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Serendipia’s Sitges Film Festival. Cuarta cápsula

30 octubre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: El buitre sobrevolaba burlón sobre los cuerpos de nuestros protagonistas celebrando su victoria. Pero…

LUNES 12 DE OCTUBRE

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Se trataba de comenzar la semana con energía, así que qué mejor que empezar con la polémica (es absurdo, pero el sexo siempre lo es) Love de Gaspar Noé, cinta que nos cuenta gráficamente la historia de amor entre Murphy (Karl Glusman), un estudiante de cine, y  Electra (Aomi Muyock), una pintora, relación que termina en traición y tragedia, cuando Omi (Klara Kristin) tercera ficha del tablero, queda embarazada de Murphy.  En un momento como el actual en el que casi todas las películas comerciales prescinden de enseñar los cuerpos desnudos de sus actores, incluso en las escenas sexuales, Love demuestra ser más sincera con el espectador, mostrando la pasión que produce el enamoramiento, su culmen y, finalmente, su fin. Amor, traición, desamor y bajada a los infiernos sin recurrir al fundido en negro en las escenas más tórridas, dando la oportunidad al espectador de penetrar en la alcoba con los protagonistas y ser partícipe de los actos sexuales, recibiendo incluso una prolongada eyaculación en 3D. Con todo el cariño de Noé.

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La cinta, como no podía ser de otra manera, vuelve a poner al día el eterno conflicto de qué es pornografía y qué no lo es. Donde están los límites y hasta donde se puede llegar. Otros directores antes de Noé ya habían flirteado con el cine pornográfico, caso de los hermanos Baños en la época muda  o Jaime Chavarri en los noventa; o habían incluido imágenes explícitas dentro de cine -más o menos- comercial, como en el caso de Los idiotas (Idioterne, Lars von Trier, 1998) o Fóllame (Baise-moi, Virginie Despertes y Coralie, 2000). Pero aún así siempre sorprende, y llama al escándalo, cualquier iniciativa en este sentido.

En la película del argentino también hay humor, poco, ya que estamos ante un drama, pero sardónico. Con gags a costa del propio director y del público, al que, señalando con el índice en impecable 3D, se permite insultar llamándolo hijo de puta. Y claro, no olvidemos la abundante descarga seminal que regala al espectador. Una escena no por esperada menos impactante. Y ya se sabe, estas cosas como que nos hacen mucha gracia, con toda la sala celebrando el chaparrón. Hay que decir, eso sí, que el 3D de Noé no es demasiado admirable ya que, quitando los dos momentos mencionados (más el viaje de ayahuasca que los protagonistas se regalan), poco partido se le saca.

Y no crean, contra todo pronóstico la película de Noé no resulta pedante (la escasa tesis intelectual que esconde es bastante simple e incluso es puesta en boca de los personajes por si nos hubiéramos perdido), y los espectadores, superada la sorpresa inicial (el director empieza fuerte) nos acostumbramos pronto a las escenas sexuales (casi todas rodadas en larguísimo plano fijo), incluidos los momentos estelares en 3D. Y es que el escándalo está en el que mira, pues las imágenes, tal y como las muestra Noé, no ofenden. Y más si están arropadas con una banda sonora heterogénea que incluye fragmentos pertenecientes a Pink Floyd, Erik Satie o Bach, entre otros. Tan heterogénea como los carteles cinematográficos que decoran la habitación de Murphy (Saló, Freaks, Daughter of Horror, Holocausto Caníbal, Taxi Driver, una imagen de la actriz Laura Gemser…).

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¿El resultado?: bastante más que un porno sin opción a pasar las escenas aburridas con fast forward. Ganas de epatar al espectador todavía le quedan a Gaspar Noé, pero el respetable ya está bastante curtido, y lejos de ello se convierte en cómplice, ya que en los foros donde el filme es proyectado, el espectador sabe bien lo que va a ver (motivo que daría pie a un extenso debate sobre qué es la provocación en el arte, cuál es su sentido en pleno S XXI donde todo puede ser rápidamente fagocitado y domesticado por un sistema globalizado e hípercomunicado, debate que excedería el espacio de este artículo, pero que no queríamos dejar de enunciar)

Eso no quita que l’Auditori tuviera una erección generalizada delatada por el silencio con el que el público seguía la cinta, un silencio tan solo roto por un cretino que se reía con todos los diálogos. Aunque, ¿quién sabe? quizás el risueño fuera el propio Noé, que quiso estar presente en la sala durante la proyección de su cinta.

Una de las muchas cosas buenas que tiene el cine, y por extensión el  festival de Sitges, es la variedad. Así que al espectador cinéfago, como es el caso de Serendipia, no  le resulta difícil disfrutar a continuación con una cinta totalmente diferente a la que acaba de meterse entre cornea y cogote. Sí, amigos, la magia del cine. Y así disfrutamos casi sin pausa con  Miss Hokusai, deliciosa película de animación del japonés Keiichi Hara que adapta el manga de culto de Hinako Sugiura sobre el artista Hokusai, pero poniendo la atención en la hija del pintor, O-Ei, que parece demostrarnos en toda época los creadores, los artistas y los músicos,  han representado al sector más bohemio y trasgresor de la sociedad. El más rebelde. Por ello la banda sonora está compuesta de música rock, que contrasta pero a la vez marida también a la perfección con la historia que se está contando, perteneciente al Japón decimonónico en plena Revolución Meiji. Con fondos muy elaborados y un dibujo que consigue recrear las obras de Hokusai en particular y de las pinturas japonesas clásicas en general (incluidos los grabados ukiyo-e de Utamaro). En cuanto a la animación, destaca la simulación de elegantes ‘movimientos de cámara’ que contrastan con la rigidez facial característica del anime japonés.

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Una magnífica película de animación para adultos que Selecta Visión pondrá a nuestra disposición en el mercado español.

