien y el mal sin matices, por el pecado y la pureza, por la demagogia, por el afán de opinar con absolutos, destruir y proyectar negatividad sobre cualquier anhelo de construcción… y cómo demonizamos al que piensa distinto con reacciones algo primitivas. O sea, por qué somos casi todos un hatajo de radicales fanáticos cuando hablamos de política. Y eso, siempre con matices, lo hacen los dos bandos: el franquista de base, puesto que para empezar la suya ya es una ideología totalitaria; y parte del bando republicano también, dado que muchos no albergaban ningún interés en respetar la voluntad de una sociedad conjunta. La cuestión es que me pareció muy interesante meterme en la piel del otro y ver adónde me podía llevar…

En Nuevas hazañas bélicas se incluyen multitud de historias sobre las atrocidades cometidas por los nacionales, la futura España dictatorial, pero intenté abarcar un rango tonal un poco más amplio. Así, cuando escribes la Serie Roja, te das cuenta de que te posicionas mucho más contra el abuso moral y planteas historias que proponen una fuerte toma de conciencia, con las que humanamente te puedes identificar por completo… Pero la épica despiadada, los bajos impulsos sin justificaciones morales, te pedía a veces la Serie Azul. Ese lado irracional y salvaje que tenemos y que quemamos viendo películas anglosajonas, perfectamente aceptables hoy por nuestra sociedad porque las despacha el imperio de nuestros días, los EEUU, nación de “pioneros” que cuenta con una tradición cotidiana en el uso de la violencia y de la imposición por la fuerza mucho más interiorizada y aceptada oficialmente que la sociedad española. Por eso generan títulos de crueldad nihilista pero espíritu lúdico como Harry el Sucio, Rambo, The Punisher o John Wick. Es decir, con nuestro prisma moral, tú ves ese cine USA desde los tiempos de Murieron con las botas puestas[2] y es superfacha. Si nosotros hiciéramos algo similar, nos acusarían de glorificar la violencia de un modo inaceptable.

Paradójicamente, podemos decir que Conan el Bárbaro es una gran película, pero si fuera española nadie se atrevería a decir que le gusta, renegaríamos de ella en cuanto el héroe empezara a pronunciar ese parlamento de “¿Qué es lo mejor de la vida? Aplastar enemigos, verlos destrozados y escuchar el lamento de sus mujeres…”. ¡A ver quién se atreve a presentar un guion así a las subvenciones! Lo triste es que lo que celebramos con espíritu abierto e inteligencia para relativizar si viene de fuera, lo sancionamos indignados si nos llega de dentro. Las fantasías violentas solo son aprobadas si proceden de los canales aceptados por años de imperialismo interiorizado. Pero Frank Miller es mucho, muchísimo más radicalmente reaccionario opinando que aquí lo era un Arturo Fernández, por ejemplo: si no aguantas lo que decía el segundo, tendrías que denunciar lo que dice el primero. Y al lado de James Ellroy, Pérez Reverte es el Che Guevara. Así que me parece bien que los progres de postal del mundillo del cómic pierdan ahora el culo por tomarse una foto con Miller… pero serían los mismos que promoverían su veto como autor si hubiera nacido en nuestro país. De hecho, ya estaría vetadísimo.

Opinando uno puede nadar y guardar la ropa cuando habla de un autor estadounidense o inglés porque desde hace décadas nos sentimos inferiores a ellos -por eso siempre hay gente que se mata por descubrir lo último que está de moda en la industria anglosajona, aunque provenga de su cultura rural (la que si es española denominamos “caspa” sin derecho a réplica), porque siente que eso le eleva sobre los demás-, pero no admitiríamos lo mismo si el autor fuera de aquí. ¿Quién celebraría sin miedo ni reticencias a un Chesterton cañí, tan catoliquísimo y superconservador como era? Tendríamos que mofarnos de él para ser aceptados en la tribu cultural.

O por ejemplo Érase una vez en Hollywood, el notable filme de Tarantino. Si fuera español, recibiría aún más palos de los que ya está recibiendo en los USA: se sumarían además las acusaciones de visión complaciente y sin una sola crítica a Hollywood como industria de masas; la de otorgar un protagonismo heroico a dos patanes blancos conservadores, mientras la visión ofrecida del hipismo y cualquier pensamiento subversivo es totalmente negativa; la de recreación nostálgica de una era completamente heterohedonista -¿dónde está el Hollywood gay?- y de un sector privilegiado y despreocupado socialmente; es más, la única mención a la tragedia del Vietnam sale de la boca de una menor dispuesta a regalar sus favores sexuales y con el cerebro lavado por una secta asesina… Lo que más me intriga de todo sería comprobar cuántos de mis paisanos defensores del filme echarían a su director a los perros si el tipo hubiera nacido en Vallecas. Somos muy miserables para los nuestros.

Y esa es la situación anómala, esa especie de sectarismo por el que no puedes ponerte en la piel del otro porque está prohibido por tu propia cultura, si ese otro pertenece a nuestra sociedad. Pero si está bendecido por los USA no pasa nada y nos permite además dárnoslas de enteradillos. Así funcionamos.

Por ejemplo, en la progresía española no encontramos aceptable el patriotismo como motivación legítima de un protagonista (como lo es en James Bond, por ejemplo), a no ser que ese patriotismo provenga de la periferia. En España los únicos que hacen simbología épica del acto de guerrear son la derecha franquista y cierto independentismo (aún recuerdo al empresario y presentador catalán Miquel ‘Mikimoto’ Calçada proclamando con fe ciega en TV3 en los años 90 que él estaba dispuesto a “morir por mi patria”: yo que era superfán de su etapa televisiva, me quedé traumatizado con esa declaración tan a lo José María Pemán…). Me refiero a esa simbología épica que también poseen Estados Unidos y Gran Bretaña en su cultura, como potencias colonialistas que son. Por eso la épica per se la delegamos en Hollywood.

Y así se entiende por qué casi no hay género épico en España desde hace 30 o 40 años. Todo lo que rodee al Cid y a figuras épicas “unificadoras” a lo Alatriste se considera una caspa derechona. En la tele hemos tenido a Curro Jiménez y a Águila Roja, que más allá de la eventual ridiculización de los invasores franceses en el primer caso, hacían épica basada sobre todo en la lucha de clases, nuestra causa por antonomasia, y sin exaltación patriótica: o luchas y matas recalcando que es en favor de los pobres o aquí no te dan el sello de aprobación moral. Por eso oficialmente abundan las historias desde la óptica del victimismo -dado que a la cultura de invernadero promovida por el Estado también le interesa mostrarse de continuo del lado del “pueblo”, tomado el concepto de pueblo desde ese sentido compasivo y algo maniqueo que lo percibe como una masa pseudorrevolucionaria, aunque luego resulte que en nuestro caso el pueblo nos salió más inmovilista y conservador de lo que pensábamos-. Por su parte, las comunidades autónomas llevan una década produciendo material épico autóctono muy interesante, productos televisivos divertidos, al menos en el caso catalán, como Serrallonga o Bruc el desafío o ese fantástico espagueti western que fue la versión de Terra baixa dirigida por Isidro Ortiz. Y tenemos un superescritor independentista como Albert Sánchez Piñol. El nacionalismo catalán y vasco pueden generar todavía obras épicas muy chulas en terrenos que desde hace décadas ya le están vetados al nacionalismo español por desacreditación de su concepto. Sólo Pérez Reverte está ahí solo, escribiendo géneros sin complejo y con éxito arrollador, un fenómeno insólito en sí mismo. Bueno, y en cómics tenemos nuestros mejores héroes épicos: el Capitán Trueno, El Jabato y el Corsario de Hierro, cortesía del catalán Víctor Mora. El Corsario es el que me tocó a mí generacionalmente. La vida española sin los dibujos de Ambrós hubiera sido mucho más gris.

Eso sí, todavía no hemos llegado al extremo gringo de John Wick, donde el héroe de la película puede ser un asesino a sueldo y matar a dios es cristo porque ya ha demostrado amor por un perro. A nosotros nos queda todavía un largo camino…

¿Cómo fue el proceso de documentación de Nuevas Hazañas Bélicas?

De partida, traté de explorar más allá de lo superficial: busqué episodios curiosos de la Guerra Civil que no fueran los de siempre y, según su naturaleza, los conducía a una representación realista o a la más pura sátira, incluso al delirio. O, como dijo la única voz crítica que se ha posicionado en contra de las Nuevas Hazañas Bélicas, “no es pulp, ¡es un desmadre!”. Lo cual en sí es una frase gloriosa que me gustaría que añadieran como faja promocional en la portada del cómic. Me hubiera encantado poder regalar un ejemplar a Berlanga y a Armando Matías Guiu; pero bueno, a cambio tengo un prólogo de uno de mis maestros, Enrique Sánchez Abulí.

Por ejemplo, desde el inicio quería confeccionar específicamente un guion sobre el Alcázar de Toledo, así que probé a plasmarlo bajo un punto de vista centrado en la escaramuza bélica. Pero al final, cuando ahondé en el drama humano desencadenado dentro… Era imposible no subrayar el destino de las víctimas republicanas atrapadas allí. De esa base surgió Con el Moscardó tras la oreja, con espléndido dibujo de Kim.

 

La inspiración para otros guiones la busqué por internet, en libros… Mi padre colecciona muchos ensayos sobre el tema, pues le encanta leer sobre la Guerra Civil, sobre todo desde la perspectiva comunista. Así que si yo encontraba alguna anécdota interesante la investigaba y de ahí veía cómo podía llevarla a mi terreno. Luego descartaba las que veía 100% claras, las que pensaba que iban a salir muy planas, las que iban a parecer un cómic con buenos y malos de una pieza, subrayando lo obvio… Creo que los únicos villanos de una pieza que incluyo son el golpista Queipo de Llano y el falangista Yagüe, el “carnicero de Badajoz”. ¡A esos no los humaniza ni Dios! Pero por lo demás se trataba de darle la vuelta a cualquier amenaza de situación trillada, ya sea desde el punto de vista satírico o épico. Y luego adaptarlo al dibujante: ésa era la segunda fase del proceso.

Alguna vez el cuerpo me pedía algo de acción, otra algo más de humor negro o incluso coqueteamos con el romance. La cuestión era jugar, bailar, “orgiar” con los géneros.

¿Fue fácil contar con la colaboración de tantos grandes dibujantes?

Fue asombrosamente fácil. La mayoría aceptó jugar, creo que porque ya casi no hay cultura de evasión en el cómic de hoy que no sea derivativa del cómic comercial USA. Ahora lees una maravilla como ¡Universo! de Albert Monteys y de pronto te das cuenta de la cantidad de años que el cómic español lleva dándole la espalda al tebeo de puro entretenimiento. He sido muy afortunado de contar con tantos talentos de nuestra historieta. Lo siento, tengo que mencionarlos a todos: Daniel Acuña, Monteys, Seguí, Calpurnio, Cels Piñol, Danide, Diego Olmos, Edmond, Javi Fernández, Escandell, Joan Marín, Juaco Vizuete, Juanjo Sáez, Kano, Keko, Kim, Miguel Ángel Martín, Miquel Fuster, Natacha Bustos, Pedro Rodríguez, Pere Joan, Sequeiros, Enrique Ventura… Después de haber trabajado con semejante plantel de estrellas, mejor ya retirarse, ¿no?

Una vez escogido el autor, yo pensaba el tipo de historia para adaptarme a él, porque eso sí lo tengo muy claro: el guionista está al servicio del dibujante, así que tienes que adaptarte a su narrativa, a su estilo, a lo que ves que es su fuerte a nivel dibujo.

Empecé trabajando con los dibujantes que tenía a mi lado, con los que ya me había emparejado profesionalmente y sabía que me entendía bien: Vizuete, Marín, Piñol… Otros los propuso Navarro, como Kim, Calpurnio o Pere Joan. Pere Joan y yo estamos en las antípodas de intereses, de estéticas y gustos, y precisamente el que dibujó es uno de los episodios con el que más satisfecho estoy, Rossi de Palma. Fue con quien más me costó encontrar el tipo de historia que le pudiera encajar, porque su grafismo es muy personal, poético y surrealista. No quería cagarla presentándole un planteamiento que no estuviera a su enorme altura artística. Y así acabamos llegando a esta historia semiabsurda del Conde Rossi, que además se basa en un suceso real: un caudillete italiano, excreción del Fascio mussoliniano, que sometió Palma de Mallorca y organizaba desfiles en su propio honor al que sólo podía asistir la población femenina, bajo amenaza de fusilar a cualquier hombre que asomara.