Y de nuevo al Tramuntana para ver la última vuelta de tuerca (disculpen el chascarrillo) al mito de Frankenstein, con dirección de Bernard Rose, realizador inglés que ya nos ofreció prestigiosas cintas como La casa de papel (Paperhouse, 1988) o Candyman (1992). Nos ocasionaba cierto temor, para que engañarnos, pues la simpática creación de Mary Shelley es una de las debilidades de Serendipia. Pero aún así apostamos por esta puesta a punto del personaje para la que Rose ha recurrido al original literario, demostrando que el mito del moderno Prometeo está más en boga que nunca. El director, que acudió al festival por primera vez, no basa su criatura en frankenstein-postercadáveres remendados y opta por la creación mediante tecnología 3D (la criatura se imprime literalmente). Y Rose partirá de la tecnología actual no tan solo para la creación de Adam (nombre que recibe la criatura en el filme), sino también para el pasaje en el cual la criatura localiza a su creador, ya que lo hará mediante un GPS. Más aún que la creación de un ser, a Bernard Rose lo que le atrae de la novela  es  la creación de una conciencia, enfatizando la tragedia del diferente, que rechazado por la sociedad pero poseyendo ya su propia conciencia, determina terminar con su existencia y organizar su propio funeral, respetando así el original literario.  Un final que satisface al director, pues siente aversión por los finales felices. Y es que, tal y como aseguró “Me gustan las películas de terror porque puedo matar a todos los personajes al final”.

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Bernard Rose presentando su criatura (Foto: Serendipia)

Al actor escogido por el director para encarnar la creación del gélido Dr. Frankenstein (Danny Huston ), el australiano Xavier Samuel, poseedor de un físico agraciado y escultural, tal y como quería Rose, no se le pidió que recitara para acceder a su papel, no hacía falta, la prueba consistió en que representara, de la forma más fiel posible, la escena en la que, abandonado en el bosque, sobrevive alimentándose de insectos. El actor lo interpretó tan fielmente que devoró realmente cuanto insecto encontró. Y todo porque  su actuación debía simular a la de un actor de cine mudo. De hecho Bernard Rose comentó que hasta en la planificación se inspiró en el arte silente, concretamente en la del filme La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d’Arc, 1928) de Dreyer. Secundando al protagonista tenemos varios rostros ilustres, como el de  Carrie-Anne Moss (protagonista de la saga Matrix), el del ya nombrado Danny Huston y el de Tony Todd, actor que encarnó a Candyman también para Rose.

Narrada desde el punto de vista de Adam, y no exenta de algunas pinceladas de humor socarrón y mucho gore, esta ingeniosa y sangrienta adaptación recorre los momentos cumbre de la novela (y de sus adaptaciones cinematográficas anteriores), pero ofreciendo ingeniosos giros, como el de caracterizar al ciego que enseñará a hablar y ofrecerá sentimientos positivos  a la criatura como un bluesman homeless de color. O el giro que se ofrece en el encuentro del monstruo con la niña. Su descubrimiento de la inocencia y la belleza. Todo marcará la personalidad de Adam, que  al igual que en la novela, rechazado por la sociedad y consciente de que no puede inspirar amor, decidirá inspirar miedo.

No es, pues, una readaptación despreciable del mitema ya que consigue aproximarlo a los grandes interrogantes y temores de nuestro propio presente sin dejar de lado sus rasgos más icónicos. Si hubiera que encontrarle algún pero, este sería el carácter que se le imprime a la esposa del creador, si bien es encomiable que le dé un mayor protagonismo y la ponga en pie de igualdad con los personajes masculinos, su actitud maternal con Adam chirría con el espíritu del tratamiento de Mary W. Shelley. La romántica proyectó todo su drama personal en su obra, así la criatura es máscara de ella misma y Víctor lo es de su propio padre, un padre que nunca le dio el menor afecto ni el menor reconocimiento. La soledad del monstruo shelleyniano es aún mayor que la de esta criatura puesta al día. Pero en cualquier caso es un pecado menor que no empaña sus aciertos. Eso sí, si no lo digo reviento, para la dimensión femenina de Serendipia, ninguna adaptación ha logrado penetrar el sentido último de la obra y su filiación romántica como la española Remando al Viento, una pieza a reivindicar siempre.

cine para Otoño - Remando al viento - Frankenstein - El troblogdita - El fancine

Como ven una velada de lo más variada y ajustada que completamos con Maggie, Bound to Vengeance y German Angst, que ya comentamos en la entrada de rigor.

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Categorías:Festival de Sitges

Serendipia’s Sitges Film Festival. Tercera cápsula

29 octubre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: Los brazos mecánicos del Dr. Octopus presionaban a nuestros héroes amenazando con no dejarlos respirar. Mientras tanto…

DOMINGO 11 DE OCTUBRE

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Un nuevo amanecer sobre Sitges y una nueva ocasión de ver un buen puñado de películas en una jornada que pretende ser más tranquila que las dos anteriores, de ahí el seleccionar menos títulos a visionar. La curiosidad nos mueve a ver Baskin, cinta turca basada en un corto de su director, Can Evrenol, proyectando en su momento en el festival, con la que este debuta en el largometraje ofreciendo una propuesta visceral, sucia y, como no podía ser de otra manera, exótica, en el panorama fantástico. Cercana en los momentos más terroríficos a las razas de noche y la iconografía Cenobita de Clive Barker, tras un inicio que muestra la influencia de Tarantino y su gusto por los extensos diálogos de una cotidianidad casi exagerada de puro hiperrealismo. En el prólogo se nos presenta a los personajes principales, unos policías que, precisamente, no serían los mejores representantes de la ley y, sin solución de continuidad, a partir de ese arranque casi costumbrista, el director nos adentrará en un sucio submundo de pesadilla repleto de sangre y horror, en el que la banda sonora tendrá capital importancia a la  hora de transmitir la desazón en el espectador. No en vano un fragmento de la música que compuso Riz Ortolani para Holocausto Caníbal es utilizada por Evrenol para resaltar uno de los momentos más viscerales y sangrientos del film. Una interesante película que nos agradaría volver a revisar, ya que la decadente riqueza de sus imágenes hizo que nos perdiéramos entre los pliegos de su guión y su trama espiral como un enlace de Moebius.

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Tras una pausa para saludar y entrevistar a la fantástica actriz Rosanna Yanni, figura destacada del cine de terror español y radiante premio Nosferatu 2015, prosigue nuestra cita cinéfaga con otra cinta de Sion Sono. Love & Peace demuestra fehacientemente la versatilidad del director japonés, que puede pasar de un oscuro y nihilista registro como el que nos mostró en Guilty of Romance (2011), al surrealismo espiritual de Tag (2015), y de ahí a la fábula moral que es, en toda regla, Love & Peace. Y todo ello sin despeinarse. Escrita hace veinte años, la película nos cuenta la historia de amistad entre un solitario nerd y la tortuga Pikadon en el marco de un Japón que pone en la Olimpiada de 2020 la esperanza de solucionar todos sus problemas (¿les suena?). Canciones, Kaiju Eiga (que también homenajeará el otro japonés presente en Sitges) y exceso de metraje, todo forma parte del encanto del universo particular de Sion Sono, un creador único.