“Aquí con parte del equipo de dibujantes de Nuevas Hazañas Bélicas: Joan Marín, Kim, Pedro Rodríguez y Sequeiros. La foto es de Flor Castellanos”

¿Qué ha supuesto para ti en lo personal esa exploración de las dos Españas?

Pues me he dado cuenta de que soy mucho más de izquierdas de lo que me había atrevido a confesar ante mí mismo. Casi diría que soy de izquierdas a mi pesar, porque al provenir de la clase baja y proletaria de extrarradio, le tengo mucha rabia al entorno de izquierdismo de salón que me encontré en una parte significativa del mundo cultural metropolitano. Me hacían sentir como el protagonista emigrante de América, América de Kazan, cuando contempla a las parejas pijas que bailan en la cubierta del barco donde él viaja hacinado y en la mayor miseria. Realmente no he tenido nunca contacto vivencial con el facherío ni la ultraderecha, ni siquiera familiarmente he vivido situaciones de intolerancia o imposiciones, pues mis padres son rojos de origen rural que siempre me dejaron elegir lo que deseaba hacer. Sólo conozco al pijo progre citadino, inevitable en mi entorno gremial. Y contra ese estereotipo reacciono visceralmente, pero luego confronto mis convicciones y resulta que en mi trayectoria personal he sido mucho más de izquierdas e íntegro que ellos y por eso me cabrean. Aunque sigo pensando que los artistas no deberíamos poder votar por ley, estamos demasiado locos.

En verdad soy demasiado ácrata para cualquier ideología. Estoy a favor de la diversidad cultural y sexual, de la libertad absoluta de creación sin barreras, apoyo la inmigración, la educación gratuita y la sanidad pública (viviendo en un país casi sin estado como el Perú, esos detalles se aprecian), pero encima soy apátrida: a mí me pones una bandera en la mano y me entra la risa, no lo puedo evitar. Todas las banderas son patéticas, porque todas son excluyentes. Ah, y ateo: no creo en Dios y, si Dios existiera, consideraría mi deber el combatirle. Todos los artistas, los interesantes al menos, somos ángeles caídos y debemos escupir al poder establecido.

A ver, tampoco es que ningún grupo político haya querido exhibirme a su lado, porque soy como ese soldado que vuelve a su patrulla con una granada sin espoleta en las manos… Todos los partidos me quieren lejos, por suerte para mí. Siempre he sido un punk de corazón y tanto la izquierda como la derecha lo han advertido intuitivamente. Por fortuna, porque me daría mucho pudor tener que confesar que soy de izquierdas y arriesgarme a que me confundan con uno de esos niñatos calvos de 50 años que votan a Podemos y luego lloran viendo una peli del Capitán América… ¡Qué horror! Eso sería como ir a una manifestación contra la explotación infantil vistiendo ropa de Nike de la cabeza a los pies. Como dirían en España, “un poquito de por favor”… O como dicen en el Perú, “¡tampoco, tampoco!”.

Como no tengo pareja ni descendencia ni la tendré, me siento un nihilista desapegado de un “futuro esperanzador”. No me importa el futuro y detesto cualquier fundamentalismo, proceda de donde proceda. Sospecho que yo en la Guerra Civil hubiera luchado junto a los anarquistas: pero sí me hubiera puesto uniforme, por pura coquetería. O sea, hubiera sido un anárquico entre los anarquistas y ellos mismos me hubieran fusilado por desacato a su autoridad. (¿A quién quiero engañar? Hubiera desertado, pero no por pacifista, sino de puro cobarde.)

Ya desde el arranque de Nuevas Hazañas Bélicas me di cuenta de que cogía las reglas del bando azul y las subvertía de alguna manera, como en el primer episodio, dibujado por un Diego Olmos en estado de gracia, Furia Roja, con el que en realidad, con una fanfarria, una caligrafía solemne y unas reglas narrativas del cómic franquista de los años cuarenta y cincuenta, hemos construido un romance interclasista de lesbianismo y una reivindicación de la tolerancia sexual. Ese punto de giro también me gusta mucho, “it’s so you”, como decía Freddie Mercury.

A mí me gusta mucho meterme en voces narrativas que sean hijas de puta y que no resulten necesariamente simpáticas para el lector, por eso genero tantos problemas. Así, en Furia Roja me meto en la voz de un narrador que es un Matías Prats Senior extirpado de los deportes, un portavoz franquista con el tono mayestático de los imperialismos, pero a la vez un subtexto con el que el lector va descubriendo que estamos ironizando, porque se ve claramente que lo que se cuenta es una historia de amor entre dos tías, y que ahí hay “marro”… Me gusta mucho ofrecer en ese contexto una apariencia de cómic antiguo, superrancio y carrinclón, y luego insuflar una vidilla subterránea que diga que aquí hay algo más: ¡la vida es otra cosa!

Hay muchos juegos ahí dentro. Y no es necesariamente el subtexto de una mentalidad moderna: la tradición cultural está repleta de ejemplos de la época donde se ve esa “vida real”. Sin ir más lejos, el beso que le propina Marlene Dietrich a una espectadora en Marruecos, ¡nada menos que en 1930! O las novelas gays que publicaba hace un siglo nuestro Álvaro Retana, a quien homenajeo en el último ‘Carvalho’. Hoy día me paso la vida leyendo novelas y viendo películas de siglos anteriores y descubriendo esas aguas cristalinas recorriéndolos. Cada noche miro películas que yo llamo “de fantasmas”: anteriores a 1940, donde todos sus participantes, intérpretes y responsables ya están muertos. Me generan mucha paz.

En un episodio parodias Tintin para contar la vida de Juan Antonio Samaranch.

Reconozco que no soy muy fan de Tintín -ya desde niño me mataba de aburrimiento-, así que me hizo mucha gracia disfrazar a Samaranch del héroe asexuado de Hergé. Me apetecía matar dos pájaros de un tiro. Destrozar dos personajes (risas) que no me caen bien, Tintín y Samaranch. Ambos cumplen sendas paradojas que no lo son tanto: uno, personaje tradicionalista y blanco en todos los sentidos, se erigió como héroe predilecto de la élite cultural progreurbanita europea; el otro, exfalangista y franquista no arrepentido, logró los Juegos Olímpicos para Barcelona y paradójicamente inició el proceso que la ha convertido en la megaciudad símbolo de la modernidad y el buenrrollismo, así como del turismo mundial. Hace seis años que no vivo allí y no extraño mucho eso de Barcelona… ¡pero sí sus fabulosas bibliotecas!

Lo de Tintín y Samaranch fructificó en una mezcla muy bonita gracias a su dibujante, Joan Escandell, quien además cuenta con 82 años: trabajar con un señor que dibujó tantas Joyas Literarias Juveniles para Bruguera fue un privilegio. Y se adaptó al grafismo con una gracia e ilusión propias de un dibujante veinteañero.

¿Qué te faltó por hacer en las Nuevas Hazañas?

Me gusta mezclar tonos y llevar mis voces narrativas hasta la esquizofrenia, lo cual crea un recipiente donde caben muchos artistas. Yo quería también escribirle una historia a Purita Campos, a la que admiro como artista y como temperamento, pero fue imposible porque estaba atadísima a Esther y su mundo. Me hubiera encantado que Acuña se hubiera lanzado, además de con las portadas, a dibujar también un cómic. O Irene Roga, la mangaka. Me faltó que hubiera un manga en Nuevas hazañas bélicas y admiro muchísimo el estilo de Irene, para mí ella es la Miguel Ángel de nuestro cómic. O los magníficos dibujantes españoles que dibujan superhéroes: Carlos Pacheco, David Aja, Mikel Janín, Jorge Jiménez. Daría un brazo por escribirle un guión a José Luis Munuera. Y el torso por escribirle otro a Alfonso Font. También fue mi primera toma de contacto con Tomeu Seguí y ahí vi lo bien que trabajaba, así que hice lo posible por volver a ser su pareja artística y de ese precedente surgió lo de Carvalho[3].

Y claro, sueño con que Nuevas hazañas bélicas tenga continuidad. No lo he hablado nunca con la gente de Norma Editorial, pero si esto funcionara me encantaría escribir otra tanda de historias de la guerra civil. Por ejemplo, ahora que he vuelto a trabajar con el dibujante Manolo Carot, con quien gané mi segundo premio en el Salón del Cómic de Barcelona y con el que este año acabo de publicar en Francia el álbum Venus Pop, no paro de pensar en que le podría escribir un superhistorión de Nuevas Hazañas Bélicas.

Hay un sector del establishment en el mundo del cómic al que no le interesan las visiones controvertidas, porque les pone a ellos también en un compromiso, y muchos quieren llevarse de maravilla con las instituciones públicas para vivir de ellas. Así que básicamente hacen como si no existiéramos los que vamos por libre. Aquí se aplica la ley del silencio a todo lo que el ministro de Cultura de turno no le pueda poner su sello de aprobación para regalarle una medallita al autor y hacerse la foto con él. Todo lo demás molesta. En el fondo el estatus cultural que tenemos es muy biempensante y asustadizo y en cuanto te sales un poco rebrota aquello de “ya está el Migoya haciendo una de las suyas”. Y te silencian completamente. Averigua en cuántas antologías/exposiciones del cómic español me han incluido en mis 30 años de carrera y, si me ves en alguna, avísame. Luego, eso sí, todo sonrisitas conmigo. Cuando los veo, pienso el viejo dicho que una vez leí a Stephen King en los 80: “Si me vas a mear en la pernera, no me digas que está lloviendo”.

¿Qué personajes históricos te impresionaron en el curso de la documentación?

Cuando comienzas a investigar la Guerra Civil te das cuenta de que hay pocos realmente admirables, a los que te puedas aferrar con la mentalidad antibélica que hoy tenemos. En mi caso fue Manuel Azaña el que para mí marcó un poco la diferencia con el resto. Azaña tenía una conciencia clara de lo que estaba pasando e intentaba, con unos valores demócratas, llevar la cosa adelante. Pero aquello era un torbellino de pasiones, de sangre y fuego. Es imposible reflotar un país cuyas comunidades sólo están unidas por el pegamento del odio entre sí. He de añadir que si mi carrera como cineasta continuara, me hubiera encantado llevar al cine la historia de los amores homosexuales de Azaña.

 

Desde niño siento simpatía por Federica Montseny, por su look de empollona gafotas como era yo también, por su antiestatismo, su frenética labor en el poco tiempo que fue ministra y porque escribía novelas rosas. Y también le tengo cierta simpatía chancera a Millán Astray. Es un personaje esperpéntico digno de Valle Inclán, lo cual demuestra que por no ser, la épica española no tiene derecho ni a ser estética. Me parece un espantajo como persona real, pero como personaje seduce su entrega a la guerra. Él lo único que quería era guerrear y ya a los 17 años se fue a Filipinas a pegar tiros. Y todo eso desde la distancia y desde el punto de vista romántico y literario resulta muy atractivo.

A mí cuando escribo me pone la épica, me ponen las películas de John Milius y de Sergio Leone, los cómics de Frank Miller y Howard Chaykin. Crecí escuchando corridos de la revolución mexicana y leyendo novelas sobre gente despiadada de comunistas como Dashiell Hammett y Jean-Patrick Manchette, de libertarios como Ayn Rand o Andrew Vachss, y de derechones como James Ellroy. Ojo, también me seduce la veta lírica de un Coppola o una Jane Campion, o el melodrama tipo La rosa de versalles de Riyoko Ikeda, que es una biblia para narrar un buen cómic. Siempre me arrastra ese tono de ficción más grande que la vida. Por desgracia, cuando se aplica la épica a la realidad es un desastre, porque resulta imposible cantar una gesta violenta o “epopeyizar” sin saber que estás aplastando la perspectiva de alguna víctima…

¿Fue difícil reflotar el proyecto para recopilarlo en libro?