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Y llega el momento de uno de los filmes más esperado para una de las partes de Serendipia.

“La célebre actriz Anna Fritz ha fallecido, dejando un cadáver tan joven y bello que cuando tres amigos se cuelan en la morgue para contemplar el cuerpo inerte, no podrán resistir la tentación de traspasar los límites de la moral”.

Con un punto de partida tan sórdido, lo que se traduce por valiente si hablamos de una producción española, no podíamos más que mantener cierta escéptica cautela  ante esta RESEM901poster-anna-fritzcinta. Pero El cadáver de Anna Fritz no nos defraudó: resulta sorprendente, oscura e innovadora dentro del yermo panorama nacional. Si bien al principio la historia parece que no vaya a dar mucho de sí, gracias a un ingenioso giro de guión logra cautivar el interés del espectador, al que no soltará hasta su desenlace. Trasgresora, dentro de un orden, para los estándares del cine de terror (e incluso del cine a secas) español, El cadáver de Anna Fritz resulta sorprendente y fresca. Y más si hablamos de una ópera prima con la que su director, el mallorquín Héctor Hernández Vicens, parece haberse tomado la revancha tras haber sido jefe de guionistas de Los Lunnis.

Un impecable trabajo, basado en un hecho real, que demuestra que no hacen falta grandes presupuestos, ni escenarios suntuosos para filmar una buena historia. Rodada entre el Hospital Oncológico de Bellvitge y  una morgue recreada en plató, la película tiene un buen ritmo y no da tregua al espectador, al que no se le ahorran escenas escabrosas, aunque mostrándolas de forma decorosa (mucho juego da el fuera de campo). Si bien la historia podría haber dado pié a un final más oscuro, la valentía demostrada por el director al llevar adelante esta historia nos parece la suficiente como para permitirle la catarsis aristotélica de su happy end.

Los actores y el director contentos por el recibimiento del público de El cadáver de Anna Fritz (Foto: Serendipia)

Los actores y el director contentos por el recibimiento del público de El cadáver de Anna Fritz (Foto: Serendipia)

Feliz, satisfecho, Serendipia puede tomarse un rato de asueto. Si así puede llamarse a ir a la presentación de las últimas novedades que Tyrannosaurus Books, una de nuestras editoriales de cabecera, había preparado con los ojos puestos en el Festival de Sitges. Y es que Tyrannosaurus presentó DIEZ referencias. Vamos pues a repasarlas:

9788494444210-Los dos libros editados por el Festival de Sitges, Seven, los pecados de David Fincher, escrito por varias ilustres plumas coordinadas por Desirée de Fez y Taboada, edición española muy limitada del tomo editado por el festival Mórbido de México centrado en la obra del director y especialmente a su tetralogía terrorífica, se presentaron por separado del resto de las novedades de Tyrannosaurus.

-Más tarde y en la misma sesión se presentaron las siguientes referencias: cuatro libros de cine, cuatro: Peter Jackson, celestiales y monstruosas, un estudio a la vida y obra del casi denostado director australiano realizado a seis manos por Sergi Grau, Joan Renter Ranz y Álvaro San Martín; Lucio Fulci, autopsia de un cineasta, de Javier Pueyo , del que ya les hablamos en detalle aquí; ¿A quién vas a llamar? De Tracy el gorila a Peter Venkman. La historia de los Cazafantasmas, monumental obra dedicada a la saga escrita por  Octavio López Sanjuán; y Todo lo que siempre quise saber sobre cine lo aprendí de El Vengador Tóxico adaptación española del libro de Lloyd Kaufman, pope de la desquiciada Troma. Un viaje por el más descacharrante cine independiente.

Javi Pueyo, autor de Lucio Fulci, autopsia de un cineasta y los tres responsables de Tyrannosaurus Books (Foto: Serendipia)

Javi Pueyo, autor de Lucio Fulci, autopsia de un cineasta y los tres responsables de Tyrannosaurus Books (Foto: Serendipia)

Y además: Un libro infantil/juvenil, un cómic y un DVD: El misterio del profesor Elphistone, un delicioso cuento de Luis Guallar ilustrado por Aina Albi; el cómic de ciencia ficción apocalíptica  Broadway. Mundo de mierda de Mike Ratera; y su cuarta referencia en DVD, Sonno Profondo del argentino Luciano Onetti que recupera la estética del giallo italiano.

– Finalmente en otra jornada, también se efectuó la presentación del primer libro que han editado conjuntamente con el festival Nits de Cinema Oriental de Vic, Wild, Wild, East. Del curry western al soja western, escrito por el especialista Domingo López con la colaboración de otros desalmados y del que tanto les hemos hablado ya en esta, su página amiga.

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José Miguel Rodríguez de Tyrannosaurus Books junto a los hermanos Onetti presentando Sonno Profondo (Foto: Serendipia)

Como vemos aprovecharon muy bien el tiempo del que disponían, ya que con pocas excepciones, para todas las presentaciones contaron con la presencia de los autores.

Port_of_Call-753130808-largeY tras este intervalo literario tocaba una nueva cola en la sala Tramuntana para Port of Call, cinta del hongkonés Philip Yung que, de lo que aparentemente es una sórdida historia extraída de la crónica negra, consigue ofrecernos una película melancólica,  incluso bella. Les aseguramos que la historia de una solitario transportista que estrangula y descuartiza a una prostituta menor de edad puede ser narrada con extrema sensibilidad. Y es que un acto violento puede ser, realmente, un acto de amor, y eso lo sabía perfectamente Horace McCoy cuando publicó en 1935  ¿Acaso no se les dispara también a los caballos? (They Shoot Horses, Don´t They), que fue llevada al cine por Sidney Pollack en 1969 y estrenada en España como Danzad, danzad, malditos, película con la que Port Of Call guarda semejanzas: en ambos casos nos encontramos con una historia de perdedores destrozados por el sistema que encuentran su única salida a través del asesinato. Un asesinato cometido por conmiseración, imprecado por la propia víctima, y con tintes sacrificiales. Yung en su película, como Pollack en la suya, sabe transmitirnos la desolación de esos personajes y su historia dejándonos con un sentimiento de extrañeza y piedad.

De The Boy  y Vulcania ya les hablamos puntualmente aquí.

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Categorías:Festival de Sitges

Serendipia’s Sitges Film Festival. Segunda cápsula

27 octubre 2015 Deja un comentario
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En el capítulo anterior: El brazo del hombre de arena había tomado forma de martillo pilón y amenazaba con aplastar a nuestros héroes.

SÁBADO 10 DE OCTUBRE

De buena mañana nos esperaba en el Prado el bueno de Takeshi Kitano con su última barrabasada: Ryuzo and His Seven Henchmen, cinta con tintes crepusculares en la que una familia de yakuzas ya ancianos se une de nuevo para bajar los humos de los jóvenes gangters del barrio. Humor, ironía e incluso cierta nostalgia hacia la ética y la tradición old school de los viejos mafiosos. Tatuajes rituales y el chándal como seña de identidad universal del inframundo en lo que no deja de ser una pataleta generacional de un Kitano que, como puede verse en el papel que realiza en su película, ya está bastante mayor. Aunque eso no signifique que haya perdido su mala leche. Ni muchísimo menos. Con una modélica interpretación de Tatsuya Fuji, protagonista de la cinta de culto El imperio de los sentidos (Ai no Korrida, Nagisa Ôshima, 1976), que a sus 74 años se mantiene en envidiable forma física.

Me Me Lai en el esplendor de su carrera.

Me Me Lai en el esplendor de su carrera.

Así, de inmejorable manera, iniciamos nuestra segunda jornada en el festival. Y a partir de ahí todo fue a más. Tras una breve visita (programación obliga) al Brigadoom para saludar a Me Me Lai, protagonista de algunas de las mejores cintas de ese subgénero tan en boga en los ochenta como fue el cine de caníbales, en el que dejo honda huella protagonizando dos cintas de Umberto Lenzi: El país del sexo salvaje (Il paese del sesso selvaggio, 1972) y Comidos vivos (Mangiati vivi!, 1980) y una para Ruggero Deodato, Mundo caníbal, mundo salvaje (Ultimo mondo cannibale, 1977). Tras ese inciso, cambio de cine para ver la nueva propuesta de Ely Roth, director que parece haber tomado querencia al festival (o el festival por él) y que en esta ocasión estuvo más accesible y amable

Keanu, si te sirve de consuelo, yo también las hubiera dejado entrar...

Keanu, si te sirve de consuelo, yo también las hubiera dejado entrar…

con el público. Knock Knock, de nuevo con su inseparable Nicolás López en producción y guión, es un remake de Death Game (Peter Traynor, 1977), película protagonizada por Colleen Camp y Sondra Locke, productoras asimismo de la cinta de Roth, que nos cuenta el suplicio por el que atravesará su protagonista (Keanu Reeves), un modélico padre de familia, cuando abra la puerta a dos sexis jovencitas en un tormentoso día en el que, además, su familia está ausente. Pasará lo que se pueden suponer y mucho más, ya que estas dos apetecibles teenagers están interpretadas por la exuberante Ana de Armas y por Lorenza Izzo, esposa del director. Entretenida, cargada de mala baba (mainstream, no se asusten, que el director de Hostel no se ha vuelto profundo) y con un Keanu Reeves desatado, el filme, que distribuirá en España Inopia Films, resultó algo más convincente que otras propuestas anteriores del director. Por cierto, conviene indicar que Death Game también tuvo una inconfesa ‘spanish version’ en 1980, Viciosas al desnudo, que dirigió Manuel Esteva y en el que trío protagonista estaba, muy bien interpretado, por Jack Taylor, Adriana Vega y Eva Lyberten.

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Tras una nueva carrerilla, nueva película, The Face of an Angel, en la que su director, Michael Winterbottom, recurre a la ficción para contar una realidad. O, de otro modo, cuenta, mediante una realidad ficcionada, un crimen, el de la joven Meredith Kercher , que conmocionó a Europa. Y lo hace precisamente denunciando la explotación que la peor prensa, la más sarnosa, interesada tan solo en el poder mediático de sus objetivos, hizo del caso. Para ello utiliza nombres ficticios pero no la localización, Siena, lugar real donde se produjo el crimen y que nos muestra repleto de belleza, pero también de sombras, contando con Daniel BrühlKate Beckinsale y una sorprendentemente convincente Cara Delevingne como protagonistas. Winterbottom, riza el rizo al utilizar el recurso al cine dentro del cine para relatar su ficción, Daniel Brühl es una especie de sosias del director y la trama que protagoniza no habla sólo del suceso real sino además (y casi sobre todo) de la película deseada: aquella que no sucumbe a las exigencias de las productoras (tan pirañas como la prensa denunciada) y que trata de hablar del crimen sólo en segundo plano haciendo hincapié en la belleza de la inocencia de la joven víctima; una inocencia que la haría equiparable a la Beatriz de Dante (el filme dentro del filme habría de asemejarse a la Divina Comedia del Florentino). Y es que   The face of an Angel también es un filme sobre el fin de la juventud, de la felicidad, del amor, que elige para ello hablar de la muerte temprana como perpetuación de una juventud idealizada que nos servirá de guía hacia la madurez. Porque, como dice uno de los personajes del filme, para conocer la vida y desarrollarnos en ella hay que mirar a la muerte a la cara. Un buen título que distribuirá próximamente en nuestras pantallas La Aventura Audiovisual.

Tras desalojar la sala para volver a hacer cola y entrar en la misma sala, llegó The Invitation, una de las sorpresas del festival. Una reunión de viejos amigos en una casa como único escenario son los ingredientes con los que su directora narra una intriga tan bien construida que se permite jugar con el espectador. Sabemos que algo sxsw2015theinvitationextraño flota en el ambiente, pero al igual que los comensales, no sabemos explicar el qué ni el porqué. Desde su inicio seremos cómplices de uno de los invitados, Will (Logan Marshall-Green), ex pareja de la organizadora del evento, Eden (Tammy Blanchard), así que compartiremos su punto de vista cuando, ya desde su llegada, perciba el extraño ambiente que se respira en esa reunión en la que la normalidad está teñida de irrealidad. Y al igual que él, dudaremos de nuestra percepción ¿serán todo imaginaciones nuestras?

El que su directora Karin Kusama tuviera en su currículum cintas como Aeon Flux (2005) y Jennifer’s Body (2009), echó para atrás a más de uno que se perdió así la demostración de que no hacen falta grandes medios ni recurrir al elemento sobrenatural cuando se tiene una buena historia, se dosifica meticulosamente la información y se sabe manejar los mecanismos del suspense. Una auténtica cinta de terror moderno plausible y cotidiano con religiones New Age a modo de sectas destructoras y unos actores naturales de entre los que destaca el siempre enigmático John Carroll Lynch.