Estoy muy asombrado con Norma Editorial, porque tras la hecatombe de la editorial original de la serie, EDT, había cierto resquemor lógico entre algunos de los autores que se habían quedado sin cobrar. Hubo que resolver eso y Norma se hizo cargo del asunto financieramente y la verdad es que además apostó mucho por la obra. También apoyó que Joan Navarro ejerciera de maestro de ceremonias de la presentación barcelonesa: me emocionó mucho verle allí presentando nuestra obra junto a varios de los dibujantes. Sólo tengo palabras de agradecimiento para mi editor Luis Martínez y el director de Norma, Óscar Valiente, prácticamente un compañero de trinchera con el que comparto muchas alegrías y cicatrices a través de tres décadas de profesión.

Yo les ofrecí el proyecto después de la buena experiencia con Carvalho, pero no me esperaba el entusiasmo despertado en la redacción. Creo que conseguimos disipar todo el recelo que hubiera podido quedar entre los veintitrés dibujantes, con quienes ahora estoy en deuda de por vida. Los veintitrés se portaron de primera. Todos nos pusimos de acuerdo enseguida y a partir de ahí comenzó la producción del tomo recopilatorio.

Cuando llegué de vacaciones desde el Perú me encontré con el tocho editado y me quedé alucinado, porque yo me esperaba el formato original apaisado, pero mucho más reducido, así que cuando vi esto… Verdaderamente, Norma ha hecho una edición formidable y se ha volcado a nivel promocional. El único reproche que le hago es que tengo que volver dentro de dos semanas a Lima y no me puedo llevar conmigo casi ejemplares, porque pesan un montón (risas).

¿Qué nos puedes contar de tu ya vieja etapa como redactor jefe en El Víbora?

Cuando entré en El Víbora me dijeron claramente que se estaba hundiendo y que había que conseguir que vendiera. Al tiempo que los artistas de la generación anterior iban pillando un perfil mucho más reposado, más comprometido socialmente de una manera más poética y reflexiva, también con más ambición premeditadamente artística desde el punto de vista esteticista, notabas que la revista iba cayendo en picado en el quiosco, y me dijeron que había que remontarla. Yo tenía 20 años cuando entré, así que lo primero que hice fue sondear lo que estaba dibujando gente nueva por ahí. El consejo de redacción lo formábamos el editor Josep Maria Berenguer, el jefe de producción Emilio Bernárdez y el director de arte Pablo López: todos fuimos a una en esa búsqueda. Y dentro del espíritu underground legítimo hicimos todo lo que pudimos y renovamos la generación de autores. En mi etapa se publicó desde el cinismo de Miguel Ángel Martín a la hiperviolencia de Iron (otra de las víctimas del puritanismo ideológico comiquero, que entonces también había inquisidores del gremio que se ofendían a la primera); y de las soflamas independentistas de Gat al humor superizquierdista de Álvarez Rabo y de Mauro Entrialgo. Publicamos de todo sin imponerles nada. Eran libres de expresar lo que les diera gana. Mi único baremo para defender una obra ante el consejo de redacción es que ofrecieran algún aspecto de interés, ya fuera en cuestiones de ingenio, artístico o expresivo. Y a ser posible, que no fuera cultura autocomplaciente. Que se oliera la libertad en ella.

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Una portada de El Víbora ilustrada por Paco Roca perteneciente a la etapa en la que Migoya estaba al frente

Casi toda la crítica y muchos lectores antiguos se persignaban ante lo que estábamos haciendo, una infamia según ellos. Y hasta exigieron mi dimisión por carta, cartas que yo publicaba sin problemas. Pero la revista remontó los escollos y empezó a venderse mejor. Yo estuve siete años como redactor jefe, el tercero en el cargo después de Onliyú y el ya fallecido Jesús Benavides, a quien siempre me gustar recordar, porque no se le suele tener muy en cuenta. Creo que gracias a nuestra labor y a la de los redactores jefes que nos siguieron, Félix Sabaté y Sergi Puertas, bajo la batuta de Bernárdez y Berenguer y merced al esfuerzo de un equipo en verdad entregado con entusiasmo (en mi caso, debo destacar al diseñador Pablo López o Pablópez, como firmaba, quien por desgracia tampoco está ya entre nosotros), El Víbora duró hasta 2005, trece años más de lo que hubiera durado de no practicársele esa operación a corazón abierto. También contamos con la lealtad y el respeto de varios autores de la primera época, que en todo momento se portaron de modo exquisito en la nueva etapa, como Max, Laura Pérez Vernetti o Nazario.

En aquella época también tuvisteis encontronazos con la censura.

Los problemas de censura o con la justicia no se sobredimensionaban entonces tanto como ahora: hombre, es que todavía no habían desaparecido los ecos de la dictadura, aquello sí había sido hardcore de verdad. Sí hubo un problema con nuestros envíos a Venezuela: al librero que distribuía El Víbora allí lo querían meter en la cárcel, creo que por considerarse el nuestro un material obsceno o algo así, y durante semanas nos tuvieron retenido todo el pedido en la aduana. En España, lo más curioso tenía que ver normalmente con la revista Kiss Cómix, la de historietas porno. Cuando algún autor estadounidense llegaba a España invitado por La Cúpula, solía quedarse pasmado con las revistas pornográficas abiertamente expuestas en los quioscos: ahí me di cuenta de la sana relación con el cuerpo desnudo que realmente disfrutamos en nuestro país.

¿Crees que el cómic se sigue valorando menos que el cine o la literatura?

Sí, y gracias a eso el cómic en España es un arte mucho más libre que la novela o el cine, porque todavía no hay tanta injerencia del gobierno ni de las instituciones ni goza de tanto prestigio. Pese a todos los intentos de una minoría interesada por elitizarlo, de momento aún sigue siendo un medio que todo el mundo puede leer, disfrutar y tirar, como una peli de Hollywood. Y por ese motivo el poder aún no le da tanta importancia. ¡No hace tanto que una ministra de Cultura, Carmen Alborch, decía que el cómic era un arte menor, ja ja ja, qué candidez la suya!

Mis obras más duras son cómics y nunca ha pasado nada: en cambio, cuando he intentado hacer lo mismo en literatura, el sistema se ha llevado las manos a la cabeza, escandalizado… porque en el fondo dentro de todo escritor hay un pequeño hijo de puta que quiere ser prestigioso y sentarse al lado de un político y que le den subvenciones y viajar gratis por todo el mundo con el Instituto Cervantes sufragándole sus charlas. En cambio, el cómic sigue siendo, pese a que hay gente por ahí que todavía quiere “dignificarlo”, un frente abierto y mucho más libre. Todavía es, afortunadamente, un arte de trinchera. Su objetivo principal no es pedagógico ni pretende quedar bien. Imagínate un Liberatore o un Corben domesticados por el dinero público… ¡qué horror! Desde las instituciones ya dicen que el cómic es arte, sí, pero por suerte aún no lo leen.

Para mí los cómics son para leerlos. Está muy bien que se pueda ver un original en la vitrina de un museo y que a su autor le paguen tanto como a un pintor moderno cotizado que no le importa a nadie excepto a cuatro cabrones ricachones, pero creo que la gente no debería olvidar que los cómics son para ser leídos. Yo no quiero que valoren tanto el cómic como arte hasta llegar a un punto en que a la gente le acabe importando una mierda el cómic, que es lo que está pasando con el rock, que al final la gente joven tira hacia otros estilos musicales porque son los que ahora están vivos. Hay museos de rock, pero por suerte todavía no los hay dedicados al pop latino que hoy gusta a la gente y que el clasismo español tanto desprecia (como hace con casi toda la cultura popular latinoamericana). Pero a ver, cuando se empezó a decir que el cómic era arte, ¿qué hicieron los jóvenes? Se tiraron de cabeza al manga. Y los autores consagrados reaccionaron diciendo que en la industria del manga todos dibujaban igual y que ese estilo era una puta basura. El manga fue el reggaetón de la historieta en los años 90.

Los japoneses no odian el dinero o lo popular ni explotar una saga como se odia desde nuestro sector cultural. Aquí, cuando vendíamos veinte o veinticinco mil ejemplares al mes de Kiss Comics en los años 90, cuando ya había una crisis comercial generalizada en el sector historietístico, bastantes críticos siempre te decían lo mismo, ¡que se vendía porque era porno! ¿Y El Jueves? Porque es humor. ¿Y Marvel y DC? Pues porque son superhéroes. Pero los cómics se vendían, ¿no? Así que me parece absurdo ese argumento. Un medio artístico, como la propia palabra lo define, es un “medio”, no un fin en sí mismo. Y eso sólo lo ratifica el consumo popular.

Así que está muy bien lo de los museos, pero yo voy a seguir comprando algo que vea en la calle. Es lo que me interesa. A mi este complejo del cómic con respecto a la literatura y la “alta cultura” me fastidia un poco. El equilibrio entre cultura popular y consideración artística no lo hemos resuelto todavía, eso está claro.

¿Te preocupa la crisis de los cómics de superhéroes?

Para mí la auténtica Marvel española de nuestros días es Sálvame. Yo veo Sálvame con mi madre y me digo: “Éste es el mejor universo que se ha montado nadie desde el tinglado de Stan Lee”. De hecho, Paolo Vasile es el Stan Lee de nuestra televisión, y creo que ambos comparten la misma ética comercial. Y encima lo de Sálvame reviste mayor mérito, ¡porque todos son supervillanos! No hay ni un puto héroe ahí metido. Se han montado una tele con villanos dándole a la lengua todo el rato. Todos pelean contra todos verbalmente, lo cual también requiere mucho talento creativo para lograr mantener el interés argumental. E influyen mucho más en la población, a nivel de masa, que todo lo que escribamos nosotros en toda nuestra vida. Eso me parece fascinante, un universo que funciona solo, se autoagrede y se retroalimenta, de programa en programa. Es la Marvel de la mayoría silenciosa. Tú ves hoy una reunión de fans de los cómics de superhéroes y son cuatro cincuentones nostálgicos de la cultura de masas primermundista de los 80; la masa que sigue Sálvame, en cambio, es mucho más numerosa, rica y diversa: desde las amas de casa a los gays más modernos. ¿Cómo asimilamos culturalmente ese fenómeno? Tengamos en cuenta que, en el fondo, no hace tanto que Stan Lee también estaba considerado un vendedor de hamburguesas: así que es probable que en veinte años más, Paolo Vasile y su etapa de Sálvame sean valorados como un momento álgido, añorado e irrepetible de la cultura televisiva.

¿Y cómo ves el futuro del cómic en España?

Con todo, la situación del cómic autóctono con respecto a cuando yo era editor está mucho mejor ahora. Actualmente se ha abierto un abanico de editoriales y opciones de edición mucho mayores y publican un montón de autores de todos los sexos. Y curiosamente en España somos mucho más abiertos a nivel de temáticas de cómic que, por ejemplo, Estados Unidos, donde se les desmoronan los superhéroes y se hunde el 80% de su industria. Si te pones a mirar con lupa, el cómic independiente nunca dejó de ser minoritario en Estados Unidos, lo compran cuatro gatos en proporción -excepto el superfenómeno de ventas que ha supuesto ahora la autora Emil Ferris, además desde la sana reivindicación de la monstruosidad como alegato por la diferencia-, así que dentro de eso sí me parece que aquí el cómic está en un buen momento porque se edita mucho y hay mucha riqueza temática y estilística: sólo tenemos que resolver esa “pequeña cuestión” pendiente de que el autor de cómic pueda vivir de su obra para que no tenga por obligación que hacer las Américas en Marvel/DC o tomar la ruta franco-belga. O sea, que no volvamos simplemente a ser una buena cantera de mano de obra para industrias culturales ajenas, sino que podamos establecer el soporte económico que al autor le permita crear su obra personal (si eso es lo que desea, claro: cada artista decide cuál es su obra personal, que por descontado puede consistir en dibujar Superman toda la vida).