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Sion Sono recién llegado a Sitges presentando el primer pase de Tag (Foto: Serendipia)

Buen postre a tan impecable plato fue disfrutar (fiambrera en mano porque no había tiempo para volver a cenar en casa) de Tag,  una de la tres películas de Sion Sono que se proyectaron durante el festival de las cinco que ha dirigido durante este año. Tag es una hipnótica cinta cuya trama se hace difícil de explicar sin destripar, así que al tanto que viene SPOILER: Como repite varias veces uno de los personajes de la cinta: “La vida es surrealista“, está en nuestra mano cambiar lo “escrito”, basta con sorprender a la norma con nuestros actos. El poético Sono lo sabe y nos lo cuenta mediante bellas pero también impactantes escenas cuya ilación se nos escapa en un principio, pronto, sin embargo, descubrimos que la historia sigue un patrón: mientras la protagonista cambia su apariencia, el resto de personajes vuelven en roles idénticos para llevarla cada vez a una misma conclusión. Descubrimos poco a poco que estamos dentro de un vídeojuego (se nos hizo inevitable pensar en ExistenZ del canadiense Cronemberg), y que liberarse de su predeterminación (de un universo construido, además, a partir de las fantasías masculinas que toman a la mujer como un objeto) va a ser el objetivo de la protagonista a la que acompañaremos hasta su encuentro con el creador (sí, también de Matrix nos llegan ecos) FIN DEL SPOILER. Sono pasa del delirio a la delicadeza y del exceso a la belleza. No hay término medio, o te gusta o lo desprecias. Etiqueta compartida con el otro genio japonés protagonista de esta edición del festival y del que hablaremos en su momento. El pintoresco Sion Sono acudió en persona al festival para recoger uno de los cinco trofeos Máquina del Tiempo que se repartieron durante esta edición.

Pasada la medianoche llegó Tales of Halloween que es, como la inmensa mayoría de los filmes de episodios, una cinta irregular. Con la tétrica, y cada vez más extendida festividad estadounidense como motivo temático, once directores jóvenes han pergeñado diez historias que abarcan momentos humorísticos y (más o menos) terroríficos, condimentando el metraje con la aparición de varios ilustres personajes de la vieja guardia como Adrienne Barbeau, Joe Dante, John Landis, Stuart Gordon, Barbara Crampton, Lisa Marie, Caroline Williams y Mick Garris, además de la participación de nuestra admirada Pollyanna McIntosh en Ding, Dong episodio dirigido por Lucky McKee y uno de los más interesantes junto a The Ranson of Rusty Rex, de Ryan Schifrin, que es el último trabajo interpretado por  Ben Wolf. Efectos especiales old school, stop motion y toda la iconografía spooky  característica de la noche de Halloween, motivo también de la más memorable Helions (de la que hablaremos en su momento). No está mal para un segundo día. Y más si a todo esto debemos sumar Contracted Phase 2, Cooties que  (ya fueron comentadas aquí), y Le Tout Noveau Testament, otra de las grandes cintas presentadas durante el Festival, de la que procuraremos hablar.

Toda una jornada deliciosamente agotadora.

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Categorías:Festival de Sitges

Serendipia’s Sitges Film Festival 2015. Primera cápsula

26 octubre 2015 Deja un comentario

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Sí, no se sorprendan por el título de nuestra serie de artículos. Lo que vamos a contar es nuestro festival de Sitges, ya que con tanta película programada, de las que pudimos ver unas cuarenta cintas, la selección de, por ejemplo usted, podría ser totalmente diferente, y así podríamos narrar dos festivales totalmente diferentes siendo, como es, el mismo.

Pero no solo hablaremos de películas, ya que nuestra estancia en el festival ha tenido un poco de todo: felices reencuentros, amenas charlas, carreras de una a otra sala, y puestas de largo de varias publicaciones. Pero sobre todo cine, mejor y peor cine, pero cine seleccionado por el equipo del festival de entre lo más granado proveniente de todos los continentes.

Nueve días dan para mucho. Para que en tan solo un día parezca que uno lleve en Sitges un mes, y para sorprenderse de lo rápido que pasan los días. Y es que vivir el festival es entrar en una burbuja temporal en la que los problemas cotidianos quedan en suspenso, en lo que lo más importante es coger un buen asiento y penetrar en una nueva fantasía.

Quizá por ello nos gusta tanto vivir el festival de Sitges. A pesar de que  después tengamos que atravesar después un periodo de adaptación a la realidad, una vuelta a los problemas que dejamos aparcados y a recuperarnos físicamente de todo el cansancio que, de sala en sala, no notamos en su momento. Eso sí, nos hemos traído también un buen constipado… Pero todos esos ‘efectos secundarios’ se llevan mucho mejor gracias a ese puñado de buenos momentos vividos e imposibles de resumir, pero que vamos a compartir con ustedes en estas crónicas de nuestro 48 Festival de Sitges.

VIERNES 9 DE OCTUBRE

martyrs-600x856Instalados desde el día antes  y con la nevera bien provista, Serendipia inicia su itinerario por el festival desde el entrañable Prado. Abriéndolo y tomando asiento en su butaca favorita para ver un filme del que no nos esperábamos nada bueno. Y es que la versión americana de Martyrs (Kevin y Michael Goetz, 2015), traiciona el original francés tanto en el fondo como en la forma. Como no podía ser de otra forma añade acción e intriga  a la propuesta de Pascal Laugier, pero a cambio de pervertir el sentido de la cinta, su profundidad, convirtiéndola en una medianía. Elimina la violencia más cruda y necesaria, anulando la relación de ciego amor y sumisión de la protagonista Anna (Morjana Alaoui) hacia su amiga Lucie (Mylène Jampanoï). Se ha prescindido de escenas como aquellas en la que Anna era rapada y vejada, sin ningún tipo de sentimiento, imágenes que resultaban tan o más violentas e impactantes que el propio desollamiento, dando como resultado una película que revaloriza aún más la original. Resulta innecesaria, ridícula. Muerte anunciada.

segundo-origen-posterMientras, en l’Auditori, se proyectaba en sesión exclusiva para escuelas la catalana Segon Origen (Carles Porta, 2015), una descafeinada adaptación de la obra de Manuel de Pedrolo Mecanoscrit del segon origen que ya fue adaptada como serie televisiva en los años ochenta por Ricard Reguant. Rodada de forma casi mecánica y apresuradamente, como si hubiera que cumplir con los momentos relevantes de la novela, esta adaptación libre, contra las que no tenemos inconveniente si respetan el sentido de la novela, añade subtramas a su antojo que, además, no aportan nada al relato. Y no es eso lo peor, lo peor es que se traiciona el espíritu de la obra para no provocar la ira de lo políticamente correcto: en la novela Alba es apenas una adolescente y Dídac un niño cuando tienen su primer contacto sexual. Y Alba es totalmente consciente de que habrá de tener hijos con su propio hijo si quiere construir una nueva humanidad, pensamiento que es recogido literalmente en el texto. No podemos saber como habría sido la película de haber sido realizada por Bigas Luna, pero a buen seguro que no habría desperdiciado estos elementos transgresores.