Mi lucha como editor en lo personal siempre ha sido que dejemos de ser mercenarios de la industria foránea. Porque yo siempre tuve claro, cuando nos criticaban por Kiss Comics, que las ventas de esa revista daban de comer a sus autores y además nos permitía que se publicara el Brut Comix, línea consagrada a autores minoritarios[4], tanto extranjeros como nacionales. No entiendo esa dicotomía entre alta y baja cultura, ese miedo a perder prestigio, que es un rasgo muy común de sociedades culturalmente clasistas y anquilosadas.

Como guionista, siempre has apostado por contenidos propios.

Nunca he intentado guionizar para Marvel, aunque sé que probablemente estuviera condenado al fracaso por lo impermeable que es la cultura estadounidense a cualquier contenido extranjero y por la estricta censura que aplican: siempre he preferido jugar con una mitología nacida de mi propia cultura, ya sea con la serie Carvalho adaptando las novelas de Vázquez Montalbán, ya sea con las Nuevas Hazañas Bélicas, con el universo de periferia barcelonesa que desarrollé junto a Manolo Carot en Kung Fu Kiyo o incluso con la parodia/homenaje de Julio Iglesias y la canción melódica que pergeñé junto a Juaco Vizuete en Julito el cantante cojito. Siempre he usado las herramientas narrativas o conceptuales de otras culturas mayoritarias y las he aplicado a mis historias, casi siempre muy locales y entresacadas de mi entorno, aunque sepa que de entrada partiré con desventaja comercial, porque viste más mirar a la temática estadounidense y realizar pseudoexplotations (ojo, de vez en cuando de esa amalgama salen resultados formidables y con sabor propio, como la serie televisiva Vis a vis). Pero creo que ahí, en el caldo de cultivo en el que creces y vives, es donde nace la obra verdadera, al menos en mi caso.

Sigo pensando, pese a todo, que en lo creativo y a nivel de cómic en España estamos en un momento superdulce. La prueba está en que hay decenas de autores que todavía tienen los ovarios de currarse una novela gráfica entera a cambio de una remuneración ridícula. Ojalá pronto puedan hacerlo pero cobrando el dinero que merecen.

Hay muchas más editoriales y muchos más canales abiertos para trabajar para mercados extranjeros. En los ‘80 no había autores españoles trabajando para Marvel o el mercado franco-belga, y ahora muchos se pueden colocar allí laboralmente, hasta el punto de que la mayoría se van directamente fuera y esperan a que sus obras publicadas en Francia o los USA vean sus derechos adquiridos por cualquier editorial española para que salga aquí de rebote, como si fueran autores originalmente franceses o yanquis. Aquí empieza a cambiar poco a poco la mentalidad, nuestro complejo hacia lo mercantil está por suerte mudando a una actitud menos talibana por parte de las generaciones jóvenes, y ya hay un sector de editores y autores que quieren abiertamente construir industria propia con el cómic (insisto: una industria óptima es aquella en la que el artista puede vivir de su obra y eso todavía no lo hemos logrado). Pero todavía subsiste también una especie de marxismo católico con la noción sectaria de que la industria es mala, un enfoque que llevamos en nuestro adn. Cuando comencé a finales de los ochenta a escribir algún guion para la revista Makoki, siempre oía que Bruguera era una puta mierda. Una fábrica de chorizos. Y ahora se considera la edad dorada del tebeo español. Siempre había ese menosprecio hacia lo mercantil, eran casi todos unos exquisitos desde el punto de vista teórico y opinaban que el cómic no se tenía que rebajar: asociaban sin matices la pureza artística al desapego comercial. De ahí que en nuestra cultura el intervencionismo estatal -y el desvío de fondos públicos, inherente a nuestra catadura real- sea una de nuestras características casi idiosincrásicas. Y por eso nuestra cultura actual respecto a la USA parece un poco mortecina: porque en muchos casos nace muerta.

La generación de autores anterior a la mía vivió muy bien. La generación de un buen puñado de grandes artistas como Carlos Giménez o Josep Maria Beà ganó mucho dinero trabajando para editoriales del primer mundo (Fleetway, Warren, etc.) con el visionario de Toutain, figura con su cuota de controversia, al timón. Creo, de hecho, que son los que más dinero ganaron. Pero aquí había arraigada una actitud antiindustrial y a mí me llamaban vendido porque pensaba que la cultura tenía que ser autónoma en base a sus ventas y no subsistir supeditada a una dependencia del poder público. Porque si nos basamos solo en cultura subvencionada, esa que está hecha para que el poder presuma de ella… Yo no quiero que el poder presuma de lo que hago ni que me dicte los contenidos que debo enfatizar a su servicio. Yo no quiero que el gobierno me pague las Nuevas Hazañas Bélicas porque me van a censurar todo. Quiero que invierta millones en la difusión de la cultura, pero no en su producción. Y, en eso, siempre he tratado de ser coherente.

Parece que nunca te has tomado muy en serio a ti mismo, ni siquiera como cineasta.

A mí no, pero a mi trabajo sí: he sacrificado toda mi vida personal por mi obra. Y claro que está bien que nos sepamos reír de nosotros mismos. Si llega el momento en el que la cultura por la que hemos luchado la sacralizamos hasta el punto de que no podemos reírnos un poco y mantener una actitud desenfadada, estaremos cayendo en lo mismo que cuando nos cabreábamos porque Ángel Fernández Santos pontificaba en sus críticas de cine que El imperio del sol era una pálida imitación de David Lean y La madre muerta era cine falso. Ahora tengo que aguantar a ochenta mil Fernández Santos de mi generación diciéndome que no hay cine como el de los 80… Mientras, el pueblo de verdad está viendo Sálvame, más cuatro exquisitos diciendo “¡Ay, Houellebecq! ¡Cómo mola el último de Houellebecq!”. Y si Houellebecq fuera español lo estarían corriendo a boinazos en todos los suplementos literarios, gritándole “¡Deja de hacerte pajas, idiota! ¡¡¡Y a ver si te lavas!!!”…

Por suerte, en el presente, la gente joven está disfrutando peliculones gracias a la hornada desprejuiciada que ha llegado siguiendo la senda de superdirectores como Maria Ripoll, Bayona o Collet-Serra: Fernándo González Molina, Oriol Paulo, Paco Plaza, Guillem Morales, Miguel Ángel Vivas… todos ellos, si no tenemos ya el alma embalsamada, nos compensan por las obras maestras que Juanma Bajo Ulloa nos dejó a deber después del hito de La madre muerta. Yo aún soy su devoto, aviso.

¿Qué opinas de los tiempos revueltos que se viven en nuestro país?

A nivel político, ahora mismo hay en España un remolino de cabreos que yo estoy flipando, vamos, y que se traduce en un recorte de libertades. Y en el aspecto cultural, sobre todo, se está imponiendo una antinaturalidad al enfocar los temas y contenidos. Lo natural, el desenfado, la relativización, son actitudes hoy prohibidas: la denuncia de la equidistancia no es más que la exigencia de una militancia ciega. Y ése es el inicio del autoritarismo y del mal rollo que degenera en conflicto y enfrentamientos, en un estallido masivo de pus.

Me alegro de no vivir en España. Políticamente todo se está volviendo a repetir, es verdad, en el sentido de que las fuerzas, al final, juegan a ser las mismas y el discurso ha variado muy poco, además. Hay un término medio, que aquí no existe, que es el liberalismo anglosajón, muy difícil de implementar en nuestro país, porque se sigue considerando que o eres de derechas o eres de izquierdas. O eres facha o eres rojo. Y de ahí la gente no quiere salir porque le resulta mucho más fácil proyectarse contra alguien que cuestionarse y evolucionar. Y el carácter español es muy de proyectarse contra alguien. Tu identidad inamovible es fuerte mientras tengas a alguien que consideres un hijo de puta y con el que aparentemente no compartas ningún punto de afinidad, para poder mantener un enfrentamiento ilusorio con él, un enfrentamiento que te garantice vender que estás del lado de los buenos. De ahí decía que los extremos se tocan y se merecen, porque en el fondo yo los veo a todos muy parecidos: actúan como creyentes con un fin absoluto. Y aun en democracia están en un bando para liquidar al otro, no para convencerlo. Ni para convivir. Eso sí, luego todos a fichar y a competir en ego dentro del Facebook. Por lo demás, en cine y cómic se están haciendo cosas fantásticas, apasionantes, tal vez porque los tiempos revueltos siempre producen buena cultura.

Tú también tuviste tu “recorte de libertades”.

Con mi libro de cuentos Todas putas hubo gente que me dejó de hablar, que me dijo que no me podía reír de ciertas cosas. Y me censuraban moralmente al afirmar que era reprochable lo que yo escribía. ¿No es fantástico, en pleno siglo XXI, recibir la reprobación de adultos serios, hechos y derechos? Me asombró la actitud puritana en los medios de unos cuantos “opinadores” profesionales que se creen legitimados a prohibir una obra de ficción. De los conservadores ya te lo esperas, pero de los otros… Si no estuvieran forrados de dinero gracias a sus sermones, me caerían todos mucho mejor, ja ja. En fin, yo creo que la gente ya percibe de qué corcho están hechos… Que me hayan excomulgado de su círculo fue en realidad un honor.

Tu paso por el cine español tampoco fue un camino de rosas.

¡Soy un pelele!, la única película que he dirigido, reveló una situación aún peor que mi intento de censura literario: fue como chocar contra la barrera de la delincuencia establecida. Con Todas putas hubo su escándalo y se me cerraron muchas puertas, muchísimas, pero lo del cine casi me dio más rabia, porque ahí sí había una mafia. He recibido correos de algún director famosete diciéndome que me callara la boca sobre la corrupción. Y me llevan los demonios cuando encima se le celebra como moderno y demócrata y sólo con escarbar un poco sabemos que es un mafioso: lo sabe todo el mundillo. Eso jode mucho porque responde a la ley del silencio y a un desentendimiento de la sociedad. ¿Qué se puede decir de nuestro panorama cultural cuando un veterano crítico de cine escribe un artículo hace tres años, en un diario nacional, afirmando que si el director de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha de ir a la cárcel, procesado como fue por fraude y corrupción, debería entonces ir preso todo el mundo en el cine español, y que cómo va a permitirse eso? El crítico estaba justificando que tantos profesionales fueran delincuentes en nuestro cine… ¡y a los medios de comunicación les parece bien!

Mi película no existe oficialmente. Sólo existe como película catalana rodada en catalán, lo cual es mentira. Çomo al parecer había recibido una fuerte subvención de la Generalitat como filme rodado en lengua catalana, a mí me exigió el productor que, cuando se estrenara en el Festival de Sitges, dijera a la prensa que estaba rodada en catalán pero muy bien doblada, tanto que parecía que se hubiera rodado en castellano (risas). Ése es el nivel… ¿Qué puedes pensar de un país así? Y que el Estado lo permita y que te llamen todos los responsables de las instituciones cinematográficas españolas diciéndote “¿Cómo te atreves a revelar esto?”. Y tener que aguantar encima a algún periodista cultural diciendo “este tipo, el Migoya, lo único que busca es darse publicidad”. Periodistas que han estado alojados en festivales y comiendo a dos carrillos con todos los gastos pagados con dinero público… ¡Cómo tenéis la vergüenza de minimizar eso!

Hernán Migoya (centro) con Jordi Ordóñez y los hermanos Calatrava. “La productora organizó un falso pase de prensa para hacerme creer que la iban a publicitar, ¡y no avisó a ningún periodista! Sólo acudieron Jordi Costa, Fausto Fernández y Luis Martínez, porque les avisé yo personalmente”. Foto: D. Sinova

Tú ya tenías experiencia en el cine español, pero en el sector festivales.

Trabajé cuatro años como miembro del comité de selección en el Festival de Cine Fantástico de Sitges y en la dirección de Brigadoon: cuando Ángel Sala entró como director, el festival era poco menos que una aldea gala de resistencia tenaz en pro de los géneros de terror y fantasía; y, aunque al principio criticaban a Ángel por el tono más expansivo que insufló al festival, Sitges se ha consolidado hace ya años como una referencia internacional indiscutible. Y todo es gracias a Ángel Sala y su equipo: él se negó a venderse a las instituciones y transformar el festival en un escaparate de buenrrollismo esclerótico. Mantuvo el marchamo de festival de fantasía y horror, un caso único y admirable cuando lo fácil hubiera sido venderse y chupar del bote público, y dedicarse a programar películas buenistas.

También me encanta cómo se ha continuado la sección de Brigadoon: Diego López la ha dimensionado mucho más. Yo lo hice lo más dignamente que pude, pero creo que Diego López le ha dado una categoría mítica a Brigadoon.

¿Qué opinas del nacimiento de tantas pequeñas editoriales de género?

Lo de la eclosión de pequeñas editoriales es un fenómeno inevitable, como cuando todo el mundo comenzó a rodar con video, es lo mismo en el fondo. Y por entonces también la gente se quejaba diciendo que “ahora todo el mundo se cree que es director”, pero eso son rasgos puristas y yo no soy purista ni prejuicioso. Si algo no me interesa no lo compro o no lo leo, pero prefiero que esté a que no esté. Hace poco circulaba en las redes un artículo muy celebrado en el que se denunciaba que hoy todo el mundo se creía que era escritor y que no, que para serlo hacía falta algo “especial”… ¡No hace falta nada! Para ser escritor hace falta escribir y ya está. En todos los humanos está esa semilla.

Y cuando empiezas a mirar a todos los escritores, al menos a los que yo admiro -que no son precisamente de los que reciben medallitas en vida-, casi todos llevaron una existencia de puta pena, y en muchos casos los consideraban una mierda en sus tiempos. Robert E. Howard murió a los 30 años y lo que escribía era tachado de subliteratura. Igual que Daphne du Maurier en los años 40-50 o Stephen King en los 80, o como le sigue pasando a Alberto Vázquez-Figueroa, que para más inri nació aquí. Pienso en todos los autores sin domesticar que yo leía de niño: José Mallorquí, Patricia Highsmith, Jim Thomson, Maurice Leblanc, James Hadley Chase, Agatha Christie, Gaston Leroux, Mickey Spillane, Giorgio Scerbanenco… ¿Te los imaginas escribiendo una columna de opinión y vendiéndose como ciudadanos ejemplares? Son escritores indómitos, como debe ser. Cuando llegué al mundo literario, me quedé perplejo ante la cantidad de autores que conciben sus columnas de prensa como hojas parroquiales, como un púlpito desde el que proyectar una imagen intachable, soltando discursos moralistas y cívicos para obtener una cuota de influencia y poder que revierta en ventas de sus libros. No soporto a los escritores que opinan como curas.

Además, me gusta la literatura basada en la imaginación, y por desgracia procedemos de una tradición cultural acomplejada que desprecia la imaginación y obliga a intelectualizar la ficción para poder considerarla digna. Yo no encajo en esa manera de pensar. A mí dame autores sin domesticar, que los demás se repartan su anhelado prestigio.

Para terminar, haz una valoración de tu trayectoria hasta ahora.

Yo entré en la industria con El Víbora con 20 añitos y a mí me fue muy bien. No es que ganara mucho dinero pero sí seguridad. Si hubiera querido podría haber seguido con contrato fijo en La Cúpula toda la vida, pero presenté mi dimisión tras siete años, en 1998, porque tenía una depresión brutal por no poder dedicarme sólo a escribir ficción, que era lo que quería. En el impás puse el dinero ahorrado para editar a fondo perdido el fanzine cultural Ojalatemueras que codirigía Rubén Lardín, me llamaron del Festival Erótico y también me metí en el de Sitges. Y bueno, me iban pagando bien y eso podía compaginarlo mejor con el tema de la escritura. Mi única condición desde 1998 para entrar a trabajar con empresas ha sido que no me hagan contrato: así luchaba contra la tentación de quedarme apalancado en ellas. En eso, mi espíritu es muy libertario y respeto la precariedad de la vida, no trato de saber ni controlar dónde voy a estar dentro de diez años.

Por medio me pilló el trolebús de Todas putas y no supe gestionar bien esa súbita fama que podría haber adquirido. No supe demostrar una actitud más cínica o más confiada, me acojoné vivo y me cerré totalmente a la proyección pública. Ya cuando me atreví a volver, lo siguiente que escribí, Observamos cómo cae Octavio, fue tan distinto que no tuvo pegada y ha sido con el tiempo cuando de repente la gente me comienza a considerar como autor, con una obra desplegada en muchos frentes.

A decir verdad, no estoy obsesionado con el fantasma de Todas putas, su espectro no me persigue: yo escribo muy libre y tranquilo a ese respecto. Si me entra una crisis, leo las duras represalias que padecieron autores que sí son admirables, como Milan Kundera o D.H. Lawrence, y se me pasa la tontería… Gracias a mi amor por fabular he sacado más de veinte obras desde entonces. Para mucha gente ahora seré el de Nuevas Hazañas Bélicas, para otros el de los cómics de Carvalho, o el de la novela que sacaré el año que viene con Reservoir Books. Y veo que las nuevas generaciones me tratan mucho mejor, algo que agradezco infinito.

Hace unas semanas ha salido a la venta ‘La soledad del mánager’, segunda adaptación a cómic que Seguí y yo hemos realizado de los casos del detective Pepe Carvalho. La novela original es mi favorita de la primera etapa que escribió Manuel Vázquez Montalbán. El género negro fue mi primer amor y en esta saga de cómic trato de reflejar no sólo mi pasión por el insuperable Montalbán policíaco, sino también por sus enormes coetáneos Andreu Martín, Juan Madrid, Pérez Merinero… Intento tomarme el guion y mi storyboard de ‘Carvalho’ como si filmara un polar barcelonés. Pienso en la tranquilidad aparente y la tensión interna de un Melville, un Verneuil, un Becker, esa naturalidad rellena de pulso. Imagino cómo lo harían ellos y me pongo manos a la obra. Encima, es un lujazo poder trabajar junto a un talento artístico para el dibujo, la plasmación de ambientes y la narración visual con la categoría de Bartolomé Seguí. Nuestro ‘Carvalho’ es puro noir cañí.

Yo con poder escribir en la soledad absoluta de mi casa en Lima y que suene en el ordenata un instrumental de Francis Lai o de Bruno Nicolai o de cualquier compositor cuyo apellido acabe en “lai”, ya estoy contento. Con menos se construye un edén.

Gracias.

[1] The Outlaw Josey Wales (Clint Eastwood, 1976)

[2] They Died with their Boots On (Raoul Walsh, 1941)

[3] Con Hernán Migoya en el guión y Bartolomé Seguí en el dibujo, Norma ha comenzado a editar una colección de álbumes de cómic basados en el popular detective de Vázquez Montalbán. Por el momento se ha publicado Tatuaje, con gran éxito de crítica y público.

[4] M. A. Martín, Peter Bagge, Chester Brown, Daniel Clowes, Thomas Ott, entre otros.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de diciembre *

11 diciembre 2015 Deja un comentario

LA NOVIA (Paula Ortiz, 2015)

España / Alemania. Duración: 95 min. Guión: Javier García, Paula Ortiz (Obra: Federico García Lorca) Música: Shigeru Umebayashi Fotografía: Migue Amoedo Productora: Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española) Género: Drama romántico.

Reparto: Inma Cuesta, Asier Etxeandía, Álex García, Manuela Vellés, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, Carlos Álvarez Novoa, Luisa Gavasa.

Sinopsis: Desde pequeños, Leonardo (Álex García), el novio (Asier Etxeandia) y la novia (Inma Cuesta), han formado un triángulo inseparable. Sin embargo, las cosas se han complicado mucho últimamente: el novio y la novia se van a casar, pero entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que una amistad. La tensión entre ambos cada vez es mayor, como un hilo invisible que no pueden explicar, pero tampoco romper.

novierBodas de sangre y de nuevo Lorca  en esta ocasión tratado de una forma excesivamente esteticista. La directora se recrea tanto en los planos que uno se siente expulsado de la narración. Con un inicio que recuerda a un western mediterráneo, no carece de buenos momentos, pero la preocupación de la directora por la plasticidad de las escenas juega en contra del filme, en especial porque tampoco olvida recurrir a la cámara lenta (ese recurso tan peligroso). El desierto de los Monegros y sus localizaciones en ruinas; la mezcla de vehículos y vestuario de toda época para dar atemporalidad a la historia; la cálida fotografía de interiores; y las bonitas tomas en un lugar tan mágico como Cappadoccia (Turkía), no consiguen que quien esto les cuenta entre en la historia. Y cuando lo hace, es expulsado a golpe de plano e incluso por algún molesto momento video-clip.

Los actores y actrices están todo lo bien que pueden, destacando la protagonista, Inma Cuesta (fantástica en ‘Tres bodas de más’ de Javier Ruiz Caldera) y Leticia Dolera, con un papel diferente al registro al cual nos tiene acostumbrados. La pobre Manuela Vellés consigue pasar casi desapercibida. Sin olvidar a María Alfonsa Rosso y Luisa Gavasa, dos veteranas impecables siempre en su labor.

UN PASEO POR EL BOSQUE (A Walk in the Woods, Ken Kwapis, 2015) 

USA. Duración: 104 min. Guión: Michael Arndt, Bill Holderman (Libro: Bill Bryson)Música: Nathan Larson Fotografía: John Bailey Productora: Route One Films / Surefire Entertainment Capital / Wildwood Enterprise Género: Comedia

Reparto: Robert Redford, Emma Thompson, Kristen Schaal, Nick Nolte, Mary Steenburgen, Nick Offerman, Sandra Ellis Lafferty, Derek Krantz, Linds Edwards, Andrew Vogel, Hayley Lovitt, John Kap, Walter Hendrix III, R. Keith Harris, Alex Van

un_paseo_por_el_bosque-cartel-6512Sinopsis: Tras pasar dos décadas en Inglaterra, Bill Bryson (Robert Redford) regresa a los Estados Unidos con el fin de emprender la gran aventura de su vida: escalar el sendero de los Apalaches y sus más de 3.500 kilómetros de longitud, atravesando algunos de los paisajes más bellos del continente. Aunque para ello tenga que alejarse de su familia y de Catherine (Emma Thompson), su esposa. En este viaje contará con la ayuda de su viejo amigo Stephen Katz (Nick Nolte) quien, después de toda una vida confiando en su ingenio para escabullirse de sus deudas, es el único loco dispuesto a acompañarle en su espectacular viaje. El problema es que los dos tienen una definición muy distinta de la palabra “aventura”… Adaptación de las memorias de Bryson, un conocido escritor de libros de viajes.

Definida acertadamente como una versión geriátrica de Alma salvaje (Wild, Jean-Marc Valleé, 2014), Un paseo por el bosque es eso, un respetuoso y agradable paseo por el monte con dos entrañables actores que, por desgracia, no ofrecen muy buena química conjunta, aunque por separado gane Nolte por goleada a un Redford un tanto frío. La cinta nos cuenta la necesidad que tienen ambos hombres de marcarse un reto con el que sentirse vivos y luchar contra lo ineludible; loable, pero el resultado es un tanto superficial y tópico. Agradable de ver, es muy posible que guste al espectador medio.

 

SITGES TOUR A CONTRACORRIENTE:

TURBO KID/ THE SALVATION / LA PRÓXIMA VEZ APUNTARÉ AL CORAZÓN/ BLOOD SUCKINGBASTARDS

Al igual que se hizo el año anterior, A contracorriente, con la colaboración del Festival de Sitges, ofrece cuatro de los títulos proyectados durante el certamen, que se ofrecerán por tiempo limitado en varias salas españolas. En esta ocasión puede decirse que el nivel de las cintas escogidas es alto y muy heterogéneo. Un menú variado para todos los paladares.

TURBO KID (François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel)

MV5BMTY1NjkwNDQ0NF5BMl5BanBnXkFtZTgwMTkyOTE2NjE@__V1_SX640_SY720_Canadá. Duración:89 min. Guión: Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos Fotografía: Jean-Philippe Bernier Productora: EMA Films / Timpson Films Género: Ciencia ficción.