Segon Origen es una película fallida en la que ni siguiera el gran Sergi López resulta creíble en uno de los caracteres que mejor se le dan, el de villano de la función. Tampoco nos parece bien la elección de la actriz inglesa Rachel Hurd-Wood como protagonista, ya que su dicción despoja de credibilidad al personaje.

Una buena oportunidad desaprovechada de realizar una buena cinta de ciencia-ficción autóctona basada en la obra de un escritor que parece no tener suerte con las adaptaciones de sus novelas, basta recordar (o mejor no), Garum (Fantástica contradicción) de Tomás Muñoz o Emmanuelle y Carol del prolífico Ignacio F. Iquino.

Con The Witch se inicia realmente el 48 Festival de Sitges (foto Serendipia)

Con The Witch se inicia realmente el 48 Festival de Sitges (foto Serendipia)

Tras Martyrs primera carrerilla hacia l’Auditori para ver el film que inauguraba, de verdad, el festival. The Witch, cinta con las que su director Robert Eggers debutaba en el cine y con la que obtuvo el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance. Basada también en un guión suyo, está ambientada en Nueva Inglaterra (lugar de origen de Eggers) en el siglo XVII. Nos narra como una familia que vive sola en el bosque es pasto de lo que en principio parecen ser supersticiones: un bebé desaparece, una cabra comienza a dar sangre en lugar de leche… todo situado en un ambiente inquietante, el bosque como lugar donde habita el mal,  acompañado de una sobrecogedora banda sonora y una bella fotografía plagada de fundidos en negro y tableaux vivants que llevan directamente al tratamiento de las sombras y luces de Rembrandt y a la imaginería de Gustavo Doré. La película tiene más de una lectura, como retrato de la superstición e ignorancia que explica todo mal como producto del diablo; o como parábola de una nación, la americana, que está naciendo; pero también  puede leerse como un acto de liberación de la feminidad de la protagonista. Una de esas cintas que dejan poso, que apetece volver a revisar.

La protagonista de The Witch, Anya Taylor-Joy (Foto: Alejandro García)

La protagonista de The Witch, Anya Taylor-Joy (Foto: Alejandro García)

Absolutely Anything, dirigida por el -para siempre- Monty Python Terry Jones, fue una de las varias comedias que pudimos disfrutar durante el festival. Absolutely-Anything_poster_goldposter_com_11Protagonizada por Simon Pegg, en cierto modo moderno heredero del mejor humor inglés, y la magnífica Kate Beckinsale, nos cuenta como la tierra será juzgada por la Comunidad Intergaláctica de Seres Superiores, unos divertidos alienígenas cuyas voces están dobladas por las de los componentes de Monty Python, con una prueba consistente en escoger a un terrícola al azar y darle el poder de hacer realidad todo cuanto se le ocurra. Si hace el bien, invitarán a la tierra a sumarse al consejo. Si  no, fulminarán el planeta. Naturalmente este terrícola será Simon Pegg y lo que en principio parece resultar fácil no lo será tanto. Y es que como dijo el tío Ben: ‘Todo gran poder conlleva una gran responsabilidad‘, lo que dará ocasión de ver al personaje interpretado por Pegg tanto en modo filantrópico como miserable dejando por medio un buen número de gags. Resumiendo, una magnífica comedia fantástica y otra ocasión de recordar porqué amamos tanto a Monty Python.

Con Mr. Right llegó otra vez el turno de la comedia. Dirigida por el sevillano Paco

Paco Cabezas presentando su película (Foto: Serendipia)

Paco Cabezas presentando su película (Foto: Serendipia)

Cabezas de nuevo con presupuesto americano tras desembarcar en el mercado yankee con Tokarev (2014), la cinta es una atípica comedia sentimental que nos cuenta la historia de amor entre un asesino a sueldo (Sam Rockwell) y una excéntrica muchacha (Anna Kendrick) que viven su romance a ritmo de disparos, humor acción y baile. Repleta de diálogos veloces y situaciones descabelladas que suponen una auténtica deconstrucción del género y que inevitablemente nos hacen pensar en el universo tarantiniano. Situaciones que pueden tener algo de surreal, hasta de fabuloso, pero en las que lo fantástico brilla por su ausencia. Mr. Right representa otro paso adelante del simpático director sevillano hacia el afianzamiento de su carrera, aunque tenga que ser allende los mares. Por cierto un director que, cuando escribo esto, se encuentra rodando algunos episodios de la nueva temporada de la exitosa serie Penny Dreadful que como recordamos también tiene dos episodios dirigidos por J. A. Bayona.

Buen sabor de boca con el que abordar Sorgenfri (What We Become), cinta danesa con la que debuta en la dirección de largometrajes Bo Mikkelsen, autor también del guión de esta historia de epidemias que obligan a instaurar la ley marcial en la, hasta entonces, idílica ciudad de los protagonistas. La intriga  se construye, y muy bien, por medio del clima que desata esa estricta ley marcial similar, a veces, a una ocupación militar con paseos incluidos a algunos ciudadanos. Pero todo se viene abajo cuando vamos viendo los familiares síntomas que produce la epidemia: sí, lo han adivinado, los infectados se transforman en hambrientos zombis caníbales. Y toda la trama construida hasta ese momento se transforma en otra rutinaria historia de muertos vivientes con un final abierto que no vaticina nada bueno. Y es que sin lugar a dudas el zombi es el monstruo del siglo XXI, pero ya empieza a cansar y hubiéramos preferido que en lugar de acudir a ellos la causa y consecuencia de la epidemia apocalíptica hubiese quedado por determinar manteniendo el suspense hasta el final.