Reparto:Munro Chambers, Laurence Leboeuf, Michael Ironside, Edwin Wright, Aaron Jeffery, Romano Orzari, Orphée Ladouceur, Steeve Léonard, Yves Corbeil

En 1997 la humanidad ha sufrido un apocalipsis y los supervivientes luchan por conseguir agua, un bien escaso. Un adolescente, solitario y amante de los cómics books de Turbo Ryder, revuelve entre los escombros y la basura para encontrar algún objeto que canjear en el mercado negro a cambio del precioso líquido. Este es el punto de partida de esta coproducción entre Canadá y Nueva Zelanda que pretende (y consigue) tener la apariencia de haber sido rodada en los años ochenta, premisa totalmente conseguida ofreciendo una estética retro en la que tienen cabida cintas de cassette, cubos de rubick, VHS y vestuario delirante, además de unos efectos gore premeditadamente burdos y un argumento naif regado con una banda sonora a base de sintetizadores. Villanos de cuchufleta entre los que destacan Zeus, un enorme Michael Ironside, y Edwin Wright como su secuaz Skeletron.

Basada en el corto ‘T’ is for Turbo de los canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel, en principio se rodó para formar parte de la antología A,B,C of Death , ahora sus responsables han decidido alargar hasta los 93 minutos sin que por ello resulte pesada. Muy al contrario, se trata de un filme delicioso, entretenido y totalmente disfrutable que consigue su premisa de transportarnos a la edad de oro de los video-clubs.

BLOODSUCKING BASTARDS (Brian James O’Connell)

USA. Duración: 86 min. Guión: Ryan Mitts Música: Anton Sanko Fotografía: Matt Mosher Productora: Fortress Features / MTY Productions Género: Comedia terrorífica.

BLOODSUCKING-BASTARDS_Keyart_One_Sheet_watermarked-695x1024Reparto: Fran Kranz, Pedro Pascal, Emma Fitzpatrick, Joel Murray, Yvette Yates, Joey Kern, Patricia Rae, Parvesh Cheena, Zabeth Russell, Neil W. Garguilo, Kyran Danaher, Marshall Givens, Justin Ware, Sean Cowhig

Sinopsis: Evan es un empleado obediente y sobrecargado de trabajo, atrapado en una empresa que le explota, al igual que a su novia Amanda y a su holgazán mejor amigo Tim. El frágil mundo de Evan termina de desmoronarse cuando su jefe, Ted, le concede su ansiado ascenso a su némesis en la empresa, Max. Pero todo eso no será nada comparado con el secreto que está a punto de descubrir y que pondrá su vida y la de sus compañeros en peligro. Y es que la empresa de tele-marketing contrata a un vampiro para que vampirice a sus trabajadores y así tener una plantilla perfecta: sin quejas, sin horarios, sin bajas, sin cobrar… vamos, el sueño de la patronal española. Si bien la premisa que se nos propone en Bloodsuking Bastards resulta atractiva, la verdad es que el resultado dista de ser interesante: como comedia no tiene maldita gracia y como película de terror menos. Lástima.

THE SALVATION (Kristian Levring, 2014)

Dinamarca. Duración: 92 min. Guión: Anders Thomas Jensen, Kristian Levring Música: Kasper Winding Fotografía: Jens Schlosser Productora: Zentropa Productions Género: Western.

Reparto: Mads Mikkelsen, Eva Green, Jeffrey Dean Morgan, Michael Raymond-James, Sivan Raphaely, Douglas Henshall, Mikael Persbrandt, Jonathan Pryce, Eric Cantona, Alexander Arnold, Nanna Øland Fabricius, Toke Lars Bjarke

Sinopsis: Estados Unidos. 1870. Al matar al hombre que asesinó a toda su familia, John despierta la furia del cabecilla Delarue.

i9veequQue el western es un género universal debería estar más que claro, pero uno no puede evitar sentir cierta extrañeza cuando se topa ante uno proveniente de Dinamarca. ¡Pues craso error! The Salvation realiza una convincente recreación del salvaje oeste en Sudáfrica y además cuenta con un reparto tan heterogéneo como eficaz compuesto por Mads Mikkelsen, actor de afilado rostro que igual interpreta al villano en un filme de Bond que al mismísimo Aníbal Lecter en la exitosa serie televisiva. De Eva Green, que interpreta con la mirada por ser mudo su personaje,  no echaremos nada en falta su voz cuando veamos sus enormes y bellos ojos verdes encendidos de furia. Jeffrey Dean Morgan (al que podemos recordar como el Comediante de los Watchmen) resulta totalmente convincente en su papel de villano sin escrúpulos, mientras que el británico Jonathan Pryce  (que también fue villano de Bond y cuyo papel más recordado es el de protagonista de Brazil), es un sosia del mismísimo Walter Brennan.

La película, que se presentó en los festivales de Cannes, Sitges y Gijón, tiene un ritmo absolvente y un tono violento, duro y tenso que hará disfrutar tanto a los que añoran el western clásico americano, como los incondicionales de Sergio Leone.  Ah, y por una vez no estamos ante un western crepuscular.

LA PRÓXIMA VEZ APUNTARÉ AL CORAZÓN (La prochaine fois je viserai le coeur, Cédric Anger, 2014)

Francia. Duración: 111 min. Guión: Cédric Anger (Novela: Yvan Stefanovitch)Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Thomas Hardmeier Productora: Sunrise Films / Les Productions du Trésor / Mars Films Género: Thriller

laproximavezapuntarealcorazonposter70x100_grandeReparto: Guillaume Canet, Ana Girardot, Jean-Yves Berteloot, Patrick Azam, Arnaud Henriet, Douglas Attal, Pierick Tournier, Alexandre Carrière, François-Dominique Blin, Franck Andrieux, Arthur Dujardin, Alice de Lencquesaing, Cédric Le Maoût

Sinopsis: Durante varios meses entre 1978 y 1979, los habitantes de una tranquila comarca de la perifería de París vivieron aterrorizados por culpa de un maníaco que se dedicaba a asesinar muchachas. Sorprendentemente, el asesino escapa con suma facilidad de las redadas y las trampas que le tiende la policía.

Un frío asesino en serie que a la vez investiga sus propios crímenes, pues pertenece al cuerpo de gendarmes de París. Distante, carente de emociones, el director nos muestra las acciones y parte de sus motivaciones, pero evita entrar totalmente en la psique del personaje o en los motivos que le llevan a la necesidad de matar a mujeres jóvenes. Muy bien interpretada por Guillaume Canet (nominado al Premio César como Mejor Actor), la cinta, de la que es el protagonista absoluto, logró más de 500.000 espectadores en su estreno en  Francia.

Un notable film que se acerca a la figura del asesino en serie de forma realista y huyendo de las truculencias con las que suele abordarlo el cine norteamericano.

 

EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Il racconto dei racconti, Matteo Garrone, 2015)

Italia / Francia. Duración: 125 min. Guión: Matteo Garrone, Edoardo Albinati, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso (Libro: Giambattista Basile) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Peter Suschitzky Productora: Archimede / Le Pacte Género: Drama fantástico.

Reparto: Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones, John C. Reilly, Alba Rohrwacher, Bebe Cave, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Stacy Martin, Jessie Cave

El_cuento_de_los_cuentos-657037591-largeTras su paso por el Festival Internacional de Cine de Cannes y el  Festival de Cine Europeo de Sevilla, la película de Matteo Garrone, llega a nuestras pantallas. Inspirada en los famosos relatos cortos del escritor del siglo XVII, Giambattista Basile, editados en España por SIRUELA bajo el título de PENTAMERON, El cuento de los cuentos  es una fascinante epopeya cinematográfica ambientada en el Barroco que narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas. Desde la amarga búsqueda de la Reina de Longtrellis (Salma Hayek) que renuncia a la vida de su marido (John C. Reilly) por su obsesión por la maternidad; a dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del Rey de Strongcliff (Vincent Cassel); y de ahí al Rey de Highhills  (Toby Jones), obsesionado con una pulga gigante, lo que le lleva a romper el corazón de su joven hija. Todas estas historias mezclan lo fabuloso con lo grotesco creando una obra asombrosa y absolutamente original repleta de monstruos, conjuros, ogros y encantamientos, todo con una belleza cromática de inequívoca inspiración pictórica y una partitura exquisita de Alexandre Desplat al servicio de unas historias en las que cabe el humor y el horror, la magia y la picaresca, en una cuidada producción que no evita mostrar la crueldad de los cuentos clásicos.

 

 

Una nueva y loca propuesta: B-Retina, Festival de Cine de Serie-B de Cornellà.

Festival de sèrie B de Cornellà de Llobregat

Siempre hay que celebrar el nacimiento de un nuevo festival de cine, y más si este promete ser divertido y loco como parece va a ser el B-Retina, Festival de cine de Serie B de Cornellà. Veamos en que consistirá y que objetivos persigue.  
El festival B-Retina quiere ser un escaparate para el cine de Serie B. Un cine aparentemente minoritario, que no cuenta con una plataforma de difusión actualmente y que por tanto, no llega a todos los públicos. Podríamos decir que, el Festival B -Retina tiene como principales objetivos- Potenciar el cine de serie B
– Apoyar, dar visibilidad y facilitar el acceso a nuevos talentos
– Crear sinergias entre las diferentes vertientes de la autoría de género: literatura, fanzines, webzines, cómics, cine, etc. Mediante diferentes secciones (concurso de cortos, proyección de largos, mesas redondas, Masterclass…)
Esta es la programación completa de este primer B-Retina:
Viernes 10 de julio de 2015
Horario de tarde
16:00h – Apertura de puertas
16:30h – Presentación Festival
17:00h – Carnívoros +Info
18:30h – Brutal Relax +Info & Fist of Jesus +Info (cortometrajes)
19:30h – Megamuerte +Info
21:30h – Hard Definition +Info
22:45h – Decapoda Shock (cortometraje) +Info + Mutantes en la Universidad V.O.S.E. +Info
00:30h – Sorpresa final
Sábado 11 de julio de 2015
Horario de mañana (entrada libre)

10:00h – Presentación actividades.
Inauguración del B-Retina Market (de 10 a 21h)
10:30h – Mesa redonda de Fanmovies: Star Wars vs. Star Trek
12:30h – Masterclass: “Sangre Bajo la Bandera del Sol Naciente” del professor Raúl Ruiz Serna.

16:00h – Opertura de puertas Auditori
16:30h – Karate a Muerte en Torremolinos +Info
18:00h – Mutants Go Home +Info & Amazing Mask +Info & Mutant Dick
19:45h – Concurso Cortos B-Retina (proyección de finalistas y entrega de premios)
22:15h – El Vengador Tóxico V.O.S.E. +Info
23:45h – Dünyayi Kurtaran Adam (Star Wars Turkish) V.O.S.E. +Info
01:00h – Finalización del Festival

 DETALLES PELÍCULAS Y CORTOMETRAJES

Carnívoros

Año: 2013
Duración: 60 min.
País: España
Director: Manolito Motosierra
Guión: Manolito Motosierra
Música: David Prats
Fotografía: Kiko Navarro, Dani Mesado
Reparto: Pedro García Oliva, Manuel Rodriguez, Marino-Onil, José Luís Tolosa, Hilario Blas, Mayama Lía, Raúl Darío Gandoy, Alister Bonmati, Lola Pascual, Yolanda Berenguer
Productora: Fantastika
Género: Terror | Serie B
Sinopsis: Manolito Motosierra es toda una institución en la nueva serie B patria y esta “Carnívoros” no decepcionará a sus fans.
El grupo heavy Las Pollas del Metal se encuentra en plena gira cuando su furgoneta sufre un pinchazo, abandonándolos en una aldea remota donde se celebra el día del Santo Patrón.
Trailer:

Brutal Relax

Año: 2010
Duración: 15 min.
País: España
Director: Adrián Cardona, Rafa Dengrá, David Muñoz
Guión: David Muñoz
Fotografía: Rafa Dengrá
Reparto: José María Angorrilla, Pep Sais, Mayka Dengrá
Género: Terror | Gore. Cortometraje
Sinopsis: El señor Olivares ya está recuperado, pero ahora necesita unas vacaciones. Ir a un lugar paradisíaco, donde pueda relajarse y disfrutar alegremente. Reestrenado en 3D en Sitges 2011.
Trailer:

Fist of Jesus

Año: 2012
Duración: 15 min.
País: España
Director: Adrián Cardona, David Muñoz
Guión: David Muñóz
Música: J. Oskura Najera
Fotografía: Paco Ferrari
Reparto: Marc Velasco, Noé Blancafort, Salvador Llós
Productora: Eskoria Films
Género: Acción. Comedia | Religión. Gore. Zombis. Cortometraje. Serie B
Sinopsis: El cortometraje de Adrián Cardona y David Muñoz ha pasado por diferentes festivales y ha ganado 76 premios en total.
Jesús siempre está dispuesto a echar una mano a los necesitados, pero hay otros… que van a probar su puño.
Trailer:

MegamuerteAño: 2014
Duración: 90 min.
País: España España
Director: J. Oskura Nájera
Guión: Sergi Galán, J. Oskura Nájera
Música: J. Oskura Nájera
Fotografía: Paco Ferrari, Sergi Galán
Reparto: Víctor Castellà, Roger Morilla, Juanma Rueda Gallo
Productora: La Oscura Ceremonia
Género: Comedia. Terror | Comedia de terror
Sinopsis: Invocaciones demoníacas y heavy metal, la mezcla perfecta removida por J. Oskura Najera en “Megamuerte”. Los demonios del rock`n`roll van a completar un ritual que abrirá las puertas del Infierno. Dani y sus amigos tendrán que detener a estas horribles criaturas enfrentándose a sus propios ídolos: La banda de heavy metal MegaMuerte.
Trailer:

Hard Definition

Sinopsis: Los autores de HD, Hard Definition, siempre han creído que el miedo da más miedo cuando se muestra en estado puro. Cómo dicen Coco i Willy (así se hacen llamar los directores), el porno casero los pone mucho más que las grandes producciones porque es real y de verdad. Y esto se nota, afirman. Eso es lo que buscan estos jóvenes autores con una·película que les va a costar lo que cuesta un destornillador del chino, un arpón, un martillo, dos billetes de tren y un par de pasamontañas.

Terror casero, terror de verdad. Grabar el miedo a tiempo real sin cortes ni gritos falsos. Coco y Willy dicen que será una de las mejores·películas de género de la historia, en parte gracias a su escaso presupuesto y a un personaje que aún no han desvelado..

Decapoda Shock

Año: 2011
Duración: 9 min.
País: España
Director: Javier Chillón
Guión: Javier Chillón, Luis Fuentes
Música: Cirilo Fernández
Fotografía: Luis Fuentes
Reparto: Federico Martín, Benito Sagredo
Productora: Misterio
Género: Ciencia ficción | Cortometraje
Sinopsis: Un astronauta regresa a la Tierra tras un fatal incidente en un lejano planeta. Cuando descubre que ha sido víctima de una siniestra conspiración, emprende una venganza contra los responsables de la desaparición de su familia.
Trailer:

Mutantes en la Universidad

Año: 1986
Duración: 84 min.
País: Estados Unidos Estados Unidos
Director: Lloyd Kaufman, Michael Herz, Richard W. Haines
Guión: Mark Rudnitsky, Lloyd Kaufman, Richard W. Haines, Stuart Strutin
Música: Ethan Hurt, Michael Latlanzi
Fotografía: Michael Mayers
Reparto: Gil Brenton, Janelle Brady, Robert Prichard, Chrissy Gilbert, Dianna Flaherty, Pat Ryan, James Nugent Vernon, Brad Dunker, Gary Schneider, Anthony Ventola, Mary Taylor, Reuben Guss, Elizabeth Lambert, Ronald E. Giles, Frank Cole
Productora: Troma Entertainment
Género: Comedia. Terror. Ciencia ficción | Monstruos. Comedia de terror. Serie B
Sinopsis: Una planta nuclear vierte unos desechos tóxicos en la ciudad de Nueva Jersey, cerca de una escuela provocando que dos estudiantes se conviertan en monstruos mutantes.

Karate a Muerte en Torremolinos

Año: 2003
Duración: 79 min.
País: España
Director: Pedro Temboury
Guión: Pedro Temboury, Pablo Álvarez Almagro
Música: Jorge Muñoz Cobo
Fotografía: Fulgencia Martínez
Reparto: Curro Cruz, Jess Franco, Sonia Okomo, Paul Lapidus, Julio San Juan, Juanma Lara, Carol Salvador, Lucio Romero, Manuel Romo, Angie Barea, Pedro Temboury, Jordi Costa
Productora: Telespan 2000 / Nueva Producciones
Género: Comedia. Terror. Acción | Serie B. Película de culto. Artes marciales. Monstruos. Zombis. Comedia de terror. Gore
Sinopsis: Torremolinos, año 2000. La que parece una de las ciudades más ociosas del mundo está a punto de sumergirse en una ola de terror. El malévolo Dr. Malvedades llega a la ciudad para resucitar a cuatro karatecas que murieron ahogados en la la bahía de Málaga cuando ejercían como asesinos a sueldo durante la II Guerra Mundial. Con la ayuda de los zombies, secuestrará a cinco adolescentes recién desvirgadas, a quienes utilizará para despertar al monstruo Jocántaro, engendro mitad centollo mitad pulpo que dormita en algún lugar de la costa, y conseguir dominar el mundo.
Trailer:

Mutants go home

Año: 2003
Duración: 21 min.
País: España
Director: Dani Moreno
Guión: Dani Moreno
Música: Jairo Moreno
Fotografía: Javie Ábalo
Reparto: Chema Ponze, Edu Garcia, Alaska, Maite Buenafuente
Productora: Chaparra entretinment
Género: Serie B
Sinopsis:Cuenta la leyenda que Sara Clockwork, gran virtuosa terminista, desapareció en mitad de una actuación en un gran teatro de Nueva York en 1928. Se dice que fue “abducida por marcianos”. En 1986 el joven Fran, haciendo uso de sus precoces facultades como científico, fabrica un Theremin. Con él pretende comunicarse con Sara Clockwork, su amor platónico. Lo que empezó como un simple juego desemboca en extraños sucesos que llevan a Fran a creer que verdaderamente el Theremin tiene el poder de atraer a los marcianos.
Trailer:

Amazing Mask

Año: 2011
Duración: 30 min.
País: España
Director: Dani Moreno
Guión: Dani Moreno, David Muñoz
Música: Jairo Moreno
Fotografía: Xavi García
Reparto: David Abellán, Marc Velasc, Dani Moreno, Dunia Montenegro, Miguel Angel Ripeu, Manuela Velasco, Txema Lorente, Miquel Bordoy
Productora: Chaparra Entertainment
Género: Acción. Comedia. Fantástico | Wrestling/Lucha libre. Mediometraje
Sinopsis: Mediometraje que rinde homenaje a la lucha libre mexicana y al cine fantástico. El protagonista es Amazing Mask, un luchador atormentado por su pasado y en contínua lucha con su archinemigo: el Dr. Calavera Maligna.
Trailer:

El Vengador Toxico

Año: 1984
Duración: 79 min.
País: Estados Unidos
Director: Michael Herz, Lloyd Kaufman
Guión: Joe Ritter
Música: Mark Hoffman, Dean Summers
Fotografía: Lloyd Kaufman
Reparto: Andree Maranda, Mitchell Cohen, Jennifer Baptist, Cindy Manion, Robert Prichard, Gary Schneider, Mark Torgi
Productora: Troma Films
Género: Terror | Gore. Serie B. Película de culto. Comedia de terror
Sinopsis: Melvin, el limpiador de un gimnasio de la pequeña localidad de Tromaville, cae en una cuba radioactiva cuando huye de una pandilla de jóvenes. Las radiaciones le convertirán en un monstruoso mutante con superpoderes, los cuales usará para liberar del mal a la ciudad…
Trailer:

Dünyayi Kurt Adam (Star Wars Turca)

Año: 1982
Duración: 91 min.
País: Turquía
Director: Çetin Inanç
Guión: Cüneyt Arkin
Fotografía: Çetin Gürtop
Reparto: Cüneyt Arkin, Aytekin Akkaya, Füsun Uçar, Hüseyin Peyda, Necla Fide, Mehmet Ugur, Kadir Kök, Aydin Haberdar, Yadigar Ejder, Hikmet Tasdemir
Productora: Anit Film
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Star Wars. Película de culto. Serie B. Mockbuster
Sinopsis: Dos guerreros espaciales caen en un extraño planeta (muy parecido a nuestra Tierra), en el que se erigen como paladines de una civilización que es amenazada por un temible hechicero. Película turca famosa por plagiar descaradamente secuencias del cine de Hollywood, concretamente Star Wars, película de la que roba secuencias completas y las introduce en el metraje. Considerada de culto a día de hoy, ha alcanzado tanto éxito que tuvo una secuela en 2006, si bien ésta apenas fue aceptada por los seguidores de la original.
Trailer:

 


 Más información: http://bretina.cat


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Programación ‘Cortos con K’ 2014

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Ya llega la segunda edición de Cortos con K, Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico KlownsAsesinos.com. Una intensa edición compuesta del mejor cine breve a nivel nacional, con retrospectivas en corto e interesantes propuestas como el largometraje coral Los Inocentes. Un evento que concluirá con la entrega de Premios y una charla con los cortometrajistas y los miembros del jurado.
El festival (totalmente gratuito) se dividirá en dos jornadas, la del viernes 27 y la del sábado 28 de junio. El viernes se proyectará una extensa muestra de cortos recientes fuera de concurso, enmarcadas entre dos veteranas obras iniciáticas y bien diferentes de Nacho Cerdà (The Awakening -1990) y Santiago Segura (Evilio, 1992). Tras esta tanda de cortos, se pasará el largometraje Los inocentes (22 h.) rodado por doce alumnos de la ESCAC y que se presentó durante la última edición del Festival de Sitges. El sábado, a partir de las 17 horas será el momento de visionar en tres tandas los 20 cortos finalistas de esta edición de Cortos con K, entre los cuales se proyectarán más obras retrospectivas de directores de la talla de Koldo Serra, Paco Plaza o Fede Álvarez, evento que culminará a las 23,15 horas con la entrega de premios y una charla posterior con los directores y los miembros del jurado.
Dos atractivas jornadas para disfrutar de pequeñas pero grandes historias de las que tienes más detalles en estos enlaces:
 
 
 
 
 

Queremos ver La Casa Muda en pantalla grande

10 febrero 2010 Deja un comentario

Si tuviera que decir cuál ha sido el mayor adelanto de las últimas cuatro décadas, no vacilaría ni un instante: sin duda, Internet. Y no es que no hayan habido otros progresos científicos y tecnológicos igual de importantes, pero es que la clave para la supervivencia, desde que aparecieron los primeros microorganismos unicelulares, ha sido la información acompañada de la comunicación cuando la perpetuación de la vida optó por la vía sexual.  Tanto la información como la comunicación han visto su máximo desarrollo hasta el momento gracias a la red.  Gracias a Internet llegamos a conocer lo que nunca habríamos soñado: ¿cómo habríamos podido saber si no de las interesantes propuestas de terror que se nos ofrecen desde Uruguay?

Internet nos ha permitido informarnos sobre La Casa Muda y comunicarnos con su productor, Gustavo Rojo, sin salir de nuestro estudio: La red está siendo la gran aliada de “La casa muda”. Hemos logrado despertar el interés de muchísimas personas con el teaser tráiler y una mínima información a lo largo y ancho del planeta, y todo gracias a internet. Sabíamos que iba a resultar intrigante para el espectador, pero nunca imaginamos la repercusión que ha tenido y los diferentes lugares que han informado acerca del film. Muchísimos países de América incluido Estados Unidos, España, Dinamarca, Francia, Inglaterra, Italia, Polonia, Rusia, Japón, por nombrarte los países más importantes que han hablado de “La casa muda”. ¡Es realmente increíble! Gracias a internet muchísimas distribuidoras importantes se fijaron en nosotros, que hubiese sido imposible llegar de otra forma. También nos sucedió algo parecido con los festivales. Hemos recibido invitación de festivales en los cuales creíamos que iba a ser muy difícil ingresar.