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Teníamos ganas de ver Summer Camp, el nuevo filme presentado por Filmax. Principalmente porque desde Proyecto Naschy nos declaramos fans de la labor que viene realizando esta productora por el fantástico en España (y que parece que no se valora lo suficiente). Y segundo porque es el debut en la dirección de Alberto Marini, guionista de películas como Mientras duermes (2011) de Jaume Balagueró, cinta cuyo argumento nos encantó por su reflejo de la cara oculta de la cotidianidad y de la muy interesante El desconocido (Dani de la Torre, 2015), entre otras.

Definida por su propio director como  “una peli de terror gamberro“, Summer Camp es exactamente eso. Y quizás por ello ni él ni su compañera de guión, Danielle Schleif,  se han estrujado mucho el cerebro en su escritura, poniendo más el acento en los efectos sangrientos y en las persecuciones. Mezclando comedia, terror y diversos fluidos a golpe de efecto con mucho de Posesión infernal (incluido un plano que homenajea su cartel). El resultado no deja de ser tan entretenido como manido. Caer en el tópico, pese a contar con un elemento atractivo (los efectos de la infección aparecen y desaparecen en un twister imprevisible), no es lo peor de la cinta con la que debuta Marini; lo peor es que no parece encontrar el correcto tono narrativo. Esto es, la película viene lastrada por un primer acto insulso en el que se dan detalles que no tendrán la menor relevancia en el resto de la trama, y en el que no llegamos a saber si estamos viendo una parodia o un filme que se toma en serio a sí mismo pero cae repetidamente en el humor involuntario. Según parece, en el montaje previo que fue exhibido en Estados Unidos el elemento cómico era patente, pero no funcionó con los espectadores americanos, motivo que llevó a sus creadores a remontar el primer acto reduciendo su comicidad. A todas luces un gran error porque lo único que se logra con el montaje proyectado es que dé la impresión de que la película no arranca ni se define, para cuando encuentra su camino humorístico ya es demasiado tarde para conferirle ese tono de cine gamberro que se prometía en la presentación.

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No, no. La imagen de arriba y esta no pertenecen a la misma película (Captura de Summer Camp)

Rodada en inglés con reparto internacional y repleta de efectismos y sustos de esos que se ven venir, lo mejor de la película es que el personaje interpretado por Andrés Velencoso muere al poco de  comenzar la acción … y no vuelve.

Para terminar un intenso día, nada mejor que una cita con el peor cine de la mano de Cine Basura. Y es que como va siendo habitual y, por nuestra parte, esperado, se emitió un nuevo espacio del programa presentado por Paco Fox  y en las mejores condiciones, en la nueva sala Tramuntana habilitada como cine.

Paco Fox y Carlos Palencia, pope de la Cutrecon, nos trajeron basura de primera, ya que vinieron con Encuentro con la maldad bajo el brazo. Una bazofia italiana también conocida como La casa 4 y Witchcraft  producida por la Filmirage de Joe d’Amato  y que a pesar de estar rodada en Estados Unidos, puede notarse el regusto de la salsa carbonara repitiéndose en todos los fotogramas. Protagonizada (lo de interpretada le va grande) por una Linda Blair en horas bajísimas y David Hasselhoff en la que posiblemente sea la peor/mejor interpretación de su carrera, la cinta esta dirigida por Martin Newlin (o lo que es lo mismo, Fabrizio Laurenti).

Fox y Palencia: ¡Al ataqueerllll! (Foto: Serendipia)

Fox, Palencia y la fiambrera de galletas: ¡Al ataqueerllll! (Foto: Serendipia)

Esta gema del humor involuntario fue despedazada sin piedad por Fox y Palencia, que contaron también con la colaboración del director Paco Cabezas, que se dejó caer como invitado. Lamentablemente el proyeccionista no estaba muy al tanto del funcionamiento de Cine Basura, así que el volumen de la película estaba más alto que el del micrófono de los presentadores, por lo que no se les escuchó durante buena parte del metraje. Algo que suponemos será subsanado en futuras ediciones, ya que la sala ha ganado en cuanto a comodidad y calidad. Pero de la sala Tramuntana ya hablaremos en las conclusiones de esta edición del Festival de Sitges.

Y poco más queda de esta primera, y potente, jornada en el festival de Sitges. Tan solo sumar a las películas reseñadas tres título más: Blodsucking Bastards, We Are Still Here y Turbo Kid, de las cuales ya les hablamos en su día aquí.

Continúa el itinerario aquí

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El Festival de Sitges incrementa el número de entradas vendidas y suma más espectadores‏

21 octubre 2015 Deja un comentario

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Los ingresos por ventas aumentan un 23,1% respecto al 2014

La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha incrementado sustancialmente las cifras correspondientes a la venta de entradas y el número de espectadores respecto al año pasado. Según los datos recogidos hasta la finalización del Festival, en la edición de este año se han vendido un total de 77.955 entradas -correspondientes a 63.405 entradas de sesiones y 14.550 entradas de abonos-, un 20,8% más respecto a la pasada edición (64.509).

Paralelamente, Sitges 2015 ha supuesto a la vez un incremento del 23,1% respecto al año pasado en el capítulo de ingresos por ventas. Estos datos suponen un récord en los registros del Festival y muestran la consolidación y el crecimiento de un certamen que, además de contar con un público muy fiel, gana adeptos y notoriedad en todo el país y el mundo.

El director de la Fundación organizadora del Festival, Xavier Duran, ha hecho una valoración muy positiva de esta 48ª edición: “Es un año en el que se han batido récords de asistencia y de venta de entradas. Ya desde el inicio, la preventa de abonos y packs marcó un buen ritmo, hasta llegar finalmente a un incremento del 95% de packs y abonos vendidos respecto al 2014. Se trata de una señal indudable de la fidelidad del público del Festival, que ha mostrado su entusiasmo y ha hecho colas larguísimas durante todos los días. La asistencia a todas las salas ha sido masiva y, por ello, valoramos muy positivamente la toma de decisión respecto la apertura de una cuarta sala, la Tramuntana, que se mantendrá de cara a próximas ediciones. También se han abierto nuevas vías de colaboración en el ámbito industrial, académico y de patr ocinios, con diversas iniciativas que han dado muy buen fruto y en las que insistiremos de cara al futuro”.

Por su parte, el director del Festival, Ángel Sala, se ha mostrado muy satisfecho con los resultados -económicos y de programación- obtenidos en esta 48ª edición: “La interactividad de la programación con el público y los invitados, su implicación y el nivel de consenso respecto a la calidad de los títulos presentados en las diferentes secciones son grandes titulares en una edición que ha marcado una clara tendencia del género hacia el terror de autor y la heterodoxia del fantástico en su capacidad para combinarse, incluso fagocitar otros géneros como es el caso del western”.

 

 

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Sitges 2015, el palmarés como resumen

19 octubre 2015 Deja un comentario

Esperando ya con ganas el Sitges 2016 (que, ya se puede anticipar, girará en torno a Star Trek), toca hacer balance de este del 2015 que nos acaba de dejar.

En sucesivas entradas iremos escribiendo sobre nuestro festival, cuando digo nuestro me refiero al que hemos vivido nosotros particularmente y que no va a coincidir por completo con ninguno de los vividos por otros. Y es que Sitges tiene una oferta tan amplia y plural que existen casi tantos festivales dentro del festival como espectadores han asistido (más de 75.000 según algunas fuentes). Así que no emitiremos juicios apodícticos ni sentaremos cátedra ni pretenderemos ser una especie de deidad capaz de emitir una valoración que pontifique sobre todo lo que ha supuesto la 48 edición (desmarcándonos así de algún que otro divo de la crítica que se ha expresado como un auténtico Ángel Exterminador).

A estas horas, cuando no hace ni un día que nos hemos reincorporado a nuestra cotidianidad, las más de cuarenta películas que hemos visto se entremezclan en un denso tejido de imágenes e impresiones. Todavía bajo el influjo de la fiesta del fantástico, el sabor que llega a nuestro paladar es grato, porque, aunque alguna película no haya cubierto las expectativas depositadas en ella, no ha habido ningún título de los vistos que se haya merecido la calificación de puro dislate.  Balance positivo el nuestro, reforzado por ver premiada con el principal galardón a The Invitation, película que no nos cansamos de recomendar a todo el que nos preguntaba.

Nunca lloverá a gusto de todos. Cada año el palmarés será discutido, pero en nuestra modesta opinión el de este año ha premiado a cintas que se lo merecían (más allá de que otras también podrían haber recibido el mismo reconocimiento).

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC SITGES 48
Premio Mejor Película: The Invitation de Karyn Kusama
Premio Especial del Jurado: The Final Girls de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): S. Craig Zahler por Bone Tomahawk
Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne por Le tout nouveau testamento
Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Joel Edgerton por The Gift
Premio Mejor Guión: The Final Girls de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejores Efectos Especiales: I Am a Hero de Shinsuke Sato
Premio Mejor Fotografía: Demon de Marcin Wrona
Premio Mejor Música: Turbo Kid de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell
Premio Mejor Cortometraje (patrocinado por Fotogramas): They Will All Die in Space de Javier Chillon
Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): I Am a Hero, de Shinsuke Sato
Premio José Luis Guarner: Bone Tomahawk de S. Craig Zahler
Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton porThe Survivalist
Premio Jurado Carnet Jove Mejor Película: Turbo Kid de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC ÒRBITA
Premio Mejor Película: SPL2: A Time for Consequences de Soi Cheang
Premio Mejor Dirección: John Maclean por Slow West
Premio Especial del Jurado: The Taking of Tiger Mountain de Tsui Hark

PANORAMA FANTÀSTIC
Premio Mejor Película Panorama Documenta: Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu de David Gregory
Premio del Público: El Eslabón Podrido de Valentín Javier Diment.

NOVES VISIONS
Premio Mejor Película Noves Visions One: Anomalisa de Charlie Kaufman, Duke Johnson
Mención especial Noves Visions One: Men & Chicken de Anders Thomas Jensen
Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: Disco Inferno de Alice Waddington ex aequo con Formas de jugar de Gemma Blasco
Premio Mejor Película Noves Visions Plus: Anabel de Antonio Trashorras
Mención especial: Lovemilla de Teemu Nikki

FOCUS ÀSIA
Premio Mejor Película: Veteran de Ryoo Seung-wan

ANIMA’T
Premio Mejor Película: Miss Hokusai de Keiichi Hara
Premio Mejor Cortometraje: Voltaire de Jan Snoekx
Mención especial Cortometraje: The Orchestra de Mikey Hill

MIDNIGHT X-TREME
Premio Mejor Película: Bound to Vengeance de José Manuel Cravioto

MÉLIÈS D’ARGENT
Premio Mejor Película Europea S.O.F. Sitges 48: Le Tout Nouveau Testament de Jaco Van Dormael
Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: Graffiti de Lluís Quílez

BLOOD WINDOW
Premio Mejor Película Blood Window: Los parecidos de Isaac Ezban

BRIGADOON
Premio Mejor Cortometraje Brigadoon: Caradecaballo de Marc Martínez Jordan

PHONETASTIC
Premio Mejor Cortometraje: Blackout de Sylvain Certain

SITGES CINE365 FILM
Premio Sitges Cine365 Film: Caradecaballo de Marc Martínez Jordan ex aequo con Zero de David Victori

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Sitges 2015: ‘Parasyte’

16 octubre 2015 Deja un comentario

sitges

PARASYTE (Kiseijuu, Takashi Yamazaki)

Parasyte-Part-1-2014Esta cinta, dividida en dos partes, está basada en un popular manga de horror y ciencia ficción ilustrado por Hitoshi Iwaaki, que ya fue adaptado anteriormente en forma de anime. Narra una invasión ¿alienígena? de la Humanidad por medio de una especie de orugas que se adueñan de los cuerpos que parasitan introduciéndose en su cerebro por los diferentes orificios de la cabeza: nariz, orejas… pero a nuestro apocado protagonista Shin’Ichi (Shôta Sometani) el parásito, de nombre Migi, se le adueñará de la mano derecha, produciéndose la particularidad de que ambos convivirán compartiendo cuerpo.

Relatada en clave de comedia, aunque mezclando drama y terror, Parasyte es un buen divertimento que combina momentos divertidos junto al más desorbitado gore, ya que una vez toman el mando de un humano, los parásitos deben alimentarse de carne humana. Shôta Sometani, encarnando una especie de Peter Parker, muestra otra vez su capacidad para la comedia, cualidad que ya pudimos comprobar recientemente con su trabajo en Wood Job! (Shinobu Yaguchi, 2014), cinta que obtuvo el premio del público en la última  edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic.

 

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