Gustavo Rojo es un reputado productor de la televisión uruguaya cofundador de Contenidos TV al lado de Fernando Laureiro y Conrado Polvarini, juntos se han enfrentado a los problemas de hacerse un lugar en la televisión, es difícil, sobre todo por el bajo costo con el que se cuenta. Eso te lleva a tener que buscar un camino más original para poder producir;la televisión uruguaya es un complemento de los programas argentinos. La mayoría de los éxitos televisivos provienen de Argentina, ya que ellos cuentan con un presupuesto absolutamente superior al que nosotros contamos, y por lo tanto les permite realizar grandes shows y ficción sin ningún tipo de problemas. Entre sus trabajos destacan Cámara testigo, Fuera de Foco, Ciudad Oculta y,  sobre todo, VidasOrgulloso me siento de todas las producciones que hemos realizado. Junto con mis dos socios en Contenidos TV (mi productora de televisión), Fernando Laureiro y Conrado Polvarini, hemos recorrido un largo camino de programas exitosos a nivel local. En estos seis años hemos ganados importantes premios a nivel local, y sobre todo la fidelidad de la audiencia y de los sponsor. Logramos imponer la marca “Contenidos” en un país donde es difícil imponer una empresa de comunicación. Si tengo que destacar alguno en particular seria el docu-reality llamado “Vidas”, ya que logró un hito en nuestra televisión como lo fue ingresar al catálogo latino de la cadena Turner, algo que me llena de orgullo, sin dudas. Esperando repetir el éxito de Vidas la productora se halla inmersa en el proyecto de una serie de ficción titulada  Adicciones como su nombre lo indica, será un ciclo unitario que en cada capítulo, hasta un total de 13,  abordará una historia vinculada a determinada adicción, pero sin dudas que el gran proyecto para el 2010 es dar el salto al exterior. El ejemplo de “Vidas” es un aliciente para intentar que Contenidos TV pueda internacionalizarse. Pero son más los proyectos ahora que su acción se ha extendido al cine: A nivel cinematográfico “La casa muda” me quita la mitad del año, ya que estamos planeando una estrategia de festivales para lograr sacarle el mejor rédito al film. También estamos trabajando junto a Gustavo Hernández en un proyecto bastante parecido a “La casa muda”, pero intentaremos lograr un film más real, más crudo. La Casa Muda no ha salido del laboratorio de Contenidos TV, sin embargo, sino de Tokio FilmsTokio nació con la doble necesidad, por un lado yo junto a mis socios de Contenidos TV teníamos la necesidad de crear un departamento publicitario ya que basado en el éxito como productores televisivos comenzaban a aparecer diferentes posibilidades de hacer publicidad. Y por otro lado, Gustavo Hernández ya tenía una vasta carrera como director de diferentes productoras del Uruguay y quería comenzar un camino propio. Se juntaron ambas necesidades y nació Tokio Films.

Y Tokio Films ya se ha hecho con un lugar en el mundo de la publicidad con videoclips  como Las decimas de la banda La Trampa:

O Un Frasco de La Vela Puerca:

Justo es que ahora les llegue el éxito en el cine sobre todo por haberse atrevido a debutar con un proyecto arriesgadamente vanguardista: Hay quien cree que es mejor estar establecido para comenzar a experimentar. Yo creo que hay que hacer lo que a uno le haga feliz, mas allá del momento en donde se encuentra. Nosotros decidimos experimentar olvidándonos de que era nuestra primer película, simplemente lo hicimos por el placer de filmar. De lo contrario, no hubiese sido placentera.

Desde aquí brindamos nuestro modesto apoyo a La Casa Muda que se nos anuncia con este prometedor teaser trailer:

Una cinta de terror innovadora que nos llega desde una país en el que apenas hay tradición en el género. Aquí en Uruguay no hay tradición de hacer cine de género, básicamente las películas que se producen se ubican dentro del llamado “Cine latinoamericano”con todo lo que ello conlleva. Los pocos intentos que ha habido han sido de manera demasiada amateur. El caso de Federico Álvarez es un caso muy particular. Hay personas que tienen la suerte de estar en el momento justo y en lugar indicado.  Pues un poco de eso creo que le paso. Sin dudas que el corto es maravilloso y cuenta con efectos increíbles, pero he visto resultados tan o más imponentes que el de “Ataque de pánico” y no pasó nada. Sin embargo, es algo sumamente positivo lo ocurrido, ya que ubicó a Uruguay en el mapa cinematográfico mundial por primera vez, y no es poca cosa. Gustavo Rojo se confiesa fanático del género desde su adolescencia, recuerdo con mucho cariño películas como la saga de Friday the 13th, o “A Nightmare On Elm Street”,  u otras menos conocidas como “Slaughter High” o “Children of the corn”. Por esos años los videoclubes manejaban el formato VHS, y recuerdo haber visto todas las películas que se encontraban en las góndolas del género terror. Luego, con el tiempo dejé el terror de un lado para centrarme en otro tipo de cine, mas de autor. Pero en los últimos años, retomé las películas del género (sobre todo del cine asiático), y sin proponérmelo volví a consumir mucho terror.  En estos momentos estoy fascinado con el terror francés,   con la corriente denominada Nouvelle Horreur Vague, que maneja una nueva escala de terror, dejando de lado lo sobrenatural, o los locos con motosierras y máscaras, para transitar por un miedo más perverso y actual: el del intruso. Su película ha tenido un coste de producción de aproximadamente 6000 dólares y está basada en hechos reales acontecidos en la década de los 40.  En el año 1944 en el poblado de Godoy, cercano a Montevideo, se hallaron en un caserón solitario los cuerpos de dos hombres atrozmente mutilados.  El caso no fue resuelto y aumenta su misterio la presencia de varias fotografías , tomadas con una Polaroid, junto a los cadáveres. La prensa se hizo eco de la noticia y con el tiempo derivó en leyenda urbana de transmisión oral. Mas allá de mi afición con el cine de terror, también soy una persona que le gusta mucho escuchar cuentos sobre sucesos extraños, y más si se desarrollaron en Uruguay. Esa pasión es compartida con Gustavo Hernández (director), y en más de una ocasión hemos pasado horas compartiendo diferentes relatos del estilo. En una de esas oportunidades, recuerdo que me contó la historia en la cual basamos la película. No se me ocurrió a mi solo, se nos ocurrió a los dos. Yo hacía tiempo que le insistía a Gustavo que teníamos que hacer una película de terror. Lo conozco desde hace años, y sabía que podíamos hacer algo sumamente interesante, ya que él cuenta con un talento innato que no había sido explotado en un largometraje. Y el terror permite, por encima del resto de los géneros, experimentar, y con ese argumento traté de convencerlo para que su debut sea con un film de terror. A él siempre le gustó esa historia, y a partir de ese momento nos sentamos a escribirla.

Una doble afición está detrás de esta incursión en el terror, pero también las ganas de experimentar de su director, Gustavo Hernández,

Pedro Luque, director de Fotografía y Gustavo Hernández, director

como nos informa su productor: Yo soy fanático del género y Hernández quería experimental. Y que mejor genero para experimentar que el del terror. Gustavo Hernández es egresado de la Escuela de Cine del Uruguay en el año 2002 como Realizador Cinematográfico. Se distingue por un ágil manejo narrativo y visual, destacando una sutil elaboración de los personajes en el campo actoral. Dirigió una decenas de cortometrajes, que fueron premiados en distintos festivales del mundo por sus síntesis narrativa y el empleo del humor (La Carta, Informes, El Corazón Delator, etc). Declaraba recientemente al blog Tengo Boca y no puedo gritar sobre el rodaje: Fueron cuatro días de rodajes muy intensos, donde cada uno de nosotros pasó por distintas emociones, desde la frustración a la alegría. La idea del plano secuencia surge por lo limitado del presupuesto (6.000 dólares americanos). Un amigo del fotógrafo tenía esa cámara y la prestaba para el rodaje. Entonces empezamos a estudiar sus tributos y los resultados fueron sorprendentes. Todo un hallazgo que nos simplificó el trabajo, ya que por las dimensiones de la cámara se podía mover fácilmente de un lugar al otro. Nos daba mucha libertad y su sensibilidad nos hacía gastar mucho menos dinero en luces. La película fue fotografiada por Pedro Luque con dos faroles y unos pocos tubos de luz, logrando un look fantástico. Así nos cuenta una de las innovaciones que nos hace tener deseos de ver la película y analizar sus resultados: está integramente rodada con una cámara de fotos (Canon EOS 5D MarkII) con capacidad para grabar en HD a 30 fotogramas/segundo lo que la convierte en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo, en grabarse con este método. Ni que decir tiene que con este recurso se abaratan los costes y abre un camino que pueden recorrer los jóvenes realizadores, pudiendo así redundar en un aumento de la producción con la consecuente repercusión sobre los aficionados al género.  Por otra parte el uso de una cámara fotográfica es el que ha permitido consumar el viejo sueño de Hitchcock, que en La Soga (Rope, 1948) trató de narrar la historia en un sólo plano, esa es la mayor apuesta de Hernández: ha construido La Casa Muda con un sólo plano secuencia de 78 minutos, siendo la primera vez que esta estrategia se usa en una película de terror.

Lo que hace atractiva La Casa Muda es esta identidad absoluta entre el tiempo de acción y el tiempo de proyección cosa que implica que las imágenes estén en presente única y exclusivamente. El presente, en opinión de Deleuze  (La Imagen tiempo, Paidós Comunicación, Barcelona, 1987), es el tiempo de la imagen cinematógrafica, pero la coincidencia entre acción y proyección logra que ese presente sea también el de los espectadores.  El pánico que va experimentando el personaje es el que en tiempo real experimenta el público. Rodar en un solo plano sin cortes exige un exhaustivo trabajo de planificación previa de la secuencia y se convierte en todo un reto interpretativo, pocos actores podrán ser capaces de sostener su interpretación durante tanto tiempo en una toma (en los cuatro días que duró el rodaje se rodaron hasta 14 tomas) de ahí que el trabajo de casting fuera especialmente importante: Fue un proceso difícil, en el cual tuve muchas dudas, pero me dejé llevar por la intuición de Gustavo Hernández, y la verdad es que no se equivocó. Florencia Colucci (la protagonista) hace un trabajo magnifico en el film, al igual que Gustavo Alonso y Abel Tripaldi, que son excelente profesionales, y lo demostraron en el rodaje. Florencia Colucci confesaba en una entrevista  haber llegado a sentir miedo de verdad y refería la anécdota de que ese mismo miedo acabó afectando a algunos miembros del equipo quienes no se atrevían a subir solos al primer piso del que, se supone en la ficción,  procede la amenaza.  La Casa Muda pues no es una cinta más sobre el viejo tópico de la casa encantada, es un thriller de terror piscológico que va a ser compartido en todo momento por el espectador en el propio tiempo vital que pase en la sala, es un rizar el rizo del concepto de catarsis y comunión con la obra contemplada.

Queremos ver La Casa Muda en pantalla grande, ya lo anunciamos en el título y pensamos que una buena manera de lograrlo es usar la red como amplificador del antiguo boca a boca, si los señores de Dreamwork lo inventaron y nos lo hiciero tragar para Paranormal Activity, ¿por qué no orquestar uno de verdad aprovechando la fuerza que a todos los usuarios nos da la Web 2.0? Así nos alienta Gustavo RojoAntes quiero agradecer a la infinidad de blogs y websites que ya han confiado en nosotros, como vosotros. Sin todos ustedes todo esto que nos está sucediendo hubiese sido imposible. Y nos pusieron en tamaña responsabilidad!! Sobre todo decirles que “La casa muda” es una nueva experiencia cinematográfica, Intentamos que el espectador comparta los sentimientos de la protagonista y logre sentir el mismo miedo al mismo tiempo. MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, después no digan que no se lo advertimos!!



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